title: U2 3D

text: Aún sin poder contactar a Paul McGuinness, gerente de U2, Peter Shapiro propuso la idea a Owens. Esta última estaba investigando el contenido de arte para el próximo Vertigo Tour y pensó que el concepto podría usarse para mostrar videos en 3D como parte de los conciertos de U2. Shapiro explicó que la tecnología no estaba muy desarrollada y simplemente quería documentar la gira en 3D, pero Owens no estaba interesada en hacer una película de la banda, por temor a que interfiriera con la gira, por lo que rechazó la oferta. A pesar de ello, Shapiro le mostró a Owens las imágenes en 3D de los juegos de la NFL. Fue entonces cuando Owens expresó interés en dirigir la película propuesta, a pesar de no tener experiencia previa. Según el bajista Adam Clayton, U2 no buscaba hacer otra película de concierto, pero Owens «los empujó» a ello. Una vez que la banda vio las tomas de prueba, el líder Bono expresó interés y convenció a sus compañeros de banda para que se comprometieran. Dado que U2 ya había experimentado con la tecnología de video en el pasado, veían el proyecto como un experimento tecnológico en lugar de un medio para obtener ganancias, y como un recurso para compartir la experiencia en vivo con los fanáticos que no pudieron pagar las entradas para conciertos.


title: U2 3D

text: La preproducción para "U2 3D" comenzó oficialmente a principios de 2004, 3ality Digital —una compañía formada por Schklair Cobalt Entertainment y su sociedad con los hermanos Modell y Shapiro— se encargó de dirigir la producción. A mediados de año, Bono acordó dejar que el equipo de 3ality Digital grabara imágenes de prueba, lo cual se logró con una sola cámara 3D en uno de los conciertos de la gira Vertigo Tour de U2 en Anaheim, California, en marzo de 2005. U2 se mostró insatisfecho con su largometraje de rock de 1988, "Rattle and Hum", que mezclaba imágenes de detrás del escenario y entrevistas con actuaciones del concierto. Los realizadores decidieron que "U2 3D" solo tendría imágenes de los conciertos. Los productores originalmente querían filmar en Los Ángeles, donde se encontraban todos los equipos de filmación, pero Owens y la banda decidieron que necesitaban una audiencia más entusiasta. U2 finalmente optó por filmar en cinco ciudades de América Latina de febrero a marzo de 2006, creyendo que su ausencia en la región durante ocho años fomentaría un ambiente lleno de energía. El único de los ocho shows en Latinoamérica que no se rodó fue el primero en Monterrey, México. El proyecto permitió a U2 compartir los conciertos del estadio al aire libre con su audiencia en los Estados Unidos.


title: U2 3D

text: La producción de "U2 3D" presentó la primera configuración de múltiples cámaras en 3D y se filmó con cada cámara digital en 3D y la plataforma de grabación existente. El personal tenía dos días para configurar el equipo de filmación antes de cada concierto, que requería instalar cables de fibra óptica y conectar un generador eléctrico para suministrar energía en cada lugar. El set de filmación consistió en nueve plataformas 3D hechas a la medida. La gran escala del proyecto impulsó a 3ality Digital a trabajar con el director James Cameron —su principal competidor en ese momento —. 3ality usó sus propias cámaras 3flex TS1 para filmar, además de cinco plataformas Fusion 3D, diseñadas por Cameron y el operador de cámara Vincent Pace. Se utilizaron un total de 18 cámaras Sony CineAlta HDC-F950 para filmar, con dos en cada plataforma. Estas fueron equipadas con lentes de "zoom" digital Zeiss, lo que convierte a "U2 3D" en la primera película en 3D que utiliza una lente de "zoom". Una de las plataformas de la Fusion 3D se usó como Spidercam y se convirtió en el primer dron 3D. Las cámaras de cada equipo se separaron a la distancia de los ojos para crear un efecto 3D en la postproducción. Usando un divisor de haz montado en la plataforma, una cámara se disparó a través de un espejo 50/50, mientras que la otra disparó la imagen reflejada desde ese espejo. Cada plataforma pesaba un promedio de 91 kg. Todas las imágenes del concierto se grabaron con configuraciones de dos cámaras, excepto las dos tomas de Melbourne, donde también se usó una CineAlta con un Steadicam para capturar primeros planos. Se capturó video de alta definición en las cubiertas de grabación HDCAM SR, lo que permitió al equipo filmar un concierto completo.


title: U2 3D

text: Se requirió que cinco miembros del equipo trabajaran en cada plataforma simultáneamente para asegurar que el enfoque en ambas cámaras estuviera sincronizado. Se impermeabilizaron todas las cámaras después de que un guardia de seguridad del concierto arrojara cubos de agua a la audiencia, con lo que una de las cámaras dejó de ser útil. Debido a la experiencia limitada de Owens antes de la producción, parte del rodaje en Sudamérica lo dirigió Mark Pellington, quien anteriormente trabajó con U2 en el video musical de «One». Pellington, al no participar en la posproducción, dejó a Owens como la responsable de los aspectos restantes del proyecto, incluida la dirección creativa y la edición.


title: U2 3D

text: Los conciertos se filmaron en un estilo que Owens describió como «muy poco ortodoxo»; no se utilizaron guiones gráficos ni guiones de filmación para garantizar que se improvisaran imágenes de las actuaciones de U2. En lugar de ser dirigido, U2 realizó cada uno de sus conciertos como de costumbre, mientras el personal de filmación grababa imágenes en tiempo real de los dos conciertos completos de 2 horas y media. Las tomas se planearon de tal manera que la actuación de la banda y la vista de la audiencia no se interrumpieran. Para evitar capturar otras plataformas de cámara en el material de archivo, el equipo filmó desde la parte posterior del escenario o alternaría cada noche entre las panorámicas. Varios shows fueron editados juntos para crear una "performance"; por lo tanto, se requirió que U2 usara la misma ropa todas las noches para mantener la continuidad. Focos adicionales se enfocaron en la audiencia durante la filmación, y la iluminación se atenuó en la pantalla LED del escenario. Se usaron 110 micrófonos para grabar el audio del concierto, que incluyeron algunos colocados en el escenario principal y alrededor de los dos «escenarios B» para grabar a la banda, y otros colocados en todo el lugar para grabar a la audiencia.


title: U2 3D

text: La fotografía principal comenzó en febrero de 2006, bajo la supervisión del director de fotografía 3D Peter Anderson; se filmaron dos espectáculos en la Ciudad de México para capturar planos medios para que así el equipo aprendiera la coreografía de las actuaciones de U2. Los técnicos capturaron tomas medias adicionales al usar dos configuraciones de cámara en los dos conciertos de São Paulo, así como imágenes del baterista Larry Mullen Jr. con una configuración de cámara única en el show en Santiago. Durante los preparativos para los conciertos de Buenos Aires, U2 interpretó un conjunto de 10 canciones sin audiencia, de modo que el equipo pudo capturar imágenes de primer plano con una lente gran angular; hacerlo en el concierto habría interferido con el espectáculo. Owens apodó la sesión de «grabación fantasma ("phantom shoot" en inglés)». Durante los shows de Buenos Aires, se utilizaron las nueve configuraciones de cámara, para capturar tomas de U2 desde los «escenarios B». El rodaje de Buenos Aires se convirtió en el más grande del proyecto, al requerir un equipo de 140 personas.


title: U2 3D

text: En marzo de 2006, los conciertos restantes del Vertigo Tour se pospusieron cuando la hija del guitarrista The Edge enfermó. Mientras tanto, las imágenes de los siete programas filmados se editaron juntas, lo que llevó al equipo a solicitar tomas adicionales desde la parte posterior del estadio y los primeros planos de los miembros de la banda. Cuando la gira estaba en su quinta etapa en noviembre de 2006, se filmaron dos espectáculos adicionales en Melbourne para recoger material de archivo. En ese momento, las canciones que aparecían en el corte final de la película ya habían sido seleccionadas y, por lo tanto, solo se filmaron canciones específicas de los conciertos. La postproducción comenzó en febrero de 2006 y se realizó al mismo tiempo que la fotografía principal. El editor Olivier Wicki dirigió la postproducción, al trabajar estrechamente con Owens; los dos habían colaborado previamente en el video musical de «Original of the Species». Se filmaron más de 100 horas de metraje, con actuaciones de 26 canciones diferentes. Para atraer a una audiencia mayor, se eligieron 14 pistas para el corte final, de las cuales doce eran sencillos de U2 y dos pistas extras de "How to Dismantle an Atomic Bomb", el álbum que apoyó el Vertigo Tour. Al seleccionar canciones para el proyecto, el equipo tenía que asegurarse de que las interpretaciones de cada pista encajaran entre sí. U2 quería incluir «Mysterious Ways» y «Until the End of the World», pero se quedaron fuera ya que Owens sintió que esas canciones no encajaban con el resto de la película. Afirmó que el enfoque principal de la película se basaba en la relación de U2 entre sí y con su público, y el desafío de seleccionar las canciones era crear una narrativa dentro de la actuación de la banda. Aunque «City of Blinding Lights» abrió la mayoría de los shows en la gira, «Vertigo» se seleccionó como la canción de apertura de "U2 3D". Otras pistas que se interpretaron en la mayoría de los conciertos filmados que no aparecieron en el corte final fueron «Elevation», «I Still Haven't Found What I'm Looking For», «Original of the Species», y «Zoo Station». «With or Without You» resultó elegida como la última canción antes de los créditos finales, aunque solo cerró un concierto en la gira.


title: U2 3D

text: Después de seleccionar las canciones, las imágenes se editaron en 2D durante ocho meses en la ciudad de Nueva York. La postproducción de video continuó en Burbank, California, en las instalaciones de producción 3D de 3ality Digital, que se inauguró antes de que se completara el rodaje. Wicki trabajó con 3ality Digital para crear los efectos 3D y generados por computadora. Las imágenes de los nueve conciertos filmados, en su mayoría de los espectáculos de Buenos Aires, se editaron junto con las imágenes de la «grabación fantasma». Aunque los shows de la Ciudad de México eran de práctica, se usaron imágenes de esos conciertos, incluida una escena en la que Bono se acerca a la cámara durante «Sunday Bloody Sunday». Debido a que el equipo sintió que la audiencia de Melbourne carecía de la energía de las multitudes de América Latina, la mayoría de las imágenes de los conciertos de Melbourne no se utilizaron, excepto algunos primeros planos de Mullen.


title: U2 3D

text: La creación del efecto 3D implicó tomar el metraje 2D editado para el ojo derecho y asociarlo con el metraje para el ojo izquierdo. El montaje de las imágenes de Melbourne que utilizaron solo una cámara involucró un proceso separado para crear efectos 3D, conocido como «perspectiva virtual del segundo ojo». Se utilizaron varios programas de software para convertir imágenes de 2D a 3D. El software de edición principal, 3action, se desarrolló en 3ality Digital durante la fotografía principal. Permitió al equipo de postproducción cambiar los puntos de convergencia en cada disparo y crear múltiples puntos de convergencia. Las imágenes del ojo izquierdo y del ojo derecho se ensamblaron en capas separadas, luego se editaron junto con la clasificación de color agregada y, finalmente, se publicaron en un formato estereoscópico 3D para su revisión.


title: U2 3D

text: U2 desarrolló un estilo de edición en sus películas de conciertos anteriores que incluía cortes rápidos entre tomas, que Owens quería conservar en "U2 3D". Debido a que el corte rápido en 3D provocaría mareos o fatiga visual, la película se editó para incorporar retrasos de al menos cuatro fotogramas entre tomas. Muchas de las transiciones se crearon mediante la combinación de varios cuadros de imágenes una sobre otra en imágenes compuestas. Cada uno de los marcos en capas presentaba una profundidad de campo diferente para mejorar los efectos 3D, y se colocaron juntas hasta cinco imágenes en una sola toma. Esto hizo de "U2 3D" la primera película en 3D con imágenes compuestas con más de dos capas, y el primero en ser editado específicamente para evitar que el espectador experimentase mareos o fatiga visual. El software no existía en el momento de superponer las imágenes 3D, por lo que se tuvo que desarrollar uno nuevo. Debido a que el proyecto se capturó en video de alta definición, cada fotograma usó casi 20 megabytes de datos en los servidores de 3ality Digital, y toda la película usó casi un petabyte (10 bytes). El proceso de edición 3D tomó más tiempo de lo que Owens esperaba, y en consecuencia, el proyecto superó el presupuesto, por lo que costó $ 15 millones de dólares de producción. La edición de video tomó 17 meses, y la película final se cortó a una duración de 85 minutos, siete menos que la anunciada originalmente.


