title: Mortal Kombat: Aniquilación

text: Debido a esta problemática no se ha podido filmar una nueva película de la saga, por eso es que la secuela se ha encontrado en preproducción por más de una década sin contar que varios guionistas involucrados en el film han realizando numerosos cambios en la historia y en el guion, tomando en cuenta los problemas en los derechos de la franquicia ya que desde el año 2001 Threshold Entertainment se desvinculó económicamente de New Line Cinema (productora y poseedora del 50 % de los derechos de la franquicia) y en el año 2004 ocurrió la destrucción de Nueva Orleans por el huracán Katrina, esto generó que el proyecto continuara en preproducción ya que el último borrador conocido de guion se ambientaba en gran parte en la ciudad de Nueva Orleans.


title: Mortal Kombat: Aniquilación

text: Y en años posteriores han surgido varios rumores entre ellos que Paul W.S. Anderson regresaba para dirigir y escribir la película y terminar la trilogía y que actores como Linden Ashby, Robin Shou, Christopher Lambert regresarían a sus respectivos roles para filmar un hipotético tercer filme de la franquicia.


title: Mortal Kombat: Aniquilación

text: En el año 2009 debido al quiebre de Midway Games, la productora Warner Bros compró todo el catálogo de juegos de la compañía entre ellos Spy Hunter (del cual se ha rumoreado hará una adaptación cinematográfica en un futuro) y de la propia Mortal Kombat y finalizando ese año se confirmó que ya habían adquirido el 100% de los derechos para realizar lo más pronto posible una nueva película de la mano coproducida por su filial New Line Cinema dejando de lado a Threshold Entertainment que había ejercido funciones de coproductor y distribución las 2 películas anteriores porque la misma también fue absorbida por New Line Cinema para mediados del año 2010.


title: Mortal Kombat: Aniquilación

text: A finales del mismo apareció en Youtube un misterioso corto dirigido y escrito por Kevin Tancharoen titulado "" en donde se podían ver a personajes como Baraka, Jax Brigs, Reptile y Johnny Cage, esto causó mucha confusión entre los espectadores ya que no se sabía con exactitud si se trataba de un tráiler de un nuevo videojuego o de la propia película, este corto fue muy aclamado y tanto así que se confirmó que el mismo iba a ser la base para una Web Serie titulada "" que tuvo una duración de 2 temporadas y muy buenas críticas por parte de páginas especializadas en series.


title: Mortal Kombat: Aniquilación

text: Para finales del año 2011 el estudio confirmó que se iniciaba totalmente la producción de una nueva película y que esta sería un reinicio total de la franquicia eliminando la historia de las 2 anteriores y se contrató al guionista Oren Uziel para que redactara un borrador del guion y que el filme sería dirigido por el propio Tancharoen que era muy bien visto por ejecutivos del estudio debido a que había realizado muy buen trabajo con la serie en línea.


title: Mortal Kombat: Aniquilación

text: Para el año 2013, Kevin Tancharoen sorprende a todos renunciando a la dirección del filme bajo la escusa de querer enfocarse en otros proyectos de menos envergaduras. Pero aun así el estudio continuo trabajando en la futura adaptación.


title: Mortal Kombat: Aniquilación

text: Para mediados del año 2015 la Warner Bros confirma que el Realizador James Wan creador de la saga el Juego del miedo será el productor de esta nueva película junto a su amigo y también productor Leigh Whannell y su inmediatas incorporaciones trajo como consecuencia la contratación de Dave Callaham y Greg Russo como los nuevos guionistas del Filme, entre sus primeras declaraciones Wan afirmó que obviamente este reinicio requiere un trabajo cuidadoso para no decepcionar a los fanes y que la película debido a su carácter y naturaleza obligatoriamente será de clasificación R.


title: Mortal Kombat: Aniquilación

text: El día 16 de noviembre del año 2016, se anunció que el director debutante Simon McQuoid será el responsable de dirigir el largometraje. Actualmente se está trabajando en la estética de la película y visitando posibles localizaciones para realizar la filmación de la misma.


title: Bifur

text: En el universo imaginario del escritor británico J. R. R. Tolkien, en su novela "El hobbit", Bifur es un enano que, aunque desciende de los enanos de Moria, no pertenece a la Casa de Durin. Nació en las Tierras Brunas desconociéndose su año de nacimiento y el de su muerte. Es primo de Bofur y de Bombur.


title: Bifur

text: En 2941 T. E., formó parte de la compañía de Thorin que se embarcó en la misión de la Montaña Solitaria para recuperar el «Reino Bajo la Montaña» de las manos de Smaug "el Dorado". Se presentó ante Bilbo Bolsón con una capucha dorada y tocó el clarinete, amén de comer mucha tarta de manzana con mermelada de frambuesa.


title: Bifur

text: En el viaje luchó denodadamente para evitar, junto a Bilbo, que los atraparan los trolls en el bosque de los Trolls, pero al final fue capturado y puesto en un saco, junto al fuego, para ser el primer enano «cenado». Fue el que resultó menos dañado en el viaje de los barriles, por el río del Bosque; aunque estuvo incapacitado de moverse por el entumecimiento durante bastante tiempo. Más tarde se salvó de morir a manos de Smaug cuando este salió enfurecido de Erebor porque quedó, junto a Bombur, atrapado en un acantilado. Una vez recuperado el reino se quedó a vivir allí.


title: Bifur

text: En la película "" de Peter Jackson, adaptación cinematográfica de la primera parte de la novela, Bifur es interpretado por William Kircher. Una característica del personaje, inventada originalmente por los guionistas de la película, es que tiene los restos de un hacha orco incrustados en la parte alta de la frente, con lo que el consecuente daño cerebral sólo le permite hablar en el idioma de los enanos.


title: Saguinus geoffroyi

text: El tamarino de Geoffroy (Saguinus geoffroyi), también conocido como el mono tití panameño, tamarino de nuca café o piche de morrión, es un tamarino de pelaje blanco y negro, con la nuca de color rojizo. De longitud en el cuerpo y la cabeza logra de 22 a 25 cm; cola de 31 a 40 cm. El peso es de 300 a 560 g. Se alimenta de frutas e invertebrados. Complementa su dieta con flores, retoños y savia.


title: Saguinus geoffroyi

text: Su distribución se extiende desde área central del Istmo de Panamá (Coclé y Colón) hasta Colombia. Algunos autores han tratado este taxón como una subespecie del tamarino algodonoso ("Saguinus oedipus") pero las investigaciones recientes sugieren que son dos grupos lo suficientemente diferentes como para ser reconocidos como especies separadas.


title: Saguinus geoffroyi

text: Como todos los callitrichine son arbóreos; tieden a vivir en áreas de crecimiento secundario o en bosques mixtos. Como muchas especies de esta subfamilia se encuentran en peligro de extinción, principalmente por la destrucción de su hábitat, aunque es particularmente abundante en pocas localidades de Panamá. En Colombia hay poblaciones naturales de esta especie protegidas en el parque nacional natural Las Orquídeas, ubicado en el denominado complejo Chocó Biogeográfico.


title: Saguinus geoffroyi

text: Los estudios de campo sugieren que los grupos naturales varían en tamaño de tres a quince individuos, los cuales muestran defensa del territorio. Aparentemente no hay diferencias entre machos y hembras en cuanto a su tamaño o apariencia. En cautiverio pueden llegar a vivir 13 años o más. Al igual que en otros calitríquinos los machos contribuyen en gran medida en el cuidado de las crías, y también se sabe que muchos grupos son poliándricos.


title: La Bajada

text: La Bajada puede referirse a:


title: Bofur

text: En el universo imaginario de J. R. R. Tolkien y en la novela "El hobbit", Bofur es un enano y aunque desciende de los habitantes de Moria, no pertenece a la Casa de Durin. Nació en las Tierras Brunas, desconociéndose su año de nacimiento y el de su muerte. Es primo de Bifur y hermano de Bombur.


title: Bofur

text: Bofur era descendiente de los Enanos de Khazad-dûm, pero no era del linaje real de Durin. Él y su familia fueron expulsados de su casa de Erebor por el dragón Smaug. Obligado a vivir en el exilio, trabajó como fabricante de juguetes. A pesar de su dura vida, era alegre y muy optimista, a menudo culpable de exagerar las cosas en situaciones difíciles, con el simple objetivo de molestar a sus compañeros. Con un gran amor a la cerveza y a la música, y sabe tocar la flauta. Bofur tiene una estrecha relación pero no muy buena con su hermano Bombur, quien es a menudo el objeto de burlas por su enorme tamaño.


title: Bofur

text: En 2941 T. E. formó parte de la Compañía de Thorin que se embarcó en la misión de la Montaña Solitaria para recuperar el reino Bajo la Montaña de las manos de Smaug "el Dorado". Se unió a la compañía en busca de fortuna, también (se rumorea) porque le dijeron que había cerveza gratis. Se presentó ante el hobbit Bilbo Bolsón con una capucha dorada y tocando el clarinete, junto a Bifur, amén de comer mucha tarta de carne picada y de queso.


title: Bofur

text: Fue el que resultó menos dañado en el viaje de los barriles por el río del Bosque, aunque estuvo incapacitado de moverse por un largo tiempo, debido al entumecimiento. Una vez recuperado el reino se quedó a vivir allí.


title: Bofur

text: En las películas de Peter Jackson, Bofur es interpretado por James Nesbitt.


title: La Majada

text: La Majada es el nombre de las siguientes localidades:


title: La Majada

text: En Aregentina


title: La Majada

text: En Chile


title: Domingo Melfi

text: Domingo Melfi Demarco (Viggiano, Italia, 1892, Santiago de Chile, 1946) fue un periodista y escritor chileno.


title: Domingo Melfi

text: Vivió en Chile desde su infancia.


title: Domingo Melfi

text: Su carrera como periodista incluyó cargos de redactor en los diarios El Mercurio, La Nación y El Sur de Concepción. Además fue director de La Nación, de La Zona Central de Talca y de la revista Atenea de la Universidad de Concepción.


title: Domingo Melfi

text: El ensayo, incluida la crítica literaria, conforma la mayor parte de su obra como escritor.


title: Domingo Melfi

text: En 1931 Domingo Melfi fue el primer presidente de la Sociedad de Escritores de Chile. En la película Stefan Zweig: Adiós a Europa, es interpretado en el Congreso de Escritores de 1936 en Buenos Aires.


title: Alfredo Iriarte

text: Alfredo Iriarte Núñez (Bogotá, 1932 -Bogotá 1 de diciembre de 2002) fue un historiador y escritor colombiano, autor de crónicas, revisiones y semblanzas históricas; cuentos, ensayos, anécdotas y novelas. Todo bañado por un lenguaje depurado, no exento de arcaísmos y neologismos, útiles al humor negro, la sátira y la ironía inherentes a su producción literaria.


title: Alfredo Iriarte

text: Nacido en una familia de raigambre bogotana, en 1932. Finalizó sus estudios de secundaria en el Gimnasio Moderno de Bogotá tras ser expulsado por los Hermanos Maristas en 1946 de su colegio anterior. Sus primeros artículos literarios aparecieron en la revista escolar “El Aguilucho”, de aquel plantel. Hizo algunos semestres de Derecho en la Universidad del Rosario, pero pronto se vinculó a la empresa estatal Flota Mercante Grancolombiana y luego en la privada Compañía de Seguros Bolívar, de la cual llegaría a ser vicepresidente.


title: Alfredo Iriarte

text: Ejerció la Dirección del Instituto de Cultura Hispánica. Asimismo, fue vicepresidente de la Academia de Historia de Bogotá. Cabe rescatar que fue también Miembro de número de dicha Academia.


title: Alfredo Iriarte

text: Colaboró con varias publicaciones colombianas y españolas, entre las que se cuentan El Espectador, Diario de Caribe, El Mundo, El País y El Tiempo, las revistas Dinners, Cambio 16 y Credencial Historia, así como con la emisora cultural HJCK.


