title: Escuela granadina de pintura

text: Tras de ese momento renacentista los nombres a recordar en la segunda mitad del siglo son secundarios; Juan de Palenque y después Juan de Aragón, típico manierista, cuya actividad enlaza con la de Pedro de Raxis, que marca el paso al siglo XVII. En el primer cuarto de este siglo destaca, junto con éste, el toledano Juan Sánchez Cotán, monje en la cartuja de Granada. Otros nombres del momento son los del caballero Pedro de la Calle y el del arquitecto y pintor Blas de Ledesma, famoso por sus fruteros y floreros, a quien erróneamente identificó Stirling-Maxwell con el toledano Blas de Prado. De una generación siguiente hay que recordar a Juan Leandro de la Fuente, que firma en 1638 y 1639 una "Pentecostés", y un "San Félix Cantalicio", en el Ayuntamiento y en los Capuchinos, obras de fuerte vigor plástico y sólida factura. Los demás pintores que siguen dan una impresión más pobre e inexpresiva. Descuella, no por su calidad sino por su magisterio, Miguel Jerónimo de Cieza (1611-85), con quien se inician Esteban de Rueda, Felipe Gómez de Valencia, Ambrosio Martínez de Bustos -también poeta y popular por sus "Inmaculadas"-, sus propios hijos, Vicente y José de Cieza, y Pedro Atanasio Bocanegra.


title: Escuela granadina de pintura

text: Vuelto Alonso Cano a Granada, en 1652, atrajo hacia sí a todos los artistas; a los que comenzaban y a los ya maduros. Casi se podría decir que los rasgos que caracterizan a la escuela son los rasgos de su estilo. Se impone así, en todos, la búsqueda de lo ideal y elegante en los tipos, la huida de lo realista y de la escena de género, prestando poca atención al retrato y casi ninguna al bodegón. Abundan también en todos las ricas entonaciones de color, con concretas preferencias de paleta, como el empleo del asfalto, y asimismo el gusto por la pintura flamenca, que habría impulsado Pedro de Moya, de quien se dice que viajó a Flandes e Inglaterra. Los tipos de Cano se repiten por todos, aunque los maticen y desarrollen otros rasgos apuntados en su arte. Así hacen Bocanegra, Juan de Sevilla o, en Málaga, Juan Niño de Guevara. El citado Gómez de Valencia (1637-79), buen dibujante, como Cano, gusta de repetir con acierto el tema del "Descendimiento" que incorporó aquel procedente de Van Dyck. Los demás siguen el estilo de Cano, directa o indirectamente. Así ocurre con los hijos de Cieza, Juan, José y Vicente.


title: Escuela granadina de pintura

text: El mejor, José de Cieza (1652-92), destacó en los paisajes y perspectivas y llegó a ser pintor del rey, luciendo con los decorados para el Real Coliseo del Buen Retiro. Otros, como Juan de Salcedo y Miguel Pérez de Aibar, apenas destacan aislados. La mayor parte se relaciona con Juan de Sevilla, así Juan de Bustamante, Francisco Lendínez, Melchor de Guevara, Manuel Ruiz Caro de Torres, Jerónimo de Rueda, hijo de Esteban, y Francisco Gómez de Valencia, hijo de Felipe. El que se aparta, para unirse a lo murillesco, es Diego García Melgarejo.


title: Escuela granadina de pintura

text: El gran artista que reafirma esa estética de Cano en el siglo XVIII es José Risueño. A él se unen recibiendo su influencia Domingo Echevarría (Chavarito), Jacinto Molina y Mendoza y Benito Rodríguez Blanes. También los muralistas como Juan de Medina recuerdan a Cano. Lo canesco persiste, a través de Risueño, en todo el siglo. Así, en la segunda mitad lo vemos en Luis Sanz Jiménez que, con Juan Sánchez Sarabia, crea la academia para la enseñanza artística. Aún después, el arte canesco influye en Fernando Marín y hasta en su discípulo Francisco Jurado, que entra en el s. XIX y todavía parece un barroco. Por persistencia, o por vuelta atrás, la pintura granadina del XVIII es una supervivencia del estilo de Cano.


title: China Wok

text: Chinawok es una empresa peruana de comida rápida, dedicada al rubro de la comida chifa. Abrió su primera tienda en enero de 1999 en el centro comercial Jockey Plaza Shopping Center. Sus colores principales son el negro y el blanco, con diseños orientales.


title: China Wok

text: Al final de su primer año ya contaba con tres locales en Lima, junto al ya inaugurado local estaban el de Saga Falabella de San Isidro y en el Primavera Park Plaza (hoy Real Plaza Primavera).


title: China Wok

text: En 2002, Chinawok incursionó en los conos de la capital en Mega Plaza Norte, Tottus, Precio Uno y Tottus Vecino de Atocongo. También ingresó al Callao en Minka. En 2009, inauguró un local en el C. C. Plaza Norte y a fines de ese mismo año, aperturó otro más en el C. C. Real Plaza Centro Cívico.


title: China Wok

text: En mayo de 2012, el Grupo Interbank adquirió la cadena de restaurantes Chinawok ubicados en el país, mientras que los negocios en el extranjero continuarán a cargo de la Corporación Chinawok.


title: China Wok

text: La empresa tiene locales en Arequipa, Chiclayo, Piura, Trujillo, Cajamarca, Chimbote, Huancayo, Puno, Juliaca, Ica, Tacna, Huánuco, Cañete y Barranca.


title: China Wok

text: A partir de 2003, Chinawok inició su internacionalización, bajo la modalidad de franquicias en Ecuador y al año siguiente en Centroamérica.


title: Knockin' on Heaven's Door

text: «Knockin’ on Heaven’s Door» o en español «Llamando a las puertas del cielo» es una canción del músico estadounidense Bob Dylan, publicada en la banda sonora de la película de Sam Peckinpah, "Pat Garrett y Billy the Kid".


title: Knockin' on Heaven's Door

text: La canción describe el colapso de un ayudante de sheriff, que fallece a causa de una herida de bala. En la canción, el ayudante dice: «Mamá, quítame esta placa, no puedo usarla nunca más». La canción se compone de cuatro acordes en tonalidad de sol mayor: G, D, Am7 y C. El patrón básico en toda la canción es G-D-Am7-Am7 y luego G-D-C-C, que se repite. El biógrafo de Dylan, Clinton Heylin, describe esta canción como "un ejercicio de espléndida simplicidad".


title: Knockin' on Heaven's Door

text: El sencillo alcanzó el puesto doce en la lista estadounidense "Billboard Hot 100". En 2004, fue votada como la número 190 por los representantes de la industria de la música y prensa en la revista "Rolling Stone" como parte de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos". También ha sido versionada por Roger Waters, U2, Bon Jovi, Grateful Dead, Lana del Rey, Antony and the Johnsons, Avril Lavigne, Eric Clapton, Luis Eduardo Aute, entre otros. Esta canción también fue versionada e incluida por la banda de "hard rock" Guns N' Roses en el álbum "Use Your Illusion II".


title: Knockin' on Heaven's Door

text: Entre los temas grabados en los estudios de Discos de la CBS en México el 20 de enero de 1973, estaba "Goodbye Holly", que, junto con "Billy", era la única canción no instrumental de la banda sonora escrita por Dylan en esta etapa de la producción. A Jerry Fielding, el arreglista musical de Sam Peckinpah, no le gustó; como ha escrito Clinton Heylin, "estaba acostumbrado a trabajar con gente que sabía leer música, no con aquellos a los que les gustaba reinventarla " y más tarde se arrepintió de que "Dylan nunca entendió lo que yo quería". El mismo Dylan comentó: "Su amigo Fielding se volverá loco cuando escuche esto".


title: Knockin' on Heaven's Door

text: Por lo tanto, Dylan tuvo que volver al trabajo. Mientras se filmaba la película en México, escribió "Knockin' on Heaven's Door". Las dos primeras líneas se le ocurrieron de inmediato, "Mamá, quítame esta placa / no puedo usarla más". Estas fueron las palabras del Sheriff Colin Baker (Slim Pickens), que había sido fatalmente herido por la banda de Billy the Kid ante los ojos de su esposa (Katy Jurado). En 1985, Dylan le confió a Cameron Crowe, "Lo escribí para Slim Pickens y Katy Jurado. Pero más allá de la necesidad de ilustrar musicalmente esta escena, Dylan también envió un mensaje de paz a América, que estaba traumatizada por el resultado de la guerra de Vietnam y el escándalo de Watergate. En este contexto, el protagonista de la canción se convierte de repente en un soldado que está en su lecho de muerte, cuestionando el valor de sus acciones y pareciendo rechazar cualquier tipo de gloria. "Está oscureciendo, demasiado oscuro para que yo lo vea / siento que estoy llamando a la puerta del cielo." El Día del Juicio Final se acerca. Le está pidiendo a su madre que baje las armas porque "esa larga nube negra" está descendiendo sobre él. ¿Es digno de entrar por las puertas del cielo? Esta canción tiene una extraordinaria dimensión mística que es típica de Dylan.


title: Knockin' on Heaven's Door

text: Cuatro acordes, un estribillo que suena como una canción infantil, y dos coplas muy simples y Dylan tuvo su más irresistible éxito desde "Lay, Lady, Lay". Esta canción de gospel-rock se construyó de forma muy sencilla: la guitarra eléctrica de McGuinn tocando arpegios, Dylan rasgueando con la guitarra acústica, el armonio de Fortina, los fundamentos del bajo de Paul y la batería de Keltner permaneciendo muy discreta, con rim-shots y un breve retraso en la primera copla. Todo estaba acompañado por un gran coro y mucha reverberación en la voz de Dylan. "Knockin' on Heaven's Door" fue un éxito, un cometa en el cielo que debió sorprender a los productores de la película por su calidad, muy superior al resto de la banda sonora. Jim Keltner recordó: "En aquellos días estabas en un gran escenario de sonido, y tenías una pantalla enorme que puedes ver en la pared [con] la escena... corriendo cuando estás tocando. Lloré durante toda esa toma".


title: Knockin' on Heaven's Door

text: Hubo varias versiones de esta canción. Sam Peckinpah quería primero un instrumental, con el que Dylan accedió. Luego una variación, con la voz. Luego una versión cantada y orquestada que se guardó para la banda sonora. Se utilizó otra versión para producir un sencillo (con "Turkey Chase" en el lado B). Este sencillo, que salió el 13 de julio de 1973, llegó al número 12 y 14 de las listas de éxitos de EE. UU. y el Reino Unido, respectivamente, el 29 de septiembre y el 6 de octubre. Desde el concierto en el Estadio de Chicago el 4 de enero de 1974, hasta 2004, Bob Dylan interpretó "Knockin' on Heaven's Door" con regularidad. También la tocó durante el concierto para celebrar el trigésimo aniversario de su carrera.


title: Knockin' on Heaven's Door

text: En 1975, Eric Clapton grabó "Knockin' on Heaven's Door" utilizando el arreglo de Arthur Louis, llegando al número 29 en Francia. En 1987, Guns N' Roses comenzó a incluir la canción en su repertorio, siendo convertida en una power ballad. El cover alcanzó el número 2 en la lista de singles del Reino Unido en mayo de 1992. Muchos otros artistas hicieron versiones de la canción, incluyendo a Grateful Dead, Avril Lavigne, Phil Collins, Mark Knopfler, Bruce Springsteen, Led Zeppelin y U2.


title: Superliga de Grecia

text: La Superliga de Grecia () es una competición entre clubes de fútbol de Grecia. Es la primera división del fútbol griego.


title: Superliga de Grecia

text: El torneo es considerado como la 13ª mejor liga del mundo según el oficial de la Federación Internacional de Historia y Estadística de Fútbol (IFFHS).


title: Superliga de Grecia

text: El primer campeonato griego funcionó entre 1906 y 1913 bajo la organización de la Federación Griega de Gimnasia (SEGAS), con sede en Atenas. Posteriormente, bajo el paraguas de la EPSE, precusora de la actual Federación Helénica de Fútbol, la EPO, se disputaron varios campeonatos regionales.


title: Superliga de Grecia

text: En 1927 la EPO puso en marcha el primer campeonato nacional considerado oficial, el "Campeonato Panhelénico". En este torneo solo tomaban parte equipos de Atenas, El Pireo, Tesalónica y Patras. Se disputaban simultáneamente varias ligas regionales y posteriormente los campeones locales se enfrentaban entre sí en una liguilla final.


