title: Francisco de Goya

text: Supone la primera realización española de una serie de estampas caricaturescas, al modo de las que había en Inglaterra y Francia, pero con una gran calidad en el manejo de las técnicas del aguafuerte y el aguatinta —con toques de buril, bruñidor y punta seca— y una innovadora originalidad temática, pues "Los caprichos" no se dejan interpretar en un solo sentido, al contrario que la estampa satírica convencional. Entre 1793 y 1798 realizó un total de ochenta grabados, en planchas al aguafuerte reforzadas con aguatinta. El aguafuerte era la técnica habitual de los pintores-grabadores en el , pero la combinación con el aguatinta le permitió crear superficies de matizadas sombras merced al uso de resinas de distinta textura, con las que obtuvo una gradación en la escala de grises que le permitió crear una iluminación dramática e inquietante heredada de la obra de Rembrandt. Con estos «asuntos caprichosos» —como los llama Leandro Fernández de Moratín, quien con toda probabilidad redactó el prefacio a la edición—, plenos de invención, se trataba de difundir la ideología de la minoría intelectual de los ilustrados, que incluía un anticlericalismo más o menos explícito. Hay que tener en cuenta que las ideas pictóricas de estas estampas se gestan al menos desde 1796, pues aparecen antecedentes en el "Álbum de Sanlúcar" (o "Álbum A") y en el "Álbum de Madrid" (también llamado "Álbum B").


title: Francisco de Goya

text: La temática de estos grabados se centra principalmente en la brujería y la prostitución, así como el anticlericalismo, las críticas a la Inquisición, la denuncia de las injusticias sociales, de la superstición, de la incultura, los matrimonios por interés y otro tipo de vicios, así como alusiones a la medicina y el arte —como los tópicos del «asno médico» y el «mono pintor»—.


title: Francisco de Goya

text: En los años en que Goya crea los "Caprichos", los ilustrados por fin ocupan puestos de poder: Jovellanos fue desde noviembre de 1797 a agosto de 1798 el máximo mandatario en España; Francisco de Saavedra, amigo del ministro y de ideas avanzadas, ocupó la Secretaría de Hacienda en 1797 y la del Estado del 30 de marzo al 22 de octubre de 1798. El periodo en el que se gestan estas imágenes es propicio para la búsqueda de lo útil en la crítica de los vicios universales y particulares de la España del momento, aunque ya en 1799 comenzó la reacción que obligó a Goya a retirar de la venta las estampas y regalarlas al rey en 1803 curándose en salud.


title: Francisco de Goya

text: El grabado más emblemático de los "Caprichos" —y posiblemente de toda la obra gráfica goyesca— es el que inicialmente iba a ser el frontispicio de la obra y en su publicación definitiva sirvió de bisagra entre una primera parte dedicada a la crítica de costumbres de una segunda más inclinada a explorar la brujería y la noche a que da inicio el capricho n.º 43, «El sueño de la razón produce monstruos». Desde su primer dibujo preparatorio, de 1797 (titulado en el margen superior como «Sueño 1º»), se representaba al propio autor soñando, y aparecía en ese mundo onírico una visión de pesadilla, con su propia cara repetida junto a cascos de caballos, cabezas fantasmales y murciélagos. En la estampa definitiva quedó la leyenda en el frontal de la mesa donde se apoya el hombre vencido por el sueño que entra en el mundo de los monstruos una vez apagado el mundo de las luces.


title: Francisco de Goya

text: "Los caprichos" inauguró una senda en la que el artista aragonés profundizó en sus pensamientos y sentimientos más íntimos y en la que reflexionó sobre todos los aspectos sociales y culturales de su tiempo, un ciclo que prosiguió con otras series de grabados como "Los desastres de la guerra" y "Los disparates". Su temática satírica, con gusto por lo macabro, lo grotesco, lo demoníaco, es la antítesis del clasicismo imperante en su época, pero a la vez su complemento, ya que hace aflorar la hipocresía inherente a la moral dieciochesca. Es una visión que preludia el romanticismo, pero un romanticismo alejado de la vía oficial, que solo tiene parangón en otros dos artistas visionarios: William Blake y Johann Heinrich Füssli.


title: Francisco de Goya

text: Con estos grabados, en los que se percibe la influencia directa de varios artistas gráficos, especialmente Rembrandt, Jacques Callot y Giambattista Tiepolo, Goya encontró una libertad de la que carecía con sus obras por encargo. Se percibe en estas imágenes mayor soltura y fluidez, sin duda disfruta de su creación artística y se despierta su vena irónica e irreverente. Pese a todo, no renunció a sus encargos y su posición como pintor del rey, de hecho durante toda su carrera se preocupó de mantener su estatus social, de tener una seguridad que le permitiese vivir con comodidad. Prueba de esta preocupación es que hacia finales de siglo cambió su nombre de Francisco Goya a Francisco de Goya.


title: Francisco de Goya

text: Antes de que finalizara el Goya aún pintó tres series de cuadros de pequeño formato que insisten en el misterio, la brujería, la noche e incluso la crueldad y están relacionados temáticamente con los primeros cuadros de capricho e invención pintados tras su enfermedad de 1793.


title: Francisco de Goya

text: En primer lugar se encuentran dos lienzos encargados por los duques de Osuna para su finca de la Alameda que se inspiran en el teatro de la época. Son los titulados "El convidado de piedra" —actualmente en paradero desconocido, e inspirado en un momento de una versión de "Don Juan" de Antonio de Zamora: "No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague"— y "La lámpara del diablo", una escena de "El hechizado por fuerza" que recrea un momento del drama homónimo del citado dramaturgo en el que un pusilánime supersticioso intenta que no se le apague un candil convencido de que si ocurre morirá. Ambos realizados entre 1797 y 1798, representan escenas teatrales caracterizadas por la presencia del temor ante la muerte aparecida como una personificación terrorífica y sobrenatural.


title: Francisco de Goya

text: En junio de 1798 Goya presentó al duque la «Cuenta de seis cuadros de composición de asuntos de brujas, que están en Alameda, seis mil reales de vellón» por los cuadros con temas brujeriles que completaban la decoración de la quinta del Capricho: "La cocina de los brujos", "Vuelo de brujas" (1797), "El conjuro" (o "Las brujas") y "El aquelarre", en el que unas mujeres de rostros avejentados y deformes situadas en torno a un gran macho cabrío —imagen del demonio—, le entregan como alimento niños vivos. Un cielo melancólico —esto es, nocturno y lunar— ilumina la escena.


title: Francisco de Goya

text: Este tono se mantiene en toda la serie, que pudo ser concebida como una sátira ilustrada de las supersticiones populares, aunque estas obras no están exentas de ejercer una atracción típicamente prerromántica en relación con los tópicos anotados por Edmund Burke en "Indagación filosófica sobre el origen de nuestras ideas acerca de lo sublime y de lo bello" (1756) acerca de «lo sublime terrible».


title: Francisco de Goya

text: Es difícil dilucidar si estos lienzos sobre temas de brujos y brujas tienen intención satírica, como ridiculización de falsas supersticiones, en la línea de las declaradas al frente de "Los caprichos" y el ideario ilustrado, o por el contrario responden al propósito de transmitir emociones inquietantes, producto de los maleficios, hechizos y ambiente lúgubre y terrorífico que será propio de etapas posteriores. A diferencia de las estampas, aquí no hay lemas que nos guíen y los cuadros mantienen una ambigüedad interpretativa, no exclusiva, por otra parte, de esta temática. Tampoco en su acercamiento al mundo taurino Goya nos da suficientes indicios para decantarse por una visión crítica o por la del entusiasta aficionado a la tauromaquia que era en su juventud, a juzgar por sus propios testimonios epistolares.


title: Francisco de Goya

text: Mayores contrastes de luz y sombra muestran una serie de pinturas que relatan un suceso contemporáneo: el que se llamó «crimen del Castillo». Francisco del Castillo fue asesinado por su esposa María Vicenta y su amante y primo Santiago Sanjuán. Posteriormente, estos fueron detenidos, juzgados en un proceso que se hizo célebre por la elocuencia de la acusación fiscal (a cargo de Meléndez Valdés, poeta ilustrado del círculo de Jovellanos y amigo de Goya), y ejecutados el 23 de abril de 1798 en la plaza Mayor de Madrid. El artista, al modo en que lo hacían las aleluyas que solían relatar los ciegos acompañándose de viñetas, recrea el homicidio en dos pinturas tituladas "La visita del fraile" (o "El Crimen del Castillo I") e "Interior de prisión" ("El Crimen del Castillo II"), pintadas antes de 1800. En ella aparece el tema de la cárcel que, como el del manicomio, fue motivo constante del arte goyesco y que le permitía dar expresión a los aspectos más sórdidos e irracionales del ser humano, emprendiendo un camino que culminará en las "Pinturas negras".


title: Francisco de Goya

text: Hacia 1807 volvió a este modo de historiar sucesos a manera de aleluyas en la recreación de la historia de "Fray Pedro de Zaldivia y el bandido Maragato" en seis cuadros o viñetas.


title: Francisco de Goya

text: Hacia 1797 Goya trabajó en la decoración mural con pinturas sobre la vida de Cristo para el Oratorio de la Santa Cueva de Cádiz. En ellas se aleja de la iconografía habitual para presentar pasajes como "La multiplicación de los panes y los peces" y la "Última Cena" desde una perspectiva más humana. Otro encargo, esta vez de parte de la catedral de Toledo, para cuya sacristía pintó al óleo un "Prendimiento de Cristo" en 1798, supone un homenaje a "El Expolio" del Greco en su composición y a la iluminación focalizada de Rembrandt. Ese mismo año, de muy intensa actividad, pintó por encargo de Carlos IV los frescos de la ermita de San Antonio de la Florida, la obra cumbre de su pintura mural, en la que pudo sentirse arropado por sus amigos Jovellanos, Saavedra y Ceán Bermúdez —tras la amarga experiencia del Pilar— para desarrollar su técnica e ideas con libertad. Perdida la Real Orden que contuviese el encargo, se ha conservado una "memoria" de los gastos ocasionados por los materiales empleados en su pintura y por el importe del alquiler de un coche para el desplazamiento diario de Goya «para la obra de la capilla de San Antonio de la Florida, que ha pintado de Real Orden de S. M. en este año de 1798». De ella puede deducirse que trabajó en los frescos, con ayuda de Asensio Juliá, de junio a octubre de 1798. Son muchas las innovaciones que introdujo: desde el punto de vista temático, bajo el anillo de la cúpula situó en la bóveda del ábside –con la "Adoración de la Trinidad"–, los intradoses de los arcos, las pechinas y los lunetos, gran cantidad de ángeles niños, con alas de mariposa, y ángelas jóvenes descorriendo pesados cortinajes para que el milagro que ocurre en la media naranja se haga visible. Por encima de la cornisa, llenó la cúpula con la representación de uno de los milagros de san Antonio de Padua, que no es de los más representados en la iconografía del "santo milagrero": la resurrección de un muerto para que testifique en favor del padre del santo, injustamente acusado de asesinato. Asisten al milagro tras una barandilla anular no menos de cincuenta personajes con actitudes y expresiones variadas, en su mayor parte procedentes de las capas más humildes de la sociedad, sobre los que destaca, erguido sobre un pequeño montículo, el santo franciscano. Ese papel predominante que Goya otorga a majas y chisperos como testigos del milagro, medio por el que podría haber buscado persuadir del milagro a cualquiera que se acercase a contemplar la obra de arte, ha sido interpretado también, en ocasiones negativamente, como muestra del carácter profano de la composición.


title: Francisco de Goya

text: La composición dispone un friso de figuras contenidas por una barandilla en trampantojo, y el realce de los grupos y los protagonistas de estos se resuelve mediante zonas más elevadas, como la del propio santo, o el personaje que enfrente alza los brazos al cielo. No hay estatismo, todas las figuras se relacionan dinámicamente. Un pilluelo se encarama en la barandilla, la mortaja está apoyada en ella como sábana secándose tendida al sol. Un paisaje de la sierra madrileña, cercano al del costumbrismo de los cartones, constituye el fondo de toda la cúpula.


title: Francisco de Goya

text: Pero es en su técnica, de ejecución firme y rápida, con pinceladas enérgicas que resaltan las luces y los brillos, y en el modo como resuelve los volúmenes con rabiosos toques abocetados que, a la distancia con que el espectador los contempla, adquieren una consistencia notable, donde se observa la prodigiosa maestría de Goya y hace de estos frescos la «Capilla Sixtina del », según los calificó Severo Ochoa en una serie de artículos en el diario "ABC", al tiempo que denunciaba el estado de abandono en que se encontraban.