title: U2 3D

text: El editor de audio, Carl Glanville trabajó en la banda sonora, donde unió el audio en una mezcla de sonido envolvente 5.1 con el ingeniero Robbie Adams en la ciudad de Nueva York. Las imágenes del video se guardaron en archivos por Wicki, que después entregó a Glanville para compilar la banda sonora. Glanville y Adams dijeron que la edición de audio fue difícil principalmente porque la selección de imágenes de video era limitada, ya que solo se capturaban ángulos de una o dos cámaras en la mayoría de los espectáculos. Además, las letras y la música de las interpretaciones de las canciones diferían ligeramente cada noche. Para evitar problemas de sincronización de labios con la música instrumental, los editores tuvieron que usar el audio exacto que se grabó durante cada toma. Para mezclar las voces se requirió que Glanville combinara el audio grabado desde los micrófonos del escenario con el de los de la audiencia y agreguara un breve retraso entre los dos para compensar cualquier eco o "delay" que hubiera ocurrido en el lugar. El sonido del canal del subwoofer se mezcló dentro de dos teatros IMAX en Los Ángeles para asegurar que el volumen de las frecuencias bajas fuera consistente con el resto de la banda sonora. Las imágenes de video editadas presentaban tomas de 10 a 20 segundos de duración, en contraste con las tomas más cortas que generalmente se encuentran en las películas de concierto. Se agregaron huecos extendidos entre las canciones para disminuir ligeramente el ritmo de la película. Todas las secuencias de audio y video utilizadas se grabaron en vivo en concierto, sin sobregrabaciones adicionales. Después de la postproducción, "U2 3D" se convirtió en la primera película de acción en vivo que se filmó, publicó y exhibió completamente en 3D, la primera película digital 3D de acción en vivo, y la primera película de concierto en 3D.


title: U2 3D

text: El avance de la película se estrenó en la feria comercial ShoWest en marzo de 2007, junto con imágenes de «Sunday Bloody Sunday». Los clips de las presentaciones de «Vertigo» y «The Fly» se presentaron en el tráiler, que el director creativo John Leamy editó, quien también diseñó el logotipo de la marca y la secuencia de títulos para "U2 3D". El cartel de la película —que presenta un collage de imágenes de la película— le hizo ganar a Leamy un premio al mejor póster en la conferencia internacional anual de la Giant Screen Cinema Association en 2008. El tráiler se mostró en cines en 3D antes de "Meet the Robinsons", la única película en 3D estrenada en cines a principios de 2007.


title: U2 3D

text: Programado originalmente para el tercer trimestre de 2007, el lanzamiento de la película se retrasó debido a que no se pudo encontrar un distribuidor. En octubre de 2007, National Geographic Cinema Ventures (NGCV) — la división de entretenimiento de la National Geographic Society— anunció que "U2 3D" sería el primer lanzamiento internacional importante de la división. Dos días después del anuncio, NGCV se combinó en la recientemente creada National Geographic Entertainment, una nueva unidad dentro de la sociedad que presenta varias divisiones de entretenimiento. El CEO de National Geographic, John M. Fahey, Jr., declaró que "U2 3D" fue elegido como el primer lanzamiento de la nueva unidad porque consideraron que U2 es «una banda del mundo» y que «la música del mundo es algo en lo que la Institución Geográfica está realmente interesada». National Geographic eligió Best Buy como el patrocinador estadounidense de la película y ofreció pases a miembros seleccionados del programa de fidelidad del minorista para ver "U2 3D" antes de su lanzamiento general. "U2 3D" se promocionó a través de internet, prensa, radio, televisión, en un JumboTron en Times Square, y en un auto de serie #19 Best Buy Dodge de NASCAR conducido por Elliott Sadler.


title: U2 3D

text: U2 se comprometió a preservar el formato 3D de la película y decidió lanzarlo solo en 3D digital. Para ayudar a promover este formato de película, "U2 3D" se proyectó por primera vez en el el 19 de mayo de 2007. Se convirtió en una de las nueve películas que se proyectaron fuera de concurso en el festival de 2007, y la primera película 3D de acción en vivo que se mostró en Cannes. Tras una breve interpretación de las canciones de U2 en el festival, la película se proyectó a medianoche en el Palacio de Festivales y Congresos. En ese momento, el proceso de postproducción 3D estaba incompleto; por lo tanto, se proyectó una versión corta de 56 minutos del título, con nueve de las 14 canciones de la versión completa. La versión completa se estrenó en el Festival de Cine de Sundance 2008 el 19 de enero de 2008 en el Teatro de Ellen Eccles. El teatro incorporó un sistema de sonido personalizado diseñado especialmente para el estreno con la nueva tecnología Dolby 3D, a lo que John Modell se refirió como «la proyección de películas de más alta tecnología que se haya hecho en la historia».


title: U2 3D

text: Se esperaba que "U2 3D" fuera proyectada solo en IMAX, pero el gran aumento en el número de cines digitales en 3D, al finalizar la postproducción, llevó a los directores a expandir el lanzamiento para incluir a estos últimos. Se utilizaron dos tipos diferentes de gafas 3D polarizadas para las funciones IMAX 3D y digital 3D. La versión IMAX 3D de la película usaba gafas con una lente polarizada horizontalmente y una polarizada verticalmente, mientras que la versión digital 3D usaba gafas con dos lentes polarizadas circularmente. John Modell describió la versión IMAX como una «experiencia más inmersiva», y declaró que la versión digital en 3D presenta colores «más vivos».


title: U2 3D

text: El 23 de enero de 2008, "U2 3D" se lanzó en los cines IMAX de los Estados Unidos y Canadá de forma limitada. Recaudó más de 960000 dólares en los Estados Unidos durante su primer fin de semana después de exhibirse en 61 cines, y se ubicó en el número 20 en la taquilla. El estreno en IMAX tuvo lugar mucho antes que el lanzamiento general de la película, ya que muchos cines de IMAX se habían reservado para "The Spiderwick Chronicles", que se lanzó el 15 de febrero. "U2 3D" se volvió el segundo largometraje de U2, después de "Rattle and Hum" de 1988, y la tercera película de concierto del Vertigo Tour, después de los filmes directos a video "" y "."


title: U2 3D

text: El estreno en los Estados Unidos estaba originalmente programado para el 15 de febrero de 2008, pero la fecha se retrasó una semana cuando Walt Disney Pictures decidió extender su lanzamiento de la película de concierto en 3D " —"que inicialmente estaba programada para estar en los cines por una semana—. En cambio, el 15 de febrero, "U2 3D" tuvo un segundo estreno limitado en cines seleccionados en los Estados Unidos con la tecnología RealD 3D. El estreno europeo de la película tuvo lugar el 20 de febrero en el Festival Internacional de Cine Jameson en Dublín, seguido de su estreno internacional el 22 de febrero. Su primera semana en la cartelera nacional se volvió la de mayor recaudación en su estancia en cines, al recaudar más de 1 millón de dólares en 686 cines en los Estados Unidos y el número 19 en la taquilla. Sin embargo, comparando el desempeño en taquilla de "Hannah Montana y Miley Cyrus", la revista en línea Spokesman-Review de Spokane7 dijo que "U2 3D" estaba «fallando miserablemente». A las tres semanas de su lanzamiento, "U2 3D" se proyectaba en menos de 100 cines en todo Estados Unidos. En ese momento, había recaudado menos de 6.6 millones de dólares, mientras que "Hannah Montana y Miley Cyrus" —que aún estaba en muchos cines desde su lanzamiento el 1 de febrero— había recaudado más de $60 millones. El BFI IMAX en Londres se reportó como el cine con mayor recaudación de "U2 3D", generando $442 127 (£ 223 235) de más de 19 000 entradas vendidas durante las primeras siete semanas.


title: U2 3D

text: Antes de su estreno en Japón en febrero de 2009, "U2 3D" ya había recaudado 20 millones de dólares en ingresos de taquilla. Un reestreno en los Estados Unidos tuvo lugar en 2009 para coincidir con el lanzamiento del álbum de estudio de U2, "No Line on the Horizon", seguido de relanzamientos en Brasil y España en 2011 y 2015, respectivamente, antes de las giras de conciertos de U2 en esos países. Además de los relanzamientos, el Salón de la Fama del Rock and Roll celebró la apertura de su nuevo cine en octubre de 2009 con la proyección de "U2 3D" en su museo. La estancia en taquilla de la película en los Estados Unidos finalizó el 26 de agosto de 2010, lo que elevó su total bruto interno a $10363341, tras 947 días de proyección. Los distribuidores de la película declararon que no había un límite predeterminado para su duración en cartelera, y ésta sería determinada por las ventas de taquilla. Debido a una estancia en cines indeterminada, las fuentes de la taquilla bruta total en todo el mundo varían; el sitio web Box Office Mojo reportó una ganancia bruta mundial de 22.7 millones de dólares en diciembre de 2010, mientras que la revista BoxOffice y el sitio web The Numbers listan los ingresos brutos en $ 23.4 millones y $ 26.2 millones, respectivamente.


title: U2 3D

text: Por su género, "U2 3D" tuvo éxito y estableció varios récords de taquilla. La película se convirtió en el documental de mayor recaudación en ser elegible para una nominación al Óscar en su . "U2 3D" estableció un récord en Irlanda para el promedio por pantalla más alto de todas las películas que se presentaron durante su primer fin de semana, y recibió 89538 euros de ocho pantallas de cine durante sus primeros tres días. En febrero de 2011, Forbes clasificó a "U2 3D" como la quinta película de conciertos con mayor recaudación, ganando $14 millones más que "Rattle and Hum", que se ubicó en el número siete.


title: U2 3D

text: El comunicado de prensa para el relanzamiento en España de 2015 establece que "U2 3D" ha sido licenciado exclusivamente para estrenos en cine, y no se distribuirá en televisión, Internet u otros formatos de video doméstico. Owens dijo en una entrevista en 2007 que hay planes de lanzar la película a un formato de video casero en 3D. Sin embargo, U2 controla los derechos auxiliares de "U2 3D" junto con su sello discográfico Universal Music Group, y han declarado que los derechos adicionales —como los de su lanzamiento en formato casero— no estarán disponibles hasta que la tecnología de video doméstico pueda cumplir con los mismos estándares digitales 3D que el cine.


title: U2 3D

text: Basado en 88 comentarios de los críticos, Rotten Tomatoes le otorgó a "U2 3D" un 92% de aprobación, y la clasificó como la cuarta película mejor calificada en su lanzamiento nacional de 2008. El sitio web le asignó una puntuación promedio de 7,5 sobre 10, con el consenso de que "U2 3D" fue «una experiencia musical estimulante al precio de una entrada de cine». En Metacritic —que asigna una calificación normalizada de 100 a las reseñas de los críticos principales—, la película recibió una puntuación promedio de 83, basada en 19 reseñas, lo que se traduce en «aclamación universal» en la escala de calificación del sitio web. La película recibió críticas positivas de Toronto Star y Variety tras su estreno de 56 minutos en el Festival de Cine de Cannes de 2007, cuando faltaban meses para el corte final de 85 minutos. Los críticos de publicaciones como Irish Independent, The New Zealand Herald, Reno News & Review, Toronto Star, y USA Today dijeron que la experiencia en 3D de la película fue «incluso mejor que la "cosa" real», aludiendo a la canción de U2 del mismo nombre. Las reseñas de Rolling Stone y Total Film declararon que la película parecía atraer a los fanáticos y no fanáticos de U2 por igual, tal como habían pretendido los cineastas.