title: Superliga de Grecia

text: En 1959 el campeonato pasó a ser profesional, y se abandonó el formato regional para crear una única liga nacional. La primera división (Nivel I) era la "Alpha Ethniki" (en español: "División A"), aunque en la temporada 2006/07 cambió ese nombre por el actual "Superliga".


title: Superliga de Grecia

text: La Federación Helénica de Fútbol organiza este torneo de liga, compuesto de 16 clubes. Todos deben enfrentarse entre sí, en dos ocasiones, y el sistema de puntuación es el siguiente: tres puntos para el vencedor de un partido, cero puntos para el perdedor de un partido y en caso de que dos equipos hayan empatado un partido, se les compensa con un punto para cada uno. La Superliga otorga dos plazas para la UEFA Champions League (campeón y subcampeón) y dos para la UEFA Europa League (tercero y cuarto), además de la del campeón de la Copa de Grecia.


title: Superliga de Grecia

text: Al final, el que sume más puntos, ya finalizado el certamen, es el campeón nacional.


title: Superliga de Grecia

text: Hasta 2017, se disputaba al acabar el campeonato una liguilla entre los equipos situados entre la segunda y la quinta plaza para determinar la plaza restante de UEFA Champions League y las dos de UEFA Europa League que tiene Grecia, pero a partir de la temporada 2017/18 se ha eliminado, otorgándose estas plazas según la clasificación en liga.


title: Superliga de Grecia

text: El último y el penúltimo clasificado de la tabla general desciende a la segunda división, la Super League Greece 2.


title: Superliga de Grecia

text: Clasificación histórica desde la instauración de la "Liga Profesional Griega" en la temporada 1959-60, hasta finalizada la Superliga 2018-19. Sólo los clubes Olympiacos FC, PAOK Tesalónica FC y Panathinaikos FC han competido en estas 61 temporadas.


title: Interbank

text: Interbank (Banco Internacional del Perú, S.A.) (BVL:INTERBC1) es una de las principales instituciones financieras del Perú, cuenta con más de 2 millones de clientes. Cuenta además con 275 tiendas financieras, más de 1900 cajeros automáticos, la red más grande del Perú y 3000 corresponsales Interbank Agente a nivel nacional.


title: Interbank

text: Interbank es el segundo banco más rentable del sistema bancario peruano y mantiene una creciente participación en créditos personales, vehiculares, hipotecarios, depósitos de personas y banca comercial.


title: Interbank

text: El Banco Internacional del Perú fue fundado el 1 de mayo de 1897 con un capital de $ 1' 000, 000, y su primer local se ubicó en el Jirón de la Unión del Centro histórico de Lima. El primer directorio sería presidido por Elías Mujica Carassa (1897) y después por sus hermanos Pedro Pablo (1906) y Manuel Mujica Carassa (1902-1908). En 1934 se abren las oficinas en las ciudades de Chiclayo y Arequipa. Un año más tarde, se les unió las sucursales en Piura y Sullana. Posteriormente, se continúa con la apertura de nuevas oficinas en varias ciudades del país.


title: Interbank

text: Para los años 30 y 40 los gerentes fueron Francisco Echenique Bryce, Clímaco Gómez Valdéz y Carlos A. Valdez, siendo sub-gerente Francisco Bryce Arróspide.


title: Interbank

text: En 1944, el control del banco fue asumido por la International Petroleum Company, que en 1967 establece un acuerdo con la .


title: Interbank

text: En 1968, el presidente Juan Velasco Alvarado promulgó una ley que establecía que el 75% de las acciones de los bancos debían ser transferidas a inversiones nacionales hasta diciembre de 1969, lo que afectó a los extranjeros Chemical Bank, Grupo Bunge & Born y W. R. Grace and Company que mantenían el 51% de las acciones. Con la compra de las acciones del banco por parte del Banco de la Nación en 1970, Banco Internacional pasa a formar parte de la Banca Asociada del país. En 1980, el Banco Internacional pasa a llamarse "InterBanc".


title: Interbank

text: El 20 de julio de 1994, Carlos Rodríguez-Pastor Mendoza (junto a un grupo de accionistas estadounidenses) compró por $ 51 millones el casi 91% de las acciones del banco que fueron inmediatamente transferidas al International Financial Holding ("Grupo Interbank"), el resto fueron vendidas a algunos trabajadores de la empresa. Ese mismo año, el grupo adquirió un banco "off-shore", Interbank Overseas.


title: Interbank

text: En 1997, el grupo Interbank transfirió sus principales activos a la IFH Perú Ltd. (con sede en Bahamas). Ese mismo año, los nuevos dueños deciden cambiar InterBanc por su nombre actual, "Interbank", a la vez que cambió su forma de atención tradicional por una forma más personalizada.


title: Interbank

text: Hasta la fecha, Interbank ha conseguido establecer más de 200 agencias (llamadas tiendas financieras) en todo el país y 1.250 cajeros automáticos distribuidos por todo el Perú (la red Global Net), y cuenta con 1.200.000 clientes minoristas y comerciales, adicionalmente posee agencias en el interior de los supermercados Vivanda y de los centros comerciales Plaza Vea.


title: Interbank

text: En 2007, Interbank inauguró una agencia de negocios en Shanghái-China con el fin de facilitar las negociaciones entre chinos y peruanos.


title: Interbank

text: El banco cuenta con una universidad corporativa perteneciente al Grupo Intercorp denominada Universidad Corporativa Interbank, conocida como UCIC. Esta organización brinda servicios de formación a los más de 20,000 colaboradores de las empresas del Grupo Intercorp.


title: Interbank

text: Luis Felipe Castellanos Lopez-Torres desempeña el cargo de Gerente General (CEO) desde el año 2011.


Interbank


title: Interbank

text: Consiste que son las palabra Banco Internacional del Perú con tipografía romana.


title: Interbank

text: El banco pasa a llamarse InterBanc


title: Interbank

text: Consiste que son las palabras InterBanc en letras romanas y con colo azul pálido.


title: Interbank

text: Consistía un hexágono estilizado, en IB, InterBanc y debajo el nombre Interbanc con una tipografía Garamound y en turquesa.


title: Interbank

text: En 1996 el banco pasa a llamarse Interbank


title: Interbank

text: Consistía un borde cuadrado de color azul y en el receso, el nuevo nombre formado Inter similar a la tipografía anterior y en turquesa y Bank con tipografía Arial y de color azul.


title: Interbank

text: Ocasionalmente se usaba un fondo turquesa con la palabra Inter en blanco y en el interior del borde cuadrado en blanco.


title: Interbank

text: Desde 2009


title: Interbank

text: En el 25 de junio del año 2009, un mes antes de su aniversario y el regreso de Casa Oechsle Interbank cambia su logotipo.


title: Interbank

text: Ahora el borde cuadrado está redondeando dos de sus cuatro puntas y con un tono más claro. Y la marca también cambia pasando de ser de un solo color, el blanco, y con la tipografia Cocon Bold.


title: Interbank

text: Ocasionalmente se usa un logotipo sin el fondo.


title: Isidro González Velázquez

text: Isidro González Velázquez (Madrid 15 de mayo de 1765 - 9 de diciembre de 1840) fue un arquitecto español de los s. XVIII-XIX. Hijo segundo del pintor Antonio González Velázquez, y, de acuerdo con las inclinaciones de la copiosa dinastía artística a que pertenecía, ingresó en 1778 en los estudios de arquitectura de la Academia de San Fernando, siendo discípulo de Juan de Villanueva.


title: Isidro González Velázquez

text: Acabada su formación española, en 1790 es pensionado extraordinario de Carlos IV y viaja por Francia, por toda Italia e incluso por Grecia, estudiando y midiendo monumentos y objetos de la Antigüedad clásica. Regresa a España en 1795.


title: Isidro González Velázquez

text: En 1799 es académico de San Fernando y consta como «Teniente de arquitecto mayor de los reales palacios y casas de campo del Rey». Se ignora hasta qué extremo, y en razón de dicho cargo, sea autor de la Casa del Labrador (ca. 1803), de Aranjuez. Si no lo fuera de toda la estructura, sí lo sería de la fachada, con dos cuerpos laterales salientes, todo ello articulado con suma gracia, con la mejor discreción ornamental y con un rico sentido del color. También intervino en el proyecto del Real Canal del Manzanares.


title: Isidro González Velázquez

text: Tras la guerra de la Independencia, las obras del gran arquitecto casi no pasan de proyectos. Fue él, renovando la vieja idea de José Bonaparte y de Silvestre Pérez, el autor que preveía una felicísima ordenación de la Plaza de Oriente, a modo de una majestuosa semiexedra, su radio principal el comprendido entre la mole del Palacio Real y el Teatro de los Caños del Peral. Si ello no pasó del plan -y, congruentemente se lamentaba González Velázquez de no ser requerido sino para obras menores (el puente entre Palacio y la Casa de Campo, un cuartel en El Pardo, etc.)- sí fue realidad su notable monumento a las víctimas del Dos de Mayo, en el Campo de la Lealtad, decretado en 1822 y no concluso hasta 1840. Es un obelisco muy bien diseñado, con tres cuerpos, el inferior con urnas sepulcrales.


title: Robert Bruce Merrifield

text: Robert Bruce Merrifield (Fort Worth, EUA 1921 - Cresskill 2006) fue un bioquímico y profesor universitario estadounidense galardonado con el Premio Nobel de Química del año 1984.


title: Robert Bruce Merrifield

text: Estudió química en la Universidad de California de Los Ángeles. En 1949 fue nombrado investigador auxiliar de la Escuela Médica y docente del Instituto Rockefeller, cargo que ostentó hasta 1966, a partir de aquel momento ocupó la cátedra de bioquímica en esta misma institución.


title: Robert Bruce Merrifield

text: Merrifield murió el 14 de mayo de 2006 en su residencia de Cresskill, población situada en el estado de Nueva Jersey, a consecuencia de una larga enfermedad.


title: Robert Bruce Merrifield

text: Inicialmente realizó trabajos en la investigación de las pirimidinas, especialmente en la investigación de un método de cuantificación. Durante su estancia en el Instituto Rockefeller realizó trabajos sobre la síntesis química de péptidos en la fase sólida de moléculas de aminoácidos y proteínas.


title: Robert Bruce Merrifield

text: En 1984 fue galardonado con el Premio Nobel de Química "por el desarrollo de un método simplificado y práctico de producir péptidos y proteínas".


title: Astérix (satélite)

text: El satélite artificial Astérix fue el primer satélite que Francia puso en órbita el 26 de noviembre de 1965. Se utilizó, para su lanzamiento, un cohete Diamant A desde Hammaguir, Argelia, con el objetivo de probar el vehículo.


title: Astérix (satélite)

text: Consistía, únicamente, en un transmisor de radio que nunca llegó a emitir a causa de una avería en la radio del vehículo, aunque tenía una vida programada de 3 años.


title: Astérix (satélite)

text: Con este lanzamiento, Francia pasó a ser el tercer país que ponía un satélite en órbita, detrás de Estados Unidos y la Unión Soviética.


title: Vexx

text: Vexx es un videojuego creado por Acclaim, para las consolas PlayStation 2, Xbox y GameCube lanzado en 2003. El juego es uno de plataforma en 3D, protagonizado por el personaje del mismo nombre. El objetivo consiste en recolectar corazones mágicos y desbloquear más mundos en donde jugar. Vexx sólo está armado con los guantes de guerra de Astari, los que le dan poder para derrotar a sus enemigos, lo mismo hace para volar y nadar abajo del agua. En 2006 la Canadian Publisher Throwback Entertainment (CPTE) adquirió los derechos de publicidad del mismo Vexx. Throwback Entertainment es el actual creador del nuevo Vexx para la séptima generación de consolas, el lanzamiento de este videojuego para las nuevas consolas es hasta ahora desconocido.


