title: El gabinete del doctor Caligari

text: El productor de Decla, , presentó a Hermann Warm a Wiene y proveyó a Warm del guion, pidiéndole propuestas para el diseño. Warm creía que los «filmes deben ser dibujos traídos a la vida», y sintió que un set naturalista era incorrecto para el tema del filme, recomendando en su lugar un estilo gráfico fantástico en el que las imágenes fueran visionarias, propias de pesadilla y se salieran de lo corriente. Warm trajo al proyecto a sus dos amigos, los pintores y diseñadores de escenario Walter Reimann y Walter Röhrig, ambos asociados con la revista berlinesa de arte y literatura "Der Sturm". El trío pasó un día entero y parte de la noche leyendo el guion, después de lo cual Riemann sugirió un estilo expresionista, un estilo que a menudo usaba en sus pinturas. También concibieron la idea de pintar formas y sombras directamente en los sets para asegurar un aspecto oscuro e irreal. De acuerdo con Warm, los tres abordaron a Wiene con la idea y este accedió inmediatamente, aunque Wiene ha hecho declaraciones donde dice que fue él quien concibió el estilo expresionista del filme. Meinert accedió a la idea después de un día de considerarlo, diciéndole a Warm, Reimann y Röhrig que hicieran el set tan "loco" y "excéntrico" como fuera posible. Él abrazó la idea por propósitos comerciales, no estéticos: el expresionismo estaba de moda en ese tiempo, así que concluyó que incluso si el filme recibía malas críticas, el estilo artístico llamaría la atención y haría que fuese rentable.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Wiene filmó una escena de prueba para comprobar las teorías de Warm, Reimann y Röhrig, e impresionó tanto a los productores que se dio completa libertad a los artistas. Pommer más tarde dijo que él fue responsable de poner a Warm, Reimann y Röhrig a cargo de los sets. Pero Warm ha declarado que, aunque Pommer estaba a cargo de la producción en Decla cuando "Caligari" estaba siendo hecha, no era en realidad un productor de la película en sí. En lugar de ello, dice que el verdadero productor del filme era Meinert, y que fue él quien le dio el manuscrito a Warm. Warm declaró que Meinert produjo el filme "a pesar de la oposición de parte de la administración de Decla". Meinert dijo que Pommer "no había sancionado" el estilo visual abstracto del filme. Sin embargo, Pommer declaró haber supervisado "Caligari", y que el estilo expresionista fue elegido en parte para diferenciarlo de los filmes de Hollywood que le harían la competencia. La actitud predominante en ese tiempo era que el logro artístico llevaría al éxito de exportación a mercados cinematográficos extranjeros. El dominio de Hollywood en aquella época, paralelo a un período de inflación y devaluación de la moneda, obligó a los estudios de cine alemanes a buscar proyectos que pudieran ser hechos de manera económica, con una combinación de elementos realistas y artísticos para que el filme pudiera ser accesible a las audiencias estadounidenses pero, al mismo tiempo, fuera distinto de las películas de Hollywood. Pommer ha declarado que mientras que Mayer y Janowitz expresaron un deseo de experimentación artística en el filme, su decisión de usar lienzos pintados como escenario se debió principalmente a cuestiones comerciales, ya que supondrían un significativo ahorro financiero porque construir los sets habría significado un mayor gasto.


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text: Janowitz declaró haber intentado encargaar los sets al diseñador y grabador Alfred Kubin, conocido por su fuerte uso de luz y sombra para crear una sensación de caos, pero Kubin se negó a participar en el proyecto porque estaba muy ocupado. En una historia conflictiva, no obstante, Janowitz declaró haber pedido "pinturas de Kubin" a Decla, y que ellos malinterpretaron sus instrucciones como "pintores cubistas" y contrataron a Reimann y Röhrig como resultado. David Robinson argumenta que esta historia fue probablemente un elemento decorativo a raíz del desprecio de Janowitz hacia estos dos artistas. Janowitz afirmó que él y Mayer concibieron la idea de pintar los sets sobre lienzos, y que el guion de rodaje incluía instrucciones para que el escenario fuera diseñado en el estilo de Kubin. Sin embargo, el posterior descubrimiento del guion original refuta esta afirmación, pues no incluye tales instrucciones para los sets . Esto también fue disputado en un artículo de 1926 de Barnet Braverman en la revista "Billboard," donde declaró que el guion no incluía mención alguna de una estilo visual no convencional, y que Janowitz y Mayer de hecho se opusieron fuertemente a esa estilización. Ella declara que Mayer más tarde apreció el estilo visual, pero que Janowitz permaneció renuente hasta años después del estreno del filme.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: El diseño del set, el vestuario y los accesorios requirió unas dos semanas de preparativos. Warm trabajó principalmente en los sets, mientras Röhrig se encargó de la pintura y Reimann fue responsable del vestuario. Robinson notó que el vestuario en "Caligari" parecía pertenecer a una amplia variedad de periodos de tiempo. Por ejemplo, los trajes del doctor Caligari y los trabajadores de la feria recuerdan a los de la era Biedermeier, mientras que Jane encarna al romanticismo. Además, escribió Robinson, el traje de Cesare y los de los policías parecen ser abstractos, mientras que otros personajes parecen llevar ropa alemana normal y corriente de la década de los veinte. La naturaleza colaborativa de la producción del filme pone de relieve la importancia que los guionistas y diseñadores de set tenían en el cine alemán de la década de 1920, aunque la crítico de cine Lotte H. Eisner dijo que los sets tenían mayor importancia que cualquier otra cosa en los filmes alemanes de este tiempo. "El gabinete del doctor Caligari" fue el primer filme expresionista alemán, aunque Brockmann y el crítico de cine Mike Budd declaran que también fue influenciado por el romanticismo alemán; Budd nota que los temas de locura y la protesta contra la autoridad en el filme, son comunes entre la literatura, teatro y artes visuales del romanticismo alemán. El académico de cine Vincent LoBrutto dijo que el teatro de Max Reinhardt y el estilo artístico de Die Brücke fueron influencias adicionales en "Caligari".


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text: Janowitz originalmente tenía la intención de que el papel de Cesare fuera para su amigo el actor Ernst Deutsch. Mayer escribió el personaje de Jane pensando en Gilda Langer, mas para cuando empezaron las audiciones para el filme, los intereses de Langer se habían desplazado de Janowitz y Mayer al director Paul Czinner, dejando el rol para que fuera interpretado por Lil Dagover. Janowitz declaró que escribió la parte del doctor Caligari específicamente para Werner Krauss, sobre el que Deutsch había traído su atención durante los ensayos para una obra de Max Reinhardt; Janowitz dijo que solo Krauss o Paul Wegener podían haberlo interpretado. Finalmente los papeles del doctor Caligari y Cesare fueron adjudicados a Krauss y Conrad Veidt respectivamente, quienes participaron entusiásticamente en distintos aspectos de la producción. Krauss sugirió cambios en su propio maquillaje y vestuario, incluyendo elementos como un sombrero de copa, capa, y un bastón con mango de marfil para su personaje. Los actores en "Caligari" fueron conscientes de la necesidad de adaptar su maquillaje, su vestuario y su apariencia para que casaran con el estilo visual del filme. La mayor parte de la actuación en el cine mudo alemán en ese tiempo ya era expresionista, imitando aspectos de pantomima propios del teatro expresionista.: las interpretaciones de Krauss y Veidt en "Caligari" fueron típicas de este estilo, pues ambos tenían experiencia en el teatro con influencia expresionista, y como resultado John D. Barlow dijo que ellos parecían más cómodos en sus alrededores del filme que los otros actores. Antes de actuar, Krauss y Veidt aparecieron en el escenario en el invierno de 1918 en un drama expresionista, el "Seeschlacht" de Reinhold Goering, en el Teatro Deutsches. Dagover, en cambio, tenía poca experiencia en el teatro expresionista, y Barlow argumenta que su actuación no armoniza tan bien con el estilo visual del filme.


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text: Wiene pidió a los actores que hicieran movimientos similares a la danza, especialmente a Veidt, pero también a Krauss, Dagover y Friedrich Feger, quien interpretó a Francis. Krauss y Veidt son los únicos actores cuyas interpretaciones empatizan completamente con la estilización de los sets, algo que lograron concentrándose en sus movimientos y sus expresiones faciales. Barlow observa que «Veidt se mueve junto con el muro, como si hubiera sido "exudado" por éste... siendo más parte de un mundo material de objetos que de uno humano», y Krauss «se mueve con una angulosa malignidad, sus gestos parecen rotos o agrietados por la fuerza obsesiva dentro de él, una fuerza que parece emerger de un constante estado tóxico, un retorcido autoritarismo hecho de escrúpulos inhumanos y una total insensibilidad». La mayoría de los otros intérpretes aparte de Krauss y Veidt mantienen un estilo más naturalista. Alan, Jane y Francis interpretan a un idílico feliz trío que disfruta de la juventud; Alan en particular representa al arquetipo de un sensible estudiante del siglo XIX. Mike Budd señala que los personajes realistas en escenarios estilizados son una característica común del teatro expresionista. Sin embargo, David Robinson observa que incluso las actuaciones de los papeles secundarios más naturalistas en "Caligari" tienen elementos expresionistas, como el «extraño, atormentado rostro» de Hans-Heinz von Twardowski como Alan. También cita los «largos movimientos angulares» de Feher, especialmente en la escena donde registra el desierto recinto ferial. Otros papeles menores son expresionistas por naturaleza, como los dos policías que se sientan uno frente al otro en sus escritorios y se mueven con exagerada simetría, o los dos sirvientes que despiertan y se levantan de sus camas en perfecta sincronización. Vincent LoBrutto dijo lo siguiente de la actuación en el filme:


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text: El rodaje de "El gabinete del doctor Caligari" comenzó a finales de diciembre de 1919 y concluyó a finales de enero de 1920. Fue filmada enteramente en un estudio sin tomas de exteriores, lo cual fue inusual para filmes de esa época, pero dictado por la decisión de dar al filme un estilo visual expresionista. La extensión de la participación de Mayer y Janowitz durante el rodaje es disputada: Janowitz afirma que el dúo repetidamente rehusó permitir cualquier cambio en el guion durante la producción, y Pommer declaró que Mayer estuvo en el set cada día del rodaje. Pero Hermann Warm declaró que ellos nunca estuvieron presentes para alguna toma o involucrados en discusión alguna durante la producción.


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text: "Caligari" fue filmada en el estudio de cine Lixie-Atelier (anteriormente propiedad de Continental-Kunstfilm) en 9 Franz Joseph-Strasse (ahora Max Liebermannstraße), Weißensee, un suburbio en el noreste de Berlín. Decla había estado haciendo filmes en el estudio Lixie desde octubre de 1919, habiendo estrenado previamente tres títulos: "Dies Pest in Florenz" (1919) y las dos partes de "The Spiders (Die Spinnen)" de Fritz Lang. El relativamente pequeño tamaño del estudio (construido unos cinco años atrás, en 1914) significó que la mayoría de los sets usados en el filme no excedieron los seis metros de anchura y profundidad. Ciertos elementos del guion original tuvieron que ser cortados debido al limitado espacio, incluyendo una procesión de gitanos, un carretón empujado por el doctor Caligari, el carruaje de Jane, y una persecución que involucraba taxis de caballos. Asimismo, el guion solicitaba un recinto ferial con rotondas, organillos, pregoneros de actos secundarios, ejecutantes y pequeños zoológicos, ninguno de los cuales podía ser realizado en el restrictivo espacio. En lugar de ello, las escenas usaron una pintura del pueblo de Holstenwall como fondo; multitudes caminaban alrededor de dos carruseles giratorios accesorios, lo que crea la impresión de un carnaval. El guion también hizo referencias a elementos modernos como teléfonos, telegramas y luz eléctrica, pero fueron eliminados durante la filmación, dejando el establecimiento del filme final con ninguna indicación de un periodo de tiempo específico.