title: U2 3D

text: Variety elogió "U2 3D" por sus sencillas grabaciones de conciertos, en comparación con las entrevistas y las grabaciones detrás de escena incluidas en "Rattle and Hum". En un episodio de la serie de televisión "At the Movies with Ebert & Roeper", Michael Phillips calificó la película como «un verdadero placer visual» y Richard Roeper la describió como «espectacular». The New York Times designó a "U2 3D" como una «elección de los críticos» y declaró en la su revisión que la película fue «la primera película IMAX que merece ser llamada una obra de arte». "U2 3D" apareció en las listas de muchos críticos de las diez mejores películas lanzadas en 2008, incluyendo The Austin Chronicle, OhmyNews International, Seattle Post-Intelligencer, The Sydney Morning Herald, y River Cities' Reader. Complex y Empire también la clasificaron como una de las mejores cintas en 3D. Como que la película solo se estrenó en cines, Den of Geek incluyó "U2 3D" en la lista de «15 movies that aren't on DVD but should be», indicando que «ninguna película de concierto [...] se ha acercado a la captura de la experiencia de manera tan precisa». Bono se mostró satisfecho con el resultado y dijo que su secuencia favorita era la actuación de «Miss Sarajevo». Cuando fue entrevistado sobre el Tour PopMart en 2009, Bono dijo que el video "PopMart: Live from Mexico City" era el mejor proyecto que U2 había hecho desde una perspectiva de audio y visual, y fue «eclipsado solo por "U2 3D»". A The Edge le complació que la grabación no mostrara nada de la angustia que sintió por la enfermedad de su hija durante el rodaje.


title: U2 3D

text: Sin embargo, la película también recibió críticas más severas. The A.V. Club lo calificó con una «B−» y declaró que la actuación de U2 era menos emocionante que los efectos 3D. La revista en línea FilmSlash criticó la declaración de The New York Times de que U2 3D fue la primera película de arte IMAX, afirmando que algunos de los primeros títulos de IMAX fueron «obras de arte experimentales». El crítico de música Joel Selvin escribió en el San Francisco Chronicle que ver a U2 en la pantalla grande fue «más molesto que esclarecedor», y Time Out London criticó las declaraciones políticas de Bono, donde dijo que «debe abstenerse de embestir sus predicaciones políticas serpenteantes en nuestras gargantas y dejar que la música hable». The Daily Telegraph favoreció a "Rattle and Hum" sobre "U2 3D" y calificó la interpretación de U2 de «poco atractiva», y criticó como «las cámaras, no la banda, están haciendo todo el trabajo». The Guardian, que otorgó una calificación de una de cinco estrellas, afirmó que U2 parecía ser «cuatro multimillonarios engañosos que están más arriba que nunca».


title: U2 3D

text: "U2 3D" recibió un reconocimiento favorable después de su lanzamiento, y ganó varios premios, los cuales se incluyen a continuación. En 2008, ganó tres, incluyendo «Mejor película producida no exclusivamente para la pantalla grande» en los Giant Screen Cinema Association's 2008 Achievement Awards, «Mejor película musical» en los , y el «Premio Pioneer (Cine y Televisión)» en el 3D Film and Interactive Film Festival de 2008. En febrero de 2009, la película recibió el premio de «Efectos visuales sobresalientes en un proyecto de lugar especial» de la Visual Effects Society (VES) en su séptima Ceremonia Anual.


title: U2 3D

text: El extenso uso de la tecnología durante la producción se presentó como un artículo de portada en la edición de diciembre de 2007 de la revista de video de alta definición "HDVideoPro", un mes antes del estreno de "U2 3D". El uso de la tecnología evolutiva llevó a Catherine Owens a ser seleccionada como oradora invitada en la conferencia SIGGRAPH de 2008, que tuvo lugar varios meses después del lanzamiento de la película. Después de que "U2 3D" recibiera elogios de los aficionados, la crítica y la industria cinematográfica, varios cineastas declararon que sentían que ayudaba a crear un cambio de paradigma en la historia del cine, debido a los avances tecnológicos utilizados en la producción. El director Wim Wenders se inspiró para crear el documental de danza en 3D "Pina" de 2011 después de asistir a la proyección de "U2 3D" en Cannes. El uso de la nueva tecnología de la película también inspiró a la banda de rock Muse a aumentar los valores de producción para su lanzamiento en 2013 "Live at Rome Olympic Stadium", que se convirtió en la primera película de concierto filmada en resolución 4K.


title: U2 3D

text: Tras el éxito de "U2 3D", 3ality Digital siguió como pionero en proyectos 3D. Tras experimentar previamente con la filmación de juegos de fútbol americano en 3D, 3ality Digital transmitió con éxito el primer juego en vivo de la NFL en 3D en diciembre de 2008. En 2009, 3ality Digital transmitió el primer "streaming" deportivo en 3D disponible para los consumidores, el primer comercial de televisión en 3D y el primer episodio en 3D de un programa de televisión con guion. El director de espectáculos de U2, Willie Williams, reclutó al director de fotografía de "U2 3D" Tom Krueger para diseñar la cobertura de fotografía y video para la gira en 360° del 2009 al 2011 de la banda. Krueger dirigió su posterior película de concierto, "U2 360° at the Rose Bowl", que se estrenó en 2010.


title: U2 3D

text: Todas las fueron canciones escritas por U2, excepto «Miss Sarajevo» (coescrita con Brian Eno).


title: Something to Remember

text: Something to Remember es un álbum recopilatorio de la cantante estadounidense Madonna, publicado el 2 de noviembre de 1995 por las compañías discográficas Maverick y Warner Bros. Records. El disco se concibió luego de un período controvertido en la carrera musical de la cantante, cuando muchos críticos especularon que su carrera había terminado. En respuesta, la intérprete elaboró este álbum compuesto de baladas que abarcaron más de una década de su trayectoria, en el que se incluyó una versión adaptada de «Love Don't Live Here Anymore» (1984) y tres canciones nuevas: «You'll See», «One More Chance» y una versión de Marvin Gaye, «I Want You» (1976), esta última con la colaboración de la banda de "trip hop" británica Massive Attack. Además, el disco también contuvo los sencillos «I'll Remember» y «This Used to Be My Playground» que nunca habían sido incluidos en alguno de sus álbumes. En conjunto, proporcionaron una imagen más suave para la cantante durante un período crítico en su carrera.


title: Something to Remember

text: Para la producción de las nuevas canciones, colaboró con Nellee Hooper y David Foster, quien anteriormente había trabajado con artistas como Barbra Streisand y Al Jarreau. La artista afirmó que el concepto del disco era hacer que tanto sus admiradores como los críticos recordaran sus contribuciones a la música en lugar de sus controversias en los medios. En términos generales, "Something to Remember" obtuvo reseñas muy positivas de los periodistas y biógrafos de la cantante, quienes elogiaron su voz y el resultado del álbum. Asimismo, obtuvo un éxito comercial, pues llegó a la cima de las listas en Australia, Austria, Finlandia e Italia y ocupó los cinco primeros puestos en otros países del mundo. En Estados Unidos alcanzó la sexta posición del conteo "Billboard" 200 y obtuvo tres discos de platino por la Recording Industry Association of America (RIAA), tras la venta de tres millones de unidades. En el mundo, vendió un total de 10 millones de copias.


title: Something to Remember

text: Cuatro sencillos comerciales y uno promocional fueron publicados para promocionar el material. Inicialmente prevista para publicarse como el primero del álbum, «I Want You» se puso a la venta como el sencillo promocional con un vídeo dirigido en blanco y negro por Earle Sebastian. «You'll See» pasó a ser el primer corte lanzado el 13 de octubre de 1995; se acompañó de la versión en español, titulada «Verás», y el videoclip fue dirigido por Michael Haussman. El tema llegó a los cinco primeros puestos en Austria, Canadá, Finlandia, Italia y el Reino Unido, y en la lista estadounidense "Billboard" Hot 100 ocupó la sexta posición. «Oh Father», «One More Chance» y «Love Don't Live Here Anymore» fueron publicados como los siguientes sencillos, pero recibieron una recepción comercial baja; el vídeo musical de este último tema fue rodado en Buenos Aires (Argentina) por el director Jean-Baptiste Mondino.


title: Something to Remember

text: Tras un período alimentado de controversias, la vida personal de Madonna había empezado a dominar sobre su carrera musical. «Sabía que era hora de hacer un cambio», como declaró un miembro anónimo de su equipo directivo, quien afirmó que quería probar que había más de ella que el constante circo mediático que la rodeaba. J. Randy Taraborrelli, autor de "", comentó que la cantante había declarado anteriormente que muchas de sus canciones habían sido pasadas por alto en respuesta a las tendencias actuales. Taraborrelli explicó: «Entonces, si Madonna publicó "Something to Remember", una colección de canciones de amor lanzadas anteriormente, [fue] porque tenía un objetivo para demostrar o simplemente para mantener una obligación contractual». Descrita como «una carta de amor a sus admiradores y a los amantes de la música», el recopilatorio tenía como propósito resaltar las capacidades musicales de la cantante, lejos de la teatralidad; en las notas del folleto del álbum, explicó:


title: Something to Remember

text: El nuevo material para el álbum vio su colaboración con el productor y músico canadiense David Foster, quien había trabajado con otros artistas tales como Barbra Streisand, Al Jarreau y Earth, Wind & Fire. Al principio, Foster no esperaba que la intérprete colaborase con él, pues creía que su música «no esta[ba] lo suficientemente a la moda para ella». No mucho después de la cena, ambos comenzaron las sesiones de grabación en el estudio de Foster, en Malibú. Durante la concepción del disco, Madonna también le preguntó al productor Nellee Hooper, quien trabajó con la artista en "Bedtime Stories" (1994), de colaborar con la banda de "trip hop" británica Massive Attack para un álbum tributo a Marvin Gaye. Anteriormente, la banda se había ofrecido a colaborar con otros artistas, como el caso de Chaka Khan, quien la rechazó. Madonna y Massive Attack versionaron finalmente el tema de Gaye «I Want You» (1976) y figuró en la lista de canciones de "Something to Remember", como así también en el álbum tributo "", publicado por Motown.


title: Something to Remember

text: La primera canción seleccionada para "Something to Remember" fue «Love Don't Live Here Anymore», perteneciente al segundo álbum de estudio de Madonna, "Like a Virgin" (1984); el productor David Reitzas reelaboró la pista y contó con una versión muy diferente de la original. La cantante también incluyó dos sencillos de bandas sonoras que nunca habían sido presentadas en su discografía: «This Used to Be My Playground», de la película "A League of Their Own" (1992), y «I'll Remember», del filme "With Honors" (1994). Otros temas publicados anteriormente y seleccionados para el recopilatorio fueron «Crazy for You», de "Vision Quest" (1985), «Live to Tell» del álbum "True Blue" (1986), «Oh Father» de "Like a Prayer" (1989), «Something to Remember» de "I'm Breathless" (1990), «Rain» de "Erotica" (1992), «Take a Bow» y «Forbidden Love», de "Bedtime Stories" (1994); «Crazy for You» y «Live to Tell» ya habían aparecido en su primer álbum recopilatorio, "The Immaculate Collection", publicado en noviembre de 1990. Según Rikky Rooksby, autor de "The Complete Guide to the Music of Madonna", las selecciones de las canciones crean un ambiente suave, la música es "downbeat" y «emocionalmente introvertida», con vibraciones suaves por todas partes.


title: Something to Remember

text: Las sesiones de grabación de Madonna con Foster produjeron dos nuevas canciones a la lista final: «You'll See» y «One More Chance». Al respecto, el músico comentó: «Al final del día, las canciones que hicimos no eran particularmente impresionantes, aunque una de ellas, "You'll See", fue genial. Madonna había compuesto una letra formidable ("You think that I can't live without your love / You'll see") y pensé que mi música era genial». Es una pista lenta de sonido grave que cuenta con campanas de viento y una guitarra española como instrumentación. A lo largo del acorde, la progresión cambia para dar el dominio de su voz en la canción; después de un minuto, la percusión comienza con una guitarra trémolo añadida más tarde. La letra habla de la independencia tras el final de una historia de amor y declara que Madonna irá en cosas más importantes. Cuando se le preguntó si la letra fue por venganza, respondió: «No, se trata de fortalecerte». La siguiente canción original, «One More Chance», cuenta con una introducción de guitarra acústica, con varios cambios de acorde durante el tema; en la letra, intenta recuperar un amor perdido. Tiempo después, grabó la versión en español de «You'll See» en el estudio de los artistas Gloria y Emilio Estefan en Miami; titulada «Verás», fue adaptada al español por el compositor argentino Paz Martínez.


