title: Ferdinando Fontana

text: Sauf indication contraire, il s'agit de livrets d'opéras.


title: David Gordon-Krief

text: David Gordon-Krief est un avocat français né le à Neuilly-sur-Seine. Avocat depuis , il est associé gérant du cabinet UGGC Avocats, où il intervient principalement en contentieux des Affaires, Private Equity et immobilier. Il a été président de l’Union nationale des professions libérales (UNAPL) entre 2010 et 2013, succédant à ce poste à Alain Vaconsin. Son successeur à la présidence de l'UNAPL est Michel Chassang, élu le 7 février 2013.


title: David Gordon-Krief

text: Étudiant à l’Université de Paris X, David Gordon-Krief obtient une maîtrise de droit privé (1985) puis un DESS de droit du commerce international. Il est reçu au Barreau de Paris en 1988 et obtient par la suite un LLM à l’Université Columbia (1990).


title: David Gordon-Krief

text: Après avoir obtenu son barreau à Paris, David Gordon-Krief exerce en tant qu'avocat dans les cabinets Jeantet & Associés puis Simeon Moquet Borde à Paris. En 1990, il rejoint les États-Unis, pour travailler au sein du cabinet Milbank Tweed Hadley & Mc Cloy.


title: David Gordon-Krief

text: Il retourne à Paris en 1991 où il rejoint Moquet Borde & Associés. En 1993, il devient associé gérant pour le cabinet créé par son grand-père en 1934, qui deviendra par la suite SBKG & associés. Il se spécialise alors dans trois domaines : le Private Equity, l’immobilier et le contentieux stratégique des affaires. Il rejoint, en janvier 2017, le cabinet UGGC Avocats, dont il est désormais l’un des associés gérants.


title: David Gordon-Krief

text: David Gordon-Krief a occupé plusieurs postes au sein des instances représentatives de la profession d’avocat :


title: David Gordon-Krief

text: Au sein du Conseil économique, social et environnemental, il préside le Groupe des professions libérales et s’est vu confier l’avis sur la réforme de la dépendance des personnes âgées. il a été rapporteur au sein du CESE de l'avis sur l'influence de la France par le droit.


title: David Gordon-Krief

text: En tant que président de l’UNAPL, il a lancé le 12 avril, avec le Président de la République, un Tour de France des Professions Libérales sur l’année 2011 qui aura fait étapes dans près de 50 villes du territoire métropolitain et d’outre-mer.


title: David Gordon-Krief

text: Il défend la reconnaissance des professionnels libéraux comme chefs d’entreprises et l’implantation dans chaque département d’une Maison des professions libérales (projet porté par l’UNAPL).


title: David Gordon-Krief

text: Ces engagements l'on conduit à se présenter aux élections du bâtonnat de Paris en juin 2015 avec Hubert Flichy, avocat en droit social fondateur du cabinet Flichy Grangé Avocats, sous l'étiquette Nous Avocat. Il est battu par Frédéric Sicard et Dominique Attias au second tour.


title: David Gordon-Krief

text: Il fut le candidat de l'Union pour un Mouvement Populaire (UMP) aux élections législatives de 2012 dans la de Gironde. Il obtient 38,09 % des voix au second tour face à la candidate socialiste Pascale Got.


title: David Gordon-Krief

text: Le , il signe l'appel d'avocats se prononçant en faveur du vote pour Emmanuel Macron au second tour de l'élection présidentielle de 2017.


title: Albert von Keller

text: Albert Keller, et à partir de 1898 Albert von Keller, né le à Gais et mort le , est un peintre munichois d'origine suisse.


title: Albert von Keller

text: Sa famille s'installe à Munich, lorsqu'il a dix ans. Il y étudie le droit, mais il se tourne vers la peinture en 1865 sur le conseil de Ludwig von Hagn et d'Arthur von Ramberg. Il entre donc à l'académie des beaux-arts de Munich et étudie avec Hans Makart, Fritz Schider et Franz von Lenbach.


title: Albert von Keller

text: Il fait partie de la sécession munichoise en 1892. On sent dans son œuvre l'influence de Makart et de Böcklin. Il peint avant tout des scènes d'intérieur, des scènes de genre, des portraits de dames de la bonne société, et également des tableaux à thématique religieuse. Il se déprend peu à peu du style de peinture de salon et s'inspire de l'impressionnisme, puis de l'expressionnisme.


title: Albert von Keller

text: Ses œuvres sont régulièrement reproduites dans la fameuse revue d'art bavaroise, "Jugend".


title: Albert von Keller

text: Il est anobli par le régent de Bavière en 1898.


title: Albert von Keller

text: Il épouse Irene von Eichthal (1858-1890), fille du baron Karl von Eichthal.


title: Meule (outil)

text: La meule (outil) (ou outil meule) est un disque constitué de grains d’émeri, montée sur une machine-outil appelée meuleuse ou disqueuse, qui sert à usiner de la matière par abrasion. Toujours sous la forme d’un cylindre, ses dimensions et formes en largeurs sont innombrables et adaptées à chaque usage.


title: Meule (outil)

text: Le taillage s’opère à l’outil diamant.


title: Signe de Frank

text: Le signe de Frank, ou signe de Lichtstein, est un signe cutané en forme de pli situé sur le lobe de l'oreille. Ce signe est associé aux maladies cardiovasculaires.


title: Signe de Frank

text: Le signe de Frank est un pli sur l'oreille, une ride permanente, qui va du tragus à l’arrière du lobule, en diagonale. Ce pli s'étend et peut être plus ou moins profond. Il est souvent bilatéral, au même endroit sur chaque oreille.


title: Signe de Frank

text: Ce signe est associé à un risque plus élevé d'apparition de maladies cardiovasculaires et à d'autres facteurs de problèmes touchant notamment l'artère carotide. Ce signe est aussi lié à des effets morbides susceptibles d’apparaître en cas d'anesthésie générale ou de risques cérébrovasculaires. Il est prédictif d'un risque cardiovasculaire accru en cas de diabète de type 2 mais ne signe pas un risque accru de rétinopathie chez ces mêmes patients, bien que ces patients diabétiques présentent aussi un risque accru d'angiopathie.


title: Signe de Frank

text: Le lien entre le signe de Frank, ELC ou DELC pour , et les maladies cardiovasculaires est décrit pour la première fois en 1973 par S.T. Franck dans "Aural sign of coronary-artery disease" (1973) et dans "Ear-crease sign of coronary disease" (1977).


title: Signe de Frank

text: L'américain Blodgett G. découvre que Il le relate en 1983 dans sa thèse universitaire "The presence of a diagonal ear-lobe crease as an indicator of coronary artery disease". Depuis, de nombreuses études sont effectuées et présentent en général l'ELC comme marqueur de la coronaropathie.


title: Signe de Frank

text: La prévalence du signe de Frank augmente avec l'âge. Ce signe est plus fréquent chez l'homme que chez la femme.


title: Signe de Frank

text: La plupart des études constatent une relation, mais n'établissent pas de chaîne de cause à effet, ou ne proposent pas de cause à ce pli.


title: Signe de Frank

text: Ce pli serait dû à une ischémie chronique locale, avec dégénérescence des fibres élastiques et sclérose vasculaire. Selon Griffing (2014), chez les personnes jeunes ou relativement jeunes, ce signe indiquerait un vieillissement prématuré de la peau, avec perte de derme et de fibres élastiques vasculaires. Le lobe de l'oreille pourrait y être plus sensible car il se situe en fin de réseau artériel, dans une des zones du corps où la température cutanée est naturellement parmi les plus basses.


title: Signe de Frank

text: Selon des études statistiques, la présence de ce pli semble être prédictif de maladies coronariennes et d’athérosclérose, chez un sujet de plus de 50 ans et de moins de 70 ans. L'association est hautement significative ; .


title: Signe de Frank

text: Une étude publiée par Cumberland & al. en 1987 a recherché l'existence d'une éventuelle relation entre la présence d'un signe de Franck et le mauvais état des coronaires à partir des observations faites sur 800 autopsies médicolégales faites sur le corps de personnes décédées pour des raisons variées ; elle a conclu à des résultats similaires (corrélation dans plus de 75 % des cas). Les auteurs de cette étude concluent que le signe de Frank peut et doit être utilisé en conséquence. Cette même année 1987, Lesbre a également estimé que son absence ne permet en aucune façon d'exclure le diagnostic de la maladie coronarienne, mais que sa présence est un signe fort : elle correspond dans les trois quarts des cas à une maladie coronarienne établie.


title: Signe de Frank

text: En 2012, Shmilovich et ses collègues ont aussi montré que plus le pli est marqué, plus il est associé à un risque accru de problème plus grave et plus étendu.


title: Signe de Frank

text: En 35 ans, quelques études minoritaires n'ont pas réussi à identifier un lien avec l'athérosclérose et quelques auteurs ont relativisé l’importance de ce signe d’alerte, car sa prévalence augmente naturellement avec l’âge, mais il semble aujourd'hui y avoir consensus concernant la pertinence de ce signe qui est associé à un risque accru, indépendamment d'autres facteurs de risques (âge, histoire de tabagisme, diabètes et hypertension).


title: Signe de Frank

text: Avant toute opération chirurgicale nécessitant une anesthésie générale, les patients porteurs de ce signe devraient faire l'objet d'un bilan médical approfondi.


title: Carbon Leaf

text: Carbon Leaf est un groupe de rock indépendant américain, originaire de Richmond, dans l'État de Virginie.


title: Carbon Leaf

text: Carbon Leaf est formé au Randolph-Macon College dans l'État de Virginie, en 1992, à l'auditorium du campus. Peu après leurs études, ils emménagent à Richmond. De Richmond, tils jouent dans le circuit lycéen de Virginie et dans des clubs de la côte Est. Leur style n'est pas du , comme le clamait le guitariste Carter Gravatt (B., David. 2002) pour rigoler.


title: Carbon Leaf

text: "Meander", leur premier album, est publié en 1995. Leurs premières chansons incluent "One Day" et "Country Monkee". "Shadows in the Banquet Hall", publié en 1997, incluent "Flood", "Wolftrap and Fireflies", et "Attica's Flower Box Window". "Ether~Electrified Porch Music" (1999) est leur premier album avec le bassiste Jordan Medas et comprend "Home" et "American Tale". Le groupe compte exemplaires vendus à la fin 1999, publiés à leur propre label, Constant Ivy Music.


title: Carbon Leaf

text: "Echo Echo" est publié en 2001 avec "The Boxer" comme premier morceau. En janvier 2002, Carbon Leaf remporte le tout premier Music Award aux American Music Awards Presents the Coca-Cola New pour "The Boxer". Ils jouent "The Boxer" aux AMAs, devenant ainsi le premier groupe indépendant à jouer pendant la cérémonie. Après cette apparition, "The Boxer" est régulièrement diffusé à la radio comme sur DC101 (WWDC 101.1 FM). En mai 2002, les membres abandonnent leur job pour se consacrer pleinement aux tournées. La chanson bonus "Dear" issue du CD "Echo Echo" est utilisée pour la bande-son du film "Wicked Spring". Barry Privett a aussi joué dans le film. En septembre 2002, Carbon Leaf remporte le Pontiac Vibe Summer Sound Off.


title: Carbon Leaf

text: Au printemps 2004, Carbon Leaf signe avec le label Vanguard Records, et y publient l'album "Indian Summer". "Life Less Ordinary" atteint la place du classement Adult Album Alternative, et la des Hot AC Charts. Carbon Leaf joue "Life Less Ordinary" le 30 novembre 2004 dans un épisode du "Dr. Phil Show".


title: Carbon Leaf

text: En juin 2006, le guitariste Terry Clark est annoncé sur la couverture du magazine "The Green Room". Le 12 septembre 2006, le groupe publie "Love, Loss, Hope, Repeat". Selon leur blog, il est enregistré à Nashville, dans le Tennessee, et mixé en collaboration avec le producteur Peter Collins et Trina Shoemaker. Carbon Leaf joue au Sudflood 2007, et dédie sa performance aux victimes de la fusillade de l'université Virginia Tech. En août 2007, Scott Milstead est remplacé par Jason Neal à la batterie. En août 2008, Jordan Medas quitte le groupe pour une carrière d'enseignant. Le groupe publie son septième album, "Nothing Rhymes with Woman", le 19 mai 2009. Le 30 juin 2009, Carbon Leaf w participe au Red Rocks Film on the Rocks.


title: Carbon Leaf

text: Le 20 mars 2010, ils annoncent avoir quitté leur label, Vanguard Records. Leur neuvième album et troisième publié en 2010, une collection de chansons spéciale Noël et hiver, intitulée "Christmas Child", est publiée le 16 novembre. Un second album live et DVD est enregistré en janvier 2010. En juillet 2010, le groupe s'occupe du mixage audio. "Live, Acoustic...And In Cinemascope!" est publié le 3 mai 2011.


