title: Dark Horse (álbum)

text: Junto con los problemas empresariales de Apple, y durante lo que el músico denominó el «mal periodo 1973-74», Harrison volvió a beber alcohol y a consumir drogas con frecuencia. Biógrafos como Alan Clayson sugirieron que el abandono del camino «semiascético» vinculado con el álbum "Living in the Material World" fueron las críticas de la prensa musical, especialmente en Gran Bretaña, sobre el contenido religioso del disco, así como un reflejo del desánimo que el músico sufrió tras el fracaso de su matrimonio. Al respecto, Klaus Voormann describió este periodo como un obvio «paso atrás» en el camino espiritual de Harrison, mientras que Boyd comentó: «Todo ese tiempo fue una locura. Friar Park era una casa de locos. Nuestras vidas estaban alimentadas por el alcohol y la cocaína, y así era con todos los que estaban dentro de nuestra esfera... George consumía cocaína en exceso y eso lo cambió». Harrison reflejó su propio comportamiento en la letra de «Simply Shady», y la inevitable ruptura de su matrimonio en «So Sad».


title: Dark Horse (álbum)

text: Molesta con sus continuas infidelidades, Boyd abandonó a Harrison por Eric Clapton en julio de 1974, aunque anteriormente también mantuvo una relación con Ron Wood. Ambos escarceos fueron objeto de crítica en "Dark Horse", un disco que el autor Simon Leng describió como «un culebrón musical que cataloga las travesuras de la vida en el "rock", las amistades perdidas y las dudas sobre sí mismo». En la canción de The Everly Brothers «Bye Bye Love», Harrison modificó la letra y escribió: «"There goes our lady, with a-you-know-who / I hope she's happy, old Clapper too»" (lo cual puede traducirse al español como: «Ahí va nuestra chica, con ya-sabes-quién, espero que sea feliz, y el viejo Clapper también»), mientras que en las notas que el propio músico escribió para el diseño del disco, nombró a Wood en «Ding Dong, Ding Dong» como "«Ron Would If You Let Him»" (en español: «Ron lo hará si lo dejas»). Durante esta época, Harrison comenzó una breve relación con Maureen Starkey, por entonces mujer de Ringo Starr, y varios periódicos británicos informaron sobre otra relación romántica con la modelo Kathy Simmons, antigua novia de Rod Stewart, y con Krissy Wood, por entonces esposa de Ron Wood. El adulterio, muy presente en la vida del músico durante esta época, fue un tema que también trató en su canción «I Don't Care Anymore», mientras que su asociación musical con Wood aportó al disco «Far East Man». La canción, coescrita entre los dos músicos, apareció primero en el álbum debut de Wood, "I've Got My Own Album to Do", y posteriormente en "Dark Horse" como la primera incursión de Harrison en la música "soul".


title: Dark Horse (álbum)

text: Entre enero y febrero de 1974, Harrison viajó a Benares, donde forjó la idea de emprender una gira de música clásica india a finales de año con su mentor Ravi Shankar. Para la gira, planificó contratar un máximo de dieciocho músicos y utilizar una cifra de instrumentos tradicionales indios sin precedentes en Occidente. Durante su estancia en Benares también compuso el "bhajan" «It Is 'He' (Jai Sri Krishna)», una canción devocional a Krishna posteriormente incluida en "Dark Horse".


title: Dark Horse (álbum)

text: En mayo del mismo año, Harrison llegó a un acuerdo con A&M Records para distribuir los discos de Dark Horse Records, y aunque su contrato con Apple Records seguía vigente hasta enero de 1976, inauguró formalmente su propio sello discográfico. Tras anunciar la celebración de "Music Festival From India" en septiembre de 1974, el músico también confirmó su plan de emprender una gira por Norteamérica junto a la banda de Shankar entre noviembre y diciembre. A pesar de su declarada aversión a tocar en directo, Harrison fue el primero de sus antiguos compañeros en The Beatles en emprender una gira por los Estados Unidos.


title: Dark Horse (álbum)

text: Las sesiones de grabación de "Dark Horse" comenzaron en noviembre de 1973 en los estudios que Harrison creó en su propio hogar y que bautizó con el nombre de FPSHOT, siglas de Friar Park Studios, Henley-on-Thames. Al igual que con "Living in the Material World", Harrison produjo las sesiones con la colaboración de Phil McDonald como ingeniero de sonido. Usando la misma formación de músicos que en "Living in the Material World" —Ringo Starr, Jim Keltner, Klaus Voormann, Gary Wright y Nicky Hopkins—, Harrison grabó las pistas básicas de «Ding Dong, Ding Dong» y una primera versión de «Dark Horse» y «So Sad». Previo a su grabación en "Dark Horse", Harrison cedió «So Sad» a Alvin Lee, un músico de la zona de Oxfordshire que grabó la canción en el álbum "On the Road to Freedom", en el que participaron Harrison y Ron Wood. Lee, Harrison y Wood añadieron posteriormente partes de guitarra en «Ding Dong, Ding Dong», en un primer intento por construir la canción pista por pista y recrear el muro de sonido de Phil Spector, productor de "All Things Must Pass". Estas sesiones tuvieron lugar poco después de que Harrison regresara de la India en marzo de 1974, y durante las mismas también añadieron sobregrabaciones a «So Sad».


title: Dark Horse (álbum)

text: A diferencia de sus anteriores trabajos, grabados en estudios profesionales, el hecho de que Harrison dispusiera de un estudio propio en Friar Park permitió al músico alargar las sesiones sin estar sujeto a horarios restrictivos. Al respecto, el biógrafo Simong Leng observó una espontaneidad poco habitual en la ética de trabajo de "Dark Horse", y escribió que la disciplina de trabajar con horarios «voló por las ventanas ornamentadas». Tras acudir a un concierto de Joni Mitchell en el New Victoria Theatre de Londres en abril de 1974, Harrison se mostró impresionado por la L.A. Express, banda de respaldo de Mitchell y liderada por el saxofonista Tom Scott. El músico invitó al grupo, integrado por Robben Ford, Roger Kellaway, Max Bennett y John Guerin, a su hogar al día siguiente para grabar «Hari's on Tour (Express)», un tema instrumental que se convirtió pocos meses después en canción de apertura de su primera gira norteamericana. El grupo grabó el mismo día «Simply Shady», una canción que Harrison compuso durante su estancia en Bombay. Después de entablar una relación de amistad con Harrison, Scott añadió varias pistas de instrumentos de viento a las canciones «Ding Dong, Ding Dong», «Hari's on Tour (Express)» y «Simply Shady». Scott comentó en una entrevista que fue el primer músico occidental al que Harrison llamó para sumarse a la banda de su futura gira.


title: Dark Horse (álbum)

text: Entre mayo y junio, Harrison volvió a parar la grabación de "Dark Horse" para tratar asuntos relacionados con Dark Horse Records y con el largometraje "Little Malcom". Aunque el largometraje estaba «atado por el divorcio de The Beatles», tal y como comentó el director Stuart Cooper, participó en el Festival Internacional de Cine de Berlín y ganó el Oso de plata. En agosto, el músico pasó unas vacaciones con Kathy Simmons en España antes de volver a Inglaterra y retomar su trabajo en "Dark Horse".


title: Dark Horse (álbum)

text: Harrison volvió a trabajar en "Dark Horse" entre agosto y septiembre con cuatro músicos que posteriormente contrató para la siguiente gira: Scott al saxofón, Billy Preston en los teclados, el batería Andy Newmark y el bajista Willie Weeks. Durante las nuevas sesiones de trabajo, Harrison grabó «Māya Love», «Far East Man» e «It Is 'He' (Jai Sri Krishna)», además de «His Name is Legs», un tema que publicó posteriormente en "Extra Texture (Read All About It)". Durante esta etapa, Shankar llegó a Londres con una larga orquesta de músicos indios que incluyó, entre otros, a Hariprasad Chaurasia, Shivkumar Sharma, Alla Rakha, T.V. Gopalkrishnan, L. Subramaniam, Sultan Khan y Lakshmi Shankar. Según Shankar, los ensayos para el concierto "Music Festival from India" y la grabación de un álbum de estudio homónimo tuvieron lugar simultáneamente en Friar Park durante tres semanas, con Harrison como productor musical.


title: Dark Horse (álbum)

text: El 23 de septiembre, Harrison presentó el concierto debut de la orquesta de Shankar en el Royal Albert Hall, poco antes de acompañarlos en una corta gira por Europa. Para entonces, Harrison ya tenía gran parte de "Dark Horse" completo, y en octubre comenzó a organizar los preparativos de su gira en Los Ángeles. Una vez en California, y a pesar de tener afectada la voz por una ronquera, completó la grabación de "Dark Horse" antes de iniciar los ensayos de la gira.


title: Dark Horse (álbum)

text: Harrison utilizó los Henson Recording Studios de Hollywood durante tres semanas para ensayar con su banda de gira, que también incluyó a Jim Horn y Chuck Findley, presentes en la grabación de "The Concert for Bangladesh", y al percusionista Emil Richards. El batería Jim Keltner también participó en los ensayos, pero no se unió a la gira hasta el mes de noviembre. Además del material de Harrison, el grupo también ensayó canciones de Billy Preston y de Tom Scott. Además, Harrison, Scott y Richards ensayaron varias piezas musicales con la orquesta de Shankar, mientras que todos los músicos, occidentales e indios, participaron en los ensayos de «I Am Missing You» y «Dispute & Violence», dos temas del álbum "Shankar Family & Friends".


title: Dark Horse (álbum)

text: Tras los ensayos, Harrison finalizó varias canciones grabadas en Friar Park y mezcló el álbum. Los autores Chip Madinger y Mark Easter sugieren que Harrison grabó gran parte de las pistas vocales de "Dark Horse" en esta etapa, en la que el músico sufrió una sobrecarga de trabajo para su voz. Como consecuencia, Harrison sufrió una laringitis que persistió durante los meses de gira. Según Scott, el músico grabó también «Bye Bye Love» solo en A&M, a la que añadió una variedad de instrumentos como un sintetizador Moog, una batería, un piano eléctrico y varias pistas de guitarra eléctrica, así como «I Don't Care Anymore».


title: Dark Horse (álbum)

text: Aunque también intentó terminar la versión de «Dark Horse» grabada con Voormann y Starr en Friar Park, decidió regrabar la canción con su nueva banda, en directo desde el escenario de los A&M Studios. La grabación tuvo lugar entre el 30 y el 31 de octubre, con Norm Kinney como ingeniero de sonido. Leng comentó sobre la canción: «Cualquiera que se preguntase cómo sonaba la voz de Harrison durante la gira de "Dark Horse" no necesita mirar más lejos: este tema fue grabado pocos días antes de su primera fecha en Vancouver. Aunque la banda suena bien, su voz estaba hecha trizas». Posteriormente, Harrison admitió que estaba «hecho polvo» desde que había llegado a Los Ángeles, y que su representante, Denis O'Brien, le forzó a que saliera del estudio para asegurarse que cogía el avión con destino a Vancouver.


title: Dark Horse (álbum)

text: Tras la publicación de "Dark Horse", Harrison recibió algunas de las críticas más negativas de su carrera musical. Bajo el título «Mediocridad trascendental», Jim Miller de "Rolling Stone" definió "Dark Horse" como un «álbum desastroso» que se unía a «una gira desastrosa», y un «trabajo de mala calidad». Según Miller, los músicos eran «profesionales de estudio meramente competentes» y la guitarra de Harrison, «rudimentaria». En contraste con la buena reseña que la misma revista publicó de "Living in the Material World", un año antes, Miller describió el álbum como «una crónica de un intérprete fuera de su elemento, trabajando para un plazo, debilitando su sobrecargado talento por la prisa de publicar nuevos LP», y concluyó diciendo: «De hecho, George Harrison nunca ha sido un gran artista... La cuestión es si alguna vez volverá a ser un artista competente». Por otra parte, Bob Woffinden de "NME" ridiculizó la composición, la voz y la producción de Harrison, particularmente en dos temas con un trasfondo personal como «Simply Shady» y «So Sad». Woffinden concluyó su crítica diciendo: «Encuentro "Dark Horse" como el producto de un completo egoísta [...], alguien cuyo universo se confina en sí mismo. Y su gurú... Repetiré que este álbum es totalmente incoloro. Solo cosas sin sentido».


