title: Género fantástico

text: Una de las posiciones más difundidas es la del crítico estructuralista Tzvetan Todorov y su ensayo Introducción a la literatura fantástica. Siguiendo algunas de las características de la definición de Guy de Maupassant, Todorov profundizó la definición y nombró las dos características que identifican al género fantástico: la "vacilación" del lector en torno a los fenómenos narrados y, por otro lado, una forma de leer dichos fenómenos que no sea "alegórica" ni "poética".


title: Género fantástico

text: Con estas condiciones en mente, Todorov opone lo que él llama fantástico puro a otros dos conceptos lindantes:


title: Género fantástico

text: Lo "extraño" o "insólito" es una categoría que agrupa a aquellos relatos en los cuales las causas, aparentemente sobrenaturales e inexplicables por vías racionales terminan por tener una explicación que concuerda con las leyes del mundo conocible, como ocurre en el cuento «Los crímenes de la Rue Morgue» de Edgar Allan Poe o en las ficciones góticas de Clara Reeve o Ann Radcliffe. Lo "maravilloso" sería aquello que se ubica en el lado opuesto a lo insólito, siendo aquel conjunto de obras en que la incertidumbre es despejada pero su explicación remite a nuevas leyes que no van de acuerdo a la realidad conocida, lo que ocurre en las obras de Walpole. Así, el estudioso señala que el "fantástico propiamente dicho" es escaso y abarcaría ejemplos como "Otra vuelta de tuerca" de Henry James, donde la intriga no es resuelta o "Manuscrito encontrado en Zaragoza" de Jan Potocki.


title: Género fantástico

text: Todorov amplió su clasificación diciendo que lo maravilloso corresponde a lo desconocido, lo que está por venir –por lo tanto corresponde al tiempo futuro– y lo extraño a una experiencia previa en la cual se produce la irrupción de lo anormal –por lo tanto corresponde al pasado–. Además, estas dos formas que se hallan a ambos lados del fantástico tienen subdivisiones: la zona de lo insólito que linda con lo fantástico se llama fantástico-insólito. Allí hay explicaciones racionales a las dudas despertadas por el texto, pero abundan las coincidencias sospechosas; «La caída de la casa Usher» es el ejemplo que Todorov esgrimió para ilustrar este punto. El extremo de esta forma está en lo extraño-puro, donde las explicaciones racionales son perfectamente plausibles como exégesis de incidentes en apariencia sobrenaturales -como ocurre en muchas novelas policiales que coquetean con la idea de un crimen cometido por fuerzas sobrehumanas-. Lo fantástico maravilloso, por otro lado, es lo más cercano al fantástico puro, pero en él se acepta la exégesis irracional tras la duda inicial. En lo maravilloso puro –cuyos límites no están muy bien definidos según el estudioso– los eventos anormales son comunes y no reciben reacción particular por parte de los personajes o el lector.


title: Género fantástico

text: Las propuestas de Todorov, no obstante, han recibido algunas críticas y objeciones por su enfoque cerrado. En su prólogo a la "Introducción a la literatura fantástica", Elvio Gandolfo escribió acerca de las conclusiones del estudio que


title: Género fantástico

text: La crítica de Gandolfo apunta a que Todorov consideró que la irrupción del psicoanálisis liquidó el componente irracional produciendo la muerte del género. Rosemary Jackson también habla de las limitaciones del estudio de su colega pero adujo que Todorov no tuvo en consideración las ventajas del enfoque psicoanalítico para abordar los relatos fantásticos.


title: Género fantástico

text: Rosemary Jackson planteó modificaciones a ciertas fallas del modelo propuesto por Todorov. Para la investigadora, el principal defecto de esa teoría residía en la mezcla de categorías literarias y no literarias ya que, mientras que lo maravilloso y lo fantástico pertenecen a las primeras, lo extraño o insólito no.


title: Género fantástico

text: En "Fanstasy: Literatura y subversión" ella propone estudiar el "fantasy" –término específico que utiliza– no como un género, tal y como lo hizo Todorov, sino como un modo literario. Esta perspectiva permitiría entender cómo el "fantasy" adopta diferentes «disfraces» en relatos de cortes tan disímiles.


title: Género fantástico

text: La filóloga argentina Ana María Barrenechea cuestionó las limitaciones de la teoría expuesta en la "Introducción a la literatura fantástica". Define la literatura fantástica de la siguiente forma: «la que presenta en forma de problemas hechos a-normales, a-naturales o irreales en contraste con hechos reales, normales o naturales». El conflicto que se genera cuando los eventos anormales colisionana contra el orden de la realidad es donde la investigadora pone el acento, sosteniendo que se da una intersección de órdenes (el racional y el irracional). También discutió con Todorov en torno al sentido alegórico, ya que sostuvo el poder de la alegoría para reforzar el sentido del fantástico, sobre todo en la literatura contemporánea.


title: Género fantástico

text: La italiana Rosalba Campra define al género en torno a los "silencios", comparando en algún punto la relación texto lector con un modelo de comunicación. En un relato, el silencio (término empleado para designar lo que permanece oculto) puede encontrar una resolución o no. Aquellos que permanecen en el territorio de lo enigmático corresponden al fantástico, «un silencio cuya naturaleza y función consisten precisamente en no poder ser llenado».


title: Género fantástico

text: Pampa Arán comienza por hacer una distinción entre ‘lo fantástico’ «como categoría epistemología» de donde pueden abrevar otros géneros, y ‘el fantástico’. En el primero entrarían las creencias religiosas, fenómenos de ocultismos, folclore, magia, entre otros; y en el segundo a la oposición, en clave literaria, con el realismo.


title: Género fantástico

text: David Roas considera —en un intento conciliador de posturas—, como una condición indispensable para señalar el carácter fantástico de un texto, la intromisión de lo sobrenatural. Aclara que no todos los textos en los que sucedan hechos sobrenaturales —como podría ser la literatura medieval, los libros de caballerías, las epopeyas griegas, y la ciencia ficción— son fantásticos. Considera que la literatura fantástica es la única que necesita de lo sobrenatural para funcionar.


title: Género fantástico

text: Según Jacobino, los orígenes del género podrían remontarse a los mitos clásicos, las leyendas y al arte carnavalesco. Su estudio también ubica la forma moderna del "fantasy" en la literatura gótica. Las primeras muestras de elementos fantásticos pueden encontrarse, en efecto, en antiguas narraciones con fuerte presencia de elementos folklóricos, arraigadas en el imaginario colectivo. El "Poema de gilgamesh", composición sumeria del 2000 a. C., sería uno de los primeros textos que incorporaron elementos como gigantes, dioses e intervenciones sobrenaturales.


title: Género fantástico

text: Además de las grandes composiciones poéticas, la gran cantidad de mitos y leyendas circulantes en las culturas mesopotámica, griega y romana también presentan constantes elementos metafísicos. Así, la canción de la diosa sumeria Inanna, las criaturas a las que se enfrentaron los héroes Jasón y Teseo o las metamorfosis que luego describió Ovidio en su obra constituyen el muestrario de intrusiones de la magia y lo sobrenatural en los relatos de difusión oral.


title: Género fantástico

text: Durante el medioevo prosiguió la difusión del elemento maravilloso a través de la épica y del conjunto de relatos contados por el pueblo; ambos tuvieron como denominador común a la mitología como eje de irrupción de lo sobrenatural. Diferentes ciclos mitológicos como el céltico o el escandinavo tuvieron su auge durante este período gracias a los constantes movimientos demográficos. La mitología céltica tuvo importante impacto en el ciclo de leyendas artúrico, que a su vez resultó una vital influencia para una de las corrientes literarias que incorporó por primera vez elementos maravillosos bajo la firma de un autor: la novela de caballerías. Este género –conocido en inglés como romance– no solo recuperó mitos y leyendas sino que también creó sus propios espacios y leyes de funcionamiento.


title: Género fantástico

text: Algunos de los grandes poemas del período –los sajones "Beowulf" y el "Cantar de los Nibelungos", el "Fornaldarsögur" islándico, el "Majabhárata" indio– narraban grandes sucesos con posibles raíces históricas pero distorsionados por la intervención de lo mitológico. Otras composiciones como el "Cantar de mio Cid" optaron por un enfoque más realista, con alguna utilización de episodios milagrosos pero no la participación de los monstruos o criaturas prodigiosas. A partir de algunos de estos poemas se formaron romances fragmentarios que narraban episodios de lo que alguna vez fueron esos largos poemas. Estas composiciones sufrieron las distorsiones propias de la transmisión oral y experimentaron la incursión de elementos que no se encontraban anteriormente. Según algunos estudios, muchos de estos poemas provenían en realidad de diferentes leyendas que fueron unificadas por los diversos poetas, por lo cual esta fragmentación sería una vuelta a los orígenes de los mismos.


title: Género fantástico

text: El mito clásico pervivió gracias al impacto que la "Eneida" de Virgilio tuvo en la Edad Media, llegando hasta obras como la "Divina Comedia". De otras procedencias son "Las mil y una noches" –cuyo impacto cultural se sintió más bien en el siglo XVIII gracias a su traducción–, que introdujo el género märchen, y el poema épico de Irán, el "Shahnameh".


title: Género fantástico

text: El carnaval, una celebración pública que tiene lugar inmediatamente antes de la cuaresma, era el momento en que las rígidas normas de vida eran trastocadas momentáneamente. Jackson señaló la posible génesis del fantático moderno en esta festividad de origen medieval, ya que el fantástico es una expresión que, al igual que esas festividades, subvierte las normas que rigen el funcionamiento del mundo.


title: Género fantástico

text: La explosión de la novela de caballerías en el Renacimiento permitió el afianzamiento de lo maravilloso en la literatura. Estas novelas, a diferencia de la poesía épica medieval o las narraciones populares tenía un autor definido que podía controlar y subsumir los diferentes elementos que componían la cosmovisión del universo ficticio. Influenciada por la novela "La muerte de Arturo" (1485) de Sir Thomas Malory, esta corriente vio facilitada su desarrollo y difusión gracias a la invención de la imprenta que tuvo lugar en el siglo XV. Autores como Garfio Rodrigue de Montarlo, Torcuato Tasso, Felicito Silva o Ludovico Ariosto cultivaron el género que llegó a su agotamiento tras la publicación de centenares de ejemplares, continuaciones infinitas y críticas por su estilo. Las apariciones sobrenaturales también invadieron el teatro de William Shakespeare, como ocurrió en "Hamlet", donde aparece la sombra del padre del protagonista para reclamar venganza. En la obra hay un famoso pasaje en que Hamlet se cuestionaba si dicha aparición es en verdad su padre o un engaño del demonio, introduciendo, al menos en forma parcial, la incertidumbre que definiría al género fantástico tal y como se lo conoce actualmente. En "Macbeth","Sueño de una noche de verano" y "La tempestad" también se dan cita la magia y criaturas como los faunos. En "La Reina de las Hadas The Faerie Queene", Edmund Spenser utilizó elementos similares en esta suerte de historia alegórica de caballeros, elfos y demás criaturas fantásticas.


title: Género fantástico

text: En Francia, la presencia de lo maravilloso –o "Merveilleux" como se lo denominó– durante el reinado de Francisco I y sus sucesores produjo el asentamiento de los cuentos de hadas. El italiano Giambattista Basile fue uno de los primeros en recopilar y refundir cuentos populares, como ocurrió en el famoso libro "Lo cunto de li cunti overo lo trattenemiento de peccerille" (1634) que fue decisivo para definir el género. Su influencia se hizo sentir sobre Charles Perrault, cuyos cuentos con moralejas expresadas en versos finales neutralizarían el elemento maravilloso a favor de la alegoría, según Todorov. Madame d'Aulnoy, con sus "contes de fées", fue otra autora popular cuya influencia en el uso de elementos folklóricos llegó hasta el romanticismo. Sin embargo, durante el Renacimiento y el período barroco —especialmente con el racionalismo impuesto por los iluministas—, la fantasía atravesó un tiempo de profundo descreimiento y vacío. Desde el renacimiento, la mitología fue reutilizada en forma decorativa y, en el mejor de los casos, alegórica, para diferenciarse de la concepción medieval del mundo. El arte barroco, como apuntó Carlos García Gual, hizo un uso meramente estético de la mitología clásica. Incluso, esta recuperación nostálgica -y algo irónica- produjo una mezcla de motivos helénicos con mitos de otras culturas. Francia fue uno de los pocos países donde el iluminismo y lo fantástico no tuvieron enfrentamientos tan fuertes, desarrollándose toda una tradición de relatos hacia fines del siglo XVII. Además, el fuerte impacto que tuvieron posteriormente autores realistas como Daniel Dafoe, Henry Fielding o Samuel Richardson condenaron a la fantasía a los márgenes de la producción literaria. La publicación del "Malleus Maleficarum" ("El martillo de las brujas") y el movimiento inquisitorial habían contribuido al desprestigio de lo sobrenatural, a no ser que cumpliese con funciones alegóricas o pedagógicas como ocurría con los cuentos de hadas.


