title: Constant Lambert

text: Gracias a su puesto en la «Camargo Society» Lambert comenzó a frecuentar a Ninette de Valois, una amistad y colaboración que marcó el resto de su vida. Ninette había sido una gran bailarina y, tras dejar el baile profesional en 1926, decidió un par de años más tarde, en 1928, montar su propia compañía, la «Vic-Wells Ballet». Había bailado con los Ballets Rusos y gracias a ello contaba con el consejo y la colaboración de Diaghilev, además del auxilio financiero de importantes personajes de la vida inglesa, agrupados en la «Camargo Society». En 1931, Ninette persuadió a la empresaria Lilian Baylis para que le permitiese tener su sede en el «Sadler's Wells Theatre», un teatro situado al norte de Londres que programaba ópera: Ninette prestaba sus bailarines y colaboraba en las coreografías de las obras teatrales en las que hubiera baile; Baylis, a su vez, le cedía gratuitamente su teatro. En ese momento, Lambert pasó a ser director musical y también artístico del «Vic-Wells Ballet»: diestro en todas las artes, ejerció una gran influencia sobre Ninette, siendo no solo director sino también la conciencia y piedra de toque estética de todas las producciones, que parecía saber por instinto que era lo correcto para la compañía.


title: Constant Lambert

text: Algunos de los primeros ballet elegidos por Lambert fueron "Job, a masque for dancing" (1930), de su maestro Vaughan Williams, y "Façade" (1931), de Walton. Además, Constant realizó personalmente varias adaptaciones musicales de obras de otros compositores para montar nuevos ballets, como hizo en 1933 con "L’enfant prodigue" de Daniel-François Auber para el espectáculo "Les rendez-vous".


title: Constant Lambert

text: En 1931, el 5 de agosto, Lambert se casó con Florence Chuter (nacida Florence Kaye), una bellísima actriz euroasiática a la que había conocido en 1929, a quien todos llamaban «Flo». Tuvieron un hijo en 1935, Kit Lambert, que falleció trágicamente en 1981. (Lambert dejó a su mujer pocos años más tarde, y a partir de 1938, mantuvo una relación formal con Margot Fonteyn, de solo diecinueve años, que duró hasta después de la guerra, en 1947, cuando conoció a Isabel Delmer).


title: Constant Lambert

text: Durante los años 1930, la carrera de Lambert como director de orquesta arrancó pero su desarrollo como compositor se estancó. Su fascinación por la literatura y la música inglesas de los siglos XVI y XVII le animó a poner música a una obra de Thomas Nashe, "Pleasant Comedy" (1593). Lambert pensaba que «...la música inglesa más grande ha sido siempre literaria, en el mejor sentido de la palabra, así como la poesía inglesa ha puesto siempre gran tensión en el valor puramente musical de los sonidos, con independencia del sentido».  Le llevó casi tres años de trabajo y tituló la obra "Summer’s Last Will and Testament" (1932-1935), dedicándosela a su mujer Florence. Es una obra coral, escrita casi como una mascarada, una suerte de pastoral urbana en la que Lambert utilizó algunas formas primitivas —madrigal con ritornelli, currante, branle y sarabanda— para expresar unas emociones de una exuberancia casi bachiana y de una gran tristeza otoñal. La obra tuvo una decepcionante acogida y Lambert empezó a sentir que quizás estaba pasado de moda, que se había alejado del nuevo gusto de la sociedad inglesa que siguió a la muerte del rey Georg V: empezó a considerar seriamente que como compositor había fracasado. En los dieciséis años restantes de su vida solamente completó dos trabajos importantes y en su lugar, se concentró en dirigir, protagonizando muchas de las radiodifusiones de la BBC, apareciendo frecuentemente al frente de la orquesta en el Covent Garden y acompañando a la compañía de ballet en sus giras por Europa y Norteamérica.


title: Constant Lambert

text: En 1933, cuando Duke Ellington hizo su gira por el Reino Unido —Londres, Liverpool y Glasgow— Lambert le frecuentó en varias ocasiones e incluso organizó en su propio piso de Bloomsbury una pequeña cena privada en su honor. En su libro «Music, Ho!», Lambert le dedicó muchos elogios y dijo de su música: «En las composiciones de Ellington el jazz ha dado la música popular más importante desde Johan Strauss». Duke Ellington, a su vez, en una entrevista de 1935 aparecida en el «Philadelphia Record», en que el periodista le iba leyendo los elogiosos pasajes del libro que Lambert le había dedicado, le correspondió en tono bromista y agradecido.


title: Constant Lambert

text: A partir de 1930, Lambert comenzó a dedicar más tiempo a la crítica musical, escribiendo para los diarios «The Nation», «The Athenaeum», «Figaro», «The Saturday Review», «The Daily Chronicle» y «The Daily Telegraph», pero principalmente para «The Sunday Referee» y «New Statesman». También escribió para las revistas de la radio «Radio Times», «The Listener» y «BBC’s Music Magazine» (1944). Crítico independiente y poco convencional, Lambert tenía fuertes afinidades y violentas aversiones —por ejemplo, detestaba a Skriabin— y empleo mucha de su energía e ingenio en escribir un libro de crítica musical, "Music, Ho!" (1934). Subtitulado "«A study of music in decline»", («Un estudio de la música en declive»), fue un best-seller —aún hoy permanece como uno de los más ingeniosos y apreciados volúmenes de crítica musical en lengua inglesa— que reflejaba su pesimismo sobre el futuro de la música y su gusto por satirizar hasta extremos excesivos o destructivos. En el somnoliente ambiente intelectual de la música inglesa, Lambert puso en ridículo tanto el romanticismo de los elgarianos como el modernismo atonal, proponiendo un futuro musical de intercambios culturales. Esto no sólo se ve en sus consideraciones en gran parte negativas sobre el neoclasicismo, el nacionalismo y la vanguardia, si no también en la propia acogida que se dispensa a las nuevas obras: compositores destinados, según él, a ser más sofisticados, como Berg, o, como Weill, volvieron esa sofisticación contra el favor del público. Aunque admiraba a ambos compositores, las preferencias de Lambert fueron para Sibelius, Bernard van Dieren y Busoni. Lambert creía que la importancia de los movimientos y escuelas iría en retroceso hasta palidecer ante la importancia de Sibelius, a quien veía como el compositor del futuro. Lambert echaba en falta «un nuevo punto de vista más que la explotación de un nuevo vocabulario» («a new angle of vision rather than the exploitation of a new vocabulary»).


title: Constant Lambert

text: En la temporada 1935-1936, la ópera y el ballet de Lilian Baylis estaban ya firmemente asentados y gozaban de una fama creciente. Ninette de Valois decidió crear bajo su propia dirección el «Sadler’s Wells Ballet» y para ello contó para ello con varias personas: Constant Lambert como director artístico y musical; Frederick Ashton, como coreógrafo residente; Alicia Markova y Anton Dolin, como bailarines principales. Fue el nacimiento de la primera compañía de ballet clásico verdaderamente británica. Lambert y Ashton encontraron cada uno el compañero ideal para su desarrollo artístico y juntos contribuyeron a elevar el nivel del ballet clásico en Inglaterra a una cota que puede que nunca antes, ni después, haya tenido.


title: Constant Lambert

text: Frederick Ashton consideraba a Lambert como el mejor director de ballet con quien él hubiera trabajado jamás, y destacaba que incluso más importante que su sentido del ritmo, era su inspiradora presencia en el foso. Un Lambert para todo, versátil y con una profunda cultura que era particularmente valiosa en el mundo del ballet, que participa de muchas artes. Cuando en 1933 el joven bailarín Robert Helpmann llegó de Australia, Lambert le ayudó sugiriéndole los libros que debía leer, los cuadros que debía mirar, y la música que debía escuchar, y más adelante discutiendo con él lo que había leído, visto y escuchado. Ese mismo papel de cicerone lo desempeñó con la jovencísima —sólo quince años— y ya grandísima bailarina Margot Fonteyn, que bailó el papel de «Creole girl» en "The Rio Grande" en 1935. Fonteyn fue primero su protegida; luego, secretamente, su amante; y desde 1938, y hasta 1947, su pareja sentimental.


title: Constant Lambert

text: Los ballets exitosos se iban sucediendo: en 1936 hizo un arreglo de música de Liszt para "Apparitions": al año siguiente, 1937, le tocó arreglar música de Meyerbeer ("Le prophète" y "L’étoile du nord") para "Les patineurs". Ese mismo año 1937 estrenó varios ballets de algunos de sus amigos: "Checkmate" de Arthur Bliss; "A Wedding Bouquet", de lord Berners, un ballet en el que propio Berners también diseño los decorados y el vestuario en colaboración con Ashton y Lambert (el argumento se basa en una obra de Gertrude Stein: «They Must. Be Wedded. To Their Wife», sic). Y al año siguiente, 1938, volvió a estrenar otro ballet de Benners, "Cupid and Psyche" (1937-1938) y realizó una nueva adaptación de música de Couperin, esta vez para el ballet "Harlequin in the Street".