title: Dark Horse (álbum)

text: A pesar de todo, "Dark Horse" también obtuvo algunas reseñas positivas. La revista "Billboard" describió el álbum como «uno excelente» y lo comparó con su álbum debut en 1970, "All Things Must Pass". En el mismo sentido, Brian Harrigan de "Melody Maker" acreditó a Harrison como creador de «una nueva categoría musical, el "country and eastern"» y calificó su modo de tocar la guitarra slide como «ingenioso» y su voz como «tremenda». Aunque encontró varios temas excesivamente largos, Harrigan declaró: «Sí, el Vaquero Sagrado ha producido un buen disco». Por otra parte, Michael Gross describió "Dark Horse" en la revista "Circus" como «correspondiente a "All Things Must Pass" en calidad» y «sorprendente» en ocasiones, gracias a la «claridad de la producción y a las canciones de amor» del nuevo disco. Gross destacó «So Sad» como un «tema lujurioso» y describió «Ding Dong, Ding Dong», «Dark Horse» y «Far East Man» como «canciones simples y buenas».


title: Dark Horse (álbum)

text: En el libro "The Beatles: A Illustrated Record", Roy Carr y Tony Tyler escribieron que la interpretación era «impecable», pero que las letras de Harrison eran «moralistas, repetitivas, injuriosas y autocomplacientes», y comentaron sobre el álbum en su conjunto que «uno desea que no venga de un ex-Beatle». Por otra parte, Nicholas Schaffner, autor del libro "The Beatles Forever", justificó las críticas negativas por la «mala calidad de las interpretaciones» y por «los mensajes preconizantes y sin humor» de "Dark Horse". Schaffner señaló «Bye Bye Love» y «Ding Dong, Ding Dong» como burlescas, si bien elogió la canción que da título al disco y el trabajo de Harrison como guitarrista en «Hari's on Tour (Express)» y «So Sad». Al igual que otros biógrafos, Schaffner destacó que ni el álbum ni la gira merecían el abuso que sufrió de algunos medios de comunicación. Según el autor: «De todos modos, fue el turno de George para infligirle el tratamiento envenenado que los críticos habían concedido anteriormente a Paul McCartney y a John Lennon. Echar a los ídolos de sus pedestales los convierten en excelentes copias».


title: Dark Horse (álbum)

text: Años después de su publicación, y a pesar de elogiar sus trabajos previos, "Rolling Stone" no cambió su veredicto desfavorable sobre "Dark Horse", y Harrison nunca llegó a perdonar a la revista por el trato que recibió durante la época. En 2002, poco después de la muerte de Harrison, Greg Kot destacó el «trasfondo de "jazz"» de "Dark Horse" en comparación con "Living in the Material World", pero aun así criticó el álbum en su conjunto y escribió que la voz de Harrison se convirtió en un «ejercicio involuntariamente cómico». En la misma publicación, Mikal Gilmore reconoció "Dark Horse" como «uno de los trabajos más fascinantes de Harrison, un disco sobre cambios y pérdidas». En el mismo sentido, Richard Ginell de Allmusic destacó «Dark Horse» y la «exquisita» composición de Harrison y Wood «Far East Man».


title: Dark Horse (álbum)

text: Por otra parte, el biógrafo Simon Leng consideró "Dark Horse" como un «álbum muy revelador» y escribió: «Cualquier mirón que quisiese conocer los detalles íntimos de su vida personal no necesitaba comprar "National Enquirer", solo tenía que escuchar este disco». Aunque lamentó el estado de la voz de Harrison y la naturaleza de «mosaico sonoro» en su conjunto, Leng señaló que tanto «So Sad» como «Far East Man» recibieron buenas críticas cuando fueron publicadas en los discos de Alvin Lee y Ron Wood, respectivamente.


title: Dark Horse (álbum)

text: "Dark Horse" fue publicado una vez comenzada la primera y única gira de George Harrison por Norteamérica, que obtuvo reseñas negativas de medios de comunicación como la revista "Rolling Stone". Los comentarios de Ben Fong-Torres, periodista de "Rolling Stone" y crítico con los conciertos, fueron transmitidos por el "Rolling Stone New Service" a comienzos de la gira, y ayudaron a consolidar una visión general de «fracaso» en la gira de Harrison y Shankar, según el autor Simon Leng. Sin embargo, otros críticos «sin ejes para moler», según el autor Robert Rodríguez, valoraron positivamente los conciertos. Miembros del grupo como Scott, Keltner, Weeks, Horn, Newmark y Richards identificaron la gira como un punto álgido de sus carreras, mientras que otros periodistas señalaron el carácter innovador de la música como un precursor del género "world music". Los comentarios negativos sobre la gira recayeron en la inclusión de música clásica de India en los conciertos y en que la voz de Harrison se había «reducido a un graznido ronco», pero también en su decisión de desplazar el legado de The Beatles. En este sentido, durante la gira interpretó canciones del grupo como «While My Guitar Gently Weeps», «Something» e «In My Life», pero modificando las letras para adaptarlas a su transformación personal y espiritual.


title: Dark Horse (álbum)

text: Tras publicar la canción «Dark Horse» como primer sencillo, el lanzamiento del álbum en los Estados Unidos tuvo lugar el 9 de diciembre de 1974. En el Reino Unido, el álbum fue publicado el 20 de diciembre, de forma simultánea a «Ding Dong, Ding Dong», que sustituyó a «Dark Horse» como primer sencillo promocional. La publicación en el Reino Unido coincidió con el último concierto de la gira en el Madison Square Garden de Nueva York, el mismo día en que Harrison y Paul McCartney firmaron un acuerdo en el Plaza Hotel para disolver la sociedad «The Beatles». "Dark Horse" obtuvo buenas ventas en los Estados Unidos, donde fue certificado como disco de oro gracias a los pedidos anticipados, y alcanzó el puesto cuatro en la lista "Billboard 200", donde estuvo diecisiete semanas. Sin embargo, los resultados comerciales fueron peores en otros países: en Canadá, el álbum alcanzó solo el puesto 42 a comienzos de febrero de 1975, mientras que en el Reino Unido, donde "All Things Must Pass" y "The Concert for Bangladesh" habían llegado al primer puesto, "Dark Horse" ni siquiera entró en el "top 50" de la lista. Aun así, "Dark Horse" obtuvo mejores resultados en países europeos como Países Bajos, Noruega y Austria, donde alcanzó los puestos cinco, siete y diez, respectivamente.


title: Dark Horse (álbum)

text: Por su parte, las dos canciones extraídas para promocionar el álbum, «Dark Horse» y «Ding Dong, Ding Dong», lograron un éxito comercial inferior a anteriores sencillos: tras obtener un número uno con «Give Me Love (Give Me Peace on Earth)» en 1973, Harrison alcanzó el puesto quince en la lista "Billboard Hot 100" con «Dark Horse» y el 36 con «Ding Dong, Ding Dong». En el Reino Unido, solo «Ding Dong, Ding Dong» entró en la lista de sencillos más vendidos, donde alcanzó el puesto 38 y estuvo cinco semanas. Un año después, Harrison obtuvo la misma posición con el sencillo «You», del álbum "Extra Texture (Read All About It)".


title: Dark Horse (álbum)

text: Después de diseñar los portadas de "All Things Must Pass", "The Concert for Bangladesh" y "Living in the Material World", Tom Wilkes volvió a trabajar con Harrison en el diseño de "Dark Horse". La portada recrea una fotografía de 1956 del instituto de Liverpool dentro de una flor de loto. En el fondo, la portada incluye un paisaje del Himalaya que se extiende hasta el horizonte, y sobre él dentro de un círculo, aparece Mahavatar Babaji, un gurú hindú que George también había seleccionado para la portada de The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". La fotografía muestra una promoción escolar con el rostro de Harrison, que entonces tenía trece años, pintada de azul en el centro de la fila superior, y rodeado de compañeros de colegio vestidos de traje. Por su parte, los profesores, presentes en la tercera fila, presentan jerséis de distintos colores con logotipos sobreimpresos, como las marcas de Parlophone y Dark Horse Records o el símbolo om. Aunque algunos observadores señalaron las similitudes con la portada de The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", Harrison seleccionó la imagen por su admiración por las animaciones de Terry Gilliam en la serie de televisión británica "Monty Python's Flying Circus", en las que empleaba recortes coloreados semejantes a los incluidos en la portada de "Dark Horse".


title: Dark Horse (álbum)

text: En su publicación original en vinilo, el álbum incluyó en el interior una fotografía de Harrison y el cómico Peter Sellers caminando por el lago de Friar Park. El retrato está rodeado por un marco con manuscritos en el que se pedía al «vagabundo a través de este jardín ser amable» y abstenerse de «lanzar piedras vengativas» si «por ventura una imperfección has hallado», ya que «el jardinero se afanó en hacer este jardín justo, en gran medida por tu voluntad». Este llamamiento a la tolerancia fue ridiculizado por algunos críticos como Carr y Tyler, que lo definieron como una «losa de autocompasión de sub-Desiderata». En la fotografía también aparece un bocadillo de cómic en el que se puede leer: "«Well, Leo! What say we promenade through the park?»", una frase extraída del largometraje de Mel Brooks "Los productores".


title: Dark Horse (álbum)

text: En la contraportada, Harrison aparece retratado en un banco de su jardín, en cuya madera aparecen grabados su nombre y el título del álbum. Simon Leng describió su ropa en la fotografía, similar a la de las escenas exteriores del videoclip de «Ding Dong, Ding Dong», como parecida a la del personaje del álbum de Jethro Tull "Aqualung". La foto de Terry Doran, con el mismo fondo anaranjado del interior, fue usada como portada de algunos sencillos publicados en Europa, tales como «Ding Dong, Ding Dong» y «Dark Horse».


title: Dark Horse (álbum)

text: El propio Harrison escribió de su puño y letra los créditos del disco durante un viaje en avión. Además de incluir la dedicación "«All glories to Sri Krsna»", también presentes en varios discos a lo largo de su carrera musical, Harrison escribió varias bromas entre la lista de músicos que contribuyó al álbum. Al respecto, introdujo de forma errónea los nombres de Pattie Boyd y Eric Clapton como colaboradores en la grabación de «Bye Bye Love», y el término «"OHLIVERE"» como una posible referencia a Olivia Harrison, futura esposa de Harrison y por entonces secretaria de Dark Horse Records. Olivia también fue incluida en los créditos de la canción «Dark Horse» con la leyenda "«Trinidad Blissed Out»". Debajo de «Ding Dong, Ding Dong», además de escribir "«Ron Would If You Let Him»" como referencia a Ron Wood, Harrison acreditó al primer dueño de Friar Park, Sir Frank Crisp, como proveedor de «espíritu» a la canción.


title: Kingston upon Hull

text: Kingston upon Hull, usualmente llamado Hull, es una ciudad con estatus de Autoridad unitaria del condado histórico de Yorkshire, Inglaterra (Reino Unido). Administrativamente forma parte del condado ceremonial de Yorkshire del Este. Se sitúa en la costa norte de Inglaterra, en la desembocadura del río Hull en el estuario de Humber. La ciudad tiene una considerable importancia en la industria alimenticia.


title: Kingston upon Hull

text: La primera colonia surgió de la unión de Hull y Humber y fue fundada por monjes cistercienses de la Abadía de Meaux en el siglo XII con la intención de desarrollar un comercio de lana.


title: Kingston upon Hull

text: El 1 de abril de 1299 el asentamiento recibe sus primeros derechos como ciudad y su nombre "Kings Towne on the River Hull" por el rey Eduardo I de Inglaterra que necesitaba un puerto en el norte del país en el desarrollo de la guerra contra Irlanda. Durante la Guerra Civil Inglesa, Hull, debido a su gran arsenal, jugó un importante papel. A comienzos de la guerra, el 11 de enero de 1642, el rey Carlos I nombró gobernador de Hull al conde de Newcastle. El Parlamento, por su parte, designó a Sir John Hotham, quien en unión con la corporación municipal declaró su apoyo al Parlamento. Negada al rey la entrada en Hull, este respondió poniendo sitio a la ciudad. Este asedio fue un hecho decisivo que vino a precipitar el conflicto ya que se había abierto entre las fuerzas del Parlamento y las realistas.


title: Kingston upon Hull

text: El estatus histórico de la ciudad ha cambiado en diversas ocasiones a lo largo de la historia. Como ex distrito, Hull formaba parte del condado de Humberside de 1974 hasta 1996. Cuando este se disolvió se convirtió en una "Autoridad unitaria".