title: Género fantástico

text: Durante el siglo XVIII, otras disciplinas artísticas como la ópera incorporaron cada vez más elementos fantásticos como ocurrió con "La flauta mágica" de Wolfgang Amadeus Mozart. La opera, como lo hizo desde su nacimiento, reutilizó la mitología pero gracias a Mozart acentuó una tendencia que convirtió esta utilización en algo más serio que en la "opera buffa" italiana.


title: Género fantástico

text: Los relatos góticos de autores como Horace Walpole ("El castillo de Otranto") o Matthew Lewis ("El Monje") estarían entre los primeros autores modernos de ficciones fantásticas junto al alemán E. T. A. Hoffmann. No obstante, las diversas teorías genéticas apuntan no a los orígenes modernos sino a la época de la cultura oral, al folclore y la difusión de relatos boca a boca como verdadera fuente del género.


title: Género fantástico

text: La transformación del fantástico moderno fue analizada por Pasavante, quien sostuvo que los cambios en diferentes aspectos de la vida (educación, economía, jurisprudencia, religión) produjeron que el sujeto moderno abandonara las supersticiones o que al menos no fuese tan crédulo como antes. Por ese motivo, sumado a la existencia de un autor tangible –de lo cual carecía el relato folclórico–, los escritores debieron ingeniárselas para producir los efectos propios del género sirviéndose de nuevos medios.


title: Género fantástico

text: La evolución del género fantástico moderno ha generado muchos nuevos subgéneros sin una clara contrapartida en la mitología o el folclore, aunque la inspiración en estos sigue siendo el tema más recurrente. Los subgéneros fantásticos son numerosos y muy diversos, y con frecuencia se superponen con otras formas de ficción en casi todos los medios en los que se producen. Cabe hacer especial mención en los subgéneros de ciencia ficción fantástica, fantasía oscura y fantasía épica.


title: Género fantástico

text: Asumiendo que previo a la aparición del componente fantástico «las fantasías de aventuras subrayan el aspecto cotidiano que rodea a los personajes, pues conviene que lectores y espectadores identifiquen su propio mundo con el mundo primario del relato», y en consecuencia la existencia de un mundo primario con las características de nuestro mundo, y un mundo secundario fantástico, podemos distinguir tres modos de relación entre ambos:Estos mundos secundarios pueden ser explorados por sus protagonistas de tres maneras diferentes:


title: Género fantástico

text: Existen múltiples manifestaciones de este género.


title: Nana Mizuki

text: Desde la infancia el canto y el piano fueron aprendidos de sus padres, y también en clases que tomó en su niñez. Al momento de entrar a la secundaria se mudó a la Escuela Secundaria Horikoshi, donde por primera vez fue expuesta al ambiente artístico. La gran ambición era llegar a convertirse en cantante, y la idea de convertirse en seiyū surgió algún tiempo después.


title: Nana Mizuki

text: En 1998 debutó como seiyū, prestando su voz para "NOёL ～La neige～", videojuego para la consola PlayStation. Su primer papel de anime fue ese mismo año, al participar con su voz en "Jikūtantei Genshikun".


title: Nana Mizuki

text: A fines del año 2000 debutó como cantante, con el lanzamiento de su primer sencillo titulado «Omoi».


title: Nana Mizuki

text: El 2001 realizó su primer concierto y también lanzó su primer álbum original de estudio, el que fue titulado "supersonic girl". Este mismo año, para el anime "Shichinin no Nana", formó la unidad conocida como nana×nana junto con las seiyūs Madoka Akita, Mai Asaki, Mai Nakahara, Kaori Nazuka, Yukari Fukui y Sumomo Momomori, donde aparte de realizar la interpretación cantaron el tema principal de la serie.


title: Nana Mizuki

text: El 2002 comienza a transmitirse el programa de radio de Nana llamado "Mizuki Nana Smile Gangster".


title: Nana Mizuki

text: Durante esos años, Mizuki disfrutó de un éxito modesto en Japón. Que comenzaría a aumentar con el lanzamiento de su décimo sencillo "Inoccent Starter" 2004 en que alcanzó el Top 10 de las listas Oricon situándose en el puesto N.º9.


title: Nana Mizuki

text: Posteriormente, en 2005, su sencillo n.º 12 «ETERNAL BLAZE» llega al segundo lugar en las listas de Oricon, convirtiéndose en su trabajo musical más exitoso hasta ese momento. Desde este punto la carrera musical de Nana no ha dejado de considerarse exitosa, con prácticamente todos sus álbumes y sencillos llegando a los primeros lugares de las listas de su país.


title: Nana Mizuki

text: El 2007, en el mes de marzo Nana gana la Mejor Interpretación Musical en la primera entrega de los Seiyū Awards por su canción ""Justice to Believe"", que es también su sencillo n.º 14.


title: Nana Mizuki

text: El 2009, su álbum n.º 7 "ULTIMATE DIAMOND" alcanza el primer lugar de las listas de álbumes Oricon, siendo la primera seiyū en lograr esta hazaña. También realiza en julio del mismo año un concierto en el Seibu Dome titulado "LIVE DIAMOND" reuniendo a más de 30.000 personas, y previamente, en enero, una serie de conciertos en Budokan bajo el nombre de LIVE FEVER. Es invitada a participar en el Kohaku Uta Gassen también.


title: Nana Mizuki

text: El 2010, su sencillo n.º 21 "PHANTOM MIND" llega a la primera posición en las listas Oricon en enero, y, más tarde, en febrero, su sencillo n.º 22 "Silent Bible" llega a la tercera de posición de las mismas. En este mismo mes, realizó una gira de siete conciertos titulada "LIVE ACADEMY 2010" en la cual fue anunciado que Mizuki gana el Premio Memorial Tomiyama Kei en la cuarta entrega de los Seiyū Awards, y es nombrada como Embajadora de Turismo en su ciudad natal Niihama (Ehime).


title: Nana Mizuki

text: En julio del mismo año lanza su octavo álbum de estudio, titulado "IMPACT EXITER", que debuta en el segundo puesto de las listas Oricon, vendiendo en su primer día un total de 36,292 copias. Los días 24 y 25 de julio realizó dos conciertos a entradas agotadas en el Seibu Dome, titulados "LIVE GAMES BLUE AND RED STAGE", en los cuales anunció que escribirá un libro autobiográfico, con motivo del décimo aniversario de su debut como cantante


title: Nana Mizuki

text: El 2011, realizó "LIVE JOURNEY", "LIVE GRACE ORCHESTRA" y "LIVE CASTLE", lanzando también tres nuevos singles (SCARLET KNIGHT, POP MASTER y Junketsu Paradox) y una nueva compilación o álbum (THE MUSEUM II).


title: Nana Mizuki

text: El 2012, realizó un tour llamado "LIVE UNION" viajando por varias ciudades en Japón, lanzando otros tres nuevos singles (Synchrogazer, TIME SPACE EP y BRIGHT STREAM el cual llegó al número uno en la lista Oricon y también hizo un nuevo record en ventas) y otro nuevo álbum (ROCKBOUND NEIGHBORS que también estuvo en primer lugar en la lista Oricon).


title: Nana Mizuki

text: El 2013, realizó su segundo concierto acompañado de una orquesta, este fue llamado "LIVE GRACE -OPUS II-" en la Saitama Super Arena. También realizó otra gira nombrándola "LIVE CIRCUS 2013" presentándose en varias ciudades de Japón y por primera vez en Taiwán.


title: Nana Mizuki

text: Lanzó su sencillo número 29 titulado Vitalization. También lanzó dos sencillos en colaboración con T.M Revolution (Nishikawa Takanori). El primer sencillo se tituló Preserved Roses (15/05/13) para el anime "Kakumeiki Valvrave" y en octubre de 2013 se lanzó un segundo sencillo titulado Kakumei Dualism (23/10/13) para la segunda temporada de ese mismo anime. Ambos temas son openings de la serie y dichosos discos tuvieron muy buen puesto en el Oricon llegando así a los primeros puestos.


title: Nana Mizuki

text: En el Live Circus 2013 Nana anuncio la llegada de Nana Clips 6 que saldrá a la venta a fines de 2013. También en su radio anuncio la llegada de "El Nana Fest 2014" llegando así sus 14 años de carrera como cantante.


title: Nana Mizuki

text: Mizuki anunció su matrimonio con una persona de la industria de la música el 7 de julio de 2020 en su blog. El 6 de noviembre de 2020, anunció en su blog que estaba embarazada de su primer hijo. El 16 de marzo de 2021, Mizuki anunció en su blog que había dado a luz con éxito a su primer hijo.


title: Nana Mizuki

text: Los personajes principales se encuentran en negrita. Los personajes escritos en negrita corresponden a un rol protagonista o importante.


title: Nana Mizuki

text: Mizuki ha trabajado junto a Masaya Matsukaze, Kenichi Suzumura y Mamiko Noto en al menos dos animes en los que los personajes que interpretaban tenían una fuerte relación entre sí:


title: Alex Lifeson

text: Aleksandar Zivojinović (Fernie, Columbia Británica; 27 de agosto de 1953) mejor conocido como Alex Lifeson, es un músico canadiense, más conocido por ser el guitarrista de la banda de rock progresivo Rush. Fundó Rush en el verano de 1968, y ha sido integrante de la banda desde entonces; es el guitarrista y además de tocar las guitarras eléctricas y acústicas, ejecuta otros instrumentos de cuerda. También hace los coros durante las presentaciones en concierto, y de vez en cuando toca el sintetizador. Lifeson, como los otros miembros de Rush, activa en tiempo real samplers de instrumentos no convencionales, mientras toca la guitarra. Aparte de la música, posee una pequeña compañía de su invención, “The Omega Concern”; es copropietario del restaurante “The Orbit Room”, en Toronto; es aficionado al motociclismo y tiene licencia para pilotar aeronaves.


title: Alex Lifeson

text: Junto con sus compañeros de banda Geddy Lee y Neil Peart, Lifeson fue condecorado con la Orden de Canadá, en el grado de oficial, el 9 de mayo de 1996, siendo el primer grupo musical en obtener dicho reconocimiento.


title: Alex Lifeson

text: Alex Lifeson nació en Fernie, Columbia Británica y es hijo de una pareja de inmigrantes serbios, Nenad y Melka Zivojinovich (en serbio: Živojinović; cirílico:Живојиновић). Su nombre artístico, "Lifeson", es una especie de traducción de su apellido, que en serbio significa "hijo de la vida" (en inglés: "son of life"). Pronto, su familia se muda a Toronto, donde Lifeson continúa su escolaridad y trata infructuosamente de aprender a tocar el violín. A la edad de 13 años, recibe, como regalo de Navidad, una guitarra acústica Kent, de 11 dólares. Comienza entonces su formación musical, explorando los genios que en aquel momento salían a la luz, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Jimmy Page.


title: Alex Lifeson

text: En esa época, Lifeson consiguió trabajo en una estación de gasolina, para comprar una guitarra y formar posteriormente su primera banda, Hadrian, junto a otros músicos de Toronto, el baterista John Rutsey y un desfile de músicos, como Mitch Bossi, Joe Perna y Lindi Young. La banda pasa a llamarse luego The Projection, y finalmente, Rush, junto con la llegada del bajista Jeff Jones. La primera formación de Rush tenía ya las influencias de Cream y Led Zeppelin, pero el resultado musical no dejaba satisfecho al joven Lifeson, quien decide convocar a su compañero de escuela Geddy Lee, para pedirle, además del amplificador, su incorporación a la banda en calidad de bajista y cantante.