title: Alfredo Iriarte

text: Sufrió toda su vida la censura. Fue expulsado en 1946 del colegio de los Hermanos Maristas por decir que era comunista. Posteriormente, fue colgado de varios medios por publicaciones que los directores consideraban excesivamente virulentas.


title: Alfredo Iriarte

text: Falleció en Bogotá, a causa de una enfermedad cardíaca.


title: Alfredo Iriarte

text: Iriarte cultivó varios géneros: "crónica histórica, obras satíricas y escritos que incluyen personajes y situaciones fantásticas. De igual manera sobresalió como un agudo escritor costumbrista".


title: Alfredo Iriarte

text: Como autor de varias obras sobre historia y tradiciones bogotanas, cabe destacar su artículo "50 años del asesinato de Jorge Eliécer Gaitán. Mitos en torno a un crimen atroz", en el cual expresa su concepción de como se escribe la Historia:


title: Alfredo Iriarte

text: Acerca de su estilo, dice el crítico literario: Férreo defensor de la lengua española, con su columna "Rosario de perlas", publicada durante varias décadas en el El Tiempo, abogó por el buen uso del vocabulario y la gramática, además de criticar los gazapos o errores históricos y geográficos cometidos por los hoy llamados comunicadores sociales, antes periodistas y locutores. Esta columna, escrita en un lenguaje rico y preciso, se destacó por un estilo cargado de fino humor y sarcasmo.


title: Alfredo Iriarte

text: El mismo año de su muerte, en su reconocimiento a su gran labor, Bogotá decide dar como nombre Alfredo Iriarte a un colegio la sur de la ciudad antiguamente llamado CED LOS CHIRCALES creado hacia 1978 en la localidad de Rafael Uribe Uribe, Zona 18.


title: Registro de pila

text: Un registro de pila es un registro de una CPU de computadora cuyo propósito es mantener la pista de la posición actual de la pila de llamadas. En una máquina de arquitectura basada en acumulador, este puede ser un registro dedicado como el puntero de pila (SP del inglés "stack pointer") de una máquina Intel x86. En una máquina de registro general, puede ser un registro reservado por convención, como el de las máquinas PDP-11 o RISC. Algunos diseños como el Data General Eclipse no tenían ningún registro dedicado para el puntero de pila, pero usaron una dirección de memoria de hardware reservada para esta función.


title: Registro de pila

text: Antes de finales de los años 1960, las máquinas como el PDP-8 y el HP 2100 no tuvieron compiladores que soportaran la recursión. Sus instrucciones de subrutinas, típicamente guardarían la localización actual de la dirección del salto, y después fijarían el contador de programa a la dirección siguiente. Mientras que esto era más simple que mantener una pila, ya que solamente hay una localización de retorno por sección de código de subrutina, de esta manera no podía haber recursión sin un esfuerzo considerable por parte del programador.


title: Registro de pila

text: A diferencia de una máquina de registro, una máquina de pila tiene dos o más pilas. Una máquina de dos pilas (similar a la usada en la implementación del lenguaje Forth), tiene un pila de llamadas, que mantiene información sobre las llamadas a subrutinas en ejecución (que no han retornado) entre otras cosas, y el otro es un pila de parámetros, que mantiene información sobre los parámetros o datos con los que trabajan las subrutinas.


title: Música minimalista

text: La música minimalista es una corriente de música contemporánea actual surgida en la década de 1960 en Estados Unidos, que representa una parte importante de la música clásica en ese país. Surgida como un movimiento underground en los espacios alternativos de San Francisco, pronto se empezó a oír en los lofts de Nueva York hasta llegar a ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En sus inicios involucró a decenas de compositores, a pesar de que solo cuatro de ellos lograron relevancia, La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, a los que se unirá más tarde John Adams. Una de las primeras obras minimalistas es "Trio for Strings" (1958), de La Monte Young, aunque la pieza considerada fundadora es "In C" de Riley, compuesta en 1964.


title: Música minimalista

text: La música minimalista a veces se engloba bajo la etiqueta más amplia de música posmoderna y en Francia, la corriente se denomina frecuentemente música repetitiva, y designa más específicamente todas las obras que utilizan la repetición como técnica de composición. En Europa sus mayores exponentes son Michael Nyman, Gavin Bryars, Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Renaud Gagneux, Bruno Letort, Stefano Ianne y Steve Martland.. A veces se incluyen a los llamados minimalistas sacros —Henryk Górecki, Arvo Pärt, John Tavener, Alan Hovhaness—, en los que se acentúan los rasgos espirituales, religiosos o místicos de la música, e incluso a otros compositores, generalmente incluidos en la New Age, que solamente comparten un cierto enfoque como Wim Mertens, Yann Tiersen y Ludovico Einaudi. El año 1976, retrospectivamente, será un momento cumbre del minimalismo como conjunto con la coincidencia de estrenos de "Music for 18 Musicians" de Reich, de las óperas "Einstein on the Beach" de Glass y de "De Staat" de Andriessen, de "Für Alina" de Pärt y de la Tercera Sinfonía de Górecki, piezas todas que aportaran un «soplo de aire fresco» en el mundo de la música clásica del siglo XX.


title: Música minimalista

text: Más que un retorno a la tonalidad, la corriente se caracteriza principalmente por el uso de una pulsación regular y por la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células, que evolucionan lentamente confiriéndole una apariencia estática. Más allá de un movimiento de reacción al serialismo, entonces dominante en Europa, la música minimalista marca el surgimiento de una música estadounidense innovadora, desligada de sus lazos europeos. Los compositores minimalistas también han operado un regreso hacia más emoción musical, en lugar del enfoque esencialmente intelectual de la música serial, o de la aproximación conceptual de la música experimental como la practicada por John Cage. Tras unos inicios difíciles fuera de los circuitos tradicionales de la música clásica, la música minimalista ha conseguido el apoyo de un cierto público, en ocasiones procedente de universos diferentes como el jazz, el rock, las músicas improvisadas o la música electrónica. La televisión y el cine han utilizado ampliamente esta música, especialmente las obras de Philip Glass, contribuyendo a su difusión entre el gran público. También se han expresado violentas críticas desde el mundo musical hacia la corriente minimalista, acusándola de producir una música de consumo, superficial y sin alma.


title: Música minimalista

text: No está claro cuándo se originó el término «música mínima(l)[ista]» ("minimal music"). Steve Reich ha sugerido que es atribuible a Michael Nyman, una afirmación que dos estudiosos, Jonathan Bernard y Dan Warburton, también han hecho por escrito. Philip Glass cree que fue Tom Johnson quién acuñó la frase.


title: Música minimalista

text: El término música minimalista se utiliza generalmente para designar a una corriente de música contemporánea que apareció en la década de 1960 en los Estados Unidos con los compositores La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich y Philip Glass. El movimiento se desarrolló principalmente en las dos regiones de Estados Unidos tradicionalmente más abiertas a las innovaciones artísticas y a las influencias de culturas no europeas: Nueva York y la Costa Oeste. El minimalismo también tuvo seguidores en Gran Bretaña (Michael Nyman, Gavin Bryars), Países Bajos (Louis Andriessen), Francia (Renaud Gagneux, Bruno Letort), pero sigue siendo sobre todo un fenómeno estadounidense.


title: Música minimalista

text: El término se usa a veces de manera más general para incluir a ciertos compositores de música experimental o de música posmoderna. En particular, Arvo Pärt y Henryk Górecki son a veces calificados como compositores minimalistas, aunque tienen preocupaciones muy diferentes de las de los repetitivos estadounidenses.


title: Música minimalista

text: La música minimalista supuso una ruptura con las vanguardias y un retorno a la música tonal, o en ocasiones modal. También se caracteriza generalmente por un cierto despojamiento y una economía de medios. Dependiendo de los compositores, se utilizan diversas características: el recurso a procesos sistemáticos de composición, estructuras repetitivas y una pulsación regular para los repetitivos estadounidenses; una influencia de la música religiosa y de la Edad Media para Arvo Pärt y Henryk Górecki; el regreso a ciertas formas clásicas (cuarteto, sinfonía...) para John Adams.


title: Música minimalista

text: El año 1976, retrospectivamente, fue un momento cumbre del movimiento minimalista en su conjunto con la coincidencia de estrenos de "Music for 18 Musicians" de Reich, de la ópera "Einstein on the Beach" de Glass, de "De Staat" de Louis Andriessen, de "Für Alina", la pieza fundamental del estilo tintinnabuli de Arvo Pärt y de la Tercera Sinfonía por Henryk Górecki. Todas estas obras tienen en común, además de la fecha de sus estrenos, que representan un fulcro en la carrera de sus compositores, ya sea por ser la culminación de un trabajo teórico o por constituir el inicio de un nuevo estilo de escritura que aportara un «soplo de aire fresco» en el mundo de la música clásica del siglo XX.


title: Música minimalista

text: La música contemporánea de los años 1950-1960 estaba dominada por el serialismo integral y por la vanguardia europea en torno a Pierre Boulez, Luigi Nono, Bruno Maderna, Luciano Berio, Karlheinz Stockhausen... Los compositores estaban experimentando con las nuevas tecnologías electrónicas y así sentaban las bases de la música electrónica y de la música concreta, bajo el impulso en particular de Pierre Schaeffer, Stockhausen y Pierre Henry.


title: Música minimalista

text: En Estados Unidos era la figura de John Cage la que dominaba, con un enfoque esencialmente conceptual, cercano al "happening", con la indeterminación como hilo conductor. También fue la época de la creación del movimiento artístico Fluxus, destinado a traspasar los límites de la noción misma de obra de arte, que también influyó en los minimalistas. Los años 1950-1960 también vieron el nacimiento y desarrollo bajo la influencia de John Coltrane y de Ornette Coleman, del free jazz, que marcó particularmente a los compositores estadounidenses de la época.


title: Música minimalista

text: La música popular tampoco puede ignorarse en el contexto musical. El surgimiento de la dominación del rock, el descubrimiento en Occidente de la música extra-occidental, y en particular la música india, también ejercieron una influencia sobre los minimalistas.


title: Música minimalista

text: El origen del término «minimalista» para calificar la corriente minimalista sigue sin estar claro. La paternidad se atribuye generalmente al compositor británico Michael Nyman en su libro de 1974 "Experimental Music: Cage and beyond" Sin embargo, ya en 1968 Nyman mismo había utilizado el término «minimal» en un artículo titulado "Minimal Music", sobre el trabajo de los compositores Cornelius Cardew y Henning Christiansen. El término «minimalista» será más tarde utilizado por Nyman para describir no sólo a la corriente estadounidense, sino también a la producción de la música experimental inglesa (incluidos los compositores Gavin Bryars, Christopher Hobbs, Michael Parsons...).


title: Música minimalista

text: Ya en 1965, la historiadora del arte Barbara Rose había llamado a la obra "Dream Music" de La Monte Young, a las dinámica característicamente suaves de Morton Feldman, y a varios compositores no nombrados «todos, en mayor o menor grado, en deuda con John Cage» como ejemplos de «arte mínimo», pero no utilizó específicamente la expresión «música mínima».


title: Música minimalista

text: El crítico musical y compositor Tom Johnson, uno de los pocos compositores que se autoidentifica como minimalista, también reclama haber sido el primero en usar la palabra al en marzo de 1972 en relación con la crítica de un concierto de Alvin Lucier para "The Village Voice" .


title: Música minimalista

text: Johnson utilizará el término minimalista para describir las composiciones de Steve Reich, pero el vocabulario era cambiante y, a veces, él mismo utiliza «música hipnótica». En 1977, el periodista escribió un artículo titulado "What is Minimalism really about?" en el que el término «música minimalista» estaba ya bien establecido. También se encuentran los términos de "pulse music", "systems music", "process music", "trance music", "hypnotic music", o en francés, música repetitiva, que es ampliamente utilizado en Francia, y es el término que Steve Reich encuentra el «menos malo».


