title: Pierre Harel

text: Pierre Harel est un artiste québécois né en 1944 à Sainte-Thérèse dans les Laurentides. Poète, musicien, acteur, cinéaste et scénariste, sa notoriété provient principalement de ses activités dans la sphère musicale du rock québécois. Il a écrit et chanté au sein des groupes Offenbach, Corbeau et Corbach, en plus de publier trois albums solo. Sa sœur est Louise Harel, députée à l'Assemblée nationale du Québec entre 1981 et 2008.


title: Pierre Harel

text: Attiré dès l’adolescence par la communication s’établissant par le biais des arts, il s’initiera à diverses formes d’expression avec une emphase axée sur la chanson et le cinéma. En musique il fait ses débuts sur scène, une guitare à la main, en première partie de Félix Leclerc lors d’une visite de ce dernier dans sa région natale. En 1967, il travaille comme régisseur pour l'émission pour enfants "Bobino" sur les ondes de Radio-Canada, aux côtés de Guy Sanche, Paule Bayard et Camério. Du côté cinématographique il coréalise en 1968 avec Pascal Gélinas "Taire des hommes", un documentaire à propos des évènements entourant l’émeute du Lundi de la matraque.


title: Pierre Harel

text: En 1971 il devient chanteur et auteur au sein d’Offenbach: son désir d’écrire des textes en français aura un impact majeur sur le groupe et de cette première collaboration résultera l'opus "Offenbach Soap Opera". Ce disque contient entre autres la fameuse "Câline de Blues" qu’il utilisera en 1974 comme chanson thème de son film "Bulldozer", un récit tourné en partie dans un dépotoir de l'Abitibi présentant un monde marginal et sans espoir dans lequel évoluent des personnages aussi disparates que Tony Roman, Mouffe, Raymond Lévesque, ou encore Pauline Julien. Il participe aussi au fameux projet d'une "messe des morts" à l'Oratoire du Mont-Royal à Montréal, qui donnera lieu à l'album "Saint-Chrone de Néant" en 1972.


title: Pierre Harel

text: Quelques années après s’être séparé d’Offenbach au moment même où la formation se trouvait en France, une tournée immortalisée par le cinéaste français Claude Faraldo dans son documentaire musical "Tabarnac", il met sur pied un nouveau projet rock du nom de Corbeau formé tout d'abord de Harel au chant, Donald Hince à la guitare et des ex-Offenbach Michel "Willy" Lamothe à la basse et de Roger "Wézo" Belval à la batterie. qu’il quittera juste avant la parution de leur premier album éponyme, en 1979, principalement à cause des tensions créées par l’arrivée au sein du groupe de la chanteuse Marjolène «Marjo» Morin et du guitariste Jean Millaire.


title: Pierre Harel

text: Toujours en 1979 il réalise et partage la vedette avec Paule Baillargeon dans le film "Vie d’ange", une sombre histoire d’amour trash qu’il lui aura finalement pris cinq ans à compléter. Il ira vivre par la suite pendant plusieurs années chez les Amérindiens, une période où il découvre ce qu'il appelle «... un autre Québec dont les autochtones étaient les véritables seigneurs».


title: Pierre Harel

text: Il faudra attendre jusqu’en 1987 avant de le voir réapparaître artistiquement avec "Grelots rouges, sanglots bleus", un long-métrage relatant la rupture inévitable vécue par un cinéaste amoureux fou d'une peintre où il occupe à nouveau les rôles de réalisateur et de comédien. Puis il renoue avec la chanson l’année suivante, entouré d’anciens acolytes de ses escapades musicales précédentes, avec la parution de l’album "Tendre ravageur" qui connaît un succès davantage d’estime que commercial (cet album est désormais disponible sous le nom de "Corbeau/85 - Hôtel Univers", qui contient 2 pièces additionnelles, une réinterprétation en deux parties du classique du groupe Offenbach, "Faut que j'me pousse" ).


title: Pierre Harel

text: En regroupant d’anciens membres de Corbeau et d’Offenbach il crée en 1991 un autre projet rock simplement nommé «Corbach», une formation qui demeurera active durant le reste de cette décennie avec deux albums "Rite rock" et "Amérock du nord", quelques vidéoclips et de nombreux spectacles. On le voit ensuite en 2000 accompagner son vieux complice Michel «Willy» Lamothe dans le projet familial de celui-ci d’où sera issu l’album "Willie Lamothe et fils" qui se prolongera par le spectacle "De Willie à Willy", qui fut présenté au Festival western de Saint-Tite et à Expo Québec. Le , avec Michel Lamothe, Roger Belval, Johnny Gravel et du guitariste Bob Champoux, il participe aux FrancoFolies de Montréal avec son spectacle "Harel chante Félix en colère" qui donnera ultimement l'album "Félix Leclerc en colère".


title: Pierre Harel

text: Le il célèbre le trentième anniversaire de la désormais mythique « Messe des Morts de l'Oratoire St-Joseph », un spectacle dont il avait été l’instigateur et que l’on peut entendre sur l’album d’Offenbach "Saint-Chrone de Néant"; cette prestation a été retransmise en direct sur la chaîne de télévision publique Télé-Québec.


title: Pierre Harel

text: Il lance publiquement en un signal de détresse dans les journaux qui aboutira sur une offre de la productrice Julie Snyder: le résultat de cette entente sortira en librairie l’année suivante sous le nom de "Rock ma vie", un road movie littéraire qui laisse toute la place à sa propre histoire. Julie Snyder, était la conjointe de l’important homme d’affaires québécois Pierre Karl Péladeau, un admirateur avoué de Harel.


title: Pierre Harel

text: Pierre Harel est actuellement chroniqueur pour Canoe.ca.Pour le film "Vie d'ange", il cumule également les postes de scénariste et d'acteur, alors que pour le film "Bulldozer", il occupe aussi les tâches de scénariste et de chef monteur.


title: Sophrone III de Constantinople

text: Il devient ensuite patriarche orthodoxe d'Alexandrie, du au , sous le nom de .


title: Cyrille VII de Constantinople

text: Cyrille VII de Constantinople (en grec ), né en 1775 à Andrinople et mort en 1872 à Heybeliada, fut patriarche de Constantinople du au .


title: Sur les terres d'Horus

text: Sur les terres d'Horus est une série de bande dessinée d'Isabelle Dethan prenant place dans l'Égypte antique à l'époque de . Cette série en huit tomes relate les enquêtes et aventures menées par le prince Khâemouaset, enquêtes en général menées sur ordre de son père. Il est secondé dans cette tâche par la belle scribe Meresânkh.


title: Sur les terres d'Horus

text: Si chaque paire d'album relate une enquête différente et peut donc se lire de manière indépendante, l'ensemble de la série forme également un tout possédant son propre niveau de lecture et racontant la lutte de Khâemouaset contre une secte d'adorateurs de Seth ainsi que l'évolution de ses rapports amoureux avec Meresânkh.


title: Sur les terres d'Horus

text: "Sur les terres d'Horus", Delcourt, coll. « Conquistador » :


title: Tom Tykwer

text: Tom Tykwer , né le à Wuppertal, est un réalisateur, scénariste, producteur et compositeur allemand.


title: Tom Tykwer

text: En 1994, il a fondé avec Stefan Arndt, Dani Levy et Wolfgang Becker la maison de production X-Filme Creative Pool.


title: Tom Tykwer

text: Il est élu membre de l'Académie des arts de Berlin en 2000.


title: Tom Tykwer

text: C'est dès l'âge de 11 ans que Tom Tykwer s'amuse à tourner ses premiers films avec une petite caméra super 8. Cinéphile averti, il prend en charge, alors qu'il n'est encore qu'adolescent, la programmation d'une grande salle de cinéma berlinoise et devient lecteur de scénarios pour assurer le quotidien. Il se lance en 1990 dans l'aventure de la réalisation avec le court métrage "Because", expérience qu'il réitère en 1992 avec "Epilog", et tourne son premier long métrage l'année suivante, la comédie dramatique Maria la Maléfique.


title: Tom Tykwer

text: Se démarquant par son style visuel, rythmé et coloré, le cinéaste allemand signe en 1997 Les Rêveurs, distingué dans de nombreux festivals. Mais c'est surtout l'année suivante, en mettant en scène la course furieuse de Lola (Franka Potente) pour sauver son petit ami dans "Cours, Lola, cours", que Tom Tykwer s'impose au niveau mondial. Le cinéaste retrouve Franka Potente, devenue alors sa compagne, à l'occasion du drame romantique "La Princesse et le Guerrier" en 2000.


title: Tom Tykwer

text: Scénariste, et régulièrement compositeur de ses films, Tom Tykwer déroge pourtant à la règle en acceptant en 2002 de mettre en scène un scénario de Krzysztof Kieślowski intitulé "Heaven", premier film du réalisateur allemand porté par un casting international : Cate Blanchett et Giovanni Ribisi. Le film fit l'ouverture de la Berlinale 2002 mais ne fut pas un succès. En 2005, il s'associe aux 19 autres réalisateurs de tous horizons qui participent au film à sketches "Paris, je t'aime", réalisant un segment avec Natalie Portman. Il tourne ensuite "Le Parfum", adaptation du célèbre roman de Patrick Süskind, où il dirige entre autres Dustin Hoffman et Alan Rickman.


title: Tom Tykwer

text: En 2009, il lance Clive Owen et Naomi Watts aux quatre coins du monde, sur la piste d'une multinationale aux agissements douteux dans "L'Enquête", un thriller dont il a également composé la musique. Il retourne en Allemagne l'année suivante pour réaliser "Trois" (2010), film dramatique qui se retrouve en compétition à la Mostra de Venise. Il s'associe ensuite aux Wachowski avec qui il coscénarise et coréalise "Cloud Atlas", adaptation très ambitieuse du roman éponyme de David Mitchell. Le tournage débute en , et Tykwer réalise les séquences correspondant à trois des six époques dépeintes dans le film, toutes ancrées dans le passé (XIX et XX siècle). Polyvalent sur le projet, il participe également à la composition de la musique originale. Il retrouve les sœurs Wachowski sur le tournage de la série "Sense8", diffusé sur Netflix, pour laquelle il réalise les segments de Berlin et Nairobi, et dont il compose également la bande-son.


title: Tom Tykwer

text: En , il est annoncé président du jury de la Berlinale 2018.


title: Māya Sakamoto

text: , née le à Tokyo est une seiyū (doubleuse) et chanteuse japonaise.


title: Māya Sakamoto

text: Elle est mariée à Ken'ichi Suzumura depuis 2011.


title: Māya Sakamoto

text: Elle rejoint un club de théâtre à l'âge de 8 ans, et double des films américains au Japon, dont entre autres Flora dans "la Leçon de piano", et Lex dans "Jurassic Park". En 1996 elle prête sa voix à Hitomi Kanzaki, personnage principal de la série animée "Vision d'Escaflowne". Elle est choisie par la compositrice Yōko Kanno pour chanter plusieurs chansons pour cette série, dont le générique d'ouverture « "Yakusoku wa Iranai" » et la chanson de fin « "Yubiwa" » du film.


title: Māya Sakamoto

text: Elle a ensuite régulièrement travaillé avec Yōko Kanno et a obtenu des rôles de doublage et de chanteuse sur d'autres animes tels qu'entre autres : "Les Chroniques de la guerre de Lodoss", "Wolf's Rain", "Kanon", "RahXephon", "Gundam Seed Destiny", ".hack//SIGN", "Tsubasa Reservoir Chronicles", "Soul Eater", où elle prête sa voix à Crona, "Black Butler" ("Kuroshitsuji") dans lequel elle tient le rôle de Ciel Phantomhive, le héros de l'histoire, ou "Ouran high school host club" dans lequel elle prête sa voix à Haruhi Fujioka, le personnage principal. Elle a aussi interprété des voix dans des jeux vidéo comme "Panzer Dragoon Saga", "Kingdom Hearts, et Napple Tale".


title: Māya Sakamoto

text: Elle a également prêté sa voix à Padmé Amidala pour le doublage japonais de "Star Wars" , , et , à Kate Brewster dans "", à Max dans la série télévisée "Dark Angel" et à Arty dans "".