title: Something to Remember

text: Nellee Hooper produjo una nueva adición al recopilatorio, la versión de «I Want You», de Marvin Gaye. Luego de que Madonna aceptara la sugerencia del productor de colaborar con Massive Attack, la banda le envió la música de la canción primero. Robert Del Naja, uno de los miembros, fue a Nueva York posteriormente y trabajó con Hooper en el estudio por dos días; al respecto, comentó: «Creo que lo genial de todo fue el hecho de que [Madonna] cantó tan maravilloso. No había ningún efecto especial, ni perdimos el tiempo — solo estaba allí cantando con mucha pasión y sentimiento». El tema comienza con una larga introducción, con un ritmo de percusión "hip hop", donde destaca la sección de bajo acompañada de acordes semitonales de cuerda. En la segunda estrofa, aparece un arpa, un "loop" repetido de batería y un sonido semejante al pitido de un teléfono. En ocasiones, el canto de Madonna va acompañado de pasajes hablados; en general, su voz predomina la canción, cuya letra trata sobre un hombre que ya no la quiere y de la determinación de hacerle cambiar de opinión. El disco también cuenta con la versión orquestal de «I Want You» en la cual la batería, el bajo y la percusión de la pista original son retirados. La versión empieza más lenta, y la voz de la artista aparece junto a una línea de bajo a la que gradualmente se une más instrumentación de cuerda, junto con un arpa y una sección de viento como fondo de la mezcla. En un momento hacia el final de la canción se oye su voz sin acompañamiento, lo que crea un tema «dramático», y la versión cuenta con alrededor de veinte segundos menos que la original.


title: Something to Remember

text: El fotógrafo peruano Mario Testino se encargó de realizar la portada de "Something to Remember"; originalmente, las fotografías fueron tomadas para el anuncio de Versace, en el que la cantante participó y que posteriormente aparecerían en las revistas de moda. En una entrevista realizada a Testino, declaró que «Madonna tiene esa cualidad, esa inteligencia que busca sin descanso, siempre en movimiento, sin que nada quede excluido»; posteriormente, afirmó que la intérprete le «cambió la vida». El embalaje incluía a la artista luciendo «deliciosamente cosmopolita»; llevaba un vestido de «cóctel» blanco apretado, mientras que la contratapa era principalmente más «alegre», según Tarraborrelli. La portada presenta a la cantante apoyada contra una pared, que según Rikky Rooksby, lo hacía con una expresión de «pérdida romántica o absorción». Diseñado como su álbum que atraería a un público más adulto en contraste con sus predecesores, "Erotica" y "Bedtime Stories", el folleto ofrecía rosas rojas en el interior del mismo y una flor dorada en la contraportada. Caroline Sullivan, de "The Guardian", comentó que el hecho de que la cantante quitara su "piercing" de la nariz para la toma indicaba que quería que el álbum fuese interpretado por sus propios méritos. En el año 2013, la edición holandesa de la revista "Elle" la clasificó en el puesto número 15 de las «20 portadas más modernas de todos los tiempos». El título del álbum proviene de su canción del mismo nombre de 1990, puesto que había recibido poca atención durante el lanzamiento de su álbum original, "I'm Breathless".


title: Something to Remember

text: La compañía discográfica Maverick Records, en asociación con Warner Bros., publicó "Something to Remember" en algunos países europeos los días 2 y 3 de noviembre de 1995, mientras que en los Estados Unidos y Canadá se puso a la venta el 7 del mismo mes. Por su parte, en Japón se lo lanzó bajo el título "Best of Madonna: Ballad Collection" el 10 de noviembre e incluía como pista adicional la canción «La isla bonita», del álbum "True Blue" (1986). Dicho tema fue lanzado nuevamente tres meses antes de la publicación del recopilatorio, como el lado A de «Human Nature», el último sencillo de "Bedtime Stories" (1994); recibió un disco de oro por parte de la Recording Industry Association of Japan (RIAJ) y se lo añadió al recopilatorio con el objetivo de impulsar las ventas en la región. En América Latina, la edición ofreció como "bonus track" la versión en español de «You'll See», «Verás». "Something to Remember" también estuvo disponible en formato casete: en Alemania, Francia y el Reino Unido fue lanzado al mercado el 3 de noviembre, y en Estados Unidos y Canadá cuatro días después. El 17 de julio de 2001, WEA Records publicó una caja recopilatoria que contenía "Something to Remember" y "The Immaculate Collection", con el fin de coincidir con el lanzamiento del segundo grandes éxitos de Madonna, "GHV2". Finalmente, el 10 de septiembre de 2013, Rhino Records y Warner Bros. lo publicaron en disco de vinilo en EE. UU., y en Europa el 27 del mismo mes.


title: Something to Remember

text: La versión de «I Want You» fue publicada como un sencillo promocional de "Something to Remember" el 2 de octubre de 1995. En un principio fue pensado como el primer sencillo, pero los planes se cancelaron debido a problemas de contrato entre la discográfica y Motown, el propietario de los derechos de autor del tema. Aun así, se realizó un vídeo musical dirigido por Earle Sebastian y en donde se ve a la cantante dentro de un apartamento en la cama, anhelando por alguien pero que no se atreve a llamarlo. El videoclip obtuvo una nominación en los , en la categoría de MTV Amour. «You'll See» se puso a la venta como el sencillo principal del disco el 13 de octubre de 1995. Ocupó los cinco primeros puestos en Austria, Canadá, Finlandia, Italia y el Reino Unido; en Billboard Hot 100 de los Estados Unidos llegó al sexto puesto, por lo que la convirtió en uno de los tres artistas en la historia de la lista en tener un sencillo en cada posición del uno al diez. El videoclip, dirigido por Michael Haussman, es una secuela del vídeo anterior de la intérprete, «Take a Bow» (1994).


title: Something to Remember

text: «Oh Father» ya había sido publicado en 1989 como el cuarto sencillo de "Like a Prayer", pero solo en los Estados Unidos; el 21 de diciembre de 1995, se lo lanzó como el segundo del disco para los países europeos. Su recepción comercial fue moderada, pues solo llegó a los diez primeros lugares en Finlandia e Italia, en el puesto número 6. «One More Chance» estuvo disponible el 7 de marzo de 1996 en Australia y algunos países de Europa. A diferencia de los anteriores sencillos, este no contó con un vídeo musical y tampoco obtuvo una buena recepción en las listas, pues solo llegó al "top" diez en Italia, en la segunda posición. Finalmente, «Love Don't Live Here Anymore» fue publicado como el cuarto y último sencillo del álbum el 19 de marzo de 1996. Al igual que su predecesor, su recibimiento fue bajo, debido a que alcanzó el número 78 en la Hot 100 y el "top" 40 en Australia y Canadá. Jean-Baptiste Mondino dirigió el videoclip y su filmación tuvo lugar en la Confitería El Molino en Buenos Aires, Argentina, durante los descansos del rodaje de "Evita". Grabado en una , retrata a Madonna en el "suite" vacío de un hotel abandonado.


title: Something to Remember

text: En términos generales, "Something to Remember" obtuvo reseñas muy positivas de los críticos musicales. Stephen Thomas Erlewine, de Allmusic, le otorgó cuatro estrellas y media de cinco y comentó que durante todo el álbum, Madonna demostró que es una gran cantante, cuya voz ha mejorado con los años. Añadió que ninguna de las pistas es de calidad inferior, y las mejores canciones de "Something to Remember" se clasificaban entre la mejor música pop de los años 1980 y 1990. Para Neil Strauss, del "New York Times", las trece baladas del disco se adhieren mejor que lo que un paquete de grandes éxitos sería. Declaró que cada una de ellas cuenta una historia propia, de una voz y una actitud que se han fortalecido en los doce años que han transcurrido entre la inocencia de «Crazy for You» (1983) y la nueva «You'll See». Ken Tucker de "Entertainment Weekly", quien calificó al álbum con una «A», opinó que «ubicando sus mayores éxitos de baladas ("Live to Tell", "Crazy for You", "Take a Bow", etc.) en un nuevo contexto — es decir, separados de su música "dance" más llamativa, Madonna los revigoriza, que es justo lo que un buen álbum recopilatorio se supone debe hacer». Por su parte, "Rolling Stone" acordó que la artista hizo resaltar sus poderes románticos en "Something to Remember" y nombró a «This Used to Be My Playground» como la pista clave. Una de las mejores reseñas provino de un periodista de "El Tiempo", que lo definió como una colección de «una docena de exquisitos y dulces temas que dejan ver la incandescencia de toda una carrera discográfica». Expresó que captura el alcance y la envergadura de la obertura baladista de Madonna y que consiguió «unir los momentos musicales que han marcado lo inolvidable de nuestras vidas... los recuerdos de amor de un "affair" entre una mujer y el mundo entero». Francis P., de la revista estadounidense "Teen Ink", lo calificó de «fantástico» y destacó que reúne sus mejores baladas. El autor sintió que en lugar de motivarte a bailar, estas canciones evocan las respuestas emocionales y profundas, y concluyó: «Madonna ha reunido una colección adaptada finamente de algunas de sus mejores canciones. [...] "Something to Remember" es una retrospectiva irresistible y emocional en su carrera. Como cualquier admirador de ella puede atestiguar, se ha mantenido una entidad cambiante a lo largo de su carrera, y este disco es su primer intento de abordar su personalidad más triste; "Something to Remember" complementa sus otros álbumes maravillosamente».


title: Something to Remember

text: Las tres nuevas canciones incluidas en el disco recibieron elogios de los críticos. Por ejemplo, Tucker de "Entertainment Weekly" afirmó que «You'll See», «One More Chance» y «I Want You» son tentaciones para el consumidor que se suman al atractivo del recopilatorio. Tirzah Agassi, del "Jerusalem Post", declaró que dichos temas avanzan hacia el tipo de desnudez emocional que realmente llegan al alma. J. Randy Taraborrelli, en "Madonna: An Intimate Biography", eligió las pistas producidas por David Foster como las más destacadas, al decir que «era interesante que, con toda su emocionante habilidad musical que sacó, él y Madonna vendrían con dos de las canciones más sombrías que haya grabado — pero es tal la emoción de [esa] colaboración [que] uno nunca sabe lo que vendrá de ella». Con respecto a «You'll See», fue aclamada por Humberto Quiroga Lavie, consejero académico del Consejo de la Magistratura del Poder Judicial en Argentina en su ensayo "Secretos y Misterios de Hombres y Mujeres", al decir que era una de las mejores baladas que la cantante produjo. Tirzah Agassi del "Jerusalem Post" la llamó «conmovedora» y reconoció que uno puede oír realmente algo parecido a un estilo penetrante en la canción. Andy Orrell de "Entertainment Scene 360", en una reseña pista por pista del álbum, elogió su letra al llamarla «fuerte» y «poderosa» y felicitó la voz «muy agradable» de Madonna, donde hace de esta una canción fácil de escuchar. Edna Gundersen, de "USA Today", sintió que ningún otro tema en el disco coincide con el poder vocal doloroso y emocional de la cantante, donde da la prueba más clara de que «la rubia ambiciosa es más cantante que celebridad». «One More Chance» también obtuvo una opinión favorable de Orrell, quien quedó satisfecho con la letra y el «muy buen desempeño vocal» de la cantante, mientras que Agassi comentó que era mucho más profunda que «You'll See». Para «I Want You», el mismo autor comentó que Massive Attack contribuyó en una gran cantidad de profundidad en el tema, opinión que no fue compartida por Andy Orrell, de "Entertainment Scene 360", quien lo calificó como «débil» y un mal comienzo para el álbum, y notó que el ritmo muy lento carecía realmente de imaginación.


title: Something to Remember

text: Por otra parte, varios críticos acordaron en que Madonna mostró una voz más trabajada y perfeccionada en "Something to Remember". Así lo sintió Tirzah Agassi, quien se mostró impresionado por su rendimiento y reconoció el hecho de que invirtió mucho tiempo en mejorar su técnica vocal. Según Greg Forman, de "The Post and Courier", el álbum demuestra que existe una importante diferencia entre tener una gran voz y ser una gran cantante: «Whitney Houston y Mariah Carey pueden cantar melismas (y octavas) en torno a la mujer más famosa en el planeta, pero Madonna, por pura fuerza de personalidad, vende sus temas lentos con un estilo que pocos cantantes modernos pueden igualar». John Wirt, de "The Advocate", mencionó que revela su lado más suave, lo que respecta un lado atractivo en eso. Además, notó que como así puede «noquear» números "dance", también puede crear canciones lentas tan eficazmente, y encontró que existe una simplicidad y sinceridad en su forma de cantar las baladas. J. D. Considine, en su reseña para el periódico "The Baltimore Sun", creyó que con el álbum Madonna nos recuerda que hay más en su música que melodías "dance", sino que también demuestra que su voz está lejos de ser fina y alegre como sus detractores imaginan. También elogió el hecho de que sonaba sensual y segura en el disco, que le pareció una de las cosas más asombrosas: «La Madonna expuesta no solo tiene una voz más rica y profunda de lo que imaginabas, sino también una visión más interpretativa».