title: Alex Lifeson

text: Tomó algún tiempo para la nueva formación (que más tarde incorporaría a Neil Peart en la batería) en acoplarse y producir el sonido que estaban buscando. Sin embargo, con el álbum "2112", (lanzado en 1976), Rush había comenzado a recorrer la ruta que los convertiría eventualmente en uno de los espectáculos hard rock más populares y exitosos en el mundo. Durante la subsiguiente secuencia de álbumes clásicos, lo más selecto de la calidad de la guitarra de Lifeson se dejó escuchar en una variedad de temas maravillosos, pero especialmente en "Xanadu" ("A Farewell to Kings", 1977), "La Villa Strangiato" ("Hemispheres", 1978), "Freewill" ("Permanent Waves", 1980), y "YYZ" ("Moving Pictures", 1981). Durante los años 1980, la guitarra de Lifeson tomó un papel secundario, debido a la experimentación de Rush con sonidos sintetizados y electrónicos. Posteriormente, en los años 90, la guitarra retomaría el papel principal en las composiciones de la banda, con un Alex Lifeson más maduro y virtuoso, a la par de los grandes talentos del rock progresivo de todos los tiempos.


title: Alex Lifeson

text: Actualmente, Alex Lifeson reside en las afueras de Toronto. Está casado con Charlene y tiene dos hijos, Justin y Adrian.


title: Alex Lifeson

text: El grueso del trabajo musical de Lifeson ha sido junto a su banda Rush (ver Rush), aunque también ha desarrollado una considerable cantidad de trabajo artístico fuera de ella:


title: Alex Lifeson

text: En la primera etapa de Rush, Lifeson utilizó una Gibson ES-335 en la grabación de los primeros cuatro álbumes: "Rush"; "Fly by Night"; "Caress of Steel"; y "2112". Para la gira promocional de "2112", utilizó una Gibson Les Paul 1974 y amplificadores Marshall. Para las sesiones de grabación de "A Farewell to Kings", Lifeson comenzó a utilizar una Gibson EDS-1275 (de mástil doble,  similar a la de Jimmy Page) para canciones como "Xanadu", mientras que su guitarra principal se convirtió en la ya famosa Gibson ES-355 de color crema, con la mayor parte de su amplificación saliendo por amplificadores "Hiwatt". Simultáneamente, utilizó varios pedales con efectos "phaser", "flanger" y "Wah-wah Cry Baby", junto con un amplificador Marshall "Plexi Super Lead" (que tiene un panel delantero hecho de plexiglás).


title: Alex Lifeson

text: Ya a finales de los años 70, incorporó cada vez más la guitarra de doce cuerdas (acústica y eléctrica) y el efecto "chorus" (con el "Boss Chorus Ensemble" y, más adelante, el Roland "Dimension C") en su sonido. En la época del álbum de 1982, Signals, la guitarra principal de Lifeson era una Stratocaster modificada con pastillas o micrófonos de doble bobinado Bill Lawrence Humbucker L-500 de alta potencia (un modelo más adelante hecho famoso por  Dimebag Darrell) en la posición del puente, con un puente Floyd Rose.


title: Alex Lifeson

text: A medida que los años 1980 avanzaban, Alex Lifeson cambió sus micrófonos de pasivos a activos y de la amplificación por tubos de vacío a amplificación de estado sólido, con una cantidad cada vez mayor de procesamiento digital. Utilizó guitarras Stratocaster desde principios de los años 1980 hasta 1986, en las grabaciones en estudio y en cada gira, desde "Permanent Waves" hasta "Power Windows". Para los álbumes "Moving Pictures" y "Signals", Lifeson utilizó hasta cuatro amplificadores marrones Marshall 4140 Club & Country, de 100 vatios, bastante poco comunes, que le daban a su guitarra el tono quizás más característico hasta hoy. Lifeson fue también, después, un patrocinante de la línea de amplificadores de estado sólido para guitarra Gallien-Krueger. A finales de los años 1980, migró a amplificadores Carvin para grabar en estudio y a la ya extinta marca canadiense de guitarras Signature, tanto en concierto como en  estudio.


title: Alex Lifeson

text: Lifeson utilizó principalmente guitarras PRS (Paul Reed Smith) durante la grabación de "Roll the Bones" entre 1990 y 1991. Tanto en la grabación como en la gira promocional de "Counterparts" (1993), volvió a los amplificadores Marshall y continuó usando guitarras PRS. En una canción de ese álbum -"Stick It Out"-, Lifeson utilizó la Gibson Les Paul para crear un tono más profundo y más resonante en la frase principal, empleando la PRS únicamente para el solo de guitarra. Lifeson utiliza actualmente guitarras PRS, Gibson y Fender; amplificadores y  gabinetes Hughes & Kettner Triamp MK II y zenTera. En 2005, Hughes & Kettner creó la serie de amplificadores "Alex Lifeson" y 50 dólares de cada amplificador vendido serán donados a UNICEF


title: Alex Lifeson

text: Para la grabación del álbum "Snakes & Arrows", Alex Lifeson utilizó guitarras acústicas Garrison GGC-50-CE, OM-40 y GD25-12. Sin embargo, para la gira promocional del álbum, en 2007, ha instalado micrófonos Fishman Aura con sistema piezoeléctrico en sus guitarras Les Paul para simular el sonido de la guitarra acústica sin tener que cambiar de instrumento. Así mismo, sustituyó los cerebros de sus amplificadores zenTera y Hughes & Kettner por Switchblade  (que, como los zenTera, incluyen efectos digitales programables, tales como chorus y delay, pero son alimentados por tubos en lugar de transistores), mientras que conserva su serie personalizada de amplificadores Hughes & Kettner. Los efectos que utiliza durante esta gira incluyen un rack multiefectos TC Electronics G-Force, un ampliador espacial TC Electronics 1210 y un delay/flanger Loft 440, así como los efectos incorporados en los cerebros Switchblade.


title: Alex Lifeson

text: Durante las presentaciones en vivo de Rush, Lifeson utiliza un controlador MIDI que le permite emplear sus pies para activar sonidos de samplers digitales, sin quitar sus manos de la guitarra (Lifeson utilizaba pedales Moog Taurus antes de que quedaran obsoletos y fuesen sustituidos por pedales MIDI en los años 1980). Debido a que los tres miembros de Rush comparten el deseo de presentar sus canciones en concierto lo más fielmente posible con respecto a las versiones en estudio, a finales de los 80, la banda se equipó con un rack de samplers de gran capacidad. Rush utiliza dichos samplers para reproducir virtualmente todos los sonidos de instrumentos extraños, acompañamientos, armonías vocales y en general, todos los sonidos y secuencias complejas que anteriormente requerían de varias máquinas para producirse. Con la ayuda de esta tecnología, Lifeson y sus compañeros de banda se aseguran de que su sonido en concierto tenga la complejidad y fidelidad que los fanáticos esperan escuchar, sin la necesidad de utilizar pistas o agregar un músico invitado.


title: Alex Lifeson

text: Además de las guitarras y efectos, Alex Lifeson también ha tocado mandolina y buzuki en la grabación de algunos álbumes de Rush.


title: Alex Lifeson

text: El 31 de diciembre de 2003, durante una fiesta de víspera de Año Nuevo en el Hotel Ritz Carlton de Naples (Florida), Estados Unidos, Lifeson, su hijo Justin y la esposa de este último fueron arrestados luego de un confuso incidente con la policía local. Luego de ser liberado, Lifeson presentó cargos por supuesta brutalidad policial, alargando las secuelas de este evento, que aún no ha sido definitivamente cerrado. Este episodio en la vida del guitarrista ha afectado su estado de ánimo aunque no visiblemente, de acuerdo con declaraciones de Neil Peart en su libro "Roadshow".


title: Porphyra

text: Porphyra es un género de las algas rojas de cerca de 70 especies. Viven en la zona intermareal, comúnmente entre el intermareal superior y la zona de rompimiento de las olas.


title: Porphyra

text: El "thallus" o talo, es una hoja foliosa, de una o dos células de espesor, y su rango de tamaño entre unos pocos centímetros y tres metros, según la especie. Las hojas surgen individualmente desde un pequeño fijador discoidal. Las células basales tienen rizoides La morfología de las hojas varía de orbicular a lineal, con márgenes suaves, dentados o arrugados. Uno o dos cloroplastos estrellados con un gran pirenoide central por célula.  Muestra una alternación heteromórfica de generaciones. El "thallus" que vemos es la generación haploide, se puede reproducir asexualmente mediante la formación de esporas que crecen para replicar el "thallus" original. También puede reproducirse sexualmente. Tanto los gametos masculinos como femeninos, son formados en el "thallus". Los gametos femeninos, mientras todavía están en el "thallus", son fertilizados por los gametos masculinos liberados, los que son inmóviles.


title: Porphyra

text: El carposporangio fertilizado, ahora diploide (2n), produce esporas (carposporas) que se establecen, taladran conchas, germinan y forman un estado filamentoso, que se pensó originalmente que correspondía a una especie distinta y fue denominada "Conchocelis rosea". Ahora se sabe que es el estado diploide de "Porphyra". Las esporas se producen luego de la meiosis, que al ser liberadas y cuando se asientan en un sitio apropiado, se convierten en la planta que conocemos como "Porphyra". El género "Porphyra" ha sido objeto de revisión recientemente, basándose en análisis moleculares que han concluido en el traslado de muchas de sus especies a géneros nuevos o existentes, como el género "Pyropia", que ha recibido a "P. tenera", "P. yezoensis" o "P. haitanensis", hasta entonces en "Porphyra", y como especies muy populares, al ser comestibles por el ser humano.


title: Porphyra

text: El Registro Mundial de Especies Marinas, "WoRMS", en inglés, acepta las siguientes especies de "Porphyra": Cosmopolita, se distribuye por todos los continentes, desde aguas polares a tropicales, incluyendo las templadas. Según las especies, hay breves fases foliosas, o haploides, de verano o invierno; siendo probablemente perennes las fases diploides de todas las especies.


title: Geddy Lee

text: Gary Lee Weinrib (Toronto, ) más conocido como Geddy Lee, es un músico canadiense cuya popularidad se debe a su participación como vocalista, bajista, teclista y compositor de la también canadiense banda de rock progresivo Rush. Lee entra a formar parte de la alineación de Rush en septiembre de 1968 por invitación de su amigo de la infancia, Alex Lifeson. Como músico ganador de varios galardones, el estilo, la técnica y la destreza de Lee en la ejecución del bajo han sido de notable influencia en otros artistas de rock y metal, como Steve Harris de Iron Maiden, Nikki Sixx de Mötley Crüe, John Myung de Dream Theater, Les Claypool de Primus y Cliff Burton de Metallica.


title: Geddy Lee

text: Además de su trabajo como compositor, arreglista e intérprete de Rush, Lee también ha producido álbumes para otras bandas, como Rocket Science. También tiene una producción como solista, My Favorite Headache, lanzado en 2000. Junto con sus compañeros de banda, Alex Lifeson y Neil Peart, fue honrado con la Orden de Canadá el 9 de mayo de 1996, siendo la primera banda de rock en recibir dicho reconocimiento, como grupo.


title: Geddy Lee

text: Geddy Lee nació en Willowdale en la ciudad de Toronto en Ontario Canadá y sus padres eran refugiados judíos de Polonia, sobrevivientes de los campos de concentración establecidos por el régimen Nazi en Dachau y Bergen-Belsen durante la Segunda Guerra Mundial. Su nombre artístico ("Geddy") proviene de la pronunciación que hacía su madre -con un marcado acento centroeuropeo- de su nombre de pila, "Gary". En la escuela primaria, asistió a clases junto con el hoy famoso comediante Rick Moranis. Lee se casó con Nancy Young en 1976 y tiene dos hijos: Julian y Kyla.


title: Geddy Lee

text: La mayor parte del trabajo musical de Lee ha sido como parte de su banda, Rush (ver "Rush"). Sin embargo, tiene un álbum como solista, "My Favorite Headache", lanzado en el año 2000, mientras Rush se encontraba en una pausa artística. En ese álbum, Lee cuenta con la colaboración del Violinista canadiense Ben Mink (quien ya había colaborado con Rush en el álbum "Signals") y con la del baterista estadounidense Matt Cameron (de Soundgarden y Pearl Jam).


title: Geddy Lee

text: En los primeros álbumes con Rush, Lee emplea un registro de voz inusualmente agudo para un varón adulto, entrando en la categoría de contratenor. Gradualmente, en la medida en que sus cuerdas vocales van acusando cansancio debido a la cantidad de recitales con la banda, su registro se va desplazando hacia la tesitura de tenor, que es la que se le escucha en las grabaciones más recientes.