title: Māya Sakamoto

text: Elle joue aussi le rôle d'Éponine dans la version japonaise de la comédie musicale "Les Misérables".


title: Māya Sakamoto

text: En tant que chanteuse, Māya Sakamoto a sorti cinq albums solo, un mini-album, un grand nombre de singles et deux compilations. En , elle a sorti son quatrième album, "Shōnen Alice", et un DVD d'un court métrage du réalisateur de "Mizu no onna" appelé "03 CROSS". Maaya n'écrit elle-même que de temps en temps les paroles de ses chansons. Ses collaborateurs les plus courants sont Yuho Iwasato pour les chansons japonaises et Tim Jensen pour celles en anglais. Le nouveau fan-club de Maaya, "Idling Stop", a ouvert en 2004. Elle a travaillé avec Yōko Kanno jusqu'à la sortie de son cinquième album, sorti en , qui ne contenait pas de chanson de la compositrice.


title: Māya Sakamoto

text: Elle prête également sa voix au personnage de Lightning dans la version japonaise du jeu Final Fantasy XIII.


title: Maladies en rapport avec les mutations du gène IRF6

text: Les comprennent un ensemble de phénotypes qui vont du syndrome de Van der Woude au syndrome de la bride poplitée :


text: L'intelligence et la croissance dans ces deux phénotypes sont normaux.


text: Le diagnostic est clinique. Des mutations du gène IRF6 sont décelées dans 60 à 85 % des phénotypes.


text: La transmission est autosomique dominante.


title: P7zip

text: p7zip est le portage sous Unix, Linux et Mac OS X de la version en ligne de commande de 7-Zip. p7zip est un logiciel libre distribué sous la licence Licence publique générale limitée GNU ("LGPL") en version 2.1 ou ultérieure. Le logiciel est écrit en C++.


title: Musique minimaliste

text: La musique minimaliste est un courant de musique contemporaine apparu dans les années 1960 aux États-Unis, qui représente une part importante de la musique classique de ce pays. En France, le courant est fréquemment appelé musique répétitive, et désigne plus spécifiquement l'ensemble des œuvres utilisant la répétition comme technique de composition. Les principaux compositeurs de musique minimaliste sont La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, et John Adams. L'œuvre considérée comme fondatrice du minimalisme est "In C" de Terry Riley, composée en 1964. La musique minimaliste est parfois désignée sous l'étiquette plus large de musique postmoderne.


title: Musique minimaliste

text: Plus qu'un retour à la tonalité, le courant est surtout caractérisé par l'utilisation d'une pulsation régulière et la répétition de courts motifs évoluant lentement. Au-delà d'un mouvement de réaction au sérialisme, alors dominant en Europe, la musique minimaliste marque l'émergence d'une musique américaine novatrice, déliée de ses attaches européennes. Les compositeurs minimalistes ont aussi opéré un retour vers plus d'émotion musicale, au lieu de l'approche essentiellement intellectuelle de la musique sérielle, ou l'approche conceptuelle de la musique expérimentale telle que la pratique John Cage. Après des débuts difficiles hors des circuits traditionnels de la musique classique, la musique minimaliste a acquis l'adhésion d'un certain public, venant parfois d'univers différents comme le jazz, le rock, les musiques improvisées, ou la musique électronique. La télévision et le cinéma ont utilisé abondamment cette musique, en particulier les œuvres de Philip Glass, contribuant à sa diffusion jusque dans le grand public. De violentes critiques se sont aussi exprimées de la part du monde musical envers le courant minimaliste, l'accusant de produire une musique de consommation, superficielle, et sans âme.


title: Musique minimaliste

text: On désigne généralement par le terme de musique minimaliste un courant de musique contemporaine apparu dans les années 1960 aux États-Unis avec les compositeurs La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, et Philip Glass. Le mouvement se développe principalement dans les deux régions des États-Unis traditionnellement les plus ouvertes aux innovations artistiques et aux influences des cultures non européennes : New York et la côte Ouest. Le minimalisme a également des adeptes en Grande-Bretagne (Michael Nyman, Gavin Bryars), en Hollande (Louis Andriessen), en France (Renaud Gagneux, Bruno Letort), mais il demeure avant tout un phénomène américain.


title: Musique minimaliste

text: Le terme s'utilise parfois de manière plus générale en englobant certains compositeurs de musique expérimentale, ou de musique postmoderne. En particulier, Arvo Pärt et Henryk Górecki sont parfois qualifiés de compositeurs minimalistes, bien que possédant des préoccupations très différentes de celles des répétitifs américains.


title: Musique minimaliste

text: La musique minimaliste marque une rupture avec l'avant-garde et un retour à la musique tonale, ou parfois modale. Elle est aussi en général caractérisée par un certain dépouillement et une économie de moyens. En fonction des compositeurs, diverses caractéristiques sont utilisées : le recours à des processus systématiques de composition, des structures répétitives et une pulsation régulière pour les répétitifs américains, une influence de la musique religieuse et du Moyen Âge pour Arvo Pärt et Henryk Górecki, le retour à certaines formes classiques (quatuor, symphonie…) pour John Adams.


title: Musique minimaliste

text: L'année 1976 marque un sommet du mouvement minimaliste dans son grand ensemble avec les créations concomitantes de "Music for 18 Musicians" de Reich, de l'opéra "Einstein on the Beach" de Glass, de "De Staat" de Louis Andriessen, de "Für Alina" la pièce fondatrice du style tintinnabuli d'Arvo Pärt et de la "Troisième Symphonie" d'Henryk Górecki. Toutes ces œuvres ont en commun, outre la date de leurs premières, de représenter un pivot dans la carrière de leurs compositeurs, soit en étant l'aboutissement d'un travail théorique soit en constituant le début d'un nouveau style d'écriture qui apportera un dans le monde de la musique classique du .


title: Musique minimaliste

text: La musique contemporaine des années 1950-60 est dominée par le sérialisme intégral et l'avant-garde européenne autour de Pierre Boulez, Luigi Nono, Bruno Maderna, Luciano Berio, Karlheinz Stockhausen… Les compositeurs expérimentent les nouvelles technologies de l'électronique et fondent ainsi les bases de la musique électronique et de la musique concrète, sous l'impulsion notamment de Pierre Schaeffer, Karlheinz Stockhausen, et Pierre Henry.


title: Musique minimaliste

text: Aux États-Unis, c'est la figure de John Cage qui domine, dans une approche essentiellement conceptuelle, proche du "happening", avec comme fil rouge l'indétermination. C'est aussi l'époque de la création du mouvement artistique Fluxus, visant à repousser les frontières de la notion même d'œuvre d'art, qui influence aussi les minimalistes. Les années 1950-60 voient également naître et se développer sous l'influence de John Coltrane et d'Ornette Coleman le free jazz qui marque particulièrement les compositeurs américains de l'époque.


title: Musique minimaliste

text: La musique populaire ne peut pas non plus être ignorée dans le contexte musical. L'émergence de la domination du rock, la découverte en Occident de la musique extra-occidentale, et en particulier la musique indienne, exercent elles aussi une influence sur les minimalistes.


title: Musique minimaliste

text: L'origine du terme pour qualifier le courant minimaliste reste peu claire. On en accorde généralement la paternité au compositeur britannique Michael Nyman dans son livre de 1974 "Experimental Music: Cage and beyond".


title: Musique minimaliste

text: Toutefois, Nyman avait dès 1968 utilisé le terme , dans un article intitulé "Minimal Music", sur les travaux des compositeurs Cornelius Cardew et Henning Christiansen.


title: Musique minimaliste

text: Le terme de sera plus tard utilisé par Nyman pour décrire non seulement le courant américain, mais aussi la production de la musique expérimentale anglaise (comprenant les compositeurs Gavin Bryars, Christopher Hobbs, Michael Parsons…).


title: Musique minimaliste

text: Le critique musical Tom Johnson a aussi utilisé le terme en mars 1972 à propos d'un concert d'Alvin Lucier. Johnson utilisera le terme de minimaliste pour qualifier les compositions de Steve Reich, mais le vocabulaire est changeant, et il lui arrive d'utiliser . En 1977, le journaliste écrit un article intitulé « What is Minimalism really about? » dans lequel le terme de est désormais bien établi.


title: Musique minimaliste

text: On trouve aussi les termes de "pulse music", "systems music", "process music", "trance music", "hypnotic music", ou en français "musique répétitive", qui est très utilisé en France, et est le terme que Steve Reich trouve le .


title: Musique minimaliste

text: L'adjectif minimaliste, et plus encore l'adjectif minimal, introduit une confusion sur la nature de la musique minimaliste. Bien que cette dernière utilise un matériel musical parcimonieux et une certaine économie de structures musicales, le terme décrit mal la nature de la musique. Les pièces peuvent en effet être très longues, nécessiter de très nombreux musiciens, et l'orchestration peut être assez complexe. Il peut de plus être perçu comme étant péjoratif, dans le sens où une musique minimale serait inférieure à une et aurait demandé peu d'efforts de travail de composition. Une autre confusion vient du fait que le minimalisme est un terme emprunté aux historiens de l'art, et que la musique minimaliste ne partage pas toujours de points communs avec le minimalisme des arts plastiques.


title: Musique minimaliste

text: Les compositeurs ne sont en général pas satisfaits du tout de l'appellation. Seul La Monte Young trouve le terme convenable, et seulement pour ses premiers travaux. Philip Glass préfère le terme de , ou .


title: Musique minimaliste

text: Les prémices de la musique minimaliste se trouvent dans certaines œuvres d'Erik Satie, notamment par son emploi de la forme répétitive en "ostinato" vu comme un et qui sert de base à plusieurs compositions. La "Première Gnossienne" (1890) est la première pièce qu'il écrit selon un schéma répétitif, qu'il expérimentera plus en avant avec sa pièce mystique "Vexations" (1892-1893). Cette dernière consiste à répéter 840 fois de suite un même motif, la durée de la pièce pouvant atteindre une vingtaine d'heures. "Vexations" sera exécutée pour la première fois à l'initiative de John Cage en 1963 à New York, c'est-à-dire dans les années de naissance du minimalisme. Meredith Monk, souvent associée au courant minimaliste, participera à une exécution des "Vexations" lors d'un festival Satie en 1966, et Gavin Bryars et Christopher Hobbs feront de même à Leicester en 1971.


title: Musique minimaliste

text: Satie est cité par les minimalistes comme une référence, notamment par Steve Reich. Un hommage en forme de clin d'œil lui est aussi rendu avec la composition de Philip Glass, "Piece in the Shape of a Square", référence à "Trois Morceaux en forme de poire", de même ses œuvres "Music with Changing Parts" et "Einstein on the Beach" reprennent une forme de progression des mouvements en arche de type ABCBCA utilisée auparavant par Satie. Pour Michael Nyman, Satie est , et il le tient pour le seul compositeur pré-expérimental dont le travail est indispensable.


title: Musique minimaliste

text: De façon plus surprenante, Anton Webern, élève d'Arnold Schoenberg et membre de la Seconde école de Vienne, exerce aussi une influence sur le mouvement minimaliste. En particulier sur La Monte Young, qui cite les sections statiques des "Six Bagatelles pour quatuor à cordes" (1913) et la "Symphonie, op. 21" (1928) comme des œuvres l'ayant fortement aidé à faire la transition entre le sérialisme et le minimalisme. Le fait que Webern soit aussi une influence majeure du post-sérialisme qui se développe à la même époque en Europe, mais aux conceptions musicales radicalement différentes, est parfois relevé comme « paradoxal » par les musicologues.


title: Musique minimaliste

text: Figure du sérialisme et de l'école de Darmstadt, Karlheinz Stockhausen possède toutefois des liens avec le courant minimaliste. Des œuvres comme "Stimmung", "Mantra" et "Inori" utilisent un matériau minimaliste et un temps étalé. La Monte Young ira d'ailleurs étudier avec Stockhausen à Darmstadt, et le considérait à l'époque comme le plus grand compositeur vivant. Terry Riley porte aussi un fort intérêt aux œuvres de Stockhausen, en particulier les complexités rythmiques de Zeitmasze, ainsi qu'à Arnold Schönberg.