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text: Varias escenas del guion fueron cortadas durante la filmación, muchas de las cuales eran breves lapsos de tiempo a escenas de transición, o pequeñas pantallas consideradas innecesarias. Una de las escenas más sustanciales que fueron cortadas involucra al fantasma de Alan en un cementerio. La escena con el secretario del ayuntamiento regañando al doctor Caligari se desvió notablemente del guion original, el cual simplemente solicitaba que el secretario fuera "impaciente". Él es bastante más abusivo en la escena como fue filmada, y es posado en la cima de un exageradamente alto banco que se eleva sobre el doctor Caligari. Otra desviación del guion viene cuando el doctor Caligari despierta por primera vez a Cesare, uno de los momentos más famosos del filme. El filme solicitaba que Cesare jadeara y luchara por aire, que se sacudiera violentamente y colapsara en los brazos del doctor Caligari. Como fue filmada, no hay tal lucha física, y en su lugar la cámara se acerca al rostro de Cesare mientras este abre los ojos gradualmente. Las cartas de títulos originales para "Caligari" contenían letras estilizadas y deformes, con subrayados excesivos, signos de exclamación y ocasionalmente una ortografía arcaica. El estilo estrafalario, el cual combina el del filme como un todo, imita la letra de los pósteres expresionistas de la época. Las cartas de títulos originales estaban tintadas de verde, azul metálico y café. Muchas copias modernas del filme no preservan las letras originales.


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text: La fotografía fue proveída por Willy Hameister, quien más tarde trabajó con Wiene en otros filmes. La cámara no juega un gran papel en "Caligari," y es usada principalmente para mostrar los sets. La fotografía tiende a alternar solo entre planos medios y ángulos rectos, y primeros planos abruptos para crear una sensación de shock, pero con muy pocos planos generales o paneos. Asimismo, hay muy poca edición inter-escena. La mayoría de las escenas se siguen unas a otras sin inter-cortes, lo que la da a "Caligari" un sentimiento más teatral que cinematográfico. Pesada iluminación está típicamente ausente en el filme, intensificando la sensación de oscuridad prevalente en la historia. Sin embargo, la iluminación es ocasionalmente usada para intensificar la inquietud creada por las distorsiones de los sets. Por ejemplo, cuando Cesare despierta por primera vez en la feria, un luz brilla directamente en un primer plano de su muy maquillado rostro para crear un inquietante resplandor. Adicionalmente, la iluminación es usada en una entonces innovadora forma para emitir una sombra contra el muro durante la escena en la que Cesare mata a Alan, así que el espectador ve solamente la sombra y las figuras en sí. Técnicas de iluminación como esta se volvieron frecuentes en posteriores filmes alemanes.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: El estilo visual de "El gabinete del doctor Caligari" es oscuro, retorcido y estrafalario; distorsiones radicales y deliberadas en perspectiva, forma, dimensión y escala crean una apariencia caótica y desquiciada. Los sets son dominados por formas puntiagudas y líneas curvas y oblicuas, con calles estrechas y en espiral, y estructuras y paisajes que se inclinan y retuercen en ángulos inusuales, dando la impresión de que pueden colapsar o explotar en cualquier momento. El crítico de cine Roger Ebert lo describió como «un paisaje dentado de ángulos agudos y muros y ventanas inclinadas, escaleras que escalan locas diagonales, árboles con hojas puntiagudas, pasto que parece un conjunto de cuchillos». Los sets se caracterizan por intensos trazos de pintura negra. El paisaje de Holstenwall es pintado en un lienzo en lugar de ser un set construido, y sombras y rayos de luz son pintados directamente en los sets, distorsionando aún más la sensación de perspectiva y tridimensionalidad del espectador. Los edificios son agrupados e interconectados en una arquitectura algo cubista, rodeados por oscuros y retorcidos callejones. Lotte Eisner, autora de "La pantalla embrujada", escribe que los objetos en el filme parecen estar vivos y «parecen vibrar con una extraordinaria espiritualidad». Asimismo, el autor de "Expressionismus und Film," Rudolf Kurtz, escribió: «La fuerza dinámica de los objetos aúlla su deseo de ser creados». Los cuartos son recompensados radicalmente con ventanas de marcos distorsionados, puertas que no son cuadradas, y sillas que son muy altas. Extraños diseños y figuras son pintadas en los muros de los corredores y habitaciones, y los árboles del exterior tienen ramas retorcidas que a veces recuerdan a tentáculos.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Como escribió el profesor alemán de cine Anton Kaes, «El estilo del expresionismo alemán permitió a los cineastas experimentar con tecnología fílmica y efectos especiales y explorar el retorcido reino de los deseos reprimidos, los miedos inconscientes y las fijaciones desquiciadas». El estilo visual de "Caligari" transmite una sensación de ansiedad y terror al espectador, dando la impresión de una pesadilla o una sensibilidad trastornada, o de un lugar transformado por el mal, de un manera más efectiva de las que les es posible alcanzar a las locaciones realistas o los conceptos de diseño convencionales. Siegfried Kracauer escribió que los establecimientos «alcanzan una transformación perfecta de objetos materiales a ornamentos emocionales». La mayor parte de la historia y la mayoría de las escenas del filme son recuerdos rememorados por un narrador desquiciado, y como resultado de ello el estilo visual distorsionado adquiere la calidad de su desmoronamiento mental, dando así a los espectadores la impresión de que están dentro de la mente de un loco. Al igual que en las pinturas del expresionismo alemán, el estilo visual de "Caligari" refleja una reacción emocional al mundo, y en el caso de los personajes del filme representa una respuesta emocional al terror de la sociedad que representan el doctor Caligari y Cesare. A menudo en el filme, las piezas del set son emblemáticas del estado emocional del personaje en la escena. Por ejemplo, el patio del asilo de insanos durante la historia de marco está vastamente fuera de proporción. Los personajes parecen demasiado grandes para el pequeño edificio, y el piso del patio tiene un patrón extraño , todo lo cual representa los dañados estados de ánimo de los pacientes. Asimismo, la escena con el criminal en la celda de la prisión cuenta con un set de largas sombras verticales pintadas parecidas a cabezas de flechas, apuntando abajo, hacia el prisionero en cuclillas, en un efecto opresivo que simboliza su estado colapsado.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Stephen Brockmann argumenta que el hecho de que "Caligari" haya sido filmada enteramente en un estudio realza la locura retratada por las opciones visuales del filme, porque «no hay acceso a un mundo natural más allá del reino de la torturada psique humana». Los sets ocasionalmente cuentan con imágenes circulares que reflejan el caos del filme, presentando patrones de movimiento que parecen ir a ningún lado, tales como el carrusel de la feria, moviéndose en un ángulo inclinado que lo hace parecer en riesgo de colapsar. Otros elementos del filme transmiten los mismos motivos visuales que los sets, incluyendo el vestuario y maquillaje diseñados para el doctor Caligari y Cesare, siendo ambos altamente exagerados y grotescos. Incluso el cabello de los personajes es un elemento de diseño expresionista, especialmente los cabellos negros, puntiagudos y dentados de Cesare. Ellos son los únicos personajes en el filme con maquillaje y vestuario expresionista, haciéndolos parecer los únicos que pertenecen a este mundo distorsionado. Pese a su aparente normalidad, sin embargo, Francis y los otros personajes nunca parecen sentirse perturbados por la locura a su alrededor reflejada en los sets; en lugar de ello, reaccionan como si fueran parte de un fondo normal.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Unas pocas escenas selectas rompen con el estilo expresionista del filme, como la casa de Jane y Alan, la cual incluye un fondo normal y mobiliario burgués que transmite una sensación de seguridad y tranquilidad ausente en el resto del filme. Eisner llamó a esto un "fatal" error de continuidad, pero John D. Barlow no está de acuerdo, argumentando que es una característica común de las narrativas de sueños contener algunos elementos normales, y que la normalidad de la casa de Jane en particular puede representar el sentimiento de comodidad y refugio que Francis siente en su presencia. Mike Budd argumenta que mientras el estilo visual expresionista es discorde y poco atractivo al principio, los personajes comienzan a mezclarse más armoniosamente a medida que el filme progresa, y el escenario se va relegando al fondo.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Robinson sugiere que "Caligari" no es en absoluto un verdadero ejemplo del expresionismo, sino simplemente una historia convencional con algunos elementos de dicha forma artística aplicados a ella. Argumenta que la historia en sí misma no es expresionista, y que el filme pudo haber sido producido fácilmente en un estilo tradicional, pero que los visuales inspirados en el expresionismo fueron aplicados como una decoración. De manera similar, Budd ha llamado al filme una narrativa convencional, clásica, recordando una historia de detectives cuando Francis busca exponer al asesino de Alan, y dijo que son solo los escenarios expresionistas del filme lo que hacen transgresor. Hans Janowitz ha tenido pensamientos similares también: «¿Fue este particular estilo de pintura sólo un ropaje para vestir al drama? ¿Fue sólo un accidente? ¿No habría sido posible cambiar ese ropaje sin lesionar al profundo efecto del drama? No lo sé».


title: El gabinete del doctor Caligari

text: "Caligari", al igual que varios filmes de Weimar que le siguieron, tematizan la autoridad brutal e irracional haciendo antagonista a una figura violenta y posiblemente insana. Kracauer dijo que el doctor Caligari fue un símbolo del gobierno de guerra alemán y las inherentes tendencias fatales en el sistema alemán, diciendo que el personaje "aboga por una autoridad ilimitada que idolatra al poder como tal, y, para satisfacer su ansia de dominación, viola sin piedad todos los derechos y valores humanos". Asimismo, John D. Barlow describe al doctor Caligari como un ejemplo del poder y autoridad tiránicos que desde hace mucho habían plagado Alemania, mientras que Cesare representa la "hombre común de obediencia incondicional". Janowitz ha declarado que Cesare representa al ciudadano común que es condicionado a matar o ser matado, justo como los soldados son entrenados durante su servicio militar, y que el doctor Caligari es símbolo del gobierno alemán mandando soldados a morir en la guerra. El control que el doctor Caligari tiene sobre las mentes y acciones de otros resulta en caos y perversión tanto moral como social. Cesare carece de individualidad alguna y simplemente es una herramienta de su maestro; Barlow escribe que es tan dependiente de Caligari que cae muerto cuando se aleja demasiado de su fuente de sustento, "como una máquina a la que se la ha acabado el combustible". En su influyente libro "De Caligari a Hitler", Kracauer argumenta que el personaje del doctor Caligari es síntoma de una subconsciente necesidad en la sociedad alemana de un tirano, a lo cual llama el "alma colectiva" alemana. Kracauer argumenta que Caligari y Cesare son premoniciones de Adolf Hitler y su dominio sobre Alemania, y que este control sobre los débiles de voluntad, sonámbulos marionetas, prefigura aspectos de la mentalidad que permitió el ascenso del partido Nazi. Llama a uso del hipnotismo por parte del doctor Caligari para imponer su voluntad presagia la "manipulación del alma" por parte de Hitler. Kracauer describe al filme como una ejemplo de la obediencia alemana a la autoridad y el fallo o renuencia para rebelarse en contra de la autoridad trastornada, y refleja una "retirada general" a un caparazón que ocurrió en la Alemania de la posguerra. Cesare simboliza a aquellos que no tiene una mente propia y deben seguir los caminos de otros; Kracauer escribió que Cesare presagia un futuro alemán en el que "Caligaris autonombrados hipnotizan a innumerables Cesares para asesinar". Barlow rechaza las afirmaciones de Kracauer de que el filme glorifica a la autoridad "sólo porque no hizo una declaración sermoneadora en su contra", y dijo que la conexión del doctor Caligari y Hitler yace en el estado anímico que el filme transmite, no en la aprobación de tal tirano por parte del filme.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: La realidad cotidiana en "Caligari" es dominada por tiránicos aspectos. Las autoridades se sientan en encima de altas perchas sobre la gente con la que lidian y mantienen oficinas fuera de la vista, al final de largas y amenazantes escaleras. La mayoría de los personajes del filme son caricaturas que encajan perfectamente en roles sociales prescritos, tales como los ciudadanos indignados persiguiendo al enemigo público, la policía autoritaria que es deferente de sus superiores, el frecuentemente acosado secretario del ayuntamiento, y los asistentes del asilo que actúan como estereotípicos "pequeños hombres en trajes blancos". Solo el doctor Caligari y Cesare son roles sociales atípicos, sirviendo en lugar de ello como, en palabras de Barlow, "abstracciones de miedos sociales, las encarnaciones de fuerzas demoníacas de un mundo de pesadilla al que la burguesía tenía miedo de reconocer, donde la presunción es empujada hacia el deliberado y arbitrario poder sobre otros". Kracauer escribió que el filme demuestra un contraste entre el rígido control, representado por tales personajes como el doctor Caligari y el secretario del ayuntamiento, y el caos, representado por la multitud de personas en la feria y el aparente eterno girar de los carruseles. Dijo que el filme no deja espacio para término medio entre estos dos extremos, y que los espectadores son forzados a abrazar la demencia o la rigidez autoritaria, dejando poco espacio para la libertad humana. Kracauer escribe: ""Caligari" expone al alma vacilante entre la tiranía y el caos, y enfrentando una difícil situación: cualquier escape de la tiranía parece lanzarla a un estado de total confusión".