title: Carbon Leaf

text: Le 9 août 2014, Carbon Leaf sort "Indian Summer Revisited", une réédition spéciale anniversaire de leur album sorti en 2004.


title: Waldviertel

text: Le Waldviertel est une région rurale et forestière au nord-ouest de Vienne. Depuis la réforme royale de 1868, les districts traditionnels n'ont plus de fonctions administratives. Le Waldviertel s'étend sur et compte environ (2011), ce qui représente une densité de population de .


title: Waldviertel

text: Les limites administratives recoupent les frontières géographiques de la vallée de Gmünd, de Horn, de Krems, de Waidhofen an der Thaya et de Zwettl, dont le District de Melk au nord du Danube et la moitié ouest des districts d'Hollabrunn (comprenant les communes de Hardegg, Maissau et Mühlbach am Manhartsberg) ; mais une partie des districts de Krems et de Horn est rattachée au Weinviertel. Outre Krems, les principales villes de la région sont Gmünd, Horn, Waidhofen an der Thaya et Zwettl.


title: Waldviertel

text: Du point de vue géologique, le Waldviertel est une composante du plateau granitique d'Autriche. Les éléments les plus pittoresques de la région sont la vallée de la Wachau avec son chef-lieu, Krems-sur-le-Danube, et Spitz an der Donau. Du point de vue géologique, cette vallée se rattache au Waldviertel, alors que la forêt de Dunkelsteinerwald se trouve dans le Massif de Bohême.


title: Waldviertel

text: Le centre du Waldviertel est occupé, depuis l'Anschluss de 1938, par le champ de manœuvres militaire d'Allentsteig, qui avec occupe 3 % de la superficie du district.


title: Comté de Chicoutimi

text: Le comté de Chicoutimi était un comté municipal du Québec ayant existé entre 1855 et le début des années 1980.


title: Comté de Chicoutimi

text: Le comté a été amputé d'une partie de son territoire en 1890 lors de la création des deux divisions du comté de Lac-Saint-Jean, appelées plus tard les comtés de Lac-Saint-Jean-Est et Lac-Saint-Jean-Ouest.


title: Comté de Chicoutimi

text: Le territoire qu'il couvrait avant 1890 est aujourd'hui compris dans la région administrative du Saguenay–Lac-Saint-Jean et correspondait à la presque totalité de l'actuelle municipalité régionale de comté (MRC) du Fjord-du-Saguenay ainsi qu'aux actuelles MRC de Lac-Saint-Jean-Est, de Maria-Chapdelaine et du Domaine-du-Roy. Son chef-lieu était la municipalité de Chicoutimi.


title: Comté de Chicoutimi

text: Le comté de Chicoutimi comprenait lors de sa formation les cantons de Plessis (en partie), Lartigue, Simon, Ferland, Bréboeuf, Boileau, Lallemant, Périgny, Ducreux, Saint-Jean, Hébert, Otis, Bagot, Laterrière, Chicoutimi, Jonquières, Kénogami, Bourget, Taché, Simard, Falardeau, Tremblay, Harvey, Saint-Germain et Labrosse.


title: Championnat d'Angola de football 2006

text: La saison 2006 du Championnat d'Angola de football est la vingt-huitième édition de la première division en Angola. Les quatorze meilleures équipes du pays sont regroupées au sein d'une poule unique où elles s'affrontent deux fois, à domicile et à l'extérieur. En fin de saison, les trois derniers sont relégués et remplacés par les trois meilleurs clubs de "Gira Angola", la deuxième division angolaise.


title: Championnat d'Angola de football 2006

text: C'est le club de Primeiro de Agosto qui remporte le championnat cette saison après avoir terminé en tête du classement, avec dix points d'avance sur le Petro Atlético Luanda et douze sur l'Inter Luanda. C'est le neuvième titre de champion d'Angola de l'histoire du club, qui réussit même le doublé en s'imposant en finale de la Taça Angola face au Sport Luanda e Benfica.


title: Championnat d'Angola de football 2006

text: Le vainqueur du championnat et son dauphin se qualifient pour la Ligue des champions de la CAF, tandis que le vainqueur de la Taça Angola obtient son billet pour la Coupe de la confédération, tout comme le troisième du classement général.


title: Championnat d'Angola de football 2006

text: Le barème de points servant à établir les classements se décompose ainsi :


title: August von Pettenkofen

text: Le chevalier August Xaver Karl von Pettenkofen, né le à Vienne (Autriche) et mort le dans cette même ville, est un peintre, illustrateur et graveur autrichien. Petenkofen est le fils d'un grand propriétaire terrien et homme d'affaires galicien, Anton Pettenkofen, et de son épouse, née Maria Anna von Nespern. Après la mort de son père, il est élevé à Vienne avec son cousin, le futur poète Ferdinand von Saar. Il fait son service militaire entre 1841 et 1843. Il est ensuite élève à l'académie des beaux-arts de Vienne, auprès de Leopold Kupelwieser et plus tard de Franz Eybl. Il se spécialise alors dans la peinture de genre du "Biedermeier" viennois.


title: August von Pettenkofen

text: Il devient à partir de 1848 illustrateur de l'armée dans le style de Carl Schindler. C'est à cette époque qu'il séjourne au village de Szolnok en Hongrie, ce qui aura une influence décisive pour sa vie d'artiste. Il se rend à Paris en 1852 et entre en contact avec l'école de Barbizon et les peintres paysagistes de la capitale.


title: August von Pettenkofen

text: Il retourne à Vienne en 1866, où il est accueilli par l'académie. Il est fait membre d'honneur de l'académie des beaux-arts de Munich en 1872, et chevalier en 1876. De 1870 à 1880, il voyage tous les ans à Venise. Il est ami de Ludwig von Hagn. Son assistant est Eugen Jettel.


title: August von Pettenkofen

text: Il meurt en 1889 au sanatorium Loew de Vienne et une rue de la capitale impériale est baptisée à son nom en son honneur. Il est enterré au cimetière central de Vienne avec Leopold Carl Müller. Son tombeau est l'œuvre de Viktor Tilgner.


title: August von Pettenkofen

text: Pettenkofen est l'un des peintres de genre parmi les plus réputés de l'époque de la double-monarchie. En plus de scènes de genre du petit peuple viennois, il peint également des scènes villageoises et des scènes de soldats de petit format. Il excelle dans la représentation de marchés hongrois ou slovaques, ainsi que de scènes de fermes. Il fonde l'école de Szolnok, cercle de peintres en Hongrie. Il peint également des paysages influencés par l'école autrichienne.


title: Équitation de travail

text: L’équitation de travail est une discipline équestre axée sur la conduite et le tri du bétail. C'est une discipline ancienne issue de l'utilisation traditionnelle du cheval dans la conduite du bétail. C'est une équitation fortement liée au pays dont elle est originaire. Culture et tradition équestre sont représentées par les exercices exécutés et par le costume traditionnel correspondant à la culture d’équitation de travail pratiquée. Il existe de nombreuses sortes d'équitation de travail comme l'équitation Western, la doma vaquera ou l'équitation Camargue. Les compétitions sont composées de quatre épreuves faisant écho aux connaissances indispensables à avoir dans la conduite et le tri du bétail : dressage, maniabilité, rapidité et tri du bétail. Les premières compétitions ont été tenues en Italie, en France, en Espagne et au Portugal. Puis elles se sont développées en Allemagne, en Belgique, en Angleterre, en Suède, en Suisse, en Autriche, à Saint-Marin, au Brésil, aux Pays-Bas, en République tchèque, au Mexique et en Colombie. Lors des championnats européens de 2004 en Italie, la "" (Association Mondiale d'Équitation de Travail) a été créée dans le but de modérer, organiser et développer la discipline. L'équitation de travail est avant tout géographique et est ainsi liée à la culture et aux traditions de différents pays. On distingue ainsi :


title: Équitation de travail

text: Chaque compétition est composée de quatre épreuves. La Fédération française d'équitation autorise l'organisation de ces épreuves de façon combinée ou indépendante. La principale caractéristique de ces épreuves est l'obligation de mener le cheval d'une seule main. Cette épreuve est une reprise de dressage imposée dans laquelle le cavalier doit exécuter des mouvements obligatoires dans un rectangle de dressage de 40 m × 20 m. Il est évalué par un jury qui est composé de trois à cinq juges.


title: Équitation de travail

text: La maniabilité est une épreuve dans laquelle le cavalier doit amener sa monture à affronter et traverser les différents obstacles susceptibles d'apparaître dans le travail quotidien, comme des ponts ou des barrières. Le jury note la façon dont l'obstacle est traversé en fonction de l'agilité, la soumission, l'attitude et la facilité de mouvement et d'execution. L'épreuve de rapidité correspond en fait à une maniabilité chronométrée. Elle implique de franchir le même type d'obstacles que l'épreuve précédente, mais avec l'objectif de les franchir le plus rapidement possible, sans prendre de points de pénalité.


title: Équitation de travail

text: L'épreuve du tri du bétail s'effectue en équipe. Elle est généralement composée de quatre cavaliers, mais la FFE réduit ce nombre à trois cavaliers pour les compétitions françaises. L'épreuve consiste à séparer des bêtes désignées au sein d'un troupeau de vaches ou de taureaux .


title: Canuck Letter

text: The Canuck Letter (lettre des Canucks) est une fausse lettre à l’attention de l’éditeur du "Manchester Union Leader", journal régional du New Hampshire, publiée le , deux semaines avant l'élection primaire démocrate dans cet État, au début du processus de désignation du candidat démocrate à l’élection présidentielle de 1972. Cette lettre laisse entendre que le sénateur Edmund Muskie, candidat du Parti démocrate, a porté préjudice aux Américains d’ascendance franco-canadienne. L’effet immédiat de la lettre est d’obliger le candidat à faire un discours devant le siège du journal, connu comme le discours larmoyant "(« the crying speech »)". L’effet indirect est l’effondrement de la candidature de Muskie.


title: Canuck Letter

text: Avec une écriture enfantine et bourrée de fautes d’orthographe, l’auteur de la "Canuck Letter" prétend avoir rencontré Muskie et son équipe en Floride. Il affirme avoir demandé à Muskie comment il pouvait comprendre le problème des Afro-Américains, compte tenu de la faible population noire dans le Maine, l’État où était élu Muskie. Selon la lettre, un membre de l’équipe de Muskie aurait alors répondu : « Pas de noirs, mais nous avons des Canucks », et Muskie aurait ri en entendant cette remarque. Canuck est un terme péjoratif pour désigner les Américains d’origine franco-canadienne, qui représentent un nombre significatif d’électeurs dans le New Hampshire. La nuit du , soit trois jours avant la primaire du , Muskie prononce un discours devant les bureaux de l’Union Leader, qualifiant l’éditeur, William Loeb de menteur, et le fustigeant pour avoir brocardé le caractère de sa femme, Jane Muskie. Plusieurs journaux, dont le "Washington Post" ou le "Boston Globe", relatent cet événement en écrivant que Muskie a pleuré lors de son discours. Le journal télévisé du soir de CBS montre son visage contorsionné par l’émotion. Muskie maintient que ce que les journalistes ont pris pour des sanglots dans sa voix était en fait l’expression de sa colère. L’éditeur, William Loeb, était déjà un adversaire de Muskie lors de la campagne présidentielle de 1968 (Muskie était candidat démocrate à la vice-présidence), et l’avait alors qualifié de girouette, ou encore l’avait surnommé "« Moscow Muskie »". D’après Muskie, ce que l’on a pris pour des larmes, était en fait de la neige (il neigeait abondamment) fondue sur son visage. Le reporter du "New York Times" situé, lors de cette scène, juste à côté de Muskie, n’a pas pu confirmer qu’il avait pleuré.


title: Canuck Letter

text: Quelle que soit la vérité, la crainte de l’état émotionnel supposé instable de Muskie, incite plusieurs démocrates du New Hampshire à passer du côté d’un autre candidat, George McGovern. Muskie remporte la primaire avec 46 % des voix, McGovern réalisant 37 %. Cette marge est plus faible que ce que son équipe de campagne avait prévu. Cette progression et cette deuxième place provoquent un élan décisif dans la campagne de McGovern. En , Muskie était de loin le favori, battant le président Nixon de 8 points selon les sondages. Lors de la primaire en Floride qui suit une semaine plus tard, alors que McGovern redouble d’effort avec un afflux de sympathisants de gauche pour faire sa campagne sur le terrain, la campagne de Muskie est au point mort. Muskie retire sa candidature avant la convention démocrate à Miami, en juillet, qui voit la nomination de McGovern.