title: Musique minimaliste

text: Plus généralement, les minimalistes ont tous été exposés au sérialisme, Steve Reich en tant qu'étudiant au Mills College, et qui a tout de suite senti qu'il devait s'en éloigner au plus vite, ou Philip Glass qui compose des œuvres atonales jusqu'à 18 ans avant de changer de style.


title: Musique minimaliste

text: John Cage exerce une grande influence dans les années de naissance du minimalisme. Compositeur le plus important de l'avant-garde et de la musique expérimentale aux États-Unis, ses idées ont des répercussions, directement ou indirectement, sur les travaux des minimalistes. Quelques pièces de Cage peuvent paraître liées au minimalisme, notamment ses premières compositions, ou le célèbre "4′33″" datant de 1952, la composition la plus minimale qui soit, puisque composée uniquement de silence. Cage est cependant très critique face au minimalisme, et sa technique de prédilection, l'indétermination (ou la non-intention), c'est-à-dire l'utilisation de l'aléatoire, dans les œuvres, ou dans le processus de composition lui-même, sera fortement rejetée par les minimalistes.


title: Musique minimaliste

text: Dans son livre "Experimental Music: Cage and beyond", Michael Nyman pose clairement le minimalisme dans un contexte post-Cage, en tant que réaction à l'indétermination chère à ce dernier. Toutefois, les musicologues ont relevé des similitudes avec les travaux de Cage, notamment dans l'intérêt porté à la structure plus qu'au matériau, le fait que la musique soit créée par des processus de composition, et une expression musicale évitant une mise en avant de la personnalité du compositeur, misant sur l'expérimentation pour aller plus loin que l'imagination du compositeur.


title: Musique minimaliste

text: Un autre compositeur américain de la génération de Cage en lien avec les minimalistes est Morton Feldman. Feldman utilise aussi l'indétermination et le hasard dans ses œuvres, mais est attiré par les sons tenus de longue durée et les paysages sonores calmes et plats. Bien qu'il ne soit généralement pas considéré comme un minimaliste, certaines de ses pièces, en particulier "Piece for Four Pianos" (1957), peuvent se rapprocher des pièces ultérieures de Steve Reich utilisant le décalage de phase. Reich reconnaîtra d'ailleurs son admiration pour Feldman.


title: Musique minimaliste

text: Dans les années 1950/1960, l'Europe occidentale et les États-Unis découvrent les musiques extra-occidentales. Ces musiques généralement fondées sur des modes auront une influence sur l'ensemble des compositeurs minimalistes.


title: Musique minimaliste

text: Habitant la côte Ouest, La Monte Young découvre la musique indienne dès 1957 sur le campus de l'UCLA. Il cite Ali Akbar Khan (sarod) et Chatur Lal (tabla) comme particulièrement marquants. La musique indienne aura une influence déterminante sur Young, et particulièrement la découverte du tampoura, qu'il apprend avec Pandit Prân Nath. Le rôle de bourdon du tampoura fascine Young, et pousse son intérêt vers les sons tenus de longue durée. Young reconnaît aussi l'influence de la musique japonaise et en particulier du gagaku. Cette influence s'exerce dans la pièce considérée comme l'acte de naissance du minimalisme, "Trio for Strings" (1958).


title: Musique minimaliste

text: Terry Riley découvre les musiques extra-occidentales lors de son séjour en Europe, en particulier la musique marocaine, ainsi que la musique indienne, par l'intermédiaire de La Monte Young. Il collabore aussi avec Prân Nath pour le disque "Music from Mills" (1986).


title: Musique minimaliste

text: Pour Steve Reich, ce sont les cours de William Austin à Cornell qui l'initient aux musiques du monde. Austin fait écouter à ses étudiants de la musique africaine et de la musique balinaise, fait assez rare pour l'époque. Sur recommandation de Gunther Schuller, Reich étudie le livre "Studies in African Music" d'Arthur Morris Jones, qui lui fait forte impression. En 1970, il décide d'aller étudier durant l'été les percussions au Ghana, ce qui aura pour effet de confirmer ses intuitions sur la richesse sonore des instruments acoustiques (par opposition aux instruments électroniques) et son fort intérêt pour les percussions. La pièce "Drumming" (1971) est en partie le résultat de ce voyage. Les musiciens Russell Hartenberger et Robert Becker de Nexus, membres réguliers de l'ensemble instrumental de Reich, ont également étudié les tambours africains. Pendant les étés 1973 et 1974, Reich ira aussi étudier le gamelan balinais sur la côte ouest des États-Unis. Reich déclare en 1973 que .


title: Musique minimaliste

text: Pour Philip Glass, c'est la rencontre avec Ravi Shankar à Paris en 1965 qui l'initie à la musique indienne. Il y découvre un principe d'accumulation de petites unités musicales pour en former de plus grandes qui influencera fortement sa façon de composer. Glass fera aussi de nombreux voyages en Inde dans différentes parties du pays pour en découvrir la musique et la culture.


title: Musique minimaliste

text: Le jazz est d'une grande importance chez les minimalistes. Tous en reconnaissent l'influence, et en particulier le jazz modal de John Coltrane, le free jazz et Ornette Coleman.


title: Musique minimaliste

text: L'improvisation est centrale chez Terry Riley, comme chez La Monte Young. Ce dernier est saxophoniste et possède une expérience du jazz en tant qu'instrumentiste, exercée principalement pendant ses années de lycée et d'université. À Los Angeles, il joue dans des big bands et dans des petites formations, en particulier avec Eric Dolphy, Don Cherry, Billy Higgins, et envisageait de se consacrer au jazz. L'influence du jazz est clairement visible dans ses travaux, en particulier son jeu au saxophone sopranino, ou son intérêt porté aux formes d'improvisation. Riley est quant à lui pianiste, et a étudié le ragtime avec Wally Rose, et en joue pour gagner sa vie alors qu'il est étudiant à l'université, et lors de son séjour en France. Riley est aussi impressionné par John Coltrane, ce qui inspira entre autres son apprentissage du saxophone soprano.


title: Musique minimaliste

text: Pour Steve Reich, le jazz est aussi une influence marquante. Reich est batteur de formation, et a joué dans des groupes de jazz au lycée et à l'université Cornell. Il a été extrêmement marqué par John Coltrane, allait le voir très souvent en concert, et cite les albums "My Favorite Things" et "Africa/Brass" comme particulièrement marquants. Pour Reich, il est impensable que sa musique ait pu voir le jour sans le jazz, en particulier le rythme, la flexibilité, et le sens mélodique du jazz, qui lui semblent être des influences fondamentales.


title: Musique minimaliste

text: Contrairement à ses collègues, Philip Glass, de formation musicale plus exclusivement classique, ne voit pas le jazz comme une de ses influences, même s'il reconnaît avoir été fasciné par le free jazz d'Ornette Coleman et de John Coltrane.


title: Musique minimaliste

text: Le mouvement minimaliste apparaît dans les années 1960 avec les travaux de La Monte Young et Terry Riley, considérés comme les précurseurs. Steve Reich et Philip Glass vont étendre leurs idées et proposer des processus de composition qui se révéleront très fructueux.


title: Musique minimaliste

text: Toutefois, le minimalisme ne concerne qu'une partie des œuvres de ces compositeurs, et on considère que le minimalisme tel qu'il est généralement défini se termine vers le milieu des années 1970. À partir de cette date, les compositeurs intègrent en effet des éléments musicaux plus riches, plus de mélodie et d'harmonie, voire de contrepoint. L'ajout de ces éléments, sans trancher avec leurs précédents travaux, apportent une nette évolution. On parle parfois alors de post-minimalisme, en particulier pour John Adams. Philip Glass dit explicitement que, pour lui, le minimalisme se termine en 1974, en raison de son implication entière dans le à partir de cette époque.


title: Musique minimaliste

text: Des personnalités, parfois appelés , tels Arvo Pärt, apparus à la fin des années 1970, ne sont par contre pas les héritiers directs des répétitifs américains mais sont aussi inclus sous la bannière du post-minimalisme, ou plus généralement du postmodernisme.


title: Musique minimaliste

text: On considère généralement que La Monte Young est l'initiateur du mouvement minimaliste, en particulier avec sa pièce "Trio for Strings" (1958). Young est à l'époque inspiré par Webern, et crée un univers sonore quasi statique avec de longues notes tenues durant plusieurs minutes et très peu d'évolution. Cette pièce servira aussi de base à Young pour ses futurs travaux sur les bourdons, et est une des origines du courant musical dit de drone. Young compose toutefois toujours en utilisant le système dodécaphonique, bien qu'il s'en démarque par l'utilisation des notes tenues et qu'il favorise les intervalles basés sur des accords parfaits et des septièmes majeures. "Trio for Strings" produit une musique qui ne ressemble à aucune autre de l'époque, créant une atmosphère méditative, .


title: Musique minimaliste

text: C'est Terry Riley qui introduit deux éléments fondamentaux du minimalisme : le retour à la musique tonale et la répétition de motifs musicaux. Dans "String Quartet" (1960), Riley s'approche de la tonalité, tout en s'inspirant fortement de La Monte Young, avec l'utilisation de longues notes tenues. C'est dans "String Trio" (1961) que Riley introduit pour la première fois une structure fondée sur la répétition de motifs. L'utilisation de la répétition vient en partie des expérimentations que Riley mène alors avec des bandes magnétiques au San Francisco Tape Music Center.


title: Musique minimaliste

text: Mais c'est surtout "In C" (1964) qui marque une étape importante dans la définition de la musique minimaliste. Le titre peut être vu comme particulièrement provocant pour l'avant-garde sérielle, puisqu'il annonce un retour à la musique tonale, dans la tonalité la plus simple qui soit, Do majeur. "In C" est écrit pour n'importe quel nombre de musiciens et n'importe quels instruments. La pièce comporte 53 motifs musicaux, que chaque exécutant répète autant de fois qu'il le souhaite, en suivant quelques recommandations. "In C" est en général considérée comme l'œuvre fondatrice du minimalisme, qui en comporte tous les éléments : pulsation régulière, musique tonale, et ensemble de courts motifs répétés, éléments qui créent un univers musical à part entière. L'œuvre est enregistrée par Columbia Records, qui sort un disque en 1968. Elle sera largement diffusée et jouée, notamment par Toru Takemitsu au Japon et Cornelius Cardew en Angleterre.


title: Musique minimaliste

text: Les expérimentations de Riley avec les bandes magnétiques et "In C" ont une influence fondamentale sur Steve Reich. Celui-ci participe à la création de "In C" en tant que musicien, et reconnaît que la pièce, en réunissant des éléments de la musique africaine, des apports de John Coltrane, et les répétitions de bandes magnétiques, l'a aidé fortement à trouver sa propre voie, en particulier pour "It's Gonna Rain" (1965). Steve Reich élabore à partir de cette pièce une technique dite de déphasage/phasage. Tout d'abord appliquée à des bandes magnétiques, le compositeur expérimente ensuite la technique sur des instruments acoustiques, ce qui donnera en particulier les pièces "Piano Phase" (1967), "Violin Phase" (1967). Reich continuera d'utiliser le processus de déphasage jusqu'en 1971 et "Drumming" (1971) considérée comme une œuvre de transition. Le terme de est parfois utilisé pour désigner la musique écrite à partir de cette technique qui constitue dans l'œuvre du compositeur sa période dite du . Après cette période, Reich s'écarte des simples techniques de "phasing" pour écrire des œuvres plus ambitieuses en termes d'effectif instrumental, de durée, et de techniques, en développant principalement ses recherches vers l'harmonie et la pulsation rythmique. Cette période dite de culminera avec les pièces "Music for 18 Musicians" (1976) ou "Music for a Large Ensemble" (1978). Une troisième période de composition débutera avec des pièces telles que "Tehillim" (1981) mais surtout "The Desert Music" (1984) et "Different Trains" (1988) qui sont marquées à la fois par l'utilisation des voix et de la parole comme support d'écriture d'une mais aussi le clair engagement philosophique et spirituel du compositeur dans ses compositions ultérieures.