title: Constant Lambert

text: En 1938 compuso un nuevo ballet, "Horoscope", que fue estrenado por Ashton y que es considerada su mejor colaboración. El argumento es una representación simbólica del romance que por esa época, y secretamente, Constant mantenía con Fonteyn: los astros conspiran para mantener a un hombre y una mujer separados, pero finalmente logran unirse. El ballet apenas tuvo éxito y los siguientes once años Lambert no escribió nada más, convencido ya de que su talento se había acabado, y dedicándose exclusivamente a la dirección orquestal, haciendo numerosas giras con el «Sadler’s Wells Ballet».


title: Constant Lambert

text: Constant, como director de orquesta, participó en el estreno de alguna de las obras británicas más significativas de esos años, como la "Balada de los héroes", de Benjamin Britten, el 5 de abril de 1939 en el Queen’s Hall de Londres, en el marco del «Festival de Música para el Pueblo». La obra es una pieza de pretexto español, con textos de W. H. Auden y Randall Swingler, escrita en memoria de los combatientes ingleses de las Brigadas Internacionales muertos durante la Guerra Civil española, una obra terminada antes de que finalizara la contienda pero cuando la causa republicana ya estaba perdida.


title: Constant Lambert

text: Estalló la II Guerra Mundial y Lambert siguió con el «Sadler’s Wells Ballet», haciendo giras por toda Inglaterra y alguna por el extranjero (estuvieron en Holanda justo antes de la invasión); siguió adaptando música ajena, tocándole ahora a William Boyce para "The Prospect before Us" (1940). El 24 de abril de 1940, con el «Sadler’s» estrenó otro ballet de Walton, "The Wise Virgin", con coreografía de Ashton y música orquestada por Walton sobre un arreglo y selección de música de J.S. Bach del propio Lambert. Al final de ese mismo año, 1940, compuso su primera música para una película, "Merchant Seamen", un cortometraje dirigida por J.B. Holmes sobre la Batalla del Atlántico que se proyectó en todas las pantallas del país en 1941 y que vieron más de veinte millones de ingleses. (En 1943, Lambert arreglo una suite orquestal con parte de la música).


title: Constant Lambert

text: En 1942 le llegó el turno a la música de Purcell, adaptando algunos números para el ballet "Comus". Al año siguiente, el 6 de abril, estreno el ballet de Walton, "The Quest", en el New Theatre de Londres y luego le siguieron dos nuevos ballet de Bliss los años siguientes: "Miracle in the Gorbals" (1944) y "Adam Zero" (1946). Todas ella son obras mayores de la música inglesa.


title: Constant Lambert

text: Su mejor amigo por esos años fue el compositor Alan Rawsthorne, un lancastriano cuya severa expresión escondía un inventivo ingenio. Durante la guerra, su amigo Alan siguió a su esposa Jessie, una violinista de BBC Symphony Orchestra, a Bristol cuando allí se trasladó la orquesta. En un raid aéreo, el piso de los Rawsthorne fue bombardeado, perdiéndose parte del manuscrito de la obra en que trabajaba, "Kubla Khan". Lambert, que estaba de gira con el «Sadler’s Wells Ballet» y se alojaba en su casa, intento rescatarlo pero solo logró salvar airosamente al perro de la pareja. Todos fueron luego a beber a un pub, y Lambert, en la calle, cogió una de las mangueras de los bomberos para apagar el fuego mientras recitaba un ensayo de Gorki.


title: Constant Lambert

text: A medida que Lambert envejecía, una cierta actitud de contemplación melancólica le fue embargando y eso se hizo visible en sus propias obras, en las escasísimas que compuso durante la guerra, como "Dirge from Cymbeline" (1940), para tenor, barítono, coro de hombres y cuerdas, con textos de Shakespeare y dedicada a su amigo Patrick Hadley; y "Aubade Heroique", para orquesta (1941). La guerra se cobró parte en su vitalidad y creatividad, y su salud fue declinando con el desarrollo de una diabetes no diagnosticada (y no tratada debido al miedo a los doctores que había adquirido en la niñez). Además, progresivamente, cada vez bebía más y su alcoholismo ya era evidente y durante un concierto se desmayó. Sus actuaciones comenzaron a disminuir. En sus últimos años su demostración exterior de convivencia, sociabilidad e ingenio sirvieron para disfrazar al verdadero Lambert, sólo conocido por sus amigos más íntimos, que como consecuencia de su pesado horario de trabajo con el «Sadler's Ballet», fueron guardados «en compartimentos estancos».


title: Constant Lambert

text: Tras acabar la guerra, cuando su salud declinaba, su carrera como director de orquesta comenzó a despuntar gracias al desarrollo del tercer programa de la BBC y a poder tocar al frente de una gran orquesta, la Philharmonia Orchestra, tras haber luchando durante muchos años de su vida con conjuntos de segunda fila. Dirigió para la ISCM, como director asociado de los «Proms» (1945/46) y también como director invitado de la Hallé Orchestra y de la Scottish Orchestra de Glasgow (desde 1947). Entre octubre de 1946 y febrero de 1951 dirigió casi setenta conciertos, pero solo sobrevive la grabación completa de uno de ellos, y hay algunas pocas actuaciones separadas que están en colecciones privadas, generalmente en manos de las familias de los propios compositores interpretados. Lambert, como director, hizo mucho para promover y difundir el trabajo de muchos de sus contemporáneos, compositores como Weill, Satie, Walton y Lord Berners, aunque nunca ocultó su afinidad por Liszt, Chabrier, Waldteufel y los románticos rusos, de los que hizo muy buenas grabaciones.


title: Constant Lambert

text: Después de la guerra, el «Sadler’s Wells Ballet» se reorganizó y se trasladó al Covent Garden, pasando a llamarse simplemente «Royal Ballet». Lambert aceptó el encargo de hacer una nueva edición de la ópera de Purcell, "The Fairy Queen", para la primera producción de posguerra, una edición que fue muy bien acogida y dio lugar a una posterior publicación, en colaboración con Edward Dent y Michael Ayrton (Londres, 1948). Le llevó casi seis meses de su tiempo pero fue un gran acontecimiento en la vida musical inglesa que anunció el nuevo renacer de la música de Purcell.


title: Constant Lambert

text: Lambert fue despedido del Covent Garden en 1947, por razones poco claras, aunque probablemente fueran ya sus problemas con el alcoholismo lo que le impedía atender sus obligaciones. En adelante, hizo algunos arreglos de obras de compositores barrocos y reorganizó su enbarullada vida personal alrededor de Isabel Nicholas, una modelo coleccionista de artistas que había tenido a Epstein, Derain, Picasso y Giacometti entre sus muchos amantes. En 1947, mientras Fonteyn estaba de gira, Constat Lambert se casó con Isabel. (A la muerte de Constant, Isabel se volvió a casar en 1952 con uno de los mejores amigos de Constant, el también compositor Alan Rawsthorne, en ese momento divorciado).


title: Constant Lambert

text: Realizó su segundo trabajo para el cine, la música para "Anna Karenina" (1947), que contó con Vivien Leigh, Kieron Moore y Ralph Richardson (hay una grabación maravillosa de Bernard Herrmann en su álbum Great British Film Music, Decca London 448 954-2). En 1950, realizó una adaptación de la música de Chabrier para un nuevo ballet, "Ballabile".


title: Constant Lambert

text: El ballet "Tiresias" (1950-1951), con su vigoroso estilo neoclásico, situado entre Stravinski y Roussel, fue su última obra y en él puso muchas esperanzas. De nuevo fue una colaboración con Frederick Ashton y el Sadler's Wells Ballet, pero Lambert ya no era su director. Parece que Ashton le encargó a su mujer la escenografía y los decorados, pero no se sabe si fue por intercesión de Lambert o debido al éxito que había tenido una exposición individual suya celebrada unos años antes. La obra fue la más importantes de las tres que se encargaron con ocasión del «Festival of Britain» de 1951 —los otros dos eran "Harlequin in April" de William Alwyn y "Canterbury Prologue" de Peter Racine Fricker—, y debía de ser estrenada en la gala de apertura que se celebraría el 9 de julio de 1951, en presencia de la reina Elizabeth y viajar luego al Festival de Edimburgo. Los trabajos iban muy retrasados y sus amigos le ayudaron a acabar la orquestación a tiempo, siguiendo sus indicaciones y la detallada partitura pianística: Robert Irving se encargó de la Danza guerrera, del Cortejo y danza de la sacerdotisa, del primer Entreacto y de la Bacanal; Christian Darnton de la Danza de las serpientes; Humphrey Searle, de la Danza de los pastores y las pastoras; Denis ApIvor, de la Danza de Tiresias-mujer, al principio de la segunda escena, y de la Pelea en la escena tercera; Gordon Jacob, del Pas de deux; el resto fue compartido entre Lambert, Rawsthorne y Elisabeth Lutyens.