title: El gabinete del doctor Caligari

text: El doctor Caligari no es el único símbolo de autoridad arrogante en el filme. De hecho, él mismo es una víctima de la dura autoridad durante la escena con el desdeñoso secretario del ayuntamiento, quien lo hizo menos e ignoró para enfocarse en su papeleo. El historiador de cine Thomas Elsaesser argumenta que la campaña asesina del doctor Caligari a través de Cesare puede ser vista como un acto rebelde, una racha antiautoritario en respuesta a experiencias como ésta, incluso a pesar de su propio autoritarismo. El diseño expresionista del set en esta escena amplifica más el poder del oficial y la debilidad de su suplicante; el secretario se eleva en una excesivamente alta silla sobre el pequeño y humillado doctor Caligari. La escena representa las diferencias de clase y estatus, y transmite la experiencia psicológica de sentirse simultáneamente indignado e impotente ante una pequeña burocracia. Otro motivo visual común es el uso de escaleras para mostrar la jerarquía de figuras de autoridad, tales como las múltiples escaleras que llevan hasta el cuartel general de la policía, y las tres escaleras que ascienden al doctor Caligari en el asilo.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Francis expresa un resentimiento a todas las formas de autoridad, particularmente durante el final de la historia de marco, cuando siente que ha sido institucionalizado debido a la locura de las autoridades, no porque hay algo malo con él. Francis puede ser visto, al menos en la narrativa principal, como un símbolo de razón e ilustración triunfando sobre la tiranía irracional y desenmascarando la absurdidad de la autoridad social. Pero Kracauer contiende que la historia de marco socava esa premisa. Él argumenta que de no ser por la historia de marco, el relato de los esfuerzos de Francis contra el doctor Caligari habrían sido un loable ejemplo de independencia y rebelión contra la autoridad. Sin embargo, con la adición de la historia de marco, la cual coloca en duda la veracidad de las declaraciones de Francis, Kracauer argumenta que el filme glorifica a la autoridad y vuelve una historia reaccionaria en un filme autoritario: "El resultado de estas modificaciones fue falsificar la acción y ultimadamente reducirla a los desvaríos de un hombre loco". Kracauer cree que estos cambios no fueron necesariamente intencionales, sino una "instintiva sumisión a las necesidades de la pantalla" porque los filmes comerciales tenían que "responder a los deseos de las masas". Fritz Lang discrepa con los argumentos de Kracauer, y en lugar de ello cree que la historia de marco hace a las inclinaciones revolucionarias del filme más convincentes, no lo contrario. David Robinson dijo, con el paso del tiempo, que los espectadores han estado menos inclinados a interpretar al filme como una vindicación de la autoridad debido a que las audiencias modernas han crecido con mayor escepticismo hacia la autoridad en general, y están más inclinados a creer la historia de Francis e interpretar que el director del asilo lo ha condenado erróneamente para silenciarlo.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Otro principal tema de "Caligari" es, como Stephen Brockmann escribe, "el contraste desestabilizador entre la cordura y demencia, y por lo tanto la noción misma de cordura". Al final del filme, los espectadores se dan cuenta de que la historia que han estado mirando ha sido contada de la perspectiva de un insano narrador, y por lo tanto no pueden aceptar nada de lo que han visto como verdad fiable. Las inusuales abstracciones visuales del filme y otros elementos estilizados sirven para mostrar el mundo como si fuera experimentado por un loco. Similarmente, se dice que el filme retrata la historia principal como si fuera una pesadilla y la historia de marco como si fuera el mundo real. John D. Barlow dijo que el filme ejemplifica el tema expresionista común de que "la percepción final de realidad parecería distorsionada e insana para la mente sana y práctica". El filme sirve como un recordatorio de que cualquier historia dicha a través de una analepsis subjetiviza la historia desde la perspectiva del narrador. Al final del filme, el director del manicomio no da indicación alguna de que quiera dañar a Francis, y de hecho parecen importarle genuinamente sus pacientes. Pero Francis, sin embargo, cree que es perseguido, así que en la historia dicha desde su perspectiva, el doctor Caligari toma el rol de perseguidor.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Sin embargo, los elementos visuales expresionistas del filme están presentes no solo en la narrativa principal, sino también en el epílogo y prólogo de la historia de marco, las cuales se supone son un reporte objetivo de la realidad. Por ejemplo, las escenas de la historia de marco aún tienen árboles con ramas que asemejan tentáculos y un alto, aprensivo muro en el fondo. Extrañas hojas y patrones de líneas son vistos en la banca en la que Francis se sienta, diseños de geometría ígnea pueden ser vistosa en los muros, y su celda de manicomio tiene las misma forma distorsionada que en la narrativa principal. Si la historia principal fueran estrictamente ilusiones de un loco, la historia de marco hubiera estado completamente vacía de estos elementos, pero el hecho de que estén presentes hace poco claro si esa perspectiva puede ser tomada como verdadera. En lugar de ello, el filme no ofrece mundo normal alguno al cual oponer el retorcido mundo de pesadilla descrito por Francis. Como resultado, después de la escena de cierre del filme, puede ser visto como ambiguo cual de los dos es el loco, Francis o el director del asilo, o si ambos están insanos. Asimismo, la toma final del filme, con un diafragma que se desvanece a un primer plano del rostro del director del asilo, aumenta la duda sobre la cordura y confianza del personaje. Como Brockmann escribe, "Al final, el filme no es sobre sólo sobre un infortunado loco; es sobre un mundo entero que está posiblemente fuera de balance". Mike Budd nota que, durante la escena en la que los doctores del manicomio detienen a Francis, sus movimientos son semejantes a los del doctor Caligari de una escena similar durante la historia principal. Budd dice que esto sugiere una "lógica onírica de repetición" que lanza más confusión en cuál de las perspectivas es la realidad.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: La dualidad es otro tema común en "Caligari." El doctor Caligari es retratado en la narrativa principal como un tirano desquiciado, y en la historia de marco como una respetada autoridad y el director de una institución mental. Como resultado de esta dualidad, el espectador no puede hacer más que sospechar un aspecto malévolo de él al final del filme, incluso a pesar de que toda evidencia indica que es un hombre amable y bondadoso. Incluso dentro de la narrativa principal sola, el doctor Caligari vive una doble vida: manteniendo una respetable posición como el director del manicomio, pero convirtiéndose en hipnotista y asesino en la noche. Adicionalmente, el personaje es de hecho un doble del Caligari "real", un místico del siglo XVIII con quien el personaje del filme se obsesiona tanto que desea penetrar sus más íntimos secretos y "volverse Caligari". Francis también adquiere algo así como una doble vida, sirviendo como el heroico protagonista en la narrativa principal y un paciente en una institución mental en la historia de marco. Anton Kaes describe la historia que Francis cuenta como un acto de transferencia con su psiquiatra, así como también una proyección de sus sentimientos de víctima bajo el hechizo de un director de asilo todopoderoso, exactamente como Cesare es la víctima hipnotizada del doctor Caligari. El personaje de Cesare sirve como un perseguidor y una víctima, al ser el asesino y el esclavo de un maestro opresivo.


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text: Siegfried Kracauer dijo que al acoplar una fantasía en la que Francis derroca a una autoridad tirana con una realidad en la que la autoridad triunfa sobre Francis, "Caligari" refleja un doble aspecto de la vida alemana, sugiriendo que reconsideran su creencia tradicional en la autoridad incluso al aceptarla. Un contraste entre los niveles de realidad existe no solo en las caracterizaciones, sino también en la presentación de algunas de las escenas. Esto, como escribe Barlow, «revela un contraste entre calma externa y caos interno». Por ejemplo, las escenas de "flashback" donde Francis lee el diario del doctor Caligari, en las que se muestre la creciente obsesión del doctor por adquirir poderes hipnóticos, tiene lugar mientras el doctor Caligari duerme apaciblemente en el presente. Otro ejemplo es la feria, donde las superficies parecen representar diversión y evasión, pero revelan un sentido de caos y desastre al acecho en la forma del doctor Caligari y Cesare. Los elementos visuales del filme también transmiten una sensación de dualidad, particularmente en el contraste entre blanco y negro. Esto prevalece particularmente en los sets, donde sombras negras son puestas contra blancos muros, pero también en otros elementos como el vestuario y maquillaje. Por ejemplo, el doctor Caligari viste por lo general de negro, pero hay rayas blancas presentes en su pelo y sus guantes. El rostro de Cesare es de un blanco fantasmal, pero las sombras de sus ojos están fuertemente delineadas en negro. Asimismo, la blancura del rostro de Jane contrasta con sus profundos ojos negros.


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text: La crítica ha sugerido que "Caligari" pone de relieve algunas de las neurosis prevalentes en Alemania y la República de Weimar cuando el filme fue hecho, particularmente en la sombra de la Primera Guerra Mundial, en el tiempo en el que el extremismo era creciente, los reaccionarios aún controlaban instituciones alemanas, y los ciudadanos temían el impacto negativo del Tratado de Versalles sobre la economía. Siegfried Kracauer escribió que la paranoia y miedo retratados en el filme fueron signos de lo que sobrevendría a Alemania, y que el filme reflejó una tendencia en Alemania a "retirarse hacia sí mismos" y lejos del compromiso político después de la guerra. Vincent LoBrutto escribió que el filme puede ser visto como una analogía social o política de "el colapso moral y físico de Alemania en ese tiempo, con un loco suelto causando estragos en una sociedad distorsionada y fuera de balance, una metáfora de un país en caos".


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Anton Kaes, quien llamó a "Caligari" "una agresiva declaración sobre la psiquiatría, asesinato y decepción de la guerra", escribió que la pregunta de Alan a Cesare, "¿Cuánto tiempo he de vivir?" refleja el trauma que los ciudadanos alemanes experimentaron durante la guerra, pues esa pregunta a menudo estaba en las mentes de los soldados y sus familiares en cada, preocupados sobre sus seres queridos en el ejército. La desesperación de Francis después del asesinato de Alan puede ser comparado con el de muchos soldados que sobrevivieron la guerra pero vieron a sus amigos morir en el campo de batalla. Kaes notó otros paralelos entre el filme y las experiencias de guerra, notando que Cesare atacó a Alan al amanecer, una hora común para ataques durante la guerra. Thomas Elsaesser llamó a Caligari un "excepcional ejemplo de cómo 'fantásticas' representaciones en filmes alemanes de principios de la década de 1920 parecen portar la estampa de presiones de eventos externos, a los cuales se refieren sólo a través de la violencia con la que los disfrazan y desfiguran".