title: Good Vibrations

text: «Good Vibrations» es una canción escrita, compuesta y producida por Brian Wilson con letras de Mike Love e interpretada por The Beach Boys con Carl Wilson como vocalista principal. Fue publicada en sencillo el 10 de octubre de 1966 con el instrumental "Let's Go Away For Awhile" de "Pet Sounds" en el lado B. La canción se convirtió en todo un éxito tanto en su país como en el Reino Unido, alcanzando el número uno en ambos países y en otros cinco. Fue grabada durante las sesiones de "Pet Sounds", pero no fue incluida en el álbum, sino que se editó como un sencillo con la idea de que no acompañe ningún álbum, aunque después se la consideró para el entonces futuro proyecto "SMiLE". Cuando dicho álbum fue abandonado, "Good Vibrations" apareció en "Smiley Smile". El 30 de marzo de 2016, la RIAA certificó disco de platino para "Good Vibrations" por vender un millón de copias, corrigiendo un error histórico por un cambio en el criterio de los galardones.


title: Good Vibrations

text: Brian Wilson ha dicho que la génesis del título "Good Vibrations" vino de una anécdota que le contaba su madre sobre que los perros le ladran a ciertas personas en respuesta a sus "malas vibraciones". Fascinado con el concepto, Wilson se centró en la idea general del sistema límbico, o percepción extrasensorial, y desarrolló el resto de la canción.


title: Good Vibrations

text: Sobre la base del enfoque de la producción en capas que había formulado anteriormente en "Pet Sounds", Wilson grabó la canción de forma fragmentaria utilizando varios estudios de Los Ángeles a lo largo de ocho meses, lo que terminó en un mosaico cortado en pedazos con los episodios musicales marcados por varias tonos discordantes. El publicista de la banda Derek Taylor llamó a la obra una "sinfonía de bolsillo", ya que cuenta con una exótica variedad de instrumentos inusuales para una canción pop de su tiempo, incluyendo el uso prominente de un arpa y un electroteremín, un instrumento desconocido para ese entonces, junto con instrumentos convencionales desempeñándose de manera novedosa en un éxito pop, como el violonchelo y el bajo. Sus costes de producción, situados entre 50.000 y 75.000 dólares de la época, fueron los más elevados para una canción en aquel momento.


title: Good Vibrations

text: Reconocida como una obra modernista de los años 60, a Wilson se le atribuye el uso del estudio de grabación como un instrumento más como parte fundamental de la composición de la canción, como en "Pet Sounds". Su éxito le proporcionó a The Beach Boys una nominación al Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Grupal en 1966, y la canción fue finalmente incluida en el Salón de la Fama del Grammy en 1994. Es uno de los primeros clásicos de pop psicodélico de la época de la contracultura que apareció en varias listas de "las mejores canciones de todos los tiempos", siendo votada como el número uno en la lista de "Mojo" "Top 100 Records of All Time chart in 1997", la sexta mejor canción en la lista de la revista "Rolling Stone" de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, y ganó el cuarto puesto en la lista de las 20 mejores canciones de la revista"New Musical Express". Además, "Good Vibrations" es parte del Salón de la Fama del Rock. Según el sitio agregador de listas "Acclaimed Music", es la cuarta canción más aclamada por los críticos de todos los tiempos.


title: Good Vibrations

text: El líder creativo de The Beach Boys de la banda Brian Wilson fue en gran parte el responsable de la composición de la pista y su arreglo vocal, con la ayuda de Mike Love contribuyendo letras y el riff vocal ""I'm picking up good vibrations / she's giving me excitations"" en el coro. Wilson explicó que la canción fue inspirada por su madre: "[ella] me hablaba acerca de las vibraciones cosa que no entendía demasiado de lo que significaba cuando era sólo un niño. Me asustaba, la palabra 'vibraciones'. Ella me dijo que los perros ladran a cierto tipo de gente y luego no ladran a otras personas, que un perro sería capaz de captar las vibraciones de estas personas, que no se pueden ver pero se puede sentir".


title: Good Vibrations

text: La mayor parte de la estructura y el arreglo de la canción fue escrita como fue grabado. Desde el principio, Wilson previó la aplicación de un theremin, comparándolo con: "La voz de una mujer o de un arco de violín sobre una sierra de carpintero". John Bush de "Allmusic" señaló: "los oyentes de radio podrían tomar fácilmente el vínculo entre el título y los riffs obviamente electrónicos que suenan en el fondo del coro, pero el uso del theremin por parte de Wilson añadió otro delicioso paralelo". Wilson también señaló que el violonchelo en el estribillo se basa en la producción "Da Doo Ron Ron" de Phil Spector. En última instancia, Love presentó las letras finales para "Good Vibrations", alegando que ellos habían escrito juntos en el estudio, y que fueron inspirados por el movimiento "flower power" que ocurre en San Francisco y algunas partes de Los Ángeles.


title: Good Vibrations

text: A principios de 1966, Brian se contactó con el letrista Tony Asher para escribir las letras para "Pet Sounds". Asher explicó que su primera reacción ante una primaria interpretación de Brian en el piano, era que tenía una premisa interesante con potencial para ser un éxito, pero no podía imaginar el resultado final debido a la primitiva forma de tocar el piano de Brian. Los ejecutivos de Capitol Records estaban preocupados porque las letras contenían matices psicodélicos, y Brian se había basado en sus experiencias con LSD.


title: Good Vibrations

text: El estilo de grabación y producción utilizado en "Good Vibrations" estableció un nuevo método de trabajo de Brian Wilson: la grabación y regrabación de secciones específicas, seguido de mezclas en bruto de las secciones editadas juntas, además de grabación según sea necesario, y la construcción de la mezcla final de los elementos. Este fue el enfoque modular para la grabación que se utilizó durante las sesiones de "Smile", y en menor grado, "Pet Sounds". Para "Good Vibrations", Wilson también aplica la fórmula del "Wall of Sound" a sus arreglos. Las diversas secciones de la canción fueron editadas juntas por Wilson en una cantidad innumerable de "collages" sonoros, y su producción abarcó diecisiete sesiones de grabación en cuatro estudios de grabación diferentes. Se usaron más de 90 horas de cinta de grabación magnética, con un presupuesto final estimado de entre $ 50.000 y $ 75.000 ($ 360.000 y $ 550.000 en la actualidad), el mayor presupuesto empleado para un sencillo. En comparación, para "Pet Sounds" el coste de producción había sido de $ 70.000 ($ 510.000), en sí un costo inusualmente alto para un álbum. La mayoría de los sencillos de música pop de la época se grababan en un día o dos. Muchas veces Brian Wilson llegaba a las sesiones, hacía algunos arreglos, pero luego se iba sin grabar nada debido a sus indecisiones, lo que exacerbó los costos de producción. En su mayoría, grabó con el grupo de músicos conocidos como The Wrecking Crew, además la instrumentación de la canción incluyó el piano preparado, arpa de boca, órgano Hammond, contrabajo, armónica, varias guitarras, clavecín, chelo, percusión no especificada y electroteremín. Según Wilson, solo la sesión con el electroteremín costó $ 15.000 ($ 110.000). Además, Van Dyke Parks dice haber contribuido en algunos instrumentos para una sesión de "Good Vibrations", tocando los pedales de bajo de un órgano B3.


title: Good Vibrations

text: El instrumental de la primera versión de la canción fue grabada el 17 de febrero de 1966 en Gold Star Studios y se registró como una sesión para "Pet Sounds". La grabación de ese día fue titulada como "# 1 Untitled" o " Good, Good, Good Vibrations", pero en su cinta máster, Wilson afirma claramente "Good Vibrations... take one". Después de veintiséis tomas, se llegó a una mezcla mono aproximada. Algunos instrumentos adicionales y voces guía se regrabaron el 3 de marzo. La versión original de "Good Vibrations" contiene las características de un "rhythm and blues" y aún estaba lejos de parecerse a una "sinfonía de bolsillo". Para este punto no se había grabado el violonchelo aún, pero el electroteremín estaba presente, está siendo ejecutado por su inventor Paul Tanner. Fue la segunda vez que se usó el instrumento, habiéndose empleado para la grabación de "I Just Wasn't Made for These Times" solo tres días antes. Brian luego dejó "Good Vibrations" con el fin de dedicar todas sus energías para terminar "Pet Sounds", además porque pensaba que la canción no iba a encajar en el álbum, después de ser editado "Pet Sounds" el 16 de mayo, se registraron sesiones instrumentales de "Good Vibrations" entre abril y junio. A principios de septiembre se decidió volver a revisar la sección del puente de la canción y aplicar sobregrabaciones de electroteremín.


title: Good Vibrations

text: Para sorpresa de los demás integrantes de la banda, Brian Wilson decidió descartarla de la edición final del álbum. La primera versión de la lírica fue escrita por Tony Asher, quien además había ayudado a Brian Wilson con la escritura de varias canciones de "Pet Sounds". En un principio llamó a la canción "Good Vibes" (español: 'Buena onda'). Wilson le sugirió cambiar a "buenas vibraciones", Asher le dio la razón, pero dijo que lo mejor era dejarla así, ya que el argot popular era "buenas ondas". Pero más tarde Mike Love y Brian Wilson cambiaron la letra a "buenas vibraciones" (en inglés: "Good Vibrations").


title: Good Vibrations

text: Según David Anderle amigo de Brian de ese entonces, Brian en un punto prematuro consideró dar "Good Vibrations" a un grupo de rhythm and blues negro de Warner Bros Records conocido como Wilson Pickett Brian consideró directamente desechar la pista, pero después de recibir el aliento de Anderle, finalmente confió en él como el próximo sencillo para The Beach Boys. Mientras tanto, Wilson trabajó en escribir y grabar material para el proyecto "Smile". El primer "beach boy" que escuchó una versión prematura de "Good Vibrations" fue Carl Wilson, que había participado previamente en las voces con Brian en su mezcla inicial de febrero. Tras una actuación con el grupo de gira en Dakota del Norte: "Volví arriba a mi habitación del hotel una noche y el teléfono sonó. Era Brian. Me llamó desde el estudio de grabación y me hizo escuchar esta música que suena más bizarra por teléfono. Había tambores sensacionales, ese tipo de cosas, luego se perfeccionaron en sí y se metió el violonchelo. Era una pista realmente moderna".


title: Good Vibrations

text: La grabación de las voces de "Good Vibrations" tuvo lugar en CBS Columbia Square el 24 de agosto y continuó esporádicamente hasta el último día de reunión el 21 de septiembre. Evidentemente, la estructura episódica de la composición fue revisada continuamente a medida que el grupo fue experimentando con ideas diferentes. Mike Love recordó más tarde: "Recuerdo haber hecho de 25 a 30 sobregrabaciones vocales de la misma pieza, y cuando me refiero a la misma parte, me refiero misma sección de registro, de tal vez no más de dos, tres, cuatro, cinco segundos de duración". Dennis Wilson estaba destinado a cantar la voz principal, pero debido a un ataque de laringitis, Carl lo sustituyó en el último momento. La versión final es cantada principalmente por Carl en los versos, mientras que Brian se hace cargo de las líneas en falsete ""I hear the sound of a"" y ""when I look in her eyes"". Los dos puentes y el coro vocal son cantados por Love con Brian en la parte superior del apilamiento armonioso durante la parte del coro que dice ""good, good, good vibrations"".


title: Good Vibrations

text: Brian ha recordado que antes de completar "Good Vibrations", asistió a una sesión de principios de agosto para la canción "My Obsession" de los Rolling Stones, cuando el productor Lou Adler le dio marihuana, explicando: "Ellos me tiene todo drogado, pusieron todo esto en mí y no podía encontrar la puerta. [Esto] me borró tantas cosas que no sabía dónde estaba la puerta para salir del estudio". Al año siguiente, el agente de prensa de los Beach Boys, Derek Taylor publicó un artículo que escribió sobre una reunión organizada entre éste, Brian y Paul McCartney en agosto de 1966, en donde Brian había enseñado una grabación prematura de la canción en disco de acetato para que McCartney la escuchase. En 1976, Brian explicó que antes de terminar la mezcla final de la canción, tuvo que hacer frente a las resistencias dentro del grupo, a lo que Brian se negó a dar nombres. El objeto de sus preocupaciones y quejas fue el sonido "moderno" de la canción y la perceptible duración de la misma. A principios de septiembre, Brian sufrió un robo de las cintas máster "Good Vibrations", habrían sido robadas por un desconocido. Misteriosamente, reaparecieron dentro de su casa dos días después.