title: Musique minimaliste

text: Philip Glass, après une période de tâtonnements dans sa recherche stylistique de la fin des années 1960 caractérisée par la simple utilisation de processus de répétition/accumulation (comme pour "Two Pages" et "Music in Fifths"), réalise une grande avancée en termes de timbre et d'harmonie avec la composition "Music with Changing Parts" (1970) qui marque le début de ses compositions dites de . Il poursuivra dans cette voie avec l'aboutissement de ses nouvelles bases d'écriture dans la pièce "Music in Twelve Parts" (1974). Un tournant dans sa carrière se produit en 1973 avec la rencontre du metteur en scène Bob Wilson qui lui demande de composer la musique de l'opéra-marathon "Einstein on the Beach" (1976). Cette œuvre constituera le premier volet de sa fameuse trilogie lyrique, complétée de "Satyagraha" (1980) et de "Akhnaten" (1984), où apparaissent progressivement les motifs thématiques si caractéristiques des compositions de Glass. À partir du milieu des années 1980, il s'oriente vers l'écriture massive de six quatuors, neuf symphonies, et six concertos, variant les thèmes et les rythmes qui représentent désormais sa marque de fabrique, immédiatement identifiable, mais s'éloignant de toute nouvelle recherche formelle au sein du courant minimaliste. Il gagne en revanche en popularité auprès du grand public, notamment grâce à l'univers de la pop-music et du cinéma qui utilise largement ses créations plus ou moins originales, contrairement à Steve Reich qui fait figure d'autorité et de référence dans le monde musical classique.


title: Musique minimaliste

text: De nombreux autres compositeurs participent au développement de la musique minimaliste à New York dans les années 1960 et 70. Philip Glass insiste particulièrement sur le fait qu'il existait une grande vitalité et variété d'idées, auxquels ont fortement contribué Meredith Monk, Frederic Rzewski, Pauline Oliveros, James Tenney, Charlemagne Palestine, Terry Jennings, Philip Corner, David Behrman, Jon Gibson, Phill Niblock, Rhys Chatham, Ingram Marshall. Glass regrette que ces compositeurs n'aient pas bénéficié de la même exposition médiatique que lui ou Steve Reich. En dehors de cette communauté new-yorkaise, des travaux se rapprochant du minimalisme, ou directement inspirés par les œuvres des américains, se développent en Europe : Louis Andriessen en Hollande, Gavin Bryars et Michael Nyman en Grande-Bretagne, Renaud Gagneux et Bruno Letort en France.


title: Musique minimaliste

text: Le postmodernisme musical est une attitude de rejet contre l'isolement et l'hermétisme du post-sérialisme, les compositeurs postmodernes revendiquent le métissage et le mélange des formes par la technique du collage, de l'emprunt, et de la citation. Là où le post-sérialisme devait faire selon l'expression de Pierre Boulez, le postmodernisme le prend comme référence. Ainsi John Adams considère que sa musique ne se nourrit . Par son retour aux formes mélodiques et tonales, à l'emploi d'un langage répétitif, au recours au collage et à la citation, dans toutes ces caractéristiques le minimalisme est le courant le plus radical du postmodernisme dans sa rupture avec le post-sérialisme.


title: Musique minimaliste

text: Le post-minimalisme concerne aussi les compositeurs minimalistes de la première heure. Après "Drumming" (1971), Reich enrichit l'instrumentation de ses pièces, et fait évoluer ses méthodes rythmiques et harmoniques vers plus de complexité. De la même façon, Philip Glass se met à composer pour le et l'opéra à partir de 1974, avec des préoccupations qui s'éloignent du minimalisme, en particulier l'utilisation de l'harmonie comme pour l'opéra "Einstein on the Beach" (1976) qui marque cette évolution. Le post-minimalisme se démarque donc du minimalisme en étant moins radical et expérimental.


title: Musique minimaliste

text: Ces compositeurs sont parfois regroupés et associés au mouvement minimaliste en raison de leur utilisation de certains principes de composition de ce style (répétition, longs sons tenus, silences, une certaine simplicité) et d'une influence religieuse chrétienne ou spirituelle ouvertement revendiquée dans leurs vies et dans leurs compositions. Alan Hovhaness est parfois vu comme un précurseur de cette tendance, mais ce sont surtout l'Estonien Arvo Pärt, le Polonais Henryk Górecki, et le Britannique John Tavener qui sont associés généralement aux . D'une manière plus large, Giya Kancheli et Sofia Goubaïdoulina sont parfois aussi retenus dans cette branche du minimalisme.


title: Musique minimaliste

text: Les œuvres de Pärt et Górecki sont caractérisées par l'utilisation de la tonalité, d'un matériau musical simple utilisé souvent de manière répétitive, et d'une composition influencée par les compositeurs du Moyen Âge et le plain-chant grégorien. Tous deux, fortement marqués par la répression politique et spirituelle dans leurs pays sous régime communiste, ont commencé à composer dans les années 1960 dans un style néo-classique avant de s'orienter vers le sérialisme provoquant leur censure de la part des autorités. Pärt se tourne alors vers une musique du silence et de la contemplation en composant "Für Alina" (1976), "Fratres" (1977), et "Spiegel im Spiegel" (1978), œuvres fondatrices de ce mouvement interne au minimalisme qui jetteront les bases d'un style spécifique qu'il qualifie de tintinnabulum. Ce style est caractérisé par l'utilisation simultanée de deux voix, l'une arpégeant sur une triade tonique dite « tintinnabulante » et l'autre reposant sur une basse évoluant de manière diatonique. Son travail se tourne dès lors vers l'écriture quasi exclusive de musique sacrée, le plus souvent chorale, développant une . Górecki pour sa part effectue sa transition entre musique sérielle et minimalisme sacré en 1976 notamment avec l'écriture de sa "Troisième Symphonie" qui aura un très grand retentissement quelques années plus tard en Europe occidentale et aux États-Unis, asseyant ainsi sa notoriété internationale.


title: Musique minimaliste

text: L'ensemble des œuvres classées en tant que musique minimaliste est loin de comporter une unité de style ou de posséder des caractéristiques musicales tout à fait identiques. Bien qu'une classification soit toujours réductrice, on admet cependant généralement que l'esthétique de la musique minimaliste est fondée sur trois caractéristiques :


title: Musique minimaliste

text: Ceci regroupe toutefois des œuvres aux profils très divers, et à l'utilisation de différentes techniques musicales. De même, les œuvres des compositeurs dit minimalistes, ne peuvent pas toutes être considérées comme minimalistes, en particulier les derniers travaux de Steve Reich et Philip Glass, ou les premières pièces (souvent non musicales) de La Monte Young.


title: Musique minimaliste

text: Les pionniers du minimalisme La Monte Young et Terry Riley expérimentent des techniques de composition très variées. La Monte Young produit en particulier des œuvres très diverses: des pièces inspirées du sérialisme et de Webern, des pièces conceptuelles proches de John Cage, des groupes d'improvisation inspirés par la musique indienne et le jazz, des pièces fondées sur ses recherches formelles sur les gammes naturelles. Terry Riley est lui beaucoup plus empirique, il expérimente avec les bandes magnétiques, et utilise énormément l'improvisation.


title: Musique minimaliste

text: À la fin des années 1950 La Monte Young utilise le sérialisme de façon détournée pour créer un style nouveau, fait de longues périodes quasi statiques, composée de longues notes soutenues. Le choix des intervalles rend également ses compositions caractéristiques. Dès 1957 et "Variations pour alto, flûte, basson, harpe et trio à cordes", Young utilise essentiellement des quartes et quintes justes ainsi que des septièmes majeures, qui se retrouvent dans de nombreuses compositions comme "for Brass" (1957). et surtout "Trio for Strings" (1958), considérée comme la pièce majeure de cette période minimaliste de Young.


title: Musique minimaliste

text: Le langage harmonique de Young est construit en partie sur ces intervalles, ainsi que sur l'évitement de la tierce majeure, qui selon ses propos, ne parvient pas à exprimer les sentiments qu'il souhaite. Young isole quatre accords qu'il appelle « "Dream Chords" », qui deviennent la base de son langage harmonique. L'abandon de la tierce majeure reçoit ensuite une justification théorique avec ses recherches formelles sur les gammes naturelles. À partir de 1961, La Monte Young utilise l'improvisation au saxophone sopranino, en répétant des séquences modales à grande vitesse, accompagné par un bourdon, où l'influence de John Coltrane et de la musique indienne est perceptible.


title: Musique minimaliste

text: Une partie importante du travail de Terry Riley concerne les bandes magnétiques, sur lesquelles il s'enregistre au piano, enregistre de la parole, des rires, des sons particuliers, ou des programmes de radio, et les utilise sous forme de boucle, c'est-à-dire sous forme de courts motifs répétés. Il expérimente plusieurs techniques de manipulation de ces bandes, utilisant un dispositif pour générer des effets d'échos par répétition retardée, changer la fréquence des sons en modifiant la vitesse de rotation des bandes, graduellement ou soudainement, il découpe aléatoirement des morceaux de bandes et les recolle, espérant générer des phénomènes intéressants. C'est essentiellement la répétition de motifs qui est au centre des expérimentations de Riley, répétition de motifs qu'il fait aussi jouer par des instrumentistes, comme dans "In C" (1964). La démarche de Riley est plus intuitive et expérimentale que structurée, le compositeur tente toutefois de produire une pour l'auditeur, dans laquelle des sons initialement reconnaissables sont peu à peu déformés jusqu'à ne plus être identifiables.


title: Musique minimaliste

text: Une autre caractéristique du travail de Riley est l'importance accordée à l'improvisation et au jazz. Le compositeur utilise parfois des standards de jazz, comme Autumn Leaves, et développe un style particulier d'improvisation au piano, influencé en partie par le ragtime. La plupart de ses pièces après "In C" ne sont plus notées, et sont en partie improvisées, en partie construites à partir d'ensemble de motifs musicaux pré-établis, qui sont répétés à volonté, comme dans "Keyboard Study n° 1" et "Keyboard Study n° 2". Les motifs sont joués rapidement, sans pause, de façon à obtenir un flux continu de notes, non accentuées. Riley improvise également au saxophone soprano, notamment dans "Dorian Reeds" et "Poppy Nogood and the Phantom Band", dans lesquels il utilise la répétition de motifs et des bandes magnétiques pour créer un écho et générer des effets complexes de contrepoint par le mélange des voix.


title: Musique minimaliste

text: Contrairement à la démarche très intuitive de Terry Riley, Steve Reich et Philip Glass vont définir des procédés de composition rigoureux, qui les aident à structurer leurs œuvres. Reich est généralement vu comme le plus doué et le plus rigoureux dans la définition de tels procédés.


title: Musique minimaliste

text: Dans son essai de 1968, "La Musique comme processus graduel", Steve Reich explique son intention de faire entendre à l'auditeur un processus musical. S'il reprend à son compte l'idée de composition créée par un processus, il s'oppose à John Cage, dont certaines des compositions sont fondées sur des processus aléatoires de construction de la composition. Reich veut rendre audible le processus même de construction de la pièce. Un autre élément important de dissociation avec Cage est le refus de l'indétermination : les processus de Reich sont purement déterministes, l'aléatoire ne joue aucun rôle.


title: Musique minimaliste

text: Ces idées débouchent sur un procédé de composition que Reich appelle le « "phasing" » (déphasage en français). Ce procédé de composition, qui peut se rapprocher de la forme classique du canon provient de son travail avec plusieurs magnétophones de mauvaise qualité, qui perdaient peu à peu leur synchronicité. Le phasing se construit à partir de courts motifs musicaux, répétés ad libitum par plusieurs voix, et consiste à introduire petit à petit un décalage entre ces voix, créant un déphasage. La progression du déphasage entre les voix au fur à et mesure de la pièce crée de nouvelles structures musicales, complexifie ou simplifie les rythmes et les harmonies, donnant effectivement à entendre le processus physique de mélange des voix souhaité par le compositeur. La superposition des voix par déphasage est parfois si complexe que l'écoute de la pièce peut donner lieu à des perceptions sonores différentes entre deux personnes, et même entre deux expériences d'écoute par une seule personne. À partir de "Violin Phase" (1967) Reich commence à exploiter ce qu'il appelle les (ou motifs résultants) du déphasage, c'est-à-dire les motifs qui se forment spontanément par combinaison des motifs de base. Il complexifie aussi la situation en introduisant des motifs résultants spécifiques, à jouer explicitement par les instrumentistes, qui viennent s'ajouter ponctuellement à ceux qui se forment naturellement, ou des lignes mélodiques qui ne suivent pas la découpe temporelle des motifs de base.