title: Canuck Letter

text: La journaliste du "Washington Post" Marilyn Berger a écrit plus tard que le directeur adjoint des communications de la Maison-Blanche, Ken Clawson s’était vanté auprès d'elle d’avoir été l’auteur de la lettre, ce que Clawson a nié. En , dans le cadre de l’affaire du Watergate, des enquêteurs du FBI ont affirmé que la Canuck letter était l’une des opérations de sabotage politique "(dirty tricks)" contre les démocrates orchestrées par le Comité pour la réélection du Président (CRP) et Donald Segretti, un avocat employé pour ce type de travail par un conseiller du président. Loeb, l’éditeur de l’Union Leader, a maintenu que la lettre n’était pas un faux. Toutefois, il a plus tard fait état d’un doute, après avoir reçu une autre lettre prétendant que quelqu’un avait été payé pour écrire la Canuck letter. L’auteur présumé de la lettre n’a jamais été retrouvé. L’histoire de cette lettre est l’objet d’un long passage dans le livre des journalistes Bob Woodward et Carl Bernstein, "Les Hommes du président".


title: Škoda 1000 MB

text: La Škoda 1000 MB/1100 MB/1000 MBX/1000 MBG/1100 MBX est une berline compacte à moteur arrière produite de 1964 et 1969 par le constructeur automobile tchécoslovaque AZNP. La voiture tire son nom de la cylindrée de son moteur et des initiales de son usine d’assemblage, située à Mlada Boleslav.


title: Škoda 1000 MB

text: La genèse de la 1000 MB commence en 1956, alors que le modèle phare de Škoda, la 440, n’est sur le marché que depuis un an.


title: Škoda 1000 MB

text: Jusqu’en 1958, les ingénieurs de la marque s’efforcent de concevoir le prototype d’un tout nouveau modèle voulu par le gouvernement, qui devra peser et consommer entre 6 et d’essence aux .


title: Škoda 1000 MB

text: Toutes les solutions sont envisagés : traction, propulsion, moteur avant ou arrière, deux ou quatre portes, refroidissement par air ou par eau…etc.


title: Škoda 1000 MB

text: Finalement, les autorités de Prague approuvent le projet d’une berline à quatre portes équipée d’un moteur arrière refroidi par eau, et dont la ligne devra être agréable.


title: Škoda 1000 MB

text: La prochaine de Škoda aspirant à être produite à une cadence importante, la construction d’une nouvelle usine s’impose. Celle-ci verra le jour à côté de l’ancienne, sur le site historique de Mlada Boleslav. Elle sera désormais capable de produire 600 unités par an, contre 120 auparavant.


title: Škoda 1000 MB

text: Cent trente-quatre fournisseurs étrangers, originaires de seize pays, ont participé au projet. Ainsi, la Régie Renault a fourni les machines-transferts, et on doit la chaîne d’emboutissage au constructeur d’autobus Chausson.


title: Škoda 1000 MB

text: La Škoda 1000 MB (type 990) est présentée en , à l’occasion de la Foire de Brno. Ne reprenant aucun élément de l'Octavia qu’elle remplace, cette voiture marque un tournant dans l’histoire de la marque, dont elle est le premier modèle à moteur arrière et carrosserie autoportante.


title: Škoda 1000 MB

text: Son quatre cylindres développe 42 ch, comme le 1100 de l’Octavia, mais la voiture ne pèse que , contre 920 pour sa devancière. En Europe de l’Est, nombreux sont les automobilistes qui entretiennent eux-mêmes leur voiture. Škoda y a pensé, et a ainsi simplifié la technique de sa 1000 MB : le vilebrequin n’est ainsi doté que de trois paliers, et la culasse est facilement démontable.


title: Škoda 1000 MB

text: Contrairement à l’Octavia qui bénéficiait d’une gamme complète, la 1000 MB n’est disponible qu’en berline quatre portes à son lancement. Les versions break et cabriolet sont en effet restées à l’état de prototypes.


title: Škoda 1000 MB

text: Présent au Salon de Genève en , Škoda dévoile la 1000 MBX, une sorte de berline deux portes sans montants et au pavillon redessiné, qui atteint 52 ch grâce à l’ajout de deux carburateurs. Dans le même temps, la berline classique voit la puissance de son quatre cylindres portée à 48 ch, tandis que le dessin des ailes arrière adoptent un dessin plus conventionnel : son appellation interne est désormais type 721.


title: Škoda 1000 MB

text: Toujours à Genève mais en 1967, la berline 1000 MBG adopte le moteur de la MBX, tandis qu’une version dépouillée 1000 MBT fait son apparition. L’offre s’élargit de nouveau en , avec l’arrivée d’un moteur de développant 52 ch.


title: Škoda 1000 MB

text: Pour sa dernière année de commercialisation, en 1969, la petite Škoda s’offre un petit rajeunissement : la face avant troque ses chromes pour une large moulure en plastique intégrant les clignotants, les montants s’épaississent, et le toit pers sa « crête » centrale.


title: Škoda 1000 MB

text: Enfin, la gamme est couronnée en par la 1000 MB Rallye, dévoilée à l’occasion du Salon de Belgrade. Forte de 65 ch, cette version se distingue par quatre phares supplémentaires et des bandes de décoration siglées « Rallye ».


title: Škoda 1000 MB

text: La carrière de la 1000 MB sera courte, puisqu’elle tire sa révérence au mois de , devant les nouvelles 100 et 110.


title: Škoda 1000 MB

text: Pendant cinq ans, l’usine de Mlada Boleslav a assemblé pas moins de exemplaires de la berline, auxquels il convient d’ajouter « coaches » sans montants, portant le total à unités.


title: Škoda 1000 MB

text: On notera par ailleurs qu’environ exemplaires seront vendus en France, et en Belgique.


title: Trophée européen FIRA de rugby à XV 1997-1998

text: Le Trophée européen FIRA de rugby à XV 1997–1998 est une compétition qui réunit les nations de la FIRA–AER qui ne participent pas au Tournoi des Cinq Nations. Il sert aussi de tour B au qualification pour le mondial 1999 : les deux premiers de chaque poules sont qualifiés pour le tour C.


text: Poule A


text: Poule B


text: Poule C


L'Académie nationale des sciences d'Ukraine (en , "Natsional’na akademiya nauk Ukrayiny") est une institution académique scientifique ukrainienne fondée en 1918. Académie des sciences, elle est l'une des six académies d'État ukrainiennes, et constitue la plus importante structure publique de recherche scientifique en Ukraine.


title: Académie nationale des sciences d'Ukraine

text: Elle rassemble des savants ukrainiens, pouvant avoir le statut de membre ou de correspondant, ainsi que des chercheurs étrangers, et dispose de 14 départements de recherche, dans les domaines des mathématiques, de la physique, de la biologie, de l'économie ou des sciences humaines et sociales. Au , l'ANS comptait , dont .


text: Son siège se trouve dans la ville de Kiev, au numéro 57 de la rue Volodymyr, face au bâtiment historique du musée pédagogique.


text: Depuis 1918 l'académie a changé plusieurs fois de nom :


title: Lacus Veris

text: Lacus Veris ("Lac du printemps" en latin) est un petit lac lunaire. Ses coordonnées sélénographiques sont avec un diamètre de . Le lac s'étend selon un arc irrégulier de 90° à partir de l'est vers le nord et centré sur la Mare Orientale, couvrant une superficie d'environ . Une étude réalisée en 1989 par la NASA au centre spatial Lyndon B. Johnson en 1989 a proposé ce lac comme base lunaire habitée.


title: Lacus Veris

text: Cette petite région de lac vaguement en forme de croissant se situe entre les montagnes en forme d'anneaux Rook intérieures et extérieures et les montagnes qui font partie du bassin d'impact de la mer orientale. Elle se trouve dans une plaine topographique environ plus bas que les sommets environnants. D'après les données recueillies lors des missions Lunar Orbiter et les télescopes terrestres, le lac comprend certains éléments des hauts plateaux environnants. La densité des cratères d'impact indique une ancienneté estimée à d'années et une formation terminée environ d'années après que l'impact a créé le bassin oriental.


title: Lacus Veris

text: Le lac contient onze rainures sinueuses formées de tunnels de lave et de canaux aux longueurs allant de . Beaucoup de ces rainures commencent dans les montagnes Rook et filent vers la base de l'escarpement montagneux. Il y a aussi plusieurs formations de volcans bouclier, chacun d'un diamètre inférieur à . Les formations géologiques et l'absence de dépression par effondrement suggèrent que le lac s'est formé par de fins flots de lave par des tunnels plutôt que par des inondations de basalte par des éruptions à travers des fissures.


title: Marcel Monney

text: Marcel Monney est un joueur suisse de rink hockey né le et mort . Il a gagné 24 fois le championnat de Suisse et 6 fois la Coupe suisse.


title: Marcel Monney

text: Marcel Monney et son frère jumeau Pierre furent attirés très tôt par le rink hockey. Leur premier lieu de jeu fut les rues de leur quartier de Belmont-sur-Lausanne. Son premier match fit affronter son équipe qui représentait le quartier de Rouvenaz à celle de son frère qui représentait la ville de Belmont.


title: Marcel Monney

text: Cet en 1941 que Marcel et son frère Pierre se décidèrent à prendre une licence au Hockey Club de Montreux. Même si, à ses débuts, Marcel porta plus souvent le chandail de la deuxième équipe de Montreux que celui de la première. Cette époque lui permit d’effectuer son premier voyage avec l'équipe fanion un jour de septembre 1943 à Zurich.


title: Marcel Monney

text: Monney, ensuite surnommé "Tcho-Tcho" brilla en club et gagna pendant sa carrière 24 fois le championnat de Suisse entre 1941 et 1966 et 6 fois la Coupe suisse entre 1958 et 1966 avec Montreux. Ses progrès ne laissent pas indifférent les sélectionneurs de l'Équipe de Suisse de rink hockey qui le sélectionne pour la première fois en 1948 pour les Championnats du monde à Montreux. C'est la première de ces 170 sélections en équipe nationale. Il sera défini maintes fois comme une légende et arrivera à plusieurs reprises sur le podium de différentes compétitions internationales tels que la Coupe des nations en 1954 où il termina , en 1958 puis en 1964 où il termina à nouveau avec Montreux. Il termina aussi des Championnats du Monde en 1950. Marcel mit fin à sa carrière de joueur en beauté en 1964, lors d'un match organisé à Madrid devant 15000 spectateurs, opposant les champions du Monde en titre espagnols à une sélection du reste du monde composée notamment d'António Livramento, triple champion du monde.


title: Marcel Monney

text: Il démission de la fédération suisse de rink hockey en 1971. Tcho-Tcho reprit ensuite les rôles successifs d'entraîneur des juniors, de la première équipe puis entra au comité du Montreux HC pour en devenir le président de 1981 à 1991. Ayant terminé ses activités officielles au sein du Montreux HC, il consacra ensuite une partie de sa «retraite active» à la Fédération Suisse de Rink-Hockey en tant que vice-président, responsable technique des équipes nationales. Il fut membre du comité d'organisation de la Coupe des Nations jusqu'en 2001 .


title: Marcel Monney

text: Après de sa mort, survenue le , le Comité international de rink hockey a offert et mis en jeu pour rendre hommage à l'homme le "challenge Marcel Monney" délivrée à l'équipe qui remporte la coupe des nations trois fois consécutivement ou cinq non consécutivement. Il a été remporté pour la première fois en 2007 par l'Espagne.


title: Falls Best

text: Falls Best est le quatrième extended play de Chokebore, et le dernier en date. Il vient après 8 années de silence depuis l'album live "A Part from Life" (2003) et 9 années pour ce qui est des enregistrements studio ("It's a Miracle" (2002)). Il fait suite à la reformation du groupe en 2010.


title: Falls Best

text: Il est sorti le , uniquement en Europe, chez Vicious Circle Records, et au format vinyle 12 pouces (catalogue : REVERB116).


title: Falls Best

text: "Lawsuit", "Get Blonder" et "Awesome" ont été enregistrées au Coxinhell Studio à Saint-Aygulf, "Defenders" et "Joy" l'ont été au Normal Bias Studio à Berlin (alors que la section de batterie pour la chanson "Joy" a été enregistré séparément au GRAE Studio à Los Angeles). .


title: Falls Best

text: Toutes les chansons ont été composées par Chokebore.


title: Oskar Maria Graf

text: Oskar Maria Graf (né le à Berg et mort le à New York) est un écrivain allemand.


title: Oskar Maria Graf

text: Il écrit à ses débuts sous son vrai nom : "Oskar Graf". Puis à partir de 1918, il utilise un pseudonyme dans la presse écrite. Ce n'est que pour les œuvres qu'il juge lui-même comme dignes d'être lues qu'il emploie le nom "Oskar Maria Graf".