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Aunque a menudo es considerada un filme de arte por audiencias modernas, "Caligari" fue producida y comercializada como una producción comercial normal de su periodo, capaz de dirigirse al mismo tiempo al mercado de élite artística y a una audiencia de un género más comercial de terror. El filme fue promocionado extensivamente hasta su estreno, y anuncios se publicaron incluso antes de que el filme estuviera terminado. Muchos pósteres y anuncios de periódicos incluían la enigmática frase incluida en el filme, "Du musst Caligari werden!" o "¡Debes convertirte en Caligari!". "Caligari" fue estrenada en el teatro Marmohaus en Berlín, el 26 de febrero de 1920, a menos de un mes de ser completada. Los realizadores estaban tan nerviosos por el estreno que, según se informó, Erich Pommer en su camino al teatro exclamó, "¡Será un horrible fracaso para todos nosotros!". Al igual que con la realización del filme, varias leyendas urbanas rodearon su estreno. Una de ellas, ofrecida por los escritores Roger Manvell y Heinrich Fraenkel en "The German Cinema", sugiere que el filme fue archivado "por una falta de una toma adecuada", y fue solo mostrado en Marmohaus porque otro filme había acaecido. Otra sugiere que el teatro quitó el filme después de solo dos proyecciones porque las audiencias demandaron un reembolso y mostraron su desagrado hacia ella fuertemente. Esta historia fue dicha por Pommer, quien declaró que el Marmohaus tomó una copia de seguridad de "Caligari" y la proyectó exitosamente por tres meses después de que él pasó seis meses trabajando en una campaña de publicidad para el filme. David Robinson escribió que ninguna de estas leyendas urbanas es verdad, y que la última fue fabricada por Pommer para incrementar su propia reputación. Por el contrario, Robinson dijo que la premier fue altamente exitosa, mostrando el filme en el teatro por cuatro semanas, una inusual cantidad de tiempo, y que regresó dos semanas después . Dijo que fue tan bien recibido que una mujer en la audiencia gritó cuando Cesare abrió sus ojos durante su primera escena, y se desmayó durante la escena en la que Cesare secuestra a Jane.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: "Caligari" fue estrenada en un tiempo en el que las industrias cinematográficas foráneas habían apenas empezado a alivianar restricciones en la importación de filmes alemanes seguida la Primera Guerra Mundial. El filme fue adquirido por para la distribución estadounidense por Goldwyn Distributing Company, y tuvo su estreno estadounidense en el Capitol Theatre, el 3 de abril de 1921. Le fue dado un prólogo y epílogo de teatro en vivo, algo que no era inusual en esa época para estrenos de filmes en grandes teatros. En el prólogo, el filme es introducido por un personaje llamado "Cranford", quien se identifica como el hombre a quien Francis habla en la primera escena. En el epílogo, Cranford regresa y exclama que Francis se ha recuperado completamente de su locura. Mike Budd cree que estas adiciones simplifican al filme y "[lo] ajustan para el consumo masivo", aunque Robinson argumentó que fue simplemente una novedad teatral normal de la época. El director del Capitol Theatre comisionó al conductor Ernö Rapée para compilar un acompañamiento musical que incluyera porciones de canciones de compositores como Johann Strauss III, Arnold Schoenberg, Claude Debussy, Igor Stravinsky y Sergei Prokofiev. Rotafel quería que la composición coincidiera con el oscuro estado anímico del filme, diciendo: "La música tenía, como lo fue, que ser hecha eligible para la ciudadanía en un país de pesadilla".


title: El gabinete del doctor Caligari

text: "Caligari" tuvo su premier en Los Ángeles en el teatro Miller el 7 de mayo de 1921, pero el teatro fue forzado a quitarla debido a manifestaciones de protestantes. No obstante, la protesta fue organizada por la rama de Hollywood de la American Legion debido a miedos de desempleo derivados de la importación de filmes alemanes a Estados Unidos, no por objeciones sobre el contenido de "Caligari" misma. Después de proyectarse en grandes teatros comerciales, "Caligari" comenzó a ser mostrada en pequeños teatros y sociedades de cine en grandes ciudades. Las cifras de las taquillas no eran regularmente publicadas en la década de 1920, así que ha sido difícil evaluar el éxito o fracaso comercial de "Caligari" en los Estados Unidos. Los historiadores de cine Kristin Thompson y David B. Pratt separadamente estudiaron publicaciones de comercio de la época en un intento de hacer una determinación, pero llegaron a hallazgos conflictivos; con Thompson concluyendo que fue un éxito de taquilla y Pratt concluyendo que fue un fracaso. Sin embargo, ambos estuvieron de acuerdo de que fue más comercialmente exitoso en ciudades grandes que en teatros de pequeñas comunidades, donde los gustos eran considerados más conservadores.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: "Caligari" no recibió una amplia distribución en Francia de inmediato, debido a miedos sobre la importación de filmes alemanes, pero el director de cine Louis Delluc organizó una sola presentación de ella en 14 de noviembre de 1921, en el cine Colisée de Paris, como parte de una presentación a beneficio de la Spanish Red Cross. Más tarde, la compañía Cosmograph compró los derechos de la distribución del filme y lo estrenó en el Ciné-Opéra el 2 de marzo de 1922. "Caligari" se proyectó en un teatro de París por siete años consecutivos, un récord que se mantuvo intacto hasta el estreno de "Emmanuelle" (1974). De acuerdo con Janowitz, "Caligari" fue también mostrada en ciudades europeas como Londres, Roma, Ámsterdam, Estocolmo, Bruselas, Praga, Viena, Budapest y Bucarest, así como en otros países como China, Japón, India, Turquía y países de Suramérica.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Hay diferentes reportes sobre cómo fue recibida por primera vez "Caligari" por audiencias y críticos inmediatamente después de su estreno. Stephen Brockmann, Anton Kaes y el teórico de cine Kristin Thompson dicen que fue popular entre el público general y críticos bien respetados. Robinson escribió, "Los críticos alemanes, casi sin excepción, oscilaron entre favorable y extático". Kracauer dijo que los críticos fueron "unánimes en elogiar a "Caligari" como la primera obra de arte en la pantalla", pero también dijeron que fue "demasiado intelectual para volverse en Alemania". Barlow dijo que a menudo fue sujeto de desaprobación de la crítica, lo cual él cree es debido a que los primeros críticos de cine intentaron asignarle definiciones fijas del joven arte del cine, y por lo tanto tuvieron problema aceptando los estrafalarios e inusuales elementos de "Caligari". Algunos críticos sintieron que imitaba demasiado de cerca a una producción de escenario. Otros comentadores, como el crítico Herbert Jhering y el novelista Blaise Cendrars, objetaron sobre la presentación de la historia de las ilusiones de un loco porque sintieron que menospreciaba al expresionismo como una forma de arte. El crítico de teatro Helmut Grosse condenó el estilo visual del filme como cliché y derivado, llamándolo una "caricatura y (una) reproducción de diseños más que de lo que realmente ocurrió en el escenario". Varios críticos, como Kurt Tucholsky y Blaise Cendrars, criticaron el uso de actores reales frente a sets artificiales pintados, diciendo que creaba un nivel inconsistente de estilización. El crítico Herbert Ihering hizo eco de este punto en una reseña de 1920: "Si los actores están actuando sin energía y se mueven dentro de paisajes y habitaciones que son formalmente 'excesivas', la continuidad del principio está ausente".


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Mientras Robinson dijo que la respuesta de críticos estadounidenses fue en gran parte positiva y entusiasta, Kaes dijo que críticos y audiencias estadounidenses estaban divididas: algunos elogiaron su valor artístico y otros, particularmente aquellos que desconfiaban de Alemania seguida la Primera Guerra Mundial, desearon prohibirla por completo. Algunos en la industria cinematográfica de Hollywood se sintieron amenazados por la potencial rivalidad y se levantaron en contra del estreno de "Caligari", condenándola como una "invasión extranjera". Sin embargo, el filme permaneció popular en los Estados Unidos. Muchos críticos estadounidenses lo compararon con una historia de Edgar Allan Poe, incluyendo una reseña de 1921 en la revista "Variety," la cual elogió la dirección y el "tempo perfecto" del filme, así como los sets que "exprimen y giran y ajustan el ojo, y atraviesan el ojo de la mentalidad". A una reseña del "New York Times" le gustó el arte modernista, comparando los sets del filme con el "Desnudo descendiendo una escalera, No. 2" de Marcel Duchamp, y dijo que el filme "da dimensiones y significado a la forma, haciéndola una parte activa de la historia, en lugar de meramente usar el convencional e inerte fondo", lo cual fue clave para la "importancia del filme como un trabajo de cinematografía". Albert Lewin, un crítico que eventualmente se volvería director de cine y guion, llamó a "Caligari" "la única película seria, exhibida en Estados Unidos hasta ahora, en la que cualquier cosa tiene el mismo grado de auténticas emociones y "shock" de arte". Una historia de la edición de noviembre de 1921 de "Exceptional Photoplays", una publicación independiente emitida por la National Board of Review of Motion Pictures, dijo que "ocupa la posición de mérito artístico único", y dijo que los filmes estadounidenses en comparación lucen como si fueran hechos para "un grupo de defectuosos adultos al nivel de un niño de nueve años". "Caligari" fue en éxito ante la crítica en Francia, pero cineastas franceses estaban divididos en sus opiniones después de su estreno. Abel Gance la llamó "soberbia" y escribió, "¡Qué lección para todos los directores!" y René Clair dijo que "derrocó al dogma realista" del cine. El crítico de cine y director Luous Delluc dijo que el filme tiene un ritmo irresistible: "Al principio lento, deliberadamente laborioso, intenta irritar. Entonces cuando los motivos en zigzag de la feria comienzan a girar, el paso salta hacia adelante, "agitato, accelerando", y se detiene sólo hasta la palabra 'Fin', tan abruptamente como una bofetada en el rostro". Jean Epstein, sin embargo, la llamó "un ejemplo digno de premios del abuso de la decoración en el cine" y dijo que "representa una grave enfermedad del cine ". Asimismo, Jean Cocteau la llamó "el primer paso hacia un grave error el cual consiste en pornografía plana de exéntricos decorados, en lugar de obtener sorpresa por medio de la cámara". El crítico francés Frédéric-Philippe Amiguet escribió sobre el filme: "Tiene un olor de comida contaminada. Deja un sabor de cenizas en la boca". Al director ruso Sergei Eisenstein le disgustó especialmente "Caligari", llamándola una "combinación de histeria silenciosa, parcialmente coloreados lienzos, pisos embadurnados, caras pintadas, y los innaturales rotos gestos y acciones de monstruosas quimeras".