title: Geddy Lee

text: En el año 2000 publicó su primer álbum como solista llamado "My Favorite Headache"; producido por Geddy Lee, Ben Mink y David Leonard, bajo el sello Atlantic Recording Corporation, con 11 track escritos por Geddy Lee y con música de Lee y Ben Mink.


title: Geddy Lee

text: Adicionalmente, ha participado como músico invitado en:


title: Geddy Lee

text: Lee ha utilizado un muy diverso equipamiento musical a lo largo de su carrera:


title: Geddy Lee

text: Para las primeras presentaciones a principios de los años 70 y para la grabación del primer álbum de Rush (titulado también "Rush"), Lee utilizó un bajo Fender "Precision". A partir de "Fly by Night", se decantó por la marca Rickenbacker, particularmente el modelo "4001" y posteriormente, durante "Permanent Waves", "Moving Pictures" y "Signals", utilizó un bajo Fender "Jazz Bass". Desde 1981, Lee introdujo el bajo Steinberger, sin cabeza y más compacto, cuyo sonido acompañó las canciones de la gira del álbum "Signals" y la grabación y gira de "Grace Under Pressure". Desde 1985 hasta 1992, utilizó dos bajos marca Wal, de fabricación británica. Volvió nuevamente al Fender "Jazz Bass" para la grabación de "Counterparts" en 1993 y desde entonces lo utiliza casi exclusivamente. De hecho, en 1998, la empresa Fender lanzó una edición especial: el bajo "Geddy Lee Jazz Bass", que no es otra cosa que una réplica exacta del modelo "Jazz Bass" que Lee compró a mediados de la década de los 70 en una casa de empeños en Kalamazoo, Míchigan.


title: Geddy Lee

text: Como notables excepciones, Lee utilizó una réplica fretless (sin trastes) del bajo Fender "Jaco Pastorius Jazz Bass" para la grabación de la canción "Malignant Narcissism", del álbum "Snakes & Arrows" de 2007 y desempolvó el Rickenbacker "4001" para interpretar "A Passage to Bangkok" durante la gira de promoción del mismo álbum. Actualmente, Lee utiliza cuerdas entorchadas Rotosound "Swing Bass".


title: Geddy Lee

text: Sus primeros amplificadores eran modelo "Sunn" y/o "Ampeg", directamente para tocar en concierto. A finales de los años 70, comenzó a utilizar una configuración única, consistente en preamplificadores "Ashly" y amplificadores "BGW", que eran conectados en estéreo con el Rickenbacker "4001": el micrófono del mástil se enviaba a un amplificador con sonido limpio y pesadamente grave, mientras que el micrófono del puente estaba conectado al otro amplificador con una ecualización exageradamente hacia los agudos y con una ganancia extra en la preamplificación. Esta es la razón del sonido único producido por Lee en todas las canciones entre 1977 y 1982. Aún habiendo cambiado el modelo de bajo, mantuvo este esquema de amplificación hasta 1991. Para la gira promocional de "Roll the Bones", Lee migra a amplificadores "Gallien-Krueger" y, posteriormente, a "Trace Elliot".


title: Geddy Lee

text: A partir de 2002, adquiere la costumbre de conectar su instrumento directamente a la consola principal, utilizando monitores tipo audífono. Como consecuencia, gran parte de la tarima queda vacía en escena, lo cual inspiró a Lee a incorporar elementos visuales a la experiencia del concierto: durante la gira de "Vapor Trails", la banda incorporó tres secadoras de ropa, en el lugar que anteriormente ocupaban los amplificadores del bajo.


title: Geddy Lee

text: A través de los años, Lee ha utilizado sintetizadores como los Oberheim (de ocho voces, el OB-1, el OB-X y el OB-Xa), PPG (2.2 y 2.3), Roland (Jupiter 8, D-50 y XV-5080), Moog (Minimoog, pedales "Taurus" y el "Moog Little Phatty") y el Yamaha DX7. Lo notable es que utilizaba secuenciadores que estaban aún en su etapa de desarrollo tecnológico, práctica que continuó con los años, además de utilizar samplers digitales. Combinados, estos dispositivos electrónicos nos han brindado sonidos únicos, como el "rugido" que se escucha en "Tom Sawyer" o la melodía sincopada en el coro de "The Spirit of Radio".


title: Geddy Lee

text: A partir de Counterparts" (1993), Rush comenzó a reducir la cantidad de sonido electrónico sintetizado en sus composiciones, hasta llegar a "Vapor Trails" (2002), un álbum completamente sin teclados, con un sonido extraordinariamente rico, lo cual no deja de ser notable teniendo en cuenta que los únicos sonidos son la voz, guitarra, bajo y batería.


title: Geddy Lee

text: Los avances de la tecnología en sonido sintetizado le han permitido a Lee almacenar todos los sonidos familiares que guardaba en sus antiguos sintetizadores en combinación con samplers, siendo el ejemplo perfecto el equipo que utiliza actualmente, el Roland XV-5080. La extraordinaria capacidad de este sintetizador le ha permitido a la banda reproducir virtualmente todos los sonidos que ha utilizado en todas sus grabaciones, así como también secuencias complejas que anteriormente requerían de varias máquinas para producirse.


title: Geddy Lee

text: Como ya es costumbre, al tocar en concierto, Lee y sus compañeros tratan de recrear sus canciones lo más fielmente posible a la versión original y los samplers digitales les permiten recrear en tiempo real los sonidos de instrumentos extraños, acompañamientos, armonías vocales y en general, todos los sonidos que son familiares para las personas que hayan escuchado algún álbum de Rush. Para activar estos sonidos en tiempo real, Lee emplea controladores MIDI colocados en los sitios de la tarima donde están ubicados los micrófonos que utiliza para cantar. Estos controladores son de dos tipos: uno está incorporado dentro de un teclado tradicional colocado en un atril (Yamaha KX76), mientras que el otro es una especie de teclado de pedales grandes situado en el piso (Korg MPK-130 y Roland PK-5).


title: Geddy Lee

text: Combinados, ambos permiten a Lee utilizar sus manos (siempre que las tenga libres) y sus pies para activar los sonidos en un equipo especial colocado fuera del escenario. De esta manera, el sonido de la banda en concierto tiene la complejidad y fidelidad que los fanáticos esperan escuchar, sin la necesidad de utilizar pistas o agregar un músico adicional.


title: Torneo de Umag

text: El Torneo de Umag es un torneo oficial de tenis masculino que se disputa en Umag (Croacia) dentro del calendario masculino en la categoría ATP World Tour 250. Se juega sobre tierra batida desde la temporada 1990 durante la temporada de verano de torneos sobre polvo de ladrillo en Europa.


title: Torneo de Umag

text: El jugador que más veces ha ganado el torneo es el español Carlos Moyá, que lo ganó en 5 ocasiones.


title: Las que tienen que servir (obra de teatro)

text: Las que tienen que servir es una obra de teatro del dramaturgo español Alfonso Paso. La obra consta de dos actos, el último con dos cuadros. Se estrenó en Madrid en 1962.


text: Narra, en tono cómico, las vicisitudes de dos empleadas de servicio doméstico que aspiran a formar su propia familia.


text: Estrenada en el Teatro Infanta Isabel de Madrid, fueron sus actores principales Concha Velasco, Agustín González, Gracita Morales, Manolo Gómez Bur, Luis Morris, José Blanch, Ricardo Garrido, Porfiria Sanchiz, Kety Ariel, Julia López Moreno y Sergio Mendizábal. La producción fue dirigida por José Luis Sáenz de Heredia.


text: En 1967 José María Forqué rodó la versión cinematográfica, con una película del mismo título.


title: Las que tienen que servir

text: Las que tienen que servir puede tratarse de:


title: Torneo de Sopot

text: El Orange Prokom Open de Sopot fue un torneo de tenis, el más importante que se disputaba en Polonia dentro del calendario de la ATP. Se jugaba sobre tierra batida desde la temporada 2001.


title: Torneo de Sopot

text: El torneo comenzó en 1992 como un pequeño challenger y fue creciendo hasta alcanzar ser el primer torneo de WTA en Polonia (luego se mudó a Varsovia). El español Tommy Robredo fue el único jugador que se impuso más de una vez en el torneo (2001 y 2007) mientras que en dobles, la pareja checa formada por Frantisek Cermak y Leoš Friedl, y la polaca Mariusz Fyrstenberg y Marcin Matkowski se impusieron en 3 ocasiones cada una. Fue el torneo en que Rafael Nadal logró su primer título ATP


title: Torneo de Sopot

text: Desde la temporada 2008 se disputa en Varsovia.


title: Universidad de Oñate

text: La Universidad de Oñate (; ), oficialmente Universidad del Espíritu Santo () fue una universidad española fundada en 1540 por bula de Paulo III. En la universidad llegó a contar con facultades de Leyes, Cánones, Artes, Medicina y Teología, hasta su clausura en 1842.


title: Universidad de Oñate

text: La universidad sufrió numerosos altibajos debido a motivos económicos y a la tensión entre carlistas y liberales. Fue reabierta durante la Tercera Guerra Carlista bajo el nombre Real y Pontificia Universidad Vasco-Navarra y de nuevo entre 1895 y 1901, cuando fue definitivamente clausurada por falta de medios económicos.


title: Universidad de Oñate

text: Fue la primera y única universidad del País Vasco hasta la aparición de la Universidad de Deusto en 1886. En la actualidad, el edificio de la universidad alberga el Instituto Vasco de Administraciones Públicas y el Instituto Internacional de Sociología Jurídica de Oñati. Es Bien de Interés Cultural.


title: Universidad de Oñate

text: Se ha descubierto que en los años 1806-1807 se matriculó en ella Mª Antonia de Cortázar, la primera mujer matriculada en una Universidad estatal.


title: Universidad de Oñate

text: Fundada por el obispo y humanista oñatiarra Don Rodrigo Sáez de Mercado de Zuazola en 1540 bajo el nombre de "Universidad del Sancti Spiritus" y mediante un bula del Papa Pablo III. Las especialidades que impartía eran Teología, Leyes, Cánones, Artes y Medicina. La universidad fue estrictamente católica hasta que en 1869, tras la Revolución de 1868, albergó la "Universidad libre". Más tarde pasó a manos de los carlistas, quienes fundaron la "Real y Pontificia Universidad Vasco-Navarra". A finales de siglo se convirtió en la "Universidad libre católica", pero la institución cerró sus puertas en 1901. El País Vasco se quedó sin universidades, vacío que condujo a la fundación en Bilbao de la Universidad de Deusto. En la actualidad, desde 1989, el edificio acoge el Instituto Internacional de Sociología Jurídica (IISJ).


title: Universidad de Oñate

text: En 1931 el edificio fue declarado Monumento Histórico-Artístico Nacional. Es Bien de Interés Cultural.


title: Universidad de Oñate

text: La Universidad Sancti Spiritus constituye uno de los edificios renacentistas más notables del País Vasco, y es un exponente del arte de transición del plateresco al manierismo purista. La construcción del edificio se inició en 1543 bajo el patronazgo del emperador Carlos I, participando en la misma el maestro cantero Domingo de la Carrera y el escultor Pierres Durand, más conocido como Pierre Picart.


title: Universidad de Oñate

text: El edificio tiene planta cuadrada articulada en torno a un magnífico patio central, el cual distribuía en su planta baja la capilla, las aulas, la cocina y el refectorio, y en su planta superior los dormitorios y el aula magna. Se trata de una construcción de doble arquería de medio punto, con sobreclaustro abalaustrado, gárgolas de tradición gótica en los aleros y enjutas decoradas con escudos y medallones que portan efigies por parejas de figuras históricas y mitológicas, sin faltar los emperadores Carlos I y su esposa Isabel de Portugal. Sobre el césped central, una escultura de Jorge Oteiza titulada "La Tierra y la Luna". Son también de destacar los artesonados de inspiración mudéjar, especialmente el que cubre la escalera de acceso a la primera planta del claustro, labrados por un tallista abulense llamado Gibaja.  Fue levantada por Pierre Picart en torno a 1546. Se construyó primero la portada central con la entrada principal, que tiene gran similitud con la del Convento de las Dueñas de Salamanca. A ambos lados se añadieron sendos pilastrones esculpidos con figuras de bulto, relieves y columnillas, y prolongados con torrecillas, a inspiración del Colegio de Santa Cruz de Valladolid. Otros dos pilastrones de similar traza se sitúan en los esquinales de cada torre lateral, que son un piso más altas que el cuerpo principal. Las cuatro torrecillas así como los restantes seis vértices de las aguas de los tejados de los cubos laterales son rematadas por figuras de guerreros.