title: Francisco de Goya

text: En 1800 recibió el encargo de tres cuadros de altar para la iglesia de San Fernando en Monte Torrero (Zaragoza), destruidos en 1808: "Santa Isabel de Portugal cuidando a un enfermo", "Aparición de san Isidoro a Fernando III el Santo" y "San Hermenegildo en la prisión". Según Jovellanos, destacaban por su «fuerza de claroscuro, belleza inimitable de colorido y cierta magia de las luces y de los tonos cuales ningún otro pincel parece poder alcanzar». Subsisten los bocetos, dos en el Museo Lázaro Galdiano y otro en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.


title: Francisco de Goya

text: En 1800 Goya recibió el encargo de pintar un gran cuadro de grupo de la familia real, que se materializó en "La familia de Carlos IV". Siguiendo el antecedente de "Las Meninas" de Velázquez, dispuso a la realeza en una estancia del palacio situándose el pintor a la izquierda pintando un gran lienzo en un espacio en penumbra. Sin embargo, la profundidad del espacio del cuadro velazqueño queda aquí truncada por una pared próxima en la que vemos dos grandes cuadros de motivo indefinido. En Goya el juego de perspectivas desaparece y la familia real simplemente posa. No sabemos qué cuadro está pintando el artista y, aunque se ha pensado que la familia se sitúa frente a un espejo que Goya contempla, lo cierto es que no hay pruebas de tal conjetura. Más bien al contrario, la luz ilumina directamente al grupo, por lo que desde el frente del cuadro debería haber una ventana o un espacio diáfano y, en todo caso, la luz de un espejo difuminaría la imagen. No es el caso, pues la pincelada impresionista de Goya aplica destellos en las ropas que dan una ilusión perfecta de la calidad de los tejidos de las vestiduras y de las condecoraciones y joyas de los miembros de la realeza. En esta obra parece otorgar un orden protocolario a la iluminación, desde la más potente centrada en los reyes en la parte central, pasando por la más tenue del resto de la familia hasta la penumbra en que se autorretrata el propio artista en la esquina izquierda.


title: Francisco de Goya

text: Alejado de las representaciones más oficiales —los personajes visten trajes de gala, pero no portan símbolos de poder ni aparecen, como era habitual en otras representaciones, enmarcados entre cortinajes a modo de palio—, se da prioridad a mostrar una idea de la educación basada en el cariño y la activa participación de los padres, lo que no siempre era usual en la realeza. La infanta María Luisa lleva su hijo, Carlos Luis muy cerca del pecho, lo que evoca la lactancia materna; Carlos María Isidro abraza a su hermano Fernando en un gesto de ternura. El ambiente es distendido, cual un interior plácido y burgués.


title: Francisco de Goya

text: En otoño de 1799 ejecutó también otra serie de retratos de los reyes: "Carlos IV cazador", "María Luisa con mantilla", "Carlos IV a caballo", "María Luisa a caballo", "Carlos IV en uniforme de coronel de la guardia de corps" y "María Luisa con traje de corte".


title: Francisco de Goya

text: También retrató a Manuel Godoy, el hombre más poderoso de España tras el rey en estos años. En 1794, cuando era duque de Alcudia, había pintado un pequeño boceto ecuestre de él. En 1801 aparece representado en la cumbre de su poder, tras haber vencido en la guerra de las Naranjas —la bandera portuguesa testimonia su victoria—, y lo pinta en campaña como generalísimo del ejército y «Príncipe de la paz», pomposos títulos otorgados a resultas de su actuación en la guerra contra Francia. El "Retrato de Manuel Godoy" muestra una caracterización psicológica incisiva. Figura como un arrogante militar que descansa de la batalla en posición relajada, rodeado de caballos y con un fálico bastón de mando entre sus piernas. No parece destilar mucha simpatía por el personaje y a esta interpretación se suma el que Goya podría ser partidario en esta época del príncipe de Asturias, que luego reinaría como Fernando VII, entonces enfrentado al favorito del rey.


title: Francisco de Goya

text: Es habitual considerar que Goya conscientemente degrada a los representantes del conservadurismo político que retrataba, pero tanto Glendinning como Bozal matizan este extremo. Sin duda sus mejores clientes se veían favorecidos en sus cuadros y a esto debía el aragonés gran parte de su éxito como retratista. Siempre consiguió dotar a sus retratados de una apariencia vívida y un parecido que era muy estimado en su época y es precisamente en los retratos reales donde más obligado estaba a guardar el decoro debido y representar con dignidad a sus protectores.


title: Francisco de Goya

text: En estos años produjo los que quizá sean sus mejores retratos. No solo se ocupó de aristócratas y altos cargos, sino que abordó toda una galería de personajes destacados de las finanzas y la industria y, sobre todo, son señalados sus retratos de mujeres. Ellas muestran una decidida personalidad y están alejadas de la tópica imagen de cuerpo entero en un paisaje rococó de artificiosa belleza. Ejemplos de esta presencia de los incipientes valores burgueses son el "Retrato de Tomás Pérez de Estala" (un empresario textil), el de "Bartolomé Sureda" —industrial dedicado a los hornos de cerámica— y su mujer "Teresa", el de "Sabasa García", de "María Antonia Gonzaga, marquesa viuda de Villafranca" (h.1795) o la "Marquesa de Santa Cruz" —neoclásico de los años del estilo Imperio—, conocida por sus aficiones literarias. Por encima de todos se encuentra el busto de "Isabel de Porcel", que prefigura todo el retrato decimonónico, romántico o burgués. Pintados en torno a 1805, los aditamentos de poder asociados a los personajes de estas obras se reducen al mínimo, en favor de una prestancia humana y cercana, que destaca las cualidades naturales de los retratados. Incluso en los retratos aristocráticos desaparecen las fajas, bandas y medallas con que habitualmente se veían representados. En "La XII marquesa de Villafranca pintando a su marido" (1804) la protagonista, María Tomasa Palafox y Portocarrero, quien el año siguiente será nombrada académica de mérito de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, aparece pintando un cuadro de su marido y la actitud con que la representa Goya es toda una declaración de principios en favor de la capacidad intelectual y creativa de la mujer.


title: Francisco de Goya

text: Del "Retrato de Isabel Porcel" asombra el gesto de fuerte carácter, de «gallardía», en actitud «desenfadada», que hasta entonces no había aparecido en la pintura de género de retrato femenino con la excepción, quizá, del de la duquesa de Alba. Pero en este ejemplo la dama no pertenece a la Grandeza de España, ni siquiera a la nobleza. El dinamismo, pese a la dificultad que entraña en un retrato de medio cuerpo, está plenamente conseguido gracias al giro del tronco y los hombros, al del rostro orientado en sentido contrario al del cuerpo, a la mirada dirigida hacia el lateral del cuadro y a la posición de los brazos, firmes y en jarras. El cromatismo es ya el de las "Pinturas negras", pero con solo negros y algún ocre y rosado consigue matices y veladuras de gran efecto. La belleza y aplomo con que se retrata a este nuevo modelo de mujer ha superado con mucho los estereotipos femeninos del siglo anterior.


title: Francisco de Goya

text: Cabe mencionar otros retratos notables de estos años, como los de "María de la Soledad Vicenta Solís, condesa de Fernán Núñez" y su marido, de noble apostura, ambos de 1803; el de "María Gabriela Palafox y Portocarrero, marquesa de Lazán" (h.1804, colección de los duques de Alba), vestida a la moda napoleónica y pintada con una gran carga de sensualidad, el de "José María Magallón y Armendáriz, marqués de San Adrián", intelectual aficionado al teatro y amigo de Leandro Fernández de Moratín, que posa con aire romántico, y el de su mujer, la actriz "María de la Soledad, marquesa de Santiago".


title: Francisco de Goya

text: También retrató a arquitectos —ya hizo un retrato en 1786 de Ventura Rodríguez—, como Isidro González Velázquez (1801) y, sobre todo, destaca el magnífico de Juan de Villanueva (1800-1805), en el que Goya capta un instante de tiempo y da al gesto una verosimilitud de precisión realista.


title: Francisco de Goya

text: Si bien los primeros retratos de estos años aún denotan su estilo tardobarroco poco a poco fue evolucionando hacia un mayor realismo y rigor clasicista por influencia de los cambios operados en Francia por Jacques-Louis David. Este neoclasicismo se percibe especialmente en "Bartolomé Sureda" e "Isabel de Porcel".


title: Francisco de Goya

text: En 1802 solicitó el puesto de director de la Academia de San Fernando, que, sin embargo, fue asignado a Gregorio Ferro. En 1805 se casó su hijo Javier con Gumersinda de Goicoechea; al parecer, en el transcurso del enlace conoció a Leocadia Zorrilla —a veces llamada Leocadia Weiss por su apellido de casada—, pariente de la novia, que más tarde sería su ama de llaves; se ha especulado que también pudo ser su amante, aunque no hay pruebas de ello. En 1806 nació su primer nieto, Mariano.


title: Francisco de Goya

text: "La maja desnuda", obra de encargo pintada entre 1790 y 1800, formó con el tiempo pareja con el cuadro "La maja vestida", datada entre 1802 y 1805, probablemente a requerimiento de Manuel Godoy, pues consta que formaron parte de un gabinete de su casa. La primacía temporal de "La maja desnuda" indica que, en el momento de ser pintado, el cuadro no estaba pensado para formar pareja.


title: Francisco de Goya

text: En ambas pinturas se retrata de cuerpo entero a una misma hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho y mirando directamente al observador. No se trata de un desnudo mitológico, sino de una mujer real, contemporánea de Goya, e incluso en su época se le llamó «la Gitana». Se representa en "La maja desnuda" un cuerpo concreto inspirado, tal vez, en el de la duquesa de Alba. Es sabido que el aragonés pintó varios desnudos femeninos en el "Álbum de Sanlúcar" y el "Álbum de Madrid" al amparo de la intimidad con Cayetana que reflejan su anatomía. Rasgos como la esbelta cintura y los pechos separados coinciden con su apariencia física. Sin embargo, el rostro es una idealización, casi un bosquejo —se incorpora casi como un falso añadido— que no representa el rostro de ninguna mujer conocida de la época. En todo caso, se ha sugerido que este retrato podría haber sido el de la amante de Godoy, Pepita Tudó.


title: Francisco de Goya

text: Se ha especulado con que la retratada sea la duquesa de Alba porque, a la muerte de Cayetana en 1802, todos sus cuadros pasaron a propiedad de Godoy, a quien se sabe que pertenecieron las dos "majas". El generalísimo tenía en su haber otros desnudos, como la "Venus del espejo" de Velázquez o una "Venus" de Tiziano. Sin embargo no hay pruebas definitivas ni de que este rostro pertenezca al de la duquesa ni de que no hubiera podido llegar la "Maja desnuda" a Godoy por otros caminos, incluso el de un encargo directo a Goya.


title: Francisco de Goya

text: Gran parte de la fama de estas obras se debe a la polémica que siempre han suscitado, tanto respecto de a quién se debió su encargo inicial como a la personalidad de la retratada. En 1845 Louis Viardot publicó en "Musées d'Espagne" que la representada era la duquesa y, a partir de esta noticia, la discusión crítica no ha dejado de plantear esta posibilidad. Joaquín Ezquerra del Bayo, en su libro "La Duquesa de Alba y Goya" afirmó en 1928, basándose en la similitud de postura y dimensiones de las dos majas, que estaban dispuestas de modo que, mediante un ingenioso mecanismo, la maja vestida cubriera a la desnuda como un juguete erótico del gabinete más secreto de Godoy. Se sabe que el duque de Osuna, en el , utilizó este procedimiento con un cuadro que, por medio de un resorte, dejaba ver otro de un desnudo. El cuadro permaneció oculto hasta 1910. Como desnudo erótico que no se acoge a justificación iconográfica alguna, causó un proceso inquisitorial a Goya en 1815, del cual salió absuelto merced a la influencia de algún amigo poderoso.