title: Something to Remember

text: En general, los periodistas quedaron satisfechos con el resultado; tal es el caso del crítico Alwyn W. Turner, que en el libro "The Rough Guide to Rock", afirmó que el disco ofrece «lo mejor de sus piezas lentas» y muestra que Madonna evolucionó durante los años en una excelente baladista. Edna Gundersen, de "USA Today", dijo que reúne los momentos destacados menos sugestivos en su carrera, aunque igualmente emocionantes. Para Iñigo Díaz y David Ponce, editores de EMOL, con la publicación del recopilatorio, «el recato de la ex chica material y sexual aumenta hasta lo sedante». Mientras que el diario mexicano "El Universal" afirmó que mostraba un lado más romántico de la cantante, "El Cívico" aclaró que tanto "Bedtime Stories" como este disco exhibían un aspecto más calmado en su faceta como intérprete pop. Por el contrario, en una reseña menos positiva, el crítico musical Robert Christgau lo calificó como un «fiasco», lo que indica «un mal disco cuyos detalles raramente merecen otra opinión». Ana Marta González, en su ensayo "Ficción e identidad. Ensayos de cultura postmoderna", creyó que el lanzamiento del álbum se trataba de una «nueva estrategia» por parte de la artista; la crítica sostuvo que con "Something to Remember", Madonna declaraba haber aprendido a hacer las cosas con menos fanfarria, y a darle mayor protagonismo a la música, «pero ni ese anuncio expreso ni la celosa protección de la vida privada que desde entonces ha procurado, han podido disipar la sospecha de que se trata de una nueva estrategia. La ficción ha engullido no solo a la realidad sino a la pretensión de realidad». Finalmente, Andy Orrell de "Entertainment Scene 360" concluyó su reseña de "Something to Remember" así:


title: Something to Remember

text: Tras su publicación, "Something to Remember" obtuvo una buena recepción comercial en el mundo. En los Estados Unidos, debutó y alcanzó el sexto puesto de la lista oficial Billboard 200, el 25 de noviembre de 1995; permaneció en total 34 semanas y el 3 de octubre de 2000, la Recording Industry Association of America (RIAA) lo certificó con tres discos de platino, por la venta de tres millones de unidades. En la lista anual de 1996, llegó al número 36. En Canadá, ingresó en el segundo lugar del conteo de "RPM" en la edición del 20 de noviembre de 1995; ocupó los diez primeros puestos por ocho semanas consecutivas antes de descender al número 12, el 29 de enero del siguiente año. En total, estuvo 26 semanas y la organización Music Canada (MC) le otorgó dos discos de platino, tras superar las ventas de 200 000 copias, y para fin de año, logró el puesto número 91. En los territorios latinoamericanos, "Something to Remember" obtuvo resultados favorables; en Chile y Argentina, ocupó la tercera y sexta posición, respectivamente, y en este último país fue certificado con un disco de platino por la Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas (CAPIF), tras comercializar 60 000 ejemplares. Por su parte, en Brasil y México, pese a no haber ingresado a sus correspondientes listas, recibió un disco de oro y platino por haber superado la cifra de 100 000 y 250 000 copias, respectivamente.


title: Something to Remember

text: El álbum también obtuvo un buen recibimiento en los territorios de Asia y Oceanía. En Japón, consiguió la novena posición de la lista Oricon y la Recording Industry Association of Japan (RIAJ) le concedió dos discos de platino, por la distribución de 400 000 copias. En Australia, entró el 19 de noviembre de 1995 en el segundo lugar y en la edición siguiente, llegó a la cima del ranking. Estuvo en los diez primeros por 10 semanas, mientras que en total, por 19. En las listas anuales de 1995 y 1996, ocupó los puestos 19 y 28, respectivamente. Debido al éxito que obtuvo en ese país, la Australian Recording Industry Association (ARIA) le concedió cuatro discos de platino. Mientras tanto, en Nueva Zelanda, solo llegó al octavo lugar y permaneció en la lista 13 ediciones; no obstante, fue premiado con un disco de platino, otorgado por la Recorgind Industry Association of New Zealand (RIANZ), luego de haber vendido más de 15 000 discos.


title: Something to Remember

text: El éxito de "Something to Remember" continuó en los países de Europa. Tal es el caso de Austria, Finlandia e Italia, donde alcanzó la primera posición de sus listas, y en Alemania, Dinamarca y Hungría, en la segunda. En el Reino Unido, ocupó el tercer lugar del UK Albums Chart el 18 de noviembre, solo detrás de "Made in Heaven" de Queen y "(What's the Story) Morning Glory?" de Oasis. Pasó 12 semanas consecutivas en el "top" diez y obtuvo tres discos de platino por la British Phonographic Industry (BPI) tras haber comercializado 900 000 copias. Esa misma posición también la obtuvo en Portugal, Suecia, Suiza y en el conteo European Top 100 Albums de "Billboard", y en otros países como en Bélgica (Flandes y Valonia), España, Francia, Irlanda, Noruega y los Países Bajos, ocupó los veinte mejores. "Something to Remember" también recibió certificaciones de oro y platino en diversos países europeos y, después de haber vendido tres millones de unidades en dicho continente hasta 1997, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI, por sus siglas en inglés) lo condecoró con tres discos de platino. En total, el álbum vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo. Con el éxito comercial que consiguió, estableció una tendencia a publicar álbumes de baladas tiempo después, como "Love Songs" de Elton John y "If We Fall in Love Tonight" de Rod Stewart, ambos puestos a la venta un año después de "Something to Remember", en 1996.


title: Something to Remember

text: Fuentes: Allmusic y notas del folleto de "Something to Remember".


title: Estadio Råsunda

text: El Estadio Råsunda, también conocido como Råsunda Fotbolls-Stadion, Råsunda-Stadion o Råsunda fue un estadio de fútbol de la localidad de Solna, dentro del área metropolitana de Estocolmo (Suecia). Tenía una capacidad de entre 35 000 y 36 800 espectadores, y era el estadio del AIK y también de la selección de Suecia, hasta que fue cerrado en noviembre de 2012 y se mudaron al recién construido Friends Arena. La antigua estructura del Estadio Råsunda fue demolida en su totalidad en 2013 y en su lugar se construyeron edificios de apartamentos y oficinas.


title: Estadio Råsunda

text: Su apertura fue en 1937. Su récord de asistencia fue el 26 de septiembre de 1965, con 52 943 espectadores en el encuentro entre Suecia y la Alemania Federal.


title: Estadio Råsunda

text: Es junto con el Rose Bowl de Estados Unidos el único estadio del mundo que ha acogido la final de Copa Mundial de fútbol tanto en categoría masculina como en femenina.


title: Estadio Råsunda

text: El 1 de abril de 2006, la Asociación Sueca de Fútbol anunció un plan para cambiar a un nuevo estadio que se construirá en Solna. El nuevo estadio fue terminado y listo para los eventos deportivos en 2012, y el estadio Råsunda sería demolido posteriormente. El nuevo estadio tiene una capacidad para 50 000 espectadores. El nombre de la nueva arena es Friends Arena. Swedbank compró el nombre de 150 millones de coronas suecas, pero decidió nombrarlo en apoyo de los no fines de lucro Amigos en 2012.


title: Estadio Råsunda

text: El último evento celebrado en el estadio Råsunda ha sido el partido de la Europa League AIK - SSC Napoli , jugado el 22 de noviembre de 2012, terminó 1-2. El futbolista uruguayo Edinson Cavani anotó el último gol por el SSC Napoli el cual cerró la gloriosa historia del estadio.


title: Estadio Råsunda

text: Durante la VI edición de la Copa Mundial de Fútbol se realizaron partidos de la primera fase, cuartos de final, semifinal y la final, en la cual superó a 5:2.


title: Estadio Råsunda

text: En el Råsundastadion de Estocolmo se jugaron los siguientes partidos:


title: Chenrezig

text: Chenrezig (en idioma tibetano) es un bodhisattva, el "buda" de la Compasión, sincretizado con la figura de la Diosa madre, dando lugar a la bodhisattva Guan Yin.


title: Chenrezig

text: Es conocido también en sánscrito como Avalokiteshvara (अवलोकितेश्वर) en Tíbet con el nombre de Chenrezig y en Japón como Kannon.


title: Chenrezig

text: Chenrezig es una palabra tibetana compuesta de la partícula "chenre", que significa ojos, y "zig", que significa mirar, en consecuencia, Chenrezig puede traducirse como "ojos que miran".


title: Chenrezig

text: De acuerdo a la tradición tibetana la mirada compasiva de Chenrezig protege o guarda a todos los seres sintientes, especialmente a quienes le invocan y más aún si lo hacen con auténtica devoción. En este sentido Chenrezig resulta similar al Ángel de la guarda de la tradición cristiana o al Ojo de Horus egipcio, por mencionar sólo dos ejemplos. Chenrezig ha sido establecido inequívocamente como la variante tibetana del "bodhisattva" Avalokiteshvara.


title: Chenrezig

text: En contra de la creencia popular, Chenrezig y otras "deidades" budistas no son realmente dioses de un panteón politeísta, sino seres espirituales o angelicales, por usar el lenguaje cristiano que nos es más común. En un sentido más técnico, se puede decir que se trata de seres mundanos que han desarrollado un cuerpo gozoso o Sambogakaya.


title: Chenrezig

text: En el caso de Chenrezig, se trata del arquetipo de la compasión budista, concepto que podemos asimilar al de amor al prójimo, con la única diferencia que en el caso Budista el prójimo incluye también a todos los seres sintientes como animales superiores e incluso insectos. Al igual que ocurre con los ángeles, que son representados con alas, estas deidades suelen representarse dotados de características especiales, tales como múltiples brazos o rostros; sin embargo se debe hacer hincapié en que estas representaciones son relativas y es así como una misma "deidad" puede ser representada de diversas maneras.


title: Chenrezig

text: En la historia de Chenrezig se dice que cuando tomó la ordenación prometió guiar a todos los seres hasta la iluminación desde atrás como un arriero con sus ovejas. Así trabajó por mucho tiempo, guiando a muchos seres, pero cuando veía a su alrededor todavía faltaban muchos más y cada vez que se detenía para observar, había muchos más que faltaban; entonces era tan grande su deseo de poder asistir a más y más seres que se partió a sí mismo en 11 personas y le salieron mil brazos para poder ayudar a muchos más seres.


title: Chenrezig

text: La representación más usual de Chenrezig es aquella en que su color es blanco resplandeciente y tiene cuatro brazos. Está sentado en posición de loto con dos manos que se juntan a la altura del anahata o chakra coronario (no confundir con el chakra de la coronilla) a la altura del corazón. Estas mismas manos sostienen la joya Chintamani. Sus otras dos manos sostienen respectivamente un Yapa mala y una flor de loto.


title: Chenrezig

text: Los dalái lama son considerados emanaciones de Chenrezig.


title: Chenrezig

text: El budismo tibetano relaciona a Chenrezig con el mantra de seis sílabas Om mani padme hum. Por ello, Chenrezig es también denominado Shadakshari ("Señor de las Seis Sílabas"). La conexión entre este famoso mantra y Avalokiteshvara ya ocurre en el Sutra Karandavyuha (probablemente de fines del cuarto o comienzos del quinto siglo de nuestra era), una de las primeras obras budistas que llegó al Tíbet.


title: Chenrezig

text: Aunque existen diversas interpretaciones de sus múltiples significados, la escuela Drikung Kagyu enseña la siguiente explicación:


title: Pabellón Hanns Martin Schleyer

text: El Pabellón Hanns Martin Schleyer (en alemán, Hanns-Martin-Schleyer-Halle) es una pabellón deportivo techado ubicado en Stuttgart, Alemania. La capacidad del pabellón es de 15 500 personas. Fue inaugurado en 1983.