title: Musique minimaliste

text: Les travaux de Philip Glass se basent aussi sur un processus de composition systématique, et audible par l'auditeur. Glass définit à partir de 1968 un processus basé sur l'addition/soustraction de motifs de base, ceux-ci étant subdivisibles en deux ou plusieurs autres motifs. La partition définit les motifs, et ne note ensuite que leurs extensions/contractions. Les figures résultant de ce groupement de motifs sont à répéter un nombre de fois non spécifié. De même, l'instrumentation et les nuances ne sont pas spécifiées.


title: Musique minimaliste

text: Contrairement à Young ou même Riley, Reich et Glass récusent fermement toute interprétation de leur musique comme étant hypnotique, ou méditative, et rejettent tout terme de , jugé péjoratif. Ils considèrent au contraire que l'écoute doit être particulièrement active et alerte, afin d'entendre les détails des processus mis en œuvre.


title: Musique minimaliste

text: Une préoccupation majeure chez les minimalistes est le rythme. La plupart des compositions possèdent une pulsation régulière, et sont construites par enchevêtrement d'unités rythmiques de base. Ces considérations rythmiques sont particulièrement marquées chez Steve Reich et sont réalisées par l'intermédiaire de la technique de déphasage. "Drumming" (1971) marque le point culminant de la fascination de Reich pour le rythme, exprimée par le phasing. Chez Philip Glass, le travail sur le rythme est présent dès ses premières pièces minimalistes utilisant son procédé additif de composition, notamment dans la pièce "1+1" (1968).


title: Musique minimaliste

text: Le rythme est ainsi le premier élément analysé systématiquement par les minimalistes, avant la réintégration future de l'harmonie et de la mélodie.


title: Musique minimaliste

text: Les premières œuvres des minimalistes sont atonales, "Trio for Strings" (1958) de Young, "String Quartet" (1960) de Riley, même si l'évolution extrêmement lente et la faible densité de notes donnent une illusion de la tonalité, en supprimant quasiment tout mouvement. Même "In C", qui est généralement considérée comme l'œuvre du retour vers la tonalité, n'est pas strictement tonale, mais une composition atonale sans indication d'armure, même si la composition est largement diatonique.


title: Musique minimaliste

text: L'abandon progressif des bandes magnétiques au profit des instruments acoustiques favorise le développement de l'harmonie. Chez Steve Reich, à partir de "Piano Phase", un profil tonal ou modal s'établit au début de l'œuvre, mais reste ambigu. Le diatonisme résultant des processus de phasing n'est pas choisi a priori, mais s'impose plutôt par l'expérience.


title: Musique minimaliste

text: Chez Young et Riley, la basse joue un rôle de bourdon, inspirés en cela par la musique indienne. Chez Steve Reich, il n'existe pas de basse, et les hauteurs appartiennent en général au registre medium ("Piano Phase" ne possède pas de note en dessous de Mi, "Phase Patterns" en dessous de Do). L'absence de basse produit certaines ambiguïtés que Reich cherche à conserver, tout en ne sachant pas les définir précisément. De même, les minimalistes n'utilisent pas du tout de techniques de jeu étendues, très présentes dans les autres courants de musique contemporaine.


title: Musique minimaliste

text: Les nuances varient en général assez peu, voire pas du tout. Le niveau sonore est souvent très élevé, par exemple dans certaines pièces de La Monte Young, et chez Glass, où on perçoit l'influence du rock.D'une écoute abordable, la musique répétitive paraît faussement facile à exécuter. Les processus de déphasage de Reich requièrent une très grande concentration de la part des instrumentistes. De façon similaire, Glass rapporte que plusieurs chefs d'orchestre venus sans préparation à des répétitions se rendirent compte trop tard de la difficulté de ses partitions. En l'absence du compositeur, les partitions ne sont pas toujours évidentes à décrypter pour les interprètes, nécessitant inventivité face au manque d'indications ou à leur peu de clarté.


title: Musique minimaliste

text: La danse, qui par nature a toujours été intimement liée aux créations musicales de son temps, n'échappe pas à l'influence de la musique minimaliste, notamment autour de la notion et de l'utilisation de la répétition. D'une certaine manière l'origine de l'impact de la musique minimaliste sur la danse remonte aux collaborations de John Cage avec le chorégraphe américain Merce Cunningham dès le début des années 1950 lors de la naissance de la danse moderne. Par son entremise, Cunningham rencontra également Morton Feldman qui composa pour lui des musiques pour ses chorégraphies novatrices comme "Mélodie sans titre pour Merce Cunningham" en 1968. Par ailleurs, un groupe comprenant d'une part les danseuses Simone Forti, Yvonne Rainer, Trisha Brown et d'autre part les compositeurs Terry Riley et La Monte Young se forme autour d'Anna Halprin entre 1960 et 1962 pour réaliser des performances notamment à la Judson Church de New York. C'est toutefois Trisha Brown qui explorera plus avant le principe de la répétition et de l'accumulation successive des mouvements chorégraphique durant cette période de la danse moderne. Meredith Monk, qui est également danseuse, s'associe par la suite à ce groupe où elle peut mêler à la fois ses recherches musicales et ses créations chorégraphiques dans des performances orientées vers un mouvement plus épuré et une certaine transe spirituelle.


title: Musique minimaliste

text: Après les premières années du minimalisme, se tisse une relation étroite entre la danse et ce courant musical grâce à Lucinda Childs, une des élèves de Cunningham, qui, après s'être associée au groupe d'Anna Halprin, collabore intensément avec Philip Glass à la fin des années 1970 pour son opéra "Einstein on the Beach" (1976). Elle réalisera par la suite deux de ses chorégraphies "Dance" (1979) et "Mad Rush" (1981) sur les compositions homonymes ("Dance" et "Mad Rush") commandées au compositeur new-yorkais. Le travail de Lucinda Childs s'est intéressé à différents aspects des recherches sur le minimalisme avec une collaboration poussée dans le domaine des décors et des images réalisés avec le plasticien Sol LeWitt, l'un des chantres du minimalisme pictural. Twyla Tharp utilisa également fréquemment les compositions de Glass à qui elle commissionne sa Symphonie dite « Heroes » en 1996 pour son ballet homonyme. De même Laura Dean travaille avec Steve Reich entre 1971 et 1975 notamment à la première mise en chorégraphie de la composition "Drumming". Cependant, ces chorégraphies, bien qu'utilisant des éléments répétitifs et des décalages, ne peuvent pas être qualifiées totalement de minimalistes, la musique restant un support à une création chorégraphique relativement traditionnelle et riche.


title: Musique minimaliste

text: L'influence directe de la musique minimaliste dans les processus de créations chorégraphiques est réellement associée à la découverte et à l'utilisation des œuvres de Steve Reich par la chorégraphe belge de danse contemporaine Anne Teresa De Keersmaeker, lors de ses études à la Tisch School of the Arts à New York. De 1980 à 1982, elle crée sa pièce fondatrice "Fase, four movements to the music of Steve Reich" dans laquelle elle théorise davantage l'apport de la musique de phase en danse en donnant réellement à voir les principes de "phasage/déphasage" développés par Reich dans ses premières compositions "Piano Phase", "Violin Phase", "Clapping Music", et "Come Out". Le lien étroit entre De Keersmaeker et la musique de Reich sera dès lors perpétuellement renouvelé dans de nombreuses créations par la chorégraphe belge au cours des décennies suivantes, notamment avec le "ballet Drumming" (1998) sur la composition éponyme "Drumming" et "Rain" (2001) sur "Music for 18 Musicians". Steve Reich composera spécialement la pièce "Dance Patterns" en 2002 pour la création "Counter Phrases" de De Keersmaeker qui à son tour lui rendra hommage en ouvrant les cérémonies new-yorkaises célébrant les 70 ans de Reich en 2006 par une création spécialement dédiée intitulée "Steve Reich Evening".


title: Musique minimaliste

text: Par ailleurs, le chorégraphe suédois Mats Ek s'est lui orienté un temps vers le en composant en 1995 le duo "Smoke" pour Sylvie Guillem qui utilise les compositions "Für Alina" et "Spiegel im Spiegel" d'Arvo Pärt. Plus récemment, le chorégraphe britannique Christopher Wheeldon a particulièrement utilisé les compositions de tous les grands noms du minimalisme pour ses œuvres écrite dans un style néoclassique.


title: Musique minimaliste

text: Les compositeurs minimalistes ont entretenu des relations étroites avec les plasticiens, en particulier avec ceux du courant minimaliste et de l'art conceptuel. Steve Reich et Philip Glass ont eu de très bons rapports d'amitié avec Richard Serra, Sol Le Witt, Bruce Nauman, Michael Snow, ou Nancy Graves. Reich écrit son essai "Music as a Gradual Process" (1968) qui sera inclus dans le catalogue d'une grande exposition sur le minimalisme au côté de ses amis plasticiens au Whitney Museum en 1969 et lors de laquelle il donne, avec Glass, des concerts. Par ailleurs, une œuvre telle que "Pendulum Music" de Reich à laquelle participent Serra, Nauman, et Snow en tant qu'exécutants tient plus de la performance que de la musique réellement. Steve Reich reconnaîtra une , entre les plasticiens et ses créations, caractérisée par l'aspect de leurs travaux respectifs mais pas d'influences réciproques directes. Il déclare : . En 1977, quelques artistes participent à une vente de leurs œuvres pour renflouer les dettes résultant du montage d"'Einstein on the Beach" de Glass. Enfin, Glass a été l'assistant personnel à plein temps de Richard Serra en 1969. Glass ne fait cependant pas de lien direct entre son travail de musicien et les œuvres de ses amis plasticiens.


title: Musique minimaliste

text: La Monte Young a entretenu quelques brefs liens avec le mouvement Fluxus lors de sa période de création de pièces conceptuelles. Ses œuvres de 1959-1961 sont jouées dans des festivals Fluxus, et certaines de ses pièces, dont "Trio for Strings", sont publiées par le mouvement. Young s'éloigne toutefois de Fluxus dès 1963. Il travaille par contre ensuite régulièrement avec sa femme, la plasticienne Marian Zazeela, qui fournit des installations visuelles, notamment pour "The Well-Tuned Piano" ou Theatre of Eternal Music.


title: Musique minimaliste

text: Le cinéma et plus généralement l'audiovisuel ont fréquemment emprunté depuis le début des années 1980 les œuvres des compositeurs minimalistes comme supports sonores de films, de documentaires, d'art vidéo, de publicités télévisées et de génériques. Philip Glass et Arvo Pärt sont certainement les deux compositeurs qui ont le plus permis l'utilisation de leurs pièces comme bande originale de films, voire ont composé spécialement à la demande d'un réalisateur. Ainsi on doit à Philip Glass les bandes réellement originales des trois films de la "Trilogie des Qatsi" de Godfrey Reggio (de 1982 à 2002), "" de Paul Schrader (1985), et "Kundun" de Martin Scorsese (1997). Il réalise également a posteriori la musique du film "Dracula" de 1931 et a collaboré à de nombreuses reprises aux musiques des films et documentaires d'Errol Morris en mettant à disposition et réorchestrant ses précédentes compositions. Par ailleurs, Glass a également intensément travaillé avec le metteur en scène Bob Wilson pour la création de spectacles ambitieux, mêlant l'opéra, la vidéo, le théâtre, notamment sur "Einstein on the Beach" (1976) ou "The CIVIL warS" (1984) commandité pour les cérémonies d'ouverture des Jeux olympiques de Los Angeles. Concernant l'Estonien Pärt, il ne s'agit pas de compositions originales pour le cinéma (bien qu'il ait composé au début de sa carrière de très nombreuses bandes originales mais pas dans un style minimaliste) mais d'autorisations d'utilisation de ses œuvres.