title: Constant Lambert

text: El argumento licencioso del ballet, ambientado en la Grecia clásica, con cambios de sexo, serpientes copulantes y sugerencias eróticas, tuvo que ser atenuado para su estreno ante la reina. Según el mito griego, Tiresias se transformó de hombre a mujer y de nuevo volvió a ser hombre; los dioses le interrogaron para saber quién obtenía mayor placer sexual y al decir Tiresias que la mujer experimentaba nueve veces más placer que el hombre, Hera, indignada le castigó dejándole ciego. Zeus, entonces, le otorgó el don de la profecía y le concedió una larga vida equivalente a la de siete generaciones humanas. Los críticos encontraron el argumento estúpido y aburrido y su editora, Oxford University Press, rechazó incluso publicar el trabajo. A pesar de ello, la obra permaneció en el Covent Garden durante cinco temporadas, en una versión acortada por Lutyens, y tuvo un número de representaciones decrecientes —doce en 1951, diez en 1952, siete en 1953, tres en 1954 y dos 1955—. Michael Somes bailó el papel de Tiresias-hombre en las cinco temporadas, mientras que Fonteyn bailó como Tiresias-mujer en todas las actuaciones, salvo en las dos últimas. La temporada 1955 el ballet fue representado en la gira triunfal del Royal Ballet en Nueva York y tuvo excelentes críticas, las mejores de su corta historia. Sin embargo, el ballet rápidamente fue olvidado. (En 1995, después de 40 años, la versión corta fue difundida por la BBC).  Seis semanas después del estreno, tras haber dirigido ocho representaciones de Tiresias, Constant Lambert murió en Londres el 21 de agosto de 1951, dos días antes de su cuarenta y seis cumpleaños, víctima de una neumonía y de la diabetes no diagnosticada, complicada por su agudo alcoholismo. Fue enterrado en Londres, en el cementerio de Brompton y Denis ApIvor ha contado que en el funeral fue la única vez que vio llorar a su maestro Rawsthorne. Algunos, además de las causas físicas, atribuyeron parcialmente la muerte al gran desencanto que tuvo tras la acogida del nuevo ballet:


title: Constant Lambert

text: Años más tarde, Alan Rawsthorne le quiso honrar y eligió el tema de la obertura de "Tiresias" para su obra "Improvisations on a Theme of Constant Lambert", que dedicó a su mujer Isabel, por entonces ya Isabel Rawsthorne.


title: Constant Lambert

text: A la muerte de Constant, George Harrap y Co encargo al escritor y editor Hubert Foss que escribiera una biografía de Lambert, pero el trabajo no pudo finalizarse por la desafortunada enfermedad y muerte de Foss, en 1953. Su viuda y la familia Lambert encargaron la continuación del trabajo a Angus Morrison, que aceptó ya que también era cuñado de Lambert. Aunque su biografía de Lambert nunca fue publicada, proporcionó un material valioso para la única biografía de Lambert publicada hasta la fecha, la de Richard Shead (Londres, 1973).


title: Constant Lambert

text: Los compositores Gordon Jacob, sir Thomas Armstrong (más adelante director de la Royal Academy of Music) e Elisabeth Lutyens, que fueron compañeros suyos como estudiantes en el RCM, recordaban a Lambert así:


title: Constant Lambert

text: Son interesantes dos sitios relacionados con el papel de Constant Lambert en el desarrollo del ballet inglés:


title: Constant Lambert

text: La National Gallery of Australia celebró una gran retrospectiva en 2007 (29 de junio-16 de septiembre) de George Lambert, su padre, y se elaboró un interesante sitio, en que se pueden ver 121 de sus obras y que cuenta incluso con un PDF de 28 páginas con fines educacionales:


title: Thaumatomonadida

text: Thaumatomonadida es un orden de protistas del filo Cercozoa.


title: Buffalo Bulls

text: Buffalo Bulls (español: "Toros de Búfalo"), es el equipo deportivo de la Universidad de Búfalo, situada en Búfalo, Nueva York. Los equipos de los "Bulls" participan en las competiciones universitarias organizadas por la NCAA, y forma parte de la Mid-American Conference.


title: Buffalo Bulls

text: Los "Bulls" participan en las siguientes modalidades deportivas:


title: Sils im Engadin/Segl

text: Sils im Engadin/Segl (hasta 1943 llamada oficialmente "Sils im Engadin") es una comuna suiza del cantón de los Grisones, ubicada en el distrito de Maloja, círculo de Alta Engadina. Limita al norte con las comunas de Bivio y Silvaplana, al este con Samedan, al sur con Lanzada (IT-SO) y Chiesa in Valmalenco (IT-SO), y al oeste con Bregaglia.


title: Sils im Engadin/Segl

text: Sils im Engadin ("Segl" en romanche) se encuentra en la Alta Engadina, en la orilla izquierda del Eno, entre los lagos de Sils y Silvaplana. Dista 10 km de Sankt Moritz, 41 km de Chiavenna, 77 km de Coira y 116 km de Lugano. La estación de tren más cercana es la de Sankt Moritz.


title: Sils im Engadin/Segl

text: La comuna de Sils incluye cuatro fracciones: El punto más alto de la comuna es la cumbre del Piz Corvatsch (3451 m), en la frontera con Samedan.


title: Sils im Engadin/Segl

text: Sils ha sido visitada por muchas celebridades, como Marcel Proust, Herman Hesse, Giovanni Segantini, pero sobre todo el ya mencionado Friedrich Nietzsche, cuya casa, en la que vivió entre 1881 y 1889, se ha transformado en un pequeño museo. Anna Frank también pasó varios veranos en el pueblo.


title: Lila dice

text: Lila dice (2004) es una película dirigida por Ziad Doueiri y protagonizada por Vahina Giocante y Mohammed Khouas. Está basada en la novela "La voz de Lila", publicada por Chimo, y precisamente el actor que le encarna ganó el premio al Mejor actor en el Festival de Cine de Gijón.


title: Lila dice

text: Lila (Vahina Giocante) es una preciosa rubia de 16 años que acaba de mudarse con su tía, que está un poco loca, a un barrio popular poblado sobre todo por familias árabes. Dos amigos se enamoran de ella. Uno es el narrador de la película, el poético, tranquilo y apuesto Chimo (Mohammed Khouas); el otro es Mouloud (Karim Ben Haddou), el prototipo del árabe chulo nacido en Europa. Lila se acerca a Chimo e insiste en que mire debajo de su falda. A partir de ahí empieza un juego de seducción mientras Lila demuestra lo que puede decir una joven con una sonrisa inocente. Mantienen su relación en secreto hasta que Mouloud la sorprende.


title: Lila dice

text: Lila se va y Chimo madura de golpe, por fin se atreverá a hablar.


title: Virgen del Magnificat

text: La Virgen del Magnificat (en italiano, Madonna del Magnificat, o también "Madonna con il Bambino e cinque angeli") es un cuadro destacado del maestro renacentista Italiano Sandro Botticelli. Se conserva en la Galería de los Uffizi, de Florencia (Italia). Está realizado al temple sobre tabla. Fue pintado en 1481, desconociéndose la ubicación originaria de este cuadro.


title: Virgen del Magnificat

text: Se trata de un "tondo" o cuadro circular, con un diámetro de 118 centímetros. Este formato da lugar a experimentaciones compositivas. La escena se enmarca sin problemas gracias al ritmo de la línea, siendo una obra en la que predominan las curvas (en los rizos, los brazos, las manos, el río). No obstante, sí aparece un poco forzada la introducción del ángel de la extrema izquierda, que corona a la Virgen.


title: Virgen del Magnificat

text: La obra representa a la Virgen María coronada por dos ángeles. El título del cuadro proviene de lo que la Virgen está componiendo, guiada por la mano del Niño: el salmo que comienza "Magnificat", sobre un libro de pergamino. Ella se sitúa en el centro, ricamente ataviada y con la cabeza cubierta por velos transparentes y preciosas telas, sus rubios cabellos se entretejen con el chal anudado sobre el pecho. En la profusión de oro y detalles de velos y telas se ve la influencia de Filippo Lippi.


title: Virgen del Magnificat

text: Dos ángeles la atienden, vestidos como pajes, sujetando el tintero con la tinta.


title: Virgen del Magnificat

text: En el brazo de la Virgen está el Niño, que observa a la madre, mientras con la mano izquierda aferra una granada, símbolo de la resurrección.


title: Virgen del Magnificat

text: El tamaño desproporcionado de las figuras se explica por la tradición iconográfica que hacía que aquellas de mayor importancia devocional, como la Virgen y el Niño, se pintaran de mayor tamaño; es algo que volverá a aparecer en su último cuadro, la "Natividad mística". Las figuras se enmarcan en una arquitectura, como se ve en el arco del fondo. En el fondo hay una vista campestre a través de una ventana de forma circular, cuyo marco de piedra comprime a las figuras que están en el primer plano, que secundan el movimiento circular de la tabla, de esta manera las figuras parecen emerger de la superficie del cuadro, como si la imagen estuviese reflejada en un espejo convexo u "ojo de buey". La composición aparece así deformada, como si estuviese comprimida dentro de un espejo convexo, que, a pesar de los datos realistas, aumenta la sensación que produce de visión mental. La composición queda airosa gracias a la disposición de los dos ángeles que sirven de atril al libro que conducen a través de una diagonal ideal hacia el paisaje del fondo.