title: Good Vibrations

text: El 1 de septiembre de 1966 se terminó de grabar "Good Vibrations" en los estudios United Western. El 17 de noviembre llega al primer lugar en Reino Unido y el 10 de diciembre en los Estados Unidos. Hasta hoy en día, se sigue manteniendo como uno de los mejores sencillos de todos los tiempos.


title: Good Vibrations

text: Esta canción fue innovadora en varios aspectos, además de los variados efectos sonoros, fue una de las primeras canciones de pop en usar el electroteremín (en realidad ya había sido usado con "I Just Wasn't Made for These Times") el empleo de instrumentos de orquesta como el violonchelo y el contrabajo también es algo extravagante. El publicista de Brian Wilson, Derek Taylor, ha comentado que la canción es una "sinfonía de bolsillo".


title: Good Vibrations

text: En la siguiente tabla se puede ver información por cada sesión individual compilado por Keith Badman, Andrew Doe, hojas de contratos prestadas por la Federación Americana de Músicos, y el disco 5 de "The Smile Sessions".


title: Good Vibrations

text: El uso de medios musicales experimentales de grabación se dio, sobre todo, en álbumes como "Pet Sounds" y "SMiLE" (editado como "Smiley Smile"). En ellos se encuentran los siguientes esquemas: en la primera mitad de "Good Vibrations" encontramos una estructura regular, con el verso y el coro que se van construyendo en los grupos de tiempos con potencias de dos (2, 4, 8, 16, 32 y 64). Después de dos episodios/ranuras, se va construyendo con longitudes irregulares de barras impares; se distingue claramente por el contenido de la instrumentación y la atmósfera, de la parte de verso y coro. Este esquema se utilizó de la misma forma para "Heroes and Villains".


title: Good Vibrations

text: Fue la composición que llevó más tiempo de producción, donde Brian Wilson fue más allá de la estructura formal, creando nuevas formas en su instrumentación. El título duraba tres minutos y treinta segundos, con una estructura modular y diversa, formada por varios fragmentos que se destacaban por sus cambios de ritmo. Las guitarras habituales en este género fueron omitidas, además de otros instrumentos habituales, reemplazándolos por el theremín, un violonchelo, un órgano, una armónica y dos bajos. La canción fue grabada en diferentes estudios para aprovechar el sonido diferente y el ambiente de cada instalación. En contraste con las canciones complejas en producción, en algunos casos se grabaron intencionadamente canciones poco orquestadas. Esto hacía que, como en el tema "Wonderful", a veces el sonido fuese inestable y ambiguo, u oscuro con sólo una voz y sonidos graves.En julio de 1966, se publicó un anunció en la revista musical "Billboard" para "Pet Sounds", dando las gracias a la industria discográfica, y que, "estamos satisfechos por el hecho de que nuestro "Pet Sounds" trajo 'good vibrations'". Este fue el primer indicio público del nuevo sencillo. Más tarde ese mismo año, Brian Wilson dijo al periodista Tom Nolan que el nuevo sencillo de The Beach Boys sería "sobre un tipo que recoge las buenas vibraciones de una chica" y que sería un "monstruo". A Derek Taylor publicista de la banda, se le atribuye haber acuñado el término "sinfonía de bolsillo" para la obra. Promovió el corte diciendo: "los talentos instintivos de Wilson para mezclar sonidos se podría equiparar al de los antiguos pintores, cuyo secreto especial radicaba en la mezcla de sus aceites [para sus óleos]. Y lo más sorprendente es que todos los artistas creativos en circulación estén utilizando sólo los materiales básicos que son de libre acceso para los demás".


title: Good Vibrations

text: Para promocionar el sencillo se rodaron cuatro videos musicales diferentes. El primero de ellos -con Caleb Deschanel como camarógrafo- cuenta con el grupo en una estación de bomberos, deslizándose por su polo, y vagando por las calles de Los Ángeles de forma parecida a "The Monkees". El segundo video cuenta con imágenes del grupo durante los ensayos vocales en los estudios United Western Recorders. El tercero consta de imágenes grabadas durante una gira de The Beach Boys en Londres, a partir de un documental de Peter Whitehead sobre sus conciertos. La cuarta es una edición alternativa del tercer cortometraje musical. Brian también hizo una aparición personal en el programa "Teen Rock and Roll Dance" de la estación de televisión local KHJ-TV, introduciendo a la audiencia un adelanto exclusivo del registro completo.


title: Good Vibrations

text: El 15 de octubre de 1966, "Billboard" predijo que el sencillo alcanzaría el "top" 20 en "Billboard Hot 100": "Escrita por Brian Wilson y Mike Love, el grupo tiene un éxito seguro". "Good Vibrations" fue el tercer número uno en los Estados Unidos después de "I Get Around" y "Help Me, Rhonda", llegó a la cima del "Hot 100" en diciembre, además de ser su primer número uno en Gran Bretaña. Se vendieron más de 230.000 copias en los Estados Unidos durante los primeros cuatro días de su lanzamiento y entró en el "Cash Box", en el número 61 el 22 de octubre. En el Reino Unido, la canción vendió más de 50.000 copias en los primeros 15 días de su lanzamiento. "Good Vibrations" se convirtió rápidamente en el primer sencillo de The Beach Boys en vender un millón de copias. En diciembre de 1966, el corte se convirtió en su primer sencillo de oro certificado por la RIAA. Luego se modificó el criterio para un sencillo de oro, y la RIAA no corrigió el galardón para el corte de The Beach Boys, a pesar de que "Good Vibrations" es apto como disco de platino en la actualidad. Finalmente el 30 de marzo de 2016 la RIAA certificó disco de platino a "Good Vibrations" por vender un millón de copias.


title: Good Vibrations

text: El corte fue un éxito a nivel internacional, entró en las listas de éxitos de al menos quience países, de los cuales en siete alcanzó el número uno (incluyendo Estados Unidos, Reino Unido, Francia y Noruega), y en los seis restantes entró en el "top" 10.


title: Good Vibrations

text: Tanto "New Musical Express" como "Melody Maker" brindaron críticas positivas en su momento a la edición del sencillo. Poco después, los Beach Boys fueron votados en una encuesta de lectores de la "NME" como la banda número uno del mundo, por delante de The Beatles, Walker brothers, The Rolling Stones, y The Four Tops. "Billboard" especuló que esto fue producto del éxito de "Good Vibrations", y que "el éxito sensacional de los Beach Boys, sin embargo, se está tomando como un presagio de que la popularidad de los mejores grupos británicos de los últimos tres años ya ha alcanzado su pico". En un periódico danés, una encuesta realizada por los lectores votaron a Brian Wilson como el ganador por "la mejor grabación producida en el extranjero", siendo la primera vez que esto era adjudicado a un estadounidense.


title: Good Vibrations

text: Pete Townshend de The Who fue citado en su momento diciendo "'Good Vibrations' fue probablemente una buena grabación, pero ¿quién puede saberlo?. Había que reproducirlo alrededor de 90 veces sangrientas y aun así no se podía oír lo que estaban cantando", además temía que el sencillo llevaría a una tendencia a la sobreproducción. En un número "Arts Magazine" en 1966, Jonathan King dijo: "con justificación de ciertas observaciones, 'Good Vibrations' es un trabajo inhumano del arte, pop computarizado, música mecanizada. Tome una máquina, [grabando] varios instrumentos musicales, añada un eslogan, revuelva bien y pulse siete botones. Es largo y dividido... Impresionante, fantástico, comercial -sí. Emocional, destructora del alma-". En la década de 2000, el productor discográfico Phil Spector criticó el sencillo por depender demasiado de la manipulación de la cinta, refiriéndose negativamente a ella como una "grabación de edición... Es como "Psycho" es una gran película, pero es una 'película de edición'. Sin ediciones, no es una película; con edición si lo es. Pero no es "Rebecca"... no es una bella historia".


title: Good Vibrations

text: Animado por el éxito de la canción, Brian continuó trabajando en el proyecto "SMiLE", con la intención de crear un álbum completo empleando las técnicas de escritura y producción ideadas para "Good Vibrations". "Heroes and Villains", fue un sencillo que continuo con las prácticas de registro de Brian, que abarcó casi treinta sesiones de grabación entre mayo de 1966 y junio de 1967.


title: Good Vibrations

text: Durante la dictadura de Francisco Franco mucho álbumes y artistas fueron censurados, un ejemplo de ello fue cambio de la portada del álbum "Sticky Fingers" de The Rolling Stones. "Good Vibrations" fue censurada debido a su "sentido totalmente erótico, en el que se subliman las excitaciones sexuales", considerando además que "su autorización daría pie a las revistas de tipo musical a ofrecer la letra en castellano. Por todo ello, consideró que no debe autorizarse".


title: Good Vibrations

text: Si bien "Good Vibrations" había sido compuesta originalmente para "Pet Sounds", pero no fue incluida, si fue incluida en "Smiley Smile" de 1967, en "Good Vibrations - Best of The Beach Boys" de 1975, en "20 Golden Greats" de 1976, fue incluida en la reedición de "Endless Summer" de 1980, en "Made in U.S.A." de 1986, en "Summer Dreams" de 1990, en el exitoso box set "" 1993, en el compilado de archivos "Endless Harmony Soundtrack" de 1998, en "The Very Best of The Beach Boys" y "Hawthorne, CA" de 2001, en la selección de clásicos por Brian Wilson "Classics selected by Brian Wilson" de 2002, en el exitoso compilado "" de 2003, en "" de 2005 y en la edición histórica de "The SMiLE Sessions" de 2011, en cuyo quinto CD se encuentran 24 pistas exclusivamente sobre la canción "Good Vibrations", en donde se pueden escuchar diferentes mezclas o distintas tomas.


title: Good Vibrations

text: "Good Vibrations" fue interpretada en vivo en los álbumes "The Beach Boys in Concert" de 1973, "Live in London" de 1976 el cual aparece en el repertorio del videojuego Rock Band 3; "" un lanzamiento recién del 2002 y en el compilado de canciones en vivo "Songs from Here & Back" de 2006. Fue interpretada en la en el marco de la reunión por su aniversario n.º 50.


title: Good Vibrations

text: En conmemoración de los 40º años de "Good Vibrations", se editó el 27 de junio de 2006 un sencillo edición especial de seis canciones en CD llamado "Good Vibrations: 40th Anniversary Edition", con la versión original de 45 RPM, siete minutos de sesiones, una versión alternativa, la pista instrumental, un ensayo del concierto en directo y una mezcla en estéreo de "Let's Go Away For Awhile".


title: Good Vibrations

text: El 16 de abril de 2011 se publicó una edición especial de "Good Vibrations" con "Heroes and Villains". El lanzamiento de solo 5.000 ejemplares estaba compuesto por dos discos de vinilo de 10" a 78 RPM. El primer disco tenía ambas pistas con las versiones más difundidas y conocidas. Mientras que el segundo disco posee versiones in-editas de las composiciones ya citadas. Ambos discos son monoaurales.


title: Anton Alexander Auersperg

text: Anton Alexander Graf von Auersperg, conde de Auersperg (Laibach 1806† Graz 1876) fue un escritor y político liberal austríaco que escribía con el seudónimo de Anastasius Grün.


title: Anton Alexander Auersperg

text: Nació el 11 de abril de 1806 en Laibach, capital del Ducado de Carniola (ahora en Eslovenia), y era el titular de la casa Thurn am Hart/Krain una rama de la casa de Auersperg.


title: Anton Alexander Auersperg

text: Recibió educación universitaria primero en Graz y después en Viena, donde estudió Derecho. En 1830 heredó el título y en 1832 figura como miembro de los estados de Carniola en la dieta de Laibach. En la dieta se hizo notar por sus críticas al gobierno austríaco, liderando la oposición del ducado a los abusos del poder central. En 1839 se casó con la hija del conde Attems, Maria.


title: Anton Alexander Auersperg

text: Durante la Revolución de 1848, representó al distrito de Laibach en la Asamblea Nacional Alemana en Fráncfort del Meno ("Frankfurt am Main"). Desde allí trató de convencer infructuosamente a sus compatriotas eslovenos de que enviasen representantes. Sin embargo, después de unos meses, contrariado por el desarrollo violento de la revolución, abandonó su escaño y se retiró a sus propiedades.


title: Anton Alexander Auersperg

text: El emperador le convocó en 1860 para formar parte del remodelado Reichsrat ("Consejo Imperial"). Su labor en este órgano de gobierno, se caracaterizó por su apoyo a un imperio germánico centralizado y su oposición a las reclamaciones de los húngaros y los diversos pueblos eslavos. Murió en Graz, el 12 de septiembre de 1876.


title: Anton Alexander Auersperg

text: Fue autor de poemas satíricos contra Metternich y de otros muchos muy reimpresos y populares, algunos de los cuales influyeron en Bécquer.