title: Pabellón Hanns Martin Schleyer

text: La banda de rock británica Queen se presentó en la arena durante su gira The Works Tour en 1984, al igual que la cantante colombiana Shakira en 2007 durante el Tour Fijación Oral, y también la estrella pop Christina Aguilera durante su tour Stripped World Tour.


title: Pabellón Hanns Martin Schleyer

text: El estadio fue sede de la fase final del Campeonato de Europa de baloncesto de 1985. En el estadio se celebraron algunos de los partidos del Gran Premio de Tenis de Porsche, en una cancha de tierra batida. También recibió el Stuttgart Masters cuando era un evento ATP Super 9 entre 1996 y 2001. La arena también se utiliza como velódromo y fue utilizado como sede del Campeonato Mundial de Ciclismo de 2003.


title: Río Lune

text: El río Lune es un corto río costero del Reino Unido que discurre por los condados de Cumbria y Lancashire, Inglaterra, y desemboca en la bahía de Morecambe en el mar de Irlanda.


title: Blutengel

text: Blutengel (en castellano "Ángel de Sangre") es una banda alemana de música electrónica enfocada en el estilo gótico e industrial, con tendencias marcadamente vampíricas y fetichistas. Catalogados también en el subgénero Electro Dark. Blutengel está conformado por Chris Pohl (también integrante de Terminal Choice, Tumor, Pain of Progress , Miss Construction, y Waldgeist como proyecto underground) quién formó el grupo después de haber dejado el dúo Seelenkrank. Las letras están en alemán e inglés y mezclan voces de ambos sexos. Electro-proyecto en 1998, el grupo es dirigido por Chris Pohl, uno de los adictos al trabajo más prolíficos de la escena, fue planeado como un cruce de géneros y las emociones desde el principio. Elementos de la música electrónica y eurodance están delicadamente mezclados con el simbolismo, los temas y el atractivo romántico de la novela gótica y el cine de terror clásico. A esto se añade un poquito de erotismo fetichista y se obtiene un pegadizo y muy adictivo, sin embargo, la mezcla seductora. Que el "lado oscuro", si se presenta de la manera correcta, pueden tener un atractivo para las masas sólidas debería ser evidente para cualquiera que mira a la historia del éxito del motivo de vampiros en la cultura gótica del siglo XX y XXI. En la música de Blutengel, imágenes oscuras y románticas historias de horror sobre vampiros, la muerte y la búsqueda de la vida eterna se establecen en un contexto musical que - ya sea orientado al baile, o tomar el sol en las elegías pomposo - te enganchará al instante.


title: Blutengel

text: Blutengel dibujar una gran parte de su atractivo especial de la interacción astuto de los sexos. Chris Pohl banda consiguen fijar siempre un contrapunto interesante a su brillante presencia, tanto óptica como acústicamente. En los diez últimos años, Chris era el único miembro constante del grupo, pero siempre ha sido capaz de rodearse de colegas igualmente carismáticos.


title: Blutengel

text: Desde el primer disco, "Child of Glass", BlutEngel fue un gran éxito esfuerzo y Chris Pohl ha sido capaz de aumentar su siguiente con cada nueva versión. Después el álbum número 2 "Seelenschmerz" fue lanzado en 2001, la demanda de espectáculos en vivo de BlutEngel se hizo tan grande que Chris decidió que iba a tener que tomar el grupo en el escenario. La banda tuvo su puesta en escena debut en el Wave Gotik Treffen 2001 frente a 10 000 aficionados desconcertados y se ha convertido en uno de los actos en vivo más buscados de la "escena oscura", jugando en todo el mundo y que es un nombre habitual en todos los principales festivales europeos.


title: Blutengel

text: El próximo Álbum "Angel Dust" demostró que el enfoque de BlutEngel fue capaz de llegar a una audiencia mucho mayor que limita a las limitadas fronteras de la escena gótica. El CD de inmediato disparó al Top 100 de las listas de control de los medios de comunicación alemanes.


title: Blutengel

text: Todas las versiones siguientes: "Demon Kiss" (2004), "No Eternity" (2004), "The Oxidising Angel" y el DVD en vivo "Líve Lines" rompieron su instantánea gráfica. BlutEngel han logrado lo que otros actos meramente pueden soñar: que han llegado a la corriente sin que ninguna compañía discográfica importante giro o de gestión o cambiar su estilo ... y con una imagen que contrasta duras para todos los productos muestran aburrido y soso casting.


title: Blutengel

text: En diciembre de 2006, lanzaron el sencillo "My Saviour", que contenía dos canciones con un atractivo distintivo éxito y que logró golpear al instante las listas de control de los medios de comunicación Top 100 de nuevo ... en una época del año en todas las grandes discográficas tienden a enviar a sus mayores nombres en la competencia por las ventas de X-Mas. BlutEngel están trabajando duro en su próximo álbum ... y una extensa gira mundial también está en las obras. El viernes, el 13 de julio de 2007, la banda lanzó su siguiente single "Lucifer" en dos versiones limitadas, con el nuevo álbum de larga duración "Labyrinth" después de poco tiempo después - un álbum que es fácil su trabajo más versátil y complejo hasta la fecha .


title: Blutengel

text: 2008 fue un año muy especial, como BlutEngel estaban celebrando su aniversario décimo de este año. El que comenzó con la ultra-limitada vinilo de 7" "Winter of my life"- de que todos los 500 ejemplares se agotaron en un rumor - y que también fue lanzado como descarga en todas las tiendas online principales Sporting uno de más fuertes. pistas embargo, esto solo muestra BlutEngel en sus más favorable, pero esto no fue todo, por supuesto, y por lo tanto un nuevo DVD en vivo, titulado acertadamente "Moments of Our LIVE´s", fue lanzado a finales de agosto de 2008 en tres versiones:. un DVD doble normal, así como dos ediciones limitadas, tanto que contiene un CD extra en directo y la FanBox de lujo añadiendo una camiseta exclusiva para el paquete. El DVD contiene una muestra de que es un montaje de imágenes de cuatro espectáculos diferentes, por lo tanto el transporte viaje real sentimiento. El segundo disco contiene una gran cantidad de extras, escenas detrás de cámaras y es el sueño de un fan hecho realidad. BlutEngel Pero no se detienen aquí.


title: Blutengel

text: El sencillo "Dancing In The Light" fue lanzado en dos versiones limitadas con diferentes listados de la pista y obras de arte a finales de 2008 - un aperitivo enthraling para el nuevo álbum "Schwarzes Eis", que fue lanzado como un doble CD (incluye el concepto fundamental disco "Behind The Mirror") y como estrictamente limitada de 3 CD-box (que también incluye un tercer álbum titulado "Redención") en febrero de 2009. En su álbum más ambicioso y versátil, el grupo combina los mejores elementos de todas sus versiones anteriores y toma cuidado de su sonido en un territorio desconocido, sin sacrificar su propia identidad. El atractivo, oscuro BlutEngel de sonido ha madurado con elegancia ... y sin embargo, suena tan fresco y nuevo como lo hizo en "Seelenschmerz".


title: Blutengel

text: A finales de 2009, la banda dio a sus fanes otro tratamiento en forma limitada de la unidad de CD-release "Soultaker" y en el verano de 2010, BlutEngel jugó su show en vivo más ambicioso hasta la fecha en el Festival de Amphi, con una coreografía de danza completa de la Quilla Dance Theatre. En la actualidad, se está trabajando en nuevo material, que tiene previsto su lanzamiento en 2011. A finales de 2010, el grupo lanzó el exclusivo single "Promised Land", que se agotó en muy poco tiempo, mientras que Chris comenzó a trabajar en el álbum de seguimiento de "Schwarzes Eis" al mismo tiempo. Un aperitivo primero fue lanzado el 21 de enero de 2011, en forma de "Reich mir die Hand". El único instante entró en las listas alemanas en el # 81. El álbum "Tränenherz", seguido el 18 de febrero y catapultó a la banda a un lugar sensacional 12 º en las listas de éxitos alemanas. El lanzamiento fue seguido por una gira con entradas agotadas alemán y el 15 de abril, el grupo lanzó el segundo sencillo de su nuevo álbum, uno de sus más exitosas canciones hasta la fecha: "Über den Horizont".


title: Blutengel

text: El futuro se presenta brillante para los pioneros del gótico que están en un limbo, una vez más para demostrar al mundo que la música Electrodark y la fantasía son una combinación adictiva y que hay mucho por descubrir más allá de los reinos de huecos.


title: Blutengel

text: También están las ediciones limitadas de Seelenschmerz, Angel Dust, Demon Kiss, The Oxidising Angel, Labyrinth, Tränenherz, NachBringer, Monument y Omen. Awake the Machines Vol. 2 – "Love" Machineries of Joy – "Fairyland (Female Version)" Machineries of Joy Vol. 3 – "Falling" Awake the Machines Vol. 5 – "Go to Hell? (Forever Lost Remix)" Machinaries of Joy Vol. 5 - "A Place Called Home"  Advanced Electronics – "Black Roses (Remix)" Fear Section Vol. 1 – "Weg zu mir (Shicksals-Version 2002)" Sonic Seducer M'Era Luna Sampler 2003 – "Black Wedding (Exclusive Remix by ASP)" Sonic Seducer – Cold Hands Vol. 24 – "Iron Heart (Plastic Noise Experience Remix)" ZilloScope 3/2004 – "Love Killer (Zillo Version)" Mystic Sounds Volume 10 – "I'm Dying Alone"


title: World Wide Name

text: World Wide Name (nombre a nivel mundial) y World Wide Identifier (identificador a nivel mundial), cuyos acrónimos son respectivamente WWN y WWID, hacen referencia a un identificador único en una red de almacenamiento de fibra óptica o "Serial Attached SCSI" (SAS).


title: World Wide Name

text: Cada WWN es un número de 8 bytes derivado del OUI (los tres primeros bytes), el resto es información suministrada por la empresa.


title: World Wide Name

text: Existen dos formatos definidos por la IEEE:


title: National Exhibition Centre

text: El National Exhibition Centre (NEC), ubicado en Birmingham, Reino Unido, es uno de los centros de exposiciones más grande de Europa. El centro se encuentra junto al aeropuerto de Birmingham y la estación de tren.


title: National Exhibition Centre

text: También se dan conciertos en el NEC Arena, ahora conocido como Resorts World Arena, recinto con una capacidad para 11.000 personas, que fue una de las arenas multipropósito más grandes del Reino Unido cuando fue inaugurada a comienzo de los 80. Desde sus inicios hasta hoy se han presentado distintos artistas como: Black Sabbath, Iron Maiden, Genesis, Bruce Springsteen, Whitney Houston, U2, Shania Twain, Tina Turner, Mariah Carey, The Who, Queen, Guns N' Roses Backstreet Boys, Céline Dion, Neil Diamond, Roger Waters y Cliff Richard and The Shadows en 1984. Algunos artistas se han presentado más de una vez como: Status Quo, R.E.M, Fleetwood Mac, Diana Ross, Rihanna, Kylie Minogue


title: National Exhibition Centre

text: El NEC centre es visitado por 5 millones de personas al año.


title: 666 (banda)

text: 666 fue un grupo alemán de estilo Hard House y Trance, formado a fines de los años 1990. Los fundadores de esta banda son los DJ Thomas Detert y Mike Griesheimer. Generaron su propio estereotipo al aparecer con vestidos con toque "diabólico" en sus videos musicales. A pesar de ser de origen alemán, las letras de sus canciones estaban en inglés y en español. Fueron un suceso bailable principalmente en las discotecas de Europa, Asia y parte de América. Sus grandes éxitos fueron "Bomba!", "Alarma!", "Paradoxx", "Nitemare", "Dance 2 Disco", "D.E.V.I.L", "Instanity", "Policía", entre otras. Regresaron en 2011 con varios sencillos nuevos y reediciones de sus éxitos, que también lanzaron en 2020.


title: Paracoccidioidomicosis

text: La paracoccidioidomicosis es una micosis profunda, sistémica y crónica caracterizada por lesiones granulomatosas, que afecta principalmente a personas que tienen frecuente contacto con la tierra. Produce infecciones pulmonares, úlceras granulomatosas en la nariz, boca y el tracto gastrointestinal. No se trata de una enfermedad contagiosa que se pueda trasmitir entre personas o animales.