title: Musique minimaliste

text: Par ailleurs, Steve Reich a, à de nombreuses reprises, travaillé en intime relation avec son épouse, l'artiste vidéaste Beryl Korot, à la création conjointe d'une œuvre intégrant dès le moment de son écriture musicale l'utilisation de l'image vidéo multi-canaux jouant sur le principe de la répétition. De ces recherches, qui ont débuté au début des années 1990, sont issus deux vidéo-opéras ("The Cave" en 1993 et "Three Tales" en 2001) dont l'exécution scénique (pour les deux) et l'enregistrement discographique (pour le second seulement) intègrent la projection des vidéos associées.


title: Musique minimaliste

text: L'utilisation de la répétition comme structure est aussi utilisée dans la musique populaire, avec la publication en 1967 du disque à la banane du Velvet Underground, le célèbre groupe de pop music produit par Andy Warhol. Les idées proviennent directement du minimalisme, John Cale et Angus MacLise collaboraient avec La Monte Young et le Theatre of Eternal Music avant leur implication dans le Velvet Underground.


title: Musique minimaliste

text: Une grande partie du travail de Philip Glass est lié au rock. Il s'implique au niveau de la production avec le monde du rock, et y acquiert une réputation. Sa musique influencera quelques groupes de rock expérimental, en particulier allemand : Kraftwerk, Cluster, ou Neu!. David Bowie et Brian Eno sont aussi influencés par Glass, voire par Steve Reich, et l'influence du minimalisme est clairement perceptible dans le mouvement Ambient que crée Eno. De même, l'album d'Eno avec Robert Fripp, "No Pussyfooting" (1973) est fortement influencé par "Music with Changing Parts" (1970). Robert Fripp développe dans les trois albums qui marquent le retour de King Crimson en 1981, "Discipline", "Beat", et "Three of a perfect pair", un rock post-progressif influencé par le langage minimaliste, qu'il mélange à des sons new-wave, électroniques, et ethniques.


title: Musique minimaliste

text: À partir de 1976, Glass collabore avec des clubs de rock de Manhattan et le mouvement punk rock et post-punk, notamment par le biais du Philip Glass Ensemble. Des groupes comme Theoretical Girls, ou des compositeurs comme Rhys Chatham sont également influencés par l'expérience de Glass avec le rock. En 1995, il compose une version pour orchestre de "Icct Hedral" d'Aphex Twin, un des auteurs majeurs de la musique électronique. Dans les années 1990, Philip Glass s'inspirera en retour des albums "Low" (1976) et ""Heroes"" (1977) de David Bowie pour composer deux de ses symphonies (la Symphonie n°1 et la Symphonie n°4 respectivement) soulignant ainsi les interactions mutuelles réciproques entre les deux artistes d'horizons différents.


title: Musique minimaliste

text: Le minimalisme est né comme un courant expérimental et s'est développé en dehors du monde traditionnel de la musique classique. Les premiers concerts sont donnés essentiellement dans des galeries d'art ou des musées, et doivent être organisés par les compositeurs eux-mêmes. Ce sont surtout les enregistrements qui permettront une large diffusion de la musique minimaliste, y compris jusqu'en Europe, où l'accueil est plutôt bon. C'est d'ailleurs l'Europe qui fournira aux minimalistes leurs premiers grands signes de reconnaissance, avec une commande de l'État français pour Philip Glass, et un succès discographique auprès d'une audience non restreinte aux amateurs de musique contemporaine, avec l'enregistrement de "Music for 18 Musicians" de Steve Reich, pour le label allemand Edition of Contemporary Music.


title: Musique minimaliste

text: Une diffusion beaucoup plus large intervient ensuite avec la reprise par le cinéma et la télévision des travaux des minimalistes, ou de musique s'en inspirant très largement.


title: Musique minimaliste

text: Les premiers concerts des minimalistes se déroulent hors du circuit traditionnel de représentation de la musique classique. Les compositeurs présentent leurs œuvres dans des galeries d'art (Park Place Gallery), des musées (musée Solomon R. Guggenheim), chez des particuliers (le loft de Yoko Ono) ou dans des universités. Les plasticiens se montrent particulièrement ouverts à la musique de Philip Glass et Steve Reich, et y reconnaissent une parenté avec leurs propres travaux.


title: Musique minimaliste

text: Les premiers concerts plus officiels dans des salles de concerts classique sont l'occasion de scandales. Une représentation de "Four Organs" de Steve Reich au Carnegie Hall en 1973 essuie des protestations de la part du public face au caractère hypnotique de l'œuvre. Philip Glass subit quelques lancers d'œufs durant des représentations. À l'occasion d'une tournée en Europe avec Richard Serra, le public réagit défavorablement aux œuvres de Glass, en particulier à Amsterdam.


title: Musique minimaliste

text: L'accueil des critiques est partagé. Tom Johnson du "Village Voice", et Michael Nyman écrivent des critiques positives des premiers concerts, mais ils sont eux-mêmes aussi des compositeurs, proches du courant minimaliste. D'autres journalistes sont beaucoup plus sévères, en particulier Donald Henahan du "New York Times" sur les travaux de Reich. Harold Schonberg du "Times" est désarçonné par un concert de Terry Riley comprenant "A Rainbow in Curved Air", et "Poppy Nogood and the Phantom Band". Le critique reconnaît le caractère hypnotique obtenu par la répétition de motifs, la proximité avec la musique indienne, mais décrit le résultat comme .


title: Musique minimaliste

text: L'accueil des musiciens est aussi mitigé, La Monte Young est dénigré par ses professeurs et ses pièces sont largement incomprises.


title: Musique minimaliste

text: Terry Riley est parmi les premiers compositeurs à voir son travail reconnu, à la suite du succès d"'In C" (1964). En 1967, l'Académie royale de musique de Suède lui commande une œuvre pour orchestre et chœur, "Olson III". En 1969, c'est la fondation Dilexi qui lui commande une partition pour une vidéo sur le travail du sculpteur Arlo Acton, ce qui deviendra "Music with Balls". Il collabore également avec la télévision suédoise et danoise.


title: Musique minimaliste

text: Le chef d'orchestre américain Michael Tilson Thomas joue un rôle important dans la diffusion de la musique minimaliste, Il organise en 1971 et 1973 les premiers concerts dans des salles importantes (Carnegie Hall en 1973), par le Boston Symphony Orchestra. En 1971, Reich et Glass effectuent ensemble une tournée en Europe, où leur groupe commun joue "Four Organs", "Pendulum Music", "Piano Phase", "Phase Patterns" de Reich et "Music with Changing Parts" de Glass. L'accueil des concerts à Paris et à Londres est encourageant, plus mitigé en Allemagne.


title: Musique minimaliste

text: Ce sont surtout les enregistrements qui permettent aux compositeurs d'accroître leur diffusion. Dès 1967, "Come Out" de Steve Reich, et "In C" de Terry Riley sont enregistrés pour Columbia Records, dans un album regroupant une vingtaine d'œuvres contemporaines. l'album est critiqué dans la presse musicale, ainsi que dans le magazine "Time". "It's Gonna Rain" et "Violin Phase" de Steve Reich en 1969, et "The Church of Anthrax" de Terry Riley en 1970, sont enregistrés, toujours chez Columbia. En 1971, Philip Glass crée sa propre compagnie de disques, Chatham Square Productions, grâce à laquelle il sort "Music with Changing Parts", "Music in Fifths", "Music in Similar Motion". Des enregistrements sont aussi produits par un label français, Shandar. C'est également de la France que viendra une véritable reconnaissance des minimalistes. En 1974, Michel Guy, alors secrétaire d'État à la Culture commande "Einstein on the Beach" à Philip Glass. La création et la tournée de l'œuvre en Europe en 1976 est un succès, de même que les représentations à New York la même année.


title: Musique minimaliste

text: La reconnaissance discographique viendra de l'Allemagne, avec en 1974 l'enregistrement sur le prestigieux label de musique classique Deutsche Grammophon, de "Drumming", "Six Pianos", "Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ" de Steve Reich. En 1978, c'est l'enregistrement de "Music for 18 Musicians", qui fait véritablement connaître la musique de Steve Reich internationalement, et à une large audience. C'est le label allemand Edition of Contemporary Music, consacré au jazz et aux musiques improvisées, qui produit le disque, et qui permet à un public beaucoup plus large que celui de l'avant-garde de découvrir la musique minimaliste. À l'inverse, le refus de compromis de la part de La Monte Young face aux compagnies de disques ou aux salles de spectacles rend sa production discographique rare, et son travail est de fait moins diffusé et connu.


title: Musique minimaliste

text: C'est à partir des années 1980 et 1990 que la musique minimaliste est copiée et diffusée de façon massive par la télévision et le cinéma. Les compositeurs de musique de film et de publicités télévisées copient en particulier des gimmicks de Philip Glass. Steve Reich et Meredith Monk sont également imités. Un certain -renouveau du mouvement minimaliste américain semble émerger avec une nouvelle génération de compositeurs tels que Nico Muhly, qui travaille notamment auprès de Philip Glass ou Dustin O'Halloran, mais aussi en Europe avec par exemple le Français Sylvain Chauveau, l'Allemand Max Richter, ou le Luxembourgeois Francesco Tristano, qui sont tous parfois classifiés au sein d'un mouvement dit .


title: Musique minimaliste

text: Des critiques extrêmement fortes se sont exprimées envers le minimalisme, essentiellement de la part de compositeurs ou musicologues proches de l'avant-garde, ou de philosophes. Le compositeur américain Elliott Carter a exprimé à plusieurs reprises son fort rejet du minimalisme et plus généralement de la répétition en musique, considérée comme la mort du compositeur. Il fait en particulier une analogie avec la publicité, non sollicitée, intrusive et répétée jusqu'à la nausée. Le qualificatif de fasciste a même été utilisé explicitement, de même que la comparaison de l'utilisation de la répétition comme une méthode de lavage de cerveau telle que pratiquée dans la publicité ou les discours d'Hitler.


title: Musique minimaliste

text: Une critique fréquente est d'accuser la musique minimaliste de superficialité voire d'anti-intellectualisme. Elle est considérée comme ne « menant nulle part », niant le langage musical et n'étant qu'une . C'est surtout la musique de Philip Glass qui concentre les critiques qui la qualifient parfois de ou de . Les qualificatifs de « monotone » ou « ennuyeux » reviennent souvent dans les critiques vis-à-vis de La Monte Young et Terry Riley. Les critiques sont très divisées et se posent en général en « pour » ou « contre ». En France, les premières réactions aux œuvres de John Adams n'ont pas été très favorables. En 1990, le magazine "Télérama" écrit à propos de "Nixon in China" : .


title: Musique minimaliste

text: La critique du minimalisme se confond parfois avec celle du postmodernisme. Le compositeur avant-gardiste Brian Ferneyhough refuse la postmodernité, et critique en particulier John Adams, chez qui il dénonce une absence d'éthique liée à la non-prise en compte de la culture musicale.


title: Musique minimaliste

text: Pour certains musicologues en revanche, le minimalisme s'inscrit parfaitement dans la modernité. Outre les influences certaines du sérialisme, en particulier Schönberg et Webern, sur La Monte Young et Terry Riley, qui ont directement mené aux premières œuvres du minimalisme, comme "Trio for Strings" (1958), l'application des processus rigoureux de génération de musique, comme ceux développés par Reich et Glass, peut se mettre en parallèle avec les contraintes du sérialisme intégral ou les processus aléatoires de John Cage. En particulier l'acceptation des résultats fournis par le processus de "phasing" (même s'il est déterministe, le processus échappe partiellement au compositeur) peut se comparer directement à l'acceptation des produits musicaux générés par le hasard chez Cage.


title: Musique minimaliste

text: Pour le musicologue Keith Potter, un autre argument en faveur de la modernité du minimalisme est la , terme proposé par le théoricien formaliste Victor Chklovski pour signifier la perte d'impact des éléments courants, amoindris dans leur signification par l'habitude. Selon Chklovski, l'art aurait pour but de rendre cette signification aux choses auxquelles on se serait trop habitué. Potter souligne que cette redécouverte d'éléments familiers avait déjà été effectuée par Cage et les sérialistes, mais que les minimalistes la réalisent très différemment. Plutôt que de l'inouï, ils partent d'un matériau musical extrêmement simple et familier pour l'étudier en profondeur grâce à une utilisation intensive de la répétition. Le premier paramètre ainsi étudié est le rythme, la démarche systématique produisant des pièces proches de l'étude, et confèrent à ces premières pièces un vrai caractère de musique expérimentale. Cette exploration s'élargit par la suite à d'autres paramètres (hauteurs, harmonie).