Anton Alexander Auersperg


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Los Aliados fueron el conjunto de países opuestos política y militarmente a las potencias del Eje durante la Segunda Guerra Mundial. Más concretamente se suele referir con este término a la coalición militar liderada a partir de 1941 por Estados Unidos, el Reino Unido y la Unión Soviética (en cierto modo también por China en el teatro asiático-pacífico, llegando a denominar los cuatro con el término de Cuatro Policías) contra las fuerzas armadas de la Alemania nazi, el Japón imperial y la Italia fascista (hasta su derogación en 1943). Históricamente se suele incluir entre los aliados principales también a Francia por su significado geopolítico y participación en la partición de Alemania después de la guerra. En el sentido posbélico, se suele referir con los términos «potencias aliadas» u «ocupación aliada» a estos cuatro Estados occidentales.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Al comenzar la guerra, el 1 de septiembre de 1939, la coalición enfrentada a Alemania consistía en la República Francesa, Polonia y el Reino Unido, al cual se unieron poco después algunos dominios del Imperio británico y el resto del Imperio (Canadá, Australia, Nueva Zelanda, el Dominio de Terranova y la Unión Sudafricana), el Raj británico y el Reino de Nepal. En 1940, se unieron la Francia Libre, Dinamarca, Noruega, Bélgica, Luxemburgo, los Países Bajos, el Reino de Grecia y el Reino de Yugoslavia. En junio de 1941, la llamada Operación Barbarroja propició que la URSS se uniera a los Aliados. Estados Unidos, que ya había apoyado a los aliados en los primeros años de la guerra, se unió activamente en diciembre de 1941, tras el ataque japonés a Pearl Harbor, que además propició la incorporación de otros países, incluidos algunos del continente americano como México. En el frente asiático, la República de China ya se encontraba en plena guerra sino-japonesa, la cual se convertiría en el frente asiático de la guerra mundial.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, la República de China ya se encontraba luchando contra el Imperio de Japón desde 1937.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Durante la década de 1920 el gobierno del Kuomintang fue asistido por la Unión Soviética, la cual ayudó a reorganizar el partido junto al modelo leninista de la unificación del partido, Estado y ejército. Sin embargo, tras la unificación de China, el generalísimo Chiang Kai-Shek purgó a los izquierdistas de su partido y rehusó aliarse con el Partido Comunista de China para luchar contra los nipones; en su lugar, optó por luchar con ambos a la vez. Siguió siendo así aún después del incidente de Mukden y el régimen títere de Manchukuo establecido por las tropas japonesas en 1931. Las campañas anticomunistas de Chiang continuaron mientras luchaba en conflictos pequeños e incesantes contra Japón a lo largo de los años 1930. China vio perder sus territorios ante Japón pedazo por pedazo en este periodo.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: En los primeros años de la década de 1930, Alemania y la República de China se hicieron socios muy cercanos en las áreas del intercambio industrial y militar. La Alemania nazi proveyó la más grande proporción de importaciones de armas y pericia técnica chinas. Después del incidente del puente de Marco Polo del 7 de julio de 1937, China y Japón se enfrascaron en una guerra a gran escala que duró hasta 1945. En un principio, Alemania no denunció los crímenes de guerra en China, tales como la Masacre de Nankín de 1937. No obstante, Alemania reconoció también que Japón era más capaz de luchar contra la Unión Soviética, y la cooperación con China se rompió en mayo de 1938. La Unión Soviética, deseando mantener a China en la lucha contra Japón, apoyó a China con algo de asistencia militar hasta 1941, hasta que cesó la lucha con Japón para así prepararse para la guerra contra Alemania.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: A pesar de que China había estado luchando más tiempo que cualquiera de las fuerzas aliadas, sólo se unió a los Aliados, de manera oficial, después del ataque a Pearl Harbor, el 7 de diciembre de 1941. Chiang Kai-shek sintió que la victoria aliada estaba asegurada con la entrada de los Estados Unidos en la guerra y declaró la guerra a Alemania y a las otras naciones de las Potencias del Eje. Sin embargo, la ayuda aliada permaneció baja mientras se cerraba el camino a Birmania y sufrieron una serie de derrotas militares contra Japón en el comienzo de la campaña. El grueso de ayuda militar no llegaría hasta la primavera de 1945. Más de 1.5 millones de tropas japonesas fueron atrapadas en el teatro de operaciones de China; las tropas que de otra manera pudieron haber sido desplegadas en otra parte, tenían a China colapsada e hicieron una paz separada con Japón.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: El 1 de septiembre de 1939, Alemania invadió Polonia. El Reino Unido y Francia le dieron dos días a Alemania para retirarse de Polonia. Una vez que pasó la fecha límite, el 3 de septiembre, el Reino Unido, Australia, y Nueva Zelanda le declararon la guerra a Alemania, seguidos rápidamente por Francia, Sudáfrica y Canadá. En la madrugada del 1 de septiembre de 1939, sin previa declaración de guerra, invadió Polonia desde varios puntos del oeste del país. El 17 de septiembre, la Unión Soviética, siguiendo su acuerdo secreto con Alemania, invadió Polonia desde el este, convirtiendo las defensas polacas en un caos mediante la apertura de un segundo frente. Alemania y Unión Soviética ocuparon todo el territorio polaco en tan solo 36 días. Como consecuencia de la Campaña de Septiembre, la Polonia ocupada consiguió crear un poderoso movimiento de resistencia y contribuyó con fuerzas militares significativas al esfuerzo aliado durante el resto de la Segunda Guerra Mundial.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: El Reino Unido fue el principal enemigo de Alemania durante la Segunda Guerra Mundial. Luego de la invasión nazi a Polonia, el 1 de septiembre de 1939, los británicos (junto con los franceses), fueron los primeros en declararle la guerra a Hitler el día 3. Posteriormente, Mussolini, el aliado de Hitler, le declaró la guerra a los británicos. El Reino Unido repudiaba las formas de gobierno de la Alemania nazi e Italia fascista y estaba dispuesta a luchar contra ellos.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Tan pronto como Winston Churchill llegó al poder, el Reino Unido se convertiría en una amenaza para Alemania. A causa de esto, los alemanes mantuvieron una cruenta guerra aérea, a consecuencia de esto Reino Unido inicia una campaña de bombardeo sistemático a las zonas industriales y principalmente a la población civil alemana. Los británicos también se enfrentaron con los italianos y alemanes en el norte de África, y al Imperio del Japón, que atacó las colonias británicas en Asia y el océano Pacífico.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Al igual que Reino Unido, Francia declaró la guerra a Alemania después de la invasión a Polonia, luchando contra los alemanes e italianos entre 1939 y los inicios de 1940. Sin embargo, después de la batalla de Francia, los alemanes invadieron y dominaron la nación, convirtiéndola en un aliado obligado, y aunque en el sur del país se estableció un gobierno autónomo conocido como Francia de Vichy, los nazis no permitieron alianza entre este y los británicos. Cabe destacar, que durante la ocupación alemana de Francia, Charles de Gaulle estableció un gobierno en el exilio conocido como Francia Libre, el cual proporcionaba una minoritaria ayuda a los aliados.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Después de la batalla de Normandía y la liberación de Francia, en el año 1944, los alemanes fueron expulsados del territorio y los franceses volvieron en totalidad al lado de los Aliados, quedándose con ellos hasta el final del conflicto.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: El 23 de agosto de 1939, la Alemania nazi y la Unión Soviética firmaron el Pacto Ribbentrop-Mólotov, por el cual se repartía a Polonia en dos partes: una para cada quien. El 1 de septiembre, Hitler invadió Polonia por el oeste y el 17 de septiembre, Stalin invadió Polonia por el este.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: El 30 de noviembre de 1939, la Unión Soviética invadió Finlandia, pero los finlandeses lograron frenar el avance, pero tuvo que cederle territorios a la Unión Soviética. El 14 y 17 de junio de 1940, la Unión Soviética anexó las repúblicas bálticas y el 28 de junio y 4 de julio ocupó Besarabia y el norte de Bukovina.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: En octubre y noviembre de 1940, la Alemania nazi y la URSS mantuvieron unas negociaciones para la incorporación de esta última en el Eje, que no prosperaron al no ponerse de acuerdo las partes sobre las condiciones de dicha incorporación. (Véase .) El 18 de diciembre, el Führer firmó la Directiva n.º 21, denominada «Operación Barbarroja», donde se declaraba la invasión relámpago de la Unión Soviética, que debía ser aniquilada, teóricamente, en una sola campaña de apenas un par de meses.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Finalmente, el 22 de junio de 1941, Alemania y sus estados satélites invadieron la Unión Soviética, iniciando lo que allí se vino a llamar la Gran Guerra Patria. A continuación, la Unión Soviética pasó a formar parte de los Aliados de la Segunda Guerra Mundial.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Desde entonces, los alemanes debieron luchar ahora en un enorme frente oriental contra la Unión Soviética y debieron a su vez asumir la penosa carga de las innumerables bajas por los combates en dicha nación. Entre los alemanes y soviéticos se vivieron las batallas más crueles y sangrientas de toda la Segunda Guerra Mundial y la historia humana, devastando ciudades y asesinando a millones de personas. La invasión de la URSS desfavoreció completamente a los alemanes y propició la derrota de la Alemania nazi en la guerra.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Estados Unidos apoyaba a los aliados, aunque no entró en guerra hasta diciembre de 1941, cuando el Imperio del Japón (aliado de los alemanes e italianos) atacó la base de Pearl Harbor en Hawái, los estadounidenses entraron inmediatamente en guerra junto a los Aliados y ayudó en los combates a los británicos. Luego de que los Estados Unidos declararan la guerra a los japoneses, Alemania y el Reino de Italia, los aliados del Imperio de Japón, declararon la guerra a los estadounidenses, configurando oficialmente los bandos hasta el final del conflicto.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: La entrada de los Estados Unidos a la guerra fue muy decisiva, pues este país no estaba desgastado como los demás países beligerantes y se encargaría de ayudar al Reino Unido y la Unión Soviética en su lucha contra Alemania, además de batallar también contra el Reino de Italia. Pero también, se encargaría de detener y hacer retroceder el avance del Imperio del Japón por el océano Pacífico, luchando contra los japoneses isla por isla.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Finalmente, los estadounidenses lograron colaborar en la rendición del Reino de Italia; debilitaron y ayudaron a derrotar a la Alemania nazi a través de bombardeos y tras fuertes batallas, y finalmente tras los bombardeos atómicos sobre Hiroshima y Nagasaki vencieron al Imperio del Japón.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: El 1 de septiembre de 1939. con la invasión de Alemania a Polonia dio inicio la Segunda Guerra Mundial. Alemania inició la operación, mientras Reino Unido, Francia, Australia y Nueva Zelanda le declararon la guerra a Alemania el 3 de ese mismo mes. Nepal, Terranova, Tonga, Unión Sudafricana y Canadá se unieron en los días posteriores, debido a la unión de la isla británica al conflicto bélico junto al Principado de Andorra. El 17 de septiembre, la URSS invadió Polonia desde el este y el 30 de noviembre, los soviéticos atacaron Finlandia. Al año siguiente, la URSS se anexó los estados bálticos (Estonia, Letonia y Lituania) junto con partes del Reino de Rumanía. El pacto germano-soviético llegó a su fin con la invasión alemana a la URSS, el 22 de junio de 1941.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Los Estados Unidos se unieron a los Aliados tras el ataque a Pearl Harbor, el 7 de diciembre de 1941. En la Declaración de las Naciones Unidas, el 1 de enero de 1942, se unieron oficialmente 26 naciones como aliadas (la declaración formó también las bases para la ONU).