title: Francisco de Goya

text: Este es uno de los primeros desnudos donde se aprecia con nitidez el vello púbico y es uno de los primeros casos de desnudo no justificado por ningún tema histórico, mitológico o religioso, simplemente una mujer desnuda, anónima, a la que vemos en su intimidad, con un cierto aire de voyeurismo. Es una desnudez orgullosa, casi desafiante, la maja mira al espectador directamente, con aire pícaro, juguetón, ofreciendo la belleza sinuosa de su cuerpo para deleite del espectador.


title: Francisco de Goya

text: Desde el punto de vista meramente plástico, la calidad de su carnación y la riqueza cromática de las telas son los rasgos más notables. La concepción compositiva es neoclásica, lo que no ayuda gran cosa al establecimiento de una datación precisa. De cualquier modo, los numerosos enigmas que recaban estas obras las han convertido en objeto de atención permanente.


title: Francisco de Goya

text: En relación a estos temas se podrían situar varias escenas de violencia extrema que en la exposición organizada por el Museo del Prado en 1993-1994 titulada "Goya, el capricho y la invención" fueron datadas entre 1798 y 1800, si bien Glendinning y Bozal se inclinan por retrasar las fechas hasta un periodo comprendido entre 1800 y 1814, como por demás tradicionalmente se venía haciendo, por motivos estilísticos —técnica de pincelada más abocetada, menor iluminación de los rostros y atención a destacar las figuras alumbrando las siluetas— y temáticos —su relación con "Los desastres de la guerra" fundamentalmente—.


title: Francisco de Goya

text: Se trata de escenas en las que se presencian violaciones, asesinatos a sangre fría y a bocajarro o escenas de canibalismo: "Bandidos fusilando a sus prisioneras" (o "Asalto de bandidos I"), "Bandido desnudando a una mujer" ("Asalto de bandidos II"), "Bandido asesinando a una mujer" ("Asalto de bandidos III"), "Caníbales preparando a sus víctimas" y "Caníbales contemplando restos humanos". Los dos de canibalismo hacen referencia al martirio de los santos Juan de Brébeuf y Gabriel Lalemant por los iroqueses.


title: Francisco de Goya

text: En todos ellos aparecen horribles crímenes perpetrados en cuevas oscuras, que en muchos casos contrastan con la luz cegadora de la boca de luz blanca radiante, que podría simbolizar el anhelado espacio de la libertad.


title: Francisco de Goya

text: El paisaje es inhóspito, desértico. Los interiores indefinidos no se sabe si son salas de hospicios o manicomios, sótanos o cuevas, y tampoco está clara la anécdota —enfermedades contagiosas, latrocinios, asesinatos o estupros a mujeres, sin que se sepa si son consecuencias de una guerra— o la naturaleza de los personajes. Lo cierto es que viven marginados de la sociedad o que están indefensos ante las vejaciones. No hay consuelo para ellos, como sí ocurría en las novelas y grabados de la época.


title: Francisco de Goya

text: El periodo que media entre 1808 y 1814 está presidido por acontecimientos turbulentos para la historia de España, pues a partir del motín de Aranjuez Carlos IV se vio obligado a abdicar y Godoy a abandonar el poder. Tras el levantamiento del Dos de Mayo dio comienzo la llamada guerra de la Independencia contra las tropas invasoras del emperador francés Napoleón Bonaparte. El estallido de la guerra pilló a Goya trabajando en un "Retrato ecuestre de Fernando VII" que le había encargado la Academia de San Fernando. En octubre viajó a Zaragoza llamado por José de Palafox, viaje en el que presenció varios hechos de armas que le inspiraron los "Desastres de la guerra".


title: Francisco de Goya

text: Goya, pintor de la corte, no perdió nunca su cargo, pero no por ello dejó de tener preocupaciones a causa de sus relaciones con los ilustrados afrancesados. Sin embargo, su adscripción política no puede ser aclarada con los datos de que se disponen hasta el momento. Al parecer no se significó por sus ideas, al menos públicamente, y si bien muchos de sus amigos tomaron decidido partido por José I Bonaparte, instalado en el trono español por su hermano Napoleón, no es menos cierto que tras la vuelta de Fernando VII continuó pintando numerosos retratos reales. Sin embargo, el 11 de marzo de 1811 recibió de José Bonaparte la Real Orden de España.


title: Francisco de Goya

text: Su aportación más decisiva en el terreno de las ideas es la denuncia que realiza, en Los desastres de la guerra, de las terribles consecuencias sociales de todo enfrentamiento armado y de los horrores sufridos en toda guerra de cualquier época y lugar por los ciudadanos, independientemente del resultado y del bando en el que se produzcan. Para esta serie, es probable que Goya se inspirara en la serie de 18 aguafuertes Les Misères et les Malheurs de la guerre (1633) del francés Jacques Callot.


title: Francisco de Goya

text: Es también el tiempo de la aparición de la primera Constitución española y, por tanto, del primer gobierno liberal, que acabó por traer consigo el fin de la Inquisición y de las estructuras del Antiguo Régimen. Poco se sabe de la vida personal de Goya durante estos años: el 20 de junio de 1812 murió su esposa, Josefa Bayeu. En aquella ocasión se hizo un inventario de sus bienes para efectuar el reparto con su hijo Javier: aparte de muebles, enseres domésticos y algunas joyas, y además de cuadros, dibujos y grabados del propio artista, hay constancia de que poseía dos cuadros de Tiepolo y varios grabados de Wouwerman, Rembrandt, Perelle y Piranesi, además de otros autores. También pasó a Javier una casa en la calle de Valverde de Madrid. La valoración total de sus bienes fue de 357728 reales.


title: Francisco de Goya

text: Tras enviudar, Goya entabló relación con Leocadia Zorrilla, separada de su marido —Isidoro Weiss— en 1811, con la que convivió hasta su muerte, y de la que pudo tener descendencia en Rosario Weiss, aunque la paternidad de Goya no ha sido dilucidada.


title: Francisco de Goya

text: El otro dato seguro que se ha transmitido de Goya es su viaje a Zaragoza en octubre de 1808, tras el primer sitio de Zaragoza, a requerimiento de José Palafox y Melci, general del contingente armado que resistió el asedio francés. La derrota en la batalla de Tudela de las tropas españolas a fines de noviembre de 1808 llevó a Goya a marchar a Fuendetodos y más tarde a Renales (Guadalajara), para pasar el fin de ese año y los primeros meses de 1809 en Piedrahíta (Ávila). Es allí —o en sus cercanías— donde con probabilidad pintó el retrato de Juan Martín, el Empecinado, que se hallaba en Alcántara (Cáceres). En mayo de ese año Goya regresó a Madrid, tras el decreto de José Bonaparte por el que se instaba a los funcionarios de la corte a volver a sus puestos so pena de perderlos. José Camón Aznar señala que la arquitectura y paisajes de algunas de las estampas de "Los desastres de la guerra" remiten a sucesos que contempló en Zaragoza y otras zonas de Aragón en dicho viaje.


title: Francisco de Goya

text: La situación de Goya tras la Restauración absolutista era delicada. Había pintado retratos de generales y políticos franceses revolucionarios, y también del rey José I. Pese a que podía aducir que el Bonaparte había ordenado que todos los funcionarios reales se pusieran a su disposición, a partir de 1814, para congraciarse con el régimen fernandino, pintó cuadros que deben considerarse patrióticos, como el citado "Retrato ecuestre del general Palafox" (1814, Museo del Prado), cuyos apuntes pudo tomar en el mencionado viaje que le llevó a la capital aragonesa, o los retratos del propio Fernando VII. Aunque este periodo no fue tan prolífico como el de la última década del su producción no dejó de ser abundante tanto en pinturas como en dibujos y estampas, cuya serie central en estos años fue la de "Los desastres de la guerra", aunque se publicaría mucho más tarde. De 1814 datan también sus obras más ambiciosas acerca de los sucesos que desencadenaron la guerra: "El dos" y "El tres de mayo de 1808" (o "La carga de los mamelucos" y "Los fusilamientos del tres de mayo", nombres con los que respectivamente son también conocidas dichas obras).


title: Francisco de Goya

text: El programa de Godoy para la primera década del no dejó de ser reformista e ilustrado, como muestran cuatro tondos encargados a Goya como representación alegórica del progreso ("Alegoría de la Industria", "Alegoría de la Agricultura", "Alegoría del Comercio" y el desaparecido "Alegoría de la Ciencia", 1804-1806) y que decoraban una sala de espera de la residencia del primer ministro. El primero de ellos es un ejemplo del atraso en la concepción de la producción industrial que se tenía aún en España. Más que a la clase obrera, remite a "Las Hilanderas" de Velázquez y las dos ruecas que aparecen evocan un modelo de producción artesanal. Para este palacio pudo también pintar otras dos alegorías: "La Poesía" y "La Verdad, el Tiempo y la Historia", que aluden a la idea ilustrada de la puesta en valor de la cultura escrita como fuente de todo progreso.


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text: La "Alegoría de la villa de Madrid" (1810) es un ejemplo de las transformaciones que sufrieron las obras de este género al albur de los sucesivos cambios políticos de este periodo. En principio aparecía en el óvalo de la derecha el retrato de José I Bonaparte, y en la composición la figura femenina que representa a Madrid —acompañada de la Victoria y la Fama— no aparece claramente subordinada al rey, que está algo más al fondo. Ello reflejaría el orden constitucional, en que el pueblo, la villa, rinde al monarca fidelidad —simbolizada por el perro que a sus pies apunta hacia el rey—, pero no se subordina a él. En 1812, con la primera huida de los franceses de Madrid ante el avance del ejército inglés, el óvalo quedó cubierto por la palabra «Constitución», alusiva a la de 1812, pero el regreso de José Bonaparte en noviembre obligó de nuevo a pintar su retrato. Su marcha definitiva devolvió el lema «Constitución» a la obra y en 1823, con el fin del Trienio Liberal, Vicente López pintó el retrato del rey Fernando VII. En 1843, finalmente, se volvió a hacer desaparecer para sustituirlo por el lema «El libro de la Constitución» y posteriormente por el que se contempla actualmente de «Dos de mayo».


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text: Dos cuadros de raigambre costumbrista, que se conservan en el Museo de Bellas Artes de Budapest, representan al pueblo trabajador. Son "La aguadora" y "El afilador", y se pueden datar entre 1808 y 1812. Si bien se consideraron en un principio tipos de los que aparecían en estampas o en tapices, y se fecharon hacia 1790, más tarde se resaltó la vinculación con las actividades de la retaguardia durante la guerra, unos anónimos patriotas que afilan cuchillos y ofrecen apoyo logístico. Sin llevar al extremo esta última interpretación —no hay en estas obras ninguna referencia bélica y estuvieron catalogados aparte de la serie que se calificó de "Horrores de la guerra" en el inventario realizado tras el fallecimiento de su mujer Josefa Bayeu—, destacan por el ennoblecimiento con que aparece representada la clase trabajadora. La aguadora se contempla desde un punto de vista bajo que contribuye a enaltecer su figura, con una monumentalidad que remite a la iconografía clásica, ahora aplicada a los oficios humildes.


title: Francisco de Goya

text: Relacionada con estas obras está "La fragua" (colección Frick, Nueva York, 1812-1816), pintado en gran medida con espátula. La técnica abunda asimismo en rápidas pinceladas, la iluminación acusa un contrastado claroscuro y el movimiento se hace efectivo con un gran dinamismo. Los tres hombres podrían representar a las tres edades —jóvenes, maduros y ancianos— trabajando al unísono en defensa de la nación durante la guerra de la Independencia.


title: Francisco de Goya

text: En la línea de esta pintura hecha al parecer para sí, cuadros de gabinete con los que satisfacía sus inquietudes personales, están varios cuadros de temas literarios —como el "Lazarillo de Tormes"—, de costumbres —como "Maja y celestina al balcón" y "Majas en el balcón"— y decididamente satíricos —como "Las viejas", una alegoría acerca de la hipocresía en la vejez, o "Las jóvenes", conocido también como "Lectura de una carta"—. En ellos la técnica es la ya acabada en Goya, de toque suelto y trazo firme, y el significado incluye desde la presentación del mundo de la marginación hasta la sátira social, como sucede en "Las viejas". En estos dos últimos cuadros aparece el gusto entonces reciente por un nuevo verismo naturalista en la línea de Murillo, que se alejaba definitivamente de las prescripciones idealistas de Mengs. Se sabe que en un viaje que los reyes hicieron a Andalucía en 1796 adquirieron para las colecciones reales un óleo del sevillano, "El piojoso", donde un pícaro se espulga.