title: Música minimalista

text: El adjetivo minimalista, y más aún el adjetivo "minimal" (mínimo), introduce confusión sobre la naturaleza de la música minimalista. Aunque esta última utiliza material musical parsimonioso y una cierta economía de estructuras musicales, el término describe mal la naturaleza de la música. De hecho, las piezas pueden ser muy largas, requerir un gran número de músicos y la orquestación puede ser bastante compleja. También puede percibirse como peyorativo, en el sentido de que la «música mínima» sería inferior a la «música normal» y habría requerido poco esfuerzo de trabajo de composición. Otra confusión surge del hecho de que el minimalismo es un término tomado de los historiadores del arte, y que la música minimalista no siempre comparte similitudes con el minimalismo de las artes visuales.


title: Música minimalista

text: Los compositores generalmente no están del todo satisfechos con la apelación. Solo La Monte Young encuentra adecuado el término, y solamente para sus primeras obras. Philip Glass prefiere el término «música sin intención» o «música de estructura repetitiva».


title: Música minimalista

text: Los antecedentes de la música minimalista se pueden rastrear en ciertas obras de Erik Satie, en particular a través de su uso de la forma repetitiva en "ostinato", visto como una «superación extática del tiempo en la repetición, en la obsesión contemplativa del mismo» y que sirve de base a varias composiciones. La "Première Gnossienne" (1890) fue la primera pieza que escribió según un esquema repetitivo, que experimentó más adelante con su pieza mística "Vexations" (1892-1893). Esta última consiste en repetir 840 veces seguidas un mismo motivo, pudiendo alcanzar la duración de la pieza unas veinte horas. "Vexations" se representará por primera vez por iniciativa de John Cage en 1963 en Nueva York, es decir, en los años del nacimiento del minimalismo. Meredith Monk, a menudo asociada con la corriente minimalista, participará en una representación de "Vexations" en un festival de Satie en 1966, y Gavin Bryars y Christopher Hobbs harán lo mismo en Leicester en 1971.


title: Música minimalista

text: Satie es citada por los minimalistas como una referencia, en particular por Steve Reich. También se le rinde un homenaje en forma de guiño con la composición de Philip Glass, "Piece in the Shape of a Square", una referencia a "Trois Morceaux en forme de poire", así como sus obras "Music with Changing Parts" y "Einstein on the Beach" utilizan una forma de progresión de movimientos en arco de tipo ABCBCA previamente utilizado por Satie. Para Michael Nyman, Satie es «indispensable por varias razones», y lo considera el único compositor pre-experimental cuya obra es indispensable.


title: Música minimalista

text: De forma más sorprendente, Anton Webern, alumno de Arnold Schoenberg y miembro de la Segunda Escuela de Viena, también ejerció una influencia en el movimiento minimalista. En particular sobre La Monte Young, que cita las secciones estáticas de las "Six Bagatelles pour quatuor à cordes" (1913) y la "Symphonie, op. 21" (1928) como las obras que le ayudaron mucho a hacer la transición entre el serialismo y el minimalismo. El hecho de que Webern sea también una gran influencia del post-serialismo que se desarrolló al mismo tiempo en Europa, pero con concepciones musicales radicalmente diferentes, es a veces señalado como «paradójico» por los musicólogos.


title: Música minimalista

text: Figura del serialismo y de la escuela de Darmstadt, Karlheinz Stockhausen, tuvo sin embargo vínculos con el movimiento minimalista. Obras como "Stimmung", "Mantra" e "Inori" utilizan un material minimalista y yn tiempo expandido. La Monte Young también irá a estudiar con Stockhausen en Darmstadt, y lo considerará en ese momento como el más grande compositor vivo. Terry Riley también tuvo un gran interés en las obras de Stockhausen, en particular en las complejidades rítmicas de "Zeitmasze", así como en Arnold Schönberg.


title: Música minimalista

text: De manera más general, todos los minimalistas han estado expuestos al serialismo, Steve Reich en tanto que estudiante en el Mills College, quien inmediatamente sintió que tenía que alejarse de él lo antes posible, o Philip Glass, quien compuso obras atonales hasta los 18 años antes de cambiar de estilo.


title: Música minimalista

text: John Cage ejerció una gran influencia en los años de nacimiento del minimalismo. El compositor más importante de la música experimental y de vanguardia en los Estados Unidos, sus ideas tuvieron repercusiones, directa o indirectamente, en la obra de los minimalistas. Algunas de las piezas de Cage pueden parecer ligadas al minimalismo, en particular sus primeras composiciones, o el famoso "4′33″" que data de 1952, la composición más mínima posible, ya que se compone únicamente de silencio. Sin embargo, Cage fue muy crítico con el minimalismo y su técnica preferida, la indeterminación (o la no intención), es decir, el uso de la aleatoriedad, en las obras o en el propio proceso de composición, será fuertemente rechazada por los minimalistas.


title: Música minimalista

text: En su libro "Experimental Music: Cage and beyond", Michael Nyman plantea claramente el minimalismo en un contexto post-Cage, en tanto que una reacción a la indeterminación querida por este último. Sin embargo, los musicólogos han observado similitudes con el trabajo de Cage, sobre todo en el interés por la estructura más que por el material, en el hecho de que la música se crea a través de procesos compositivos y en una expresión musical que evita anteponer la personalidad del compositor, apoyándose en la experimentación para ir más allá de la imaginación del compositor.


title: Música minimalista

text: Otro compositor estadounidense de la generación de Cage vinculado a los minimalistas es Morton Feldman. Feldman también utilizaba la indeterminación y el azar en sus obras, pero se sentóa atraído por los sonidos sostenidos y los paisajes sonoros calmados y planos. Aunque generalmente no se le considera un minimalista, algunas de sus piezas, particularmente "Piece for Four Pianos" (1957), pueden aproximarse a las piezas posteriores de Steve Reich que utilizan el decalage de fase. Reich también reconocerá su admiración por Feldman.


title: Música minimalista

text: En las décadas de 1950 y 1960, Europa occidental y Estados Unidos descubrieron las músicas extra-occidentales. Estas músicas generalmente basadas en los modos tendrá influencia en todos los compositores minimalistas.


title: Música minimalista

text: Viviendo en la Costa Oeste, La Monte Young descubrió la música india en 1957 en el campus de UCLA. Cita a Ali Akbar Khan (sarod) y Chatur Lal (tabla) como particularmente influyentes. La música india tendrá una influencia determinante en Young, y en particular en el descubrimiento del tambura, que aprendió con Pandit Prân Nath. El papel de pedal de la tambura fascinaba a Young, y condujo su interés hacia los sonidos de larga duración. Young también reconoce la influencia de la música japonesa y en particular del gagaku. Esa influencia se ejerce en la pieza considerada como partida de nacimiento del minimalismo, "Trio for Strings" (1958).


title: Música minimalista

text: Terry Riley descubrió las músicas extra-occidentales durante su estancia en Europa, en particular la música marroquí, así como la música india, a través de La Monte Young. También colaboró con Prân Nath para el disco "Music from Mills" (1986).


title: Música minimalista

text: Para Steve Reich, fueron los cursos de William Austin en Cornell los que lo introdujeron en las músicas del mundo. Austin hacía que sus estudiantes escucharan música africana y música balinesa, lo cual era bastante raro para la época. Por recomendación de Gunther Schuller, Reich estudió el libro "Studies in African Music" de Arthur Morris Jones, que le causó una fuerte impresión. En 1970, decidió ir a estudiar durante el verano las percusiones en Ghana, lo que tendrá el efecto de confirmar sus intuiciones sobre la riqueza sonora de los instrumentos acústicos (a diferencia de los instrumentos electrónicos) y su fuerte interés por la percusión. La pieza "Drumming" (1971) es en parte el resultado de ese viaje. Los músicos Russell Hartenberger y Robert Becker de Nexus, miembros regulares del conjunto instrumental de Reich, también estudiaron los tambores africanos. Durante los veranos de 1973 y 1974, Reich también fue a estudiar el gamelan balinés en la Costa Oeste de los Estados Unidos. Reich declaró en 1973 que «La música no occidental es actualmente la principal fuente de inspiración de nuevas ideas para los compositores y músicos occidentales».


title: Música minimalista

text: Para Philip Glass, fue su encuentro con Ravi Shankar en París en 1965 lo que lo introdujo en la música india. En ella descubrió un principio de acumulación de pequeñas unidades musicales para formar otras más grandes, lo que influiría fuertemente en su forma de componer. Glass también hará muchos viajes a la India en diferentes partes del país para descubrir su música y su cultura.


title: Música minimalista

text: El jazz era de gran importancia para los minimalistas. Todo ellos reconocen su influencia, y en particular el jazz modal de John Coltrane, el free jazz y Ornette Coleman.


title: Música minimalista

text: La improvisación era fundamental para Terry Riley, como lo era en La Monte Young. Este último era saxofonista y tenía experiencia en el jazz como instrumentista, ejercida principalmente durante sus años de bachillerato y de universidad. En Los Ángeles, tocó en big bands y en pequeños grupos, en particular con Eric Dolphy, Don Cherry, Billy Higgins, y planeaba dedicarse al jazz. La influencia del jazz es claramente visible en sus obras, especialmente en su interpretación del saxofón sopranino, o su interés por las formas de improvisación. Riley por su parte era pianista, había estudiado ragtime con Wally Rose y se ganó la vida tocando mientras era estudiante universitario y mientras estaba en Francia. Riley también quedó impresionado por John Coltrane, lo que inspiró, entre otras cosas, su aprendizaje del saxofón soprano.


title: Música minimalista

text: Para Steve Reich, el jazz también fue una influencia significativa. Reich era baterista de formación y había actuado en grupos de jazz en la escuela secundaria y en la Universidad de Cornell. Estaba extremadamente marcado por John Coltrane, iba a verlo muy a menudo en conciertos y cita los álbumes "My Favorite Things" y "Africa/Brass" como particularmente influyentes. Para Reich, era impensable que su música pudiera haber visto la luz sin el jazz, en particular el ritmo, la flexibilidad y el sentido melódico del jazz, que le parecían influencias fundamentales.


title: Música minimalista

text: A diferencia de sus colegas, Philip Glass, de formación musical más exclusivamente clásica, no ve el jazz como una de sus influencias, aunque reconoce haber estado fascinado por el free jazz de Ornette Coleman y de John Coltrane.


title: Música minimalista

text: El movimiento minimalista apareció en la década de 1960 con la obra de La Monte Young y de Terry Riley, considerados los precursores. Luego Steve Reich y Philip Glass ampliarán sus ideas y desarrollarán procesos de composición que demostrarán ser muy fructíferos.


title: Música minimalista

text: Sin embargo, el minimalismo sólo concierne a una parte de las obras de esos compositores, y se considera que el minimalismo, tal como se define generalmente, finaliza a mediados de la década de 1970. A partir de esta fecha, los compositores integran elementos musicales más ricos, más melodía y armonía, incluso contrapunto. La incorporación de estos elementos, sin romper con su trabajo anterior, trajo una clara evolución. A veces se habla de post-minimalismo, en particular para John Adams. Philip Glass dice explícitamente que, para él, el minimalismo se terminó en 1974, debido a su plena implicación en el «teatro musical» a partir de esa época.


title: Música minimalista

text: Otras personalidades, a veces llamadas «minimalistas místicos», como Arvo Pärt, que apareció a finales de la década de 1970, no son por otra parte los herederos directos de los repetitivos estadounidenses, sino que también se incluyen bajo la bandera del posminimalismo, o más en general del posmodernismo.