title: Oskar Maria Graf

text: Oskar est le neuvième enfant de Max Graf, boulanger, et de Therese, née Heimrath. Il fréquente l'école d'Aufkirchen dans son village natal à partir de 1900. Après la mort de son père en 1906, il devient apprenti dans la boulangerie depuis reprise par son frère Max.


title: Oskar Maria Graf

text: En 1911, il fuit les mauvais traitements que son frère lui impose, et va à Munich dans l'espoir d'y devenir poète. Il y mène une vie bohème avec d'autres et fait des petits boulots, comme postier ou portier d'hôtel, pour assurer sa subsistance. De 1912 à 1913, il vagabonde dans le Tessin et l'Italie du Nord en compagne du peintre Georg Schrimpf, avec lequel il reste ami sa vie durant. Ensemble, ils travaillent un temps pour Karl Gräser dans le village protestant de Monte Verità.


title: Oskar Maria Graf

text: Le , il est enrôlé pour la guerre. En 1915, il sert dans le génie militaire spécialisé dans les chemins de fer sur le front est et plus précisément en Prusse-Orientale et en Lituanie. À cette époque, il écrit pour la première fois un article de presse, celui-ci paraît dans le journal "". En 1916, il est condamné pour insubordination. Il est interné en hôpital psychiatrique, et est relâché par les militaires après avoir fait une grève de la faim de 10 jours.


title: Oskar Maria Graf

text: En 1917, sur proposition de l'artiste Jacob Carlo Holzer, il s'ajoute un second prénom : Maria. Après avoir reçu des plaintes d'un professeur portant le même nom, le journal souhaite qu'il publie sous le nom d"'Oskar Graf-Berg".


title: Oskar Maria Graf

text: Le il se marie à Karoline Bretting. La même année une fille, Annemarie ou plutôt "Annamirl"(née le , décédée le ), nait de l'union. Le couple se sépare toutefois peu après, toujours en 1918. Par la suite Oskar dit de ce mariage qu'il est. Sa fille est par la suite éduquée par sa mère. Le couple ne divorce officiellement qu'en 1944.


title: Oskar Maria Graf

text: Au début de l'année 1918 Oskar Maria Graf est emprisonné pour avoir participé à une grève dans les usines de munitions. Sa participation à la république des conseils de Bavière, lui vaut un nouvel emprisonnement en 1919.


title: Oskar Maria Graf

text: Toujours en 1919, il se met en couple avec Mirjam Sachs, qui est de confession juive. Ils se marient le .


title: Oskar Maria Graf

text: À partir de 1920, il travaille en tant que dramaturge au théâtre des travailleurs de la . En 1927, la parution de son autobiographie (nous sommes des prisonniers), lui permet de vivre de son métier d'écrivain et il abandonne le théâtre.


title: Oskar Maria Graf

text: Le , il commence un exil "volontaire" en allant à Vienne. Ses livres n'étant pas touchés par la censure nazi en 1933, leur lecture est même recommandées, il publie le dans le journal viennois "", l'appel suivant :


title: Oskar Maria Graf

text: Un an après, en 1934, ses livres seront brûlés lors d'un autodafé spécialement organisé pour lui dans la cour intérieure de l'université de Munich. Ses œuvres sont interdites et on lui enlève la nationalité allemande le .


title: Oskar Maria Graf

text: Toutefois il est à noter que les listes des œuvres bannies, publiées dans les villes universitaire, n'étaient pas toutes identiques. Ainsi à Göttingen, sur la liste du figurent déjà les livres d'Oskar Maria Graf (à l'exception de ' et ').


title: Oskar Maria Graf

text: En février, il émigre à Brünn en Tchécoslovaquie. Puis vers Prague, où il participe avec Anna Seghers et Wieland Herzfelde à la rédaction du mensuel édité par Grete Weiskopf. Il prend également part en 1934 à Moscou au congrès des écrivains d'Union soviétique.


title: Oskar Maria Graf

text: En 1938, il s'enfuit de nouveau, cette fois vers les États-Unis en passant par les Pays-Bas. Il s'installe en juillet à New York. En octobre de la même année, il devient président de la . Il fonde en 1942 avec d'autres écrivains émigrés allemands, comme Wieland Herzfelde, la maison d'édition Aurora-Verlag à New York à partir des restes de l'ancienne maison Malik-Verlag.


title: Oskar Maria Graf

text: Graf reste attaché à sa contrée natale : la Bavière, en témoigne le fait qu'il se promène continuellement dans les rues de New York habillé d'un Lederhose. En , il obtient la nationalité américaine. À cause de son pacifisme sans compromis, on raye - sur le formulaire de prestation de serment - la mention concernant le fait qu'il est prêt à défendre son pays l'arme à la main. L'année suivante, il entreprend pour la première fois après la guerre un voyage vers l'Europe.


title: Oskar Maria Graf

text: Le , sa femme Mirjam décède.


title: Oskar Maria Graf

text: En 1960, il reçoit un doctorat d'honneur de l'université de Wayne State de Détroit en reconnaissance de "son intégrité intellectuelle". Il effectue un nouveau voyage en Europe dans la foulée.


title: Oskar Maria Graf

text: En 1962, il se marie en troisièmes noces à Gisela Blauner.


title: Oskar Maria Graf

text: En 1964, il se rend pour la troisième fois en Europe et notamment à Berlin Est et Ouest. Il reçoit de nombreux honneurs par la suite, il devient ainsi membre correspondant de l'académie des arts de la RDA, et reçoit la médaille d'or de la ville de Munich pour son œuvre littéraire.


title: Oskar Maria Graf

text: En 1965, il voyage une dernière fois en Allemagne, en Autriche et en Suisse.


title: Oskar Maria Graf

text: Il meurt en à New York. Un an après son décès, ses cendres sont transférées à Munich, au cimetière Saint-Georges de Bogenhausen (elle se trouve au numéro 42, sur le mur de gauche).


title: Hans Fiechtl

text: Hans Fiechtl, né le dans la vallée du Zillertal et mort le au Totenkirchl, est un alpiniste et guide autrichien qui fait partie des principaux instigateurs des techniques modernes d'escalade.


title: Hans Fiechtl

text: Destiné initialement à la prêtrise par son père, Hans Fiechtl devient guide en 1903 et s'installe dans le Kaisergebirge. Fiechtl expérimente les premiers pitons dont il fabrique lui-même les prototypes. Tout comme Otto Herzog, il emprunte aux pompiers munichois les premiers modèles de mousquetons et améliore la technique de la corde. Ces pratiques innovantes sont par la suite expérimentées et améliorées par Hans Dülfer. Hans Fiechtl décède en 1925 au Totenkirchl d'une attaque cardiaque.


title: Myomésine

text: La myomésine est une protéine qui relie entre eux les filaments de myosine et maintient les deux filaments groupés. Elle assure donc la cohésion du disque M. On la trouve principalement dans les disques M des sarcomères.


title: Beyer

text: Beyer peut désigner :


title: Edmond Boissonnet

text: Edmond Boissonnet (1906 - 1995) est un artiste plasticien français de la Seconde École de Paris, né à Bordeaux comme Odilon Redon (1840-1916), Albert Marquet (1875-1947) et son ami de toujours, André Lhote (1885-1962). L’art de Boissonnet couvre ainsi la quasi-totalité du . Il est le reflet des courants artistiques de ce siècle tout en étant indépendant de ceux-ci. Pour cela, il utilise différents moyens matériels : dessins, peintures sur toile, papier, bois, collages, mosaïques à partir de matériaux bruts, tapisseries de laines multicolores et pour mémoire, sculptures sur bois. Pour illustrer le défi qu’il se lance à lui-même sur le plan de l’art, il utilise souvent la métaphore du « Combat avec l’Ange ». Enfin, l’art de Boissonnet, s’étalant sur près de soixante dix ans, connaît quatre grandes périodes illustrées par des expositions significatives. Boissonnet expose pratiquement tous les ans dans différentes institutions artistiques.


title: Edmond Boissonnet

text: Edmond Boissonnet est né le à Bordeaux au 11 rue Leo Saignat. Il est le troisième garçon de Jean Boissonnet (1871-1951) et de Marie-Thérèse Broqua (1872-1956). Les origines sociales de sa famille sont modestes. Son père est steward à bord des paquebots qui relient Bordeaux à l’Amérique. Sa mère, orpheline, a été prise en charge, par sa tante qui lui a fait faire ses études à Paris, avec sa propre fille, Marie Bounet. L’institution choisie est gérée par les Chanoinesses de Notre-Dame. Elle est bien connue comme étant « le Couvent des Oiseaux » de la rue de Sèvres, spécialisé dans l’éducation des filles de l’aristocratie et de la grande bourgeoisie. Plus tard, Marie Bounet, appartiendra au monde du spectacle et de la politique. Boissonnet s’est toujours souvenu de l’arrivée de ce personnage hors normes venant à Bordeaux, en « grand équipage » pour visiter sa cousine. C’était alors l’effervescence dans le quartier de ses parents. Il faut dire qu’elle était l’égérie de l’avocat franc-maçon, René Viviani, (1863-1925), député socialiste de Paris, ami de Jaurès et président du Conseil en 1914. C’est lui qui recevra de la main de l’ambassadeur d'Allemagne, la déclaration de cette guerre qui fit 9 millions de morts et 20 millions de blessés.


title: Edmond Boissonnet

text: Son père est mobilisé et sa mère doit travailler à domicile comme couturière. Boissonnet, élève studieux, ne peut pas continuer ses études au lycée, il doit choisir dès maintenant un métier. Le hasard fait qu’il rencontre en 1917 un émigré russe, sculpteur sur bois. Le jeune garçon passe de longues heures, prises dans ses moments de liberté, pour observer l’artisan étranger et lui poser plein de questions, car il est captivé par sa dextérité. C’est décidé, lui aussi sera sculpteur sur bois. La famille est d’accord. Il entre donc en apprentissage chez un patron, ancien curé, qui lui permet de suivre les cours de l’École des Beaux Arts…le soir. Là, il se fait remarquer par son talent et le soin qu’il apporte à son travail. Des « Prix » de fin d’année récompensent la qualité de ses œuvres. Il a en 1922, en sculpture décorative, deux prix et en 1923, un prix pour une étude d’après le plâtre. Curieuse coïncidence, le peintre cubiste André Lhote qui deviendra son ami plus tard avait, lui aussi, exercé le même métier dans la même ville, en 1898. Après son apprentissage, il entre dans une entreprise de décoration et le jeune sculpteur sur bois commence à s’intéresser à la peinture jusqu’à son service militaire dans l’aéronautique de 1926 à 1928. C’est alors que le commandant de la base, (profitant de l’opportunité d’avoir un artiste sous la main), lui confie la décoration du mess des officiers. L’œuvre a malheureusement disparu, mais elle est, en quelque sorte, sa première commande publique… à l’âge de 20 ans.


title: Edmond Boissonnet

text: De ses années de jeunesse, Boissonnet conserve un souvenir contrasté. Tout d’abord, une immense affection pour ses parents et surtout pour sa mère avec le sentiment que leur situation sociale était imméritée. D’où son désir constant de s’élever par ses propres moyens selon la philosophie bien connue de l’École de Jules Ferry. Alors, il continue à se former, intellectuellement et artistiquement. Philosophiquement, il sait également qu’il faut savoir être « indépendant » dans une activité artistique, afin d'émerger. Mais, pour cela, il faut le « vouloir ». Il en discute alors avec d’anciens camarades ou amis comme Pierre Molinier (1900-1976) qui s’apprêtent à fonder une association artistique.


title: Edmond Boissonnet

text: Boissonnet, comme d’autres artistes évolue beaucoup tout au long de sa carrière de 1929 à 1995 et il revendique cette évolution face à . Il est donc naturel de parler de « périodes » qui durent entre 15 et 20 ans. La première est qualifiée de réaliste, car, à partir de sa vision de la réalité, il peint beaucoup de scènes intérieures et s’inspire déjà de nombreux paysages avec personnages. Durant cette période qui s’inscrit dans la crise économique commencée à Wall Street en 1929, l’art de Boissonnet s’enrichit des nombreuses rencontres avec les artistes modernes. Licencié de son travail pour raison économique, il effectue de nombreux voyages à l’étranger. .