title: Virgen del Magnificat

text: Los colores son cálidos, luminosos. Transmite así una atmósfera de espiritualidad ideal y lírica. Continúa la tendencia, ya vista en su obra "Alegoría de la Primavera" de contornos suaves y fluidos y pliegues de una gran sensibilidad. La gran atención que presta a los detalles remite a una labor de orfebrería, como puede verse en la corona, el velo ondeando o las orlas de los mantos.


title: Virgen del Magnificat

text: La pintura representaría a la familia de Pedro de Cosme de Médici, señor de Florencia desde 1464. Su esposa, Lucrezia Tornabuoni como María, Lorenzo de Médici como el joven con el tintero, flanqueado por su hermano Juliano de Médici quien sostiene un libro. Detrás de estos dos chicos estaría María, mientras que las dos hermanas mayores estarían sosteniendo la corona en la parte trasera: Blanca a la izquierda y Nannina a la derecha. El recién nacido sería la hija de Lorenzo, Lucrecia de Médici.


title: Virgen del Magnificat

text: En esta obra busca, según André Chastel conjugar el naturalismo clásico con el espiritualismo cristiano. Es una de las obras más conocidas de Botticelli, por su gran eficacia y la calidad de una pintura excelente, si bien ha podido influir en la percepción vulgar del artista como pintor amanerado y un poco insulso. Ya en su época se hicieron numerosas réplicas.


title: Virgen del Magnificat

text: En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.


title: Poschiavo

text: Poschiavo (en alemán y romanche "Puschlav") es una comuna suiza del cantón de los Grisones, situada en el distrito de Bernina, círculo de Poschiavo. Limita al norte con las comunas de Pontresina, Livigno (IT-SO) y Valdidentro (IT-SO), al este con Grosio (IT-SO) y Grosotto (IT-SO), al sur con Brusio, y al oeste con Chiuro (IT-SO) y Lanzada (IT-SO).


title: Bivio

text: Bivio (en alemán y oficialmente hasta 1902 "Stalla", ) es una comuna suiza del cantón de los Grisones, situada en el distrito de Albula, círculo de Surses. Limita al norte con las comunas de Marmorera y Sur, al este con Bever y Silvaplana, al sur con Sils im Engadin/Segl y Bregaglia, y al oeste con Avers y Mulegns.


title: Bivio

text: El italiano es la única lengua oficial de la comuna, aunque la mayoría de la población de la comuna es trilingüe y habla y/o comprende romanche, italiano y alemán, lo que la convierte "de facto" en la única comuna trilingüe de Suiza.


title: Veneno (banda)

text: Veneno fue un grupo musical español formado en 1975 e integrado por Kiko Veneno y los hermanos Rafael y Raimundo Amador. En 1977 publicaron su único disco, con el nombre de la banda. En 1978 se disolvió el grupo.


title: Veneno (banda)

text: En 1984 se reencuentran Kiko y Raimundo (sin Rafael) para lanzar el maxi sencillo "Si tú, si yo", en el que también participaban Martirio, Manuel Salado y Ortiz Morales.


title: Veneno (banda)

text: En 1989, de nuevo se unen Kiko y Raimundo para dar lugar al que hasta hoy es el último disco firmado con el nombre de la banda, "El pueblo 'guapeao' ".


title: Veneno (banda)

text: Aunque su disco debut no tuvo gran repercusión en su momento, actualmente es considerado uno de los mejores discos de la historia de las músicas urbanas en España y las revistas Rockdelux y Efe Eme lo eligieron como mejor disco español del siglo XX.


title: Veneno (banda)

text: Hoy en día el disco ha vendido ya más de 300 000 copias.


title: San Martín de Bañuelos

text: El coto de San Martín de Bañuelos se encontraba en el término del municipio burgalés de Caleruega (España), a orillas del río Bañuelos. Tras las desamortizaciones del siglo XIX se constituyó un nuevo coto, conocido como de la Quiñonera o de Valdequintana. Se trataba de una finca con viviendas y dependencias propias para la explotación agraria y ganadera, todo bajo un mismo dueño. Estuvo poblado hasta la década de 1920.


title: San Martín de Bañuelos

text: Se tiene constancia de varios poblados altomedievales del siglo X ubicados en las inmediaciones. Estos fueron Bañuelos de Gómez Gutiérrez, posteriormente conocidos como Bañuelos de Ruy Muñoz, y el propio Bañuelos de la Calzada, por estar junto a la calzada romana que comunica Clunia con Sasamón. En 2011 se realizaron las excavaciones con las que se concluyó que esta última aldea constaba de, al menos, una iglesia de pequeñas dimensiones y tres viviendas. Durante el siglo XI fue abandonado a causa de un incendio.


title: San Martín de Bañuelos

text: Probablemente el poblado de Bañuelos de la Calzada fuese el embrión del coto redondo de San Martín de Bañuelos, que en 1273, el Rey Alfonso X lo entrega del Señorío de Caleruega, siendo titular el Real Monasterio de Santo Domingo de Caleruega perteneciente a la Orden de Predicadores. Por aquel entonces, el coto redondo no comprendía ningún poblado, sino tenadas, molinos y demás dependencias agropecuarias, en ocasiones con viviendas adjuntas. Será a partir del siglo XVI cuando se empieza a acuñar la denominación del coto redondo como San Martín de Bañuelos.


title: San Martín de Bañuelos

text: Así permaneció, por tanto, hasta el siglo XIX; en torno a 500 hectáreas de tierras y montes, con diferentes edificaciones destinadas a uso ganadero, y todo en propiedad de las dominicas de Caleruega. No obstante, en 1855, con la denominada desamortización de Madoz, llevada a cabo por el Ministro Pascual Madoz, se le expropia al Real Monasterio un total de 684 hectáreas. Entre estas propiedades, se encontraba el coto redondo de San Martín de Bañuelos, que dividiéndose en dos partes, la de más trascendencia en Caleruega, fue adquirida en 1862 por Pedro Mediavilla, un madrileño que mandó construir de inmediato el actual despoblado de San Martín de Bañuelos, conocido entonces como coto de la Quiñonera o de Valdequintana.


title: San Martín de Bañuelos

text: Este coto gozó de prosperidad hasta que por dejadez de los dueños, durante la década de 1920 acabó despoblándose y quedando en un total estado de abandono. En la década de 1940 es adquirido por el Ayuntamiento, que lo divide en parcelas y reparte entre los vecinos, desapareciendo así tanto el coto redondo como el poblado.


title: San Martín de Bañuelos

text: Cuando Mediavilla decide levantar el coto agropecuario de la Quiñonera, construye un poblado de casas bajas en torno a una plaza central rectangular. En sus proximidades, un pequeño templo, así como un caserío de grandes dimensiones. También naves y corrales, así como un palomar a la otra orilla del río. Aprovechando la arraigada tradición vitivinícola de la Ribera del Duero, también se edifica un gran lagar con bodega adjunta. Todo ello, destinado a complementar las diferentes estructuras y tierras adquiridas al comprar el coto redondo de San Martín de Bañuelos.


title: San Martín de Bañuelos

text: Actualmente, del coto de la Quiñonera tan solo queda en pie, aunque en muy mal estado, la bodega y parte del lagar, así como el palomar, que recientemente ha sido restaurado por el Ayuntamiento, junto a una bodega que data del reinado de Alfonso VIII de Castilla. Del poblado tan solo quedan los cimientos, visibles a vista de pájaro. También algunos corrales y tenadas, muchos en ruinas, dispersos por el territorio que antaño constituyó el coto redondo de San Martín de Bañuelos.


title: Pilot Pen Corporation

text: Pilot es una empresa multinacional de fabricación y distribución de bolígrafos y otras estilográficas con presencia en Asia, Europa, América del Norte y Sudamérica, fundada en 1918 por Ryosuke Namiki, profesor del Tokyo Merchant Marine College.


title: Pilot Pen Corporation

text: El proyecto fue iniciado por Ryosuke, que desarrolló un primer prototipo de estilográfica, impulsado por el deseo de mejorar las de la época. Luego, con el apoyo de Masao Wada, compañero de trabajo de éste, empezaron a elaborar y vender plumas estilográficas en 1918. La compañía contabilizó 200 000 yenes de capital y recibió el nombre de The Namiki Manufacturing Company. En 1938, cambió a The Pilot Pen Co., Ltd. y en 1989, finalmente cambió a Pilot Corporation como nombre definitivo.


title: Pilot Pen Corporation

text: En 1964, Pilot Corporation introdujo la pluma sin capuchóni ("Capless"). A diferencia de sus análogos en aquel tiempo, la "Pilot Capless" poseía una punta totalmente retraíble. La pluma "Capless" fue posteriormente reintroducida como «El punto evanescente» ("The Vanishing Point") en 1972.