title: Kingston upon Hull

text: En la zona de museos de la ciudad podemos encontrar, entre otros, el "Wilberforce House", el "Hull and East Riding Museum", el "Ferens Art Gallery", el "Maritime Museum" y el "Streetlife and Transport Museum".


title: Kingston upon Hull

text: Otra colección de interés es sin duda la de arte de la Universidad de Hull.


title: Kingston upon Hull

text: Además podemos encontrar en Hull los jardines reales "Queens Gardens", "the deep", un acuario de mar que es el único que se puede considedar "Submarium" a nivel mundial y se encuentra en medio de un tanque acuático. El acuario contiene 2,5 millones de litros de agua, 87 toneladas de sal y cuenta con un ascensor de cristal en su interior.


title: Kingston upon Hull

text: En Hull también localizamos el puente Humber, el cuarto puente colgante más grande del mundo.


title: Kingston upon Hull

text: Las iglesias más destacadas de Hull son:


title: Kingston upon Hull

text: Económicamente Hull comerciaba con Europa pero también servía hasta el siglo XIX para la caza de ballenas; después, en los años 1900 - 1975, la industria se orientó a la pesca de eglefino y bacalao en los mares profundos entre Europa e Islandia. Hasta hoy en día desde el puerto de Hull se trasladan mercancías a Róterdam y Zeebrugge.


title: Kingston upon Hull

text: Aunque su puerto llegó a ser el tercero más grande del Reino Unido, su casco antiguo restaurado es su principal atractivo turístico.


title: Kingston upon Hull

text: Desde 1927 cuenta con universidad propia: "University of Hull" (Universidad de Hull). En el centro de la población también existe un pequeño "campus" de la Universidad de Lincoln.


title: Kingston upon Hull

text: El club de fútbol local, Hull City AFC, participa en la tercera división del fútbol de Inglaterra, la EFL One. Juega sus partidos de local en el KCOM Stadium cuyo aforo supera los 25.000 espectadores.


title: Religión en Italia

text: La religión más difundida en Italia es el cristianismo, presente desde la época de los apóstoles. La confesión mayoritaria es el catolicismo.


title: Religión en Italia

text: Según una investigación de Eurispes efectuada en el año 2006 y publicada en el Corriere della Sera, 89,8% de la población se declara católica y el 36,8%, practicante. Según la misma investigación, se reúne en misa todos los domingos el 30,8% de los entrevistados entre 18 y 24 años, frente al 22,4% de las personas entre 24 y 34 años y el 28,5% de los sujetos entrevistados en la franja de edad entre 34 y 44 años. La discrepancia que hay tras el que se declara católico y el de estricta observancia, aunque es menor respecto a los otros países de Europa occidental, es sensible, como indican las opiniones relativas al aborto, fecundación asistida y uniones civiles.


title: Religión en Italia

text: Los cristianos (católicos, protestantes, ortodoxos, Testigos de Jehová, mormones, etc.), en Italia representan la religión de la mayoría. Como en muchos países occidentales, el proceso de secularización es creciente, sobre todo entre los jóvenes, aunque no falta la presencia de movimientos católicos como Acción Católica, la Juventud Franciscana, la AGESCI, Comunión y Liberación y Camino Neocatecumenal que intentan revertir o paliar este proceso.


title: Religión en Italia

text: Entre las otras confesiones cristianas, en el ámbito protestante es señalable la Iglesia evangélica valdense , nacida en la misma Italia. Nacido como movimiento medieval después de la reforma protestante hubiera absorbido la teología calvinista y de hecho, "diventata l'espressione italiana delle Chiese riformate". La comunidad histórica protestante (véase, metodista, luterana y baptista) está reunida en la Federación de Iglesias Evangélicas en Italia, junto con otros movimientos pentecostales minoritarios.


title: Religión en Italia

text: Tras los nuevos movimientos religiosos cristianos se puede encontrar el mormonismo, llegado a Italia en el 1950 y los Testigos de Jehová que empezaron a imprimir la Atalaya, (La Torre di Guardia en italiano) en los valles piamonteses ya desde 1903. Estos últimos, en particular, son el grupo religioso con mayor número de adherentes después del catolicismo, el islam (este último practicado por cerca de 85.000 personas), el protestantismo (cerca de 700.000 miembros divididos en multitud de iglesias y confesiones) y la Iglesia Ortodoxa (por lo menos 700.000 fieles). Fuertemente seguido por las iglesias de tipo pentecostal, entre las cuales cabe destacar la Asamblea de Dios en Italia, que, con 400.000 fieles, constituye la organización protestante más grande.


title: Religión en Italia

text: La religión más antigua presente en Italia es el judaísmo, el cual tiene una presencia ininterrumpida en Roma desde antes de la llegada del cristianismo. La comunidad judía en Italia tiene unos 45.000 individuos.


title: Religión en Italia

text: A lo largo del siglo XIX y del siglo XX se difunden en Italia otros movimientos, en particular el budismo, hinduismo y sikhismo. Los budistas son unos 110.000, los hinduistas alrededor de 75.000 mientras que los sijs giran en torno a las 70.000 personas. Los fieles de las dos primeras religiones están agrupados en la Unión Budistas Italiana y en la Unión Hinduista Italiana, oficialmente reconocidas por el Estado italiano.


title: Religión en Italia

text: El paganismo moderno está presente en particular en las formas wiccana, romana, odinista y druidista. Uno de los grupos italianos más influyentes que sigue el neopaganismo romano es el Movimiento Tradicional Italiano. Entre los grupos odinistas que siguen el neopaganismo el más importante es, por el contrario, la Comunidad Odinista.[[Categoría:Religión en Italia]]


title: Paeonia rockii

text: La peonía arbórea o peonía de Rock (Paeonia rockii) es una especie de planta leñosa de peonía, nombrada así en honor a Joseph Rock. Es nativa de las montañas de China occidental, principalmente de Gansu y provincias adyacentes. En chino, se la conoce como 牡丹 (pinyin: mǔ dān) o 牡丹皮 (pinyin: mǔ dān pí), y su flor 牡丹花 (pinyin: mǔ dān huā). Ya no es oficialmente la flor nacional de China, siguiendo un referéndum de 1994 . Se la cultiva como una planta ornamental. Es muy resistente a helada y a enfermedades fúngicas, crece en países norteños de Europa: Suecia, Finlandia. En Alemania es la más fuerte de las especies de peonías arbóreas.


title: Paeonia rockii

text: Como "Paeonia lactiflora", otra especie china de peonía, es usada como remedio herbal en medicina tradicional china .


title: Paeonia rockii

text: Sus híbridos incluyendo a "Paeonia rockii" como un pariente se llaman Rockii-híbridos. En China hay varios grupos de cultivares de esos híbridos, denominados Gansu Mudan y Zhongyuan Mudan, o grupo de cultivares chinos del noroeste. El grupo europeo Suffruticosa ("Paeonia × suffruticosa") también cae aquí. "Paeonia rockii" fue descrita por (S.G.Haw & Lauener) T.Hong & J.J.Li ex D.Y.Hong y publicado en "Bulletin of Botanical Laboratory of North-Eastern Forestry Institute" 12(3): 227, f. 4. 1992.  "Paeonia": nombre genérico en honor de Peón, el médico de los dioses que aparece mencionado en la "Ilíada" y en la "Odisea" de Homero. Curó a Ares cuando fue herido por Diomedes durante la guerra de Troya; también se menciona una curación anterior que le hizo a Hades de una flecha lanzada por Heracles en Pilos. También en Plinio el Viejo, libro 25, X, 1, que la recomienda contra «"las pesadillas provocadas por los Faunos."» "rockii": epíteto otorgado en honor del botánico Joseph Rock.


title: Región metropolitana de Río de Janeiro

text: La región metropolitana de Río de Janeiro (en portugués "Região Metropolitana do Rio de Janeiro") también conocida como Grande Rio es la del mundo y la 2ª de Brasil. Fue creada por la "Lei Complementar nº20", el 1 de julio de 1974, tras la fusión de los antiguos estados de Río de Janeiro y Guanabara.


title: Región metropolitana de Río de Janeiro

text: Sus límites han sufrido alteraciones con la exclusión de los municipios de Petrópolis y São José do Vale do Rio Preto (retirados en 1993), Maricá (retirado en 2001) e Itaguaí, Mesquita y Mangaratiba (retirados en 2002), que también formaban parte de la región metropolitana conforme a la primera legislación. Itaguaí e Maricá fueron nuevamente incluidos en la región metropolitana en octubre de 2009, estabilizando el número de municipios en 19.


title: Región metropolitana de Río de Janeiro

text: Según los resultados del censo 2010, posee una población de 11.902.701 habitantes. En los últimos años, las tasas de crecimiento medio anual de población fueron del 0,82% (2000-2005) y 0,75% (1991-2000) en Río de Janeiro, y del 1,05% (2000-2005) y 1,18% (1991-2000) en la región metropolitana, indicando, de modo general, una suave desaceleración en las tasas de crecimiento en los municipios integrantes, excepto en el de Río de Janeiro con un pequeño aumento de las mismas.


title: Región metropolitana de Río de Janeiro

text: La RMRJ está constituida por los siguientes municipios:


title: Pseudotsuga

text: Pseudotsuga es un género de coníferas dentro de la familia de las pináceas. Se les llama, en español "douglasias" o "abetos de Douglas", aunque no son realmente abetos. Hay cinco especies, dos en el oeste de Norteamérica, una en México y dos en el este de Asia. Las Douglasias plantearon problemas de clasificación a los botánicos del siglo XIX debido a la similitud que presentan con otras varias coníferas conocidas en su tiempo, lo que originó que unas veces lo clasificaran en "Pinus, Picea, Abies," "Tsuga", e incluso en las "Sequoia." Debido a sus conos distintivos, la Douglasia finalmente se clasificaron en el nuevo género "Pseudotsuga" (que significa "falso Tsuga") por el botánico francés Carrière en 1867.


title: Pseudotsuga

text: De lejos el más conocido es la muy extendida y abundante especie norteamericana "Pseudotsuga menziesii", el "Abeto" de Douglas o Douglasia verde, una especie taxonómicamente compleja dividida en dos grandes variedades (tratadas como especies distintas o subespecies por algunos botánicos):


title: Pseudotsuga

text: La especie en su conjunto es conocida generalmente de forma simple como "abeto" de Douglas. Es el árbol del estado de Oregón.


title: Pseudotsuga

text: Todas las demás especies son de un área de distribución limitada y poco conocidas fuera de sus entornos originarios, e incluso allí son raras y aparecen pocas veces, en bosques mixtos; todas están incluidas en listas con un estado de conservación desfavorable.


title: Dialecto judeo-arameo

text: Judeo-arameo es un nombre colectivo utilizado para describir varias lenguas hebreas influidas por el arameo y el neoarameo. El arameo, como el hebreo, es una lengua semítica occidental y las dos tienen mucho parecido. Desde el siglo VII a. C. el arameo era la "lingua franca" de Oriente Medio. Llegó a ser la lengua de la diplomacia y del comercio, pero no fue usada por el pueblo hebreo en sus comienzos. Como describe el Segundo Libro de los Reyes 18:26, Ezequías, rey de Judá, pidió negociar con los embajadores asirios en arameo mejor que en hebreo, por lo que el pueblo no se podía enterar. Durante el siglo VI a. C. el cautiverio de Babilonia llevó la lengua de trabajo de Mesopotamia mucho más a la vida diaria de los judíos ordinarios. Alrededor del año 500 a. C. Darío I de Persia proclamó que el arameo sería la lengua oficial de la mitad occidental de su imperio, y el dialecto arameo oriental se convirtió en la norma estándar oficial. Evidencias documentales enseñan el cambio gradual del hebreo al arameo:


title: Gárate (apellido)

text: Casa noble de origen guipuzcoano (español)


title: Gárate (apellido)

text: Apellido noble y de origen de una casa noble española está de origen guipuzcoano y navarro. Hubo dos casas nobles de gran importancia y antigüedad en Elgóibar (Guipúzcoa), la de yuso y la de suso (de abajo y de arriba), y otra también de notable antigüedad en el valle del Roncal (Navarra).