title: Edmond Boissonnet

text: Les A.I.B. sont « Les Artistes Indépendants Bordelais », une association artistique dont les statuts ont été déposés le 4 octobre 1929 et dont le but est de « grouper tous les artistes décidés à défendre un art sans contrainte, ni restriction et d’établir entre eux des relations de sympathie et d’intérêt ». Il y a un Salon annuel sans jury. En fait, cette société s’oppose à l’art académique et au mauvais goût bourgeois. Boissonnet souscrit tout de suite à cette orientation et devient l’un des premiers sociétaires. C’est dans cette société qu’il rencontre sa future épouse, Paule Cécile Jude, elle-même artiste d’une grande sensibilité. Mais, pour l’instant, il n’est pas question de mariage, car la crise économique commence à sévir. L’entreprise dans laquelle il travaille est vendue à un homme d’affaires qui licencie tout le personnel. Boissonnet se retrouve au chômage et il connaît une période de précarité durant cinq ans. Il en profite pour voyager.


title: Edmond Boissonnet

text: En 1930, il visite l’Espagne et effectue un grand périple à la rencontre d’El Greco, de Velasquez, de Goya dont on connaît les attaches avec Bordeaux et de bien d’autres… En 1932, il part en Italie malgré la conjoncture politique peu propice. Milan, Florence, Rome, etc. lui révèlent les trésors de l’art italien. De retour en France, il consacre un temps de plus en plus important à la peinture et se marie en 1935 avec cette jeune artiste, rencontrée aux A.I.B., qui lui donne un enfant.


title: Edmond Boissonnet

text: Les A.I.B., société très ouverte sur l’art contemporain avait pour habitude d’inviter des artistes parisiens comme Picasso, Matisse, Gromaire, Tal-Coat, Friesz, Kisling, Van Dongen, Utrillo et André Lhote. Au cours de ses conversations avec ces artistes, il perçoit l’absolue nécessité d’approfondir son art pictural. En 1937, il fait un séjour à Paris pour visiter l’Exposition Universelle. À partir de cette date, on constate alors une certaine évolution de son art qui devient moins sombre.


title: Edmond Boissonnet

text: Boissonnet reste plusieurs semaines à Paris et dans la région parisienne. Il profite de l’occasion pour rendre visite à quelques artistes et leur montrer des œuvres qu’il a amenées avec lui. C’est un encouragement général. L’un d’eux lui suggère de voir Bonnard. Celui-ci a soixante dix ans et cinquante ans de carrière, Boissonnet a, à peine, trente ans et dix ans d’exercice de la peinture entre deux sculptures. Le décalage est immense. Le débutant se présente cependant chez le grand artiste en pensant que sa démarche est vaine. L’accueil est chaleureux. Avec angoisse, il voit Bonnard regarder attentivement les œuvres qu’il a amenées. Après un long moment qui semble une éternité pour Boissonnet, la sentence du Maître tombe : "vos couleurs font l’amour !" Le sort en est jeté, il abandonne la sculpture sur bois pour se consacrer entièrement à la peinture et au dessin.


title: Edmond Boissonnet

text: En 1938, les A.I.B. dont Boissonnet est le chef de file, publient un ouvrage de poèmes illustrés et demandent à André Lhote d’en écrire la préface. C’est la première fois que Boissonnet rencontre Lhote, son aîné de vingt et un ans. Les origines sociales, artistiques : la sculpture sur bois, sont semblables. Une grande amitié respectueuse naît à cette époque. Elle ne se démentira pas jusqu’à la mort de Lhote survenue en 1962. La même détestation de l’art pompier, de la peinture académique chère aux Bordelais, le même amour pour le Bassin d’Arcachon, côté Cap Ferret, fréquenté par des écrivains comme Cocteau, Radiguet… et des artistes comme Marquet au Pyla, enfin, le même combat pour la reconnaissance de l’art moderne issu en partie de Cézanne, les unissent. Ce n’est pas par hasard si Boissonnet fait construire une maison-atelier sur ses plans, du côté de Lège Cap Ferret en Gironde, où il va exécuter de nombreuses œuvres.


title: Edmond Boissonnet

text: Boissonnet est mobilisé le . Le 3 septembre, c’est la guerre. Il est envoyé dans l’Est de la France, sur la Ligne Maginot en tant que pionnier du régiment de pionniers. Durant les moments d’inaction il exécute des dessins sans complaisance de la « drôle de guerre ». Puis, c’est la débâcle. Il est capturé dans les Vosges avec ce qui reste de son régiment. Après un regroupement à Strasbourg, il arrive à Nuremberg, en Bavière, le 19 juillet 1940. Il est conduit dans un stalag rural près de Thanstein en forêt de Bohème. Après une première tentative d’évasion, il contracte une sciatique et il est envoyé dans un hôpital militaire à Ratisbonne ("Regensburg"). Pendant tout ce temps, il continue à dessiner et à peindre des gouaches au vu et au su des Allemands. Mais, la Bavière n’est pas la Prusse. À l’hôpital le médecin-commandant francophile est un descendant de Lucas Cranach, le peintre de la Renaissance. Il le libère pour « raisons de santé » en 1942. Aujourd’hui, ces œuvres sont un témoignage exceptionnel de ces années sombres. Elles expriment l’absurdité de la guerre et « nous élèvent aux plus hauts sommets de la sauvegarde de la Liberté", comme l’écrit l’artiste qui rédige les légendes de ses œuvres. La grande majorité de celles-ci, numérisées, se trouvent au Musée d’Aquitaine de Bordeaux.


title: Edmond Boissonnet

text: Après l’épreuve de la guerre et de la captivité, c’est la Libération, moment tant attendu où Boissonnet est à la veille de grandes décisions. La période « réaliste » dont la connaissance est fondamentale pour comprendre le parcours artistique de cet artiste, va prendre fin et il envisage d’être davantage présent à Paris. C’est alors qu’il s’intéresse à la création du Salon de Mai dans le cadre de ce qui sera une deuxième période encore marquée par le mouvement du cubisme qui survit chez certains artistes.


title: Edmond Boissonnet

text: Boissonnet arrive à Paris avec un projet d’installation. Il est accueilli chaleureusement par des amis comme André Lhote, le dessinateur Yvan Le Louarn, dit Chaval, le sculpteur Joseph Rivière, etc. Ceux-ci l’aident à rencontrer artistes et notabilités de l’art contemporain. Il prend alors contact avec Gaston Diehl, le fondateur avec différents peintres du Salon de Mai en 1943. D’après Bernard Dorival, Conservateur du Musée d’Art Moderne : « la jeunesse a en lui son Salon… un Salon jeune, ouvert à la jeunesse, accueillant à ses inquiétudes, à ses recherches, à ses coups d'essai… ». Diehl l’encourage à présenter sa candidature au Prix Drouant-David de la Jeune peinture. Il y montre « Poissons et citron 1948 ». Il obtient un prix et le critique Pierre Descargues écrit dans Arts du 28 avril 1948 : « le choix de Boissonnet, peintre plus tendre, plus délicat, demeure dans la ligne de conduite du jury » où se trouvent Jacques Lassaigne et André Lhote. Ce prix est déterminant pour la suite de la carrière de Boissonnet, car, il entre au Salon de Mai où il va rencontrer des artistes de sa génération qui font les mêmes recherches. Sans appartenir à tel ou tel courant, préservant sa liberté créatrice et son indépendance, il crée son propre style inspiré par une certaine forme de cubisme à la limite de l’abstraction. Cela dure pendant trois à quatre ans dont le meilleur exemple se trouve aujourd’hui au musée des Beaux Arts de Bordeaux. Il porte le titre de « Synthèse de Formes », 1951. Mais, ce style n’inspire pas son instinct, comme il dit, il revient alors à un cubisme plus figuratif. C’est une période éblouissante où sa créativité étonnante s’exerce dans de nombreux domaines : dessins, peintures, vitraux, décorations murales.


title: Edmond Boissonnet

text: Comme on vient de le voir, le prix de la Jeune Peinture lui ouvre les portes du Salon de Mai. Du coup, il entretient des relations amicales et correspond avec Pignon, Bores, Lanskoy, Sarthou, etc. qui exposent comme lui dans ce Salon d’avant-garde, précurseur des manifestations contemporaines d’aujourd’hui. Du côté des grands aînés, il éprouve respect et admiration pour Braque et Lhote. Il rencontre aussi Bissière dans sa maison de Boissiérette dans le Lot. Ceux-ci l’encouragent à exposer rapidement dans une galerie, d’autant plus que ses œuvres avaient été très remarquées à Turin au niveau des Peintres d’aujourd’hui France Italie en 1951 et à Menton où il obtient la Médaille d’Or en 1955.  Son choix, encouragé par André Lhote et le journaliste critique d’art, Jacques Lassaigne, se porte sur la galerie Saint Placide, organisatrice par ailleurs du Prix de la Critique. En 1956, il présente, avec succès, seize peintures dont les célèbres « Poissons et Citron », aujourd’hui, au musée des Beaux Arts de Bordeaux, ainsi que dix dessins pour gravure. Certaines de ces œuvres sont à la limite du cubisme abstrait et c’est leur originalité. Un an plus tard, il se tourne vers la galerie de l’Élysée, rue du Faubourg-Saint-Honoré et y présente seize peintures dont « Village de pêcheurs » acheté par le Musée de Soulac. Au vernissage, il retrouve de nombreux artistes du Salon de Mai. Ils saluent l’art très personnel de Boissonnet et Jacques Lassaigne écrit à cette occasion ; « art d’effusion venu du cœur, guidé par une raison claire, dans lequel s’affirme la permanence des plus hautes préoccupations de matière, d’espace et de lumière. ». Pour le public concerné par l’art pictural, c’est une révélation. De son côté, Raymond Cogniat, critique d’art, parle : « d’un art sain, rayonnant, (qui) appelle l’adhésion.»


title: Edmond Boissonnet

text: L’atelier parisien de Boissonnet se trouve maintenant à Paris dans le arrondissement. Il y reçoit une invitation à exposer à la Maison de la pensée française. Cet établissement, rue du Faubourg-Saint-Honoré était la vitrine culturelle du Parti communiste français à la fois, librairie, lieu d’exposition, lieu de commémoration. Elle exposa Picasso en 1949 et 1954, Marquet en 1953, Bonnard en 1954, Lhote en 1961 etc. Le choix de ce lieu pour Boissonnet vient de la qualité de son art et de l’importance de l’exposition en nombre d’œuvres. Boissonnet présente, en effet, quatre-vingts peintures, gouaches et dessins récents. Le vernissage a lieu le 4 octobre 1961 en présence de J. Chaban-Delmas, président de l’Assemblée nationale, de Léon Moussinac, directeur honoraire de l’École nationale supérieure des arts décoratifs, de journalistes critiques d’art comme J. Lassaigne, J. Bouret, W. George, P. Cabanne, de nombreux conservateurs de musées, tous ses amis et une foule immense. La dimension picturale de cette exposition est donnée par J. Lassaigne dans le catalogue : « […] tout un ballet de formes envolées se déroule entre les horizontales fluides de l’eau et des nuages, dirigé par la baguette savante d’un homme épris de lyrisme d’ordre et de liberté. » Dans le journal "Arts", le critique et auteur Pierre Cabanne qu’on retrouvera plus tard, fait chorus : « […] il ouvre les portes d’un monde éclatant de lumière où son style structural s’épanouit avec une extraordinaire liberté. »


title: Edmond Boissonnet

text: Il est évident qu’avec cette exposition, Boissonnet est arrivé à une totale maîtrise de son art reconnue par tous et avec le Salon de mai, il expose au Japon en 1962.  Cette année, est aussi l’occasion pour la Maison de la pensée française de faire un bilan et d’organiser une grande exposition de certaines œuvres des artistes qu’elle a exposées depuis la Libération. Ce jour-là, comme un symbole, Boissonnet se trouve entre Marquet, Bonnard et Lhote. Cette réussite lui permet d’accéder aux commandes publiques.


title: Edmond Boissonnet

text: Un pour cent du coût des constructions de bâtiments publics peut être consacré à des travaux artistiques. C’est ainsi qu’en 1955, Lhote reçoit la commande d’une grande peinture murale à la Faculté de médecine de Bordeaux. Boissonnet surveille le bon déroulement du marouflage. Lui-même se voit attribuer en 1958 la décoration du restaurant universitaire de Bordeaux, sous forme de décoration murale intitulée « Jeunesse ». Puis, dans le même temps, il reçoit la commande de vitraux abstraits pour la grande chapelle de l’Institution des Sourdes et Muettes, dans la banlieue de Bordeaux. Boissonnet, n’est plus seulement un artiste peintre, mais commence à devenir un artiste plasticien.  De cette période, on retiendra les maîtres mots qui caractérisent l’art de Boissonnet : création de lignes et de couleurs, liberté, sincérité, évolution, indépendance, refus du compromis artistique. Mais c’est alors vraiment la fin du cubisme.