title: Pilot Pen Corporation

text: El siguiente cuadro contiene las diferentes colecciones de productos de Pilot.


title: Canon de belleza

text: El canon de belleza es el conjunto de unas características que una sociedad considera convencionalmente como hermoso o atractivo, sea en una persona u objeto. Es históricamente variable y no presenta patrones comunes en diferentes culturas. Esta belleza del atractivo personal es lo que ha atraído el interés de múltiples pensadores a lo largo de toda la historia.


title: Canon de belleza

text: A continuación, una lista (mujeres y hombres) de algunas de las personas consideradas muy hermosas de acuerdo al canon de belleza de sus correspondientes épocas. En la actualidad las mujeres se sienten más presionadas y se ven juzgadas por los cánones estéticos que con el tiempo son más grandes y exigentes, según Lourdes Ventura. La discriminación estética es un hecho que según la autora afecta hoy día tanto a hombres como a mujeres. Esto se define en las personas por un “estado de inseguridad” y “la falta de autoestima”. Una de las causas que crean la necesidad de depender de estos cánones es la creación del concepto de estética personal, según Marta Martín, esto hace que gran parte de los ciudadanos mantengamos una interacción privada y personal con los cánones de belleza corporal. Esta imposición, según el artículo de Fernanda Nader, describe como se nos enseñan estos estereotipos en el proceso de nuestra formación como personas.


title: Canon de belleza

text: “Tanto hombres como mujeres no solo nacen sino que se hacen, es decir, se encuentran inicialmente predeterminados por las características evolutivas con las que se nace, mismas que, con el paso de los años y los procesos de socialización y endoculturación, se adecuan paulatinamente a los estereotipos con los que se ingresa a la vida social o civilizada a partir del contacto con el lenguaje y con las reglas del juego determinadas por los mismos seres humanos, dando así respuesta al cómo y por qué comportarse de cierta manera y no de otra en el seno de una cultura" (Valdez, Díaz y Pérez, 2005, p. 38).


title: Canon de belleza

text: Se puede decir que las personas lo aceptan por la necesidad de recibir afecto de otros, esto según el libro “Clothes and your appearance”, donde se explica que de esta forma es que hacemos parte de una cultura o grupo. Estos rasgos son los que según Louise A. Liddell & Carolee S. Samuels, hacen la diferencia y la variación a la hora de vestir en distintas culturas. M. Martín explica que; “No se puede entender la evolución histórica del canon de belleza o de atractivo personal sin una reflexión sobre los valores y lógicas personales, grupales y sociales de cada civilización. Ésta menciona que; "Aprendemos a apre-hender la belleza", y al margen de las respuestas físicas innatas, todas las entidades que configuran nuestra realidad histórica influyen, directa o indirectamente, en los juicios éticos y estéticos que hacemos y en el ideal personal al que aspiramos o que preferimos”. Esto se visualiza como una competencia adquirida que vamos alcanzando mediante hábitos y conocimientos a través de experiencias individuales, grupales y sociales. Siendo así este el concepto que se tiene en la actualidad por cánones de belleza.


title: Tinizong-Rona

text: Tinizong-Rona es una comuna suiza del cantón de los Grisones, situada en el distrito de Albula, círculo de Surses. Limita al norte con las comunas de Savognin y Filisur, al este con Bergün/Bravuogn, al sur con Bever, Sur y Mulegns, y al oeste con Savognin.


title: Tinizong-Rona

text: La comuna actual es el resultado de la fusión el 1 de julio de 1998 de las comunas de Tinizong y Rona.


title: Temporada 1982-83 de la NBA

text: La temporada 1982-83 de la NBA fue la trigésimoséptima en la historia de la liga. La temporada finalizó con Philadelphia 76ers como campeones tras ganar a Los Angeles Lakers por 4-0."* V: Victorias" "* D: Derrotas" "* %V: Porcentaje de victorias" "* P: Partidos de diferencia respecto a la primera posición"


title: Temporada 1982-83 de la NBA

text: "* C: Campeón"


title: La primavera (Botticelli)

text: Alegoría de la primavera (), más conocido simplemente como La primavera, es un cuadro realizado por el pintor Sandro Botticelli, una de las obras maestras del artista renacentista italiano. Está realizado al temple sobre tabla y mide de alto por de ancho. Su fecha de realización fue probablemente entre 1477 y 1482. Se conserva en la Galería Uffizi, en Florencia (sala 10-14, llamada «de Botticelli», Inv. 1890 n. 8360).


title: La primavera (Botticelli)

text: Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli (Florencia, 1445-ibídem, 1510) fue un pintor del "Quattrocento" italiano, miembro de la llamada «segunda generación florentina», tras la primera formada por Fra Angélico, Masaccio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno y Filippo Lippi; entre sus correligionarios en esta segunda generación destacaron Benozzo Gozzoli, Domenico Ghirlandaio, los hermanos Antonio y Piero Pollaiuolo, Andrea del Verrocchio y Piero di Cosimo. Estos artistas muestran en general un estilo suntuoso y refinado, con cierta influencia de la pintura flamenca, que se denota por un gusto burgués en el detalle y los aspectos concretos de la vida, atemperada por un clasicismo inherente a la tradición pictórica italiana.


title: La primavera (Botticelli)

text: Fue discípulo de Filippo Lippi, cuya influencia se denota en sus primeras obras. Sin embargo, por su temperamento se enmarcó en un estilo derivado del gótico trecentista italiano —el llamado estilo italo-gótico—, en contraposición al naturalismo científico liderado por Masaccio. Este estilo se basaba en la preponderancia de la línea y el dibujo sobre el color, así como un deje estilizado y sentimentalista, de gracia femenina y cierto amaneramiento. Prácticamente toda su vida profesional transcurrió en Florencia, excepto su participación en la decoración de la Capilla Sixtina en Roma entre 1481 y 1482, en colaboración con Perugino, Cosimo Rosselli y Ghirlandaio. Entre 1478 y 1485 realizó, probablemente por encargo de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, tres obras basadas en la mitología clásica grecorromana: "La primavera" (c. 1478), "Palas y el Centauro" (c. 1482-1483) y "El nacimiento de Venus" (c. 1482-1485), todas ellas conservadas en los Uffizi. En estas obras desarrolló un contenido iconográfico vinculado a la filosofía neoplatónica desarrollada en la Academia Platónica Florentina por iniciativa de Cosme de Médicis, integrada por filósofos, artistas y escritores como Marsilio Ficino, Giovanni Pico della Mirandola, Cristoforo Landino, Leon Battista Alberti y Angelo Poliziano. Sus obras posteriores se alejaron del paganismo y se volvieron más serias y rigurosas, probablemente por influencia del predicador dominico Girolamo Savonarola. En su momento fue el pintor más popular de Florencia, pero después de 1500 —coincidiendo con el regreso a la ciudad de Leonardo da Vinci— su estilo lineal quedó fuera de moda y, tras su muerte, su obra cayó en el olvido, hasta que su figura fue recuperada por los prerrafaelitas a mediados del .


title: La primavera (Botticelli)

text: El estilo inicial de Botticelli estuvo marcado por una fluidez lineal combinada con una firmeza plástica derivada de Verrocchio, como se denota en sus vírgenes, la más notable de las cuales es la "Virgen del rosal" (c. 1468, Uffizi). Su serie de cuadros mitológicos para los Médici —iniciada con la "Primavera"— está marcada por el equilibrio espacial y una mayor consistencia formal influida por Piero Pollaiuolo. Con su colaboración en la Capilla Sixtina se inició su fase «clásica», en la que alcanza un equilibrio pleno entre la composición naturalista y una cierta abstracción formal. Sin embargo, ya en "El nacimiento de Venus" se percibe una cierta tensión rítmica, que se acentúa en obras posteriores como "Virgen y santos" (1485, Staatliche Museen, Berlín), "Virgen de la granada" (1487, Uffizi) y el "Retablo de san Marcos" (1490, Uffizi). Sus obras posteriores, marcadas por una nueva pasión religiosa influida por Savonarola, muestran un ritmo más quebrado y una sensibilidad más inquieta, como en "La calumnia de Apeles" (1495, Uffizi). Sus últimas obras son ya completamente arcaizantes, fuera del ambiente artístico de su tiempo: "Natividad mística" (1501, The National Gallery, Londres), "Crucifixión" (c. 1500-1505, Fogg Art Museum, Cambridge).


title: La primavera (Botticelli)

text: Esta obra fue encargada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, primo de Lorenzo el Magnífico, para adornar la Villa di Castello, en la campiña florentina, junto a "Palas y el Centauro" (c. 1482-1483). Tradicionalmente se había creído que "El nacimiento de Venus" había sido encargada junto a las anteriores, ya que fue allí donde las contempló Giorgio Vasari años después, pero no existen pruebas documentales de tal hecho.