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Mientras que las primeras críticas estuvieron más divididas, críticos e historiadores modernos de cine han en gran medida elogiado a "Caligari" como un filme revolucionario. El crítico de cine Roger Ebert declaró que podría decirse que es "el primer verdadero filme de terror", y el crítico Danny Peary lo llamó el primer filme de culto del cine y un precursor de los filmes de arte. En octubre de 1958, "Caligari" fue clasificado como el doceavo mejor filme de todos los tiempo durante una encuesta organizada en la Feria Mundial de Bruselas. Con la entrada de 117 críticos de cine, cineastas e historiadores de alrededor del mundo, fue la primera encuesta universal de cine en la historia. El historiador de cine estadounidense Lewis Jacobs dijo que "su ejecución estilizada, melancólica calidad, falta de explicación, y escenarios distorsionados fueron nuevos para el mundo del cine". El historiador y crítico de cine Paul Rotha escribió acerca de ello, "Por primera vez en la historia del cine, el director ha trabajado "a través" de la cámara y ha roto con el realismo en la pantalla; demostrando que un filme puede ser efectivo dramáticamente cuando no pornográfico y finalmente, de la más grande importancia, la mente de la audiencia se puso en juego psicológicamente". Asimismo, Arthur King escribió en "Rogue": "Más que en cualquier otro filme, ("Caligari") convenció a artistas, críticos y audiencias que la película fue un medio de expresión artística". El "Entertainment Weekly" incluyó a "Caligari" en su "Guía de las más grandes películas jamás hechas" de 1994, llamándola un "película muda hito" y diciendo, "Ninguna otra dirección de arte en una película ha llegado jamás a una visualización tan original de la demencia". Mantiene una rara calificación de 100% en Rotten Tomatoes basada en 48 reseñas.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: "Caligari" es considerada la obra por excelencia del expresionismo alemán, y por mucho el más famoso y bien considerado ejemplo de esta corriente. Es considerado un filme clásico, a menudo mostrado en cursos de introducción al cine, sociedades de cine y museos, y es uno de los más famosos filmes alemanes de la era muda. El académico de cine Lewis Jacobs lo llamó el "más ampliamente discutido filme de ahora". "Caligari" ayudó a atraer la atención hacia el mérito artístico del cine alemán, al mismo tiempo que trajo legitimidad al cine entre intelectuales literarios dentro de Alemania misma. Lotte Eisner ha dicho que fue en el expresionismo, como "Caligari" lo personificó, donde "el cine alemán encontró su verdadera naturaleza". El término "caligarismo" fue acuñado como resultado de ello, refiriéndose al estilo de filmes similares que se enfocaron en tales temas como la extraña locura y obsesión, particularmente a través del uso de distorsión visual. El expresionismo tardó en llegar al cine, y para cuando "Caligari" fue estrenada, muchos críticos alemanes sintieron que la forma de arte se había comercializado y trivializado; conocidos escritores como Kasimir Edschmid, René Schickele, y Yvan Goll había pronunciado al movimiento expresionista como muerto para cuando "Caligari" arribó a los cines. Otros pocos filmes expresionistas fueron producidos, y "Caligari" fue el único fácilmente accesible por varias décadas. Entre los pocos filmes que abrazan completamente al estilo expresionista están "Genuine" (1920) y "Raskolnikow" (1923), ambos dirigidos por Wiene, así como "From Morn to Midnight" (1920), "Torgus" (1921), "Das Haus zum Mond" (1921), "Haus ohne Tür und ohne Fenster" (1921) y "Waxworks".


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Mientras que otros filmes puramente expresionistas fueron hechos, "Caligari" aún tiene una gran influencia sobre otros directores alemanes, y muchos de los elementos expresionistas del filme – particularmente el uso de escenarios, luz y sombra para representar la psicología de sus personajes – se volvió prevalente en el cine alemán. Entre los filmes que usan estos elementos están "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922) y "Der Letzte Mann" (1924) de Murnau, "Misterios de un alma" (1926) de G. W. Pabst, y "Metrópolis" (1927) y "M" (1931) de Fritz Lang. El éxito de "Caligari" también afectó la manera en la que los filmes alemanes fueron producidos durante la década de 1920. Por ejemplo, la mayoría de los grandes filmes alemanes de los siguientes años cambiaron las filmaciones en locaciones y para filmar completamente en estudios, lo que le asignó mayor importancia a los diseñadores en el cine alemán. Robinson argumenta que esto llevó al aumento de un gran número de diseñadores de cine – como Hans Dreier, Rochus Gliese, Albin Grau, Otto Hunte, Alfred Junge, Erich Kettelhut y Paul Leni – y ese impacto fue sentido fuera del país cuando muchos de esos talentos emigraron de Alemania con el ascenso del partido Nazi. Adicionalmente, el éxito del esfuerzo colaborativo de "Caligari" – incluyendo su director, diseñadores de set y actores – influenció subsecuentes producciones de cine en Alemania por muchos años, haciendo al trabajo en equipo un sello del cine alemán en la República de Weimar.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: El impacto de "Caligari" no solo fue sentido en el cine alemán, sino también internacionalmente. Rotha y el historiador de cine William K. Everson escribieron que el filme tuvo un efecto a largo plazo en directores de Hollywood al igual que "El acorazado Potemkin" (1925). En su libro "El filme hasta ahora," Rotha escribió que "Caligari" y "Potemkin" fueron los "dos más trascendentales avances en el desarrollo del cine", y dijo que "Caligari" "sirvió para atraer hacia la audiencia cinematográfica a mucha gente que hasta ese momento consideraba al cine como una marca de agua de baja inteligencia". "Caligari" tuvo un impacto en el estilo y contenido de los filmes de Hollywood en la década de 1920 y principios de la década de 1930, particularmente filmes como "The Bells" (1926), "The Man Who Laughs" (1928) y "Murders in the Rue Morgue" (1932), y tuvo una gran influencia en los filmes de terror estadounidenses de la década de 1930, algunos de los cuales incluyen a un antagonista usando habilidades sobrenaturales del estilo de Caligari para controlar a otros, como "Drácula (1931)", "Svengali" (1931) y "The Mad Genius" (1931). Kaes dijo que los elementos estilísticos de "Caligari" y el personaje de Cesare en particular, influenciaron a los filmes de terror de Universal Studios de la década de 1930, los cuales a menudo incluían de manera prominente alguna clase de monstruo, como "Frankenstein" (1931), "La momia" (1932), "Satanás" (1934) y "La novia de Frankenstein" (1935). El expresionismo de "Caligari" también influenció al cine avant-garde de Estados Unidos, particularmente a aquellos filmes que usaron escenarios fantásticos para ilustrar un ambiente inhumano dominando a un individuo. Los primeros ejemplos de esto incluyen a "La caída de la Casa Usher" (1928), "El último momento" (1928) y "" (1928) LoBrutto escribió, "Pocos filmes a través de la historia de la imagen en movimiento han tenido mayor influencia en el avant-garde, arte y estudio del cine como "Caligari"".


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text: "Caligari" y el expresionismo alemán influenciaron fuertemente al cine negro de Estado Unidos del período de la década de 1940 y 1950, tanto en el estilo visual como en el tono de la narrativa. Los filmes del cine negro tienen a retratar a todos, incluso al inocente, como objeto de sospecha, un hilo común en "Caligari." El género también empleó varios elementos expresionistas en su estilo visual oscuro y sombrío, fotografía estilizada y abstracta, y maquillaje y actuaciones distorsionadas y expresivas. "Caligari" también influenció a filmes producidos en la Unión Soviética, tales como "Aelita" (1924), y "The Overcoat". Observadores han notado que los filmes en blanco y negro de Ingmar Bergman mantienen un parecido a los filmes alemanes de la década de 1920, y el historiador de cine Roy Armes lo ha llamado "el verdadero heredero de "Caligari"". Bergman mismo, sin embargo, ha negado la influencia del expresionismo alemán en su obra. "Caligari" también ha tenido impacto en el teatro. Siegfried Kracauer escribió que el uso en el filme de un efecto de iris cerrándose ha sido imitado en producciones teatrales, con iluminación usada para enfocar a un solo actor.


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text: "Caligari" siendo uno de los más discutidos y debatidos filmes de la República de Weimar. Dos grandes libros han jugado un papel importante en la formación de la percepción del filme y su impacto en el cine como un todo: "De Caligari a Hitler" (1947) de Siegfried Kracauer y "La pantalla embrujada" (1974) de Lotte Eisner. "De Caligari a Hitler" basa sus afirmaciones sobre el filme principalmente en una copia mecanografiada no publicada de Hans Janowitz llamada "Caligari: la historia de una famosa historia", la cual da a Janowitz y Carl Mayer el crédito principal por la realización de "Caligari". Mike Budd escribió sobre el libro de Kracauer: "Quizá ningún filme o periodo ha sido tan profundamente entendido a través de una particular interpretación como lo ha sido "Caligari", y el cine de Weimar en general, a través del enfoque social y psicológico de Kracauer". Previo a la publicación de "De Caligari a Hitler", pocos críticos habían encontrado algún significado simbólico-político en el filme, pero el argumento de Kracauer de que simbolizó la obediencia alemana hacia la autoridad y predijo el ascenso de Adolf Hitler cambió drásticamente las actitudes hacia "Caligari." Muchas de estas interpretaciones del filme aún son adoptadas, incluso por aquellos que fuertemente discreparon con la premisa general, e incluso a pesar de que varias afirmaciones de Kracauer se han desaprobado, tales como la declaración de que el guion original no incluía una historia de marco. El libro de Eisner colocó a "Caligari" en un contexto histórico identificando cómo influenció a elementos expresionistas en otros filmes de la década de 1920.


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text: El historiador de cine David Robinson declaró que Wiene, a pesar de ser el director de "Caligari," a menudo le es dada la menor cantidad de crédito por su producción. Él cree que esto es en parte porque Wiene murió en 1938, más cercano a la fecha del estreno del filme que cualquiera de los otros colaboradores principales, y fue por lo tanto incapaz de defender su participación en la obra cuando otros tomaban el crédito. De hecho, Robinson argumenta que "Caligari" finalmente hirió la reputación de Wiene debido a que sus subsecuentes filmes no igualaron su éxito, así que es erróneamente considerado como "un director con un sólo filme que tuvo un golpe de suerte con "Caligari"".


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text: Varios intentos infructuosos fueron hechos para producir secuelas y remakes en las décadas posteriores al estreno de "Caligari." Robert Wiene compró los derechos de "Caligari" a Universum Film AG en 1934 con la intención de filmar una nueva versión con sonido, lo cual nunca se materializó antes de la muerte de Wiene en 1938. Intentó contratar a Jean Cocteau como Cesare, y un guion, que se cree fue Wiene quien lo escribió, indicaba que el estilo expresionista sería reemplazado con uno surrealista francés. En 1944, Erich Pommer y Hans Janowitz intentaron cada uno por su cuenta, obtener los derechos legales del filme, con esperanzas de un hacer un remake en Hollywood. Pommer intentó argumentar que tenía mayor derecho debido a que el valor principal del filme no vino del guion, sino "de la forma revolucionaria en la que la película fue producida". Sin embargo, tanto Janowitz como Pommer tuvieron complicaciones relacionadas con la invalidez de la ley Nazi en los Estados Unidos, y falta de certeza sobre los derechos legales de los filmes mudos y con sonido. Janowitz escribió un tratamiento para un remake, y en enero de 1945 le fue ofrecida una garantía mínima de $16,000 contra un cinco por cierto de regalías por sus derechos del filme original para una secuela que sería dirigida por Fritz Lang, pero el proyecto jamás se concretó. Más tarde, Janowitz planeó una secuela llamada "Caligari II", e intentó sin éxito vender esta propiedad a un productor de Hollywood por $30,000.


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text: Alrededor de 1947, al agente de Hollywood Paul Kohner y el cineasta alemán Ernst Matray también planearon una secuela de "Caligari"; Matray y su esposa María Solverg escribieron un guion llamado "El regreso de Caligari" . Ese guion reinterpretó al doctor Caligari como un antiguo oficial Nazi y criminal de guerra, pero el filme nunca fue producido. En 1960, el productor independiente de Hollywood Robert Lippert adquirió los derechos de "Caligari" de Matray y Universum Film por $50,000, y produjo un filme llamado "El gabinete de Caligari," el cual fue estrenado en 1962. El guionista Robert Bloch no tenía intenciones de hacer un remake de "Caligari", de hecho el título fue impuesto sobre su guion por el director Roger Kay. El filme tuvo pocas similitudes con la original "Caligari" excepto por su título y su giro al final, en el cual es revelado que la historia es simplemente una ilusión de la protagonista, quien cree que fue secuestrada por el personaje de nombre Caligari. En lugar de ello, él es su psiquiatra y la cura al final del filme. En 1981, la Compañía de Actores de Yorkshire le pidió a Bill Nelson que creara una banda sonora para una adaptación de teatro del filme. Esa música fue más tarde grabada en su álbum de 1982 "Das Kabinet (El gabinete del doctor Caligari)".