title: Edmond Boissonnet

text: André Lhote disparaît le 25 janvier 1962 suivi de peu par Georges Braque, le 31 août 1963. Les tout derniers grands cubistes disparaissent peu à peu, seul Picasso résiste encore. La seconde École de Paris est en train de mourir. En 1964, l’américain Rauschenberg reçoit le premier prix à la biennale de Venise, à la place de Roger Bissière. Il s’agit clairement d’une manœuvre politico-artistique anti-française. Il ouvre la voie au new-dada et au pop art. Le mouvement de déconstruction de l’art de Paris, d’après la Libération, continue de plus belle dans le cadre de la liberté d’expression chère aux Américains. L’immensité du marché américain accentue le mouvement : Paris est supplanté par New York. Heureusement pour Boissonnet, sa grande capacité d’adaptation et d’évolution lui permet d’évoluer par rapport à la période précédente et de devenir progressivement expressionniste et plasticien.


title: Edmond Boissonnet

text: Les États-Unis imposent donc au monde occidental un art pictural triomphant, provocateur, dénonciateur et spéculateur qui s’appuie sur la puissance financière de Wall Street et sur des facilités fiscales. Au pays du libéralisme, la culture est donc subventionnée… C’est alors que le "pop art", entre autres, permet à New York d’évincer Paris. D’où une évolution radicale de l’art de Boissonnet qui se serait faite de toute façon, même sans « l’affaire » Michelson.


title: Edmond Boissonnet

text: De quoi s’agit-il ? Charles Michelson est bien connu des historiens des médias radiophoniques. C’est un homme d’affaires, de confession juive, né en 1900 en Roumanie et décédé aux États-Unis à Los Angeles en 1970. Avant la Seconde Guerre mondiale c’est déjà un précurseur dans le domaine des radios privées avec Radio Tanger. Mais, inquiété par le Gouvernement de Vichy, il s’évade et rejoint les États-Unis. À la Libération, de retour en France, il reprend ses projets. C’est ainsi qu’il lance en 1954 la chaine Télé Monte Carlo et devient le conseiller en communication du prince Rainier III de Monaco. Puis, en 1955, il fonde Europe. avec Louis Merlin de Radio Luxembourg. Mais, devant les débuts incertains d’Europe , Charles Michelson est obligé par l’État Français de passer la main à Sylvain Floirat (future Sofirad) et de vendre sa part estimée à 245 millions de francs. Pensant avoir été grugé, il en appelle aux tribunaux pour une réévaluation. L’affaire fait grand bruit et remonte à l’Élysée qui menace la Principauté de blocus et, en 1962, fait mettre sous séquestre les biens de Charles Michelson au motif de non-paiement de ses impôts en France. Mais, en quoi cette « affaire » concerne-t-elle Boissonnet ? Tout simplement, parce que Charles Michelson, ce qu’en général on ignore, avait un grand projet de créer une importante Galerie d’art moderne et Boissonnet qu’il rencontre dans son atelier du bassin d’Arcachon, fait partie de ce projet comme André Lhote et bien d’autres. La mise sous séquestre des biens de Charles Michelson entraine donc, de facto, la saisie des œuvres de Boissonnet se trouvant encore chez ce futur galeriste après l’exposition à la Pensée Française, fin 1961. Incroyable mais vrai, Boissonnet pour rentrer en possession de ses œuvres doit se battre sur deux fronts et autant de procès, d’abord contre le magnat des ondes privées pour non-respect de ses obligations, ensuite contre l’Administration française pour mise sous séquestre abusive de ses œuvres. Ce double procès va durer près de dix ans. Il permet à Boissonnet de recouvrer son bien. Malgré le tort considérable créé par cette malfaisance doublée de frais judiciaires exorbitants, Boissonnet n’a jamais arrêté de travailler, bien au contraire elle décuple son énergie. Cette période est, en effet, d’une grande richesse créative tous azimuts. Il trouve d’autres matériels et traduit son indignation et sa colère en « calligraphie tumultueuse » comme dira Pierre Cabanne en 1971, lors de l’exposition à la Galerie de Paris.


title: Edmond Boissonnet

text: Boissonnet constate la déconstruction américaine avec un peu d’inquiétude mais avec courage. Dans une lettre à Léon Moussinac, ancien directeur des Arts Déco, datée du 6 décembre 1961, il exprime déjà ce passage d’un monde ancien à un monde nouveau : "« je suis un peu inquiet sur ma peinture qui me parait évoluer vers des touches plus larges et un désir encore plus grand d’amour. Ce désir me rassure sur cette nouvelle évolution, mais elle me hante, me tracasse, tout au moins pour l’instant. »."


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text: Mais comme pour Boissonnet, "vivre, c’est évoluer", il accepte cette évolution. En effet, pour lui, le peintre n’est pas un spectateur passif devant le monde, il est dans le monde, comme le démontrera l’exposition parisienne de 1971.


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text: Son style évolue donc vers des rythmes tumultueux, mystérieux et même violents. Comme plasticien, il exprime ainsi les turbulences du monde dans une sorte d’expressionnisme, très personnel, souvent abstrait, aussi bien dans ses peintures, ses gouaches, ses tapisseries ou ses mosaïques proches de l’art brut.


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text: La rencontre avec Jacques Dupuy, maître verrier bordelais, lors de l’exécution de vitraux, l’amène à recourir à une nouvelle forme d’expression : la mosaïque à partir de matériaux bruts. Inventif, il utilise, en effet, des déchets de céramique, des schistes ou minéraux divers, des tessons etc. Le ciment sert à lier l’ensemble comme le plomb dans les vitraux. Auparavant, il commence à établir une maquette à la gouache, inversée, et l’artisan n’a plus qu’à suivre les indications pour placer les matériaux et couler un lit de ciment afin de les lier. Il réalise ainsi une bonne centaine de maquettes expressionnistes ou abstraites. Il n’existe pas d’équivalent dans le monde artistique qui opère selon le mode habituel à l’inverse de la méthode Boissonnet. Il appartient donc au mouvement de l’art brut et connaît bien Dubuffet. Il travaille dans le domaine de la mosaïque de 1963 à 1973 et reçoit de nombreuses commandes publiques. Son intérêt pour ce mouvement ne l’empêche pas de travailler activement dans le domaine des papiers collés, de la gouache et de la peinture sur toile, car il a, en projet, une grande exposition à Paris.


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text: En 1970, Boissonnet montre au critique d’art et auteur, Pierre Cabanne, sa « production » des années soixante, dites les sixties. Ils se connaissent déjà, car Cabanne avait « couvert » l’exposition de 1961 dans ARTS. Il est alors stupéfait par ces œuvres nouvelles, très différentes de celles des fifties, mais, bien du même peintre qui vient d’opérer un virage important dans son art. Il encourage Boissonnet à exposer au plus vite ces œuvres un peu énigmatiques pour un public non averti.


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text: C’est la renommée Galerie de Paris, dirigée par la fille du peintre Manguin, qui est choisie. Le 30 mars 1971, Boissonnet présente donc 25 peintures et 10 gouaches. Le public comme les critiques peuvent constater le talent anticonformiste de cet artiste. Pierre Cabanne qui a rédigé la préface du Catalogue fait une bonne synthèse de l’art de Boissonnet à cette époque : "« une calligraphie tumultueuse, enveloppante ou brisée, les traces d’un combat sans merci, la singularité d’un être profond…un tableau de Boissonnet est un vertige organique, organisé, cohérent, le microcosme de la terre dans son enfantement. Le peintre n’est pas devant le monde, il est au milieu, c’est pourquoi les paysages de Boissonnet ne se reconnaissent pas, ils sont connaissance et sensation. »" Jacques Lassaigne, tout heureux de retrouver un Boissonnet sorti du piège « Michelson », fait un point d’une grande vérité : « Il a gardé toute la verve jaillissante de son inspiration. C’est comme une gerbe, une fusée d’éléments d’une beauté pure et naturelle. Nature vraie recréée avec ses propres éléments, restituée par l’artiste dans ses rythmes essentiels. ». En fait, Boissonnet est pour Lassaigne toujours le même artiste. Pour un autre critique, René Barotte qui était aussi à l’exposition de 1961, Boissonnet est le fils spirituel de Cézanne. Ce critique en profite pour rapporter dans cet article, les propres paroles d’André Lhote étant sur nature avec Boissonnet : "« C’est merveilleux, comment faites-vous donc pour vous libérer ainsi, tout en conservant à la nature, cette fidélité que nous lui devons.»" Désormais, Boissonnet fait partie des peintres de la Galerie de Paris comme Oudot, Ciry, Chastel, Rohner, Despierre, Cathelin, etc. C’est alors que Boissonnet est à la veille d’une décision importante. Tout en gardant son atelier parisien du , il décide d’habiter, dès 1972, à plein temps, son atelier en face d’Arcachon. Il y installe un métier à tisser et commence une série de tapisseries.


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text: Il construit alors un métier à tisser très simple et, avec son épouse, il réalise des tapisseries, d’une extrême originalité sans passer par des intermédiaires. C’est le pendant en laines multicolores des mosaïques en matériaux, eux aussi multicolores. De même qu’il est très proche de l’art brut pour les mosaïques, de même, il est très proche de la Nouvelle Tapisserie pour ces nouvelles œuvres. Boissonnet, le plasticien, fait ainsi preuve d’une grande créativité et fait bien partie de son siècle en tant qu’artiste contemporain. Il réalise ainsi, avec son épouse, 16 tapisseries expressionnistes et fantasmatiques qui n’ont pas d’équivalent dans le monde artistique. Le temps du Bol à café est bien loin. Huit tapisseries appartiennent aujourd’hui aux collections publiques ainsi que le métier à tisser.


title: Edmond Boissonnet

text: Au cours de cette période bien couverte par les médias, Boissonnet commence une carrière internationale avec l’exposition de Munich (R.F.A.) en 1971. En France, il expose pratiquement tous les ans à Paris ou à Bordeaux. C’est ainsi qu’il participe à l’inauguration du Centre national Jean-Moulin de Bordeaux, consacré à la Résistance, en y exposant ses dessins de guerre. Ceux-ci font l’objet d’une Donation au Musée en 2008. Dans les dernières expositions de la période, il commence à présenter des paysages irréels. En effet, au tournant des seventies, son art évolue à nouveau vers des créations abstraites, ou non, directement issues de son imaginaire à partir du monde terrestre mais aussi de certaines activités de ses contemporains. Il entre alors dans la quatrième période dite « fantasmatique ».


title: Edmond Boissonnet

text: Une nouvelle évolution était dans l’air à la fin des seventies. Boissonnet a 73 ans. Il va moins à Paris ou à Bordeaux, sauf pour les grandes manifestations le concernant. Il vit avec son épouse dans cette maison-atelier du Bassin d’Arcachon avec ses fantasmes, comme il dit. Qu’est-ce qu’il entend par là ? Ici, il ne s’agit pas seulement des fantasmes sexuels qui n’ont jamais été véritablement un moteur pour son art. C’est plus général. D’après Carlos Maffi,  psychanalyste, professeur à Paris VII, le fantasme peut se définir comme une production imaginaire qui représente le sujet dans un scénario déterminé, à la manière d’un rêve, et figure, d’une manière plus ou moins voilée, un désir. Ici, pour Boissonnet, ses fantasmes remontent à ses « années de jeunesse » et à travers son imagination expriment ses désirs de dépassement de soi, d’élévation, d’évasion dans son art. D’où son choix du monde des sports, de la danse et de ses paysages imaginaires. L’originalité de cette démarche intéresse galeries et pouvoirs publics qui organisent trois grandes rétrospectives en 1992, 1996 et 2006. Enfin, cette période voit le moment où s’arrête cette carrière atypique.


title: Edmond Boissonnet

text: L’une des fonctions du fantasme est de faire œuvre créatrice en sollicitant l’imagination du sujet, ici celle d’un artiste. Chez Boissonnet, il est clair qu’il faut rechercher l’origine de certains de ses fantasmes dans une enfance où les privations subies par sa famille le choquent durant la première guerre mondiale et donc, de son désir d’y échapper grâce à l’art. Évasion, dépassement de soi, élévation sont des objectifs qu’il se donne et l’art qui n’est pas, pour lui, une activité futile doit lui permettre de les atteindre. D’où cette capacité d’évoluer quand il le faut. Le poème de Baudelaire qu’il admirait résume assez bien son état d’esprit : ""Envole-toi bien loin de ces miasmes morbides, Va te purifier dans l’air supérieur"".  Dégoût de la société c’est peut-être exagéré, mais sans doute, désir d’évasion : ses paysages imaginaires sont bien significatifs de ce besoin. Enfin, recherche d’un Idéal de perfection qui doit rendre l’être meilleur et plus heureux, oui, certainement. Ainsi, est-il est proche d’un certain symbolisme en réaction contre un monde trop matérialiste.