title: Gárate (apellido)

text: De la casa noble solar de Gárate de yuso desciende la extensa rama establecida en Azcoitia (Guipúzcoa) desde principios del siglo XV, y que posteriormente se expandió por otras localidades de la misma provincia, y en Vizcaya, Cantabria, Burgos, Palencia, La Rioja, Soria, Zaragoza, Asturias, La Coruña, Lugo, Madrid, Barcelona, Valencia y otras muchas provincias españolas.


title: Gárate (apellido)

text: Existió asimismo una importante presencia familiar en la provincia de Álava, especialmente en la localidad de Llodio, de donde desciende una extensa rama establecida en el estado de Tamaulipas (México) y en Argentina.


title: Gárate (apellido)

text: También hay ramas muy antiguas establecidas en Begíjar (Jaén), Huerta de Rey (Burgos), Ferrol (La Coruña) y Zaragoza.


title: Gárate (apellido)

text: En la provincia de Navarra, hubo presencia de familias nobles de este apellido en los valles del Roncal (especialmente en Burgui y Roncal) y en la zona del valle del Baztán (Oronoz, Sumbilla, Donamaria, Almandoz, Ituren, Narvarte y otras muchos pueblos), y en las localidades de Uxue, Tudela, Pamplona, Lumbier, Arguedas, Cadreita, Abaurrea Alta, Liébana, etc.


title: Gárate (apellido)

text: Muchas familias de este apellido se establecieron en América, y en la actualidad hay una notable presencia del mismo en México, Perú, Ecuador, Chile, Argentina, Estados Unidos, Venezuela y Bolivia.


title: Gárate (apellido)

text: El mayor número de familias GÁRATE residen actualmente, y por este orden, en Chile, España, Ecuador y Argentina.


title: Gárate (apellido)

text: En campo de azur, dos chevrones de oro. Este mismo blasón utilizaron también algunas ramas de la familia en Azcoitia, como procedentes de la Casa de Gárate de suso, en Elgóibar (Guipúzcoa).


title: Gárate (apellido)

text: De oro, con dos chevrones de sinople, acompañados de tres estrellas de gules, dos en lo alto y una en punta. Este mismo blasón fue utilizado por algunas ramas de la familia establecidas en Azcoitia, como descendientes de la Casa de Gárate de suso, en Elgóibar.


title: Gárate (apellido)

text: En campo de azur, dos chevrones de sinople, perfilados de oro.


title: Gárate (apellido)

text: De oro, con un roble de sinople y un lobo de su color, lampasado de gules y atravesado al tronco. Este mismo blasón utilizaron también algunas ramas de la familia Gárate de Azcoitia, como descendientes de la casa solar de Gárate de yuso, en Elgóibar.


title: Gárate (apellido)

text: En campo de gules, una banda de plata, cargada de una cotiza de gules, y acompañada de dos aguiletas de oro, una a cada lado.


title: Gárate (apellido)

text: Un jabalí, y detrás de él, un cazador a caballo que le tira una lanza (Según descripción de Miguel de Salazar, en la que se omiten los esmaltes).


title: Gárate (apellido)

text: En azur, un toro de oro, echado sobre terraza de sinople.


title: Gárate (apellido)

text: En oro, un sol de gules en jefe, y debajo dos lirios de azur y una rosa en medio, atados con una cinta de gules. Este blasón corresponde a una de las ramas de la familia Gárate de Guipúzcoa, según una certificación dada en Madrid en 1857.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Extra Texture (Read All About It) es el sexto álbum de estudio del músico británico George Harrison, publicado por la compañía discográfica Apple Records en septiembre de 1975. Su lanzamiento tuvo lugar casi un año después de su primera y última gira por Norteamérica a finales de 1974 y de la publicación de "Dark Horse", su predecesor, que obtuvo mayoritariamente críticas desfavorables de la prensa musical. A diferencia de trabajos anteriores, "Extra Texture" se caracterizó por ser el único disco de Harrison que no contiene letras con temática religiosa o espiritual y por estar mayoritariamente grabado en Los Ángeles, en lugar de en su estudio personal de Friar Park en Oxfordshire.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: La grabación, que tuvo lugar entre abril y junio de 1975 en los A&M Studios de Los Ángeles, contó con la participación de músicos como Gary Wright, David Foster, Jim Keltner, Leon Russell, Billy Preston, Tom Scott y Jim Horn, en su mayoría también presentes en la grabación de "Dark Horse". Además, al igual que su predecesor, el álbum volvió a incorporar elementos de la música "soul" y la influencia vocal de Smokey Robinson, en contraposición con el "folk rock" dominante en trabajos como "All Things Must Pass" y "Living in the Material World".


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Tras su publicación, "Extra Texture (Read All About It)" se convirtió en el segundo trabajo consecutivo de Harrison en obtener críticas mayoritariamente negativas de la prensa musical. Además, su éxito comercial también fue inferior al de sus primeros trabajos, al alcanzar el puesto ocho en la lista estadounidense "Billboard 200" y el dieciséis en la lista de discos más vendidos del Reino Unido. Poco después de su publicación, la RIAA certificó el álbum como disco de oro al superar las 500 000 copias vendidas. Después de dos décadas descatalogado, "Extra Texture" fue remasterizado y reeditado en 2014 como parte de la caja recopilatoria "The Apple Years 1968-75".


title: Extra Texture (Read All About It)

text: En febrero de 1975, la revista musical "Rolling Stone" catalogó la gira que George Harrison organizó con Ravi Shankar para promocionar el álbum "Dark Horse" como «desastrosa». Definido anteriormente por el autor Nicholas Schaffner como «el sorprendente ganador del concurso de ex-Beatles», debido al éxito de sus primeros trabajos tras la separación de The Beatles, Harrison sufrió repentinamente las peores críticas de la prensa musical a raíz de la publicación de "Dark Horse", un álbum que no llegó a entrar en la lista de discos más vendidos de su país natal. Aunque durante la gira aseguró que las críticas negativas le hicieron más decidido, en realidad le llegaron a afectar personalmente. Al respecto, Mikal Gilmore reconoció que «la crisis que encaró a mediados de la década de 1970 le cambió», y la depresión fue un factor clave en la posterior grabación de "Extra Texture".


title: Extra Texture (Read All About It)

text: En enero de 1975, Harrison regresó a su residencia de Friar Park tras acabar la gira de promoción de "Dark Horse". En su autobiografía "I, Me, Mine", el músico comentó sobre su estado de salud: «Cuando bajé del avión, fui al jardín y me alivié. Fue lo más cercano que estuve a un ataque de nervios. Ni siquiera podía entrar en casa». El músico plasmó la misma desesperación en la letra de «Grey Cloudy Lies», que el músico describió a Paul Gambaccini en septiembre de 1975 como «una de esa clase de canciones depresivas de las 4:00 de la madrugada».


title: Extra Texture (Read All About It)

text: La depresión, endurecida por su creciente abuso del alcohol y la cocaína, impregnó parte de las canciones que compuso durante este periodo. Al respecto, las letras de «The Answer's at the End», «This Guitar (Can't Keep from Crying)», «World of Stone» y «Grey Cloudy Lies» se alejaron de la espiritualidad, una temática habitual en trabajos como "Living in the Material World", y parecían pedir la compasión del oyente, según escribió Simon Leng. Sus dudas espirituales fueron más patentes en «World of Stone», sobre la que el autor Gary Tillery escribió: «[En la canción], Harrison canta ""Such a long way from home"" —en español: "Un largo camino hacia el hogar"—, pero en su autobiografía lo redefine como ""such a long way from om"" —en español: "Un largo camino hacia "om""—, confesando una agitación interna por haberse desviado de la fe». El músico compuso «Tired of Midnight Blue» en Los Ángeles, donde se trasladó a comienzos del año anterior por negocios relacionados con la recién creada compañía discográfica Dark Horse Records. La letra de la canción se centra en su estado «depresivo» tras pasar una noche en un club de la ciudad con «un montón de gente desalmada y canosa», según sus propias palabras.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Otra actividad social en Los Ángeles incluyó una fiesta del grupo Wings en el transatlántico RMS Queen Mary, en Long Beach, donde Harrison se encontró por primera vez en público con Paul McCartney tras la separación de The Beatles. Durante su estancia en Los Ángeles, también acudió a varios conciertos de Bob Marley & The Wailers y se reunió con amigos como Billy Preston y Ron Wood en los camerinos de un concierto que The Rolling Stones ofreció en la ciudad. Nuevas amistades como Eric Idle, miembro del grupo de humoristas Monty Python, entraron en la vida social de Harrison durante el verano e influyeron en su trabajo posterior.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: En lugar de utilizar los estudios de grabación de Friar Park, Harrison grabó "Extra Texture" en Los Ángeles debido al extensivo trabajo de su sello discográfico, Dark Horse Records, que recientemente había contratado a grupos como Jiva, Five Stairsteps, Henry McCullough y el grupo de Jim Keltner Attitudes. Entre abril y mayo de 1975, el músico reservó los A&M Studios para grabar el segundo disco de Splinter; sin embargo, el grupo no pudo realizar la grabación. En lugar de incurrir en costes de cancelación, Harrison decidió grabar su último disco bajo su contrato con EMI en La Brea Avenue, sede de A&M Records, distribuidora de los discos de Dark Horse Records, y así establecerse a continuación en su propio sello discográfico.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Además de grabar nuevas composiciones, Harrison completó «You», una canción que compuso para Ronnie Spector en 1970 y que la cantante no llegó a publicar. Un segmento de la canción aparece repetido en "Extra Texture" en forma de tema instrumental con el título de «A Bit More of You» abriendo la cara B de la edición original en vinilo. Otra canción sobre la que volvió a trabajar fue «His Name Is Legs (Ladies and Gentlemen)», grabada en Friar Park poco antes de iniciar la gira de 1974 con músicos como Tom Scott, Billy Preston, Willie Weeks y Andy Newmark. La canción incluyó la voz de «Legs» Larry Smith, antiguo miembro de Bonzo Dog Doo Dah Band y cuyo apodo aparece en el título del tema.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: En las sesiones de grabación en A&M Studios participaron músicos como Gary Wright, Jesse Ed Davis, Klaus Voormann, Jim Horn, Jim Keltner y Tom Scott. Además de Keltner, otros miembros del grupo Attitudes como David Foster y Paul Stallworth también participaron en la grabación de "Extra Texture". Voormann, amigo de Harrison desde comienzos de la década de 1960, definió la atmósfera de las sesiones como desagradables, en particular por el fuerte consumo de drogas, pero también por el «estado de ánimo de Harrison cuando estaba haciendo este disco». Después de que Voormann decidiese abandonar las sesiones, Harrison sobregrabó las partes de bajo usando sintetizadores ARP o un Moog modular, del mismo modo que hizo en «Bye Bye Love» un año antes.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Con Norm Kinney como ingeniero de sonido, Harrison grabó las pistas básicas de las nuevas canciones entre el 21 de abril y el 7 de mayo, comenzando por «Tired of Midnight Blue» y «The Answer's at the End». Tras un descanso de un par de semanas, las sobregrabaciones comenzaron el 31 de mayo con un solo de saxofón en «You», interpretado por Horn, además de una segunda batería y varias pistas de teclados. El 2 de junio, Chuck Findley, miembro de la banda con la que Harrison salió de gira un año antes, participó en la grabación de «Ooh Baby (You Know That I Love You)», un tributo a Smokey Robinson, y de «His Name Is Legs». Finalmente, entre el 6 y el 9 de junio, David Foster grabó la orquestación de «This Guitar», «The Answer's at the End» y «Can't Stop Thinking About You».