title: La primavera (Botticelli)

text: Un inventario de 1499, que no se descubrió hasta 1975, enumera la propiedad de Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni y permite afirmar que en el "La Primavera" estaba sobre un "letuccio" (diván) en una antesala adyacente a las habitaciones de Lorenzo di Pierfrancesco en la ciudad de Florencia. Posteriormente debió trasladarse a la villa de los Médici en Castello, donde la sitúa Vasari en 1551, quien en sus "Vite" señala que:


title: La primavera (Botticelli)

text: El cuadro estuvo en la Villa di Castello hasta 1815, fecha en que fue depositado en la Galería Uffizi.


title: La primavera (Botticelli)

text: Esta obra está impregnada de la cultura humanística y neoplatónica de la corte de Lorenzo el Magnífico. Presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano, que rompe con la pintura religiosa cristiana propia de la Edad Media. La crítica no se muestra de acuerdo sobre su exacta alegoría y se debate sobre su significado y, por consiguiente, su título. Si por un lado se produce un cierto acuerdo sobre la individualización de alguno de los nueve personajes representados, hay discusiones que han nacido a lo largo de los años, en particular a partir de la segunda mitad del , sobre los referentes literarios más específicos y los significados que esconde la obra. Algunas teorías sostienen que el dios Mercurio —el personaje situado más a la izquierda— representa a Giuliano de Médici, el hermano de Lorenzo el Magnífico, y que la gracia que mira al dios representa a su amante, Simonetta Vespucci.


title: La primavera (Botticelli)

text: Aunque existen diversas interpretaciones, la mayoría de expertos concuerdan con que la figura central se corresponde con Venus, la diosa del amor (Afrodita en la mitología griega), vestida con túnica blanca y un manto rojo, que levanta su brazo derecho en señal de salutación y de invitación a su jardín. A la derecha del cuadro aparece Céfiro, dios del viento del oeste, en el momento en que rapta a la ninfa Cloris, vestida con una túnica transparente; sin embargo, en el momento del rapto Céfiro se enamora de la ninfa y la convierte en su esposa, instante en el que esta se convierte en Flora, la diosa de las flores y los jardines, que es la figura que aparece junto a Venus, vestida con un traje decorado con flores; en sus manos sostiene un cesto de flores que va esparciendo por el suelo. El instante de la transformación está simbolizado por el ramo de flores que surge de la boca de Cloris. Sobre Venus aparece Cupido (Eros en la mitología griega), que dirige su flecha hacia las tres figuras que danzan. Estas son las tres Gracias, diosas del encanto, la belleza y la fertilidad: Castitas, Voluptas y Pulchritudo (Aglaya, Eufrósine y Talía en la mitología griega), que representan, respectivamente, la castidad, la voluptuosidad y la belleza (en la mitología romana personificaban igualmente tres prototipos de mujer: la virgen, la esposa y la amante). En el costado izquierdo aparece Mercurio, vestido con una clámide roja decorada con llamas, con casco y daga y con sus típicas botas aladas; con el brazo derecho sostiene un caduceo —una versión con dos dragones alados—, con el que ahuyenta unas nubes. Como dios de la razón, Mercurio dirige la mentalidad humana hacia la divinidad. La interpretación más verosímil es la que señala el circuito del amor de lo material a lo espiritual: el amor llega como pasión con la figura de Céfiro y se convierte en contemplación con Mercurio.


title: La primavera (Botticelli)

text: Cabe señalar que Cupido era hijo de Venus y Mercurio, y los tres personajes comparten un elemento, el de las llamas del amor, que aparece en la flecha de Cupido, en el escote del vestido de Venus y en la túnica de Mercurio. Al mismo tiempo, las llamas son el símbolo del martirio de san Lorenzo, lo que aludiría al comitente, Lorenzo di Pierfrancesco.


title: La primavera (Botticelli)

text: Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. Esto puede verse en las diversas piezas de orfebrería, representadas minuciosamente, como el casco y la empuñadura de la espada de Mercurio, las cadenas y los broches de las Gracias o diversos ejemplos más. Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas limpias líneas que marcan los perfiles, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del . Como fuente iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece recurrir a la "Puerta del Paraíso" realizada por Lorenzo Ghiberti en el baptisterio de Florencia, en particular el grupo de siervas del relieve de Esaú y Jacob. Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación; esta técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La luz unifica la escena, incluso parece emanar de los propios cuerpos.


title: La primavera (Botticelli)

text: La composición se enmarca en un bosque de naranjos, pinos y laureles, que suponen un escenario ordenado y vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a los personajes representados. Detrás de Venus hay un mirto, una planta tradicionalmente sagrada para ella. La parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sería una alusión a Lorenzo, en latín "Laurentius". El suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas flores típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo: margaritas, violetas, rosas, eléboros, viboreras, tusilagos, fresas, muscari, amapolas, acianos, jazmines, jacintos y ranúnculos. Son también reconocibles las de Flora: en la cabeza lleva violetas, acianos y una ramita de fresas silvestres; en torno a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva rosas; por último, va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas, clavellinas y anémonas. De la boca de la ninfa Cloris surgen pervincas, fresas, rosas, anémonas y acianos. En los pies de las Gracias hay nigella, nomeolvides, azafrán y euforbia.


title: La primavera (Botticelli)

text: Sobre esta obra se ha efectuado a menudo una lectura en clave neoplatónica: Platón, en "El banquete", imaginó la existencia de dos Afroditas: Afrodita Urania (celeste), que representaría el amor puro y espiritual, y Afrodita Pandemos (popular), que significaría el amor vulgar, material. Esta diferenciación entre dos Venus como personificaciones de dos tipos de amor fue recogida por la Academia Platónica Florentina, en cuyo ambiente estaba inmerso Botticelli. Marsilio Ficino, uno de los principales teóricos de la escuela, recuperó la figura de Venus como modelo de virtudes y de exaltación mística, y opuso las dos figuras de Venus como símbolos de lo que hay de divino y de terrenal en la mujer. Así, en la "Primavera" Botticelli recogió esta idea, donde las figuras representadas simbolizarían el circuito del amor, desde el terrenal representado por Céfiro hasta el celestial simbolizado por Mercurio. De igual manera, en "El nacimiento de Venus", la figura central sería la de la Venus celeste, engendrada por la unión entre el espíritu y la materia.


title: La primavera (Botticelli)

text: La interpretación más tradicional fue la ofrecida por Aby Warburg en "Sandro Botticelli, Geburt der Venus und Frühling" (1893), donde identifica las figuras de Venus, Flora, Cloris, Céfiro, Cupido, Mercurio y las tres Gracias. Por su parte, Edgar Wind ("Los misterios paganos del Renacimiento", 1972) ve un paralelismo entre las tres figuras de la izquierda y la derecha —excluyendo Mercurio y Cupido—: Céfiro representaría el Amor, que intena seducir a Cloris, que sería la Castidad, mientras que Venus personifica la Belleza; estos tres conceptos tendrían su espejo en las tres Gracias: Castitas es la figura del centro y es la que recibe la flecha de Cupido; Voluptas, a su izquierda, refleja la pasión, mientras que Pulchritudo, que se vuelve hacia Mercurio, es la más comedida. Las tres Gracias a su vez simbolizan la liberalidad, tal como señaló Séneca ("De beneficiis", I, 3, 2-7) y recogió Leon Battista Alberti en su "De pictura". La interpretación de Wind sería que la unión del Amor y la Castidad generaría la Belleza, personificada en Flora, la primavera; esta unión sería favorecida por Venus, que simbolizaría así la Concordia.


title: La primavera (Botticelli)

text: Las Gracias representan una tríada donación-aceptación-devolución, según la teoría neoplatónica del ciclo energético que rige el universo: Dios emana un flujo ("emanatio") que proprociona a todos los seres una fuerza vivificante ("raptio"), que a su vez propicia el ascenso hacia una esfera superior donde se halla la divinidad ("rematio"). Según este concepto, Mercurio sería la figura propiciadora de este "rematio". Mercurio, como mediador entre hombres y dioses, es el guía que transporta las almas al más allá (Psicopompo). Además, para los neoplatónicos significada el entendimiento, la razón, la revelación de los conocimientos y los misterios del universo. El hecho de que con su caduceo disperse las nubes puede significar el acceso al entendimiento.


title: La primavera (Botticelli)

text: Emil Jacobsen ("Archivio storico dell'arte", 1897) relacionó la obra con la muerte de Simonetta Vespucci, que aparecería renacida en el Elíseo. Otra interpretación, derivada de unos versos de Angelo Poliziano, relacionaría las ocho figuras con los meses de febrero a septiembre (de Céfiro a Mercurio), excluyendo los de invierno, considerados nefandos.


title: La primavera (Botticelli)

text: Otra interpretación en la pintura sería la de plasmar el marco político de la península itálica durante el : según esta visión, Flora sería Florencia, Mercurio-Milán, Cupido-Roma, las tres Gracias Pisa, Nápoles y Génova, la ninfa Cloris-Mantua, Venus-Venecia y Céfiro-Bolzano.