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text: "Las viejas" es una alegoría del Tiempo, personaje que se figura como un anciano a punto de descargar un cómico escobazo sobre una mujer muy avejentada que se mira a un espejo que le muestra una criada muy caricaturizada de rostro cadavérico. En el reverso del espejo se lee la frase «¿Qué tal?», que funciona como bocadillo de una historieta actual. En "Las jóvenes", que se vendió como pareja de este, el énfasis radica en las desigualdades sociales. No solo de la protagonista, atenta solo a sus amores, con respecto a su criada, cuya tarea es protegerla del sol con una sombrilla, sino que el fondo se puebla de lavanderas que trabajan a la intemperie arrodilladas. Ciertas láminas del "Álbum E" —"Útiles trabajos", donde aparecen las lavanderas, o "Esta pobre aprovecha el tiempo", en el que una mujer de humilde condición social encierra el ganado al tiempo que hila— se relacionan con la observación de costumbres y la atención a las ideas de reforma social propias de estos años. Hacia 1807 pintó, como se dijo, una serie de seis cuadros de carácter costumbrista que narra una historia al modo de las viñetas de las aleluyas: "Fray Pedro de Zaldivia y el bandido Maragato", donde la narración en escenas sucesivas prefigura en cierta manera la historieta actual.


title: Francisco de Goya

text: En "El coloso", cuadro atribuido a Goya hasta junio de 2008, en que el Museo del Prado emitió un informe en el que afirmaba que el cuadro era obra de su discípulo Asensio Juliá —si bien concluyó determinando, en enero de 2009, que su autoría pertenece a un discípulo de Goya indeterminado, sin poder dilucidar que se tratase de Juliá—, un gigante se yergue tras unos montes, en una alegoría ya decididamente romántica. En el valle una multitud huye en desorden. La obra ha dado lugar a diversas interpretaciones. Nigel Glendinning afirma que el cuadro está basado en un poema patriótico de Juan Bautista Arriaza llamado «Profecía del Pirineo».


title: Francisco de Goya

text: En él se presenta al pueblo español como un gigante surgido de los Pirineos para oponerse a la invasión napoleónica. El motivo fue habitual en la poesía patriótica de la guerra de la Independencia, por ejemplo en la poesía patriótica de Quintana "A España, después de la revolución de marzo", en la que sombras enormes de héroes españoles —entre las que se encuentran Fernando III, el Gran Capitán y el Cid— animan a la resistencia.


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text: Su voluntad de luchar sin armas, con los brazos, como expresa el propio Arriaza en su poema "Recuerdos del Dos de Mayo" («De tanto joven que sin armas, fiero / entre las filas se le arroja audaz»), incide en el carácter popular de la resistencia, en contraste con el terror del resto de la población, que huyen despavoridos en múltiples direcciones, originando una composición orgánica típica del romanticismo, en función de los movimientos y direcciones procedentes de las figuras del interior del cuadro, en lugar de la mecánica, propia del neoclasicismo, impuesta por ejes de rectas formadas por los volúmenes y debidas a la voluntad racional del pintor. Las líneas de fuerza se disparan para desintegrar la unidad en múltiples recorridos hacia los márgenes.


title: Francisco de Goya

text: El tratamiento de la luz, que podría ser de ocaso, rodea y resalta las nubes que circundan la cintura del coloso, como describe el poema de Arriaza («Cercaban su cintura / celajes de occidente enrojecidos»). Esa iluminación sesgada, interrumpida por las moles montañosas, aumenta la sensación de falta de equilibrio y desorden.


title: Francisco de Goya

text: Entre los bienes relacionados en el inventario de 1812 a la muerte de su mujer Josefa Bayeu, se citan doce bodegones. De ellos destacan el "Bodegón con costillas, lomo y cabeza de cordero" (París, Museo del Louvre), el "Bodegón con pavo muerto" (Madrid, Prado) y "Pavo pelado y sartén" (Múnich, Alte Pinakothek). Todos ellos se suelen datar a partir de 1808 por razones de estilo y porque durante la guerra la producción de encargo de Goya se vio reducida, lo que pudo dejar tiempo al pintor para explorar géneros que aún no había trabajado.


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text: Estas naturalezas muertas se desvinculan de la tradición española emprendida por Juan Sánchez Cotán y Juan van der Hamen, cuyo máximo representante en el fue Luis Meléndez. Todos ellos habían presentado un bodegón trascendente, que mostraba la esencia de los objetos no tocados por el tiempo, tal como serían en un estado ideal. Goya dedica su atención, en cambio, a dar cuenta del paso del tiempo, de la degradación y de la muerte. Sus pavos se muestran inertes, los ojos de la cabeza de cordero están vidriados, la carne no está ya en su máximo grado de frescura. Lo que interesa a Goya es dibujar la huella del tiempo en la naturaleza y, en lugar de aislar los objetos y representarlos en su inmanencia, lo que se aprecia es el accidente, el paso de las circunstancias por los objetos, alejados tanto del misticismo como de la simbología de las "vanitas" de Antonio de Pereda o Juan de Valdés Leal.


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text: Otro género que trató entre 1810 y 1812 fue el paisaje. En el inventario de 1812 aparecen ocho cuadros de este género, agrupados generalmente en cuatro «paisajes animados» ("Aldea en llamas", "Huracán" [destruido en 1956], "Asalto de bandidos" y "Baile popular") y cuatro «paisajes con fiestas populares» ("La cucaña" [dos versiones], "Procesión en Valencia" y "Corridas en Plaza Partida"). Estos cuadros fueron vendidos en subasta en 1866 por Mariano Goya, el cual comentó sobre su realización que el maestro aragonés los había confeccionado con unos cañutos recortados por un extremo, para trabajar mejor los densos empastes de color.


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text: Entre 1813 y 1816 realizó otras tres obras de «paisajes animados»: "Mascarada", "Ataque a una fortaleza sobre una roca" (a veces atribuida a Eugenio Lucas) y "Globo aerostático".


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text: Con motivo de la boda de su único hijo vivo, Javier Goya, con Gumersinda Goicoechea y Galarza en 1805, Goya pintó seis retratos en miniatura de los miembros de la familia de su nuera. Fruto de esta unión nacería un año más tarde el nieto del artista, Mariano Goya. La imagen burguesa que ofrecen estos retratos familiares muestra los cambios que la sociedad española había experimentado desde los cuadros de sus primeros años a estos de mediados de la primera década del . Se conserva también un retrato a lápiz de doña Josefa Bayeu dibujada de perfil del mismo año, muy preciso en los rasgos que definen su personalidad. En él se resaltan el verismo y reciedumbre de su fisonomía y se adelantan las características de los álbumes posteriores de Burdeos.


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text: Durante la guerra la actividad de Goya disminuyó, pero siguió pintando retratos de la nobleza, amigos, militares e intelectuales significados. El viaje a Zaragoza de 1808 pudo originar el retrato de Juan Martín, el Empecinado (1809) y el ecuestre de José de Rebolledo Palafox y Melci, que concluiría en 1814. También estaría en el origen de las estampas de "Los desastres de la guerra".


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text: Su pincel retrató militares tanto franceses ("Retrato del general Nicolas Philippe Guye", 1810, Richmond, Museo de Bellas Artes de Virginia) como ingleses ("Busto de Arthur Wellesley, I duque de Wellington", National Gallery de Londres) y españoles, como el del Empecinado, muy dignificado y vestido con uniforme de capitán de caballería, o los dos retratos del general Ricardos.


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text: Se ocupó también de amigos intelectuales, como Juan Antonio Llorente (hacia 1810-1812, Museo de Arte de São Paulo), que publicó una "Historia crítica de la Inquisición española" en París en 1818 por encargo de José I Bonaparte, quien le condecoró con la Real Orden de España —recién creada por este monarca— con la que aparece retratado en el óleo de Goya; o Manuel Silvela, autor de una "Biblioteca selecta de Literatura española" y un "Compendio de Historia Antigua hasta los tiempos de Augusto", afrancesado, amigo de Goya y de Moratín y exiliado en Francia a partir de 1813. En su retrato, tradicionalmente fechado entre 1809 y 1812, aparece pintado con gran austeridad en el vestir sobre un fondo negro. La luz incide sobre su indumentaria y la sola actitud del personaje basta para mostrar su confianza, seguridad y dotes personales, sin necesidad de recurrir a ornato simbólico alguno. El retrato moderno ya se ha afianzado.


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text: "Fabricación de pólvora" y "Fabricación de balas en la Sierra de Tardienta" (ambas de entre 1810 y 1814, Madrid, Palacio Real) aluden, según rezan sus epígrafes al dorso, a la actividad del zapatero José Mallén, de Almudévar, quien entre 1810 y 1813 organizó una partida guerrillera que actuaba unos cincuenta kilómetros al norte de Zaragoza.


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text: Las pinturas, de pequeño formato, pretenden reflejar una de las actividades más influyentes en el desarrollo de los acontecimientos bélicos. La resistencia civil al invasor fue un esfuerzo colectivo y este protagonismo en igualdad de todo el pueblo es lo que destaca la composición de estos cuadros. Hombres y mujeres se afanan, emboscados entre frondosos árboles que filtran el azul del cielo, en la fabricación de munición para la guerra. El paisaje, ya más romántico que rococó, se caracteriza por la presencia de maleza, de agrestes roquedos y árboles retorcidos.


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text: "Los desastres de la guerra" es una serie de 82 grabados realizada entre los años 1810 y 1815, en la que se da cuenta de toda clase de desgracias vinculadas a la guerra de la Independencia. La serie suele dividirse en dos partes en función del título completo que según Ceán Bermúdez dio Goya al conjunto: "Fatales consequencias de la sangrienta guerra en España con Buonaparte y otros caprichos enfáticos". Así, las primeras estampas serían alusivas a la guerra y los efectos del hambre en Madrid, mientras que los «caprichos enfáticos» —que comenzarían en la estampa n.º 65 o 66— tendrían un significado más político, en el que se critica el absolutismo y la Iglesia.


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text: Entre octubre de 1808 y 1810 Goya dibujó bocetos preparatorios —conservados en el Museo del Prado— y, a partir de estos y sin introducir modificaciones de importancia, comenzó a grabar las planchas entre 1810 —año que aparece en varias de ellas— y 1815. En vida del autor solo se imprimieron dos juegos completos de los grabados, uno de ellos regalado a su amigo y crítico de arte Ceán Bermúdez, pero permanecieron inéditos. La primera edición llegó en 1863, publicada por iniciativa de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.


title: Francisco de Goya

text: La técnica utilizada es el aguafuerte, con alguna aportación de punta seca y aguada. Apenas usa Goya el aguatinta, que era la técnica mayoritariamente empleada en los "Caprichos", debido probablemente también a la precariedad de medios materiales con que contaba el artista para toda la serie de los "Desastres", ejecutada en tiempos de guerra. Goya no disponía de planchas en buen estado, por lo que tuvo que partir algunas ya utilizadas en series anteriores para reutilizarlas.


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text: La serie comienza con "Tristes presentimientos de lo que ha de acontecer", donde aparece una figura arrodillada con los brazos abiertos que recuerda su "Cristo en el Huerto de los Olivos". Se suceden todo tipo de actos violentos, para pasar con la estampa n.º 48 a las escenas de hambre en Madrid. Goya no ahorra nada de patetismo y crueldad, su visión es la contrapuesta a la guerra heroica que muestran los artistas franceses que relatan las campañas napoleónicas —como Antoine-Jean Gros—, y reproduce con detalle todo tipo de ejecuciones (fusilamiento, empalamiento, descuartizamiento, garrote, horca, apaleamiento) con toda crudeza y detallismo, sin ningún atisbo de dignidad humana.


title: Francisco de Goya

text: Un ejemplo del atrevimiento compositivo y formal a que Goya llega en sus grabados lo puede proporcionar la estampa n.º 30, titulada «Estragos de la guerra», que ha sido vista como un precedente del "Guernica" de Picasso por el caos compositivo, la mutilación de los cuerpos, la fragmentación de objetos y enseres situados en cualquier lugar del grabado, la mano cortada de uno de los cadáveres, la desmembración de sus cuerpos y la figura del niño muerto con la cabeza invertida, que recuerda al que aparece sostenido por su madre a la izquierda de la obra capital del artista malagueño.