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Una semi-secuela, llamada "Dr. Caligari," fue estrenada en 1989, dirigida por Stephen Sayadian y protagonizada por Madeleine Reynal como la nieta del original doctor Caligari, ahora dirigiendo un asilo y realizando estrafalarios experimentos en sus pacientes. La historia impulsada por el sexo finalmente tuvo poco en común con el filme original. En 1992, el director de teatro Peter Sellars lanzó su único largometraje, "El gabinete del doctor Ramírez," un filme experimental vagamente basado en "Caligari." Sin embargo, la historia fue creada a medida que el filme se realizaba, así que tiene pocas similitudes con el filme original. El filme fue proyectado solo en el Sundance Film Festival de 1992 y nunca tuvo lanzamiento a los cines. Un remake independiente de "Caligari" editado, escrito y dirigido por David Lee Fisher fue estrenado en 2005, en el cual nuevos actores son colocados frente a los fondos originales del filme original. Los actores interpretaron frente a una pantalla verde, sus actuaciones fueron sobrepuestas frente a tomas matte basadas en los sets originales. Doug Jones interpretó el papel de Cesare.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: "Caligari" fue adaptada a una ópera en 1997 por el compositor John Moran. Se estrenó en el American Repertory Theatre en Cambridge, Massachusetts, en una producción de Robert McGrath. Numerosos músicos han compuesto nuevas partituras para acompañar al filme. La Club Foot Orchestra estrenó una composición escrita por el fundador del ensamble y director artístico Richard Marriott en 1987. En el año 2000, el grupo israelí de música electrónica TaaPet hizo varias presentaciones de su banda sonora para el filme alrededor de Israel. En 2014, Bertelsmann/BMG comisionó a Timothy Brock para adaptar su composición de 1996 para orquesta de cuerdas para la restauración del film en 2014; Brock condujo el estreno en Bruselas el 15 de septiembre de 2014. En 2012, el Chatterbox Audio Theatre grabó un soundtrack en vivo, incluyendo diálogo, efectos de sonido y música para "Caligari", el cual fue lanzado en YouTube el 30 de octubre de 2013.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: Deepan Sivaraman, notable escenógrafo y director de India, adaptó el filme a una pieza mediática mezclada de una hora de duración con estudiantes de Estudios Performáticos de la Ambedkar University Delhi como parte de un curso titulado "Espacio y Espectador". El performance tomó lugar en un deteriorado almacén del campus universitario y empleó proyección multimedia para crear un impacto visual. El show se estrenó en febrero de 2015 en Delhi.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: En 2014 la película fue lanzada en una restauración en 4K. El estreno de esta versión tuvo lugar en los Países Bajos en abril de 2016 durante el Imagine Film Festival acompañado por un soundtrack en vivo, compuesto y ejecutado por la banda psicodélica holandesa Monomyth.


title: El gabinete del doctor Caligari

text: En 2016 se vio la producción de otra versión operística del doctor Caligari, compuesta por Karen Maclver para la Connect Company de la Scottish Opera, con un libreto proveído por Allan Dunn. En esta ópera la acción tiene lugar en Glasgow de 1898. Las primeras actuaciones bajo la dirección de Julie Brown tuvieron lugar el 9 y 10 de abril de 2016 en Woodside Halls de Glasgow, junto con la Scottish Opera Orchestra and Chorus conducidos por Chris Gray. Alumnos del Programa de artistas emergentes de la Scottish Opera - Andrew McTaggart (barítono) y Sarah Power (soprano) fueron contratados como el doctor Caligari/doctor Gallacher y Jane respectivamente junto con Daniel Keating Roberts (contratenor) como Cesare y Glen Cunningham (tenor) como Francis, con miembros del Coro proveyendo roles adicionales.La Cineteca de Bolonia ha publicado un DVD de esta película con la nueva banda sonora realizada por el ensamble musical Edison Studio (en sonido surround 5.1 y en estéreo) y Timothy Brock (para la Orquesta Filarmónica de Bruselas) en una nueva versión restaurada de Caligari en 2016.


title: Teoricón

text: El teoricón (en griego antiguo: "τὰ θεωρικά", [tà theoricà]) era, en la Antigua Atenas, el nombre de un fondo estatal utilizado para subvencionar con dinero a los ciudadanos pobres para que pudieran asistir a los espectáculos públicos durante las festividades.


title: Teoricón

text: Según algunas fuentes antiguas, el fondo fue creado en el siglo V a. C. probablemente a propuesta de Pericles. Plutarco atribuye al estadista ateniense la creación de estos fondos con los que se daba una subvención de dos óbolos a los más pobres para que pudieran pagarse la entrada a las representaciones teatrales de las Dionisias. Esta afirmación de Plutarco ha sido discutida: según Eberhard Ruschenbusch este fondo lo creó Eubulo en el siglo IV a. C. H. T. Wade-Gery opina que la fuente de Plutarco pudo ser Teopompo, y Meinhardt que Filócoro.


title: Teoricón

text: Con el tiempo, el subsidio público se convirtió en un arma política en manos de los demagogos; en ocasiones el subsidio fue distribuido en las fiestas sin espectáculos y después fue elevado a tres óbolos por Agirrio en el 395 a. C. Recolectado a los aliados de la Confederación de Delos, en un primer tiempo fue administrado por los helenotamías, y más tarde por los tamías.


title: Teoricón

text: Hacia el año 350 a. C., Eubulo creó un colegio especial de diez magistrados asignados al tesoro. Desde el siglo IV a. C., el teoricón estaba constituido con el excedente del presupuesto estatal, reducido a expensas de los gastos en armamento. Su gestión creó grandes contrastes entre los partidarios del «partido de la paz», liderado por Eubulo, quien necesitaba mantenerlo con vida, y el partido antimacedonio, dirigido por Demóstenes, quien retenía dichas sumas, y en lugar de destinarlas a los espectáculos y las fiestas, las dedicó a la inminente guerra contra Filipo II de Macedonia. La "Primera Filípica" de Demóstenes está dedicada propiamente a apoyar esta tesis. En 339 a. C. el teoricón fue suspendido por Demóstenes, quien hizo afluir el excedente del tesoro al fondo de guerra administrado por los tamías. Fue suprimido definitivamente en la época de la hegemonía macedónica (siglo III a. C.)


title: Condado de Osceola (Míchigan)

text: El condado de Osceola (en inglés: Osceola County), fundado en 1840, es un condado del estado estadounidense de Míchigan. En el año 2000 tenía una población de 23.197 habitantes con una densidad de población de 16 personas por km². La sede del condado es Reed City.


title: Condado de Osceola (Míchigan)

text: Según la oficina del censo el condado tiene una superficie total de , de los que son tierra y (1,24%) son agua.  Según el censo del 2000 la renta per cápita media de los habitantes del condado era de 34.102 dólares y el ingreso medio de una familia era de 39.205 dólares. En el año 2000 los hombres tenían unos ingresos anuales 29.837 dólares frente a los 22.278 dólares que percibían las mujeres. El ingreso por habitante era de 15.632 dólares y alrededor de un 12,70% de la población estaba bajo el umbral de pobreza nacional.


title: The Phoenix (álbum)

text: The Phoenix es el primer álbum de Mastercastle. Fue lanzado en abril 2009.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: Bartolomeo d'Alviano (1455-1515) fue un condotiero italiano y capitán que se distinguió en la defensa de la República de Venecia contra el emperador Maximiliano. Nacido en Alviano, llegó a ser un soldado astuto y lleno de recursos.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: Hijo de Francesco d'Alviano e Isabella degli Atti, Bartolomeo participó desde muy joven en las luchas de Italia central, sirviendo primero a los Estados Pontificios y, tras pasar varios años en Venecia, en 1496 se unió a la familia Orsini para combatir contra el papa Rodrigo Borgia y los Colonna, que intentaban conquistar territorios de los Orsini.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: Al principio, los hombres del papa llevaron la mejor parte y redujeron a Bartolomeo a tres fortalezas, pero él siguió resistiendo. Oliendo la victoria, César Borgia, hijo de Rodrigo, le cortó los suministros, pero cuando todo parecía perdido, Carlo Orsini apareció en la colina con su ejército y se unió a Bartolomeo para derrotar a los hombres del papa e incluso hirió a César en la cara.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: En 1503 Fernando II de Aragón contrató a Bartolomeo para derrotar a los franceses y conquistar el reino de Nápoles. Bartolomeo fue determinante en la victoria de la batalla del Garellano, con la que se inició la dominación española de la Italia meridional.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: Al año siguiente, en 1504, Bartolomeo derrotó a Maximiliano I, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, en Cadore, Mauria y Pontebba, y tomó además Trieste y Gorizia. Los venecianos, impresionados, le eligieron para el cargo de gobernador general. Ese mismo año también cayó Pordenone, y la "Serenísima" asignó su señorío a Alviano.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: En 1507 fue contratado junto a Niccolò Orsini por la República de Venecia.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: Todo le fue bien hasta 1509 (año en el que comenzó la construcción de las nuevas murallas de Padua) con el desastre de la batalla de Agnadello, cuando desobedeció la orden de evitar el combate y atacó directamente al ejército francés. Fue además herido en la refriega.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: La batalla acabó en derrota, Bartolomeo fue capturado y herido por los franceses y Venecia perdió Lombardía, una provincia que habían conquistado después de «ochocientos años de esfuerzo».


title: Bartolomeo d'Alviano

text: Furiosos, los venecianos se negaron a ayudar a Bartolomeo, pese a que éste insistía en que el general francés había robado «un artefacto veneciano de valor incalculable», y que él había intentado recuperarlo.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: Capturado por los franceses, permaneció encarcelado hasta 1513, año en el que Francia y Venecia se aliaron contra el Ducado de Milán, de modo que fue liberado y acabó luchando para los franceses, bajo el comandante francés Louis de la Trémoille. Fue derrotado en Vicenza por el Ramón Folc de Cardona.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: Posteriormente, Alviano conquistó y saqueó de nuevo Pordenone, que entre tanto había caído otra vez en manos de los Habsburgo. Más tarde, en septiembre de 1515, sería un protagonista de la victoria francesa en Marignano, en la que atacó a los mercenarios suizos con un cuerpo de tan solo 300 caballeros. Logró conquistar Bérgamo, pero tras recuperar su antiguo puesto de general del ejército veneciano, murió en octubre de 1515 durante el asedio de Brescia.


title: Bartolomeo d'Alviano

text: Los venecianos acogieron su cuerpo con una grandiosa ceremonia y le enterraron en la iglesia de San Esteban, en Venecia.


title: Aislinn Derbez

text: Aislinn Derbez (Ciudad de México, 18 de marzo de 1986), nombre artístico de Aislinn González Michel, es una actriz y modelo mexicana.


title: Aislinn Derbez

text: Estudió la carrera de Artes Visuales en la School of Visual Arts al mismo tiempo que estudiaba actuación en el Actors Studio de Nueva York (2005-2009): allá interpretó varios papeles en cortometrajes y actuó en la obra de teatro "Happy Hour". Entre sus aficiones favoritas están la pintura, la escultura, la fotografía, el baile, la bicicleta de montaña.


title: Aislinn Derbez

text: Comenzó su carrera artística como modelo a los 15 años. Su carrera inició cuando regresó a vivir a la Ciudad de México en el 2009. Su carrera tomó relevancia por sus primeras participaciones en largometrajes como "Te presento a Laura" (2010) dirigida por Fernando Noriega y "El atentado" (2010) de Jorge Fons.