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: La alianza informal de los "Cuatro Grandes" —Reino Unido, la Unión Soviética, los Estados Unidos y China — surgió en la última mitad de la II Guerra Mundial y sus decisiones determinaron la estrategia aliada alrededor del mundo.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Alrededor de 10 000 republicanos españoles lucharon contra el nazismo y el fascismo en las filas de los aliados en la Segunda Guerra Mundial, a los que habría que sumar los 55 000 que formaron parte de las compañías de trabajadores extranjeros que movilizó el ejército francés.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Los voluntarios españoles estuvieron presentes en las filas de la gran mayoría de unidades francesas libres de tierra y en un número importante de las navales y las aéreas, lo que hace que los exiliados españoles estuvieran presentes en las operaciones en las que intervinieron las tropas que comandaba De Gaulle: desde Dakar, Berchtesgaden, Gabón, Siria, Líbia, El Líbano, Túnez, Italia y la misma Francia.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Hay constancia de la existencia de, al menos, cuatro unidades militares en el ejército francés y en el británico en las que la presencia de republicanos españoles era mayoritaria. Así pues existía la Spanish Company Number One, que combatió en Dunkerque y en Noruega; el Tercer Batallón de Fusileros Marinos formada íntegramente por vascos; el XIV Cuerpo de Guerrilleros Españoles con más de 8000 miembros y que se acabaría convirtiendo en Agrupación de Guerrilleros Españoles; el Tercer Batallón del Regimiento de Marcha del Chad que acabaría jugando un papel capital en la Liberación de París.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Tras la Declaración de las Naciones Unidas, países como México, Colombia, Venezuela y Brasil se unieron a la guerra por ataques por parte de los alemanes a sus navíos, aportando a la guerra participación significativa, la cual ayudó en la recta final de la guerra mundial. Brasil no fue el único país latinoamericano en enviar tropas a Europa. Naciones como Argentina también participaron. Cinco mil argentinos sirvieron en las Fuerzas Armadas británicas, a pesar de que Argentina era oficialmente un país neutral. Aproximadamente 750 voluntarios argentinos sirvieron en la Fuerza Aérea Real y la Fuerza de Aire Real Canadiense, mayoritariamente en el escuadrón Núm. 164 (argentino) cuyo escudo llevaba el sol de la Bandera de Argentina y el motto, ""Determined we fly" (Firmes Volamos)" Muchos eran parte de las fuerzas especiales, como John Godwin.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Brasil envió una fuerza expedicionaria (FEB) a combatir. Entre julio y agosto de 1942, submarinos alemanes hundieron 18 barcos brasileños y hasta el final de la guerra se llegó a 36 buques hundidos y alrededor de 1 100 muertos. Aunque el Gobierno de Brasil se mostraba reacio a entrar en el conflicto, la indignación pública empujó a Brasil a declarar la guerra a Alemania en noviembre de 1942, y a enviar una División completa de casi 30 000 hombres al frente de Italia donde participaron en la rotura de la Línea Gótica combatiendo en el valle de Río Serchio, los Apeninos y Valle del Río Po, donde participaron de batallas como Monte Castello.


title: Aliados de la Segunda Guerra Mundial

text: Mientras que México envió al Escuadrón 201 para observaciones, bombardeos y ametrallamiento de posiciones japonesas, vehículos en convoy y emplazamientos de artillería en Filipinas y Formosa, y pactó con Estados Unidos el envío de trabajadores mexicanos a los campos agrícolas y fábricas para compensar la falta de mano de obra debido al correspondiente reclutamiento estadounidense y finalmente Colombia logra hundir al submarino alemán (U-154) que estaba amenazando al canal de Panamá utilizando una fragata misilera (RC CALDAS) expulsando a los alemanes de este canal. Algunos países como Paraguay, enviaron tropas nacionales a luchar dentro del Ejército Brasileño.


title: Earth A.D./Wolfs Blood

text: Earth A.D./Wolfs Blood (usualmente llamado simplemente Earth A.D.) fue el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense The Misfits, y el último con Glenn Danzig como líder. Fue publicado en diciembre de 1983, dos meses después del último concierto con Danzig. El disco incluyó canciones con temáticas más oscuras y sonidos más fuertes y rápidos entre las que destacaron "Die, Die My Darling" y "Green Hell".


title: Earth A.D./Wolfs Blood

text: Originalmente fue publicado como un álbum de 9 canciones; después fue publicado incluyendo las 3 canciones del sencillo (publicado en mayo de 1984) "Die, Die My Darling", cuyas canciones fueron "We Bite", "Mommy, Can I Go Out And Kill Yonight?" y "Die, Die My Darling".


title: Earth A.D./Wolfs Blood

text: Danzig dijo que las canciones "Bloodfeast" y "Death comes Ripping" pertenecían originalmente a las primeras canciones de Samhain, pero que fueron agregadas a lo que serían las últimas canciones de "The Misfits" como un último esfuerzo por salvar a la banda.


title: Karimero

text: Karimero カリメロ es un gran grupo de Angura kei de Japón. Se separaron en 2004.


title: Karimero

text: Karimero se forma en mayo del 2001 con Yuuki como vocalista, Nao a la guitarra, Koosuke en el bajo y Tsuyoshi como baterista.ALBUM & MINI-ALBUM SINGLE & MAXI-SINGLE DEMO OMNIBUS


title: Nothing Really Matters

text: «Nothing Really Matters» es una canción interpretada por la cantante estadounidense Madonna, incluida en su séptimo álbum de estudio, "Ray of Light" (1998). Fue compuesta por Madonna y Patrick Leonard, mientras que la producción estuvo a cargo de la primera, William Orbit y Marius de Vries. Las compañías Maverick y Warner Bros. Records la publicaron como el quinto y último sencillo del disco el 26 de febrero de 1999. Es una canción de géneros disco y "trance" que incluye ritmos de "techno" y "dance", así como música ambiental y frecuencias de ruido electrónico agregadas por de Vries. La letra ahonda en el nacimiento de la primera hija de Madonna, Lourdes «Lola» León, y explora otros temas como el egoísmo y la maternidad.


title: Nothing Really Matters

text: En términos generales, obtuvo reseñas variadas, aunque en su gran mayoría de carácter favorable; la crítica resaltó la letra y la composición, aunque consideró que no estaba a la altura en comparación con otras canciones del material. Desde el punto de vista comercial, alcanzó la primera posición en España y Hungría y estuvo entre los diez primeros en Canadá, Finlandia, Grecia, Islandia, Nueva Zelanda, Países Bajos, Polonia y Reino Unido. En Estados Unidos, fue el vigésimo primer número uno de Madonna en el conteo Dance Club Songs; sin embargo, se convirtió en su sencillo con la posición más baja dentro de la lista "Billboard" Hot 100, tras ocupar el puesto 93. Esto se debió al retraso del lanzamiento físico, mucho después de que lograra popularidad en las radios y discotecas del país.


title: Nothing Really Matters

text: El videoclip, dirigido por Johan Renck, tuvo su estreno en MTV el 13 de febrero de 1999. Inspirado en la novela "Memorias de una geisha" (1997) de Arthur Golden, muestra a la cantante como una "geisha" mientras baila en una habitación, intercalado con escenas de bailarines de ascendencia asiática que realizan movimientos "butō". Madonna luce un kimono rojo —confeccionado por el diseñador de moda francés Jean-Paul Gaultier— que usó nuevamente durante la presentación de la canción en la de los premios Grammy, celebrada ese mismo mes en Los Ángeles. «Nothing Really Matters» ha sido citado como uno de los sencillos más infravalorados de su carrera, sumado a que periodistas y académicos consideraron el videoclip y el vestuario como una de las mejores y más icónicas reinvenciones de Madonna.


title: Nothing Really Matters

text: Entre 1996 y 1998, Madonna pasó por una serie de experiencias que le «cambiaron la vida», entre ellas el nacimiento de su hija Lourdes «Lola» León, su interés por el yoga, el misticismo oriental y la cábala, así como el papel protagónico de Eva Perón en la adaptación cinematográfica del musical "Evita", dirigida por Alan Parker. En 1997, empezó a trabajar en su séptimo álbum de estudio "Ray of Light"; para ello, compuso canciones con William Orbit, Rick Nowels, Patrick Leonard y Babyface con el propósito de que reflejara los «cambios de perspectivas» en relación con su vida personal. Joan Anderman del "Boston Globe" señaló que se trataba de un «disco "dance" profundamente espiritual», cuyo meollo se basaba en «liberarla de una carrera construida sobre imágenes recogidas e identidades cultivadas». La maternidad había suavizado emocionalmente a la artista, lo que se reflejaba en las canciones. En este sentido, ideó conceptos y usó palabras que implicaban pensamientos más profundos y personales, en lugar de las melodías típicas de música "dance" que había compuesto anteriormente. En aquella época, se encontraba en su fase «más espiritual» y, a medida que crecía su interés por el misticismo y la Cábala, las letras adquirían un enfoque «menos situacional y más universal». En una entrevista con la revista "Q", expresó que la maternidad la llevó a «buscar respuestas a preguntas que nunca antes me había hecho».


title: Nothing Really Matters

text: Madonna compuso la canción con Leonard durante el desarrollo de "Ray of Light", aunque, a diferencia de su dinámica de trabajo anterior, este último solo coescribió cuatro temas del disco: «Nothing Really Matters», «Skin», «Sky Fits Heaven» y «Frozen». Su participación en la producción también fue mínima, ya que, en ese momento, la artista buscaba «cierta sensibilidad europea» en el álbum con música de Inglaterra y Francia que no «podría haber obtenido de un productor estadounidense». Por ende, trabajó principalmente con Orbit luego de que Guy Oseary, socio de la discográfica Maverick, se contactara con él y le solicitase algunas melodías para la cantante; le envió una cinta de audio digital de trece pistas, entre las cuales se encontraba una maqueta de «Nothing Really Matters». A los cinco días, ella se comunicó con el productor y le comentó que estaba interesada en colaborar con él. Era gran admiradora de los discos del productor y de las remezclas que había creado para sus sencillos anteriores; agregó: «Estaba interesada en fusionar una especie de sonido futurista, pero también usar muchas influencias indias, marroquíes y cosas así. Quería que sonara viejo y nuevo al mismo tiempo».


title: Nothing Really Matters

text: Para «Nothing Really Matters», Madonna empleó lo que Lucy O'Brien, autora de "" (2007), denominó la «estrategia psicológica» de enfrentar a dos productores entre sí para que, de esa manera, cada uno pudiese «elevar su juego». De acuerdo con el coproductor Marius de Vries, era el tema que más tenía preparado de antemano; durante las sesiones, Orbit consideró sus contribuciones «desagradables», a lo que respondió: «En todas las colaboraciones le dejé mucho espacio, pero aquí quería poner algo sobre la mesa y decir: "Esto es lo que pienso"». Para ello, había añadido frecuencias de ruido electrónico en la introducción y afirmó que tenía una «visión de cómo terminar la canción». A Orbit no le gustó la adición, ya que le parecía que la cinta de audio digital estaba rota, y de Vries defendió su contribución al confirmar que ese era precisamente el punto desde un principio: «Es bastante lenta para una melodía "dance" de esa naturaleza, no una melodía pausada». Pese al desacuerdo de Orbit, el sonido se mantuvo por decisión de Madonna.


title: Nothing Really Matters

text: Un aspecto que O'Brien analizó es cómo la maternidad había transformado a la artista de manera positiva. En este punto, de Vries señaló que se mostró «más asentada, más tranquila. Lola estaba cerca todo el tiempo. Una de las salas de ocio del estudio se convirtió en una especie de guardería. Era muy tierna». Madonna profundizó: «Lola no sabe que soy famosa y es un amor completamente incondicional, que nunca conocí porque crecí sin madre. Cuando tienes hijos tienes que salir de ti mismo... Lo miras desde una perspectiva diferente». Producida por Madonna, Orbit y de Vries, la grabación tuvo lugar en los estudios Larrabee North de Universal City (California), mientras que la masterización en Sterling Sound (Nueva York), a cargo de Ted Jensen. No se grabó con músicos en vivo, lo que representó un problema de maquinaria que retrasó la grabación inicial, puesto que, en su lugar, Orbit prefería trabajar con "samples", sintetizadores y Pro Tools. Como resultado, tomó tiempo terminar la producción de la canción, así como la de todo el álbum, hasta que se repararon las máquinas. El resto del personal incluyó a Steve Sidelnyk en la programación de batería; Donna De Lory y Niki Haris en los coros; y Pat McCarthy, David Reitzas, Jon Englesby, Mark Endard y Matt Silva en la ingeniería.