title: Universidad de Oñate

text: El plan iconográfico de la fachada planteaba al estudiante la necesidad de ejercitarse en valores y virtudes resultantes de la síntesis pagana y cristiana; así, mientras en las bases Hércules cumple con sus trabajos, en los cuerpos superiores se distribuyen un surtido de mártires, virtudes y santos, algunos relacionados con el estudio. Para poder ingresar en el edificio hay que pasar entre San Agustín y San Jerónimo, paradigmas de la filosofía neoplatónica y la erudición teológica, y por debajo de la imagen del propio fundador, el obispo Zuazola, en actitud orante, y del escudo de armas imperial.


title: Universidad de Oñate

text: La Capilla de Sancti Spiritus posee un retablo plateresco de gran valor artístico. Su ejecución fue contratada en Valladolid en 1534 por el obispo de Ávila con el entallador Gaspar de Tordesillas, en tanto que de su dorado y estofado se debieron encargar al año siguiente los pintores abulenses Jerónimo Rodríguez y Cristóbal de Bustamante. Sito bajo una bóveda de nervadura cuadrifoliada, se trata de una pieza de cuatro alturas más predela y siete entrecalles separadas por balaustres, de traza escalonada, e imágenes exentas en lugar de relieves narrativos. Los temas centrales son la Asunción de la Virgen María, los patronos de la universidad y la villa, el Espíritu Santo y San Miguel. El tímpano es curvo, lo que da al conjunto un aspecto aovado.


title: Cirsium discolor

text: Cirsium discolor es una especie de fanerógama perteneciente a la familia Asteraceae.


title: Cirsium discolor

text: Es una planta herbácea perenne con tallo erecto espinoso y hojas verdes, alternas, lobuladas, espinosas y con fina vellosidad en la parte inferior. Las flores de color púrpura en forma de cardos terminales. El fruto es un vilano. Se encuentra en las áreas húmedas del este de Norteamérica. "Cirsium discolor" fue descrita por (Muhl. ex Willd.) Spreng. y publicado en "Systema Vegetabilium, editio decima sexta" 3: 373. 1826. Cirsium: nombre genérico que deriva de la palabra griega: "kirsos" = varices ; de esta raíz deriva el nombre "kirsion", una palabra que parece servir para identificar una planta que se utiliza para el tratamiento de este tipo de enfermedad. De "kirsion", en los tiempos modernos, el botánico francés Tournefort (1656 - 708) ha derivado el nombre "Cirsium" del género.


title: Cirsium discolor

text: discolor: epíteto latino que significa "con dos colores".


title: Pygoscelis calderensis

text: Pygoscelis calderensis es una especie de pingüino extinta del Mioceno Medio-Plioceno de Chile, que se caracteriza por su morfología craneal y su rango de tamaño.


title: Pygoscelis calderensis

text: Fue hallado en Chile y descrito por los investigadores Carolina Acosta-Hospitaleche, Martín Chávez (quien recolectó el fósil que se seleccionó como holotipo) y Omar Fritis (quien realizó la primera identificación de los especímenes) en 2006.


title: Pygoscelis calderensis

text: El nombre específico alude a la ciudad de Caldera en la Región de Atacama, Chile, próxima a la localidad de recolección del espécimen. El holotipo y paratipos se encuentra actualmente depositados en la colección de Paleontología de Vertebrados del Museo Nacional de Historia Natural de Chile.


title: Pygoscelis calderensis

text: El material descrito a la fecha consiste en tres cráneos parciales proceden del miembro Bonebed de la Formación Bahía Inglesa, con una antigüedad superior a los 7 millones de años (Mioceno superior).


title: Pygoscelis calderensis

text: La diagnosis de la especie es la siguiente: "fossa glandulae nasalis" profunda y limitada por un reborde supraorbitario más delgado que en las especies actuales del género. Los frontales forman una varilla de alrededor de 1 mm en la región interorbitaria, más delgada que en "Pygoscelis antarctica" y "Pygoscelis papua". "Fossa temporalis" superficial y angosta, en relación a las demás especies del género. "Processus postorbitalis" más angostos que en "P. papua" y "P. antarctica" (en los cuales son más triangulares), dirigidos ventralmente y divergentes en su región distal respecto al plano sagital, como en "P. papua", mientras que en "Pygoscelis adeliae" y "P. antarctica" son paralelos al plano sagital. "Processus paroccipitalis" proyectados ventralmente y "prominentia cerebelaris" redondeada, a diferencia de las demás especies del género, en las que es aguzada.


title: Pygoscelis calderensis

text: A diferencia de "P. grandis" de tamaño equivalente al género "Aptenodytes" y también descrito para la formación Bahía Inglesa, "P. calderensis" se encuentra en el rango de tamaño de las especies actuales del género "Pygoscelis".


title: Neil Peart

text: Neil Ellwood Peart (Hamilton, Ontario; 12 de septiembre de 1952-Santa Mónica, California; 7 de enero de 2020) fue un músico canadiense, conocido principalmente por ser el baterista y letrista en la banda de rock progresivo Rush.


title: Neil Peart

text: Entró a formar parte de la alineación de Rush en julio de 1974, luego de audicionar para el bajista y cantante Geddy Lee y el guitarrista Alex Lifeson, pues estos necesitaban urgentemente un baterista para reemplazar a John Rutsey, quien abandonó Rush cuando faltaban apenas dos semanas para comenzar la gira promocional del álbum debut en Estados Unidos.


title: Neil Peart

text: En sus inicios, el estilo interpretativo de Peart estaba profundamente arraigado en el hard rock, obteniendo la mayor parte de su inspiración de bateristas como Keith Moon y John Bonham, quienes marcaron la vanguardia en la escena británica del hard rock de finales de los años 60. Con el pasar de los años, no obstante, absorbió asimismo influencia de músicos de jazz y big band, tales como Gene Krupa y posteriormente, Buddy Rich —especialmente de su última etapa—. En términos musicales, Peart recibió infinidad de reconocimientos por la mayoría de las interpretaciones que grabó y fue ampliamente respetado tanto por su habilidad técnica como por la energía con la que ejecutaba su instrumento. En términos de influencia, es uno de los bateristas más importantes de la historia, el referente obligado de miles de artistas a nivel mundial y ha sido reconocido consistentemente por los expertos como uno de los bateristas de rock más grandes de todos los tiempos.


title: Neil Peart

text: Además del trabajo musical realizado con Rush, Neil Peart también realizó varias grabaciones en conjunto o en colaboración con otros artistas y publicó dos videos instructivos en donde enseña algunas de las técnicas que utilizó para tocar la batería. Además de músico, fue un consumado escritor, con lo cual se ganó el puesto oficial de compositor lírico en Rush, donde su obra trata sobre temas tan diversos como ciencia ficción, fantasía, filosofía, humanismo y libertad de conciencia. Adicionalmente a su trabajo de compositor, escribió y publicó cuatro libros.


title: Neil Peart

text: Junto con sus compañeros de banda, Geddy Lee y Alex Lifeson, fue condecorado con la Orden de Canadá en el grado de Oficial, el 9 de mayo de 1996, siendo la primera banda de rock en recibir dicho reconocimiento, como grupo.


title: Neil Peart

text: Neil falleció el 7 de enero de 2020, a consecuencia de un glioblastoma (tipo de tumor cerebral) a los 67 años en Santa Mónica, California.


title: Neil Peart

text: Neil Peart nació en el seno de una familia de granjeros en las afueras de Hamilton (Ontario), el 12 de septiembre de 1952. Su familia se mudó cuando el padre consiguió empleo en una empresa de venta de maquinaria agrícola en St. Catharines. A pesar de que recibió clases de piano durante su infancia, Peart nunca se animó a explorar dicho instrumento más allá de las obligadas lecciones, las cuales abandonó rápidamente. En cambio, utilizaba un par de palillos para golpear rítmicamente cuanto objeto viera en casa; fue así como al cumplir trece años, sus padres le regalaron un par de baquetas, junto con un "pad" de práctica y lecciones de percusión, prometiéndole que si era capaz de continuarlas durante un año, eventualmente le regalarían una batería.


title: Neil Peart

text: Efectivamente, dicha promesa se hizo realidad al año siguiente, lo que convenció a Peart de que su camino en adelante sería la música. Durante su adolescencia, tocó en varias bandas locales hasta que eventualmente dejó los estudios para dedicarse a la batería a tiempo completo. Obtuvo luego varios empleos menores temporales para subsistir, incluido uno en Lakeside Park —un terreno utilizado para ferias y eventos a orillas del lago Ontario— que posteriormente inspiraría un tema del mismo nombre, incluido en el álbum "Caress of Steel" de Rush. A punto de alcanzar la mayoría de edad, Neil Peart ya había tocado en las bandas locales más importantes del área, con nombres como Mumblin Sumpthin, The Majority y JR Flood.


title: Neil Peart

text: A los dieciocho años, luego de haber luchado para alcanzar el éxito como baterista en Canadá, Peart decidió mudarse a Londres, Reino Unido, con la esperanza de continuar su carrera como músico profesional en un ambiente más propicio. A pesar de haber tocado con varias bandas locales e incluso haber conseguido algunos ingresos monetarios, se vio forzado a ganarse el sustento trabajando como vendedor en una tienda de souvenirs en Carnaby Street. Durante su permanencia en Londres, Peart se volvió un ávido lector de la autora objetivista Ayn Rand, quien se convirtió en una influencia significativa en la formación ideológica del joven músico, que puede apreciarse claramente en las letras de varias canciones de Rush, pero explícitamente en "Anthem", del álbum Fly by Night (1975) y en la suite "2112", del álbum 2112 (1976).


title: Neil Peart

text: Luego de dieciocho meses de proyectos musicales abortados y desilusionado por el poco progreso alcanzado en su carrera musical, Peart decide congelar sus sueños de convertirse en músico profesional y regresa a Canadá, para trabajar como vendedor en el negocio de maquinaria agrícola de su padre. Su permanencia en Londres sirvió posteriormente de inspiración lírica para el tema "Circumstances", del álbum "Hemispheres" (1978).


title: Neil Peart

text: De regreso en Canadá, mientras trabajaba en el negocio de su padre y tocaba junto con algunas bandas pequeñas en los bares del sur de Ontario, un conocido en común con los miembros de Rush convence a Peart de que audicione para la banda, que en ese momento necesitaba un baterista para reemplazar a John Rutsey, quien se retiraba de la banda por motivos personales. La audición les dejó sensaciones diferentes a cada uno de los músicos: Peart sintió que fue un completo desastre; sin embargo, mientras que Geddy Lee coincidió con él tanto en gustos musicales y literatura, Alex Lifeson se llevó una impresión más grande al decir que al escucharlo tocar la batería le pareció como si fueran Keith Moon y John Bonham juntos. Entra oficialmente a formar parte de Rush el 29 de julio de 1974, a tan solo dos semanas de la primera gira de la banda en Estados Unidos. Habiendo recibido un anticipo de la compañía discográfica para la compra de instrumentos nuevos, Peart adquiere un set de batería Slingerland de color plata, con la cual debutó el 14 de agosto de ese año, abriendo el espectáculo de las bandas Uriah Heep y Manfred Mann frente a once mil personas en el Civic Arena (hoy rebautizado como Mellon Arena) de Pittsburgh, Pensilvania.


title: Neil Peart

text: Peart tomó pronto su nueva posición como baterista y escritor. Antes de pertenecer a Rush, había escrito algunas canciones pero sus anteriores compañeros no se mostraron interesados en dicha faceta, relegándolo exclusivamente a la sección rítmica. Mientras que Rush iba teniendo éxito como equipo en sus presentaciones en directo, aún estaba tratando de cuajar como equipo de grabación en estudio y Peart —así como el resto de la banda— tuvo que aprender a vivir ""dentro de una maleta"", pues al terminar los conciertos, debían llegar al hotel para al día siguiente continuar la gira y en ocasiones, estar grabando en estudio durante toda la noche.