title: Música minimalista

text: Algunos de los compositores más prominentes de la música minimalista son John Adams, Louis Andriessen, Philip Glass, Ludovico Einaudi, Michael Nyman, Yann Tiersen, Meredith Monk, Steve Reich, Terry Riley, La Monte Young, Marian Zazeela, etc. La lista puede crecer o disminuir en función de las definiciones que se hagan de la música minimalista, y estas dependen en gran medida de la instrumentación de la estructura, en las primeras etapas las composiciones de P. Glass y S. Reich tendían a ser muy austeras, con un pequeño intento de embellecer el tema musical principal, las composiciones en estos momentos eran pequeñas realizaciones instrumentales (en las que los propios compositores eran los ejecutores), en algunos casos como el de Glass elaborados con órganos, alientos— particularmente saxofones; inclusión de vocalistas, en el caso de Reich el empleo de mazos e instrumentos de percussion. (Los trabajos son planteados para una combinación de instrumentos particular: una pieza de Reich, para remarcar esta característica se denomina "seis pianos" - "Six Pianos",fue compuesta justamente con estas características.) En los trabajos de composición de Adams, por ejemplo, se nota la influencia de la música clásica y sus composiciones son más orquestales, cuartetos de cuerda, incluso solos de piano; existen apariciones de coros minimalista en sus composiciones, pero existe una filosofía más tradicionalista en su diseño y una diversisdad estilística detrás de sus diseños de música minimalista, según una frase de Adams su trabajo es tan invariable a lo largo del tiempo en el uso de los elementos esenciales y de los instrumentos que, por sí mismo, puede denominarse como otro trabajo minimalista.


title: Música minimalista

text: La relevancia del movimiento minimalista hizo que existieran otros epónimos en otras áreas del arte, como por ejemplo en la escultura, la arquitectura, etc. en todos ellos lo "simple" y lo repetitivo aparece como expresión de lo "mínimo", lo "obvio" en las formas, lo "geométrico" y siempre evitando lo decorativo. La música de Reich y Glass pronto fue relacionada con las exposiciones de las galerías de arte y museos de arte moderno debido a que era una forma de patrocinar la música, de esta forma las obras de arte se presentaban integradas, algunos compositores como Sol LeWitt se hicieron prominentes en esta operación. Un aspecto que posee la música minimalista con respecto al resto de las artes minimalistas es su ausencia (al menos conceptual) de variaciones decorativas.


title: Música minimalista

text: En el año 1960, Terry Riley escribió una composición para un cuarteto de cuerda en un puro Do mayor. En el año 1963 Riley compuso dos trabajos de música electrónica empleando el retraso de las grabadoras electrónicas, "Mescalin Mix" y "The Gift", que imbuyeron en el minimalismo la idea de la repetición.


title: Música minimalista

text: En los años 1965 y 1966 Steve Reich produce tres composiciones —"It's Gonna Rain" y "Come Out" para casete, y "Piano Phase" para actuaciones en directo que introducen la idea de desplazamiento de fase, es decir, son melodías con frases musicales casi idénticas pero desplazadas en el tiempo, y que poseen además diferentes velocidades de ejecución la una con respecto a la otra.


title: Música minimalista

text: Comenzando en el año 1968 con la composición "1+1", Philip Glass escribió una serie composiciones que incorporaban el proceso aditivo (basado en secuencias como 1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4) en un repertorio de técnicas minimalistas; estas composiciones incluían "Two Pages", "Music in Fifths", "Music in Contrary Motion", y otros. Llegado a este punto la música minimalista comenzó su andadura.


title: Música minimalista

text: Glass fue influenciado por Ravi Shankar y la música india desde el tiempo en que Shankar le asignó una transcripción de música a notación occidental. Glass se dio cuenta de que en Occidente el tiempo se divide como una "rebanada de pan"; los indios y otras culturas toman pequeñas unidades y las unen.


title: Música minimalista

text: En general, se considera a La Monte Young como el iniciador del movimiento minimalista, en particular con su pieza "Trio for Strings" (1958). Young estaba en esa época inspirado por Webern y creó un universo sonoro casi estático con notas largas sostenidas durante varios minutos y muy poca evolución. Esta pieza también servirá de base a Young para su futuro trabajo sobre los pedales, y es uno de los orígenes del llamado movimiento musical llamado de drone. Young, sin embargo, siempre compuso utilizando el sistema dodecafónico de 12 tonos, aunque se diferencia de él por el uso de notas sostenidas y prefiere los intervalos basados en acordes perfectos y séptimas mayores. "Trio for Strings" produce música que no asemeja a ninguna otra de la época, creando una atmósfera meditativa, «de otro mundo». Fue Terry Riley quien introdujo dos elementos fundamentales del minimalismo: el retorno a la música tonal y la repetición de motivos musicales. En "String Quartet" (1960), Riley se acerca a la tonalidad, siempre inspirándose en gran medida en La Monte Young, con el uso de largas notas sostenidas. Fue en "String Trio" (1961) donde Riley introdujo por primera vez una estructura basada en la repetición de motivos. El uso de la repetición proviene en parte de las experimentaciones que Riley realizaba entonces con cintas magnéticas en el San Francisco Tape Music Center.


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text: Pero fue sobre todo "In C" (1964) la obra que marcó una etapa importante en la definición de la música minimalista. El título puede verse como particularmente provocador para la vanguardia serial, ya que anuncia un retorno a la música tonal, en la tonalidad más simple posible, Do mayor "In C" está escrito para cualquier número de músicos e instrumentos. La pieza comporta 53 motivos musicales, que cada intérprete repite tantas veces como desea, siguiendo unas recomendaciones. "In C" generalmente se considera la obra fundacional del minimalismo, que incluye ya todos sus elementos: pulsación regular, música tonal y un conjunto de cortos motivos repetidos, elementos que crean un universo musical por derecho propio. La obra fue grabada por Columbia Records, que lanzó un disco en 1968. Fue ampliamente distribuido e interpretado, en particular por Toru Takemitsu en Japón y por Cornelius Cardew en Inglaterra.


title: Música minimalista

text: Los experimentos de Riley con las cintas magnéticas e "In C" tuvieron una influencia fundamental sobre Steve Reich. Reich mismo participó en el estreno de "In C" como músico, y reconoció que la pieza, al reunir elementos de la música africana, aportes de John Coltrane y las repeticiones de las cintas magnéticas, le ayudó mucho a encontrar su propia voz, en particular, para "It's Gonna Rain" (1965). Reich desarrolló a partir de esta pieza una técnica llamada desfase/fase. Aplicada primero a las cintas magnéticas, el compositor experimento luego la técnica con instrumentos acústicos, que dará en particular las piezas "Piano Phase" (1967) y "Violin Phase" (1967). Reich continuara utilizando el proceso de cambio de fase hasta 1971 y "Drumming" (1971), considerada como una obra de transición. El término «música de fase» se utiliza a veces para designar a la música escrita a partir de esta técnica que en la obra del compositor constituye su período llamado «minimalismo precoz». Después de este período, Reich se alejó de las simples técnicas de "phasing" para escribir obras más ambiciosas en términos de efectivos instrumentales, de duración y de técnicas, desarrollando principalmente su investigación hacia la armonía y la pulsación rítmica. Este período llamado de «minimalismo maduro» culminó con las piezas "Music for 18 Musicians" (1976) o "Music for a Large Ensemble" (1978). Un tercer período de composición comenzará con piezas como "Tehillim" (1981) pero especialmente "The Desert Music" (1984) y "Different Trains" (1988) que están marcadas tanto por el uso de la voz y del habla como soporte de escritura de una «melodía del discurso» como también por el claro compromiso filosófico y espiritual del compositor en sus posteriores composiciones.


title: Música minimalista

text: Philip Glass, después de un período de prueba y error en su investigación estilística de finales de la década de 1960, caracterizado por el uso simple de procesos de repetición/acumulación asimilados de su trabajo con el músico de la India Ravi Shankar (como en "Two Pages" y "Music in Fifths"), logró un gran avance en términos de timbre y de armonía con la composición "Music with Changing Parts" (1970) que marca el inicio de sus composiciones del llamado «minimalismo maduro». Continuará en esta dirección con la culminación de sus nuevas bases de escritura en la pieza "Music in Twelve Parts" (1974). Un punto de inflexión en su carrera se produjo en 1973 con el encuentro con el director de escena Bob Wilson quien le pidió que compusiera la música para la ópera-maratón "Einstein on the Beach" (1976). Esta obra constituirá la primera parte de su famosa trilogía lírica, completada por "Satyagraha" (1980) y "Akhnaten" (1984), donde aparecen progresivamente los motivos temáticos tan característicos de las composiciones de Glass. A partir de mediados de la década de 1980, avanzó hacia la escritura masiva de seis cuartetos de cuerda, nueve sinfonías y seis conciertos, variando los temas y los ritmos que pasaron a representan su marca registrada, inmediatamente identificable, pero alejándose de cualquier nueva investigación formal dentro del movimiento minimalista. Ganó a cambio popularidad entre el público en general, en particular gracias al mundo de la música pop y del cine que utiliza en gran medida sus creaciones más o menos originales, a diferencia de Steve Reich, que es una autoridad y figura de referencia en el mundo de la música clásica.


title: Música minimalista

text: Muchos otros compositores participaron en el desarrollo de la música minimalista en la ciudad de Nueva York en las décadas de 1960 y 1970. Philip Glass insiste particularmente en el hecho de que había una gran vitalidad y variedad de ideas, a las que contribuyeron fuertemente Meredith Monk, Frederic Rzewski, Pauline Oliveros, James Tenney, Charlemagne Palestine, Terry Jennings, Philip Corner, David Behrman, Jon Gibson, Phill Niblock, Rhys Chatham e Ingram Marshall. Glass lamenta que esos compositores no se hayan beneficiado de la misma exposición mediática que él o Steve Reich. Aparte de esa comunidad neoyorquina, en Europa se desarrollan obras que se acercan al minimalismo o que se inspiran directamente en las obras de los estadounidenses: Louis Andriessen en los Países Bajos, Gavin Bryars y Michael Nyman, en Gran Bretaña, Renaud Gagneux y Bruno Letort en Francia.


title: Música minimalista

text: El posmodernismo musical es una actitud de rechazo contra el aislamiento y el hermetismo del post-serialismo, los compositores posmodernos reivindican el mestizaje y la mezcla y fusión de formas a través de la técnica del collage, del préstamo y de la cita. Allá donde el post-serialismo tuvo que hacer «tabla rasa del pasado» para usar la expresión de Pierre Boulez, el posmodernismo lo toma como referencia. Así como John Adams considera que su música se alimenta «... no solo del minimalismo sino de Alban Berg, de Stravinsky, del rock'n roll, de la música árabe, la judía, etc.». A través de su retorno a las formas melódicas y tonales, al uso del lenguaje repetitivo, al recurso del collage y de la cita, en todas estas características el minimalismo es la corriente más radical del posmodernismo en su ruptura con el post-serialismo.


title: Música minimalista

text: El posminimalismo concierne también a los primeros compositores minimalistas. Tras "Drumming" (1971), Reich enriqueció la instrumentación de sus piezas e hizo evolucionar sus métodos rítmicos y armónicos hacia una mayor complejidad. Asimismo, Philip Glass comenzó a componer para el «teatro musical» y la ópera a partir de 1974, con inquietudes que se alejaban del minimalismo, en particular por la utilización de la armonía como para la ópera "Einstein on the Beach" (1976) que marca esa evolución. El posminimalismo, por tanto, se desmarca del minimalismo siendo menos radical y experimental.


title: Música minimalista

text: Estos compositores a veces se agrupan y se asocian con el movimiento minimalista debido a su uso de ciertos principios compositivos de este estilo (repetición, largos sonidos sostenidos, silencios, una cierta simplicidad) y de una influencia religiosa cristiana o espiritual abiertamente reivindicada en sus vidas y en sus composiciones. Alan Hovhaness es visto a veces como un precursor de esta tendencia, pero son sobre todo el estonio Arvo Pärt, el polaco Henryk Górecki y el británico John Tavener quienes generalmente se asocian con los «minimalistas místicos». De una manera más general, Giya Kancheli y Sofia Gubaidulina en ocasiones también se retienen en esta rama del minimalismo.