title: Nothing Really Matters

text: «Nothing Really Matters» es una canción de géneros disco y "trance" que incluye ritmos de "techno" y "dance". Larry Flick de "Billboard" la describió como una «rebanada de disco retro». Según la partitura publicada en Musicnotes.com por Alfred Publishing Co. Inc., se establece en un compás de , con un "tempo" moderado de 104 pulsaciones por minuto. Está compuesta en la tonalidad de "fa" mayor y el registro vocal se extiende desde las notas "fa" a "la""". Sigue una progresión armónica de "re" menor—"si" bemol—"re" menor—"si" bemol—"re" menor—"fa"/"do"—"do". De acuerdo con los autores René T. A. Lysloff y Leslie C. Gay, en "Music and Technoculture" (2003), «Nothing Really Matters» revela una fusión de naturaleza y tecnología, es decir, la voz de Madonna y otras características musicales «aportan un elemento natural a sus cimientos electrónicos». En este aspecto, hace un uso «intenso» de sonidos asociados a la electrónica.


title: Nothing Really Matters

text: Inicia con una introducción instrumental sintetizada donde el uso de la electrónica toma protagonismo a través del timbre. Según Rikky Rooksby, autor de "The Complete Guide to the Music of Madonna" (2004), el «delicado» comienzo ambiental da la sensación como si la canción fuera una balada compuesta en "re" menor. A continuación, el oyente percibe el «extraño ruido electrónico [y] ligeramente roto», agregado por de Vries, similar a un «chirrido de percusión que recuerda a un procesador de computadora». También se incluye una línea de cuerda grave, que comienza de manera acústica y luego se distorsiona electrónicamente, y un "riff" melódico que continúa a lo largo de la canción. A diferencia de la línea de cuerda, el "riff" nunca se altera o se secuencia, sino que permanece en su timbre original con algunas excepciones melódicas. La artista canta la primera estrofa, bajo los sintetizadores «glaciales» de Orbit, y explica cómo era su vida antes de que su hija naciera: "When I was very young, nothing really mattered to me, but making myself happy, I was the only one. Now that I am grown everything's changed, I'll never be the same, because of you" («Cuando era muy joven, nada me importaba realmente más que hacerme feliz, yo era la única. Ahora que soy mayor, todo ha cambiado, nunca seré la misma, gracias a ti»). Con la entrada de la voz de Madonna, se agrega otro elemento natural a los sonidos electrónicos, los cuales no interfieren con su voz; en este caso, el sonido natural de su canto contrasta con los tecnológicos. La «sensación» de balada da paso a una pista "dance" de "tempo" medio en el estribillo, que evoca las obras anteriores de la cantante, mientras canta los versos "Nothing really matters, love is all we need, everything I give you, all comes back to me" («Nada importa realmente, el amor es todo lo que necesitamos, todo lo que te doy, todo regresa a mí»). La influencia del "dance" puede observarse en el estribillo, que utiliza un contratiempo de bajo rítmico para establecer esa conexión. Los sonidos electrónicos ocurren al final de los versos para enfatizar la voz de Madonna. La producción ambiental se vuelve moderada, aunque puede escucharse un pitido somero de derecha a izquierda. Hay varias líneas de cuerda tenues y se aprecia la «profundidad» del campo estéreo. El puente contiene un solo de piano con muchas notas desafinadas mientras recorre un par de compases. Posee una cualidad improvisada, como si fuera un solo de "jazz". La asociación con este género y el piano acústico evoca una forma de música anterior, menos controlada por la tecnología, y se yuxtapone con la sección rítmica electrónica, que predomina en la producción, junto con la voz de Madonna.


title: Nothing Really Matters

text: Inspirada y dedicada a su hija Lourdes, la letra ahonda en su nacimiento y es una reflexión sobre la vida egoísta y la ley del karma, «que todo lo dado vuelve a aquel que da». Asimismo, refleja el nuevo rol de la cantante como madre, lo que se evidencia cuando el «tú» al que se refiere es, precisamente, a su hija. En la línea "Everything I give you all comes back to me" («Todo lo que te doy, todo regresa a mí»), que también alude a ella, expresa el papel «gratificante que la maternidad ha traído a su vida». En otros análisis a la letra, J. Randy Taraborrelli explica en "" (2002) que el álbum ofrece una cierta reflexión «sobre la persona que Madonna siente que solía ser y en quién se ha convertido». En este sentido, opinó que en «Nothing Really Matters», reconoce las «formas egoístas del pasado». O'Brien la describió como una canción de "mea culpa", en la que «se condena a sí misma por vivir egoístamente y celebra el hecho de tener una hija». Del mismo modo, Francesco Falconi, autor de "Loco por Madonna. La Reina del Pop" (2017), lo analizó como una balada en la que «se acusa a sí misma por su carácter egoísta y se declara liberada desde que ha nacido su hija». No tan distante, Alex Frank de "Pitchfork" lo describió como un número «al estilo budista sobre vivir el momento y deshacer los motivos egoístas del estrellato». En "Madonna Style" (2012), Carol Clerk señaló que la línea "Love is all we need" se hace eco del «idealismo de los sesenta de The Beatles». Greg Kot del "Chicago Tribune" explicó que el tema de la transformación —ya desarrollado en «Drowned World/Substitute for Love»— se amplía en «Nothing Really Matters», en el sentido de que el «amor desinteresado redime un pasado egoísta». Bryan Lark de "The Michigan Daily" concluyó que si «Ray of Light» trataba de confrontar el pasado, «Nothing Really Matters», por el contrario, trata de «seguir adelante». Lysloff y Gay observaron que contrasta directamente con las letras típicas de canciones de música "dance", que en su mayoría se componen de frases cortas repetidas y manipuladas electrónicamente. En cambio, Madonna utiliza un enfoque más narrativo, «canta frases largas, su voz cuenta una historia [y] afirma su autoría». En una entrevista, la artista declaró:


title: Nothing Really Matters

text: Las compañías Maverick y Warner Bros. Records publicaron «Nothing Really Matters» como el quinto y último sencillo internacional del álbum, tras «Frozen», «Ray of Light», «Drowned World/Substitute for Love» y «The Power of Good-Bye». En Estados Unidos, fue el cuarto sencillo, debido a que «Drowned World/Substitute for Love» no estuvo disponible comercialmente en el país. Salió al mercado en los formatos de CD, casete y vinilos de 7" y 12"; «To Have and Not to Hold», también del disco, se añadió como lado B en la mayoría de las ediciones de Estados Unidos y Canadá. El fotógrafo de moda Luis Sánchez tomó las imágenes para la portada y Kevin Reagan estuvo a cargo del diseño y la dirección artística. Para acompañar el lanzamiento, se crearon múltiples remezclas producidas por el dúo austríaco Kruder y Dorfmeister, el productor británico-asiático Talvin Singh y el DJ austríaco-estadounidense Peter Rauhofer, este último bajo el alias de Club 69. "Billboard" informó por primera vez sobre las remezclas de la canción —particularmente las de Rauhofer— en agosto de 1998, mismo mes en que se anunció la publicación de un álbum de mezclas de las canciones de "Ray of Light" titulado "Veronica Electronica". Meses después, precisamente el 19 de enero de 1999, Warner Bros. envió a las discotecas de Estados Unidos una etiqueta blanca ("white label") de 12", seguido de otro vinilo promocional el 2 de febrero. La revista reportó el lanzamiento del vinilo en las tiendas del país para el 23 de ese mes y un CD de 5" para el 30 de marzo.


title: Nothing Really Matters

text: «Nothing Really Matters» salió por primera vez de manera comercial el 26 de febrero de 1999 en Australia y Europa, en un maxi CD de cuatro pistas que incluía la versión del álbum —con una duración de 4:28— y las remezclas «Club 69 Radio Mix», «Club 69 Vocal Club Mix» y «Kruder & Dorfmeister Mix». En Reino Unido, estuvo disponible comercialmente a partir del 1 de marzo; al día siguiente, salió a la venta un primer CD en Europa y a la semana siguiente el segundo. En Estados Unidos, la fecha se retrasó para el 13 de abril, cuando salió un maxi CD de nueve pistas con una duración total de 68 minutos, entre ellas: la versión original, la remezcla de Kruder & Dorfmeister —a la que José F. Promis de Allmusic describió como una «transformación "chill out" asombrosa de once minutos (completa con un clímax que recuerda a un tema de James Bond)»—, la versión «Vikram Remix» de Singh —que contiene instrumentos y ritmos orientales— y varias mezclas «hímnicas para las discotecas» de Club 69. En general, Promis escribió que el grupo de versiones «transforma por completo la canción y lo convierte en un sencillo interesante». Larry Flick de "Billboard" comentó que Rauhofer toma lo que es la canción pop «más clásica» de "Ray of Light" y la «inyecta con un toque más fuerte, mientras mantiene su optimismo». Señaló que las percusiones tribales y los ritmos de sintetizador «toman el control», pero estos elementos «no oscurecen demasiado el atractivo "house" de la original». Con respecto a la producción de Singh, Michael Paoletta, también de "Billboard", declaró que añade instrumentos indios-asiáticos y referencias electrónicas, y Kruder y Dorfmeister llevan la «joya pop a un camino orientado al "hip hop" por medio de fabulosas guitarras wah-wah de los años 1970 y "breaks" de disco». Chuck Taylor de la misma revista resaltó las versiones "house" «estridentes y alegres» de Club 69, que «mantendrán a los discípulos de la diva en un sudor de felicidad en las discotecas». El 13 de abril, también se lanzaron las ediciones en CD, casete y vinilo de 7".


title: Nothing Really Matters

text: En términos generales, «Nothing Really Matters» obtuvo reseñas variadas, aunque en su gran mayoría favorables; críticos, académicos y periodistas musicales resaltaron la composición y la reconocieron como una de las más destacadas de "Ray of Light". Tal es el caso de Stephen Thomas Erlewine de Allmusic, que la eligió —junto con «Frozen», «Ray of Light» y «The Power of Good-Bye»— como lo mejor del disco. De manera similar, para Daryl Easlea y Eddi Fiegel, en "Madonna: Blond Ambition" (2012), se trató de uno de los «temas clave»; Sebas E. Alonso de Jenesaispop lo calificó como una de las «joyas» del álbum; y Francesco Falconi lo llamó «otro éxito» del material. Ignacio D'Amore y Mariano López, autores de la "Enciclopedia Gay" (2012), señalaron que era una de esas canciones «para bailar hasta desfallecer», mientras que Tom Moon de "The Philadelphia Inquirer" expresó que mereció mayor difusión en las radios. "Rolling Stone" mencionó que canciones como «Ray of Light» y «Nothing Really Matters» «están llenas de calidez y asombro», y Stephen Thompson de "The A.V. Club" declaró que incluye un estribillo «que debería sonar en las pistas de baile en los próximos años».