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Además de grabar su propio álbum, Harrison colaboró con varios de sus amigos en la grabación de sus respectivos trabajos en solitario. De este modo, participó como guitarrista en los discos "It's My Pleasure" de Billy Preston, "Hard Times" de Peter Skellern, y "New York Connection" de Scott. Ambos discos incluyen contribuciones del músico con la guitarra slide, menos presente en "Extra Texture" con respecto a trabajos anteriores, a excepción de los temas «Tired of Midnight Blue» y «This Guitar (Can't Keep From Crying)». La calidad de su voz mejoró en comparación con la utilizada en "Dark Horse", donde se vio afectada por una laringitis, lo cual le permitió usar un estilo vocal más suave que hizo de "Extra Texture" «un álbum "soul" para amantes», según el autor Simon Leng. Durante este periodo, el músico solía citar a Smokey Robinson como su principal influencia musical, y a Stevie Wonder y Bob Marley como ejemplos de sus escuchas preferidas.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Precedido por el lanzamiento del sencillo «You», la compañía discográfica Apple Records publicó "Extra Texture (Read All About It)" el 22 de septiembre de 1975 en los Estados Unidos, con el número de catálogo SW 3420, y el 3 de octubre en el Reino Unido, con número de catálogo PAS 10009. Tras su lanzamiento, "Extra Texture" obtuvo reseñas mixtas de la prensa musical, paralelas al escaso éxito de "Dark Horse". En su crónica para Allmusic, Richard Ginell destacó el sencillo «You» y describió «The Answer's at the End» como una de las «baladas más bellamente armonizadas, majestuosas y extrañamente infravaloradas». Dave Marsh de la revista musical "Rolling Stone" también destacó «You», la cual definió como un retorno al estilo de esplendor de "All Things Must Pass", y describió «Can't Stop Thinking About You» y «Tired of Midnight Blue» como «los nueve minutos más efectivos de la música que Harrison ha hecho desde 1970». Sin embargo, Marsh lamentó, en un álbum «incompleto en el mejor de los casos», y la voz «afectivamente débil» de Harrison y que hubiese una excesiva dependencia de los teclados. Por otra parte, Roy Carr y Tony Tyler de "NME" describieron el álbum como «otra ofrenda lúgubre» y comentaron: «La aguja del oyente señala hoscamente hacia cero en todo». En relación con las críticas que obtuvo "Extra Texture", Harrison comentó en una entrevista a BBC Radio en enero de 1976: «La gente que nunca tuvo interés en mí realmente odian mis entrañas en estos momentos. Se han convertido en polos opuestos, completamente negro y blanco».


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Al igual que la mayoría de los críticos musicales, varios biógrafos de Harrison señalaron "Extra Texture" como un trabajo menor en su carrera. Alan Clayson describió el álbum como «artísticamente su punto más bajo», mientras que Simon Leng lo definió como un «disco rehabilitador» que llegó demasiado pronto, lo cual resultó en una obra extrañamente desapasionada, con un cantante que suena «grogui». Junto con «You», ambos autores identificaron «Tired of Midnight Blue» como el único salvador de "Extra Texture". No obstante, otros autores como Greg Kot valoraron positivamente el álbum y lo señalaron como «algo como un retorno a la forma». En una entrevista para la revista "Musician" en noviembre de 1987, el propio Harrison describió "Extra Texture" como su peor trabajo en solitario. Al respecto, comentó: «[Es] un álbum sucio... La producción deja mucho que desear al igual que mis actuaciones».


title: Extra Texture (Read All About It)

text: A nivel comercial, "Extra Texture" entró en el puesto ocho en la lista estadounidense "Billboard 200" el 25 de octubre, donde se mantuvo durante tres semanas, y el 11 de noviembre fue certificado como disco de oro por la RIAA. En el Reino Unido, "Extra Texture" marcó un breve retorno de Harrison a la lista "UK Albums Chart", donde a diferencia de "Dark Horse", disco que no llegó a entrar, alcanzó el puesto 16, gracias en parte a la labor de promoción que el músico realizó en su país natal. Al respecto, el 6 de septiembre, la BBC Radio 1 emitió una entrevista con Harrison en el programa "Rockweek", presentado por Paul Gambaccini, en la que discutió todos los temas del disco. El mismo día, "Melody Maker" publicó una entrevista con el músico bajo el titular de "George Bounces Back!". Harrison explicó a Gambaccini que el título del álbum surgió durante una discusión en el estudio de grabación: mientras el músico estaba diciendo que necesitaba a un "extra" para añadir una sobregrabación, Paul Stallworth dijo la palabra "texture". Aunque admitió estar en un «momento bajo» durante la grabación del álbum, la entrevista en "Melody Maker" incluyó bromas del músico cuando le preguntaron su opinión sobre el musical "John, Paul, George, Ringo … and Bert", a la que contestó en tono jocoso: «Prefiero ser un ex-beatle que un ex-nazi».


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Otras actividades que Harrison llevó a cabo a finales de 1975 fue la producción del sencillo de los Monty Python «The Lumberjack Song». El grupo interpretó la canción en "Concert for George", un concierto tributo al músico organizado en el Royal Albert Hall en noviembre de 2002, un año después de su muerte. Pocos meses después, volvió a colaborar con Eric Idle en el especial navideño del programa de televisión "Rutland Weekend Television", donde interpretó «The Pirate Song».


title: Extra Texture (Read All About It)

text: El diseño de "Extra Texture" corrió a cargo de Roy Kohara, ganador de un premio Grammy. La portada de color naranja incluyó un troquelado con el título del disco, escrito en sentido oblicuo y ocupando gran parte del espacio. A través del título troquelado se podía ver parte de la cartulina interna, que incluía una fotografía del músico. En consonancia con el título del álbum, el cartón usado para la portada del álbum tenía una textura similar a la «piel animal usada en los balones de fútbol», según el autor Bruce Spizer. Ediciones posteriores en vinilo incluyeron la portada sin troquelar, con la misma tipografía del texto pero impreso en color azul.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: En la contraportada, Kohara incluyó una fotografía en miniatura de Harrison, tomada durante la gira de promoción de "Dark Horse". Además, en lugar del logotipo tradicional de Apple Records, que consistía en una manzana Granny Smith, Harrison incluyó en la contraportada una manzana mordida hasta el corazón, un gesto visto como una broma referente a la inminente desaparición de la compañía discográfica de The Beatles.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Una de las caras de la cartulina interna incluía una fotografía del rostro de Harrison sonriendo, según el crítico musical Robert Christgau, como «un monaguillo de Monty Python», con la expresión "«OHNOTHIMAGEN»" —en español: «Oh, no él otra vez»— sobreescrita en la parte superior. La expresión incluida en la fotografía fue una autoparodia del músico sobre su decreciente popularidad en los dos últimos años.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Al igual que en "Dark Horse", Harrison escribió de su puño y letra los créditos del álbum en la segunda cara de la cartulina interna. Además de nombrar a los músicos que participaron en la grabación del disco, también incluyó varios nombres de personajes y amigos que no participaron en las sesiones de "Extra Texture" como Derek Taylor, Eric Idle, Peter Sellers y el ejecutivo de Dark Horse Records Dino Airali.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: Parlophone publicó "Dark Horse" por primera vez en formato CD en enero de 1992, sin ningún tema extra. Tras la reedición de "All Things Must Pass" en enero de 2001, Harrison mostró interés en remasterizar y reeditar el resto de su catálogo musical siguiendo el orden cronológico de su publicación original. Sin embargo, su muerte en noviembre del mismo año obligó a su familia a posponer los proyectos pendientes para finalizar "Brainwashed", su último trabajo de estudio, y para organizar "Concert for George", un concierto homenaje a su carrera.


title: Extra Texture (Read All About It)

text: En sucesivos años, su viuda Olivia y su hijo Dhani supervisaron la publicación de la caja recopilatoria "The Dark Horse Years 1976-1992", con el catálogo musical que Harrison publicó con Dark Horse Records, así como la remasterización de "The Concert for Bangladesh" y "Living in the Material World". Finalmente, después de dos décadas descatalogado desde su primera edición en CD en 1992, "Extra Texture" fue remasterizado y reeditado en 2014 como parte de la caja recopilatoria "The Apple Years 1968-75", con una demo de «This Guitar (Can't Keep from Crying)» que Harrison hizo para David Stewart como tema extra.


title: Desfibrilación y cardioversión eléctrica

text: La desfibrilación y la cardioversión eléctrica (choque eléctrico externo) son dos tipos de terapia que mediante la aplicación de un choque eléctrico de corriente continua consigue revertir distintos trastornos del ritmo cardíaco. Su alta eficacia, facilidad de aplicación y seguridad han contribuido a su gran difusión, estando disponibles en casi todos los ámbitos de la asistencia sanitaria, e incluso los automáticos en lugares públicos, pudiendo ser utilizados sin personal sanitario.


text: La desfibrilación se utiliza en los casos de parada cardiorrespiratoria, con el paciente inconsciente, que presenta fibrilación ventricular o taquicardia ventricular sin pulso. Son mortales sin tratamiento.


text: La cardioversión eléctrica se emplea para revertir las arritmias reentrantes, especialmente la fibrilación ventricular. El choque eléctrico es sincronizado con la actividad eléctrica del corazón. Puede ser administrado de forma electiva o urgente, si la situación compromete la vida del paciente.


text: Claude Beck realizó la primera desfibrilación en el curso de una intervención quirúrgica del corazón en 1947.


text: La cardioversión se utilizó por primera vez en humanos por Zoll et al. en los años 50 para el tratamiento de la fibrilación auricular mediante choques de corriente alterna, aunque éstos frecuentemente inducían fibrilación ventricular. Poco después Lown et al. reduce drásticamente esta complicación al realizar la cardioversión con corriente continua. Posteriormente estas desaparecerían al introducir la sincronización con la onda "R" del electrocardiograma (ECG), es decir emitir la descarga en el momento de la despolarización de los ventrículos, evitando hacerlo en la repolarización ventricular, la onda "T" del electrocardiograma.


text: El doctor Bernard Lown inventó el desfribilador para la resucitación cardíaca.


text: El choque de corriente continua sobre el corazón provoca la despolarización simultánea de todas las células miocárdicas, que provocan una pausa para la repolarización; y posteriormente, si ha tenido éxito, el corazón retoma el ritmo eléctrico normal, con la despolarización y contracción muscular, primero de las aurículas y posteriormente de los ventrículos. El éxito del tratamiento depende tanto de la patología subyacente, como de la densidad de corriente que se alcanza en el miocardio.


text: La energía se administra con unas palas o electrodos colocados en el tórax, en la superficie cutánea.


text: La energía se administra desde el endocardio, mediante cables-electrodos. Se precisa mucha menor cantidad de energía. Esta es la técnica que utiliza el "desfibrilador automático implantable (DAI)" en que el generador está implantado en el tejido subcutáneo con cables-electrodos generalmente situados en las cavidades cardíacas derechas. Los modelos actuales son de onda bifásica. Se colocan en pacientes con especial riesgo de presentar una fibrilación ventricular.


text: Son los empleados hasta ahora, y aunque son los más utilizados en la actualidad se han dejado de fabricar. Descargan corriente unipolar, es decir una sola dirección del flujo de corriente. La dosis habitualmente empleada en una desfibrilación con este aparato es de 360 joules.


text: Dentro de este grupo existen dos formas de ondas, la "monofásica amortiguada sinusoidal" en el que el flujo de corriente vuelve a cero gradualmente y la "monofásica truncada exponencial" en el que es terminada electrónicamente antes de que el flujo de corriente alcance el cero.


text: Descargan corriente que fluye en una dirección positiva durante un tiempo determinado antes de revertirse y fluir en dirección negativa durante los restantes milisegundos de la descarga. Son más eficaces, precisando aproximadamente la mitad de energía que los monofásicos. En el frontal del aparato debería mostrar el rango de dosis efectiva. Si se desconoce se utilizará 200 julios. Generalmente se utilizan de 2 a 4 Julios/Kg para niños en el caso de desfibrilación. Y de 0,5 a 1 J/Kg en caso de cardioversión.


text: Este grupo tiene dos principales formas de onda, "bifásica truncada exponencial" y la "bifásica pulsada". Se desconoce si la forma de la onda tiene diferente eficacia.


text: La indicación de la desfibrilación es para dos tipos de parada cardiorrespiratoria:


text: Estas dos taquiarritmias son la causa más frecuente de la parada cardíaca extrahospitalaria en adultos y la desfibrilación es su tratamiento más eficaz. La eficacia disminuye con el tiempo. La desfibrilación precoz, en menos de cinco minutos en zona extrahospitalaria y menos de tres en los hospitales, es fundamental para el éxito, con tasas que oscilan entre el 49 y el 75 %. Cada minuto de retraso en la desfibrilación reduce la probabilidad de supervivencia al alta en un 10-15 %. De ahí que la dotación de desfibriladores externos automáticos se amplien a lugares concurridos como aeropuertos, instalaciones deportivas y también a personal no sanitario de emergencias como policías y bomberos.


text: En niños estos procesos son muy poco frecuentes.