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text: "La Nature est un temple où de vivants piliers" "Laissent parfois sortir de confuses paroles ;" "L’homme y passe à travers des forêts de symboles" "Qui l’observent avec des regards familiers"


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text: Il existe, en effet, chez Boissonnet un certain romantisme, non pas réactionnaire mais révolutionnaire. Il fait sienne une définition de Baudelaire disant que pour lui, le romantisme, "« c’est dans la manière de sentir»". Cette conception de l’art l’amène donc à s’intéresser aux sportifs et aux danseurs.


title: Edmond Boissonnet

text: À la fin des années soixante-dix, la télévision diffuse de plus en plus de spectacles sportifs : matchs de rugby, de foot-ball, de basket, de tennis, etc. L’athlétisme avec les Jeux olympiques de 1980 et 1984 est aussi à l’honneur. Les sportifs fascinent Boissonnet par leur beauté, leur force, leur rapidité, leur goût de l’effort. Ils réveillent dans le conscient de cet artiste le fantasme du dépassement de soi. Depuis des décennies qu’il met en œuvre pour lui ces forces mentales lui permettant de surmonter ses propres limites d’origine physiques et culturelles, ces spectacles l’amènent à créer des œuvres dont le thème est un sport déterminé. L’exemple le plus typique est une grande peinture intitulée "« Le Combat dans l’Arène »" de 1982 qui suggère un match de rugby et qui se trouve aujourd’hui au Musée des Beaux Arts de Bordeaux. En outre, avec le développement du phénomène des supporters bariolés aux couleurs des équipes, les manifestations sportives deviennent des fêtes populaires colorées qui sollicitent fortement son imagination, comme, dans un autre domaine, les chorégraphies des danseurs.  La pure beauté des ensembles de danseurs, toujours dans le cadre du dépassement de soi, qui se meuvent selon un rythme déterminé, la grâce et la légèreté des « étoiles » captivent Boissonnet qui reconstruit des ballets imaginaires. L’exemple typique est la peinture « Rythme » de 1983. Mais, il n’abandonne pas, pour autant le paysage qui gère les fantasmes de l’évasion et de l’élévation.


title: Edmond Boissonnet

text: Il ne s’agit pas de paysages peints sur nature, car ces paysages sont imaginaires, même si Boissonnet a toujours plus ou moins besoin de s’attacher à une certaine réalité, quitte ensuite, à la suggérer. Les paysages sont de deux sortes : les maritimes et les terrestres.  La matrice des paysages maritimes se trouve près de chez lui. Depuis plus de trente ans, et même davantage, il connaît ces paysages, peu modifiés au fil des années. Il ne s’agit pas de reproduire ce qui est déjà créé, mais de demander à ces paysages d’être l’expression de son fantasme d’évasion. C’est alors qu’il recrée l’eau, l’air, la terre, parfois à partir des « chantiers » des travailleurs de la mer, parfois à partir d’une « impression ». Ces travailleurs sont en fait des ostréiculteurs, pour la plupart indépendants, qui travaillent en famille. Leurs horaires sont essentiellement régulés par la nature, les marées qui découvrent les parcs à huitres et ne sont donc jamais les mêmes. Boissonnet connaît bien ces hommes et ces femmes et, en les respectant, a une relation courtoise avec eux. Leurs chantiers sont les endroits où ils déposent leurs matériels et leurs outils. L’artiste reconstruit, alors, ces sites et parfois y figure un astre qui fait penser à Monet. Boissonnet se disait sensible à la lune, car il est né sous le signe du Cancer qui est un signe lunaire. Celui-ci se présente comme le symbole de l’eau originelle ce qui expliquerait ses très nombreuses œuvres suggérant une étendue d’eau. Enfin, sur le plan psychologique, le Cancer signifie retrait sur soi, sensibilité, timidité et ténacité ce qui correspond assez bien au profil de cet artiste.


title: Edmond Boissonnet

text: Avec les paysages terrestres de cette époque, nous sommes dans une autre logique art/symbole.  Tout en étant bien imaginaires, ils ont au départ un lien avec la réalité et expriment un autre fantasme de cet artiste. Ces paysages sont reconstruits à partir de certaines collines arrondies du sud ouest de la France dont l’une est proche du village de Moncassin en Lot-et-Garonne. Le « mons cassin », c’est la montagne aux chênes. Ce n’est pas sans rappeler le « Monte Cassino » italien, archétype de ces collines que Boissonnet reconstruit, en plusieurs exemplaires, près d’une trentaine, un peu comme Cézanne et la montagne Sainte Victoire. Moncassin, pour lui, est bien une colline "« inspirée, un de ces lieux où souffle l’esprit"», "permettant au fantasme de l’élévation associé à celui de la création de s’exprimer." Souvent, il y a aussi une « lune » qui confirme celle des paysages maritimes en y ajoutant le symbole du renouvellement et de la périodicité.  Du côté des tapisseries de cette période, certaines sont également lunaires et parmi elles, il faut citer "Crépuscule" de 1980 qui suggère remarquablement ce qui précède. Il y a aussi "« sans titre »", en fait, "Moncassin" de 1986 dont Madame Françoise de Loisy du Musée de la Tapisserie d’Angers qui s’intéressa beaucoup à ces tapisseries et à leur signification, disait : « "ici les couleurs tissées apparaissent comme des glacis évanescents traduits en laine par les merveilleux mélanges et passages de couleurs de Paule Boissonnet", (épouse de l’artiste).». Le Musée des Beaux Arts de Bordeaux en possède huit.


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text: Durant cette période, cinq grands évènements ont lieu. 1) En 1983, Jean-Pierre Mitrecey réalise un court métrage intitulé "« L’aventurier de l’absolu »", selon l’expression de Pierre Cabanne et consacré à la vie et à l’art de Boissonnet.  Ce film est présenté à Beaubourg devant un public important, en 1984. Coïncidence, au Centre Pompidou, il y a aussi une exposition Bonnard. Boissonnet la visite avec émotion.  2) Dans la foulée, une première rétrospective est organisée dans une galerie parisienne à côté de Beaubourg, sous le titre : « Hommage à Boissonnet », qui voit une grande affluence pour ce qui sera la dernière exposition de Boissonnet à Paris. 3) En 1986, la Galerie du Troisième Œil implantée à Paris et à Bordeaux organise une exposition bordelaise d’une vingtaine d’œuvres de cette période avec une présentation de Robert Coustet, professeur d’art contemporain à Bordeaux III : "« Il a appris de ses aînés, Lhote et Bissière qui furent ses amis et qui encouragèrent ses débuts, que la liberté nait de l’ascèse et que la plénitude est fille du renoncement.»" Cette exposition est une réussite qui permet à Boissonnet d’être plus indulgent à l’égard de la métropole bordelaise.  4) En 1992, une société de mécénat et le Conseil Régional d’Aquitaine organisent dans l’immense espace du hall du Conseil, une grande rétrospective d’une soixantaine d’œuvres. Parmi lesquelles se trouvent certaines de ses grandes peintures comme : "Le Rideau Noir 1983, Devant l’Éternité 1985, Un Ange Passe1984, Rapt 1985, Le Couple 1984", rares peintures qui pourraient exprimer des fantasmes sexuels. La critique d’art, Dominique Godfrey écrit à cette occasion : "« On peut constater l’évolution du style, parfois influencé par l’époque. Pourtant, on a toujours l’impression de rester avec la même personne. Il en ressort une impression d’harmonie sobre sans être ennuyeuse, de maîtrise sans froideur et de sensibilité sans faiblesse»". Un an plus tard, une galerie bordelaise fait une reprise de certaines de ces œuvres. C’est la dernière exposition de Boissonnet de son vivant. 5) Rétrospective au Domaine Lescombes (Mairie d’Eysines 33320) où une trentaine d’œuvres sont présentées en 1996.


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text: En 1988, un drame tragique frappe le couple Boissonnet marié depuis 53 ans et se connaissant depuis 60 ans. Pour ce couple qui s’est tant aimé, qui avait en commun la même passion pout l’art, c’est un déchirement terrible que d’entendre le diagnostic sans appel : Paule, l’épouse de l’artiste, 83 ans, est frappée par la maladie d’Alzheimer. Dans un premier temps Boissonnet, également 83 ans, essaie de gérer la situation dans un pays isolé. Mais très vite, il appelle à l’aide. Or, la seule famille pouvant l’aider se trouve à Paris. La décision est prise de faire venir à Paris le couple en désarroi ainsi que l’atelier et tout son environnement. Installé dans son nouveau domaine, à Maulette, près de Houdan, dans les Yvelines, il continue à peindre et à tisser jusqu’au dernier moment qui arrive le 28 décembre 1995. Il est inhumé ainsi que son épouse (décédée en 2000), au cimetière des Jacquets à Lège Cap-Ferret, 33950, en face d’Arcachon, c’est-à-dire au cœur de ce pays qu’il a tant aimé.  Mais, son œuvre lui survit à travers différentes expositions qui ont lieu après sa mort comme l’exceptionnelle rétrospective organisée en 2006 et 2007, sur trois niveaux, par le Musée des Beaux Arts de Bordeaux grâce à son directeur, Olivier Le Bihan. Certaines œuvres sont aussi présentées à La Vieille Église Saint Vincent de Mérignac, Libération du 03/01/1996.


title: Edmond Boissonnet

text: Boissonnet fait partie de ces artistes discrets que l’on découvre ou redécouvre selon son âge. Cette discrétion est l’expression d’une liberté absolue de création vis-à-vis des clans et autres amitiés intéressées, des tendances, de la tyrannie des galeristes et du marché. En général, ces artistes ne sont pas des chefs d’entreprise ayant une stratégie commerciale. Ils préfèrent le qualitatif au quantitatif et ne cherchent pas à rentabiliser leur talent. N’étant pas assujettis à une galerie et à ses exigences en exclusivité, ils vivent leur vie en toute indépendance et ne cherchent pas à faire fortune. Leurs ventes auprès de certains amateurs ou en ligne suffisent à les faire vivre. Comme l’écrivait un critique d’art en parlant de Boissonnet en 1961 : "« Un indépendant qui fait la peinture qui lui plait" ». En fait, Boissonnet est recherche en permanence un absolu par rapport à lui-même, sans se soucier des commérages du monde des arts. « L’aventurier de l’absolu », c'est-à-dire, quelqu’un qui va vers son destin pour atteindre la perfection, est une qualification de Pierre Cabanne, en 1971. Grâce à la magnifique rétrospective en 2006 et 2007 au Musée des Beaux-arts de Bordeaux et à Mérignac, nous avons, désormais, la possibilité de comprendre le référentiel de la philosophie artistique de ce témoin du . Ce référentiel comporte quatre orientations principales : l’évolution créatrice, « Le Combat avec l’Ange », la création humanisée, la matière et l’esprit.


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text: En 1978, au cours d’un entretien avec un critique d’art, Boissonnet s’exprime ainsi : "« l’évolution est l’expression d’une vie en accord avec son temps. Celui qui la refuse, piétine, stagne, se dessèche et meurt»". L’artiste a alors 72 ans et une longue carrière de cinquante ans derrière lui. Il n’est pas tout à fait en accord avec Picasso que la notion d’évolution hérisse. En revanche, il adhère à la théorie de Bergson, un philosophe de sa jeunesse. En effet, dans « L’évolution créatrice » de 1907, celui-ci écrit en prenant l’exemple d’un artiste-peintre : "« Chacun est une espèce de création. Et de même que le talent du peintre, se forme, se déforme, en tout cas se modifie, sous l’influence même des œuvres qu’il produit, ainsi chacun de nos états en même temps qu’il sort de nous, modifie notre personne, étant la forme nouvelle que nous venons de nous donner…Pour un être conscient, exister consiste à changer, changer à se mûrir et à se créer indéfiniment soi-même»". Boissonnet trouve également dans l’œuvre du philosophe l’idée de transition : celle-ci fait la réalité du "changement dont elle en est l’essence". Pour un ancien sculpteur sur bois qui connaît le déroulement des époques artistiques avec de nombreuses périodes de transition, cette idée est évidente. Mais, la transition, pour lui, n’est pas vraiment une rupture, seulement un simple palier dans son parcours artistique. "« J’ai essayé de rester le même homme… »" Les quatre périodes de ce parcours durent en moyenne 16,5 ans avec 3 transitions : 1944/1946, 1962/1964, 1978/1980, soit des durées de 3 à 4 ans.  Pendant chaque transition, c’est un nouveau combat que l’artiste engage contre la routine, la facilité qui engendre l’habileté, « la mécanisation de la main ». Dans son langage, il appelle cela, "le Combat avec l’Ange."