title: Nothing Really Matters

text: David Browne de "Entertainment Weekly" declaró que los ritmos "hardstep" y los sintetizadores «hacen que los deseos (y "hooks") románticos y físicos de "Nothing Really Matters" sean aún más tensos». Paul Moody de "NME" comentó que era un regreso «astuto» a los días de «diva del disco» de «Vogue», pero en esta ocasión, la artista está «libre de la cáscara externa y narcisista de antaño, libre de anunciar: "me he dado cuenta/nadie gana"». J. D. Considine de "The Baltimore Sun" señaló que el álbum ofrecía melodías «inteligentes y profundas en ritmo» como «Nothing Really Matters». Añadió: «Estos no son tratados filosóficos con ritmos incorporados, sino canciones completas que dependen más de la relación entre la melodía y el ritmo que de cualquier cosa en la letra». En reseñas menos favorables, José F. Promis de Allmusic le otorgó dos estrellas y media de cinco y la denominó «poco entusiasta». Además, indicó que era «un caso en el que la producción reemplaza a la canción, que en sí misma se encuentra entre las melodías más simples y menos interesantes de Madonna». Richard LeBeau de Medium opinó que, si bien era una canción «perfectamente aceptable» dentro de "Ray of Light", había otras «mejores» que habrían sido sencillos «más interesantes». De igual manera, Enio Chola de "PopMatters" prefirió que «Skin» hubiera sido publicada como sencillo en lugar de las «peores» «The Power of Good-Bye» y «Nothing Really Matters». También negativo fue Guillermo Alonso, de la edición española de la revista "Vanity Fair", quien criticó la letra, que con sus «ecos kármicos sobre dar y recibir cansó en su momento y cansa todavía más al día de hoy». En reseñas retrospectivas, Nathan Smith del "Houston PreSs" sintió que pocos sencillos de Madonna habían «ilustrado» mejor su cambio de enfoque musical que «Nothing Really Matters», y agregó: «Es una pista "dance" genial y enérgica que nunca recibió el amor que se merecía». Para el decimoquinto aniversario de "Ray of Light", Stephen Sears de Idolator la consideró «quizás la canción pop más clásica» del disco. En un conteo sobre los mejores álbumes de la intérprete, Jason Lipshutz de "Billboard" comentó: «¿Qué pasaría si el "dance" suave de "Nothing Really Matters" nunca [hubiera] existido? Afortunadamente, nunca necesitaremos averiguarlo». Kevin C. Johnson del "St. Louis Post-Dispatch" y Chris Gerard del "Metro Weekly" la reconocieron como una de las mejores canciones de "Ray of Light". Gabriel Orqueda, de la revista argentina "Silencio", concluyó que declaraciones como «nada realmente importa, solo necesitamos amor» se sienten «como una declaración de principios vital». En un artículo por el vigésimo aniversario del disco, O'Brien escribió para "The Quietus" que, con su «estribillo aplastante, Madonna ha encontrado una manera de deshacerse de la mentalidad salvaje y hambrienta de fama que la llevó a la cima de la industria musical en la década de 1980, pero que ahora no le sirve».


title: Nothing Really Matters

text: En Estados Unidos, «Nothing Really Matters» marcó el mayor ascenso a los diez primeros del conteo Dance Club Songs, luego de que debutara en la vigésima posición el 13 de febrero de 1999 y en la edición siguiente subiera a la novena. Finalmente, llegó al primer lugar —donde se mantuvo por dos semanas— y se convirtió en el vigésimo primer número uno de la cantante. Tras el lanzamiento en formato físico, debutó en el puesto 99 de la lista "Billboard" Hot 100 el 1 de mayo de 1999, lo que representó el debut más bajo en la carrera de Madonna y superó a su anterior sencillo «Love Don't Live Here Anymore», que había ingresado en el número 91 en abril de 1996. Una semana después, ascendió a la posición 93, pero abandonó la lista en la edición siguiente; José F. Promis de Allmusic sostuvo que la baja recepción se debió «al terrible momento del lanzamiento [físico] del sencillo, que fue mucho después de que lograra su mejor momento en las radios y en las discotecas», opinión que compartió Fred Bronson de "Billboard". Aun así, fue la entrada número 42 de la artista en el conteo y representó la primera vez que cuatro sencillos de un mismo álbum de Madonna lograron ingresar al Hot 100 desde "Bedtime Stories", de 1994. En las demás listas de "Billboard", ocupó la tercera posición en Dance Maxi-Singles Sales, la vigésima quinta en Mainstream Top 40 y la vigésima séptima en Hot 100 Singles Sales. Para fin de año, se ubicó en los lugares nueve y veintiséis en Dance Club Songs y Dance Maxi-Singles Sales, respectivamente.


title: Nothing Really Matters

text: «Nothing Really Matters» también ingresó a listas de otras publicaciones musicales del país. En "Gavin Report", logró el decimoctavo lugar de los cuarenta principales ("Gavin" Top 40), y en la revista "Radio & Records", ocupó el vigésimo puesto en el conteo de radios pop, abreviado como CHR/Pop. En Canadá, ingresó a cuatro listas, tres en "RPM" y una en la de Soundscan, publicada en "Billboard"; en esta última, debutó en el sexto lugar el 22 de mayo de 1999. En el Top 100 Tracks Chart de "RPM", logró su posición más alta en el número siete el 29 de marzo y fue el 86.° sencillo más exitoso del año. Por su parte, en la categoría de música "dance", ocupó el sexto puesto el 26 de abril, mientras que en la lista de Adult Contemporary el vigésimo primero, el 17 de mayo.


title: Nothing Really Matters

text: Durante su primera semana de transmisión en Europa, «Nothing Really Matters» logró una «atención temprana» en las radios de Reino Unido y Dinamarca, por lo que ingresó en el puesto 36 de la lista European Radio Top 50 —de la revista "Music & Media"— el 13 de febrero de 1999, con "airplay" en 37 estaciones del continente, mientras el anterior sencillo, «The Power of Good-Bye», aún se mantenía entre los diez primeros. Poco más de un mes después, ascendió hasta el segundo lugar por detrás de «...Baby One More Time» de Britney Spears, con un total de transmisión en 141 estaciones. En la lista de ventas Eurochart Hot 100 Singles, alcanzó la decimosexta posición en la edición del 20 de marzo, mientras que, en el conteo European Dance Traxx, ocupó el sexto lugar. Para fin de año, había sido la 26.ª canción más reproducida y la 53.ª más exitosa en la lista de música "dance".


title: Nothing Really Matters

text: Fue el cuarto sencillo de "Ray of Light" en llegar a la primera posición en España, donde se mantuvo por dos semanas consecutivas, y también alcanzó la cima en Hungría. Otros territorios donde logró estar entre los diez principales incluyen Países Bajos en el tercer puesto (Top 40 Tipparade), Grecia e Islandia en el quinto, Finlandia en el sexto, Polonia en el octavo y Escocia en el noveno. Ingresó en el puesto siete del UK Singles Chart el 13 de marzo de 1999 y permaneció en total doce semanas. El 1 de abril de ese año, obtuvo un disco de plata por parte de la Industria Fonográfica Británica (BPI, por sus siglas en inglés) por el envío de 200 000 unidades; para agosto de 2008, era el 42.º sencillo más exitoso de Madonna en el país, según datos de "Music Week", con 128 137 copias vendidas hasta esa fecha. En los demás mercados musicales de Europa, el recibimiento comercial fue menor y ocupó el "top" 50 en Alemania, Austria, Bélgica, Francia, Irlanda, Italia, Países Bajos (Single Top 100), Suecia y Suiza.


title: Nothing Really Matters

text: En Oceanía, la recepción fue moderada: en Australia, alcanzó el decimoquinto puesto de la lista oficial el 14 de marzo de 1999 y solo estuvo seis semanas en total, mientras que, en Nueva Zelanda, ingresó en el séptimo lugar y permaneció nueve ediciones.


title: Nothing Really Matters

text: El videoclip de «Nothing Really Matters» se filmó en enero de 1999 en la ciudad de Nueva York, bajo la dirección del sueco Johan Renck, que en ese momento trabajaba con Jonas Åkerlund, director de «Ray of Light». La producción quedó a cargo de Anna Granditsky y Nicola Doring para Pettersson Akerlund Filmproduktion, y el resto del personal incluyó a Max Vitali en edición, Gosta Reiland en dirección de fotografía y Christine Stocking en dirección de arte. En una entrevista con "Entertainment Tonight" durante el rodaje, Madonna declaró que la principal inspiración provino de la novela "Memorias de una geisha" (1997) del escritor estadounidense Arthur Golden. Señaló que ser una cantante de pop era como ser una «"geisha" moderna»; en este sentido, detalló que «toda la idea de una "geisha" es una gran metáfora de ser un artista porque, por un lado, eres un privilegiado, pero por el otro, eres un prisionero». En la edición de mayo de 1999 de la revista "Harper's Bazaar", profundizó nuevamente dicho paralelismo con la periodista Daisann McLane: desde su punto de vista, así como la "geisha" en la encarnación tradicional era propiedad de la casa que tenía su contrato, una cantante de música pop moderna «se ve limitada y es "propiedad" de productores y compañías discográficas». Se declaró «obsesionada» con el libro y reconoció un sentido de parentesco con el personaje Hatsumomo, quien es la némesis de la protagonista de la novela. En una entrevista con el presentador y periodista Larry King para la CNN, comentó que había sido su «musa» durante los últimos seis meses, e incluso adoptó en broma dicho nombre, a tal punto que su hija Lourdes se refería a ella como Hatsumomo: «Cuando subía al set, decía, "hola, Hatsumomo". Quiero decir, ella lo entiende, lo entiende completamente».


title: Nothing Really Matters

text: Madonna coreografió sus propios pasos de baile, dado que no le gustaba que otras personas le sugirieran cómo debía moverse: «Soy mi mejor coreógrafa. Siempre tengo que ponerme cómoda frente a la cámara y bailar en plataformas de doce pulgadas». Además, el vídeo incluye escenas de bailarines suecos de ascendencia asiática realizando movimientos de "butō", dirigidos por el coreógrafo sueco Su-En, que fueron filmadas durante una «noche intensa» en un Reactor R1 fuera de servicio, ubicado a veinticinco metros bajo tierra del Real Instituto de Tecnología de Estocolmo. El diseñador de moda francés Jean-Paul Gaultier confeccionó el kimono rojo que Madonna luce en el vídeo, que posteriormente recrearía en la de los premios Grammy; dos años después, Gaultier y el dúo italiano Dean and Dan Caten rediseñaron el vestido para uno de los segmentos de la gira Drowned World Tour de 2001.


title: Nothing Really Matters

text: El vídeo tuvo su estreno oficial en MTV el 13 de febrero de 1999 en el horario de la 1 p. m. (ET/PT); posteriormente, figuró en el VHS/DVD recopilatorio "", publicado en noviembre del mismo año. Madonna interpreta dos papeles separados, pero inspirados en la "geisha", y luce versiones modificadas del kimono. Inicia con la cantante de pie en una estera de tatami mientras sostiene en su pecho lo que parece representar un bebé envuelto en plástico brillante, aunque en realidad es una bolsa de plástico transparente vacía. En esta primera escena, porta una representación contemporánea en negro brillante del kimono tradicional, con maquillaje y una línea roja que enmarca sus ojos. La bolsa transparente indica una extensión «protésica y reflexiva de su cuerpo natural», un símbolo de su hija Lourdes. En la siguiente toma, un grupo de personas de ascendencia asiática con ropas blancas convulsiona, a la vez que camina hacia la cámara; Madonna canta los primeros versos de la canción y expone su cuello y hombros, donde el blanco de su maquillaje facial da paso a su color natural de piel. Posteriormente, la escena cambia a otro espacio donde aquí luce sin maquillaje, el cabello suelto y viste el kimono rojo y un "obi" a juego, en tanto baila de manera desigual.


title: Nothing Really Matters

text: Las tomas de las personas en blanco que convulsionan y la "geisha" en negro que aún sostiene al bebé se intercalan con la segunda figura representada por Madonna en rojo, que continúa mirando a la cámara y cantando mientras baila dentro de un pasillo estrecho. De entre las personas de blanco, una mujer con el rostro envuelto en una gasa y retorciéndose de dolor se tambalea hacia adelante, a la vez que sujeta una bolsa de plástico que evoca al bebé que la "geisha" vestida de negro sostenía en la escena anterior. A continuación, las tomas de las personas de blanco en la otra habitación muestran movimientos menos convulsivos y más coordinados y aparece un hombre semidesnudo ejecutando una coreografía con una cuerda en llamas. Los demás —con sus expresiones en blanco— observan al bailarín mientras otro levita. La escena vuelve al tatami y, en esta ocasión, Madonna ya no sostiene la bolsa de plástico, sino que está rodeada de tres asistentes que bailan a su alrededor. A lo largo del vídeo, los planos se intercambian de manera rápida —cada uno de uno o dos segundos de duración— con una de las personas de blanco bailando de manera atlética y otros donde la cantante baila en el pasillo estrecho mientras sus expresiones faciales cambian a cada segundo, a tal punto que, finalmente, «pierde la cabeza». A estas se les agregan escenas de todo el grupo de bailarines y de la "geisha" original vestida de negro, ahora arrodillada, en la sala de tatami. Aquí, lleva el kimono jalado hasta los hombros, con las mangas largas caídas al suelo, y el maquillaje blanco aplicado en la parte posterior de su cuello. Las últimas escenas de Madonna en rojo y las personas en la habitación se interpolan con otras en donde la "geisha" de negro cae el suelo como acto de "seppuku". El vídeo finaliza con la artista en el kimono rojo riéndose ante la cámara.