title: Neil Peart

text: Su primera grabación con la banda —"Fly by Night"— fue bastante exitosa, habiendo ganado el premio Juno como artista revelación; pero el siguiente álbum, "Caress of Steel", del cual la banda esperaba un gran éxito, fue recibido hostilmente por el público y la crítica. En respuesta a este revés —gran parte del cual se atribuyó a la pieza épica del lado B, "The Fountain of Lamneth"—, Peart decide colocar su nueva obra épica "2112" ocupando completamente el lado A de su siguiente álbum homónimo, el cual, a pesar de la indiferencia de la compañía discográfica, se convirtió en el gran paso que les permitió captar la atención de miles de fanáticos en Norteamérica. La gira promocional fue registrada en el álbum "All The World's a Stage", en el espectáculo que ofreció la banda en el Massey Hall de Toronto, un sitio en el que Peart siempre soñó con presentarse en su época de desconocido.


title: Neil Peart

text: Peart regresa a Inglaterra junto a Rush para cumplir con sus presentaciones en Europa, quedándose luego en el Reino Unido para realizar la grabación del siguiente álbum, "A Farewell to Kings", en Gales. Luego de una intensa gira promocional, regresarían al mismo lugar al año siguiente para la grabación del álbum subsecuente, "Hemispheres", el cual fue compuesto, arreglado y escrito completamente en estudio. La grabación de cinco álbumes en estudio durante cuatro años, acompañado de un ritmo de por lo menos 300 presentaciones en concierto al año, convenció a los miembros de Rush de que era momento de tomar otro rumbo a partir de entonces. Peart describió su período en la banda hasta ese momento como un "túnel largo y oscuro".


title: Neil Peart

text: El 10 de agosto de 1997, la única hija de Peart, Selena Taylor, falleció en un accidente automovilístico en la autopista 401 cerca de Brighton, Ontario. Su esposa Jacqueline Taylor, con quien había estado casado durante veintidós años, sucumbió de cáncer tan solo diez meses después, el 20 de junio de 1998. Peart, sin embargo, sostuvo que su muerte fue a raíz de una ""pena del corazón"", calificándolo como ""un suicidio lento por apatía. No le importaba nada.""


title: Neil Peart

text: Peart contó además que, durante el funeral de su hija Selena, había dicho a sus compañeros de banda "considérenme retirado". Habiendo hecho una pausa en su carrera musical para llorar su luto y reflexionar, mientras viajó por toda Norteamérica en su motocicleta, recorriendo 88 000 km, Peart narra las experiencias de este viaje en su libro "Ghost Rider: Travels on the Healing Road" (no se ha publicado en español).


title: Neil Peart

text: Mientras visitaba a Andrew MacNaughtan, fotógrafo oficial de Rush, en Los Ángeles, este le presentó a Peart una colega, que más tarde se convertiría en su esposa: la fotógrafa Carrie Nuttall. Se casó con Nuttall el 9 de septiembre de 2000 y, a principios de 2001, le anuncia a sus compañeros de banda que está listo para regresar a Rush. El resultado fue el álbum "Vapor Trails", lanzado en 2002. Durante la gira, sus compañeros acuerdan que Peart quedará exento de conceder entrevistas a los medios, por encontrar innecesario exponerlo a preguntas sobre los eventos que rodearon su tragedia personal. En junio de 2009 Peart y Nuttall anunciaron que estaban en la espera de su primera hija, quien finalmente nació el 12 de agosto de 2009.


title: Neil Peart

text: Anunció su retiro en una entrevista en diciembre de 2015:Últimamente Olivia me ha estado presentando a nuevos amigos en la escuela como 'Mi papá, es un baterista retirado'. Verdadero decirlo - Divertido escucharlo. Y no me duele darme cuenta de que, como todos los atletas, llega el momento de ... retirarse del juego. Prefiero dejarlo de lado que enfrentar la situación descrita en nuestra canción "Losing It" ...Peart había estado sufriendo de tendinitis crónica y problemas de hombro. En enero de 2018, Alex Lifeson confirmó que Rush está "básicamente terminado". Peart seguía siendo amigo de sus antiguos compañeros de banda.


title: Neil Peart

text: Neil falleció el 7 de enero de 2020, a consecuencia de un glioblastoma (tipo de tumor cerebral muy agresivo) a los 67 años en Santa Mónica, California.


title: Neil Peart

text: Peart fue diagnosticado tres años y medio antes de su muerte, pero su enfermedad fue mantenida en secreto dentro la intimidad de su familia y círculo más cercano hasta su muerte.


title: Neil Peart

text: Su familia hizo el siguiente anuncio el 10 de enero en la página oficial de la banda Rush:Es con los corazones rotos y la tristeza más profunda que debemos compartir la terrible noticia de que el martes nuestro amigo, hermano del alma y compañero de banda de más de 45 años, Neil, perdió su increíblemente valiente batalla de tres años y medio contra el cáncer cerebral (Glioblastoma). Pedimos que amigos, fanáticos y medios respeten la necesidad de privacidad y paz de la familia en este momento extremadamente doloroso y difícil. Aquellos que deseen expresar sus condolencias pueden elegir un grupo de investigación del cáncer o una organización benéfica de su elección y hacer una donación a nombre de Neil.La muerte de Peart fue ampliamente lamentada por fanáticos y compañeros músicos, quienes la consideraron una pérdida sustancial para la música popular. Peart fue conocido por su estilo enérgico, dando golpes fuertes que combinaban precisión, claridad y complejidad en el sonido. Sus influencias son eclécticas, yendo desde John Bonham de Led Zeppelin, Nick Mason de Pink Floyd, hasta bateristas de jazz y fusión como Billy Cobham, Buddy Rich, Bill Bruford y Gene Krupa. Otro sello distintivo de Peart fue tocar con la baqueta al revés, para producir un mayor impacto y sonoridad en el rimshot (por esta razón, su técnico Larry Allen lima las puntas de las baquetas para darles así un mayor agarre).


title: Neil Peart

text: Peart usaba las baquetas tanto al derecho como al revés, producto de su "reinvención musical" ocurrida a mediados de la década de los 90, bajo la tutela del baterista de jazz Freddie Gruber. Eventualmente, durante sus presentaciones en concierto, Peart cambiaba constantemente de técnica, cambios cuya importancia explicó en su video instruccional "Anatomy of a Drum Solo". Históricamente, se distinguió por su habilidad para cambiar de compás, la independencia motriz de sus miembros, la ejecución en patrones cruzados y ambidiestros y su dominio tanto de tonos como de intensidad en los golpes.


title: Neil Peart

text: Con Rush, Peart utilizó, en orden cronológico, baterías de las marcas Slingerland, Tama, Ludwig y Drum Workshop (DW). Los platillos siempre fueron Zildjian serie A, casi exclusivamente, salvo algunos especiales como los "China" Wuhan. Sin embargo, desde 2004 utilizó la serie "Paragon", creada por él y producida por la empresa Sabian. En concierto, Peart utilizó una batería acústica en la parte frontal y un equipo de percusión electrónica en la parte trasera de su tarima, conformando un elaborado conjunto rítmico de 360 grados, capaz de girar dependiendo de la necesidad interpretativa de la pieza.


title: Neil Peart

text: En la segunda mitad de los años 70, Peart incluyó una gran cantidad de accesorios que aumentaron su conjunto acústico con elementos de percusión y orquestación muy diversos como campanas, campanas tubulares, crótalos, timbales, gong, temple blocks, triángulo, carillón, marimba, glockenspiel y vibraslap. Desde mediados de los años 80, Peart reemplazó la mayor parte de estos elementos con controladores MIDI, activados por "pads" electrónicos. A partir de "Grace Under Pressure" (1984), empezó a utilizar una batería electrónica Simmons, en conjunto con samplers digitales Akai. En esta época, incluyó la característica rotativa de su orquesta de percusión, la cual, con los años, se convirtió en uno de los espectáculos tanto musicales como visuales que más cautivó al público.


title: Neil Peart

text: A principios del nuevo milenio, Peart comenzó a aprovechar completamente las ventajas de los últimos avances en percusión electrónica, principalmente con la incorporación de Roland V-Drums y el uso continuado de samplers, agregando cada vez más sonidos a su ya abultada biblioteca virtual de efectos sonoros, la cual seguía creciendo conforme Peart exploraba otros estilos y tendencias musicales.


title: Neil Peart

text: La lista detallada de todo el equipo utilizado por Peart es la siguiente:Peart fue reconocido por sus complejos y extensos solos de batería, que contienen compases impares, arreglos complicados que a veces requieren de una total independencia de los miembros superiores e inferiores y la incorporación de instrumentos de percusión exóticos. Dichos solos se pueden escuchar en todos los álbumes en concierto realizados por Rush. La evolución histórica de los solos, primero como parte de alguna canción y últimamente como una pieza separada, incluye una estructura básica con rutinas conectadas por secciones de improvisación, haciendo que cada ejecución sea única. En cada gira, el solo evoluciona, con algunas rutinas que son sustituidas por otras más complejas. El último video instructivo de Peart —"Anatomy of a Drum Solo"— es un examen en profundidad sobre cómo construir un solo.


title: Neil Peart

text: Peart además, fue el escritor de las canciones de Rush. Los clásicos de la literatura influyeron enormemente en su estilo lírico, de manera que sus letras versan sobre un amplio rango de temas. En sus primeros años con Rush, mucha de su obra tuvo influencia de temas fantásticos y de ciencia ficción (como en "By-Tor and the Snow Dog", "Cygnus X-1 Book I: The Voyage", "The Necromancer" y "Xanadu"), mitología (como en "The Fountain of Lamneth" y "Cygnus X-1 Book II: Hemispheres") y filosofía (como en "Anthem", "2112" y "Something for Nothing"). Sin embargo, buena parte de su inspiración también vino de pasajes de su propia vida (como en "Fly by Night", "Making Memories", "Lakeside Park" y "Circumstances").


title: Neil Peart

text: Particularmente, el tema "2112" se enfoca en la lucha de un individuo contra las fuerzas colectivistas representadas por un Estado o régimen totalitarista. A pesar de que esta canción fue la que colocó a Rush en los pasos del estrellato, trajo consigo varias críticas, especialmente debido al crédito que Peart daba a Ayn Rand como fuente de inspiración. En palabras de Peart: ""fue una notable reacción violenta, especialmente por parte de la prensa británica, a finales de los 70, cuando el colectivismo estaba de moda y particularmente entre los periodistas"" y agrega que ""nos llamaron 'aprendices de fascista' y 'amantes de Hitler'... Fue un golpe muy duro para mí"". Preocupado por acusaciones de fascismo o de conexión ideológica que dieron a su obra con la filosofía objetivista de Ayn Rand, Peart buscó recordarle al público que su eclecticismo e independencia eran completamente individuales en varias entrevistas. En sus propias palabras: ""la amplitud de la influencia de Ayn Rand sobre mis escritos no debe ser sobreestimada, pues no soy discípulo de nadie"".


title: Neil Peart

text: Sin embargo, en una entrevista en 1978, declaró que ""estamos ciertamente convencidos de que el individualismo es el único concepto que permite a los seres humanos ser felices, sin que nadie robe a alguien más. Lo que pienso sobre la filosofía de Ayn Rand es que es la única realmente aplicable al mundo de hoy, en cualquier sentido. Si tomas sus ideas y las llevas más allá dentro de tu mente, encontrarás respuesta a prácticamente cualquier inquietud individual. Poniendo al individuo como primera prioridad, cualquier cosa puede funcionar de una manera que sería imposible que funcionase bajo ningún otro sistema"".


title: Neil Peart

text: A partir de "Permanent Waves" (1980), Peart exploró otros temas líricos, como la integridad en la música y en la vida (como en "The Spirit of Radio", "Natural Science", "Subdivisions" y "Bravado"); lo racional sobre lo supersticioso (como en "Freewill", "Presto", "Roll the Bones" y "Between Sun & Moon"); el interés en figuras heroicas pero colocadas en un contexto moderno (como en "Tom Sawyer", "Force Ten" y "Nobody's Hero"); el precio de ser famoso (como en "Limelight" y "Bravado") e incluso hechos de actualidad mundial (como en "Manhattan Project", "Virtuality" y "Peaceable Kingdom").


title: Neil Peart

text: Peart fue autor de cuatro libros —no son de ciencia ficción— que aún no han sido traducidos al español; el último de ellos, publicado en septiembre de 2006. Su desarrollo como autor incluso superó a su trabajo publicado, ya que además de escribir anécdotas sobre la grabación y giras de promoción de cada álbum, Peart mantuvo una gran cantidad de correspondencia enviada a familiares y amigos. Los libros publicados son:


title: Neil Peart

text: The Masked Rider: Cycling In West Africa


title: Neil Peart

text: Fue escrito en 1996 y trata sobre las experiencias acumuladas durante un viaje en bicicleta, de un mes de duración, a través de Camerún, hecho en noviembre de 1988. Escrito en primera persona, el libro invita al lector a seguir a Peart a través de pueblos y villas, junto con cuatro compañeros ciclistas. A pesar de que no fue el primer recorrido ciclístico del autor, ciertamente ha sido uno de los más difíciles. La edición original se agotó, pero luego del éxito comercial del segundo libro de Peart, "Masked Rider" fue reeditado y todavía está disponible en las tiendas.