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text: Las obras de Pärt y Górecki se caracterizan por el uso de la tonalidad, de un material musical simple utilizado frecuentemente de manera repetitiva, y de una composición influenciada por compositores de la Edad Media y el canto llano gregoriano. Ambos, fuertemente marcados por la represión política y espiritual en sus países bajo un régimen comunista, comenzaron a componer en la década de 1960 en estilo neoclásico antes de orientarse hacia el serialismo provocando su censura por parte de las autoridades. Pärt luego recurrió a una música del silencio y de la contemplación al componer "Für Alina" (1976), "Fratres" (1977) y "Spiegel im Spiegel" (1978), obras fundadoras de este movimiento interno en el minimalismo que van a sentar las bases de un estilo específico que él describe como tintinnabulum. Este estilo se caracteriza por el uso simultáneo de dos voces, una arpegeando sobre una tríada tónica denominada «tintinnabulante» y la otra reposando sobre un bajo que evoluciona de forma diatónica. Su trabajo se orienta entonces hacia la escritura casi exclusiva de música sacra, la mayoría de las veces coral, desarrollando una «luminosidad de los cantos». Górecki por su parte hace su transición entre la música serial y el minimalismo sacro en 1976 en particular con la escritura de su "Tercera Sinfonía" que tendrá un gran impacto unos años después en Europa Occidental y Estados Unidos, estableciendo así su notoriedad internacional.


title: Música minimalista

text: El conjunto de obras clasificadas como música minimalista dista mucho de tener una unidad de estilo o de tener características musicales de hecho idénticas. Aunque una clasificación es siempre reductiva, se acepta generalmente que la estética de la música minimalista se basa en tres características:Sin embargo, esto aglutina trabajos con perfiles muy diversos, y con el uso de diferentes técnicas musicales. Asimismo, las obras de los compositores llamados minimalistas no pueden todas ser consideradas como minimalistas, en particular las últimas obras de Steve Reich y de Philip Glass, o las primeras piezas (a menudo no musicales) de La Monte Young.


title: Música minimalista

text: Los pioneros del minimalismo La Monte Young y Terry Riley experimentaron con una amplia variedad de técnicas de composición. La Monte Young produjo en particular obras muy diversas: piezas inspiradas en el serialismo y Webern, piezas conceptuales cercanas a John Cage, grupos de improvisación inspirados en la música india y en el jazz, piezas basadas en su investigación formal sobre los gamas naturales. Terry Riley fue mucho más empírico, experimentando con cintas magnéticas y utulizó mucho la improvisación.


title: Música minimalista

text: A finales de la década de 1950, La Monte Young utilizó el serialismo de forma indirecta para crear un nuevo estilo, compuesto por largos períodos cuasiestáticos, compuestos por largas notas sostenidas. La elección de los intervalos también hace que sus composiciones sean características. Desde 1957 y "Variations pour alto, flûte, basson, harpe et trio à cordes", Young usó principalmente cuartas y quintas, así como séptimas mayores, que se pueden encontrar en muchas composiciones como "for Brass" (1957). y especialmente "Trio for Strings" (1958), considerada la pieza principal del período minimalista de Young.


title: Música minimalista

text: El lenguaje armónico de Young está construido en parte sobre esos intervalos, así como en la evitación de la tercera mayor, que según sus propósitos, no conseguía expresar los sentimientos que deseaba. Young aísla cuatro acordes que él llama «Dream Chords» que se convierten en la base de su lenguaje armónico. El abandono de la tercera mayor recibe entonces una justificación teórica con su investigación formal sobre las escalas naturales. Desde 1961, La Monte Young utiliza la improvisación en el saxofón sopranino, repitiendo secuencias modales a gran velocidad, acompañadas de un pedal, donde se percibe la influencia de John Coltrane y de la música india.


title: Música minimalista

text: Una parte importante del trabajo de Terry Riley concierne a las cintas magnéticas, en las que se grababa a sí mismo al piano, registraba el habla, la risa, sonidos particulares o programas de radio, y los usaba como un bucle, es decir, en forma de cortos motivos repetidos. Experimentó con varias técnicas para manipular esas cintas, utilizando un dispositivo para generar efectos de eco por repetición retardada, cambiar la frecuencia de los sonidos modificando la velocidad de las cintas, de forma gradual o repentina, cortar al azar trozos de cintas y pegarlos, con la esperanza de generar fenómenos interesantes. Es esencialmente la repetición de motivos lo que está en el centro de los experimentos de Riley, repetición de motivos que él también ha interpretado con instrumentistas, como en "In C" (1964). El enfoque de Riley es más intuitivo y experimental que estructurado, sin embargo el compositor intenta producir una «experiencia abstracta» para el oyente, en la que los sonidos inicialmente reconocibles se deforman poco a poco hasta que ya no son identificables.


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text: Otro característica propia del trabajo de Riley es el énfasis en la improvisación y en el jazz. El compositor usa a veces estándares de jazz, como "Autumn Leaves", y desarrolla un estilo particular de improvisación al piano, influenciado en parte por el ragtime. La mayoría de sus piezas posteriores a "In C" ya no están notadas, y son en parte improvisadas, en parte construidas a partir de un conjunto de motivos musicales preestablecidos, que se repiten a voluntad, como en "Keyboard Study n° 1" y "Keyboard Study n° 2". Los motivos se tocan rápidamente, sin pausas, para obtener un flujo continuo de notas, no acentuadas. Riley también improvisa con el saxofón soprano, sobre todo en "Dorian Reeds" y "Poppy Nogood and the Phantom Band", en el que utiliza motivos repetidos y cintas magnéticas para crear un eco y generar complejos efectos de contrapunto mezclando las voces.


title: Música minimalista

text: Contrariamente al enfoque muy intuitivo de Terry Riley, Steve Reich y Philip Glass definirán procesos de composición rigurosos, que les ayudarán a estructurar sus obras. En general, se considera que Reich es el más dotado y el más riguroso en la definición de tales procedimientos.


title: Música minimalista

text: En su ensayo de 1968, "La Musique comme processus graduel" Reich explica su intención de hacer entender al oyente un proceso musical. Si retoma por su cuenta la idea de composición creada por un proceso, se opone a John Cage, algunas de cuyas composiciones se basan en procesos aleatorios de construcción de la composición. Reich quiere hacer audible el proceso mismo de construcción de la obra. Otro elemento importante de la disociación con Cage es el rechazo de la indeterminación: los procesos de Reich son puramente deterministas, la aleatoriedad no juega ningún papel.


title: Música minimalista

text: Estas ideas conducen a un proceso de composición que Reich llama el «phasing» (cambio de fase en español ). Este proceso de composición, que puede acercarse a la forma clásica del canon, proviene de su trabajo con varios magnetófonos de mala calidad, que poco a poco perdieron su sincronía. El "phasing " se construyen a partir de cortos motivos musicales, repetidos ad libitum por varias voces, y consiste en introducir gradualmente un cambio entre esas voces, creando un desfase. La progresión del desfase entre las voces a medida que avanza la pieza crea nuevas estructuras musicales, complica o simplifica los ritmos y las armonías, dando a entender efectivamente el proceso físico de mezcla de las voces deseado por el compositor. La superposición de voces por desfase es a veces tan compleja que escuchar la pieza puede dar lugar a diferentes percepciones del sonido entre dos personas, e incluso entre dos experiencias de escucha de una misma persona. Desde la obra "Violin Phase" (1967) Reich comienza a explotar lo que él llama los «subproductos psicoacústicos» (o motivos o patrones resultantes) del desfase, es decir, los motivos que se forman espontáneamente mediante la combinación de los motivos de base. También complica la situación al introducir motivos resultantes específicos, para ser interpretados explícitamente por los instrumentistas, que se añaden ocasionalmente a los que forman naturalmente, o de líneas melódicas que no siguen la división temporal de los motivos de base.


title: Música minimalista

text: Los trabajos de Philip Glass también se basan en un proceso de composición sistemática, y audible para el oyente. Glass define a partir de 1968 un proceso basado en la adición/sustración de motivos básicos, que se subdividen en dos o más motivos. La partitura define los motivos y luego solo anota sus extensiones/contracciones. Las figuras resultantes de esa agrupación de motivos deben repetirse un número indeterminado de veces. Asimismo, no se especifican ni la instrumentación ni las dinámicas.


title: Música minimalista

text: A diferencia de Young o incluso de Riley, Reich y Glass rechazan firmemente cualquier interpretación de su música como hipnótica o meditativa, y rechazan cualquier término de «musica trance», considerado peyorativo. Por el contrario, consideran que la escucha debe ser especialmente activa y alerta, para conocer los detalles de los procesos implementados.Una de las principales preocupaciones de los minimalistas es el ritmo. La mayoría de las composiciones tienen un ritmo regular y se construyen entrelazando unidades rítmicas básicas. Esas consideraciones rítmicas están particularmente marcadas en Steve Reich y se llevan a cabo mediante la intermediación de la técnica del "phasing" (cambio de fase). "Drumming" (1971) marca la culminación de la fascinación de Reich por el ritmo, expresada a través del "phasing". En Philip Glass, el trabajo sobre el ritmo está presente desde sus primeras piezas minimalistas utilizando su proceso de composición aditiva, especialmente en la pieza "1+1" (1968).


title: Música minimalista

text: El ritmo es así el primer elemento analizado sistemáticamente por los minimalistas, antes de la reintegración futura de la armonía y la melodía.Los primeros trabajos de los minimalistas son atonales, "Trio for Strings" (1958) de Young, "String Quartet" (1960) de Riley, pese a que la evolución extremadamente lenta y la baja densidad de notas dan una ilusión de tonalidad, eliminando casi todo movimiento. Incluso en "In C", que generalmente se considera como la obra de retorno a la tonalidad, no es estrictamente tonal, sino una composición atonal sin indicación de armadura, aunque la composición es en gran parte diatónica.


title: Música minimalista

text: El abandono paulatino de las cintas magnéticas en favor de los instrumentos acústicos favoreció el desarrollo de la armonía. En Steve Reich, a partir de "Piano Phase", se establece un perfil tonal o modal al inicio de la obra, pero sigue siendo ambiguo. El diatonismo resultante de los procesos de phasing no se eligía a priori, sino que venía impuesto por la experiencia.


title: Música minimalista

text: En Young and Riley, el bajo juega un papel de pedal, inspirados en ello por la música india. Con Steve Reich, no hay bajo y los tonos generalmente pertenecen al registro medio ("Piano Phase" no tiene una nota por debajo de Mi, "Phase Patterns" por debajo de Do). La ausencia de graves produce ciertas ambigüedades que Reich busca conservar, sin saber definirlas con precisión. Del mismo modo, los minimalistas no emplean en absoluto técnicas extensivas de ejecución, que están muy presentes en otras corrientes de la música contemporánea.


title: Música minimalista

text: Las dinámicas suelen variar poco, si acaso lo hacen. El nivel sonoro suele ser muy elevado, por ejemplo en determinadas piezas de La Monte Young, y en Glass, donde se percibe la influencia del rock.