text: No es eficaz, y no se debe utilizar, en la parada cardiorrespiratoria cuando cursa con "asistolia", es decir cuando no hay actividad eléctrica, ni bombeo sanguíneo. En el ECG aparece una línea isoeléctrica, plana. Ni tampoco en el caso de "Actividad Eléctrica Sin pulso" (AESP) que antes se denominaba "disociación electromecánica", en el que hay cualquier actividad eléctrica que en teoría puede ser eficaz, pero no hay bombeo sanguíneo. En el ECG aparece cualquier transmisión eléctrica en el corazón, incluida una imagen normal. Estos dos casos es preciso tratar la causa subyacente para poder conseguir salvar al paciente y aun así con posibilidades muy escasas, sobre todo en el caso de la asistolia.


text: La cardioversión solo la realizará un equipo médico o personal capacitado para tal procedimiento. Precisa un desfibrilador manual con el que poder realizar la descarga eléctrica de forma sincronizada con la onda "R". El paciente aunque puede estar grave, está respirando y puede estar consciente. Precisará analgesia y sedación o anestesia.  Hay que considerar varios aspectos:


text: Se puede elegir este tratamiento en otros casos, pero valorando los pros y los contras, pudiendo realizar de forma alternativa una cardioversión farmacológica:


text: No se deberá utilizar en:


text: Como en todo acto médico, la evolución puede que no sea buena a pesar de realizarlo correctamente, pudiendo aparecer las siguientes complicaciones:


text: Los desfibriladores pueden ser "automáticos" (desfibriladores externos automáticos, llamados DEA o AED), colocados en sitios públicos y preparados para ser manejados en una emergencia por cualquier usuario, o "manuales", para personal médico y habitualmente en centros médicos.


text: Los desfibriladores externos automáticos (DEA, en inglés "AED") son portátiles y normalmente describen al usuario cómo manejarlos mediante instrucciones de voz grabadas. En cualquier caso, se describe a continuación la secuencia de las acciones a seguir en caso de emergencia.Será manejado por un personal médico. En la desfibrilación la secuencia será similar a la relatada, combinándola con medicación, y se intentará tratar la causa fundamental desencadenante.


text: La dosis de energía para niños es menor, aproximadamente 4 joules por kilo de forma inicial, tanto para el monofásico como para el bifásico manual.


text: En la cardioversión se procederá a añadir analgesia, sedación y/o anestesia. La dosis aplicada depende de la arritmia, precisando en muchos casos una descarga menos intensa que en la desfibrilación.


title: Casa Grande (Bilbao)

text: La Casa Grande de Elorrieta (Bilbao) era un bloque de viviendas de estructura de madera que se construyó a principio del Siglo XX y que fue derribada a principios del Siglo XXI, sustituyéndola por una nueva barriada de edificios, además de la reconstrucción de la iglesia que fue demolida años atrás.


title: Casa Grande (Bilbao)

text: Dicha casa fue muy conocida en la zona por su antigüedad. Sus dimesiones eran de 16 metros de ancho por 150 metros de largo, lo que da un solar de 2400 m², repartidos en 118 viviendas, divididas en 4 alturas más ático. Además, con planta baja con lonjas donde había bares, tiendas y algunas viviendas, y también un cuartel de la Guardia Civil.


title: Lacapelle-Marival

text: Lacapelle-Marival es una comuna francesa del departamento del Lot en la región de Mediodía-Pirineos. Está clasificada en la categoría de les plus beaux villages de France.


title: Lacapelle-Marival

text: Presenta monumentos clasificados, huellas de la Edad Media: un castillo edificado durante el XII°, modificado hasta el XVI°; una iglesia dedicada a Santa María de la Asunción edificada durante el XVI° sobre una capilla romana del XII°; halles del XV°; y una torre, llamada "l'arbol", recuerdo de los fortificación del castillo.


title: Rock de España

text: El término rock español hace referencia al rock hecho en España. No se debe confundir con el rock en español (que es el realizado en cualquier país del mundo -sobre todo en Hispanoamérica- y que se expresa en lengua castellana).


title: Rock de España

text: Porque, además, se da el caso de que el rock español o de España no siempre se ha expresado en castellano. Es cierto que, a lo largo de su historia, esa ha sido la tendencia común y abrumadoramente mayoritaria (desde el principio). Pero también lo ha hecho -según las épocas, las modas, los lugares y las ocasiones- en inglés, francés o italiano. Y, desde luego, en catalán, euskera, gallego, lenguas vernáculas también españolas.


title: Rock de España

text: El rock llegó a España relativamente pronto. Los primeros discos de Bill Haley & His Comets, Elvis Presley y otros solistas se publicaron con cierta regularidad —y pocos meses de retraso— en el país ya en 1956-57. Aunque sin demasiado eco a nivel de medios; al menos en los primeros meses. El sistema político, en aquel entonces, era una dictadura autoritaria de corte conservador —la dictadura del general Franco— que, a finales de los cincuenta, estaba intentando incardinarse en el contexto europeo abandonando, a la fuerza, las maneras semifascistas de los años cuarenta y exhibiendo un cierto aperturismo socio-cultural y estético. A eso puede sumarse que la sociedad española, ya por aquel entonces, estaba —de alguna manera— divorciada del régimen político. La España de finales de los cincuenta y principios de los sesenta, inmersa en un proceso de desarrollo económico y social, alumbraba una sociedad homologable a la del resto de Europa (mayoritariamente de clase media o en camino de serlo; inquieta, curiosa y receptiva) mientras, por otra parte, mantenía un régimen político autocrático, tradicionalista y ultraconservador.


title: Rock de España

text: A pesar de lo que podría llegar a sugerir este contexto; el régimen franquista no denostó, prohibió ni persiguió al rocanrol. Los sucesivos gobiernos del general Franco, en realidad, no prestaron ninguna atención al fenómeno. Es cierto que la censura oficial retrasó el estreno de algunas películas, modificó las portadas de algunos discos e incluso llegó a vetar la publicación de algunas canciones, pero nunca existió nada parecido a una persecución, prohibición o represión sistemática por parte del régimen. En cualquier caso, en la segunda mitad de los cincuenta, y por estas y otras causas, España estaba tan madura como el resto de países de su entorno (Francia e Italia) para el advenimiento del "rock and roll".


title: Rock de España

text: La llegada se produjo por cuatro vías diferentes. Por un lado, la ya aludida publicación más o menos regular de discos originales. Por otro, los medios de comunicación —que, a pesar de la censura, se hacían eco de la «nueva moda americana»—. En tercer lugar, por la influencia italiana y francesa (el primer rocanrol español estuvo muy condicionado por lo que venía de esos dos países: Francia e Italia; cuya influencia musical y cultural era abrumadora). Y, por último, por la existencia de varias bases militares estadounidenses en la propia península.


title: Rock de España

text: Se ha insistido mucho en el protagonismo que las bases americanas tuvieron en la introducción del "rock 'n' roll" en la España de finales de los cincuenta. La evidencia no se puede negar. Los primeros focos del rock español fueron, precisamente, Madrid (donde estaba la base de Torrejón), Zaragoza (que tenía su base americana), Sevilla, Cádiz (con Morón de la Frontera y la base naval de Rota) y Barcelona y Valencia (que no tenían bases pero que eran puertos en los que la VI Flota recalaba con frecuencia). En los barrios en torno a las bases (y en Barcelona y Valencia, en torno a sus puertos) surgieron bares y locales que acogían a los «americanos» y en los que sonaba esa nueva música rock con frecuencia. A eso debe sumarse la existencia de emisoras radiofónicas en las propias bases. Que emitían en inglés y programaban rock’n’roll para consumo de los soldados yanquis, pero que eran captadas y seguidas por los españoles de los alrededores.


title: Rock de España

text: Pero no hay que perder de vista la influencia francesa y, sobre todo, italiana. El primer rock español está muy influenciado por lo que se hacía en Francia e Italia. Sobre todo por este último país. Aparte del francés Johnny Hallyday, los flirteos rocanroleros de gente como Peppino Di Capri, Adriano Celentano o el mismísimo Renato Carosone fueron seminales para el alumbramiento del primer rock español. Ese filtro «euromediterráneo», que suavizaba notablemente la aspereza y el carácter provocador de los creadores americanos (Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Chuck Berry, Little Richard, etc.), fue determinante, sobre todo en los primerísimos tiempos (1956-1960). A eso se suma que, a partir de 1958, los sonidos que llegaban de la propia fuente original (Estados Unidos) sufren una evolución hacia un tipo de rock más melódico, romántico y baladístico (Paul Anka, Neil Sedaka, The Platters, etc.) o hacia formas más bailables y tamizadas ("Twist", "Madison", etc). Esa «domesticación o suavización» favoreció, sin duda, tanto su aceptación por un sector cada vez más amplio del público español como la absoluta indiferencia del régimen ante un fenómeno al que consideraba estrictamente musical, en el que no veía ningún motivo de temor y cuyo espíritu de rebeldía y motor de transformaciones culturales, sociales y estéticas quizás no supo apreciar.


title: Rock de España

text: En cuanto a los medios de comunicación, ya entre 1956 y 1958 aparecen algunas revistas musicales como «Discofilia», «Mosaico Musical» o «Música y Canciones» que, sin dedicarse principalmente a la música moderna, incluyen, entre sus artículos, información sobre la recién estrenada música rock y las ediciones de discos de ese estilo. Aunque la primera revista que dio amplia cobertura al nuevo género fue «El Correo de la Radio» y el primer programa de radio dedicado exclusivamente al rock fue «Caravana Musical»


title: Rock de España

text: En torno a 1957-58, el "rock 'n' roll" comienza a lograr amplia aceptación entre el público juvenil. Las orquestas de baile incluyen en su repertorio versiones de los éxitos norteamericanos y europeos del nuevo estilo —lo que fue más importante de lo que suele creerse para popularizar el género entre el público español—.  Y, al mismo tiempo, surgen los primeros grupos y solistas jóvenes dedicados exclusivamente al "rock 'n' roll"; cantando tanto en inglés como en italiano, francés o español. Los principales focos son los ya aludidos, que cuentan con bases americanas o son escala de la VI Flota (Madrid, Sevilla-Cádiz, Zaragoza, Barcelona, Valencia). Los nombres de esos primeros grupos y solistas son Los Estudiantes, Los Rocking Boys, Chico Valento, Rocky Kan, Los Pájaros Locos, Los Milos, Los Catch As Catch Can, el Dúo Dinámico, Los Blue Boys, Kroner's Dúo, Kurt Savoy, Los Pantalones Azules, etc. También comienzan a celebrarse los primeros encuentros y certámenes de rock, como los que se organizaban en Madrid en los institutos de Secundaria «Ramiro de Maeztu» y «El Pilar». E incluso se organizan grandes festivales de «canción ligera» (al estilo del famosísimo italiano de San Remo), como el Festival de Benidorm orientado, al menos en sus primeros años, hacia los nuevos sonidos.


title: Rock de España

text: Pero, en casi todos los casos, la tamización italo-francesa en sonido, espíritu y temática es tan evidente que convendría revisar o matizar la teoría comúnmente aceptada sobre la influencia directa de los establecimientos militares estadounidenses.


title: Rock de España

text: En ese sentido, también habría que cuestionar otro lugar común que habla de la importancia que tuvo, en la aparición del "rock 'n' roll" en España, la "«conexión latinoamericana»" a través de bandas como los cubanos Los Llopis o los mexicanos Los Teen Tops. Ciertamente, ambos grupos tuvieron, en su momento, un gran éxito en el país. Pero el primer disco de rock de los cubanos y sus actuaciones y estancia en Madrid datan de 1959, mientras que Los Teen Tops no graban su primer sencillo hasta 1960; y está demostrado que los primeros grupos y solistas españoles que practican ese género surgen entre 1957 y 1958. En cualquier caso, es indiscutible la importancia de esas dos bandas latinoamericanas en cuanto a popularización y difusión del nuevo estilo entre la audiencia española.


title: Rock de España

text: En 1959 aparecen los primeros discos españoles que incluyen canciones que pueden ser definidas como rock. Son las primeras grabaciones del Dúo Dinámico (con temas como "«Cowboy»" y "«Baby Rock»"), Los Pájaros Locos y los Catch As Catch Can. Pero, sobre todo, se publica el que suele ser considerado como el primer disco de "rock 'n' roll" español en sentido estricto: un EP con cuatro canciones ("«Ready Teddy»", "«La Bamba»", "«Woo-Hoo»" y "«Me enamoré de un ángel»") firmado por los madrileños Los Estudiantes.