title: Musique minimaliste

text: Keith Potter dit ainsi que :


title: Fourche de bicyclette

text: Sur une bicyclette, la fourche est l'élément sur lequel est fixée la roue avant. Elle permet de diriger le vélo.


title: Fourche de bicyclette

text: Une fourche se compose de plusieurs parties :


title: Fourche de bicyclette

text: Une fourche possède plusieurs dimensions caractéristiques détaillées ci-après:


title: Fourche de bicyclette

text: Les fourches de bicyclettes présentent en général un décalage (offset en anglais) qui place l'axe de la roue en avant de l’axe de la direction. Ce décalage est soit réparti le long des jambages, ce qui crée une courbe, soit réalisé en positionnant les pattes vers l’avant, soit en inclinant les tubes de fourche par rapport au tube de pivotement. Le positionnement avant est utilisé si les jambages doivent rester droits dans le cas où ils remplissent une fonction mécanique (suspension notamment).


title: Fourche de bicyclette

text: Les fourches courbées procurent également un léger amortissement. Le but du coude est de réduire l’écart entre le point de contact de la roue sur le sol et le point d’intersection du sol et de l’axe de direction. Cet écart est appelé le déport de la fourche. Un déport trop élevé rend la bicyclette difficile à manier.


title: Fourche de bicyclette

text: Les vélos de course sur route ont quasiment tous un déport de 43-. Ceci est dû à la géométrie quasi standard des cadres et des roues de de diamètre. Ainsi ces fourches sont interchangeables et compatibles avec d’autres cadres.


title: Fourche de bicyclette

text: Pour les vélos de tourisme et les autres vélos en général, l’angle de chasse de la fourche et la taille de la roue doivent être pris en compte pour déterminer le déport. De plus, seulement un faible intervalle de valeurs est acceptable pour un comportement sain. La règle générale est qu'un faible angle de chasse requiert plus de déport et que les petites roues nécessitent plus de déport que les grandes roues.


title: Fourche de bicyclette

text: Le déport de la roue influence la géométrie générale du vélo et donc ses caractéristiques.


title: Fourche de bicyclette

text: La longueur de la fourche est généralement mesurée parallèlement à la douille de direction, de l’axe de la roue jusqu’au roulement inférieur.


title: Fourche de bicyclette

text: La largeur de la fourche, aussi appelée entraxe, est mesurée colinéairement à l’axe de la roue avant entre les bords intérieurs des pattes. La plupart des fourches ont un entraxe de . Les fourches destinées à la descente sont conçues pour des axes traversant de . Chaque vélo a une fourche.


title: Fourche de bicyclette

text: La douille de direction (sur le cadre) et le pivot (sur la fourche) sont dimensionnés pour recevoir les roulements du jeu de direction. Le montage étant en porte-à-faux il est souhaitable d'espacer le plus possible les 2 paliers, cependant, il faut aussi prendre en compte la géométrie globale.


title: Fourche de bicyclette

text: Lors de l’adaptation d’une fourche à un cadre, le diamètre du tube de la fourche (le pivot) ne doit pas être plus grand que le diamètre de la douille de direction.


title: Fourche de bicyclette

text: Des adaptateurs existent pour rendre compatibles les différents diamètres notés en pouces : 1" 1.1/8" et 1.1/2" (= 1,5"). De plus en plus de constructeurs de cadres utilisent des douilles de direction coniques afin d'optimiser le ratio poids/rigidité. Les constructeurs de fourches proposent donc des fourches compatibles.


title: Fourche de bicyclette

text: Les jambages doivent être de longueur adaptée pour être compatibles à la fois avec la taille des roues et avec la géométrie générale voulue par les concepteurs.


title: Fourche de bicyclette

text: La longueur fonctionnelle de la fourche est généralement exprimée en termes de longueur sous té.


title: Fourche de bicyclette

text: De plus, l’axe de la roue doit s’adapter aux pattes de la fourche (cet axe est en général soit de , soit de (depuis peu) soit de traversant, creux ou plein). Certains fabricants ont développé des fourches et des moyeux avec des propriétés standards, comme Maverick et son axe de , Specialized et et le système Lefty de Cannondale.


title: Fourche de bicyclette

text: Sur la plupart des VTT, la fourche contient un amortisseur, dans ce cas les jambages sont composés de tubes télescopiques appelés fourreaux et plongeurs.


title: Fourche de bicyclette

text: Le débattement de la suspension et les caractéristiques de maniabilité dépendent de la pratique pour laquelle la fourche a été conçue. Les fabricants produisent différents types de fourches pour le cross-country(XC), l’enduro, le free-ride ou encore la descente. Les fourches de XC sont généralement très légères, moins rigides et moins robustes et avec un plus faible débattement que celles conçues pour des pratiques plus agressives.


title: Fourche de bicyclette

text: Les trois principaux fabricants sont Fox Racing Shox, RockShox et Suntour. D'autres constructeurs existent comme Cannondale, Manitou, Marzocchi, Magura, DT Swiss, et Formula mais possèdent une part de marché bien moins importante. Les fourches suspendues ont subi une forte évolution ces dernières années et présentent aujourd’hui des conceptions diverses et sophistiquées.


title: Fourche de bicyclette

text: Le débattement a augmenté avec le temps. Quand les premières fourches suspendues virent le jour, un débattement de 80- était considéré comme suffisant pour la descente. De nos jours, un tel débattement est utilisé en XC alors que les modèles destinés à la descente proposent . Certains modèles très spécifiques comme la Marzocchi Super Monster T procurent jusqu'à de débattement.


title: Fourche de bicyclette

text: Un autre progrès important en matière de conception constitue en un débattement ajustable. Typiquement, un débattement faible est utilisé en montée ou sur du plat tandis que le débattement complet est libéré pour la descente. De plus, certains systèmes permettent au pilote de verrouiller sa fourche pour éliminer ou fortement réduire le débattement disponible pour un pédalage plus efficace en montée ou sur du plat.


title: Fourche de bicyclette

text: Le verrouillage (lockout) peut, dans certains cas, être activé à partir du guidon. Le système de suspension se compose généralement de 2 parties : un ressort et un amortisseur. Le ressort est réalisé par des spires en aluminium ou en titane, un élastomère ou de l’air comprimé.


title: Fourche de bicyclette

text: Le choix du matériau a un effet très important sur les caractéristiques générales de la fourche. Les fourches à ressorts sont souvent plus lourdes que les systèmes à air mais il est plus facile d’obtenir une réponse linéaire tout au long du débattement. L’intérêt du ressort en titane est un gain de poids, au détriment du prix, qui est plus élevé. Les fourches à air utilisent les propriétés thermodynamiques du gaz dont la pression augmente lors d’une compression adiabatique (approximation pour une explication simplifiée). Comme le rebond est créé par de l’air, ces fourches sont plus légères que leurs consœurs à ressort, c’est pourquoi on les retrouve souvent dans les fourches destinées au XC. Un autre avantage est que la précharge peut être ajustée au poids du pilote en faisant varier la pression.


title: Fourche de bicyclette

text: Un inconvénient est la difficulté à obtenir une réponse linéaire en raison de la variation de la pression avec le volume qui suit une loi pseudo inverse. Lorsque la fourche se comprime, la valeur perçue de la précharge augmente. Ce phénomène peut être évité en augmentant le volume d’air dans la fourche mais reste limité par les dimensions de cette dernière. L’amortisseur utilise généralement de l’huile qui passe par un circuit de laminage. Sur certains modèles, le ressort, l’amortisseur ou les 2 peuvent être réglés en fonction du poids du pilote, du terrain, du style de pilotage etc.


title: Fourche de bicyclette

text: Les 2 composants : ressort et amortisseur peuvent être séparés et mis chacun dans un plongeur, il est à noter que cette solution entraîne des dissymétries de chargement qui, bien que souvent négligeables, peuvent se ressentir dans certains cas. Certains fabricants ont apporté des réponses différentes comme Cannondale qui propose une fourche munie d’une seul « bras », la même marque développe aussi une gestion électronique de l’amortissement. D’autres ont essayé des variations autour de la géométrie (fourche à parallélogramme déformable).


title: Fourche de bicyclette

text: Les fourches actuelles disposent toutes de réglages plus ou moins avancés : La précontrainte est le réglage de base que possède une fourche. Elle permet d'adapter la précontrainte du ressort au poids du pilote. Pour faire ce réglage, on se base sur ce que l'on appelle le "sag" (terme anglais signifiant "affaissement"). Cette valeur correspond à l'enfoncement de la suspension sous le seul poids du pilote, elle s'exprime en pourcentage du débattement complet. Il est commun d'utiliser les valeurs de "sag" suivantes Il est à noter qu'une précontrainte trop importante est néfaste au bon fonctionnement. Il vaut mieux changer de ressort (pour un ressort en métal) pour un modèle de raideur différente que de rouler avec un ressort précontraint au maximum. Sur les suspensions à ressort à air, le "sag" est réglable grâce à une partie « gonflable ». Pour les suspensions à ressort hélicoïdal, le "sag" se règle en pré-contraignant le ressort grâce à une molette de réglage. Sur certaines fourches, le débattement est réglable. Ce réglage est très variable suivant les modèles. Le débattement disponible peut être limité à quelques valeurs (de 80 et ) ou réparti entre 2 valeurs maximales et minimales(réglable de 80 à par exemple). Ce réglage peut se faire soit en démontant la fourche et en utilisant des bagues de réglage, soit par une molette positionnée sur un des plongeurs, soit par une commande fixée sur le guidon qui permet d'effectuer le réglage en roulant.


title: Fourche de bicyclette

text: Le réglage de la détente (dans sa version simple) est le deuxième réglage le plus répandu (le premier étant la précontrainte). Il correspond à la vitesse à laquelle la fourche revient en position initiale après une compression. Sur les fourches haut de gamme de descente, ce réglage possèdent deux sous-réglages:


title: Fourche de bicyclette

text: Ce réglage influe sur la manière dont la fourche réagit lors d'un choc. Similaire à la détente elle peut être réglée de plusieurs manières. Elle dispose aussi de deux sous réglages souvent limités aux fourches haut de gamme : Le terme vitesse fait en fait référence à la vitesse d'application du chargement.


title: Fourche de bicyclette

text: On peut changer la viscosité de l'huile pour corriger une fourche ne disposant pas de réglage de compression et qui a tendance à « plonger » sur les freinages, cependant, une viscosité d'huile trop élevée favorise le phénomène de saturation de la fourche. Dans ce cas, la fourche a du mal à absorber une succession de chocs.


title: Fourche de bicyclette

text: L'emploi d'une valve inertielle permet d'optimiser le comportement de la fourche au pédalage sans sacrifier l'efficacité sur les chocs.


title: Fourche de bicyclette

text: Les réglages ne sont jamais définitifs, ils dépendent du pilote, de son style de pilotage, du terrain, de la géométrie globale de la bicyclette, des pneus, etc. Les molette de la détente et compression influent sur la manière dont se fait le passage de l'huile dans le circuit de laminage. Le fonctionnement des cartouches hydraulique est souvent gardé secret par les fabricants, on peut cependant se diriger vers l'article amortisseur pour une idée du fonctionnement.


title: Fourche de bicyclette

text: Il existe plusieurs matériaux pour fabriquer des fourches, les plus utilisés sont l’acier, l’aluminium, les fibres de carbone, le titane et le magnésium. Une fourche peut par exemple être composée de carbone pour les fourreaux, d'aluminium pour le pivot et de magnésium pour le té (on parle évidemment d'alliage pour le magnésium, l'acier et l'aluminium).


title: Fourche de bicyclette

text: Pour les fourches rigides, la forme, le poids et la structure peuvent affecter les caractéristiques du vélo de manière notable. Les fibres de carbone sont populaires sur les modèles de route car elles sont légères et procurent un peu de confort en se déformant légèrement.