title: Música minimalista

text: La música repetitiva, que se escucha fácilmente, parece engañosamente fácil de interpretar. Los procesos de cambio de fase de Reich requieren una gran concentración por parte de los instrumentistas. Del mismo modo, Glass informa que varios directores de orquesta llegaban a los ensayos sin preparación de las repeticiones y se dieron cuenta demasiado tarde de la dificultad de sus partituras. En ausencia del compositor, las partituras no siempre son fáciles de descifrar para los intérpretes, requiriendo inventiva ante la falta de indicaciones o su falta de claridad. Kyle Gann ha identificado 9 tipologías comunes en el diseño de la música minimalista, ninguna de ellas hace un estilo personal de un compositor por sí sola, pero juntas o en combinación pueden describir estilos de los músicos, o tendencias a lo largo de la historia:La danza, que por naturaleza siempre ha estado íntimamente ligada a las creaciones musicales de su época, no ha escapado a la influencia de la música minimalista, particularmente en torno de la noción y del uso de la repetición. En cierto modo, el origen del impacto de la música minimalista en la danza se remonta a las colaboraciones de John Cage con el coreógrafo estadounidense Merce Cunningham desde principios de la década de 1950 cuando nació la danza moderna. A través de él, Cunningham también conoció a Morton Feldman, quien compuso para él las músicas para sus innovadoras coreografías como "Mélodie sans titre pour Merce Cunningham" en 1968. Además, un grupo compuesto de una parte por las bailarinas Simone Forti, Yvonne Rainer, Trisha Brown y del otro por los compositores Terry Riley y La Monte Young se formó alrededor de Anna Halprin entre 1960 y 1962 para realizar performances en especial en la Judson Church de New York. Sin embargo, fue Trisha Brown quien seguirá explorando el principio de la repetición y la acumulación sucesiva de movimientos coreográficos durante ese período de la danza moderna. Meredith Monk, que también era bailarina, se incorporó posteriormente a ese grupo donde podía combinar tanto su investigación musical como sus creaciones coreográficas en actuaciones orientadas hacia un movimiento más refinado y un cierto trance espiritual.


title: Música minimalista

text: Tras los primeros años del minimalismo, se tejió una estrecha relación entre la danza y este movimiento musical gracias a Lucinda Childs, una de las alumnas de Cunningham, que, tras unir fuerzas con el grupo de Anna Halprin, colaboró intensamente con Philip Glass a finales de la década de 1970 para su ópera "Einstein on the Beach" (1976). Posteriormente interpretó dos de sus coreografías "Dance" (1979) y "Mad Rush" (1981) sobre las composiciones homónimas ("Dance" y "Mad Rush") encargadas al compositor neoyorquino. El trabajo de Lucinda Childs se interesaba por diferentes aspectos de la investigación sobre el minimalismo con una amplia colaboración en el campo de los decorados e imágenes producidas con el artista plástico Sol LeWitt, uno de los campeones del minimalismo pictórico. Twyla Tharp también con frecuencia utiliza las composiciones de Glass a quien encargo su 4ª Sinfonía llamada« Heroes » en 1996 para su ballet homónimo. Del mismo modo, Laura Dean trabajó con Steve Reich entre 1971 y 1975, especialmente en la primera coreografía de la composición "Drumming". Sin embargo, estas coreografías, aunque utilizan elementos repetitivos y decalages, no pueden calificarse del todo de minimalistas, siendo la música el soporte de una creación coreográfica relativamente tradicional y rica.


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text: La influencia directa de la música minimalista en los proceso de creación coreográfica está realmente asociada con el descubrimiento y uso de las obras de Steve Reich por parte de la coreógrafa belga de danza contemporánea Anne Teresa De Keersmaeker, durante sus estudios en la Tisch School of the Arts de New York. De 1980 a 1982, creó su pieza fundadora "Fase, four movements to the music of Steve Reich", en la que teorizó aún más la contribución de la música de fase a la danza al mostrar realmente los principios de "fase/desfase" desarrollados por Reich en sus primeras composiciones "Piano Phase", "Violin Phase", "Clapping Music" y "Come Out". El estrecho vínculo entre De Keersmaeker y la música de Reich se renovará perpetuamente en numerosas creaciones del coreógrafo belga durante las siguientes décadas, en particular con el "ballet Drumming" (1998) sobre la composición homónima "Drumming" y "Rain" (2001) sur "Music for 18 Musicians". Steve Reich compondrá especialmente la pieza "Dance Patterns" en 2002 para la creación "Counter Phrases" de De Keersmaeker, quien a su vez le rindió homenaje al inaugurar las ceremonias neoyorkinas que celebraron el 70.º aniversario del Reich en 2006 con una creación especialmente dedicada titulada "Steve Reich Evening".


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text: Además, el coreógrafo sueco Mats Ek se orientó por un tiempo hacia el «minimalismo místico» al componer en 1995 el dúo "Smoke" para Sylvie Guillem que utiliza las composiciones "Für Alina" y "Spiegel im Spiegel" de Arvo Pärt. Más recientemente, el coreógrafo británico Christopher Wheeldon ha hecho un uso particular de las composiciones de todos los grandes nombres del minimalismo para sus obras escritas en un estilo neoclásico.


title: Música minimalista

text: Los compositores minimalistas han mantenido una estrecha relación con los artistas visuales, en particular con los del movimiento minimalista y del arte conceptual. Steve Reich y Philip Glass tenían muy buena amistad con Richard Serra, Sol LeWitt, Bruce Nauman, Michael Snow o Nancy Graves. Reich escribe su ensayo "Music as a Gradual Process" (1968) que se incluirá en el catálogo de una importante exposición sobre minimalismo junto a sus amigos artistas plásticos en el Whitney Museum en 1969 y durante el cual dio conciertos con Glass. Además, una obra como "Pendulum Music" de Reich en la que participaron Serra, Nauman y Snow como intérpretes fue más una performance que música realmente. Steve Reich reconocerá una «actitud común», entre los artistas plásticos y sus creaciones, caracterizada por el aspecto «geométrico y metafórico» de sus respectivas obras pero no de influencias recíprocas directa. Declaró: «Estábamos nadando en la misma sopa». En 1977, algunos artistas participaron en una venta de sus obras para rescatar deudas resultantes de la edición de "Einstein on the Beach" de Glass. Finalmente, Glass fue asistente personal a tiempo completo de Richard Serra en 1969. Sin embargo, Glass no estableció un vínculo directo entre su trabajo como músico y los trabajos de sus amigos artistas plásticos.


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text: La Monte Young mantuvo algunos vínculos breves con el movimiento Fluxus durante su período de creación de piezas conceptuales. Sus obras de 1959-1961 se interpretaron en los festivales Fluxus, y algunas de sus piezas, incluida "Trio for Strings", fueron publicadas por el movimiento. Sin embargo, Young se alejó de Fluxus en 1963. Por otro lado, trabajó regularmente con su esposa, la artista visual Marian Zazeela, quien proporcionó instalaciones visuales, en particular para "The Well-Tuned Piano" o Theatre of Eternal Music.


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text: El cine y, más en general, el sector audiovisual han tomado prestados desde principios de la década de 1980 las obras de compositores minimalistas como soportes sonoros de películas, documentales, videoarte, comerciales de televisión y de créditos. Philip Glass y Arvo Pärt son sin duda los dos compositores que más permitieron el uso de sus piezas como bandas sonoras para películas, e incluso han compuesto especialmente a petición de un director. Así se deben a Philip Glass las bandas sonoras realmente originales de las tres películas de la "Trilogía qatsi" de Godfrey Reggio (de 1982 a 2002), "" de Paul Schrader (1985) y "Kundun" de Martin Scorsese (1997). También hizo a posteriori la música de la película "Dracula" de 1931 y ha colaborado en numerosas ocasiones con la música de películas y documentales de Errol Morris poniendo a disposición y reorquestando sus composiciones anteriores. Además, Glass también ha trabajado intensamente con el director teatral Bob Wilson para la creación de espectáculos ambiciosos, mezclando ópera, video, teatro, especialmente en "Einstein on the Beach" (1976) o "The CIVIL warS" (1984) encargado para las ceremonias de apertura de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles. En lo que respecta al estonio Pärt, no se trata de composiciones originales para el cine (aunque compuso al comienzo de su carrera muchísimas bandas sonoras pero no en un estilo minimalista) sino de autorizaciones de uso de sus obras.


title: Música minimalista

text: Además, Steve Reich, en numerosas ocasiones, ha trabajado en una relación íntima con su esposa, la videoartista Beryl Korot, en la creación conjunta de una obra integrando desde el momento de su escritura musical el uso de la imagen de video multicanal según el principio de repetición. A partir de esta investigación, que comenzó a principios de la década de 1990, resultó en dos video-óperas ("The Cave" en 1993 y "Three Tales" en 2001) que incluían la representación escénica (por ambos) y la grabación discográfica (solo para la segunda) integran la proyección de los videos asociados.


title: Música minimalista

text: El uso de la repetición como estructura también se utiliza en la música popular, con la publicación en 1967 del disco de la banana de Velvet Underground, el famoso grupo de música pop producido por Andy Warhol. Las ideas provienen directamente del minimalismo, John Cale y Angus MacLise colaboraron con La Monte Young y el Theatre of Eternal Music antes de su participación en Velvet Underground.


title: Música minimalista

text: Gran parte del trabajo de Philip Glass está relacionado con el rock. Se involucró a nivel de producción con el mundo del rock y adquirió una cierta reputación. Su música influirá en algunos grupos de rock experimental, en particular alemanes: Kraftwerk, Cluster o Neu!. David Bowie y Brian Eno también fueron influenciados por Glass, incluso por Steve Reich, y la influencia del minimalismo es claramente perceptible en el movimiento Ambient que creó Eno. Asimismo, el álbum de Eno con Robert Fripp, "No Pussyfooting" (1973) está muy influenciado por "Music with Changing Parts" (1970). Robert Fripp desarrolla en los tres álbumes que marcan el regreso de King Crimson en 1981 —"Discipline", "Beat" y "Three of a perfect pair"— un rock post-progresivo influenciado por el lenguaje minimalista, que mezcló con sonidos new-wave, electrónicos y étnicos.


title: Música minimalista

text: Desde 1976, Glass colaboró con los clubes de rock de Manhattan y el movimiento punk rock y post-punk, especialmente a través del Philip Glass Ensemble. Grupos como Theoretical Girls o compositores como Rhys Chatham también están influenciados por la experiencia de Glass con el rock. En 1995 compuso una versión orquestal de "Icct Hedral" de Aphex Twin, uno de los principales autores de música electrónica. En la década de 1990, Philip Glass se inspirará a cambio en los álbumes "Low" (1976) y “Heroes” (1977) de David Bowie para componer dos de sus sinfonías (Sinfonía n.° 1 y Sinfonía n.° 4 respectivamente) subrayando así las interacciones mutuas recíprocas entre los dos artistas de horizontes diferentes.


title: Música minimalista

text: El minimalismo nació como un movimiento experimental y se desarrolló fuera del mundo tradicional de la música clásica. Los primeros conciertos se dieron principalmente en galerías de arte o en museos, y debian ser organizados por los propios compositores. Fueron sobre todo las grabaciones las que permitirían una amplia distribución de la música minimalista, incluso hasta en Europa, donde la recepción era bastante buena. Además, fue en Europa donde los minimalistas obtuvieron sus primeros grandes signos de reconocimiento, con un encargo del Estado francés para Philip Glass, y un éxito discográfico con una audiencia no restringida a los amantes de la música contemporánea, con la grabación de "Music for 18 Musicians" de Steve Reich, para el sello alemán Edition of Contemporary Music.


title: Música minimalista

text: Entonces se produce una distribución mucho más amplia con la retoma por parte del cine y la televisión del trabajo de los minimalistas, o de la música inspirada en gran medida en ellos.


title: Música minimalista

text: Los primeros conciertos de los minimalistas se desarrollaron fuera del circuito tradicional de representación de la música clásica. Los compositores presentaban sus obras en galerías de arte (Park Place Gallery), en museos (Solomon R. Guggenheim Museum), en casas particulares (loft de Yoko Ono) o en las universidades. Los artistas plásticos estuvieron particularmente abiertos a la música de Philip Glass y de Steve Reich, y reconocerán un parentesco con su propia obra.