title: La primavera (Botticelli)

text: La plena interpretación de este cuadro está supeditada a su relación con "El nacimiento de Venus". Según Erwin Panofsky ("Renacimiento y renacimientos en el arte occidental", 1975), en ambas obras la figura de Venus ocupa el lugar central, aunque una está desnuda ("Nacimiento") y otra vestida ("Primavera"), y representan los dos polos de esta figura mítica: en el "Nacimiento" se representa la Venus celeste y en la "Primavera" la Venus vulgar. En cambio de lo que podría parecer, es la celeste la que se muestra desnuda, porque su belleza es pura y de origen sobrenatural. Tiziano hizo la misma contraposición en "Amor sacro y amor profano" (1515, Galería Borghese, Roma). Otra correspondencia, señalada por Edgar Wind, es la presencia en "El nacimiento de Venus" de la Primavera dispuesta a cubrir a la diosa con un manto, lo que equivaldría a ocultar la verdadera belleza pura y desnuda; una vez cubierta, se transforma en la Venus vulgar que aparece en la "Primavera". En última instancia, una es reflejo de la otra, la belleza corporal como reflejo de la belleza espiritual, el amor humano como reflejo del amor divino.


title: La primavera (Botticelli)

text: Por su parte, Ernst Gombrich ("Botticelli's Mythologies", 1945) identificó la figura de Venus como "Humanitas", la humanidad, una personificación del nuevo humanismo renacentista. Se basó para ello en una carta de Ficino a Lorenzo di Pierfrancesco —su alumno—, en la que disertaba sobre el papel de Venus en la formación y comportamiento humano. La figura de Humanitas sería la quintaesencia de las cualidades humanas, que reuniría en sí el Amor, la Caridad, la Dignidad, la Magnanimidad, la Liberalidad, la Magnificencia, la Gentileza, la Modestia, el Encanto y el Esplendor. La suma de estas cualidades da la "Humanitas", la poseedora de todos los seres humanos, pues «nada grande poseeremos en esta tierra sin poseer a los hombres mismos, de cuyo amparo nacen todas las cosas terrenas». En el fondo, se trata de una figura pedagógica que alude al conocimiento superior y a la comunión con la divinidad. Según Gombrich, pudo ser esta carta la que propiciase el encargo del cuadro, por cuanto para Ficino la vista era el principal de los sentidos y las imágenes tenían para él una indudable función pedagógica. Así, en esta obra la Belleza (Venus) conduciría a la Moral (Humanitas).


title: La primavera (Botticelli)

text: Algunos historiadores del arte como Gombrich ("op. cit.") y André Chastel ("Arte y humanismo en Florencia en la época de Lorenzo el Magnífico", 1991) han señalado igualmente su concordancia con la religión católica, derivada del intento de la Academia Florentina de aunar la filosofía platónica con la doctrina cristiana. Ficino llegó a equiparar a Platón con el Dios Padre y a Plotino como su hijo Cristo. Así, las obras mitológicas de Botticelli reflejarían también valores propios del arte sagrado, mediante una transferencia de tipos que vincularía las imágenes profanas con las de culto religioso. Según estos estudiosos, "El nacimiento de Venus" podría relacionarse con el Bautismo de Jesús, mientras que la Venus de la "Primavera" sería equiparable con una Virgen de la Anunciación. En cualquier caso, es innegable el parecido de numerosas vírgenes botticellianas con diosas mitológicas, partiendo además de que la modelo de ambos tipos fue en varias ocasiones Simonetta Vespucci.


title: La primavera (Botticelli)

text: Sobre la identificación de Venus con la Virgen de la Anunciación, Panofsky señala que tal hecho podría estar corroborado por el posible embarazo que parece mostrar Venus. A su vez, esta identificación mitológica-teológica se relaciona con la fórmula Venus=Humanitas en un escrito de Tomás de Aquino: «a la beata Virgen se la llama madre de Dios porque ella es, respecto a una Persona que tiene las dos naturalezas divina y humana, Su madre en cuanto a Su humanidad» ("Summa Theologiae", cuestión XXXV, artículo 4, c).


title: La primavera (Botticelli)

text: La obra más citada como posible fuente para esta escena son los "Fastos" de Ovidio, un calendario poético que describía las festividades romanas. La fiesta de Flora se llamaba Floralias. En el mes de mayo relata cómo Flora fue una vez la ninfa Cloris, que exhalaba flores al respirar. Suscitó una pasión ardiente en Céfiro, quien la siguió y la tomó como esposa por la fuerza. Arrepintiéndose de su violencia, el dios la transformó en Flora y como regalo le dio un hermoso jardín en el cual reinaba eternamente la Primavera. Botticelli estaría así representando en el mismo cuadro dos momentos separados de la narrativa de Ovidio: la persecución erótica de Cloris por parte de Céfiro y su posterior transformación en Flora. Por esta razón, las ropas de las dos mujeres, que además parecen ignorarse, soplan en direcciones diferentes. Flora está de pie junto a Venus, derramando rosas, las flores de la diosa del amor.


title: La primavera (Botticelli)

text: En su poema didáctico-filosófico "De rerum natura", el escritor clásico Lucrecio celebró a ambas diosas en una misma escena de primavera. Dado que el fragmento contiene referencia a otras figuras que aparecen en el grupo de Botticelli, es probablemente una de las fuentes principales para la pintura:


title: La primavera (Botticelli)

text: Para las Gracias, Botticelli podría haberse inspirado en "De beneficiis" de Séneca: «Aglae, Eufrosyne, Thalia, tal como solía pintárselas, asidas de la mano, riendo, con las túnicas sueltas y límpidas, por las que quería se entendiera la liberalidad, que una de estas hermanas da, la otra recibe y de la que devuelve el beneficio la tercera». Gombrich señala también como posible fuente "El asno de oro" de Apuleyo, especialmente donde narra "El juicio de Paris"; en esta fábula, Lucio, convertido en asno por la diosa Isis, recobra su aspecto original —su "Humanitas"— comiendo rosas, que era la flor sagrada de Venus, cuya floración se produce en primavera. En la escena del juicio de Paris, Apuleyo representa a la diosa precedida por Mercurio y acompañada de cupidos y vírgenes, con las tres Gracias a un lado y las Horas —las diosas de las estaciones, entre ellas Primavera— al otro. Aunque en el cuadro solo aparece un Cupido y una Hora, Gombrich lo atribuye a las necesidades representativas del cuadro. En cuanto a Paris, el historiador lo supone fuera del cuadro y lo identifica con la figura de Lorenzo di Pierfrancesco.


title: La primavera (Botticelli)

text: Otras fuentes literarias señaladas por los autores para esta obra son: las "Odas" de Horacio, que como el resto de la literatura clásica llegaba a través de autores contemporáneos como Leon Battista Alberti y Angelo Poliziano. De hecho, no parece probable que Botticelli leyera directamente estas obras en latín, sino que conociera su contenido por las conferencias de Poliziano. Precisamente en el año 1481 Poliziano pronunció discursos en público sobre el calendario de Ovidio. De gran importancia son las "Stanze per la Giostra" de Poliziano (1494), en cuyos versos se hace referencia al amor entre Giuliano de Médici y Simonetta Vespucci, a los que algunos autores han identificado como Mercurio y la Gracia de la izquierda, respectivamente.


title: La primavera (Botticelli)

text: Para Panofsky ("op. cit."), "Stanze per la Giostra" sería la fuente principal de "La primavera". En esta obra, Poliziano se basó en los himnos homéricos, Ovidio, Horacio, Tíbulo y Lucrecio. En uno de sus pasajes, describe el «reino de Venus» en términos bastante afines al cuadro de Botticelli.


title: La primavera (Botticelli)

text: El cuadro está realizado al temple sobre tabla. Por lo general, en sus obras de caballete preparaba la superficie con blanco de España y blanco de color en polvo, ligados con cola de carpintero. Sobre esta base ejecutaba mediante incisión con estilete las líneas directrices de la composición (perspectiva, arquitecturas) y posteriormente delineaba con pincel las líneas y contornos de figuras y objetos, con una tinta oscura muy líquida. A continuación aplicaba el color en capas sucesivas, separadas con un barniz de cola de pergamino. Por último, aplicaba algunas veladuras con temple de caseína, con las que ejecutaba los últimos planos, como paisajes y demás. Como soporte solía utilizar tablas de madera de nogal, como en esta obra; en raras ocasiones usaba lienzos, como en "El nacimiento de Venus".


title: La primavera (Botticelli)

text: Para esta obra se inspiró en los pocos restos de obras clásicas que tenía a su alcance, algunos sarcófagos, joyas, relieves, cerámicas y dibujos. En "La primavera" recuperó el género del "draperie mouillée" que repitió en "El nacimiento de Venus", con unas finas telas semitransparentes que dejan entrever el contorno del cuerpo, con un sentido del clasicismo procedente de las pinturas de Pompeya y Herculano o los estucos de Prima Porta y la Villa de Adriano. Sin embargo, Botticelli se alejó del carácter volumétrico del desnudo clásico, con unas figuras frágiles y esbeltas que respondían más al concepto moderno del cuerpo humano, al tiempo que sus rostros son más personales y humanizados que los ideales prototipos clásicos.