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text: La estampa refleja el bombardeo de población civil urbana, posiblemente dentro de su vivienda, y remite con toda probabilidad a los obuses con que la artillería francesa minaba la resistencia española en los sitios de Zaragoza.


title: Francisco de Goya

text: Finalizada la guerra, Goya abordó en 1814 la ejecución de dos grandes cuadros de historia que suponen su interpretación de los sucesos ocurridos los días 2 y 3 de mayo de 1808 en Madrid. De su intención da cuenta el escrito dirigido al gobierno —presidido por el cardenal Luis de Borbón como regente— en el que señala su intención de


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text: Las obras de gran formato "El dos de mayo de 1808 en Madrid" (o "La lucha con los mamelucos") y "El tres de mayo de 1808 en Madrid" (o "Los fusilamientos") establecen, sin embargo, apreciables diferencias con respecto a lo que era habitual en los grandes cuadros de este género. Renuncia en ellos a que el protagonista sea un héroe: podía elegir, por ejemplo, para la insurrección madrileña, presentar como líderes a los militares Daoíz y Velarde, en paralelo con los cuadros de estilo neoclásico del francés David que ensalzaban a Napoleón, y cuyo prototipo fue "Napoleón cruzando los Alpes" (1801). En Goya el protagonista es el colectivo anónimo de gentes que han llegado al extremo de la violencia más brutal. En este sentido también se distingue de las estampas contemporáneas que ilustraban el levantamiento del Dos de Mayo, las más conocidas de las cuales fueron las de Tomás López Enguídanos, publicadas en 1813, reproducidas en nuevas ediciones por José Ribelles y Alejandro Blanco un año después. Pero hubo otras de Zacarías González Velázquez o Juan Carrafa entre otros. Estas reproducciones, popularizadas a modo de aleluyas, habían pasado al acervo del imaginario colectivo cuando Goya se enfrenta a estas escenas, y lo hace de un modo original.


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text: Así, en "El dos de mayo de 1808 en Madrid", Goya atenúa la referencia noticiosa de tiempo y lugar —en las estampas el diseño de los edificios de la Puerta del Sol, lugar del enfrentamiento, es plenamente reconocible— y reduce la localización a unas vagas referencias arquitectónicas urbanas. Con ello gana en universalidad y se centra la atención en la violencia del motivo: una muchedumbre sangrienta e informe, sin hacer distinción de bandos ni dar relevancia al resultado final.


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text: Por otro lado, la escala de las figuras aumenta con respecto a las estampas, con el mismo objeto de centrar el tema de la sinrazón de la violencia y disminuir la distancia del espectador, que se ve involucrado en el suceso casi como un viandante sorprendido por el estallido de la refriega. La composición es un ejemplo definitivo de lo que se llamó composición orgánica, propia del romanticismo, en la que las líneas de fuerza vienen dadas por el movimiento de las figuras y por las necesidades del motivo, y no por una figura geométrica impuesta "a priori" por la preceptiva. En este caso el movimiento lleva de la izquierda a la derecha, hay personas y caballos cortados por los límites del cuadro, como si fuera una instantánea fotográfica.


title: Francisco de Goya

text: Tanto el cromatismo como el dinamismo y la composición son un precedente de obras características de la pintura romántica francesa, uno de cuyos mejores ejemplos, de estética paralela al "Dos de mayo" de Goya, es "La muerte de Sardanápalo" de Delacroix.


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text: Habitualmente, en "El tres de mayo de 1808 en Madrid" se ha señalado el contraste entre el grupo de detenidos prontos a ser ejecutados, personalizados e iluminados por el gran farol, con un protagonista destacado que alza en cruz los brazos y viste de radiante blanco y amarillo, e iconográficamente remite a Cristo —se aprecian estigmas en sus manos—; y el pelotón de fusilamiento anónimo, convertido en una deshumanizada máquina de guerra ejecutora donde los individuos no existen.


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text: La noche, el dramatismo sin ambages, la realidad de la masacre, están situados también en una escala grandiosa. Además el muerto en escorzo en primer término, que repite los brazos en cruz del protagonista, dibuja una línea compositiva que comunica hacia el exterior del cuadro con el espectador, que de nuevo se siente implicado en la escena. La noche cerrada, herencia de la estética de «lo sublime terrible», da el tono lúgubre al suceso, en el que no hay héroes, solo víctimas: unos de la represión y otros de la formación soldadesca. La elección de la noche es un factor claramente simbólico, ya que se relaciona con la muerte, hecho acentuado con la apariencia cristológica del personaje con los brazos en alto.


title: Francisco de Goya

text: En "Los fusilamientos" no se produce el distanciamiento, el énfasis en el valor del honor, ni se enmarca en una interpretación histórica que aleje al espectador de lo que ve: la brutal injusticia de la muerte de unos hombres a manos de otros. Se trata de uno de los cuadros más valorados e influyentes de toda la obra de Goya y refleja como ninguno el punto de vista moderno hacia el entendimiento de lo que supone todo enfrentamiento armado.


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text: El periodo de la Restauración absolutista del «rey Felón» supuso la persecución de liberales y afrancesados, entre los que Goya tenía sus principales amistades. Juan Meléndez Valdés o Leandro Fernández de Moratín se vieron obligados a exiliarse en Francia ante la represión. El propio Goya se encontró en una difícil situación, por haber servido a José I, por el círculo de ilustrados entre los que se movía y por el proceso que la Inquisición inició contra él en marzo de 1815 a cuenta de "La maja desnuda", que consideraba «obscena», del que el pintor se vio finalmente absuelto. En la depuración de funcionarios que siguió Goya fue exonerado al ser considerado «un viejo sordo que vivía encerrado en su casa». En el informe se señala que Goya no cobró sus honorarios durante el reinado de José Bonaparte y que debió vender algunas joyas para subsistir. También se indica que intentó refugiarse en Portugal, pero fue desistido de ello por su familia cuando ya se encontraba en Piedrahíta, a medio camino entre la capital y la frontera.


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text: Este panorama político llevó a Goya a reducir los encargos oficiales a las pinturas patrióticas acerca del "Levantamiento del 2 de mayo" y a realizar retratos de Fernando VII —Goya seguía siendo primer pintor de cámara—, como el "Retrato ecuestre de Fernando VII" que se encuentra en la Academia de San Fernando y varios otros de cuerpo entero, como el que pintó para el Ayuntamiento de Santander, vestido con traje de corte. En este, el rey se sitúa bajo la figura que simboliza a España, jerárquicamente colocada por encima del rey. Al fondo, un león quiebra las cadenas, con lo que Goya parece dar a entender que la soberanía pertenece a la nación. Otros fueron: un retrato del rey en busto (perdido), otro con las insignias reales [medio cuerpo, vuelto hacia la izquierda] (Diputación de Navarra), con uniforme de generalísimo (Prado), con insignias reales [cuerpo entero, vuelto hacia la derecha] (Prado), con insignias reales [medio cuerpo, vuelto hacia la derecha] (Museo de Arte de São Paulo) y con insignias reales [cuerpo entero, vuelto hacia la derecha] (Museo de Bellas Artes de Zaragoza).


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text: Es muy probable que a la vuelta del régimen absolutista Goya hubiera consumido gran parte de sus haberes, tras haber sufrido la carestía y penurias de la guerra. Así lo expresa en intercambios epistolares de esta época. Sin embargo, tras estos retratos reales y otras obras pagadas por la Iglesia realizados en estos años —destacando el gran lienzo de "Las santas Justa y Rufina" (1817) para la catedral de Sevilla—, en 1819 estaba en disposición de comprar la finca de la Quinta del Sordo, en las afueras de Madrid, e incluso reformarla añadiendo una noria, viñedos y una empalizada. La obra para la catedral sevillana fue la primera analizada por el crítico Ceán Bermúdez sobre el artista aragonés, el cual señaló la modernidad de la obra como algo intrínseco a la originalidad. En la imagen aparecen la Giralda y la catedral de Sevilla; durante su estancia en la capital andaluza para tomar apuntes de estas ubicaciones, el aragonés contempló un lienzo del mismo tema de Murillo, con el que esta obra guarda ciertas afinidades.


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text: El otro gran cuadro oficial —más de cuatro metros de anchura— es el de "Asamblea general de la Compañía de Filipinas" (Museo Goya, en Castres, Francia), encargado hacia 1815 por José Luis Munárriz, director de dicha institución y a quien Goya retrató en estas mismas fechas. Según José Gudiol, el planteamiento perspectivo y lumínico de esta obra recuerda a Rembrandt, mientras que la expresión de rostros y actitudes prefigura la obra de Toulouse-Lautrec.


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text: En 1816 realizó su último encargo oficial a través de Vicente López Portaña, el nuevo pintor de cámara del rey: un cuadro para los aposentos de María Isabel de Braganza, segunda esposa de Fernando VII, un tema religioso titulado "Santa Isabel asistiendo a una enferma", realizado en grisalla.


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text: Sin embargo, no se redujo la actividad privada del pintor y grabador. Continuó en esta época realizando cuadros de pequeño formato de capricho que abordaban sus obsesiones habituales. Los cuadros dan una vuelta de tuerca más en el alejamiento de las convenciones pictóricas anteriores: "Corrida de toros", "Procesión de disciplinantes", "Auto de fe de la Inquisición", "Casa de locos". Destaca entre ellos "El entierro de la sardina", que trata el tema del carnaval. Son óleos sobre tabla de parecidas dimensiones (de ), excepto "El entierro de la sardina" () y se conservan en el museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.


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text: La serie procede de la colección adquirida en fecha desconocida por el corregidor de la Villa de Madrid en la época del gobierno de José Bonaparte, el comerciante de ideas liberales Manuel García de la Prada, cuyo retrato pintó el aragonés entre 1805 y 1810. En su testamento de 1836 legó estos cuadros a la Academia de Bellas Artes. Muchos de ellos componen la leyenda negra que la imaginación romántica creó a partir de la pintura de Goya, pues fueron imitadas y difundidas en Francia, y también en España por artistas como Eugenio Lucas o Francisco Lameyer.


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text: En todo caso, su actividad siguió siendo frenética, pues en estos años finalizó la estampación de "Los desastres de la guerra" y emprendió y concluyó otra, la de "La Tauromaquia" —en venta desde octubre de 1816—, con la que el grabador pretendió obtener más beneficios y acogida popular que con las anteriores. Esta última, compuesta por treinta y tres grabados, está concebida como una historia del toreo que recrea sus hitos fundamentales y predomina el sentido pintoresco a pesar de que no deja de haber soluciones compositivas atrevidas y originales, como en la estampa número 21 de la serie, titulada "Desgracias acaecidas en el tendido de la plaza de Madrid y muerte del alcalde de Torrejón", donde la zona izquierda de la estampa aparece vacía de figuras, en un desequilibrio impensable no muchos años antes. En su juventud Goya había participado en corridas de toros, por lo que supo plasmar con objetividad los entresijos de la «fiesta nacional».


title: Francisco de Goya

text: Desde 1815 —aunque no se publicaron hasta 1864— trabajó en los grabados de "Los disparates" (o "Los Proverbios"), una serie de veintidós estampas, probablemente incompleta, que constituyen las de más difícil interpretación de las que realizó. Destacan en sus imágenes las visiones oníricas, la presencia de la violencia y el sexo, la puesta en solfa de las instituciones relacionadas con el Antiguo Régimen y, en general, la crítica del poder establecido. Pero, más allá de estas connotaciones, los grabados ofrecen un mundo imaginativo rico relacionado con la noche, el carnaval y lo grotesco.


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text: Finalmente, dos cuadros religiosos rematan este periodo: "La última comunión de San José de Calasanz" —un estudio "goyesco" de la fragilidad de la vejez—, y "Cristo en el Huerto de los Olivos" (o "La oración en el huerto"), ambos de 1819, que se encuentran en el Museo Calasancio de las Escuelas Pías de San Antón de Madrid. El primero, inspirado probablemente en la "Comunión" de Giuseppe Maria Crespi, está considerado como la mejor obra religiosa de Goya. Sobre el segundo, Goya señaló que sería su último cuadro realizado en Madrid.


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text: Con el nombre de "Pinturas negras" se conoce la serie de catorce obras murales que pintó Goya entre 1819 y 1823 con la técnica de óleo "al secco" sobre la superficie de revoco de la pared de la Quinta del Sordo. Estos cuadros suponen, posiblemente, la obra cumbre de Goya, tanto por su modernidad como por la fuerza de su expresión. Una pintura como "Perro semihundido" se acerca incluso a la abstracción; muchas otras son precursoras del expresionismo pictórico y otras vanguardias del .