title: Aislinn Derbez

text: Durante su corta carrera cinematográfica ha conseguido 5 papeles protagónicos en cine, los cuales fueron estrenadas en el 2012, como: "El cielo en tu mirada" (2012) de Pitipol Ybarra; "Abolición de la propiedad" (2012) de Jesús Magaña por la cual fue nominada como "Mejor Actriz" en el FICG; "Yerbamala" (2012) de Javier Solar; "Musth" (2013) de Mauricio T. Valle; y una película chilena, "Tierra de sangre" (2013).


title: Aislinn Derbez

text: También participó como protagonista en 5 series de Televisión dentro y fuera de México: en la serie para Canal Once "Los Minondo" (2011); en la serie de MTV "Niñas mal" (2011); en la serie colombiana "La promesa" (2012). También actuó en la serie de Televisa "Ellas son... la alegría del hogar" (2010); y en la serie de Pedro Torres "Mujeres asesinas 3" (2011) en el capítulo "Marta, manipuladora" junto con la actriz Lorena Meritano.


title: Aislinn Derbez

text: En teatro ha actuado en la obra "No sé si cortarme las venas o dejármelas largas" (2011) escrita y dirigida por Manolo Caro. También participó varias veces en los programas de Eugenio Derbez "Al derecho y al derbez", "XHDRBZ" y "Derbez en cuando".


title: Aislinn Derbez

text: Ha participado en videos musicales como "Estuve" y "Se me va la voz" de Alejandro Fernández, "Sólo déjate amar" de Kalimba. En 2008, actúa en la serie-web "Colinas", actuando e interpretando a 'Leah', después hizo otra serie-web llamada "Sweet & Spicy" (2008).Es hija de los actores Eugenio Derbez y Gabriela Michel, y es hermana de Vadhir Derbez, José Eduardo Derbez y Aitana Derbez y nieta de Silvia Derbez. En 2016 se casó con Mauricio Ochmann y en febrero de 2018 tuvieron una hija de nombre Kailani.


title: Evert Taube

text: Evert Axel Taube (Nacido el 12 de marzo de 1890 en Gotemburgo – fallecido el 31 de enero de 1976 en Estocolmo) fue un poeta, artista, compositor y cantor sueco. Por su amplia producción musical es considerado como uno de los más importantes músicos suecos.


title: Evert Taube

text: En 1910 viajó a América Latina donde permaneció 5 años trabajando, principalmente en Argentina. Durante su estadía en Argentina fue fuertemente inspirado por la música rioplatense, principalmente por el tango; allí creó algunas de sus más famosas canciones, entre las más destacadas son "Fritiof och Carmencita" ("Samborombon") y "När jag var en ung caballero" ("Cuando yo era un joven caballero"). La canción "Fritiof och Carmencita" cuenta en ritmo de tango la historia de como Evert Taube, a través de su alias Fritiof Andersson, se enamora de la joven Carmencita en la localidad de Samborombón (Provincia de Buenos Aires), quien lo rechaza para casarse con un terrateniente local. Además escribió unos diez tangos y otras canciones inspiradas por la música y el mundo latinoamericano; Vidalitá, Sololá, Stockholmsmelodi, Bibbi entre otras. Esta última canción incluso contiene fragmentos de Bartolo, una canción conocida en gran parte de América Latina.


title: Evert Taube

text: Durante el periodo en Argentina, Evert Taube también obtuvo la ciudadanía argentina.


title: Evert Taube

text: Evert Taube se casó con la escultora y pintora Astri Bergman y tuvieron 4 niños; Per-Evert Arvid Joachim Taube (1926–2009), Rose Marie Astrid Elisabet Taube (1928–1928), Ellinor Gunnel Astri Elisabeth Taube (1930–1998) y Sven-Bertil Taube (1934–).


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: La Copa del Rey de Fútbol de 1927 es la edición número 25 del torneo organizado por la RFEF. En esta edición la copa viajó hacia Irún proclamándose campeón el Real Unión Club, que consiguió el entorchado nacional por cuarta vez en su historia. El torneo se disputó del 27 de febrero al 15 de mayo del año 1927 y en el participaron los campeones y subcampeones de los campeonatos regionales disputados en España en la primera parte de la temporada 1926-27.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: En esta edición de dio una circunstancia excepcional, ya que dos clubes británicos fueron invitados a participar disputándose el derecho a optar a conquistar un trofeo de Copa donado por Su Majestad, tratándose pues de una Copa del Rey oficiosa. Los contendientes, el Swansea Football Club y el Motherwell Football Club disputaron su correspondiente encuentro en el Estadio de Chamartín de Madrid —siendo la primera vez que dos clubes británicos se enfrentaban en España— venciendo el Motherwell F. C. por 0-1, por lo que disputó después un partido frente al campeón español de la presente edición por la disputa del trofeo.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: Los británicos se hicieron con el trofeo siendo hasta la fecha el único club extranjero poseedor de un trofeo de carácter amistoso donado por el Rey de España, al que se le unió una Copa Barcelona disputada días después tras vencer de nuevo al Swansea F. C. por el mismo resultado.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: Para esta edición el número de equipos siguió aumentando con la incorporación del Campeonato de Extremadura a la nómina de los torneos que aportaban representantes al campeonato nacional, siendo ya 26 los equipos con derecho a participar. Los veintiséis equipos participantes quedaron repartidos en ocho grupos, seis de tres equipos y dos de cuatro. La clasificación en esta fase previa se decidió mediante una liguilla, enfrentándose los integrantes de cada grupo todos contra todos en dos ocasiones, -una en campo propio y otra en campo contrario. La clasificación se estableció a razón del siguiente sistema de puntuación: dos puntos para el equipo vencedor de un partido, un punto para cada contendiente en caso de empate y cero puntos para el perdedor de un partido. Al término de esta primera fase, los primeros clasificados de cada grupo accedieron a las semifinales. Grupo formado por equipos de Madrid, Andalucía y Extremadura.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: Grupo formado por equipos de Cataluña, Valencia y Murcia.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: Grupo formado por equipos de Asturias, Galicia, Cantabria y Castilla y León.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: Grupo formado por equipos de Guipúzcoa, Vizcaya y Aragón.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: Grupo formado por equipos de Madrid, Andalucía y Extremadura.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: Consistente en una única ronda a doble partido con los enfrentamientos prefijados en el cuadro según el grupo. En caso de quedar empatados a victorias, se jugaba un partido de desempate en campo neutral. Los ganadores de esta eliminatoria de cuartos se enfrentaron en semifinales y final a partido único en campo neutral.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: La tercera ronda del torneo fue disputada por los ocho campeones de grupo enfrentádose en cuatro eliminatorias a doble partido; el 17 de abril la ida y el 24 de abril la vuelta. Curiosamente fue necesario jugar partidos de desempate en todas las eliminatorias, todos ellos jugados el 1 de mayo, en Santander el Sporting-Real Unión, en Zaragoza el Real Madrid-Europa y en Madrid el Arenas de Guecho-Celta y el Barcelona-Real Betis.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: La cuarta ronda fue disputada por los cuatro ganadores de la ronda anterior que se enfrentaron en dos eliminatorias a partido único en terreno neutral. Ambos partidos se jugaron el 8 de mayo en Zaragoza.


title: Copa del Rey de Fútbol 1927

text: La quinta y última ronda del torneo fue disputada por el Real Unión Club y el Arenas Club de Guecho. La final se disputó a partido único en el Estadio de Torrero de Zaragoza el día 15 de mayo de 1927. El partido acabó 0 a 0 al final del tiempo reglamentario, pero después de 30 minutos de prórroga el resultado acabó dándole su cuarto título al equipo irundarra.


title: Cabo de Ajo

text: El "'cabo de Ajo" es el cabo más septentrional de la costa de Cantabria y uno de los más accidentados. Se encuentra localizado en el municipio de Bareyo, recibiendo el nombre de la capital del mismo, Ajo. El cabo forma parte de una Zona de Especial Protección para las Aves.


title: Cabo de Ajo

text: Debido a su posición geográfica en el punto más septentrional de La Montaña, desde él se puede apreciar la bahía de Santander al oeste, la ría de Ajo, de Castellanos o de La Venera al este y la cordillera Cantábrica al sur.


title: Cabo de Ajo

text: En el cabo de Ajo se encuentra el faro de Ajo, cuyo haz de luz alcanza las 17 millas náuticas.


title: Bajiplanicie guajira

text: La bajiplanicie guajira, es una planicie extensa de baja altura que en gran parte de terreno, no supera los 200m. Está ubicada en el extremo norte de Suramérica y comprende dos tercios del Departamento de La Guajira, en Colombia y la zona norte del Estado Zulia en Venezuela. Hace parte de la Barrera desértica del Caribe y comprende una serie de sistemas de cerros en la península de La Guajira.


title: Condado de Ogemaw

text: El condado de Ogemaw (en inglés: Ogemaw County), fundado en 1840, es un condado del estado estadounidense de Míchigan. En el año 2000 tenía una población de 21.645 habitantes con una densidad de población de 15 personas por km². La sede del condado es West Branch.


title: Condado de Ogemaw

text: Según la oficina del censo el condado tiene una superficie total de , de los que son tierra y (1,80%) son agua.  En este condado se encuentra parte del bosque nacional de "Huron".


title: Condado de Ogemaw

text: Según el censo del 2000 la renta per cápita media de los habitantes del condado era de 30.474 dólares y el ingreso medio de una familia era de 34.988 dólares. En el año 2000 los hombres tenían unos ingresos anuales 31.003 dólares frente a los 20.544 dólares que percibían las mujeres. El ingreso por habitante era de 15.768 dólares y alrededor de un 14,00% de la población estaba bajo el umbral de pobreza nacional.


title: ShineGreymon

text: ShineGreymon (シャイングレイモン) es un personaje de ficción de la serie Digimon. Es la forma Mega de Agumon, el Digimon de Masaru Daimon.


title: ShineGreymon

text: ShineGreymon es un Digimon Dragón de Luz y una de las cuatro formas posibles de Agumon, las otras tres son WarGreymon, AncientGreymon y VictoryGreymon. ShineGreymon tiene la habilidad de absorber energía solar en sus alas y usarla en combate.


title: ShineGreymon

text: ShineGreymon es visto por primera vez durante la batalla contra los Bio-Híbridos. El ADN supercargado de Masaru hizo que una silueta de ShineGreymon apareciera alrededor de RizeGreymon. ShineGreymon fue introducido de forma apropiada en el episodio siguiente, junto con MirageGaogamon y Rosemon cuando el equipo DATS aprende a utilizar su nuevo poder. ShineGreymon es crucial en la destrucción de Belphemon y la derrota de Akihiro Kurata.ShineGreymon Ruin Mode es la forma corrupta del Burst Mode. La primera vez que ShineGreymon cambio de modo, fue al Ruin Mode, una versión corrupta del verdadero Burst Mode. Esto ocurre en la batalla entre ShineGreymon y MirageGaogamon, cuando las emociones oscuras de Masaru, creyendo que Thomas los había traicionada y se había unido a Kurata, causaron que ShineGreymon realizara una Digievolución Burst. ShineGreymon Ruin Mode se salió de control hasta que se convirtió en un Digihuevo (que luego da nacimiento a Koromon, la forma en entrenamiento de Agumon).


title: ShineGreymon

text: Ataques


title: ShineGreymon

text: ShineGreymon Burst Mode es la forma Burst Digievolucionada de ShineGreymon. Masaru logra activar el verdadero Burst Mode de ShineGreymon otra vez en la batalla contra Belphemon, esta vez, ShineGreymon se transforma de forma apropiada en su Burst Mode y fácilmente destruye a Belphemon y a Kurata. Masaru activa su A.D.N. durante el primer enfrentamiento del equipo DATS con los Caballeros Reales, permitiéndole a ShineGreymon entrar a su Burst Mode otra vez. Sin embargo, esta vez es derrotado por Gallantmon. Apareció otra vez para enfrentar al Caballero Real Craniamon en un duelo uno a uno y estaba perdiendo hasta que el equipo DATS llegó para derrotar al Caballero juntos. Apareció por última vez en la batalla final contra Yggdrasil.