title: Música minimalista

text: Los primeros conciertos más oficiales en salas de conciertos de música clásica fueron motivo de escándalos. Una representación de la obra "Four Organs" de Steve Reich en el Carnegie Hall en 1973 provocó protestas públicas por el carácter hipnótico de la obra. Philip Glass sufrió un lanzamiento de huevos durante las representaciones. Durante una gira por Europa con Richard Serra, el público reaccionó desfavorablemente a las obras de Glass, en particular en Ámsterdam.


title: Música minimalista

text: La acogida por la crítica estuvo dividida. Tom Johnson del "Village Voice", y Michael Nyman escribieron críticas positivas de los primeros conciertos, pero también eran compositores cercanos a la corriente minimalista. Otros periodistas fueron mucho más duros, en particular Donald Henahan del "New York Times" sobre los trabajos de Reich. Harold Schonberg del "Times" se sorprendía con un concierto de Terry Riley con "A Rainbow in Curved Air" y "Poppy Nogood and the Phantom Band". El crítico reconocía el carácter hipnótico obtenido por la repetición de motivos, la proximidad a la música india, pero describía el resultado como «monótono y desagradable».


title: Música minimalista

text: La acogida por los músicos también estuvo dividida, La Monte Young fue denigrado por sus profesores y sus piezas eran en gran parte incomprendidas.


title: Música minimalista

text: Terry Riley fue uno de los primeros compositores en obtener reconocimiento por su trabajo, tras el éxito de "In C" (1964). En 1967, la Real Academia Sueca de Música le encargó la producción de una obra para orquesta y coro, "Olson III". En 1969, fue la Fundación Dilexi la que le encargó la producción de una partitura para un vídeo sobre la obra del escultor Arlo Acton, que más tarde se convertiría en "Music with Balls". También colaboró con la televisión sueca y danesa.


title: Música minimalista

text: El director estadounidense Michael Tilson Thomas jugó un papel importante en la difusión de la música minimalista, organizando en 1971 y 1973 los primeros conciertos en importantes salas (Carnegie Hall en 1973), a cargo de la Boston Symphony Orchestra. En 1971, Reich y Glass hicieron una gira por Europa juntos, en el que su grupo común interpretó "Four Organs", "Pendulum Music", "Piano Phase" y "Phase Patterns", de Reich, y "Music with Changing Parts", de Glass. La acogida de conciertos en París y Londres fue alentadora, más mitigada en Alemania.


title: Música minimalista

text: Fueron sobre todo las grabaciones las que permitieron a los compositores aumentar su difusión. Ya en 1967, "Come Out" de Steve Reich e "In C" de Terry Riley fueron grabadas por Columbia Records, en un álbum que reunía una veintena de obras contemporáneas. El álbum fue criticado en la prensa musical, así como en la revista "Time". "It's Gonna Rain" y "Violin Phase" de Reich en 1969, y "The Church of Anthrax" de Terry Riley en 1970, se grabaron, siempre en Columbia. En 1971, Philip Glass creó su propia compañía discográfica, Chatham Square Productions, con la que lanzó "Music with Changing Parts", "Music in Fifths", "Music in Similar Motion". Las grabaciones también fueron producidas por un sello francés, Shandar. También fue en Francia donde llegó un verdadero reconocimiento de los minimalistas. En 1974, Michel Guy, entonces secretario de Estado de Cultura, encargó "Einstein on the Beach" a Philip Glass. El estreno y gira de la obra en Europa en 1976 fue un éxito, al igual que las representaciones en Nueva York el mismo año.


title: Música minimalista

text: El reconocimiento discográfico vino de Alemania, con la grabación en 1974 en el prestigioso sello de música clásica Deutsche Grammophon de "Drumming", "Six Pianos", "Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ" de Steve Reich. En 1978, fue la grabación de "Music for 18 Musicians", lo que realmente hizo que la música de Steve Reich fuera conocida internacionalmente y entre una amplia audiencia. Fue el sello alemán Edition of Contemporary Music, dedicado al jazz y a la música improvisada, el que produjo el disco, y que permitió a un público mucho mayor que el de las vanguardias descubrir la música minimalista. Por el contrario, la falta de compromiso de La Monte Young con las discográficas o las salas de espectáculos, hizo que su producción discográfica fuese rara y, de hecho, su trabajo es menos difundido y conocido.


title: Música minimalista

text: Fue a partir de los años 1980 y 1990 cuando la televisión y el cine copiaron y difundieron masivamente la música minimalista. Los compositores de música para películas y de anuncios comerciales de televisión copiaron particularmente gimmicks de Philip Glass. También se imitó a Steve Reich y Meredith Monk. Una cierta renovación del movimiento minimalista estadounidense parece estar emergiendo con una nueva generación de compositores como Nico Muhly, que trabajó notablemente con Philip Glass o Dustin O'Halloran, pero también en Europa con, por ejemplo, el francés Sylvain Chauveau, el alemán Max Richter o el luxemburgués Francesco Tristano, que a veces se clasifican en un movimiento conocido como «post-minimalista».


title: Música minimalista

text: Se han expresado críticas extremadamente fuertes hacia el minimalismo, principalmente de compositores o musicólogos cercanos a las vanguardias, o de filósofos. El compositor estadounidense Elliott Carter ha expresado reiteradamente su fuerte rechazo al minimalismo y, más en general, a la repetición en la música, considerada la muerte del compositor. En particular, establece una analogía con la publicidad, no solicitada, intrusiva y repetida hasta las náuseas. Incluso se ha utilizado explícitamente el calificativo de fascista, al igual que la comparación del uso de la repetición como método de lavado de cerebro con la práctica de la publicidad o los discursos de Hitler.


title: Música minimalista

text: Una crítica frecuente es acusar a la música minimalista de superficialidad o incluso de antiintelectualismo. Se considera que «no lleva a ninguna parte», que niega el lenguaje musical y que es solo un «tapiz sonoro». Es especialmente la música de Philip Glass la que concentra las críticos que a veces la califican de «mentira» o de «regresión». Los calificativos de «monótono» o «aburrido» aparecen a menudo en las críticas a La Monte Young y Terry Riley. Los críticos están muy divididos y generalmente se plantean como «a favor» o «en contra». En Francia, las primeras reacciones a las obras de John Adams no fueron muy favorables. En 1990, la revista "Télérama" escribió sobre "Nixon in China": La crítica del minimalismo a veces se confunde con la del posmodernismo. El compositor vanguardista Brian Ferneyhough rechaza la posmodernidad y critica en particular a John Adams, del que denuncia una ausencia de ética ligada a la no consideración de la cultura musical.


title: Música minimalista

text: Para algunos musicólogos, sin embargo, el minimalismo encaja perfectamente en la modernidad. Además de las influencias ciertas del serialismo, en particular de Schönberg y Webern, sobre La Monte Young y Terry Riley, que condujeron directamente a las primeras obras del minimalismo, como "Trio for Strings" (1958), la aplicación de procesos rigurosos de generación musical, como los desarrollados por Reich y Glass, se pueden comparar con las limitaciones del serialismo integral o de los procesos aleatorios de John Cage. En particular, la aceptación de los resultados proporcionados por el proceso de "phasing" (aunque sea determinista, el proceso escapa parcialmente al compositor) se puede comparar directamente con la aceptación de los productos musicales generados por el azar en Cage.


title: Música minimalista

text: Para el musicólogo Keith Potter, otro argumento a favor de la modernidad del minimalismo es la «desfamiliarización», término propuesto por el teórico formalista Victor Chklovski para significar la pérdida de impacto de los elementos corrientes, disminuidos en su significado por el hábito. Según Chklovski, el objetivo del arte es devolver ese significado a las cosas a las que uno se habría acostumbrado demasiado. Potter subraya que ese redescubrimiento de los elementos familiares ya lo habían hecho Cage y los serialistas, pero que los minimalistas lo realizaron de manera muy diferente. Más que de lo inaudito, parten de un material musical extremadamente simple y familiar para estudiarlo en profundidad gracias a una utilización intensiva de la repetición. El primer parámetro así estudiado es el ritmo, el enfoque sistemático produciendo piezas cercanas al estudio, y confiriendo a estas primeras piezas un verdadero carácter de música experimental. Esta exploración se extiende posteriormente a otros parámetros (alturas, armonía). Keith Potter dice:


title: The Thorn Birds

text: The Thorn Birds (título original de 1977 conocido en Hispanoamérica como El pájaro canta hasta morir o Amor entre espinas y en España como El pájaro espino) es una novela de drama y romance, de la escritora australiana Colleen McCullough.


title: The Thorn Birds

text: Con 33 millones de ejemplares vendidos, es la obra literaria australiana más exitosa de la historia.


title: The Thorn Birds

text: En 1983 fue adaptada como miniserie de televisión y durante su transmisión se convirtió en la segunda miniserie de mayor audiencia de los Estados Unidos tras "Raíces"; ambas fueron producidas por el veterano de la televisión David L. Wolper. La mini-serie tiene como elenco a Richard Chamberlain, Rachel Ward, Barbara Stanwyck, Christopher Plummer y Jean Simmons, entre otros.


title: The Thorn Birds

text: Se fija sobre todo en Drogheda, una hacienda ficticia de grandes extensiones donde se crían ovejas en el estado de Nueva Gales del Sur (Australia). La historia se desarrolla en el periodo 1915-1969, al comienzo enfocada en la familia Cleary para luego centrarse en la relación de Meggy Cleary y el ambicioso Padre Ralph de Bricassart, sacerdote ansioso de poder político-eclesiástico.


title: The Thorn Birds

text: La autora del relato tuvo un hermano, Karl, ahogado a la edad de 25 años mientras rescataba a unas personas en Malia, en la isla de Creta. Este acontecimiento fue reflejado en la muerte de Dané, uno de los personajes de la historia.


title: The Thorn Birds

text: La novela está dividida en siete títulos y estos a su vez en diecinueve capítulos que abarcan una historia comprendida entre los años 1911 y 1969, en distintas ubicaciones de Nueva Zelanda, Australia, Italia, Inglaterra y Grecia (Creta).


title: The Hitcher (película de 2007)

text: The Hitcher (Carretera al infierno en España, Asesino de la carretera en Hispanoamérica) es una adaptación de la película homónima del año 1986. El filme fue dirigido por Dave Meyers y producido por la compañía Platinum Dunes, propiedad del director Michael Bay.


title: The Hitcher (película de 2007)

text: "The Hitcher" fue estrenada en Estados Unidos el 19 de febrero de 2007 y el 1 de junio del mismo año en el Reino Unido. En algunos países, el filme fue clasificado "R" (para personas mayores de 16 años) debido a su explícita violencia, terror y lenguaje.


title: The Hitcher (película de 2007)

text: Esta película de terror trata sobre una pareja que va de viaje y por la carretera se encuentran a un hombre con el coche aparentemente averiado, pero pasan de largo. Más adelante, en una gasolinera, se lo encuentran y el chico se disculpa por pasar de largo, y deciden llevarle a su destino. El hombre resulta ser un asesino despiadado que no dejará de perseguir a la pareja durante todo el film.


title: The Hitcher (película de 2007)

text: Platinum Dunes anunció el 18 de abril de 2005 que una nueva versión de "The Hitcher," protagonizada originalmente por Rutger Hauer, Jennifer Jason Leigh y C. Thomas Howell, sería lanzada en pantalla. El productor Michael Bay declaró que la película del 86 le encantó como a un niño y que sería interesante otorgarle nuevos giros para convertirla en un material ampliamente atractivo. Por ello, pensando considerablemente en un público adolescente, Bay sugirió que el personaje principal fuese femenino y que nuevas escenas de terror se incorporaran en la cinta. Finalmente, para el 20 de junio de 2005 se conoció que el director Dave Mayers dirigiría el proyecto que se estrenaría al público hasta el año 2007.