title: Fourche de bicyclette

text: Les fourches peuvent avoir des pattes d'attache pour les freins, un porte-bagages ou un garde-boue. Elles peuvent se situer sur l’arceau, le long des fourreaux ou proches du moyeu. Ce sont souvent des perçages, taraudés ou non et parfois situés sur des excroissances.


title: Nombre de Biot

text: Le nombre de Biot (Bi) est un nombre sans dimension utilisé dans les calculs de transfert thermique en phase transitoire.


title: Nombre de Biot

text: Il compare les résistances au transfert thermique à l'intérieur et à la surface d'un corps.


title: Nombre de Biot

text: Ce nombre porte le nom de Jean-Baptiste Biot (1774-1862), physicien français.


title: Nombre de Biot

text: On le définit de la manière suivante :


Nombre de Biot


title: Nombre de Biot

text: avec :


title: Nombre de Biot

text: La longueur caractéristique est habituellement définie par le rapport du volume du corps et de sa surface formula_2, ou encore pour une ailette, par le rapport de sa section à son périmètre formula_3.


title: Nombre de Biot

text: Une valeur du nombre de Biot supérieure à 1 signifie que la conduction de la chaleur à l'intérieur du corps est plus lente qu'à sa surface, et que les gradients de température sont non négligeables au sein du corps.


title: Nombre de Biot

text: Si le nombre de Biot d'un système est petit devant 1 (on utilisera souvent "Bi" < 0,1), cela signifie que la résistance interne est négligeable, et donc que la température peut être considérée comme uniforme à l'intérieur du corps.


title: Nombre de Biot

text: Une autre version du nombre de Biot (appelé communément "nombre de Biot de transfert de masse", "Bi") est également utilisée pour décrire les processus de diffusion de masse :


title: Nombre de Biot

text: Si le nombre de Biot d'un corps est petit ("Bi" < 0,1), on dit qu'il est thermiquement mince.


title: Nombre de Biot

text: C’est la résistance superficielle qui limite l’écoulement de la chaleur. On peut alors utiliser l’approximation de la température uniforme pour étudier l’évolution dans le temps de la température.


title: Enrique Peña Nieto

text: Enrique Peña Nieto, né le à Atlacomulco, est un homme d'État mexicain. Membre du Parti révolutionnaire institutionnel, il est président de la République de à .


title: Enrique Peña Nieto

text: En 2003, Peña Nieto est élu député du district XIII, à Atlacomulco, au Congrès de l'État de Mexico pour la LV législature. Entre et , il est coordinateur du groupe parlementaire du Parti révolutionnaire institutionnel (PRI) et préside l'Assemblée de coordination politique.


title: Enrique Peña Nieto

text: Le , le PRI lance le processus pour la désignation du candidat au poste de gouverneur de l'État de Mexico. Les candidats déclarés sont, outre Peña Nieto, Guillermo González Martínez, Oscar Gustavo Cárdenas Monroy, Jaime Vázquez Castillo, Eduardo Bernal Martínez, Ferdinand Alberto García Cuevas, Cuauhtémoc García Ortega, Isidro Pastor Medrano, Enrique Jacob Rocha, Héctor Luna de la Vega et Carlos Hank Rhon. En avril 2005, Enrique Peña Nieto est désigné comme le candidat unique du PRI et de son partenaire de coalition, le Parti vert écologiste du Mexique.


title: Enrique Peña Nieto

text: Le , il est élu gouverneur de l'État de Mexico en obtenant 49,2 % des voix, largement devant ses adversaires du PAN et du PRD. Il exerce cette fonction entre le et le .


title: Enrique Peña Nieto

text: Le 17 décembre 2011, il reçoit l'investiture comme candidat unique du PRI pour l'élection présidentielle du juillet 2012, à l'issue de laquelle il est élu en obtenant 38,21 % des voix devant son principal adversaire Andrés Manuel López Obrador. Il est officiellement proclamé président élu le , après un rejet du recours en annulation de l'élection présidentielle.


title: Enrique Peña Nieto

text: Il prend ses fonctions de président de la République le et forme immédiatement son gouvernement.


title: Enrique Peña Nieto

text: En janvier 2015, le président américain Barack Obama renouvelle son engagement à aider militairement l'État mexicain dans sa lutte contre les cartels de la drogue. En août 2016, le président mexicain invite Donald Trump, alors candidat à la présidence des États-Unis, dans son pays. Le candidat républicain étant opposé à un rapprochement États-Unis-Mexique, sa visite est vue comme une humiliation et suscite la polémique dans le pays. Le 11 novembre 2016, Enrique Peña Nieto se dit par rapport à la nouvelle relation qui liera les États-Unis du président Trump récemment élu au Mexique, affirmant qu' entre les deux pays permettra la prospérité de leurs deux sociétés.


title: Enrique Peña Nieto

text: Enrique Pena Nieto entreprend un rapprochement avec le gouvernent israélien, rencontrant Benyamin Netanyahou en septembre 2017 et signant avec lui plusieurs accords renforçant les liens et la coopération entre les deux pays. Il prend position en faveur d’Israël dans le cadre du conflit israélo-palestinien, s'engageant à soutenir ce pays à l'ONU et dans d’autres organismes internationaux. Quelques tensions étaient cependant apparues à la suite du soutien du Premier ministre israélien au projet du président américain de faire construire un mur à la frontière avec le Mexique.


title: Enrique Peña Nieto

text: Ses relations sont bonnes avec le président français François Hollande. Il reçoit de celui-ci la grand-croix de la Légion d’honneur en 2014'.


title: Enrique Peña Nieto

text: Dans le domaine économique, il fait modifier la Constitution mexicaine de façon à introduire une privatisation du secteur pétrolier, nationalisé depuis 1938 par le président Lázaro Cárdenas.


title: Enrique Peña Nieto

text: En novembre 2013, alors que le taux d'obésité chez les adultes mexicains est plus élevé au Mexique qu'aux États-Unis, il impose une nouvelle taxe sur les produits sucrés.


title: Enrique Peña Nieto

text: Le Mexique est confronté sous sa présidence à une hausse de la pauvreté (53,2 % de la population en 2014 contre 51,6 % en 2012 selon la Cepal) et des inégalités (baisse de 3,5 % des revenus des ménages entre 2012 et 2014 tandis que les quatre plus grandes fortunes détiennent désormais 9,5 % du PIB).


title: Enrique Peña Nieto

text: En 2014, il lance l'initiative de former une gendarmerie nationale.


title: Enrique Peña Nieto

text: La banche française d'Amnesty International souligne en 2014, à l'occasion de la visite à Paris d'Enrique Peña Nieto, les nombreuses exactions imputables à la police et à l'armée au Mexique. Les disparitions forcées, la torture et les détentions arbitraires sont des pratiques répandues.


title: Enrique Peña Nieto

text: Le massacre d'Iguala en 2014 (assassinat de 43 étudiants de gauche de l'école normale d'Ayotzinapa par une organisation criminelle avec la collaboration probable de la police) est devenu emblématique de l’insécurité, de l’impunité et de la collusion des pouvoirs au Mexique. Des enquêteurs internationaux ont suggéré que des membres haut placés de l'administration du président Peña Nieto étaient impliqués. Une enquête dirigée par le Groupe interdisciplinaire d'experts indépendants (GIEI) a révélé l'existence à Iguala d'un centre d'opérations stratégiques à travers lequel la police, l'armée et le ministère public général surveillaient les étudiants d'Ayotzinapa bien avant les meurtres. L'école figurait sur une liste confidentielle des organisations constituant une « menace pour la sécurité nationale » remise au chef de l’État par ses conseiller.


title: Enrique Peña Nieto

text: En 2017, les médias indiquent que le Mexique est le deuxième pays le plus dangereux du monde, après la Syrie. Selon les chiffres officiels, les journalistes sont plus souvent menacés par les forces de police que par les cartels de la drogue ou les petits délinquants. Le pays connait en outre une augmentation considérable de la criminalité, avec des meurtres en hausse de 58 % depuis l’arrivée au pouvoir de Peña Nieto.


title: Enrique Peña Nieto

text: En juin 2015, à la suite des élections de mi-mandat, Enrique Peña Nieto préserve une fine majorité de 33 % au Congrès de l'Union. D'après "The New York Times", près de deux milliards de dollars ont été utilisés par son gouvernement en cinq ans pour acheter les médias – en partie en payant pour des publicités en échange d'une couverture favorable. La presse, en particulier celle proche des milieux d'affaires, a largement soutenu son action.


title: Enrique Peña Nieto

text: Il devient le président le plus impopulaire de l'histoire du Mexique en raison des scandales de corruption à répétition, des violations des droits de l’homme et des mauvais résultats économiques de son administration. Personnellement mis en cause pour l'achat d'une propriété d'une valeur de sept millions de dollars, connue comme la « Maison Blanche », puis contesté par d'imposantes manifestations contre l'augmentation des prix du carburant décidée par son gouvernement (5 personnes sont tuées et arrêtées), sa popularité s'écroule à 12 % d'opinions favorables en 2017.


title: Enrique Peña Nieto

text: Enrique Peña Nieto est accusé d’utiliser à son avantage son image, notamment son physique, pour charmer les électeurs. Il souhaite renvoyer l’image d’un mari faisant partie d'une famille parfaite, apparaissant régulièrement avec sa femme, ancienne actrice de téléromans populaire au Mexique. En 2012, le magazine "Le Temps" fait état de contrats tenus secrets entre Enrique Peña Nieto et une chaine de télévision populaire du Mexique afin de contribuer à l’embellissement de son image publique. Azam Ahmed fait mention de sommes exorbitantes dépensées en publicité. Il aurait également eu recours à la censure de la presse et à la corruption entre son gouvernement et les journalistes locaux afin de faire taire tout commentaire négatif. Mais à la fin de sa présidence, son image n’évoque que la corruption et de l’inefficacité, et se voit écornée par l’assassinat des 43 étudiants d’Ayotzinapa. Une autre raison du déclin de son image est qu’il n’assistait qu’aux réunions politiques ayant lieu dans les grandes villes cosmopolites du Mexique au lieu d’aller rendre visite aux zones pauvres du pays.


title: Enrique Peña Nieto

text: Le , le quotidien britannique "The Guardian" publie des informations dénonçant l'existence d'un accord entre le conglomérat multimédia Televisa et Enrique Peña Nieto sur des informations relatives à lui-même et à López Obrador aux élections fédérales mexicaines de 2006 dans l'objectif de favoriser le premier et porter préjudice au second. Bien que les informations du "Guardian" correspondent à d'autres faits et informations antérieurs, les documents et leur degré d'exactitude ou de véracité sont difficiles à évaluer. En novembre 2012, l'institut électoral fédéral rejette la pertinence juridique de ces accusations, affirmant qu'aucun acte illégal n'a été commis. Le , à la suite de sa participation au forum de l'université ibéro-américaine, le mouvement Yo soy 132 est créé. Un de ses objectifs est (sauf pour les représentants de l'Institut technologique autonome de Mexico) de s'opposer à l'« imposition médiatique » opérée par Enrique Peña Nieto ou de tout autre candidat.


title: Enrique Peña Nieto

text: Pendant la campagne électorale pour la présidence, le PRD et le PAN ont dénoncé l'achat de votes de la part du PRI. L'unité de contrôle de l'Institut fédéral électoral (IFE) a confirmé qu'une personne morale à caractère marchand avait financé comptes bancaires électroniques, pour un montant total de pesos. Selon le PRD et le PAN, ces fonds auraient été destinés à payer la structure du PRI dans les bureaux de vote pour influencer illégitimement et illégalement le vote des électeurs. Cet avis a été garanti à la suite de la découverte de relations entre le PRI, Alkino et d'autres entreprises marchandes pour un montant de 66 millions de pesos distribués par l'intermédiaire de la banque Banca Monex. En janvier 2013, l'IFE valide l'avis de l'unité de contrôle et a avisé le PRI-PVEM qu'il recourait à des opérations illicites pour le financement de la campagne d'Enrique Peña Nieto.