title: Rock de España

text: A estos siguen, ya en 1960, grabaciones de Los Milos, Mimo, Kroner’s Duo, Kurt Savoy, Chico Valento y otros.


title: Rock de España

text: Para aquel entonces el género se está consolidando en España, ganando cada vez más público, obteniendo cobertura en los medios (emisoras radiofónicas y prensa escrita) y consiguiendo amplia aceptación entre la juventud. Al mismo tiempo llegan nuevas influencias, tanto de Estados Unidos, Italia y Francia como de un nuevo foco que cada vez va a adquirir más importancia: Reino Unido.


title: Rock de España

text: Británicos son artistas como Cliff Richard, Billy Fury y, sobre todo, The Shadows, cuyo ascendente sobre el rock español va a ser enorme en los primeros años sesenta —hasta la eclosión mundial del "beat" con The Beatles en 1964—.


title: Rock de España

text: A partir de 1960 el rock inicia en España su etapa de expansión y auge.


title: Rock de España

text: Entre 1960 y 1961 surgen infinidad de nuevas bandas y solistas a lo largo y ancho de la geografía nacional: Mike Ríos, Mimo y Los Jumps, Los Pekenikes, Los Sonor, Los Flaps, Los Catinos, Micky y Los Tonys, Los Relámpagos, Los Continentales, Los King's Boys, Los Brisks y muchos otros. La principal característica de la mayoría de ellos es que, a diferencia de los intérpretes surgidos a finales de los cincuenta, éstos beben directamente de las fuentes originales anglosajonas (estadounidense y británica), en mayor medida que de las influencias franco-italianas —aunque sin renunciar totalmente a ellas—.


title: Rock de España

text: Los medios de comunicación, que hasta ese momento casi lo habían ignorado, comienzan a darle cada vez mayor presencia. Y no solo en la radio, donde nacen espacios exclusivamente dedicados a él —como el mítico «Vuelo 605»—, presentado por Ángel Álvarez; y otros muchos), sino hasta en la misma televisión (que era exclusivamente estatal). Así, programas de variedades de TVE previamente existentes como «Los Amigos del Martes». «Gran Parada» o «Escala en Hi-Fi» empiezan a emitir actuaciones o "play-backs" de intérpretes y éxitos del rock del momento. Incluso aparece un programa dedicado expresamente al "rock 'n' roll", al pop y a la «música moderna» en general, denominado «Discograma». También la prensa escrita se hace eco de la nueva tendencia, y en abril de 1962 comienza a editarse «Discóbolo», una revista musical orientada exclusivamente al pop y el "rock 'n' roll" —y que duró hasta 1971—. A ella le siguen, poco después (entre 1963 y 1967), otras publicaciones como «Fonorama», «Ondas», «Mundo Joven», «Mundo Musical», «Fans», «Rompeolas» o «El Gran Musical». Valga como anécdota ilustrativa el hecho de que incluso lo que en aquel entonces se denominaba «la prensa oficial del régimen» —los periódicos vinculados directamente al régimen franquista—, defensores de su línea política ultraderechista, autoritaria y reaccionaria, como era el caso de El Alcázar o Pueblo, terminaron dedicando suplementos y apartados específicos al rock, el "beat" y la escena musical española dando amplia cobertura a conciertos, grupos y novedades discográficas —desde un punto de vista favorable—. Aunque no sin haber mantenido antes —en el caso concreto del diario Pueblo hasta 1963— líneas editoriales francamente hostiles contra el rock como manifestación cultural "«importada del extranjero»".


title: Rock de España

text: En varias ciudades comienzan a programarse conciertos semanales en los que los jóvenes grupos que aún no han grabado ningún disco tienen ocasión de presentarse ante un público tan joven como ellos —el precio de las entradas era muy asequible—; al estilo de lo que, por aquellas fechas, se hacía en París en el Teatro Olympia. En Barcelona destacan las veladas vespertinas de El Pinar; pero es en Madrid donde surge un acontecimiento que el paso del tiempo ha convertido en algo casi mítico. Unos jóvenes promotores deciden programar, con carácter quincenal, actuaciones de varios grupos y solistas de rocanrol durante las mañanas de los domingos, utilizando el local del Teatro Circo de Price.


title: Rock de España

text: Son las famosas «matinales del Price» que se iniciaron en noviembre de 1962 y duraron casi un año, hasta que a finales de 1963 una campaña difamatoria de la prensa ultraconservadora —orquestada por el diario Pueblo— consiguió que las autoridades franquistas denegaran el permiso para su celebración.


title: Rock de España

text: Durante aquel año, pasaron por el escenario del Price cientos de bandas. Las matinales no solo consolidaron la escena del rock en Madrid —y en toda España— sino que facilitaron la aparición de nuevos grupos y solistas, extendiendo por todo el país la moda del rocanrol y las actuaciones de bandas "amateur". Así, más allá del hecho puntual de la clausura de las jornadas del Price, la campaña anti-rock de la prensa ultraconservadora no solo no tuvo éxito, sino que terminó rindiéndose a la evidencia. El rock era ya un fenómeno de masas. De hecho, a partir de ese momento, discotecas —entonces se llamaban «boites»—, salas de fiestas, colegios mayores universitarios, locales de baile, salones recreativos e incluso piscinas municipales comenzaron a programar conciertos de grupos de rock, vista la capacidad de convocatoria que tenían entre la juventud.


title: Rock de España

text: Hacia 1963 la escena está experimentando un auge evidente. La presencia del rock es cada vez mayor a todos los niveles y la juventud española la reconoce ya como una forma de expresión propia. De Italia y, sobre todo, de Francia llega el fenómeno yeyé que, más allá de lo musical, abarca aspectos estéticos, literarios, cinematográficos, de moda, etc; y que en España adquirió especial relevancia. Surgen solistas femeninas como Gelu, Karina, Rosalía, Lita Torelló, Lorella, Ana Belén, Marisol —una vez superada su etapa como niña prodigio— o Rocío Dúrcal. Y, como intérpretes masculinos, hay que destacar a Mochi y, sobre todo, a Raphael (que hasta 1969 mantuvo una línea pop evidente y que, además, fue el primer artista español del género —en sentido laxo— en obtener éxito internacional, sobre todo en Latinoamérica).


title: Rock de España

text: Mientras tanto, la expansión de la música surf estadounidense y el éxito mundial de los británicos The Shadows condicionan a las nuevas bandas españolas de rock, muchas de las cuales se decantan por los sonidos instrumentales y por el uso de la "reverb" y el eco en sus composiciones.


title: Rock de España

text: Pero es a partir de 1964 cuando se produce el verdadero Boom de la música rock y del Pop en España.


title: Rock de España

text: Es en ese año cuando The Beatles se convierten en un fenómeno mundial y tiene lugar la llamada British Invasion, que afectó a todo el planeta. Los nuevos estilos del rock británico (la Música beat y el Rythm and blues) se imponen en todas partes, revolucionando el mundo del rock’n’roll y del Pop y dando a luz a infinidad de grupos y movimientos juveniles en los cinco continentes.


title: Rock de España

text: Por toda España (desde las grandes ciudades hasta los pueblos pequeños) surgen miles de nuevas bandas influidas por esos sonidos. Su enumeración sería imposible. En aquella época, para poder actuar en directo, el régimen franquista exigía tener el carnet de "«artista de variedades y/o música moderna»", inscrito en el Sindicato Vertical del Estado. Según los datos de la época, el número de bandas de rock’n’roll (o «conjuntos» como se decía en aquel tiempo), en torno a 1965-66 ascendía a 6.000. De hecho, en su número 17, de octubre de 1965, la revista "Fonorama" publicó una lista de más de 900 "conjuntos de rock" distribuidos por todas las ciudades (y algunos pueblos) del país. Y eso sin contar los grupos que nunca se inscribieron en el sindicato y que se limitaron a tocar en conciertos no oficiales y en sitios improvisados. Las cifras dan una idea de hasta qué punto, a mediados de los sesenta, el rock era algo consustancial a la juventud del país.


title: Rock de España

text: Surgen, entonces, algunas de las más grandes bandas de la historia de la música rock española. Los Brincos (el primer grupo en tener cierta proyección internacional -aunque modesta- en Francia, Portugal e Italia), Los Sírex, Lone Star, Los Cheyenes, Los Salvajes, Los Nivram, Los Botines, Los Pepes, Cefe y Los Gigantes, Los Huracanes, Los Gatos Negros, Los Ídolos, Los Mustang, Los 4 Jets, Los Buitres, Los Runaways, Los Polares, Los Bohemios, Los Flecos, Los Pekes, Los Protones, Alex y Los Findes, Los Wikingos, Los Polaris, Los Zooms, Los Pops, Los Banzos, Los Shakers (que no deben ser confundidos con la banda homónima de Uruguay), Los No, etc.


title: Rock de España

text: Al mismo tiempo, grupos nacidos en los años inmediatamente anteriores (entre 1960 y 1963) y cuya máxima influencia hasta ese momento habían sido Cliff Richard, The Shadows, el Surf y el primer Rock'n'roll de los cincuenta, como podía ser el caso de Los Pekenikes (que llegaron a ser teloneros de The Beatles durante su actuación en Madrid), Los Sonor, Los Relámpagos, Dúo Dinámico, los solistas Bruno Lomas y Miguel Ríos y, sobre todo, Micky y Los Tonys, se adaptaban a las nuevas tendencias y se convertían en abanderados del Beat o (en el caso de los últimos) del rythm’n’blues y del rock'n'roll más áspero, (rozando a veces algo parecido al Garage rock).


title: Rock de España

text: Es también por esta época (1964) cuando surge en Cataluña y Valencia una escena compuesta por grupos que interpretan sus temas (muchos de ellos versiones de canciones extranjeras) exclusivamente en catalán. Hablamos de bandas como Els Xocs, Eurogrup, Els Dracs, Els Trons, Els 3 Tambors, Els Corbs, Els 5 Xics y otros muchos. En el País Vasco aparecen bandas, como Los Daikiris, que incluyen temas de rock en euskera. En cuanto a Galicia, hay que mencionar a bandas como Los Tamara y, sobre todo, al solista Andrés do Barro, que interpretan sus canciones en lengua gallega y -en el caso del último- alcanzan notable éxito en toda España.


title: Rock de España

text: Entre 1964 y 1970 el rock y el Pop alcanzan su máximo apogeo en la España "franquista". La radio, la televisión, la prensa, el cine, la publicidad, la literatura, la moda, el arte y la sociedad entera están sometidas a su influencia. A despecho de la ideología reaccionaria y autoritaria del régimen, la nueva moda se impone hasta el punto de condicionar casi cada manifestación cultural, social y estética del país durante esos años.


title: Rock de España

text: Las nuevas bandas (que cantan exclusivamente en castellano) tienen un éxito apabullante. Venden cientos de miles de discos y convulsionan el paisaje de la España de los 60. Las discográficas multinacionales (EMI, RCA, CBS, etc) abren sucursales en Madrid y en Barcelona; al tiempo que discográficas nacionales como Hispavox, Zafiro, Regal, Belter, Vergara, Columbia (no confundir con la multinacional del mismo nombre) etc, junto a otras de nueva creación, expanden su negocio y prosperan al calor de la nueva moda.