title: The Hitcher (película de 2007)

text: A continuación se referencian los premios y nominaciones de la películaː


title: Pentagrama invertido

text: El pentagrama invertido es un símbolo, comúnmente confundido con el pentagrama, un símbolo espiritual de bondad y benigno.


title: Pentagrama invertido

text: El pentagrama ha sido asociado desde tiempos pasados con el misterio y la magia. Este símbolo sin duda es el más reconocido por todos los seguidores de la tradición pagana, y es tan antiguo que su origen preciso se desconoce. Ha sido utilizado desde épocas remotas como talismán de protección, pero su utilización masiva y de hecho, su imagen más popular, está vinculada al satanismo.


title: Pentagrama invertido

text: El primer diseño del pentagrama invertido vinculado a las prácticas satánicas procede del libro "La Clef de la Magie Noire" (1897), de Stanislas de Guaita. El pentagrama invertido representaría la creencia pagana de que la naturaleza es superior al humano; ya que un pentagrama con la punta hacía arriba habla de la supremacía de la especie humana sobre los cuatro elementos naturales: tierra, agua, fuego y aire. Con esta herejía pagana, el pentagrama invertido se volvió parte del colectivo imaginario medieval sobre los demonios, formando parte del folclore satánico.


title: Pentagrama invertido

text: El pentagrama invertido forma una cabeza de macho cabrío, que no es otro que el dios mítico Pan de la mitología griega; este dios representa los deseos carnales masculinos, y es un dios de la promiscuidad. En la edad media el dios cabrío Pan se haría uno con el demonio cristiano. A este símbolo se le llama sigilo de Baphomet.


title: Pentagrama invertido

text: Cuando Anton LaVey funda su Iglesia de Satán retoma este símbolo puro en su sentido inverso, el que ha sido usado por siglos para la alta magia negra: el pentagrama invertido, con el vértice hacia abajo y representándolo sobre una cabeza de macho cabrío. El Baphomet, el símbolo de la «Iglesia de Satán», consta de tres elementos: la estrella pentagonal (pentagrama) invertida, los símbolos colocados junto a cada una de las puntas y el rostro de un macho cabrío. En el pentagrama invertido, según la interpretación satánica, las tres puntas inferiores representan la negación de la "sagrada trinidad" de los teólogos cristianos y las dos puntas superiores representan la afirmación de las paridades o contrastes que realmente equilibran y dirigen el universo y la vida, como por ejemplo: creación/destrucción, positivo/negativo, masculino/femenino, acción/reacción, vida/muerte, activo/pasivo, etc. En resumidas cuentas, representa la supremacía del deseo carnal y netamente físico por encima de la espiritualidad. En un pentagrama invertido se puede insertar la figura de la cabeza del macho cabrío: las dos puntas superiores son los cuernos, las puntas laterales son las orejas y la punta inferior es la barba, signo conocido comúnmente como el signo del diablo para invocar males y espíritus.


title: Pentagrama invertido

text: El pentagrama, siendo una simple figura geométrica, no representaría a la maldad en sí mismo, sino simplemente el poder de la naturaleza por encima del humano cuando está invertido. Su simbolismo varía según la cultura que lo utiliza: para los pitagóricos simbolizaba la salud y el conocimiento, los gnósticos (ver gnosticismo) lo representaron con gemas en el abraxas (símbolo mágico y de la totalidad griego) y, en ocasiones, se utilizó para simbolizar a Cristo como alfa y omega o representando sus cinco llagas. De esta representación cómo pentagrama a la satánica solo hay un gesto muy claro, la inversión del pentagrama (como la inversión de la cruz), para hacerlo símbolo satánico y, a partir de esta imagen, todas las otras representaciones simbólicas del satanismo antes mencionadas. Numerológicamente, el pentagrama o representación gráfica del número cinco; es la suma de los elementos femenino (2) y masculino (3), es símbolo de unión y síntesis, es el número de los dedos de una extremidad y de nuestros sentidos, por ejemplo. Pero siempre en su versión original, no invertida.


title: Pentagrama invertido

text: Para las corrientes esotéricas como la magia wicca, su pentagrama se compone de cinco puntas rodeadas de un círculo. Las cinco puntas representan a los cinco elementos: «la Tierra, el Aire, el Fuego, el Agua y la quintaesencia». al fijarse detenidamente en la forma de la estrella, toma forma al del ser humano. La punta de arriba es la cabeza, las puntas que están a los lados son los brazos y las dos puntas de abajo son las piernas. El círculo representa la armonía creada entre los cinco elementos y el ser humano, encerrada en un campo de poder.


title: Pentagrama invertido

text: Para las personas cristianas, el pentagrama representaba la supremacía del ser humano (punta de arriba) sobre los cuatro elementos (cuatro puntas de abajo). El pentagrama invertido, representaba para algunos paganos la supremacía de los elementos sobre el ser humano, algo contrario a las ideas cristianas, por lo que fue condenado y de ahí surgió la idea de asociarlo con el satanismo.


title: Pentagrama invertido

text: Otras interpretaciones, como la de Leonardo da Vinci, ven en él al hombre de Vitruvio, hacen referencia a que el pentagrama entero representa al ser humano; la punta superior es la cabeza y las cuatro inferiores el cuerpo. Así mismo dibuja al hombre como medida de todas las cosas. Cuando el pentagrama está inscrito en un círculo une todos los aspectos del hombre. Une el cuerpo con la mente, lo espiritual con lo profano. Nos recuerda que necesitamos todos nuestros aspectos para satisfacer nuestras vidas como seres humanos. Nos recuerda también que todo es un ciclo, que no experimentaremos alegría sin dolor, pero el dolor nos llevará otra vez a la alegría. La punta hacia arriba en el pentáculo representa la supremacía del espíritu sobre el cuerpo y el poder que este tiene sobre el.


title: Pentagrama invertido

text: El Pentáculo también representa la divinidad femenina de todas las cosas, denominada por parte de la Historia de la religión como "divinidad femenina" o "venus divina". Este es un concepto controvertido con el que las y los historiadores no terminan de ponerse de acuerdo. En su interpretación más estricta, el pentáculo representa a Venus, la diosa romana del amor y de la belleza. Las religiones de la prehistoria se basaban en el orden divino de la naturaleza. La naturaleza como madre se representaba en la figura femenina, en el útero femenino y en la representación de grandes "venus" fértiles que se pueden encontrar en las pinturas rupestres de todos los lugares con este tipo de arte.


title: Pentagrama invertido

text: Existen muchos significados que este símbolo ha ido cobrando a lo largo de la historia, por ejemplo:


title: Pentagrama invertido

text: • La forma más antigua de pentagrama conocida data del año 3500 A.C en la ciudad de Ur en la Antigua Mesopotamia donde era un símbolo de poder del gobernante. También el Emperador Constantino I usó el Pentagrama invertido, junto con el símbolo chi-rho en su sello y amuleto.


title: Pentagrama invertido

text: • Entre los hebreos, la estrella de 5 puntas representaba la Verdad y los 5 libros del Pentateuco. No confundirla con la de 6 puntas, que sería el Sello de Salomón.


title: Pentagrama invertido

text: • En la Antigua Grecia, era llamada "Pentalpha", siendo geométricamente compuesta por cinco "aes". A diferencia de otras civilizaciones, los griegos no le atribuyeron otros significados simbólicos a las letras de su alfabeto, pero ciertos símbolos fueron conectados con formas de letras Griegas o posiciones.


title: Pentagrama invertido

text: • Para los gaianos, el Pentagrama invertido representa el orden real de equilibrio en el planeta Tierra. No existe ni un dios ni un "satán" o adversario. Las cuatro puntas superiores son los cuatro Elementos fundamentales: Aire, Fuego, Tierra, Agua... y la punta inferior, el humano. Rodeado con un círculo, logra dar a entender que todo pertenece a un solo cuerpo. Algunos utilizan la hipótesis de Gaia, de James Lovelock, para fundamentar pseudocientíficamente esta postura, que por muchos es asumida como la "Verdad única total". Lo cual pone al ser humano responsable o culpable por cada desequilibrio del pentagrama.


title: Pentagrama invertido

text: El pentagrama no invertido o normal, es para los gaianos el momento en que el Ser Humano decide sobre la energía única que rige todo, ya sea a través de brujería u otro tipo de canalización energética. Todo lo que sea manipulación de energía, para bien o para mal, torna la punta inferior del pentagrama hacia arriba. Por tanto, en su estado natural, el pentagrama es invertido.


title: Pentagrama invertido

text: • Para los druidas, era el símbolo de la cabeza de Dios.


title: Pentagrama invertido

text: • En Egipto, era el símbolo de la “Matriz Subterránea”.


title: Pentagrama invertido

text: • Los celtas relacionaban el Pentagrama a la Diosa Subterránea Morrigan.


title: Pentagrama invertido

text: • Los cristianos atribuyeron el Pentagrama a los 5 Estigmas de Cristo.


title: Pentagrama invertido

text: • En el relato de Sir Gawain y el Caballero Verde, el pentagrama estaba inscripto en oro en su escudo simbolizando las cinco virtudes de los Caballeros: generosidad, cortesía, castidad, piedad y caballerosidad.


title: Pentagrama invertido

text: • En la Edad Media, era un símbolo de Verdad y una protección contra los demonios.


title: Pentagrama invertido

text: • En la Inquisición, el pentagrama invertido simbolizaba la Cabeza del Chivo.


title: Pentagrama invertido

text: • El pentáculo además, es un símbolo precristiano relacionado con el culto a la naturaleza. Los antiguos dividían al mundo en dos mitades: masculina y femenina. Sus dioses y diosas actuaban para mantener un equilibrio en el poder. El ying y el yang. Cuando lo masculino y lo femenino estaba en equilibrio , había armonía en el mundo. Cuando no, reinaba el caos.


title: Pentagrama invertido

text: • En su interpretación más estricta ,el pentáculo representa a Venus , la diosa del amor sexual femenino y de la belleza.


title: Temporada de precipitaciones en el Altiplano del Titicaca

text: En Chile se denomina invierno andino, así como "invierno altiplánico" o "invierno Boliviano", — nombrado precipitaciones de verano— a las épocas de mayor pluviosidad en los Andes centrales. El término es paradójico, puesto que el fenómeno se da mayormente entre los meses de diciembre y marzo, correspondientes al verano austral.


text: Las precipitaciones de esta estación se originan como lluvias orográficas causadas por masas de aire provenientes de la región del Amazonas durante la estación lluviosa. Estas se producen especialmente en el Altiplano de la Cordillera de los Andes debido a la actividad convectiva, que es la precipitación que se asocia a la formación de nubosidad cumuliforme durante la tarde, cuando el calentamiento del suelo favorece el desarrollo de movimientos ascendentes y produce precipitaciones en este lugar.


text: El aumento de las precipitaciones en verano es uno de los dos fenómenos meteorológicos que ocurren en el entorno del desierto de Atacama. El otro fenómeno es la camanchaca que se extiende sobre la costa del norte chileno.


text: El fenómeno se debe a la conjugación de varios factores climáticos ya presentes en la zona, pero con diferentes tiempos e intensidades.


text: El primero de ellos es el "alta de Bolivia", un sistema de vientos a alta altitud que gira en contra del sentido de los punteros del reloj sobre Bolivia, Perú, Chile y Argentina. Su centro varía su posición, a veces más al norte, otras veces más al sur.


text: Existen además dos frentes nubosos provenientes respectivamente del océano Pacífico y del océano Atlántico que se mueven el primero hacia el este y el segundo hacia el oeste chocando ambos contra las respectivas laderas de la cordillera de Los Andes.


text: La sequedad del frente del Pacífico es la causa del desierto de Atacama. Se debe a la subsidencia en el borde oriental del anticiclón subtropical del Pacífico Sur.