title: Baianópolis

text: Baianópolis es un municipio brasilero del estado de Bahía. Su población estimada en 2004 era de 11.336 habitantes


title: Catolândia

text: Catolândia es un municipio brasileño del estado de Bahía. Su población estimada en 2007 era de 2.959 habitantes. Es también el menor municipio en población de Bahía.


title: Sam Sparro

text: Sam Sparro (nombre real Samuel Frankland Falson) nació el 8 de noviembre de 1982, es un cantautor, productor australiano con ascendencia portuguesa nominado al Grammy. Su nombre artístico se deriva de un apodo de su familia que fue inspirado por la mascota Sammy Sparrow.


title: Sam Sparro

text: Nació en Sídney, Australia. El talento de Sparro para cantar fue descubierto cuando era muy joven después de que se mudara con su familia a Los Ángeles a los 10 años. Su padre había firmado un contrato y estaba grabando un álbum de soul, y lo llevó a una iglesia en Tujunga, Los Ángeles para que escuchara a los mejores cantantes del género. Después de escuchar a Sam cantando, Chaka Khan se convirtió en uno de sus primeros admiradores. Su primer trabajo como actor infantil fue en un comercial de McDonald’s.


title: Sam Sparro

text: Fue a la secundaria San Marino en California del Sur por un corto tiempo y fue expulsado varias veces. Dejó Los Ángeles y regresó a Sídney, donde vivió con sus abuelos y trabajó para una compañía de relaciones públicas antes de viajar a Inglaterra, sumergiéndose en la escena musical de Londres. Tuvo que dejar Inglaterra y regresó a Los Ángeles en 2002, donde trabajó en una cafetería frecuentada por cineastas de Hollywood. Fue durante ese tiempo que escribió su sencillo “Black and Gold”.


title: Sam Sparro

text: El padre de Sam Sparro, Chris Falson, es pastor y cantante descendiente de portugueses y ha escrito música para Star Trek y para “Queer Eye for the Straight Guy”. Cuando era un adolescente Sam Sparro era corista en los conciertos de su padre y en sus discos. Se considera a sí mismo “una persona espiritual y un poco gitano, pero no tiene ninguna religión”


title: Sam Sparro

text: Sam Sparro es abiertamente gay. Realizó una entrevista para la revista Attitude y apareció en la portada.


title: Sam Sparro

text: Su primer sencillo «Black and Gold» debutó en el #23 del UK Singles Chart el 23 de marzo de 2008 y luego escaló al puesto 4 debido a las fuertes ventas digitales. El 13 de abril alcanza su mejor posición en el #2. Además, la canción fue utilizada en un comercial para la serie británica “Skins”. Alcanzó en número 5 en Irlanda. Su álbum debut autotitulado "Sam Sparro" fue lanzado el 28 de abril de 2008 en el Reino Unido, lugar donde fue certificado con el disco de oro. En abril de 2008 interpretó Black and Gold en hit40uk y en Live Lounge en BBC Radio 1, donde también hizo una versión de “American Boy” de Estelle. El 18 de abril, apareció como invitado musical en “The Friday Night Project” donde interpretó “Black and Gold”. También escribió canciones para el futuro tercer álbum de Lindsay Lohan.


title: Sam Sparro

text: En septiembre de 2008, Sparro fue nominado a ARIA Music Awards. Su gira de septiembre de 2008 formó parte de la gira Wonky Pop, Wonky Pop es un nuevo término musical creado por artistas como Sam Sparro y Alphabeat. En diciembre de 2008, Sam recibió una nominación al Grammy por “Black and Gold” en la categoría “” junto con Madonna, Rihanna, Daft Punk, Hot Chip y Lady Gaga. “Black and Gold” también aparece en la banda sonora de FIFA 09 y en la película 'Fama'. En 2009 colaboró con Basement Jaxx en la canción “Feelings Gone” También co-escribió con Adam Lambert la canción “Voodoo” que aparece en una reedición del disco “For Your Entertainment” y trabajó con Lolene en la canción “Under the Bus” que aparece en el álbum “The Electrik Hotel”. Cantantes como Katy Perry han interpretado covers de canciones como Black and Gold y Pocket.


title: Ellie Goulding

text: Elena Jane Goulding (Hereford, Inglaterra; 30 de diciembre de 1986), más conocida como Ellie Goulding, es una cantante, compositora y multiinstrumentista inglesa. Saltó a la fama en 2009 tras ganar la encuesta «Sound of 2010» realizada por BBC. Además por haber recibido el premio a elección de los críticos en los premios Brit.


title: Ellie Goulding

text: Desde muy joven, Ellie mostró gran interés por la música. Aprendió a tocar el clarinete y la guitarra antes de los quince años, además de graduarse en la Universidad de Kent en teatro. Sin mucho éxito, comenzó a promocionarse en su país natal con el lanzamiento de su primer "extended play" "An Introduction to Ellie Goulding" y su respectivo primer sencillo «Under the Sheets». Posteriormente, lanzó simultáneamente «Starry Eyed» y su primer álbum de estudio "Lights". Ambos ubicaron una de las cinco primeras posiciones del "UK Singles Chart" y "UK Albums Chart". Concretamente, "Lights" debutó como número uno. Los dos sencillos que le siguieron, «Guns and Horses» y «The Writer», no pudieron lograr los diez primeros en el Reino Unido. Tras su participación en el iTunes Festival de 2010, publicó un EP con las canciones en vivo que interpretó y además "Run Into the Light". Dado el poco tiempo que tuvo para trabajar en su disco, Ellie lanzó una reedición de "Lights" llamada "Bright Lights", con una versión de «Your Song» y un nuevo tema «Lights» como sencillos principales. El primero de estos ubicó la segunda posición en el Reino Unido, mientras que el segundo la cuadragésima novena. A pesar de esto, «Lights» se convirtió en un éxito en Norteamérica, ya que alcanzó la segunda posición en los Estados Unidos y la séptima en Canadá. Además, vendió más de tres millones de copias en el primero de estos.


title: Ellie Goulding

text: Gracias a todo el éxito que tuvo en 2010, Ellie recibió dos nominaciones a los premios Brit de 2011, aunque no resultó ganadora en ninguna de ellas. Igualmente, ganó un Glamour Award a la revelación del año. Luego, «Anything Could Happen» se convirtió en el séptimo sencillo de la cantante. Este logró la quinta posición en el Reino Unido y aunque no ubicó una posición alta en los Estados Unidos, vendió un millón de copias. Para seguir con la promoción de "Halcyon", Ellie lanzó «Figure 8» y «Explosions». El primero no tuvo éxito comercial, salvo por Finlandia y Nueva Zelanda, mientras que el segundo contó con una recepción media en el Reino Unido. Con todo, el álbum debutó como número dos en el "UK Albums Chart". Luego la cantante recibió una nominación a los Teen Choice Awards como artista revelación, pero no ganó. Al igual que con su primer disco, Ellie reeditó y reelanzó "Halcyon" como "Halcyon Days". Gracias a esto, "Halcyon" alcanzó más tarde la posición número uno en el Reino Unido. El sencillo líder, «Burn», logró una buena recepción comercial alrededor del mundo. Concretamente, se convirtió en el primer número uno de Ellie en el Reino Unido, además de su primer "top" diez en Alemania y Australia.


title: Ellie Goulding

text: Ellie Goulding nació el 30 de diciembre de 1986 en Lyonshall, un pueblo rural ubicado en Herefordshire, Inglaterra, bajo el nombre de Elena Jane Goulding. Es la segunda de cuatro hermanos, hija de Arthur Goulding y Tracey Goulding, asistió a la Lady Hawkins School durante toda su infancia. Cuando Ellie tenía cinco años, sus padres se separaron, así que ella y sus hermanos tuvieron que vivir con su madre y su nuevo padrastro. A pesar de que su infancia no fue precisamente fácil, declaró que dado que vivían en un campo, siempre tenían deberes y cosas para divertirse, lo cual la hizo muy feliz. Su interés por la música llegó a la edad de nueve, cuando Ellie comenzó a tocar el clarinete, y más tarde a los catorce, la guitarra. Habiendo dominado dos instrumentos, empezó a componer canciones a los quince tras haber ganado un concurso de canto en su escuela.


title: Ellie Goulding

text: Después de graduarse de secundaria, a los dieciocho años Ellie asistió a la Universidad de Kent, donde tardó dos años en graduarse de teatro. Más tarde, Sarah Stennett descubrió su talento y la presentó al productor Starsmith, con quien comenzó a trabajar en su primera canción. A pesar de que Ellie quiso comenzar a estudiar otra carrera, Stennett la convenció de dejar la universidad y mudarse al oeste de Londres para poder trabajar mejor en su disco. Posteriormente firmó un contrato discográfico con Neon Gold Records y Polydor Records. Finalmente, en noviembre de 2009 se lanzó su primer sencillo «Under the Sheets», el cual alcanzó la posición cincuenta y tres del "UK Singles Chart". Ellie apareció por primera vez en televisión cuando interpretó la canción en "Later... with Jools Holland". Además, fue telonera de Little Boots en algunos espectáculos de su gira. Luego publicó "An Introduction to Ellie Goulding", su primer EP. Más tarde, ganó la encuesta de «Sound of 2010» realizada por BBC, lo que le dio más reconocimiento en el Reino Unido. Además, la Industria Fonográfica Británica anunció que Ellie recibiría el premio a la elección de los críticos en los BRITs de 2010.


title: Ellie Goulding

text: En febrero de 2010, Ellie lanzó su segundo sencillo «Starry Eyed», el cual debutó como número cuatro en el "UK Singles Chart". Habiéndose promocionado lo necesario, el mismo mes lanzó su primer álbum de estudio "Lights", que alcanzó el número uno del "UK Albums Chart". Luego, publicó «Guns and Horses», el cual logró la vigésima sexta posición en el Reino Unido. Para promocionarse, Ellie se convirtió en la telonera de Passion Pit en su paso por el Reino Unido en marzo de ese año. Tras participar en el iTunes Festival en julio, se publicó su segundo "extended play" "", y dos meses después "Run Into the Light". Luego, Ellie lanzó una reedición de "Lights" llamada "Bright Lights", de la cual se eligió una versión de «Your Song» como primer sencillo. La canción alcanzó la segunda posición en el Reino Unido, la cuarta en Austria y quinta en Irlanda. Durante los meses siguientes, se realizaron una serie de festivales musicales alrededor de Europa. Ellie participó en varios hechos en el Reino Unido y algunos de Bélgica y España, donde interpretó varios de sus sencillos, así como otras canciones de "Lights".


title: Ellie Goulding

text: En enero de 2011, se lanzó «Lights» como primer sencillo de "Bright Lights" en Norteamérica. Tras esto, se convirtió en un éxito en los Estados Unidos, ya que alcanzó el número dos en el "Billboard Hot 100" y además recibió tres por parte de la RIAA luego de vender tres millones de copias solo allí. Gracias a su éxito en el Reino Unido durante el 2010, Ellie recibió dos nominaciones a los premios Brit en las categorías mejor artista femenina británica y mejor artista nuevo británico, pero perdió ante Laura Marling y Tinie Tempah, respectivamente. En mayo, debutó en la televisión estadounidense cantando en el programa "Saturday Night Live". Más tarde, Ellie colaboró con Skrillex en una canción de "Summit". Durante el resto del año, siguió participando en distintos festivales y promocionando «Lights» en los Estados Unidos y Canadá. Además, Ellie reemplazó a Jessie J como telonera del California Dreams Tour de Katy Perry luego de que esta se lesionase la pierna.