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text: Las pinturas murales fueron trasladadas a lienzo a partir de 1874 y actualmente se exponen en el Museo del Prado. La serie, a cuyos óleos Goya no puso título, habría sido catalogada por primera vez por Antonio de Brugada con motivo del controvertido inventario que pudo realizar en 1828 a la muerte del pintor. Han sido variadas las propuestas de título para estas pinturas.


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text: La Quinta del Sordo pasó a ser propiedad de su nieto Mariano Goya en 1823, año en que Goya, al parecer para preservar su propiedad de posibles represalias tras la restauración de la monarquía absoluta y la represión de liberales fernandina, se la cedió. Desde entonces hasta fines del la existencia de las "Pinturas negras" fue escasamente conocida y solo algunos críticos, como Charles Yriarte, las describieron. Entre los años 1874 y 1878 fueron trasladadas de revoco a lienzo por Salvador Martínez Cubells a instancias del barón Émile d'Erlanger, proceso que causó un grave daño a las obras, que perdieron gran cantidad de materia pictórica. Este banquero francés tenía intención de mostrarlas para su venta en la Exposición Universal de París de 1878. Sin embargo, al no hallar comprador, acabó donándolas, en 1881, al Estado español, que las asignó al entonces Museo Nacional de Pintura y Escultura (Museo del Prado).


title: Francisco de Goya

text: Goya adquirió esta finca situada en la orilla derecha del río Manzanares, cerca del puente de Segovia y camino hacia la pradera de San Isidro, en febrero de 1819. El terreno era de diez hectáreas y le costó sesenta mil reales. Tenía un jardín de álamos y tierras de cultivo. El motivo de la compra fue quizá para vivir allí con Leocadia Zorrilla a salvo de rumores, pues esta estaba casada con Isidoro Weiss. Era la mujer con la que convivía y quizá tuvo de ella una hija, Rosario Weiss. En noviembre de ese año, Goya sufrió una grave enfermedad de la que el cuadro "Goya atendido por el doctor Arrieta" (1820, Instituto de Artes de Minneapolis) es un estremecedor testimonio. El artista dejó esta dedicatoria en el lienzo: «Goya agradecido, á su amigo Arrieta; por el acierto y esmero con q le salvó la vida en su aguda y peligrosa enfermedad, padecida a fines de 1819, a los setenta y tres de su edad».


title: Francisco de Goya

text: Lo cierto es que las "Pinturas negras" fueron pintadas sobre imágenes campestres de pequeñas figuras, cuyos paisajes aprovechó en alguna ocasión, como en el "Duelo a garrotazos". Si estas pinturas de tono alegre fueron también obra del aragonés, podría pensarse que la crisis de la enfermedad, unida quizá a los turbulentos sucesos del Trienio Liberal, llevara a Goya a repintar estas imágenes. Bozal se inclina a pensar que efectivamente los cuadros preexistentes eran de Goya, debido a que solo así se entiende que reutilizara alguno de sus materiales; sin embargo, Glendinning asume que las pinturas «ya adornaban las paredes de la Quinta del Sordo cuando la compró». En todo caso, las pinturas pudieron haberse comenzado en 1820. La fecha de finalización de la obra no puede ir más allá de 1823, año en que Goya marchó a Burdeos y cedió la finca a su nieto Mariano, probablemente temiendo represalias contra su persona tras la caída de Riego. En 1830, Mariano de Goya transfirió la finca a su padre, Javier de Goya.


title: Francisco de Goya

text: El inventario de Antonio de Brugada menciona siete obras en la planta baja y ocho en la alta. Sin embargo, al Museo del Prado solo llegaron un total de catorce. Charles Yriarte (1867) describió asimismo una pintura más de las que se conocen en la actualidad y señaló que esta ya había sido arrancada del muro cuando visitó la finca y trasladada al palacio de Vista Alegre, que pertenecía al marqués de Salamanca. Muchos críticos consideran que por sus medidas y su tema, esta sería "Cabezas en un paisaje" (Nueva York, colección Stanley Moss).  Otro problema de ubicación radica en la titulada "Dos viejos comiendo sopa", de la que se ha discutido si era sobrepuerta de la planta alta o baja; Glendinning la localiza en la de la sala inferior. Dos nuevas investigaciones confirman su situación sobre una puerta en la planta baja, aunque con diferente distribución del resto de las pinturas. Una de las hipótesis de ubicación en la Quinta del Sordo es como sigue: Esta disposición y el estado original de las obras podemos conocerlos, además de los testimonios escritos, por el catálogo fotográfico que "in situ" llevó a cabo J. Laurent hacia el año 1874, por encargo, en previsión del derribo de la casa de campo. Por él sabemos que las pinturas fueron enmarcadas con papeles pintados clasicistas de cenefas, al igual que las puertas, ventanas y el friso bajo el cielo raso. Las paredes fueron empapeladas, como era costumbre en las residencias palaciegas y burguesas —con material tal vez procedente de la Real Fábrica de Papel Pintado promovida por Fernando VII—, la planta inferior con motivos de frutos y hojas y la superior con dibujos geométricos organizados en líneas diagonales. También documentan las fotografías el estado anterior al traslado.


title: Francisco de Goya

text: Hay consenso entre la crítica especializada en proponer causas psicológicas y sociales para la realización de las "Pinturas negras". Entre las primeras estarían la conciencia de decadencia física del pintor, más acentuada si cabe a partir de la convivencia con una mujer mucho más joven, Leocadia Zorrilla y, sobre todo, las consecuencias de la grave enfermedad de 1819, que postró a Goya en un estado de debilidad y cercanía a la muerte que refleja el cromatismo y el asunto de estas obras.


title: Francisco de Goya

text: Desde el punto de vista sociológico, todo apunta a que Goya pintó sus cuadros a partir de 1820 —aunque no hay prueba documental definitiva— tras reponerse de su dolencia. La sátira de la religión —romerías, procesiones, la Inquisición— o los enfrentamientos civiles —el "Duelo a garrotazos", las tertulias y conspiraciones que podría reflejar "Hombres leyendo", una interpretación en clave política que podría desprenderse del "Saturno": el Estado devorando a sus súbditos o ciudadanos—, concuerdan con la situación de inestabilidad que se produjo en España durante el Trienio Liberal (1820-1823) tras el levantamiento constitucional de Rafael Riego. Estos sucesos coinciden cronológicamente con las fechas de realización de estas pinturas. Cabe pensar que los temas y el tono se dieron en un ambiente de ausencia de censura política férrea, circunstancia que no se dio durante las restauraciones monárquicas absolutistas. Por otro lado, muchos de los personajes de las "Pinturas negras" (duelistas, frailes, monjas, familiares de la Inquisición) representan el mundo caduco anterior a los ideales de la Revolución francesa.


title: Francisco de Goya

text: No se ha podido hallar, pese a los variados intentos en este sentido, una interpretación orgánica para toda la serie decorativa en su ubicación original. En parte porque la disposición exacta está aún sometida a conjeturas, pero sobre todo porque la ambigüedad y la dificultad de encontrar el sentido exacto de muchos de los cuadros en particular hacen que el significado global de estas obras sea aún un enigma. Pese a todo, hay varias líneas interpretativas que convienen ser consideradas: Glendinning señala que Goya adornó su quinta ateniéndose al decoro habitual en la pintura mural de los palacios de la nobleza y la alta burguesía. Según estas normas, y considerando que la planta baja servía como comedor, los cuadros deberían tener una temática acorde con el entorno: debería haber escenas campestres —la villa se situaba a orillas del Manzanares y frente a la pradera de San Isidro—, bodegones y representaciones de banquetes alusivos a la función del salón. Aunque el aragonés no trata estos géneros de modo explícito, "Saturno devorando a un hijo" y "Dos viejos comiendo sopa" remiten, aunque de forma irónica y con humor negro, al acto de comer. Además, Judith mata a Holofernes tras invitarle a un banquete. Otros cuadros se relacionan con la habitual temática bucólica y la cercana ermita del santo patrón de los madrileños, aunque con un tratamiento tétrico: "La romería de San Isidro", "La peregrinación a San Isidro" e incluso "La Leocadia", cuyo sepulcro puede vincularse con el cementerio anejo a la ermita.


title: Francisco de Goya

text: Desde otro punto de vista, la planta baja, peor iluminada, contiene cuadros de fondo mayoritariamente oscuro, con la única salvedad de "La Leocadia", aunque viste de luto y aparece en la obra una tumba, quizá la del propio Goya. En este piso domina la presencia de la muerte y la vejez del hombre. Incluso la decadencia sexual, según interpretación psicoanalítica, en la relación con mujeres jóvenes que sobreviven al hombre e incluso lo castran, como hacen "La Leocadia" y "Judith" respectivamente. Los viejos comiendo sopa, otros dos «viejos» en el cuadro de formato vertical homónimo, el avejentado Saturno, representan la figura masculina. Saturno es, además, el dios del tiempo y la encarnación del carácter melancólico, relacionado con la bilis negra, en lo que hoy llamaríamos depresión. Por tanto, la primera planta reúne temáticamente la senilidad que lleva a la muerte y la mujer fuerte, castradora de su compañero. Otra interpretación para la primera planta sería el destino individual: el tiempo, las edades de la vida, la brevedad de la existencia.


title: Francisco de Goya

text: En la segunda planta Glendinning aprecia varios contrastes: uno entre la risa y el llanto o la sátira y la tragedia, y otro entre los elementos de la tierra y el aire. Para la primera dicotomía "Hombres leyendo", con su ambiente de seriedad, se opondría a "Dos mujeres y un hombre"; estos son los dos únicos cuadros oscuros de la sala y marcarían la pauta de las oposiciones de los demás. El espectador los contemplaba al fondo de la estancia al ingresar a esta. De la misma manera, en las escenas mitológicas de "Asmodea" y "Átropos" se percibiría la tragedia, mientras que en otros, como la "Peregrinación del Santo Oficio", vislumbramos una escena satírica. Otro contraste estaría basado en cuadros con figuras suspendidas en el aire en los mencionados cuadros de tema trágico, y otros en los que aparecen hundidas o asentadas en la tierra, como en el "Duelo a garrotazos" y el "Santo Oficio". Otra interpretación sería que, así como la primera planta aludiría al destino individual, la segunda lo haría al destino colectivo: creencias humanas, religión, mitología, superstición. Pero ninguna de estas hipótesis soluciona satisfactoriamente la búsqueda de una unidad en el conjunto de los temas de la obra analizada.


title: Francisco de Goya

text: La única unidad que se puede constatar es la de estilo. Por ejemplo, la composición de estos cuadros es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas, siendo un caso extremo "Cabezas en un paisaje", donde cinco cabezas se arraciman en la esquina inferior derecha del cuadro, apareciendo como cortadas o a punto de salirse del encuadre. Tal desequilibrio es una muestra de la mayor modernidad compositiva. También están desplazadas las masas de figuras de "La romería de San Isidro" —donde el grupo principal aparece a la izquierda—, "La peregrinación del Santo Oficio" —a la derecha en este caso—, e incluso en el "Perro semihundido", donde el espacio vacío ocupa la mayor parte del formato vertical del cuadro, dejando una pequeña parte abajo para el talud y la cabeza semihundida. Desplazadas en un lado de la composición están también "Las Parcas", "Asmodea", e incluso originalmente "El aquelarre", aunque tal desequilibrio se perdió tras la restauración de los hermanos Martínez Cubells. También comparten un cromatismo muy oscuro. Muchas de las escenas de las "Pinturas negras" son nocturnas, muestran la ausencia de la luz, el día que muere. Así sucede en "La romería de San Isidro", el "Aquelarre" o la "Peregrinación del Santo Oficio", donde una tarde ya vencida hacia el ocaso genera una sensación de pesimismo, de visión tremenda, de enigma y espacio irreal. La paleta de colores se reduce a ocres, dorados, tierras, grises y negros; con solo algún blanco restallante en ropas para dar contraste y azul en los cielos y en algunas pinceladas sueltas de paisaje, donde concurre también algún verde, siempre con escasa presencia.