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text: L’expression, « Combat avec l’Ange », est une expression choisie par Boissonnet pour expliquer son mode de fonctionnement artistique fondé sur le dépassement de soi afin d’atteindre l’absolu.  Quelques mois après sa grande exposition à la Galerie de Paris en 1971, Boissonnet accepte un entretien avec le docteur Rager, professeur à l’École Supérieure de Sophrologie et de Médecine Psychosomatique. À la question : que pensez-vous des expériences intellectuelles de notre temps ? L’artiste répond : "« Toute forme qui ne témoigne pas de l’essence m’est indifférente. La délectation : une suffisance personnelle qui engendre fatalement une fabrication. Elle se consomme rapidement, elle écœure aussi vite parce qu’elle est indigeste »". Par cette critique explicite d’un certain art de son époque, on comprend sa position envers quelques galeries qu’il connaît bien. Et pour que le message soit bien clair, il ajoute : "« Il faut se méfier de la mécanisation de la main, car elle engendre la mécanisation de l’esprit qui de ce fait se vide de sa magie.»." Le docteur Rager pose alors une autre question : « Comment les artistes pourront-ils échapper à cette mécanisation ? ». La réponse est immédiate : "« Certains cas doués de tares bénéfiques à l’expression spontanée, parce que dirigés par un état second dû à l’alcool, la naïveté, à la folie, y échappent tout naturellement. Celui de la cause mentale se doit, dans ce combat épique avec l’Ange, de perdre pour gagner une aventure de volonté où tout est à considérer.»" Boissonnet utilisait souvent cette métaphore tirée de la Bible (Genèse 32) où Jacob se bat avec un Ange inconnu qui n’est autre que Dieu. C’est le symbole des combats spirituels sur soi-même magnifiquement illustré par Delacroix, œuvre de 1861, pour l’église de Saint Sulpice de Paris que connaissait bien Boissonnet dont l’atelier était proche. Le Combat avec l’Ange est une orientation majeure du référentiel de cet artiste. C’est la raison pour laquelle, le Musée des Beaux Arts de Bordeaux a choisi cette métaphore pour qualifier l’itinéraire de cet artiste en quête d’absolu et titrer l’ouvrage accompagnant la rétrospective de 2006 à 2007. Mais, ce combat doit se dérouler par rapport à une création humanisée.


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text: La création humanisée, c’est pour Boissonnet, le mariage du cœur et de l’esprit. C’est le thème d’un ouvrage d’André Lhote publié en 1933, réédité en 1950 au moment où les œuvres abstraites sont omniprésentes au Salon de Mai. Dans sa préface il écrit : "« Il n’est pas de travail durable sans le secours de l’intelligence, pas plus qu’il n’est de spéculation intellectuelle sans préalable soumission de l’individu à l’objet, sans préalable sommation de l’instinct…la vérité est au centre»". Bissière, un autre ami de Boissonnet, proclame haut et fort au début des années cinquante : "« Je n’ai cessé de répéter que si j’étais non figuratif, je me refusais absolument à être abstrait. Pour moi, un tableau n’est valable que s’il a une valeur humaine, s’il suggère quelque chose, et, s’il reflète le monde dans lequel je vis." Boissonnet écoute attentivement ces deux grands aînés et il fait progressivement la synthèse des deux approches de ses amis avec une légère préférence pour celle de Lhote. Après un bref passage par le non-figuratif au début des années 1950, il revient au sujet, comme il l’explique : «"  Je suis revenu au sujet qui inspirait mon instinct, avec plus d’efficacité et de mystère que procure le combat, en essayant de suggérer»". Pour terminer sur ce thème, il est aussi en adéquation avec un autre artiste, ami, qui, lui, est de sa génération, Edouard Pignon. Le même âge, des origines sociales modestes aussi bien pour l’un comme pour l’autre, les mêmes difficultés liées au chômage des années trente, la même sensibilité politique, créent un très fort courant de sympathie amicale entre les deux artistes. Un bon exemple de « création humanisée » nous est fourni par ce peintre. En effet, Edouard Pignon, entre autres recherches, travaille sur le thème de la maternité, en 1939. Il s’en explique : "« Mes maternités sont parties d’une toute petite toile de Lucas Signerolli, qui était la Naissance de la Vierge. J’ai aussitôt entrepris toute une recherche sur le thème de la maternité. »". Pure coïncidence, mais pas fait du hasard, Boissonnet, une vingtaine d’années plus tard, travaille aussi sur le même thème. Enfin, dans le domaine de la création, Boissonnet avait l’habitude de dire : « Il faut donc beaucoup apprendre, pour comprendre qu’il n’y a rien à apprendre, si ce n’est de le comprendre. ». Cet aphorisme nous conduit à la quatrième orientation du référentiel : la matière et l’esprit.


title: Edmond Boissonnet

text: Boissonnet est un lecteur enthousiaste de "l’Histoire de l’Art" et surtout de l’"Esprit des Formes", ouvrages écrits par Elie Faure, en cette première moitié du . C’est ainsi que pour faire comprendre son art, Boissonnet, en véritable pédagogue, utilise certaines citations de l’écrivain, comme celle de la matière et de son écorce : "« Il ne faut pas confondre la matière et son écorce, l’aspect premier des choses avec leur vie intime qui se transmet par l’alchimie subtile de la grâce ». Hegel avait déjà noté que l’apparence s’oppose à l’essence tout en admettant que la réalité sensible n’était pas illusoire. Ici, Elie Faure va plus loin en donnant à la matière un rôle fondamental. En effet, il ajoute : « la matière en peinture est toute la peinture »". Il faut se souvenir qu’Elie Faure aborde ce thème à propos de Soutine dont la matière « est parmi les plus charnelles que la peinture ait exprimée ». Boissonnet se souviendra de ce texte ainsi que ce constat d’Hegel : "« L’absolu se déplace de l’objectivité de l’art vers l’intériorité du sujet. "».  L’indissoluble union de la matière et de l’esprit se trouve ainsi renforcée.


title: Edmond Boissonnet

text: Boissonnet fait sienne cette déclaration d’Elie Faure : "« L’art qui est notre raison d’être, ne périra qu’avec nous. C’est lui qui nourrit et maintient notre énergie spirituelle"».En 1983, il est décidé de réaliser un film sur la vie quotidienne de Boissonnet. Le tournage a lieu en août. Le titre est de Pierre Cabanne : "« L’Aventurier de l’absolu »", (Texte de 1971.)  La nature est le décor de cette vie quotidienne : la mer changeante au gré des marées, la forêt toute proche, les clairs de lune et les couchers de soleil. Elle est filmée dans l’optique de la vision subjective du peintre. Viennent alors s’articuler à l’intérieur de ce récit, des évocations de sa vie de peintre, nourries de documents et de toiles anciennes. Elles créent une rupture et un contraste par leur rythme rapide et leur densité.


title: Edmond Boissonnet

text: Réalisateur : Jean-Pierre Mitrecey.


title: Edmond Boissonnet

text: Durée : 30 minutes.


title: Edmond Boissonnet

text: Lieu de sa première présentation : Cinéma du Musée national d’art moderne dit « Beaubourg », le 24 avril 1984. Ensuite, présentation dans différentes institutions.


title: Trophée NHK 1993

text: Le Trophée NHK (en anglais : NHK Trophy) est une compétition internationale de patinage artistique qui se déroule au Japon au cours de l'automne. Il accueille des patineurs amateurs de niveau senior dans quatre catégories: simple messieurs, simple dames, couple artistique et danse sur glace.


title: Trophée NHK 1993

text: Le quinzième Trophée NHK est organisé du 9 au à la Makuhari Messe de Chiba, en prévision des championnats du monde qui auront lieu dans la ville en .


title: Résistance en Roumanie pendant la Seconde Guerre mondiale

text: Le mouvement de résistance en Roumanie pendant la Seconde Guerre mondiale se manifeste de cinq manières :


text: Le sentiment anti-allemand était resté très vif en Roumanie, tant chez les civils que les militaires, à la suite de la dureté de l’occupation allemande pendant la Première Guerre mondiale, et au fait que depuis son arrivée en Roumanie en , la Wehrmacht s’y comportait en pays conquis, multipliant les réquisitions, bien que le régime Antonescu fût l’allié du Reich. Le maquis sont alimentés par des ruraux affamés par ces réquisitions et fuyant la conscription, par des citadins antifascistes, des juifs fuyant les pogroms de la Garde de fer puis les travaux forcés et la déportation en Transnistrie (partie de l’Ukraine occupée par la Roumanie), des déserteurs. Des militaires antifascistes leur procurent secrètement des armes, et de juin 1941 à , condamnations en cour martiale sont prononcées pour de tels faits. Comme en France, l’attaque contre l’URSS a fait sortir le PC de l’expectative et lui a fait rejoindre l’opposition au fascisme.


text: Les divisions « Vladimirescu » et « Horia-Cloșca-Crișan » combattirent en URSS contre les Allemands. Elles grossirent pendant la campagne de l’armée roumaine contre l’URSS (-) d’un grand nombre de déserteurs et de prisonniers roumains faits par l’Armée rouge. La division « Vladimirescu » a été commandée par les généraux Nicolae Cambrea et Iacob Teclu. La division « Horia-Cloșca-Crișan » a été commandée par le général Mihail Lascăr, qui s’était rendu et joint aux soviétiques à Stalingrad. Après avoir reculé vers l’Est devant les forces de l’Axe jusque dans le Caucase, elles ont avancé vers l’Ouest jusqu’à la fin de la guerre, atteignant Bratislava en Slovaquie le et Humpolec en Bohême le . La division « Vladimirescu » ( à sa constitution, à la fin de la guerre, surtout des ruraux) fut placée en face de divisions allemandes ou hongroises et utilisée au combat direct. La division « Horia-Cloșca-Crișan » ( à la fin de la guerre, surtout des citadins) fut plutôt utilisée face aux unités de l’armée roumaine sous les ordres du régime Antonescu, en infiltration et propagande pour tenter (et souvent réussir, surtout pendant et après Stalingrad) de rallier les soldats à la cause Alliée. Quant aux prisonniers roumains faits par les Soviétiques, le choix entre la captivité en Sibérie et l’engagement dans les divisions « Vladimirescu » ou « Horia-Cloșca-Crișan » a déterminé un bon nombre d’entre eux à choisir la seconde option, même s’ils n’avaient pas de convictions politiques arrêtées. Au sein de ces divisions, il leur était donné une éducation politique de gauche sous les auspices des commissaires politiques membres du PCR : le colonel Mircea Haupt (frère de l’historien communiste devenu français, Georges Haupt) pour la division « Vladimirescu » et le colonel Walter Roman (ancien des brigades internationales en Espagne et père du premier ministre roumain Petre Roman) pour la division « Horia-Cloșca-Crișan ». Après la guerre, le , 58 officiers de ces deux divisions reçurent l’ordre soviétique de la Victoire.


text: La résistance civile fut le fait de mouvements humanitaires ou humanistes comme la Croix-Rouge roumaine qui apportèrent leur soutien aux maquis et aux proscrits ou persécutés du régime fasciste. On y compte les humanistes du Service maritime roumain qui firent tourner tout au long de la guerre les paquebots "Transilvania", "Medeea", "Impăratul Traian" et "Dacia", ainsi qu’une douzaine de navires plus petits entre Constanța et Istanbul au service de l’organisation « Aliya » dirigée par Samuel Leibovici et Eugen Maissner, sauvant plus de . Quelques centaines périrent à cause des torpilles soviétiques ou du refus des autorités turques de les laisser débarquer (tragédies du "Struma" ou du "Mefküre"). « Aliya » affrétait aussi des trains qui, à travers la Bulgarie (qui était dans l’Axe, mais sans être en guerre contre les Alliés), amenèrent des dizaines de milliers de juifs roumains en Turquie (neutre).


text: De tels épisodes sont évoqués dans le film "Train de vie" de Radu Mihaileanu. Il y eut aussi des "justes" comme Viorica Agarici de la Croix-Rouge, le pharmacien Beceanu de Jassy ou Traian Popovici, maire de Czernowitz/Cernăuţi. La Croix-Rouge fit parvenir des vivres et des médicaments aux déportés de Transnistrie et convainquit des officiers de ne pas exécuter leurs ordres, permettant ainsi la survie de familles comme celles de Wilhelm Filderman ou de Norman Manea. De son côté, l’as de l’aviation Constantin « Bâzu » Cantacuzino organise un réseau pour prendre en charge les aviateurs américains abattus en Roumanie et les faire passer en Turquie. Il bénéficie de la discrète protection du roi Michel et du gouverneur militaire de Bucarest, Constantin Sănătescu, qui fournissent par ailleurs des moyens de communication et une garde à la mission clandestine inter-Alliée (mission « Autonomous » du SOE).