title: Neil Peart

text: Ghost Rider: Travels on the Healing Road


title: Neil Peart

text: Siendo tan popular como Rush, la tragedia personal que envolvió a Peart en un lapso de diez meses fue ampliamente divulgada por los medios de comunicación, profundizando la tragedia, pues los tres miembros de la banda siempre han tratado de mantener su vida privada prudentemente alejada de su imagen pública como parte de Rush, mayormente por elección propia. "Ghost Rider" es nuevamente una narración en primera persona de Peart en la ruta, esta vez en motocicleta, tratando de recomponer el rumbo de su vida mientras se embarca en un prolongado viaje a través de Norteamérica.


title: Neil Peart

text: Traveling Music: The Soundtrack Of My Life And Times


title: Neil Peart

text: Decidido a hacer un viaje, pero esta vez en automóvil, Peart reflexionó sobre su vida, su carrera, su familia y el vínculo que une a todas ellas: la música. Esta obra muestra a un Peart todavía con cicatrices emocionales, pero tratando de construir una nueva vida. Tal como sus dos obras anteriores, "Traveling Music" está narrado en primera persona.


title: Neil Peart

text: Roadshow: Landscape With Drums, A Concert Tour By Motorcycle


title: Neil Peart

text: Treinta años luego de haberse incorporado a Rush, el músico se encuentra, junto con la banda, realizando la gira del trigésimo aniversario. Editado en septiembre de 2006, este libro hace un recuento de la gira, desde la perspectiva del baterista y de un motociclista empedernido.


title: Neil Peart

text: Aparte de los lanzamientos en video junto a Rush como banda, Peart ha lanzado tres videos instructivos en DVD:


title: Neil Peart

text: Ninguno de ellos tiene subtítulos en español.


title: Neil Peart

text: Neil Peart recibió los siguientes premios en las encuestas realizadas entre los lectores de la revista "Modern Drummer":Junto con sus compañeros de banda Geddy Lee y Alex Lifeson, Peart fue condecorado con la Orden de Canadá, en el grado de Oficial, el 9 de mayo de 1996. Es la primera banda de rock en recibir tal distinción.


title: Nórax

text: En la mitología griega, Nórax es hijo del dios Hermes y de Eritea, hija de Gerión.


title: Nórax

text: Nórax es un rey asociado a Tartessos, colonizador de Cerdeña al llevar allí una colonia de iberos y fundador de la ciudad de Nora, que llevaría su nombre, fechada en la época mítica de Hilo, hijo de Heracles y Deyanira.


title: Nórax

text: Aparece en textos de Pausanias, Salustio y Solino.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: Fray Juan de Torquemada (c. 1557. Torquemada, España - 1624. Ciudad de México, Nueva España) fue un eclesiástico franciscano e historiador español. Autor de obras en su mayoría relacionadas con la cultura antigua de México y del siglo XVI.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: Probablemente nacido en la Villa de Torquemada, Castilla la Vieja, entre 1557 y 1565, radicó en la Nueva España desde muy joven. A fines del siglo XVI ingresó en la orden de San Francisco de Asís. Fue discípulo de Fray Juan Bautista y se cree que también lo fue de Fray Bernardino de Sahagún. Es probable que también tuviera trato personal con Fray Jerónimo de Mendieta. Fue misionero en varias partes de la Nueva España, y allí en 1609 fue nombrado cronista de la Orden franciscana.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: Torquemada fungió como guardián del convento en Tlaxcala, donde comenzó su interés por las culturas prehispánicas, al estudiar la zona cerca del cerro de Xochitecatl. También fue guardián del convento de Zacatlán de las Manzanas, Puebla, en 1601.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: Realizó estudios en lenguas indígenas y compiló códices y manuscritos, de los cuales se basó para escribir sus posteriores obras. También tenía estudios básicos sobre arquitectura. Aprovechando estos conocimientos y a petición del Virrey Juan de Mendoza y Luna, Marqués de Montesclaros, en 1604 empezó a dirigir en la Ciudad de México la reconstrucción de las calzadas de los Misterios y de Chapultepec, las cuales habían sido dañadas por inundaciones. También en la Ciudad de México, dirigió la construcción del templo de Santiago Tlatelolco en 1609, proyectado originalmente por Fray Juan Bautista.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: Juan de Torquemada tuvo el cargo de guardián del convento de Santiago Tlatelolco. Precisamente allí durante el tiempo que dirigía la construcción de unos retablos, febrero de 1605, unos pintores indígenas que trabajaban a su cargo, lo acusaron ante las autoridades virreinales y ante el arzobispo de México: Fray García de Mendoza y Zúñiga, por maltratos, de azotarlos con saña sí cometían alguna falta, de obligarlos a trabajar los domingos y días festivos, de no pagarles y en especial por haber azotado más de la cuenta al anciano mayoral de estos pintores llamado Agustín García, al grado de dejarlo gravemente herido, tan sólo porque éste presuntamente había faltado a trabajar aunque fuera en día festivo.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: Desafortunadamente no se sabe en que terminó este litigio, si se sancionó o no a Juan de Torquemada; pero este hecho evidenció el carácter violento del fraile y las condiciones en que trabajaban sus fieles. Aunque en esa época era costumbre que los patrones azotaran a sus peones si éstos cometían algún yerro. Aparte de eso, era normal en aquella época que a los indígenas que trabajaban para conventos sólo se les remunerara con comida. Pero según el testimonio de estos pintores y otros testigos, Torquemada se excedía azotándolos desnudos y en público.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: Torquemada dirigió la construcción de retablos de Santiago Tlatelolco, Xochimilco y otros que fueron enviados a Michoacán y Oaxaca.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: En 1613, Juan de Torquemada ocupó el cargo de guardián del Convento de Xochimilco. Torquemada murió en Santiago Tlatelolco, en 1624.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: Escribió obras tales como "Vida y milagros del santo confesor de Cristo, fray Sebastián de Aparicio, fraile lego de la orden del seráfico padre San Francisco de la provincia del Santo Evangelio" (1601) simplemente conocida con el título abreviado de "Vida de fray Sebastián de Aparicio". Esta obra fue impresa la primera vez en 1602 en los talleres del Colegio Real de Santiago Tlatelolco por uno de los impresores más importantes de la Nueva España: Diego López Dávalos teniendo como cajista al impresor holandés Cornelio Adriano César para la producción de esta obra.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: Inspirado en códices y manuscritos, Torquemada empezó a escribir sobre la cultura antigua mexicana. Su obra cumbre es "Los veinte ivn libros rituales i Monarchia Indiana, con el origen y guerras de los Indios Occidentales, de sus poblazones, descubrimientos, conquista, conversión y otras cosas maravillosas de la mesma tierra", mejor conocida con su título abreviado de "Monarquía Indiana". Para realizar esta obra, Torquemada se basó en códices, pinturas, manuscritos, tradición oral y el trabajo de otros cronistas tales como Fray Bernardino de Sahagún, Fray Motolinía, Fray Francisco Jiménez, Fray Jerónimo de Mendieta, además de textos de Hernán Cortés, Francisco López de Gómara, Antonio de Herrera y otros autores anónimos. "Monarquía Indiana" se divide en tres partes: La primera aborda el origen e historia de los primeros pueblos del centro de México hasta la colonización. La segunda trata sobre expresiones artísticas, religión, oficios, sistemas de gobierno, administración, leyes, forma de hacer la guerra, educación, cultivos, comercio, geografía, fauna y vegetación. La tercera parte se refiere a la aculturación, especialmente sobre la conversión religiosa.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: El propósito de "Monarquía Indiana", es informar sobre la evolución religiosa y costumbres en el pasado cultural de los mexicas, totonacas, purépechas, huastecos, incluyendo los pueblos de Centroamérica y justificar la conversión de los indígenas a la fe cristiana. Torquemada se tardó casi dos décadas en escribir "Monarquía Indiana", se cree que entre 1592 y 1593 comenzó a reunir el material para su obra, probablemente terminó de escribirla en 1613; se imprimió en Sevilla, España en 1615 y reimpresa en Madrid, en 1723. Ha escrito otros textos y opúsculos, los cuales desafortunadamente se han perdido.


title: Juan de Torquemada (misionero)

text: A Juan de Torquemada se le considera uno de los principales rescatadores de la historia antigua mexicana al incluirla a la historia universal. Su aportación en el estudio de la lengua náhuatl también es significativa.


title: Cirsium dissectum

text: Cirsium dissectum es una planta de hojas lobuladas y espinosas con flores tubulares terminales de color violeta dispuesta en tallo erecto perteneciente a la familia de las Asteraceae. Nativa del centro de Europa.


title: Cirsium dissectum

text: Alcanza un tamaño de 15 a 50 cm de altura. Se asemeja a una versión más delgada de "Cirsium heterophyllum" y en tener un tallo estriado algodonoso y hojas lanceoladas, que tienen o no espinas. Sin embargo, las hojas son más estrechas (menos de 3 cm), y por debajo menos peludas y peludas en la parte superior. Las flores son de 2 a 3 cm de largo, los floretes son de color rojo oscuro / morado, florece de junio a agosto. "Cirsium dissectum" fue descrita por (Carlos Linneo) Hill y publicado en "Hort. Kew. 63. 1768. Cirsium: nombre genérico que deriva de la palabra griega: "kirsos" = varices ; de esta raíz deriva el nombre "kirsion", una palabra que parece servir para identificar una planta que se utiliza para el tratamiento de este tipo de enfermedad. De "kirsion", en los tiempos modernos, el botánico francés Tournefort (1656 - 708) ha derivado el nombre "Cirsium" del género.


title: Cirsium dissectum

text: dissectum: epíteto latino que significa "finamente cortado".


title: Cirsium edule

text: Cirsium edule es una especie de planta fanerógama perteneciente a la familia de las asteráceas. Es nativa del oeste de Norteamérica y Sur de Canadá donde crece en terrenos húmedos en claros de bosques de montaña.


title: Cirsium edule

text: Es una planta perenne que alcanza los 2 metros de altura con hojas lobuladas y espinosas con flores hermafroditas en el terminal de un tallo erecto. Son polinizadas por abejas, moscas, polillas, mariposas y escarabajos.


title: Cirsium edule

text: "Cirsium edule" fue descrita por Thomas Nuttall y publicado en "Transactions of the American Philosophical Society", new series, 7: 420. 1841. Cirsium: nombre genérico que deriva de la palabra griega: "kirsos" = varices ; de esta raíz deriva el nombre "kirsion", una palabra que parece servir para identificar una planta que se utiliza para el tratamiento de este tipo de enfermedad. De "kirsion", en los tiempos modernos, el botánico francés Tournefort (1656 - 708) ha derivado el nombre "Cirsium" del género.


title: Cirsium edule

text: edule: epíteto latino que significa "comestible".


title: Cirsium eriophorum

text: Cirsium eriophorum (cardo lanudo) es una especie de planta fanerógama perteneciente a la familia de las asteráceas. Es una planta bienal de hojas lobuladas y espinosas con flores hermafroditas tubulares terminales en tallo erecto con las inflorescencias en capítulos simples o en racimos, perteneciente a la familia Asteraceae. Es nativa del centro de Europa. Se encuentra también en la península ibérica Sobre suelos arcillosos y limosos, de frescos a moderadamente secos, ricos en nutrientes y en bases, calcáreos y humosos, en prados, tierras sin labor, arcenes, riberas y senderos de los bosques. "Cirsium eriophorum" fue descrita por (Carlos Linneo) Scop. y publicado en "Fl. Carniol.", ed. 2. 2: 130. 1772 Cirsium: nombre genérico que deriva de la palabra griega: "kirsos" = varices ; de esta raíz deriva el nombre "kirsion", una palabra que parece servir para identificar una planta que se utiliza para el tratamiento de este tipo de enfermedad. De "kirsion", en los tiempos modernos, el botánico francés Tournefort (1656 - 708) ha derivado el nombre "Cirsium" del género.