title: Francisco de Goya

text: Si se atiende a la anécdota narrativa, se observa que las facciones de los personajes presentan actitudes reflexivas o extáticas. A este segundo estado responden las figuras con los ojos muy abiertos, con la pupila rodeada de blanco, y las fauces abiertas en rostros caricaturizados, animales, grotescos. Se contempla el tracto digestivo, algo repudiado por las normas académicas. Se muestra lo feo, lo terrible; ya no es la belleza el objeto del arte, sino el "pathos" y una cierta consciencia de mostrar todos los aspectos de la vida humana sin descartar los más desagradables. No en vano Bozal habla de una Capilla Sixtina laica donde la salvación y la belleza han sido sustituidas por la lucidez y la conciencia de la soledad, la vejez y la muerte.


title: Francisco de Goya

text: En mayo de 1823, las tropas francesas de los Cien Mil Hijos de San Luis, lideradas por el duque de Angulema, tomaron Madrid con objeto de restaurar la monarquía absoluta de Fernando VII. Esto produjo una inmediata represión de los liberales que habían apoyado la constitución de 1812, vigente de nuevo durante el Trienio Liberal. Goya temió los efectos de esta persecución —consta que Leocadia Zorrilla, su compañera, también— y marchó a refugiarse a casa de un amigo canónigo, José Duaso y Latre, al que hizo un retrato (Museo de Bellas Artes de Sevilla). Al año siguiente solicitó al rey un permiso para convalecer en el balneario de Plombières, que le fue concedido.


title: Francisco de Goya

text: Goya llegó a mediados de 1824 a Burdeos, tras legar la Quinta del Sordo a su nieto Mariano, y aún tuvo energía para marchar a París en verano (junio-julio de 1824); volvió a Burdeos en septiembre, donde residiría hasta su muerte. Su estancia francesa se vio interrumpida en 1826, año en que viajó a Madrid para cumplimentar los trámites de su jubilación, que consiguió con una renta de cincuenta mil reales sin que Fernando VII pusiera impedimentos a ninguna de las peticiones del pintor y, en 1827, para realizar unos trámites. En este viaje retrató a su nieto Mariano en la Quinta del Sordo, donde se alojó. Por otro lado, fue retratado por el pintor neoclásico Vicente López Portaña, su sucesor en el cargo de pintor de cámara del rey. Los dibujos de estos años, recogidos en el "Álbum G" y el "H" o bien recuerdan a "Los Disparates" y a las "Pinturas negras", o bien poseen un carácter costumbrista y recogen estampas de la vida cotidiana de la ciudad de Burdeos recogidas en sus habituales paseos, como ocurre con el óleo "La lechera de Burdeos" (hacia 1826).


title: Francisco de Goya

text: El 28 de marzo de 1828 llegaron a verle a Burdeos su nuera y su nieto Mariano, pero no llegó a tiempo su hijo Javier. Su estado de salud era muy delicado, no solo por el proceso tumoral que se le había diagnosticado tiempo atrás, sino a causa de una reciente caída por las escaleras que le obligó a guardar cama, postración de la que ya no se recuperaría. Tras un empeoramiento a comienzos del mes, Goya murió a las dos de la madrugada del 16 de abril de 1828, acompañado en ese momento por sus deudos y por sus amigos Antonio de Brugada y José Pío de Molina. Al día siguiente se le enterró en el cementerio bordelés de La Chartreuse, en el mausoleo propiedad de la familia Muguiro de Iribarren, junto a su buen amigo y consuegro Martín Miguel de Goicoechea, fallecido tres años atrás. Tras un prolongado olvido, en 1869 se efectuaron desde España distintas gestiones para trasladarle a Zaragoza o a Madrid, lo que no era posible legalmente hasta pasados cincuenta años. En 1888 (a los sesenta años) se hizo una primera exhumación —encontrándose los despojos de ambos esparcidos por el suelo y la cabeza de Goya desaparecida—, que por desidia española no confluyó en traslado. En 1899 se exhumaron de nuevo y llegaron finalmente a Madrid los restos de los dos, Goya y Goicoechea. Depositados provisionalmente en la cripta de la colegiata de San Isidro, pasaron en 1900 a una tumba colectiva de «hombres ilustres» en la Sacramental de San Isidro y finalmente, en 1919, a la ermita de San Antonio de la Florida, al pie de la cúpula que el aragonés pintara un siglo atrás, donde desde entonces permanecen.


title: Francisco de Goya

text: Goya tuvo varios discípulos, ninguno de los cuales alcanzó su categoría: el más conocido es Asensio Juliá, además de Mariano Ponzano, Felipe Abás, León Ortega, Dionisio Gómez Coma, Felipe Arrojo, Agustín Esteve, Ignacio de Uranga y Luis Gil Ranz. A veces se incluye a su ahijada, Rosario Weiss Zorrilla. También dejó su impronta en numerosos artistas de su tiempo; los más inmediatos fueron Eugenio Lucas Velázquez y su hijo Eugenio Lucas Villaamil, Vicente López Portaña y el portugués Domingos António de Sequeira. Posteriormente su influencia se denota en artistas como Isidro Nonell, José Gutiérrez Solana, Celso Lagar, Pedro Flores García y Antoni Clavé; mientras que, a nivel internacional, se nota su influjo en Eugène Delacroix, Édouard Manet, Honoré Daumier, Gustave Courbet, Gustave Doré, Odilon Redon, Alfred Kubin, Marc Chagall y James Ensor.


title: Francisco de Goya

text: El catálogo de las obras de Goya fue iniciado por Charles Yriarte en 1867 y ampliado o modificado sucesivamente por Viñaza (1887), Araujo (1896), Beruete (1916-1917), Mayer (1923), Desparmet Fitz-Gerald (1928-1950), Gudiol (1970) y Gassier-Wilson (1970).


title: Francisco de Goya

text: Los diferentes cuadernos o álbumes de dibujos de Goya son vehículos para sus apuntes, borradores, croquis y demás anotaciones, pero en mayor medida suponen una obra privada y personal con valor propio. Se distinguen el inicial "Cuaderno italiano", de comienzos de la década de 1770, y otros seis álbumes catalogados con letras de la «A» a la «F». En general fueron luego deshojados y vendidos los dibujos uno a uno. La mayoría de ellos se han logrado reunir en el Museo del Prado.


title: Francisco de Goya

text: Se puede estudiar la evolución del aspecto físico e incluso aspectos de la condición humana de Goya haciendo un recorrido por las numerosas obras en que reflejó su autorretrato, tanto en óleos como en dibujos; unas veces con su efigie, otras de cuerpo entero y en numerosas ocasiones incluido en el conjunto de un cuadro de grupo.


title: Francisco de Goya

text: El autorretrato más temprano que se conoce fue realizado hacia 1773 (óleo sobre tabla, , colección Zurgena, Madrid) y da cuenta de su imagen tras la vuelta de su viaje a Italia de 1770, si bien Juan José Luna es partidario de una datación anterior a este año, considerándolo un retrato hecho para que su familia lo tuviera presente ante su inmediato viaje.


title: Francisco de Goya

text: La última imagen conocida de la mano del propio artista es un dibujo pequeño, de , realizado en 1824 a pluma con tinta parda adquirido por el Museo del Prado en 1944, con su rostro de perfil y tocado con una gorra.


title: Cerastium

text: Cerastium es un género de plantas con flores con unas 205 especies aceptadas, de las casi 790 descritas, perteneciente a la familia Caryophyllaceae.


title: Cerastium

text: Son hierbas anuales o perennes, generalmente pubescentes, erectas o decumbentes. Las hojas son opuestas, generalmente sésiles o subsésiles, estipuladas, y a menudo viscosas. Las flores, de color blanco o violeta y generalmente hermafroditas, están solitarias u organizadas en cimas dicasiales. Hay 5 sépalos, raramente 4, y los pétalos en igual número que los sépalos, rara vez ausentes, son usualmente profundamente emarginados. Los estambres, en número de 10, a veces menos (5 u 8), están implantados en la base del ovario. Este último es súpero, con 3-6 estilos e igual número de estigmas. El fruto es una cápsula oblonga-cilíndrica a menudo arqueada, dehiscente longitudinalmente por 10 (ocasionalmente 6 u 8) dientes, y que contiene unas 15-150 semillas de color anaranjado-marrón, angular-obovadas, tuberculadas, comprimidas lateralmente y a menudo con ranura abaxial.


title: Cerastium

text: Las especies de "Cerastium" son alimento de las larvas de algunas especies de Lepidopteras, incluida "Coleophora chalcogrammella" (que come exclusivamente de "Cerastium arvense") y "Coleophora striatipennella" (de "Cerastium fontanum").


title: Cerastium

text: El género fue descrito por Carlos Linneo y publicado en "Species Plantarum" 1: 28. 1753. La especie tipo es: "Cerastium arvense" Cerastium; nombre genérico que deriva del griego: "ceras" = "cuerno", en alusión a la forma de la cápsula generalmente torcida.


title: Tetragonia

text: Tetragonia es un género de 50-60 especies de fanerógamas en la familia Aizoaceae, nativa de regiones templadas y subtropicales del Hemisferio Sur, Nueva Zelanda, Australia, sur África, Sudamérica.


title: Tetragonia

text: Espinaca de Nueva Zelanda, kokihi (idioma maorí), verdes de Warrigal, espinaca del mar, espinaca de la Bahía, maleza de duna (Sudáfrica), espinaca de Cook. Prefiere un medio húmedo para crecer. Hojas gruesas y triangulares, de 3 a 15 cm de largo, de color verde brillante; en el haz y el envés tienen pequeñas papilas que semejan gotas de agua. Flores amarillas, fruto pequeño, vaina dura cubierta de pequeños cuernos. Es una planta halófita que crece bien en terreno salino.


title: Tetragonia

text: Es usada como verdura por sus hojas comestibles; también es planta ornamental para cobertura de terrenos. Tiene sabor, propiedades nutritivas y textura similares a la espinaca, y se cocina como ella, aunque algunas especies contengan toxinas que hay que eliminar blanqueando las hojas en agua hirviendo durante un minuto y enjuagándolas luego en agua fría antes de cocinarlas. Puede hallársela como maleza en Norteamérica y en Sudamérica, y ha sido cultivada a lo largo del Sudeste Asiático. Vive en clima caluroso, y es considerada una planta reliquia (fue usada en el pasado, pero ya no). Pocas plagas la atacan, aparte de babosas y caracoles.


title: Tetragonia

text: Son plantas muy usadas como verdura por los maoríes y otros pueblos aborígenes. Mencionada por el Capitán Cook, fue inmediatamente recogida, cocida y comida para paliar el escorbuto. Se expandió cuando el explorador y botánico Joseph Banks llevó una planta viable a Londres a fines del s. XVIII.


title: Tetragonia

text: Sus semillas, gruesas y de forma irregular, deben plantarse justo después de primavera para evitar heladas. Antes de plantar, deben remojarse 12 horas en agua fría, o 3 h en agua caliente. Se plantan a 5-10 mm de profundidad, espaciadas 20 o 30 cm entre sí. Brotan en 10-20 días, y continúan creciendo durante todo el verano.


title: Histeria (álbum)

text: Histeria es el quinto álbum de estudio de Tino Casal. Publicado en 1989 por Emi-Odeon fue el último editado por Casal en vida, quien falleciera en 1991, después de que su anterior álbum, "Lágrimas de cocodrilo", no cumplliera con las expectativas de ventas esperadas.


title: Histeria (álbum)

text: Casal, tras el fallecimiento de amigos íntimos como Costus y la separación de su novia Pepa Ojanguren, se centró en esta época en otras actividades artísticas como la pintura y la escultura. El resultado fue que "Histeria" obtuvo menos promoción y realizó menos actuaciones que en sus álbumes anteriores.


title: Histeria (álbum)

text: En este disco Casal repitió el esquema de "Lágrimas de cocodrilo" que, salvo la canción «Eloise», era un disco electrónico. De esta manera volvía a los ritmos programados y sonidos de sintetizador, supliendo las carencias instrumentales y técnicas con su voz, que era el elemento melódico de las canciones. Letras muy personales y un tema casi autobiográfico, «Destino casual», son las características principales del álbum. También contiene una versión de la canción «Killing Me Softly With His Song» popularizada por Roberta Flack.


title: Histeria (álbum)

text: Tras años descatalogado se reeditó en CD en el 2009.


title: Iliá Smirin

text: Iliá Yúlievich Smirin) Smirin Илья́ Ю́льевич Сми́рин (nacido el 21 de enero de 1968, en Bielorrusia) es un Gran Maestro Internacional de ajedrez soviético-israelí.