title: Paracoccidioidomicosis

text: La Paracoccidioidomicosis tiene una amplia distribución geográfica en América latina. Afecta unas 15 veces más al hombre que a la mujer aunque ambos tienen una exposición comparablemente igual (se cree que esta diferencia se debe a la sensibilidad a los estrógenos que impedirían el pasaje de la fase saprofítica a la parasitaria). Es frecuentemente una infección endémica en áreas con trabajadores agrícolas cultivadores de café y/o caña de azúcar. Es más prevalente en individuos desnutridos entre las edades de 30 a 60 años.


title: Paracoccidioidomicosis

text: Los únicos hospedadores conocidos del hongo etiológico son el hombre y el armadillo. El Tití de Pinceles Negro (Callithrix penicillata) y los murciélagos pueden actuar como reservorios. No se ven casos de transmisión de persona a persona. La mortalidad puede llegar a un 25% en casos no tratados.


title: Paracoccidioidomicosis

text: El agente causal de la Paracoccidioidomicosis es un hongo térmicamente dimórfico de la especie "Paracoccidioides brasiliensis". A temperatura corporal, el hongo tiene forma parasitaria de levadura multibrotante (aspecto de timón).


title: Paracoccidioidomicosis

text: Los pulmones son los sitios de infección primaria al inhalar los conidio y fragmentos miceliales del hongo. Estos son capturadas por los macrófagos pulmonares quienes diseminan al organismo por el sistema reticuloendotelial. La inoculación directa en piel o mucosas no es común, con excepción de quienes usan ramitas para limpiarse los dientes. El órgano afectado con mayor frecuencia en el adulto es el pulmón (80%-90% de los casos). La radiografía de tórax puede mostrar lesiones nodulares o infiltrados únicos con mayor frecuencia múltiples, y en ocasiones cavitación. La apariencia radiológica puede sugerir el diagnóstico de TBC (Tuberculosis). La resolución de las lesiones suele dejar fibrosis como secuela.


title: Paracoccidioidomicosis

text: La afectación cutaneomucosa sigue en frecuencia a la anterior y se caracteriza por la aparición de úlceras o pápulas eritematosas constituidas por tejido de granulación, localizadas preferentemente alrededor de la nariz y de la boca, así como en las mucosas de ambas.


title: Paracoccidioidomicosis

text: La tercera forma de presentación más frecuente es la linfática y se caracteriza por el agrandamiento ganglionar, habitualmente de las cadenas cervicales y submandibulares. Los ganglios afectados no tienen especial tendencia a localizarse en las áreas de drenaje de las lesiones cutaneomucosas. Las adenopatías pueden supurar y abrir la piel originando fístulas semejantes a las de escrófula. La forma ganglionar es particularmente frecuente en los niños y adultos jóvenes en quienes puede acompañarse de hepatosplenomegalia. hemocitopenias y síntomas constitucionales graves (forma aguda o subaguda juvenil).


title: Paracoccidioidomicosis

text: Los síntomas dependen del síndrome clínico subyacente:Consiste en el hallazgo del agente etiológico en las lesiones, mediante un estudio directo de las mismas y el desarrollo del hongo en medios de cultivo apropiados. Las muestras analizadas dependerán de las manifestaciones clínicas que presente el paciente. Podrán ser piel, expectoración, fluido de lavado bronquioalveolar, etc.


title: Paracoccidioidomicosis

text: Actualmente se considera a los compuestos azólicos como tratamiento de elección en la Paracoccidioidomicosis, utilizándose con éxito el Ketoconazol, a 400 mg/día, durante el primer mes, luego a 200 mg/día los siguientes 11 meses. El Itraconazol a 100 mg/día, por un lapso de seis meses, parece determinar menos recaídas, pero su costo es muy superior al Ketoconazol. De segunda elección constituyen las sulfamidas, en especial en asociación con trimetoprim (cotrimoxazol 1 comprimido "forte" cada 12 h por un mes, luego 1 comprimido por día. Como el Ketoconazol y el Cotrimoxazol tienen dife-rentes mecanismos de acción, consideramos que la asociación de ambos es ventajosa, al ser dos antimicóticos de administración oral, con buena tolerancia, baja toxicidad y relativo bajo costo, obteniéndose mejores resultados, sobre todo en las formas diseminadas crónicas, cuando se administran por un lapso de 12 meses, por lo menos, aunque algunos autores opinan que debería indicarse por espacio de varios años, y quizá de por vida. Estamos a la espera de los resultados obtenidos con el VORICONAZOL.


title: Oni (videojuego)

text: Oni es un videojuego que está inspirado en el manga japonés Ghost in the Shell, fue creado por Bungie (solo en Windows y Mac) y Rockstar Toronto (solo en PS2). Fue publicado el 29 de enero del 2001.


title: Oni (videojuego)

text: Se centra en las misiones de una agente del TCTF (Technological Crimes Task Force ""Fuerza de Tarea de Delitos Tecnológicos"") de nombre clave "Konoko", que se enfrenta ante un grupo de criminales más conocido como "El Sindicato" (también los llaman "La Organización" y "El Gobierno de Coalición Mundial") cuyo líder es Muro. La misión de Konoko es infiltrarse en los establecimientos que utiliza el Sindicato clandestinamente y frustrar los planes de Muro.


title: Oni (videojuego)

text: La acción de Oni tiene lugar alrededor del año 2032. El mundo del juego es una distopía, una tierra tan contaminada que sigue siendo de poca habitabilidad. Para resolver la crisis económica internacional no especificado, todas las naciones se han combinado en una sola entidad, la Organización Mundial de la Coalición de Gobierno. El gobierno está fuera de control, diciéndole a la población que lo que realmente son peligrosamente tóxicos son las Reservas naturales, y usa la Fuerza de Tarea de Delitos Tecnológicos, su policía secreta, para espiar a los ciudadanos y reprimir la oposición. El jugador de carácter, el nombre clave de Konoko, el nombre completo más adelante dado como Mai Hasegawa, comienza el juego de trabajo para la policía. Pronto, ella aprende que sus empleadores han mantenido en secreto el pasado de ella. Ella se vuelve contra ellos, ya que se embarca en una búsqueda del auto descubrimiento. El jugador aprende más sobre los orígenes de su familia y mientras lucha con el TCTF y su mayor enemigo, el igualmente monolítica organización delictiva denominada "Sindicato". En el clímax del juego, Konoko descubre un plan de "Sindicato" para llevar a la Conversión de Centros de la Atmósfera, las plantas de tratamiento de aire necesario para mantener a la mayoría de la población del mundo viva, a un catastrófico mal funcionamiento. Ella tiene un éxito parcial en frustrar el complot, salvando una parte de la humanidad.


title: Oni (videojuego)

text: Hay diez armas en Oni, incluyendo pistolas, rifles, lanzadores de cohetes y armas de energía. Power-ups como "hyposprays", que sana las heridas y dispositivos de encubrimiento, que hacen que el jugador sea invisible; se pueden encontrar dispersos en todo los niveles o en cadáveres. Dado que el jugador sólo puede llevar un arma a la vez y la munición es escasa, la lucha mano a mano también es eficaz contra los enemigos. El jugador puede golpear, patear y lanzar enemigos, avanzando en los niveles más tarde abren y se mueve más combos.


title: Oni (videojuego)

text: Hay varias clases de enemigos, cada uno con su propio estilo de combate sin armas. Cada categoría se subdivide en niveles bien ordenado con respecto a la fuerza.


title: Oni (videojuego)

text: A diferencia de la mayoría de juegos de consola, Oni no limita al jugador a la lucha contra pequeños grupos de enemigos en pequeños espacios, cada zona es totalmente abierto para explorar. Los catorce niveles son de diversos tamaños, algunas lo suficientemente grandes como para comprender la totalidad de un edificio. Bungie contrató a dos arquitectos para diseñar los edificios.


title: Oni (videojuego)

text: El motor de Oni implementa de un método de interpolación que monta el marco deslizamiento. El suavizado de la animación del complejo de artes marciales se mueve. Sin embargo, el marco deslizamiento es un problema común cuando hay varios enemigos cerca del jugador que te atacan.


title: Oni (videojuego)

text: Al principio Konoko se encuentra con muchas encrucijadas. La Organización toma lugares como fábricas de maquinaria pesada, un aeropuerto, almacenes, y otros lugares para apoderarse de ciertos elementos situados en ese lugares. Konoko se apasiona con el caso y se compromete cada vez más con sus misiones, tanto ella como el TCTF suponen que Muro trama algo grave.


title: Oni (videojuego)

text: Mientras Konoko intenta descubrir que es lo que planea la Organización, los problemas graves comienzan cuando los hombres de Muro irrumpen en las oficinas del TCTF y secuestra a una amiga de Konoko (Shinatama) con el fin de atraer la atención de Konoko y además hacer investigaciones sobre Shinatama, que no es humana. Es entonces que desobedeciendo las órdenes de Griffin, Konoko va en busca de Shinatama. Griffin al ya no tener control sobre Konoko la acusa de ser una traidora y una terrorista y le ordena a todo el personal del TCTF que la capture, viva o muerta.


title: Oni (videojuego)

text: Konoko está ahora en busca de respuestas. Al averiguar acerca de su pasado (sus raíces, su verdadero nombre, sus familiares) se encuentra con diversas trampas organizadas tanto por Griffin como por Muro, ya que a ninguno de los dos les convenía realmente que Konoko conociera esa información.


title: Oni (videojuego)

text: El videojuego tiene dos finales alternativos, antes de cerciorarse del verdadero plan del Sindicato, que es crear una nueva raza de personas resistentes a la nueva atmósfera tóxica para de este modo controlar el planeta.


title: Oni (videojuego)

text: Tras dejar de lado el asunto de Griffin (asesinarlo, o no hacerlo) Konoko va en busca de su Hermano para neutralizarlo.


title: Oni (videojuego)

text: Si Konoko acaba con Griffin, una vez cara a cara con Muro se dará cuenta de que él ha mutado de una forma increíble y ahora es casi invencible.


title: Oni (videojuego)

text: Si Konoko decide dejar a Griffin con vida, se enfrentará a Muro junto con Griffin y dos oficiales especiales del TCTF que le brindaran ayuda pero solo contra los acompañantes de Muro, quienes solo aparecen en este final.


title: Oni (videojuego)

text: El juego dispone de muchas formas de combate. Además de utilizar diferentes tipos de armas (pistolas, rifles, armas nucleares, lanzacohetes y ametralladoras, entre otras cosas...), Oni cuenta con un sistema de combate cuerpo a cuerpo que incluye patadas, puñetazos, combos de ambos y Movimientos Especiales que, a medida que el juego avanza, Konoko va aprendiendo. A través de un menú llamado "Diary" el juego te muestra los Movimientos Especiales que Konoko domina y la forma de realizarlos, además de otro tipo de información valiosa para la trama del juego.


title: Oni (videojuego)

text: A lo largo del juego uno se encuentra con varios personajes, aquí un resumen de estos.


title: Oni (videojuego)

text: Data: Huérfana desde los tres años. Desde entonces, la mujer cuyo nombre código es Konoko fue instruida como guerrera ante el Gobierno de Coalición Mundial. Ha crecido bajo la vigilancia de una legión de científicos y de personal del TCTF, está entrenada para desafiar al enemigo con las más innovadoras técnicas de combate antiterrorista. Ella sabe que en algún sentido es diferente a los demás, aunque no sabe exactamente porqué. De todas formas, arde su deseo de demostrar sus habilidades al Comandante Griffin y a todo el TCTF.


title: Oni (videojuego)

text: Habilidades: Entrenada para combates cuerpo a cuerpo, es una experta tiradora.


title: Oni (videojuego)

text: Movimientos especiales: Puñetazo de Furia Ferviente, Patada Diabólica, Patada Fulera (entre otros).


title: Oni (videojuego)

text: Puntos Débiles: Vínculo emocional con Shinatama.


title: Oni (videojuego)

text: Data: Shinatama es un androide SLD (Simulated Life Doll) responsable de la coordinación de toda la Comuna Regional de Comunicaciones de la Base TCTF Regional.


title: Oni (videojuego)

text: Habilidades: Gran conocimiento sobre Protocolos de Seguridad y Documentos del TCTF.