title: Cirsium eriophorum

text: eriophorum: epíteto latino que significa "lanudo". Cardo, cardo borriquero, cardo burriquiego, cardo lanudo, corona de fraile.


title: Torneo de Båstad

text: El Torneo de Bastad (oficialmente y por motivos comerciales SkiStar Swedish Open) es un torneo oficial de tenis que se disputa en Suecia dentro del calendario de la ATP y de la WTA. Se juega sobre polvo de ladrillo como parte de la gira de verano europea de torneos sobre esa superficie.


title: Torneo de Båstad

text: En su rama masculina, el torneo (oficialmente Abierto de Suecia SkiStar) es el más tradicional de Suecia habiéndose disputado por primera vez en 1948, y por el han pasado muchos de los mejores jugadores de canchas lentas de todos los tiempos. Se juega en el "Bastad Tennis Stadion", que fue modificado en 2002. El torneo fue elegido por los jugadores profesionales como el "Torneo del año" en 5 ocasiones consecutivas entre 2002 y 2006. Pertenece a la categoría ATP World Tour 250.


title: Torneo de Båstad

text: El jugador que más veces lo ha ganado ha sido Magnus Gustafsson, en 4 ocasiones.


title: Torneo de Båstad

text: En su versión femenina, el Collector Swedish Open Women fue añadido al calendario oficial de la WTA en el año 2009 hasta el 2017, y perteneció a la categoría WTA International. A partir del año 2019 el torneo pasó a formar parte de la categoría WTA 125s.


title: Cirsium heterophyllum

text: Cirsium heterophyllum es una especie de planta fanerógama perteneciente a la familia Asteraceae, nativa de Gran Bretaña e Irlanda.


title: Cirsium heterophyllum

text: Es una planta herbácea perenne con las hojas basales de gran tamaño, alcanzan 4 dm de longitud y 8 cm de ancho, lanceoladas y dentadas sin espinas y con una fina pelusa. Las flores de color violeta en forma de cardos terminales, son solitarias o en grupos de 2-4, tienen un tamaño de 35 mm de diámetro. El tallo es erecto y espinoso.


title: Cirsium heterophyllum

text: "Cirsium heterophyllum" fue descrita por (Carlos Linneo) Hill y publicado en "Hortus Kewensis" 64. 1768. Cirsium: nombre genérico que deriva de la palabra griega: "kirsos" = varices ; de esta raíz deriva el nombre "kirsion", una palabra que parece servir para identificar una planta que se utiliza para el tratamiento de este tipo de enfermedad. De "kirsion", en los tiempos modernos, el botánico francés Tournefort (1656 - 708) ha derivado el nombre "Cirsium" del género.


title: Cirsium heterophyllum

text: heterophyllum: epíteto latino que significa "con hojas diferentes".


title: Cirsium neomexicanum

text: Cirsium neomexicanum es una especie de cardos de Nuevo México (Norteamérica) que pertenece a la familia Asteraceae.  Es una planta herbácea, perenne o bienal, con tallo erecto que alcanza 18 dm de altura. Las hojas son verdes, espinosas, pinnadas y lobuladas que llegan a los 18 cm de longitud con capítulos similares a los de un cardo de color púrpura o blanco, que llegan a medir 7,6 cm de diámetro.  "Cirsium neomexicanum" fue descrita por Asa Gray y publicado en "Smithsonian Contributions to Knowledge" 5(6): 101–102. 1853. Cirsium: nombre genérico que deriva de la palabra griega: "kirsos" = varices; de esta raíz deriva el nombre "kirsion", una palabra que parece servir para identificar una planta que se utiliza para el tratamiento de este tipo de enfermedad. De "kirsion", en los tiempos modernos, el botánico francés Tournefort (1656 - 708) ha derivado el nombre "Cirsium" del género.


title: Cirsium neomexicanum

text: neomexicanum: epíteto geográfico que alude a su localización en Nuevo México.


title: Salvatore Papaccio

text: Salvatore Papaccio (Nápoles, (Italia) 23 de junio de 1890 - 25 de diciembre de 1977) fue un tenor exponente de Canzone Napoletana.


title: Salvatore Papaccio

text: Nacido en Nápoles en la última década del siglo XIX, Salvatore Papaccio comenzó temprano a demostrar su predisposition a la música. A lo largo de los años y con el fortalecimiento de su voz, su éxito comenzó a extenderse. Debutó en el Teatro San Carlo en 1908 bajo dirección del maestro Campanini en el papel del marinero en Tristán e Isolda de Wagner. Desde entonces, él ha participado en 123 óperas, dirigido por directores ilustres como Pietro Mascagni, Tullio Serafin, Riccardo Zandonai y Arturo Toscanini. Durante la visita del emperador japonés Hirohito a Nápoles, Papaccio cantó las canciones de su ciudad en la recepción del almirante, y recibió una ovación en pie de los asistentes.


title: Salvatore Papaccio

text: Después de 56 años de interpretaciones ininterrumpidas realizadas sobre todo en Teatro San Carlo, decidió retirarse en 1963, obteniendo un diploma acreditativo por su carrera dedicada con éxito a la música.


title: Salvatore Papaccio

text: Además, Papaccio es también famoso ser una de las “3 P” de la "Canzone Napoletana", junto con Gennaro Pasquariello y Vittorio Parisi.


title: Salvatore Papaccio

text: Sus canciones más famosas son:


title: Carduus occidentalis

text: Carduus occidentalis es una especie fanerógama perteneciente a la familia Asteraceae. Es nativa de Norteamérica (California). Es una planta herbácea bienal con el tallo erecto ramificado que puede alcanzar los 2 metros de altura. Las hojas son alternas, pinnadas y moderadamente espinosas. Las flores son de color púrpura.  "Carduus occidentalis" fue descrita por Thomas Nuttall y publicado en "Transactions of the American Philosophical Society", new series, 7: 418. 1841.


title: Los largos días de la venganza

text: Los largos días de la venganza es un film de 1967 dirigido por Florestano Vancini y protagonizado por Giuliano Gemma, perteneciente al subgénero del spaghetti western. Es una de las mejores películas de este subgénero.


title: Los largos días de la venganza

text: El sheriff Ted Barnett (Giuliano Gemma) es inculpado y encarcelado por un crimen que él no cometió. 3 años después, consigue escaparse de la prisión, buscando venganza por aquellos que le acusaron injustamente, entre ellos el corrupto sheriff Douglas (Francisco Rabal), los cuales son los mismos que mataron a su padre. Ayudado por un viejo comerciante y su atractiva ayudante, intentará resolver los acertijos. Aunque las cosas no serán tan sencillas...


title: Cirsium oleraceum

text: Cirsium oleraceum es una planta fanerógama de la familia Asteraceae nativa de Europa oriental y Asia, donde crece en terrenos húmedos de tierras bajas.


title: Cirsium oleraceum

text: Es una planta herbácea que alcanza 1,5 metros de altura con tallo poco ramificado y hojas con bordes espinosos. Las flores tubulares se producen en densos capítulos terminales de hasta 4 cm de diámetro, son de color amarillo claro o rosa teñido.


title: Cirsium oleraceum

text: Los tallos jóvenes se cultivan como alimento en Japón y la India.


title: Cirsium oleraceum

text: "Cirsium oleraceum" fue descrita por Carlos Linneo en "Species Plantarum", vol. 2, p. 826 en 1753 como "Cnicus oleraceus" y atribuido al género "Cirsium" por Giovanni Antonio Scopoli y publicado en "Flora Carniolica, Editio Secunda", 2, p. 128 en 1772. Cirsium: nombre genérico que deriva de la palabra latina "cirsĭŏn, -ĭi" —del griego "χιρσός, -ον", varices— vocablo que usa Plinio el Viejo ("Naturalis Historia, 27, 61") para identificar un cardo que se utiliza para el tratamiento de este tipo de dolencia. En los tiempos modernos, el botánico francés Tournefort (1656 - 1708) ha derivado el nombre "Cirsium".


title: Cirsium oleraceum

text: oleraceum: epíteto latino que significa "herbáceo".


title: Abadía de Montmajour

text: La abadía de Montmajour es un conjunto monástico situado a pocos kilómetros de la ciudad de Arlés, perteneciente al departamento de Bocas del Ródano, al sur de Francia.


title: Abadía de Montmajour

text: Construida a mediados del siglo X sobre una roca en medio de un marjal, por monjes benedictinos, la pequeña abadía de San Pedro, extiende rápidamente su influencia por Arlés y la Provenza gracias a una vasta red de prioratos, llegando a tener 56 en el siglo XIII, y al peregrinaje de la Santa Cruz, fundada en el año 1019, que obtenía numerosos fieles en la región.


title: Abadía de Montmajour

text: Se convirtió en el panteón de los condes de Provenza en el siglo XI.


title: Abadía de Montmajour

text: El conjunto de Montmajour está compuesto por una ermita (siglo XI), un monasterio de tipo medieval (siglo XII), de una torre de vigía (siglo XIV) y de un monasterio clásico (principios del siglo XVIII).


title: San Pablo de la Moraleja

text: San Pablo de la Moraleja es una localidad y un municipio de España perteneciente a la provincia de Valladolid, en la comunidad autónoma de Castilla y León. En contaba con una población de habitantes empadronados.La localidad está situada a una altitud de 790 msnm. El término municipal linda con los de Ataquines, Montejo de Arévalo, Palacios de Goda, Muriel de Zapardiel y Salvador de Zapardiel.


title: Cirsium palustre

text: Cirsium palustre es una especie de planta fanerógama perteneciente a la familia Asteraceae. Es nativa de Europa, aunque se ha naturalizado en nueva Zelanda y Norteamérica donde se la considera planta invasora.


title: Cirsium palustre

text: Es una planta herbácea anual o perenne que alcanza los 2-3 metros de altura, con tallos fuertes y erectos cubierto de pequeñas espinas y tomentosos en la parte superior. Las hojas son estrechas y lobuladas y las cabezuelas de la inflorescencias que se producen, en el ápice de los tallos en densos racimos, en junio-septiembre tienen 10-15 mm de longitud con las brácteas glutinosas de color verde a púrpura. Los flósculos son de color lavanda-púrpura. Los frutos son cipselas pardas con anillo apical y vilano plumoso.


title: Cirsium palustre

text: "Cirsium palustre" fue descrita originalmente por Carlos Linneo como "Carduus palustris" (basónimo) en "Species Plantarum", vol.2, p.822, 1753 y transferido al género "Cirsium" por Ernest Saint-Charles Cosson ex Giovanni Antonio Scopoli y publicado en "Flora Carniolica, Editio Secunda", 2, p.128, 1772. Cirsium: nombre genérico que deriva de la palabra griega: "kirsos" = varices ; de esta raíz deriva el nombre "kirsion", una palabra que parece servir para identificar una planta que se utiliza para el tratamiento de este tipo de enfermedad. De "kirsion", en los tiempos modernos, el botánico francés Tournefort (1656 - 708) ha derivado el nombre "Cirsium" del género.


title: Cirsium palustre

text: palustre: epíteto latino que significa "que crece en los pantanos".


title: Gran Premio de Midi Libre

text: El Gran Premio de Midi libre (oficialmente: GP du Midi Libre; más conocido como simplemente "Midi Libre") fue una prueba ciclista francesa.


title: Gran Premio de Midi Libre

text: Nacida en 1949 fue suprimida del calendario internacional en el año 2003 por problemas económicos aunque en el 2004 volvió de nuevo con el nombre de Tour du Languedoc-Roussillon para posteriormente desaparecer definitivamente. Solía concluir la semana anterior a la Dauphiné Libéré como preparación para el Tour de Francia. En sus últimos años estuvo catalogada de categoría 2.1.


title: Gran Premio de Midi Libre

text: La carrera constaba de 5 etapas.


title: Gran Premio de Midi Libre

text: Los ciclistas más destacados que pusieron su nombre en el palmarés son Raphaël Géminiani, Luis Ocaña, Eddy Merckx, Raymond Poulidor, Francesco Moser, Miguel Induráin y Laurent Jalabert.


title: Daniël Mijtens

text: Daniël Mijtens (Delft, h. 1590 - La Haya, 1647-48), conocido en Inglaterra como "Daniel Mytens el Viejo", fue un retratista holandés que desarrolló la mayor parte de su carrera trabajando en Inglaterra. Es posible que en La Haya trabajase en el estudio de Michiel Jansz. van Mierevelt, aunque no se conserva mayor información de su primera etapa.