title: Iliá Smirin

text: En enero de 2008, su ELO era de 2616 puntos. Su mejor clasificación fue 2702 en julio de 2001, siendo uno de los pocos jugadores de élite en conseguir superar la barrera de los 2700 puntos.


title: Iliá Smirin

text: La carrera ajedrecística de Smirin empezó en la Unión Soviética. Smirin consiguió un diploma del Instituto Estatal de Cultura Física de Bielorrusia en Minsk, certificándole como un Profesor-Entrenador de ajedrez. En 1992 emigró a Israel y desde entonces ha sido uno de los mejores jugadores israelíes en las Olimpíadas de ajedrez y otros eventos internacionales. Es miembro del club de ajedrez de Ashdod y del equipo nacional de Israel.


title: Iliá Smirin

text: Smirin ha ganado la primera liguilla del campeonato de la URSS de 1987 y 1989, el Campeonato de Israel de 1992, 1994, 1999 y 2002 y los torneos de clasificación del "PCA World Grand Prix" de 1994 y 1995. Otros éxitos en torneos incluyen primeras plazas en Ekaterimburgo (1987), Nueva York (1994), en 2000 ganó el prestigioso NY Open y Dos Hermanas 2001.


title: Iliá Smirin

text: Aquí Smirin, con negras, deja fuera de juego al Campeón del mundo de ajedrez reinante:


title: Iliá Smirin

text: Vladímir Krámnik-Iliá Smirin, Rusia contra el resto del mundo, Moscú 2002.


title: Iliá Smirin

text: 1.d4 Cf6 2.c4 g6 3.Cc3 Ag7 4.e4 d6 5.Cf3 O-O 6.Ae2 e5 7.O-O Cc6 8.d5 Ce7 9.b4 Ch5 10.Te1 a5 11.bxa5 f5 12.Cd2 Cf6 13.c5 Txa5 14.cxd6 cxd6 15.a4 Ah6 16.Aa3 Axd2 17.Dxd2 fxe4 18.Ab5 Af5 19.h3 Ta8 20.g4 Ac8 21.Cxe4 Cxe4 22.Txe4 Ad7 23.Af1 Axa4 24.Ab4 b5 25.Ta3 Tc8 26.Tc3 Db6 27.Ag2 Txc3 28.Axc3 Bb3 29.Te1 Ac4 30.Aa5 Db7 31.Td1 Tf4 32.Ac3 Ab3 33.Axe5 dxe5 34.d6 Dd7 35.Tc1 Ac4 36.Db4 Cc8 37.Dc5 Cxd6 38.Dxe5 Tf8 39.Td1 Cf7 0-1


title: Gypsophila

text: Gypsophila es un género de plantas de la familia Caryophyllaceae, nativo de Europa, Asia, norte de África y México. Muchas especies se encuentran en suelos ricos en calcio, incluyendo el yeso, "gypsum" en latín, que le da nombre al género. Comprende 335 especies descritas y de estas, solo 151 aceptadas.


title: Gypsophila

text: El género fue descrito por Carlos Linneo y publicado en "Species Plantarum" 1: 406. 1753. La especie tipo es: "Gypsophila repens"  Son plantas herbáceas caducas o perennes que alcanzan 5-120 cm de altura. Las hojas son opuestas, lineales o triangulares estrechas de 1-7 cm de longitud y 2-8 mm de ancho. Las flores se producen en grandes inflorescencias, que pueden ser densas o abiertas y lacias; las flores son pequeñas de 3-10 mm de diámetro con cinco pétalos rosas o blancos.


title: Teatro Apolo (Barcelona)

text: El Teatro Apolo de Barcelona está situado en el barrio de El Pueblo Seco, en la histórica Avenida del Paralelo número 59, centro de la vida artística y teatral de la ciudad condal durante el siglo XX.


title: Teatro Apolo (Barcelona)

text: El Teatro Apolo fue reconstruido por completo hace unos años y se programan en la actualidad espectáculos teatrales y musicales.Este teatro solo consta de una sala.


title: Francesc Burrull

text: Francesc Burrull Ill [I-L-L] (Barcelona, España, 18 de octubre de 1934-San Pedro de Ribas, Barcelona, 28 de agosto de 2021) fue un músico español, compositor e intérprete, arreglista y pianista de jazz y de la Nova Cançó.


title: Francesc Burrull

text: Estudió en el Conservatorio Superior de Música del Gran Teatro del Liceo de Barcelona. Tuvo como maestro a Pere Vallribera i Moliné. Tras concluir la carrera de música y piano empezó a dejarse notar en el ámbito musical de Barcelona, un ámbito plagado de ricos intérpretes en la órbita del jazz.


title: Francesc Burrull

text: Su progresión fue importante y parte de la formación de grupos propios como "Latin Combo", con el que registró doce discos que dan una idea de su evolución y sentido musical, donde el jazz aparece como referente prioritario. A "Latin Combo" le seguirá posteriormente "Latin Quartet", con el que editó siete discos.


title: Francesc Burrull

text: Ha tocado al lado de nombres de primer nivel, como Sidney Bechet, Bill Coleman, Chet Baker, Don Byas o Jean-Luc Ponty. No falta su aportación a la discografía de Tete Montoliu apareciendo como vibrafonista en dos de sus discos. También ha hecho arreglos para discos del bolerista Antonio Machín.


title: Francesc Burrull

text: Con el surgimiento de la Nova Cançó, fue requerido por muchos de sus intérpretes en su faceta de compositor y arreglista. Dejó su sello en discos de Guillermina Motta, Núria Feliu, Mercè Madolell, La Trinca, Pere Tàpias, Joan Baptista Humet o La Voss del Trópico (Jordi Farràs). También firmó arreglos para Lluís Llach, con el que colaboró en su disco "Com un arbre nu" firmando los arreglos de su canción "Ma tristesa" y encargándose de la dirección musical del tema "Bon senyor".


title: Francesc Burrull

text: Dirigió la Editorial Concèntric obteniendo gracias a esa extraordinaria labor el "Gran Premio del disco catalán". No solo el sello Concèntric disfrutó de sus aportaciones: también dispersó su talento en otras discográficas como Edigsa, Discophon, Ariola, Emi-Odeon, Zafiro y Movieplay. Llevó a cabo también los arreglos, la dirección y la interpretación con los instrumentos de teclado en la grabación en disco en 1976 de la que se presentó como ""primera Ópera Rock en catalá"": "Granja Animal", adaptación de la obra "Rebelión en la granja", de George Orwell.


title: Francesc Burrull

text: Al mítico Duke Ellington le dedicó un disco homenaje, con motivo de su fallecimiento, que fue el punto de partida de la "Big Band de Barcelona", integrada por dieciocho músicos y de la que será Burrull principal impulsor y director. Fue destacada su colaboración para la Banda Municipal y para la OBC, como solista de piano en la "Rhapsody in Blue" y el "Concierto en Fa" de George Gershwin. Ha actuado en solitario y con grupo formando un trío, con Llorenç Ametller al bajo y Quim Soler a la batería, que dio su fruto en forma de trabajos discográficos titulados "Passeig de Gràcia" y "Barcelona Jazz", donde todas las composiciones incluidas son originales. En solitario ha registrado un disco titulado "Blanc i negre".


title: Francesc Burrull

text: En 1992, obtuvo un importante y merecido reconocimiento que valora su trayectoria: el Premio Nacional de Música de Cataluña en la categoría de jazz, otorgado por la Generalitat de Cataluña y que reconoció su trayectoria como músico.


title: Francesc Burrull

text: Su colaboración con Joan Manuel Serrat arrancó en 1967 firmando los arreglos del EP "Cançó de matinada", donde además del tema homónimo figuran "Me'n vaig a peu", "Paraules d'amor" y "Les sabates". En 1972 volvió a reencontrase con Serrat para firmar los arreglos del álbum Miguel Hernández, uno de los trabajos de más exquisita concepción musical del cantautor catalán, del que Burrull fue director musical y pianista en los primeros años 70 hasta el retorno de Ricard Miralles en 1974. En 2000 colaboró con la actriz y cantante Lola Bou interpretando a Kurt Weill en un espectáculo titulado "De Berlín a Broadway" que volvió a demostrar su versatilidad como pianista.


title: Francesc Burrull

text: Fiel a ese compromiso con las canciones de Serrat fue su recital con la cantante Laura Simó, que presentó desde 2002 con un paseo antológico por la obra del cantautor barcelonés, finalmente editado en CD en 2007 bajo el título "Laura Simó & Francesc Burrull interpreten Serrat", editado por Stres Music, interpretaron los temas de Serrat: "Lucía", "Me'n vaig a peu", "No hago otra cosa que pensar en ti", "Del pasado efímero", "Llanto y coplas", "Barquito de papel", "El meu carrer", "Conillet de vellut", "Tio Alberto", "Perquè la gent s'avorreix tant?" y "Mediterráneo".


title: Francesc Burrull

text: También en 2007 publicó un libro-disco de canciones infantiles propias: "Sentiments i emocions" (Bellaterra Música).


title: Francesc Burrull

text: En 2010 editó un segundo disco en homenaje a Serrat también junto a Laura Simó que llevó por título "Temps de pluja" (Temps Record). En ese mismo año publicó "Les 26 cançons infantils" (Edicions La Campana, 2010), libro de partituras y textos escritos junto a Josep Maria Espinàs y con prólogo de Lluís Llach, Incluyendo grabación en CD con las 26 canciones infantiles editadas en cuatro discos de 1967 a 1970.


title: Francesc Burrull

text: En 2012 colaboró con el cantautor Joan Isaac grabando dos temas en su disco "Piano, piano" y le acompañó en directo en su presentación. En 2013 el músico, residente en Vilanova i Geltrú (Barcelona), declaró que si tuviera que quedarse con tres discos de toda su trayectoria artística serían el dedicado al poeta "Miguel Hernández" de 1972 con Joan Manuel Serrat, "Diálogos" de 1975 con Joan Baptista Humet y el clásico "Manuel de Falla avui" de 1976, con Albert Moraleda al bajo, Miquel Àngel Lizandra a la batería y la colaboración especial de Leonora Milà al piano, este último disco fue retirado al poco tiempo de ponerse a la venta por problemas de derechos de autor con los herederos de Manuel de Falla.


title: Francesc Burrull

text: Burrull falleció el 28 de agosto de 2021, a los ochenta y seis años, debido a una enfermedad renal.


title: Holosteum

text: Holosteum es un género de plantas con flores con cerca de cuarenta especies , perteneciente a la familia (Caryophyllaceae). Nativo del sur de Europa, centro y sudoeste de Asia y en África.


title: Holosteum

text: Son plantas herbáceas de vida caduca. Tiene una delgada raíz con delgados tallos erectos. Las flores son hermafroditas, pero también pueden ser unisexuales. Tienen 5 sépalos distintos y de color verde. Tienen 5 pétalos de color blanco o rosa. El género fue descrito por Dill. ex L. y publicado en "Species Plantarum" 1: 88. 1753. La especie tipo es: "Holosteum umbellatum"  Holosteum: nombre genérico que fue nombrado por Linnaeus a causa de la naturaleza de la planta: en griego "holos" significa "todos" y "osteon" significa "hueso", refiriéndose a la fragilidad de la planta.Holosteum


title: Parque nacional y reserva Denali

text: El Parque Nacional y Reserva Denali (en inglés: "Denali National Park and Preserve") es una zona protegida sita en Alaska interior y contiene el monte Denali, la montaña más alta de América del Norte. El parque cubre 24585 km². Christopher McCandless es famoso por haber vivido en él durante 4 meses, sobreviviendo completamente solo, al estilo Thoreau, antes de morir.


title: Parque nacional y reserva Denali

text: La cordillera de Alaska atraviesa el parque y comprende varios de los ecosistemas de Denali. Alberga el monte Denali, el más alto de Estados Unidos con 6194 msnm, y es por lo tanto una de las Siete Cumbres. Debido a su cercanía al círculo polar ártico, su ascenso supone dificultades extremas para los escaladores, a pesar de no ser uno de los .


title: Parque nacional y reserva Denali

text: Debido a sus diferentes altitudes, el parque presenta varias zonas vegetales. Las zonas boscosas son poco frecuentes, con excepción de algunas zonas planas meridionales cercanas al lago Wonder. De hecho, la mayor parte del parque está compuesta por tundra. Los árboles más frecuentes son las piceas y los sauces, que debido a las condiciones minerales del lugar no suelen desarrollarse plenamente.