title: Oni (videojuego)

text: Puntos Débiles: No pelea.


title: Oni (videojuego)

text: Descripción: Shinatama tiene un vínculo neural con Konoko y puede comunicarse con ella mentalmente en cualquier momento que desee. En enlace neuronal proporciona a Konoko el acceso completo a la tecnología escáner de Shinatama y al conocimiento de Bancos de Datos.


title: Oni (videojuego)

text: Data: Comandante Regional del TCTF. Actualmente en Estado de Reserva en la lista de turnos de las Operaciones Fantasma del TCTF. Por ser el comandante Regional, Griffin posee control total sobre el personal y el equipo de su región. Es un astuto perro viejo, sus enemigos saben que nada conseguirá detener su lucha por mantener el control civil.


title: Oni (videojuego)

text: Habilidades: Entrenado para combates cuerpo a cuerpo, es un experto tirador.


title: Oni (videojuego)

text: Puntos Débiles: Ninguno.


title: Oni (videojuego)

text: Data: Es el líder del Sindicato, la única organización "non sancta" capaz de plantarle cara al TCTF. Muro es un personaje bastante misterioso al principio del juego, ya que aparece en la tercera misión, en dos ocasiones muy cortas en las que Konoko solo intercambiará palabras con él. Lo que hace misteriosa la aparición de Muro es que deja entrever en esa conversación que sabe de Konoko mucho más que ella misma, y que, por casualidad o no, tiene un pasado muy similar al de Konoko, con la diferencia de no haber contado con la protección y tutela de una organización como el TCTF. Bastante más adentrado el juego, Konoko descubrirá que Muro posee habilidades similares a las suyas.


title: Oni (videojuego)

text: Habilidades: Experto en combate cuerpo a cuerpo y armas.


title: Oni (videojuego)

text: Puntos Débiles: Físicamente ninguno, emocionalmente, el resentimiento es su motor y su némesis.


title: Oni (videojuego)

text: Los comentarios críticos tienden a ser divididos internamente sobre el juego en pros y contras. En Metacritic, Oni tuvo un "metascore" de 73/100, pero tuvo un 9.5/10 por parte de los usuarios. Algunos encuestados se impresionan por el mínimo detalle de los gráficos de medio ambiente, la falta de inteligencia por parte de la IA en algunas situaciones, y la trama, que fue criticado en ocasiones como subdesarrollados. Por último, la dificultad del juego, en combinación con una falta de zonas para guardar la partida a veces se cita como negativos.


title: Oni (videojuego)

text: Además, muchos aficionados sintieron engañados porque el juego no cumplir todas sus promesas. La deficiencia más notable fue la ausencia de multijugador basados en LAN, que había sido demostrado en manos de las cabinas en la MacWorld Expos durante el desarrollo de Oni y eliminado antes de su liberación debido a preocupaciones sobre problemas de latencia. Esto también contribuyó a algunas de las bajas puntuaciones de los encuestados. Algunos de los contenidos del juego se redujo también, incluyendo el muy esperado "Demonio de Hierro", una gran muestra de la mecánica del juego en un tráiler.


title: Oni (videojuego)

text: Sin embargo, la mayoría de los elogios son recibidos por su buen carácter y gran variedad de animación del movimiento de los combates, así como la forma en que mezcla las armas y combatir cuerpo a cuerpo. Por lo tanto, la mayoría de los encuestados dio a Oni una media-buena puntuación en el reconocimiento del factor de disfrute del juego.


title: National Bowl

text: National Bowl es un recinto para entretenimiento con una capacidad para 65,000 personas ubicado en Milton Keynes a las afueras de Londres en el Reino Unido


title: National Bowl

text: Durante su gira Hot Space Tour en 1982, Queen realizó un concierto en el National Bowl, que fue lanzado en el DVD "Queen on Fire - Live at the Bowl" (2004). Al igual que Queen, Linkin Park hizo un DVD de su concierto, llamado "". En 2005 Green Day publicó su DVD "Bullet in a Bible", concierto filmado en vivo en el National Bowl, y este fue el séptimo mayor concierto de una sola banda de la historia.


title: Patricios (Buenos Aires)

text: Patricios es una localidad argentina del centro de la provincia de Buenos Aires, perteneciente al partido de Nueve de Julio.


title: Patricios (Buenos Aires)

text: El pueblo creció alrededor de la Estación Patricios de la Compañía General de Ferrocarriles en la Provincia de Buenos Aires. El pueblo de Patricios fue fundado en marzo de 1910 por la Compañía de Tierras Franco Argentina "La Inmobiliaria" y contaba ya en 1938 con 4000 habitantes, cifra que contrasta notoriamente con los 979 de 1991. Llegó a tener 7000 habitantes pero, al cerrarse el ramal ferroviario en 1993, se produjo un éxodo masivo de la población.


title: Patricios (Buenos Aires)

text: En Patricios se filmó en 2003 el recordado film Soy tu aventura, protagonizado por Diego Capusotto, Luis Luque y Luis Aguilé, entre otros. La ubicación fue elegida ya que se trata del pueblo en el que nació Néstor Montalbano, director de la película.


title: Patricios (Buenos Aires)

text: Cuenta con , lo que no representa cambio significativo frente a los del censo anterior.


title: Premio Hispanoamericano de Poesía para Niños

text: El Premio Hispanoamericano de Poesía para niños fue creado en 2004 por la Fundación para las Letras Mexicanas en colaboración con el Fondo de Cultura Económica. El premio tiene un carácter internacional y tiene la intención de poner la cultura universal en manos de los niños y crear espacios para analizar y promover la literatura infantil, además de propiciar publicaciones de calidad dirigidas a los jóvenes lectores.


text: En el año de su creación, en 2004, se galardonó al poeta mexicano Javier España Novelo, por su libro "La suerte cambia la vida".  En 2005, el premio lo obtuvo la escritora mexicana de literatura infantil y juvenil María García Esperón por su poemario "Tigres de la otra noche".  En 2006, el poeta, ensayista y editor mexicano Luigi Amara por su libro "Las aventuras de Max y su ojo submarino".


text: En 2007, el premio fue concedido al poeta y artista plástico mexicano Níger Madrigal por su obra "Rutinero." En 2008, a la educadora uruguaya Mercedes Calvo, con su obra "Los espejos de Anaclara." En 2009, al poeta mexicano Marco Aurelio Chavezmaya por su libro "El niño en su casa del Árbol de la vida." En 2010, al poeta mexicano Ramón Iván Suárez Caamal por su libro "Huellas de pájaros". En 2011, al poeta y ensayista mexicano Javier Mardel por su libro "Lo que no sabe Pupeta". En 2012, al poeta mexicano Gerardo Villanueva por su libro "El vuelo de Lucy (cuaderno de tareas)". En 2018 a la escritora chilena María José Ferrada por su libro "Cuando fuiste nube". En 2019 a la escritora peruana Micaela Chirif por su libro "El mar". En 2020 a la escritora mexicana Evelyn Moreno por su libro "Gato,¿estás ahí?". En 2021 a la escritora cubana Elizabeth Reinosa Aliaga por su libro "Raíz del nido".


title: UClibc

text: uClibc es una pequeña biblioteca en C diseñada para sistemas con Linux embebido. Es software libre con licencia LGPL.


title: UClibc

text: uClibc fue creada para soportar μClinux, una versión de Linux para sistemas integrados que no requieren de una unidad de manejo de memoria, lo cual es muy conveniente para microcontroladores (por ello el "μC" en el nombre).


title: UClibc

text: uClibc es mucho más pequeña que glibc la biblioteca de C de GNU utilizada en la mayoría de las distribuciones de Linux. Mientras que glibc está preparada para implementar todos los estándares relevantes de C en una gran variedad de hardwares y plataformas, uClibc está especializada para sistemas integrados. Algunas de sus características pueden ser habilitadas o deshabilitadas según lo requiera el espacio disponible.


title: UClibc

text: uClibc se ejecuta en sistemas Linux estándar o sin MMU. Soporta arquitecturas i386, amd64, ARM (big/little endian), Blackfin, h8300, m68k, MIPS (big/little endian), PowerPC, SuperH (big/little endian), SPARC y V850.


title: UClibc

text: En gran parte, uClibc ha sido escrita desde cero aunque incorpora algo de código de glibc


title: UClibc

text: El director del proyecto es Erik Andersen y el principal contribuyente es Manuel Novoa III.


title: UClibc

text: uClibc está licenciada bajo la LGPL lo cual permite que sea utilizada por aplicaciones comerciales de código propietario cerrado, por lo que no es necesario liberar todo el código por utilizar uClibc en Linux.


title: Morea (Buenos Aires)

text: Morea es una localidad argentina del centro de la provincia de Buenos Aires, perteneciente al partido de Nueve de Julio.


title: Morea (Buenos Aires)

text: Cuenta con , lo que representa un descenso del 16,6% frente a los del censo anterior.


title: Federación Internacional de Vela

text: La Federación Internacional de Vela, conocida por sus siglas en inglés, ISAF (International Sailing Federation), o su nombre comercial World Sailing (WS) desde el 14 de noviembre de 2015, es la entidad que se dedica a regular las normas del deporte de vela a nivel competitivo, mediante la publicación del Reglamento de Regatas a Vela, así como de celebrar periódicamente competiciones y eventos en cada una de sus clases.


title: Federación Internacional de Vela

text: Tiene su sede en la localidad de Southampton (Reino Unido). Cuenta con la afiliación de 123 federaciones nacionales de los cinco continentes.


title: Federación Internacional de Vela

text: Actualmente la ISAF reconoce 87 clases de embarcaciones deportivas de vela divididas en siete categorías.


title: Federación Internacional de Vela

text: Fue fundada en 1907 en París como "International Yacht Racing Union" -IYRU- (en español, "Unión Internacional de Regatas de Yates") por 13 naciones europeas: Alemania, Imperio austrohúngaro, Dinamarca, España, Finlandia, Francia, Italia, Noruega, Países Bajos, Bélgica, Reino Unido, Suecia y Suiza.


title: Federación Internacional de Vela

text: El 5 de agosto de 1996 cambió su nombre a "International Sailing Federation" -ISAF- ("Federación Internacional de Vela" en español).


title: Federación Internacional de Vela

text: El 14 de noviembre de 2015, en la Asamblea General celebrada en Sanya, adoptó usar la marca "World Sailing".


title: Federación Internacional de Vela

text: La ISAF organiza las siguientes competiciones:


title: Federación Internacional de Vela

text: La ISAF otorga premios a los mejores regatistas del año desde 1994 e introduce miembros a su Salón de la Fama desde 2007.


title: Federación Internacional de Vela

text: La ISAF agrupa a las diferentes federaciones nacionales ("Member National Authorities" -MNA-) divididas en seis zonas geográficas, en las que operan cinco federaciones continentales: Para competir en regatas oficiales, cada embarcación solamente puede arbolar un pabellón nacional y, al no izarse el pabellón durante la competición, ha de llevar en la vela el código de tres letras mayúsculas indicativo de su nacionalidad, denominado código "MNA" (Member National Authorities):


title: Campeonato Mundial de Vela Olímpica de 2007

text: El II Campeonato Mundial de Vela Olímpica se celebró en Cascaes (Portugal) entre el 3 y el 13 de julio de 2007 bajo la organización de la Federación Internacional de Vela (ISAF) y la Federación Portuguesa de Vela.


text: Se compitió en las 11 clases olímpicas vigentes: 7 masculinas (M) y 4 femeninas (F). Se efectuaron 11 regatas en cada clase, descartando para el resultado final el peor resultado de cada participante.


text: Las regatas se realizaron en la bahía de Cascaes.


text: Participaron 1.396 regatistas (936 veleros) de 75 países (entre paréntesis el número de veleros/regatistas por país):


title: The Sandman (luchador)

text: James Fullington (16 de junio de 1963), más conocido como The Sandman, es un ex-luchador profesional estadounidense, conocido mundialmente por su carrera en la Extreme Championship Wrestling, donde era llamado "The Hardcore Icon".


title: The Sandman (luchador)

text: Dentro de sus logros destaca haber sido cinco veces Campeón mundial, al haber obtenido en 5 ocasiones el ECW World Heavyweight Championship su primer reinado como El Campion Eastern Championship Wrestling De la National Wrestling Alliance (NWA ECW Heavyweight Championship)