title: Rock de España

text: Los Brincos juegan a ser una especie de "«Beatles celtibéricos»", combinando las armonías, sonidos, estructuras y ritmos del Beat con otros hallazgos del Pop y, también, con elementos de la tradición musical autóctona, cultivando un estilo propio, netamente español y castizo. Los catalanes Sírex son capaces de conjugar el sonido salvaje de las bandas americanas y británicas más ásperas con la cara más amable del pop euromediterráneo y en 1965 incluso telonean a The Beatles en Barcelona. Los Salvajes aúnan el estilo de unos Rolling Stones a la española con la agresividad de los primeros The Who. Los Cheyenes son la quintaesencia del sonido sucio y crudo que practican bandas británicas como The Kinks, The Troggs o The Pretty Things y los grupos norteamericanos de Garage rock. Los Mustang, por su parte, se dedican casi exclusivamente a versionear en español los éxitos de The Beatles y de otras bandas y a practicar un Beat más aséptico y comercial. En cambio, Lone Star se caracterizan por correr ciertos riesgos estilísticos (que van desde el seguidismo beat de sus inicios hasta la experimentación psicodélica, pasando por flirteos con el Jazz y, sobre todo, con el Folk rock), evolucionando a su manera hasta encontrar (a partir de 1969-71) un estilo propio, adscribible claramente al Hard rock, que les llevará a desarrollar una larga trayectoria y a ser los únicos supervivientes del Boom de los sesentas a lo largo de las dos décadas posteriores (llegando hasta los años ochenta). Es, literalmente, la Primera Edad Dorada del Rock Español. Lo que fue llamado, en su día, la «Era de los Conjuntos» o, más popularmente, "«La Década Prodigiosa»". El rock y el pop son un fenómeno de masas. Se venden cientos de miles de discos. Se filman películas, se escriben libros, se celebran festivales, se diseñan ropa y complementos, se crean modas. Entre 1965 y 1969 actúan en el país, además, algunas de las grandes bandas anglosajonas de rock de los sesenta, como fue el caso de The Beatles, The Kinks, The Animals, The Troggs, The Shadows, The Easybeats, Taj Mahal, Jimi Hendrix Experience, etc. En 1965-1966, sin solución de continuidad, tiene lugar una especie de «segunda ola Beat» que afianza la tendencia anterior y da nuevo impulso al predominio del Rock y del Pop. Siguen apareciendo cientos de bandas, entre las que destacan Los Bravos, Los Mitos, Los Pasos, Los Pic-Nic, Los Gritos, Los Canarios, Los Pop-Tops, Adam Grup, Los Grimm, Los Z-66, Los Ángeles, Henry and The Seven, Conexión, Los Archiduques, Juan y Junior (tras su salida de Los Brincos), Los Buenos, Nuevos Horizontes, Shelly y La Nueva Generación o Los Íberos. Esta nueva hornada de grupos trae consigo las últimas tendencias del rock que en ese momento nacían en Gran Bretaña y Estados Unidos. Así, con ellos, además de los ya mentados Beat y Rythm and blues aparecen y se desarrollan en España géneros como el Soul (que experimentó un verdadero auge, una auténtica fiebre, en la escena nacional entre 1967 y 1970), el Pop barroco (al estilo de los Moody Blues o The Left Banke), el Sunshine pop, el Folk Rock (iniciado en Estados Unidos por Bob Dylan y The Byrds), el Blues rock (que, junto al soul, alumbró una interesantísima escena española entre 1967 y 1971), el Acid rock y, sobre todo, la Psicodelia.  Por otra parte, algunas de estas nuevas bandas dejan de cantar exclusivamente en castellano (como habían hecho sus inmediatos antecesores) para hacerlo, cada vez más, en inglés o, sobre todo, para simultanear ambos idiomas. Los motivos, más allá de los puramente estéticos, son también comerciales. Con el uso del inglés se intenta acceder al mercado internacional (europeo y, sobre todo, anglosajón). De hecho, algunas de estas bandas graban dobles versiones de sus temas. Una en castellano para el mercado interno español y otra en inglés para el resto del mundo.


title: Rock de España

text: Y el resultado no se hace esperar: Si ya en 1964-65 Los Brincos habían obtenido alguna (ligera) repercusión en Francia e Italia grabando varios de sus temas en inglés y en las lenguas respectivas de esos países; en el año 1966 Los Bravos se convierten en el primer grupo español en obtener verdadero éxito internacional con su tema «Black is Black» (cantado en inglés), que alcanza el número 2 en las listas británicas, el número 4 en las estadounidenses y el número 1 en Canadá y varios países de Europa Occidental y del resto del mundo. La banda madrileña seguirá teniendo éxito internacional en 1967 y 1968 gracias a temas como "«I Don’t Care»" o "«Bring a Little Lovin'»".


title: Rock de España

text: Otros españoles que alcanzaron éxito en el mercado anglosajón y del resto del mundo fueron el veterano Miguel Ríos (que abandonó el “Mike” con el que debutó por su verdadero nombre a mediados de los sesenta) y que entró en las listas de medio mundo (Estados Unidos, Canadá, Australia y Europa Occidental) en 1969 con una versión en inglés, titulada «A Song of Joy» de su tema «Himno a la alegría»; así como los Pop-Tops, que obtuvieron amplia repercusión internacional con canciones como "«Oh Lord Why Lord»" (1968) y, sobre todo, con «Mamy Blue» (1970), tema este que llegó al número 1 o 2 en las listas de Francia, Italia, Alemania, Países Bajos, Austria, Noruega, Suecia, Suiza, Bélgica, Dinamarca e, incluso, Japón.


title: Rock de España

text: Así pues, al finalizar los años 60, el rock no solamente está consolidado en el país; además se ha convertido, sin discusión, en la principal manifestación cultural juvenil en España. Su presencia en la TV, en la radio y en la prensa es incontestable; se ruedan películas cuyo principal leitmotiv es la aparición de bandas y solistas ("«Un, dos, tres, al escondite inglés»", "«Megatón Ye-Ye»", "«Los chicos con las chicas»", "«Codo con codo»", "«Los chicos del Preu»", "«¡Dame un poco de amooor...!»", "«Long Play»", "«Hamelín»", "«Días de viejo color»", "«45 revoluciones por minuto»", "«Topical Spanish»", etc); se venden cientos de miles de discos (más que de ningún otro género musical) hasta el punto de que el mercado discográfico español se convierte en uno de los diez primeros del mundo (de hecho, oscilará entre los puestos octavo y noveno hasta los primeros años del siglo XXI, cuando tras la crisis discográfica, bajará al decimotercero); se crean modas y tendencias; se publican libros y revistas dedicados a los nuevos ritmos y estilos; la juventud identifica el rock y el pop como el sonido de su generación y uno de sus principales cauces de expresión cultural y estética.  Y, cosa muy importante, el Rock español ha obtenido varios éxitos en el mercado internacional/mundial (incluido el anglosajón), lo que hace abrigar esperanzas sobre su capacidad para ser «exportado».


title: Rock de España

text: En 1969-70 el panorama del rock en España, a primera vista, parece excelente.


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text: No obstante, la llegada del Soul, el Blues rock, la Psicodelia, la cultura Hippie y las nuevas tendencias de finales de los sesenta han afectado negativamente a la mayor parte de las bandas anteriores (los «conjuntos»), que, o bien no han sabido adaptarse a los nuevos estilos, o lo han hecho de manera forzada y poco natural. Los grupos originales van desapareciendo con el cambio de década (con la notable excepción de los longevos Lone Star, que sobrevivieron hasta los años 80) y los que los relevan son muy diferentes. Y, como dato relevante, el castellano cede, cada vez más, ante el inglés como principal lengua de expresión en el rock español durante los primeros setenta.


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text: Lo que pocos años antes era una escena variada pero homogénea y reconocible, va cambiando y escindiéndose en dos corrientes bien diferenciadas:


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text: Por un lado aparecen bandas que, tras la desaparición de la moda «Yeyé», practican lo que podría ser considerado el equivalente español al «Bubblegum pop» (o "música chicle") que, en la época, cosechaba gran éxito en Estados Unidos y Reino Unido. Hablamos de grupos como Fórmula V, Los Diablos, etc, a los que se unen (en una triste evolución hacia la comercialidad menos exigente) supervivientes de la generación anterior, como Los Mitos, Los Jóvenes, Los Beta y otros. La música que practican es un pop interpretado en castellano, pero infantilizado y extremadamente comercial. Una música pegadiza, facilona y de rápido consumo que ya no tiene verdadera vocación rock. Esta corriente sobrevivirá hasta mediados de la década de los setenta, haciéndose cada vez más reiterativa y ramplona, aunque gozando hasta el final del favor del público. Junto a ella, prosperó también una escena de rock comercial, melódico y baladístico cuyos máximos representantes fueron los barceloneses Santabárbara (aunque, en puridad, hay que aclarar que la banda catalana alternaba las baladas claramente comerciales con un sonido más cercano al Hard rock en sus discos).


title: Rock de España

text: Por el otro lado, hacia 1969, los sonidos del blues rock y la Psicodelia sesentera evolucionan hacia lo que, en España, se conoció como el «Underground»; término con el que se lo identificaba en su época, sin que la palabra guarde verdadera relación con lo que realmente significa en inglés ni con lo que ahora se entiende por tal en relación al rock (en realidad era la denominación que en la época se usó para el Rock progresivo hecho en España). Y que venía a representar una mezcla entre la cultura Hippie, los experimentos post-psicodélicos de bandas como The Grateful Dead, The Mothers of Invention, Captain Beefheart, Vanilla Fudge, Hawkwind o Soft Machine; el primer Rock sinfónico británico de Yes, Jethro Tull, King Crimson, Van der Graaf Generator o Pink Floyd; el Hard rock de Led Zeppelin, Deep Purple o Black Sabbath; y el Jazz-rock de Chick Corea y Return To Forever. Al abrigo de la etiqueta «underground» surgen multitud de grupos y solistas entre 1968 y 1971. Aunque estilísticamente presentan algunas diferencias (hay bandas más escoradas hacia el blues rock, otras tienden al hard, algunas son todavía muy psicodélicas; e incluso las hay netamente experimentales), todos tienen en común las influencias antes señaladas, un sonido claramente identificable como Rock progresivo y el uso casi general del inglés para sus composiciones, abandonando el castellano que sus «hermanos mayores» de los 60 habían empleado hasta aquel momento. Las bandas más reseñables del movimiento son Máquina!, Om, Yerba Mate, Módulos, Proyecto "A", Vértice, Euterpe (que colaboran activamente con el ex-componente de Soft Machine Daevid Allen), Cerebrum, Alacrán, Pan & Regaliz, Música Dispersa, Xetxu, Gong, Mi Generación, Fusioon, Darwin Theoria, Nuevos Tiempos, Evolution, All & Nothing, Ia & Batiste, etc. Entre todos ellos hay que destacar algunos ejemplos que, o bien se apartaron claramente de la corriente principal o bien trascendieron el estilo y el momento, sobreviviendo a la posterior debacle del género y ejerciendo una tremenda influencia en las generaciones siguientes. Hablamos de grupos como Época, Expresión, los sevillanos Storm o Tapiman (todos ellos practicantes de un Hard rock explícito, en la estela de bandas británicas como Deep Purple, Led Zeppelin, Grand Funk Railroad o Black Sabbath; sin ningún resabio sinfónico ni progresivo -y por ello auténticos precursores de lo que luego daría en llamarse Heavy metal); de los solistas catalanes Pau Riba y Jaume Sisa (que publicaron todas sus canciones en idioma vernáculo –en su caso el catalán-); de las Vainica Doble (un dúo femenino que cantaba únicamente en castellano); de Cecilia y de Hilario Camacho (a los que a veces se ha catalogado como cantautores pero cuyos primeros discos y sonidos estaban muy cercanos al Rock progresivo y al psych-folk); del vasco Mikel Laboa (del que puede afirmarse lo mismo, pero cantando en euskara); de Solera (más orientados al folk-rock y también expresándose, como los anteriores, exclusivamente en castellano); y, sobre todo, de los sevillanos Smash, una de las formaciones más originales, influyentes y peculiares de toda la historia del rock español (que combinaron hábilmente el prog, el blues rock, la tardo-psicodelia, la fusión flamenca y hasta el Hard rock).


title: Rock de España

text: Al contrario de lo que había ocurrido hasta entonces con los diferentes estilos y subgéneros surgidos en los sesenta, casi ningún grupo (con la notable excepción de Módulos) de los que se acogieron a la etiqueta «Rock Progresivo» o «underground» consiguió un éxito de ventas ni logró verdadera aceptación popular. Y eso que, como ya se ha señalado, el término "«underground»" era en realidad una etiqueta comercial, no la expresión de una realidad (no fue nunca un estilo marginal ni "«subterráneo»" ni sufrió ningún tipo de silenciamiento o rechazo por parte de la industria). Es más, contó con el apoyo activo de muchos medios, como la nueva prensa musical nacida en la época (revistas como Disco Exprés o Cau; y periodistas como Mario Pacheco, Gonzalo Garciapelayo, Ángel Casas y Jordi Sierra i Fabra), la radio (donde proliferaron los programas dedicados al género) y un buen número de casas discográficas. Incluso se realizaron frecuentes festivales dedicados a los nuevos grupos y sonidos progresivos, tanto en Madrid como en Barcelona y otros puntos del país.