title: Savognin

text: Savognin (hasta 1890 oficialmente en alemán "Schweiningen", en italiano "Savognino") es una comuna suiza del cantón de los Grisones, ubicada en el distrito de Albula, en el círculo de Surses. Limita al norte con las comunas de Cunter, Tiefencastel y Filisur, al este con Tinizong-Rona, al sur con Mulegns, y al oeste con Riom-Parsonz.


title: Dixie Burrus Browning

text: Dixie Burrus Browning (Outer Banks, Carolina del Norte, 9 de septiembre de 1930) es una popular autora estadounidense de pinturas artísticas y novelas románticas. Ha alcanzado la fama tanto en su faceta de artista como pintora e ilustradora, como en la de novelista de romances contemporáneos bajo el seudónimo de Zoe Dozier y con su apellido de casada, Dixie Browning, y también escribiendo romances históricos con ayuda de su hermana Mary Burrus Williams bajo el seudónimo de Bronwyn Williams.


title: Dixie Burrus Browning

text: Las hermanas Burrus son hijas del fallecido jugador de béisbol Maurice Lennon "Dick" Burrus.


title: Dixie Burrus Browning

text: Dixie Burrus es una virgo nacida en 1930, sus raíces se remontan a principios del siglo XVIII en Hatteras, una isla del estado de Carolina del Norte. Es nieta de un capitán de barco, Dozier Burrus, su padre Maurice Lennon "Dick" Burrus, fue un famoso jugador de béisbol. Ella se crio en el seno de una familia numerosa, tiene dos hermanas que comparten su pasión por el romance: Mary Burrus Williams y Sarah Burrus Shoemaker, y también tenía un hermano al que perdieron.


title: Dixie Burrus Browning

text: Dixie se casó con el Sr. Browning un ingeniero electrónico y se fue a vivir a Winston-Salem, también en Calorina del Norte. El matrimonio ha tenido un hijo y una hija que les han dado dos nietos. Ahora que su marido ya está jubilado han regresado a la isla donde se crio.


title: Dixie Burrus Browning

text: Dixie es una mujer de lo más activa, que ha sido pintora premiada, jurado, ilustradora y activa defensora de todos tipo de formas de arte en Carolina del Norte. Entre sus pasatiempos están tocar la guitarra, la cerámica, la joyería, buscar piedras, navegar, pescar, coser...


title: Dixie Burrus Browning

text: Mary, mostró a Dixie una colección de Harlequin romance, y Dixie decidió probar a presentarse a un concurso de novela, aunque escribir no resultaba tan sencillo como creía.


title: Dixie Burrus Browning

text: Desde logró alcanzar la fama, ha impartido numerosos seminarios y talleres para las escritoras estadounidenses de novela romántica. Según ella, su mayor recompensa ha sido conocer a tantas escritoras que hayan triunfado y que le hayan regalado muchos horas de buena lectura.


title: Dixie Burrus Browning

text: Dixie logró publicar sus dos primeros romances contemporáneos en 1977 bajo el seudónimo de Zoe Dozier, y desde entonces continuó escribiendo incansablemente novelas bajo su nombre de casada: Dixie Browning.


title: Dixie Burrus Browning

text: Su hermana Mary, le preguntó por qué no se animaba a escribir novelas históricas además de contemporáneas, y su hermana le dijo que ella no era capaz de dedicar el tiempo necesario para documentarse. Mary se ofreció a ayudarla con toda la documentación y aportando ideas, si ella decidía escribirlos. Escribieron su primera novela y se la pasaron a su hermana Sarah Burrus Shoemaker para que diese el visto bueno. Decidieron combinar los nombres de casadas de ambas y modificándolos un poco crearon el seudónimo de: Bronwyn Williams. Lograron publicar su novela en 1988.


title: Dixie Burrus Browning

text: Actualmente Dixie continua escribiendo novelas contemporáneas en solitario como Dixie Browning e históricas junto a su hermana como Bronwyn Williams.


title: Dixie Burrus Browning

text: Entre otros galardones ha recibido un premio RITA, del cual ha sido finalista varias veces, 3 Maggies por la mejor novela histórica del año, 7 galardones del North Carolina Press Club y 5 premios de la National Federation of Press Women.


title: El día que me quieras (película de 1935)

text: El día que me quieras es un largometraje musical protagonizado por el cantante de tangos Carlos Gardel, dirigido por el austríaco John Reinhardt, que constituye la tercera de la serie de películas estadounidenses de Gardel realizadas por la empresa Paramount en los estudios Kaufman Astoria ubicados en Astoria (Queens) en Nueva York. La película cuenta con el guion de Alfredo Le Pera y fue coprotagonizada por Rosita Moreno y Tito Lusiardo.


text: Gardel canta los temas «Sol tropical», «Sus ojos se cerraron», «Guitarra, guitarra mía», «Volver», «Suerte negra» (en trío con Lusiardo y Pelufo) y «El día que me quieras», con final a dúo con Rosita Moreno. Fue estrenada el 5 de julio de 1935 en La Habana, Cuba, pocos días después de que Gardel muriera en un accidente de aviación.


text: Entre 1931 y 1932 Carlos Gardel había realizado cuatro películas ("Luces de Buenos Aires", "Espérame", "La casa es seria" y "Melodía de arrabal") con la empresa estadounidense Paramount en sus estudios europeos ubicados en Francia. Las películas hicieron de Gardel una estrella internacional, especialmente en el mundo hispanohablante. A fines de 1933 Gardel viajó por primera vez a Estados Unidos, donde cantó con gran éxito por la NBC de Nueva York, acompañado por la orquesta de la radio dirigida por Hugo Mariani y teniendo como arreglador al músico argentino Terig Tucci, radicado hacía años en Estados Unidos.


text: En ese contexto Gardel convocó a Alfredo Le Pera a Nueva York para que actuara como su representante ante la Paramount, con el fin de realizar alguna película en los Estados Unidos, en un momento en el que ese país padecía la gran depresión de la década de 1930. El contrato se firmó el 20 de marzo de 1934, acordando crear una empresa productora subsidiaria del gigante del cine estadounidense con el nombre de Éxito Corporation, cuyo único accionista fue el cantante argentino. Inicialmente se realizaron dos películas ese mismo año: "Cuesta abajo" y "El Tango en Broadway", dirigidas por el francés Louis J. Gasnier, que debido al rechazo que suscitó en Gardel y sus socios artísticos, fue reemplazado en las dos películas finales. Luego de ir a Francia por poco tiempo, Gardel volvió Nueva York a fines de 1934, actuando en la NBC y participando en la filmación del catálogo musical de la Paramount "Cazadores de Estrellas" (su título original es "The Big Broadcast of 1936").


text: Entusiasmada con el éxito de las películas de Gardel, la Paramount decidió filmar dos películas más en 1935, que serían sus últimas películas: "El día que me quieras" y "Tango Bar". Gardel y Le Pera ya habían decidido que su etapa de trabajo con Gasnier estaba agotada y eligieron a John Reinhardt, un joven director de origen austríaco, que había dirigido varias películas con actores latinos y que se mostraba mucho más receptivo a las sugerencias de la dupla. Dos características centrales resaltan en estas últimas dos películas: la primera es la decisión de registrar el canto de Gardel en vivo, eliminando el doblaje tradicional en posproducción; la segunda es la decisión de dirigir el tono de las películas hacia el público de los países habla española, alejándose tanto del tono porteñista, como de los estereotipos europeo-norteamericanos.


text: "El día que me quieras" se filmó en enero de 1935, con Reinhardt como director y Le Pera como libretista, ante el fracaso de los libretos que la Paramount encargó a autores argentinos e hispanoamericanos, buscando mejorar el nivel. Hubo una importante mejora en la calidad de los actores seleccionados, asignando los papeles principales que acompañan a Gardel (Julio Argüelles) a la actriz mexicana Rosita Moreno (que interpreta a Margarita y su hija Marga), Tito Lusiardo (Rocamora), Fernando Adelantado (Carlos Argüelles) y Mario Peluffo (Saturnino). También actúa en una breve escena, por pedido de Gardel, el niño Ástor Piazzolla.


text: Le Pera, como en todas las películas anteriores, se quejó de los cortes de posproducción, pero el film claramente había ganado en calidad frente a los anteriores. La película fue estrenada pocos días después de la muerte de Gardel. En una carta escrita a su representante Defino cuatro días antes de morir, Gardel le dice:


text: En el libreto, Gardel es hijo de un multimillonario rechazado por su padre por dedicarse a cantar y haber formado pareja con una artista (Rosita Moreno como Margarita), a quien le declara su amor con la canción "El día que me quieras". Reducidos a la pobreza, Margarita cae enferma gravemente y Gardel se ve forzado a robarle a su padre para sobrevivir. Pese a ello Margarita muere en una escena histórica en la que Gardel canta "Sus ojos se cerraron", que por el grado de emotividad que alcanzó su interpretación, dejó al estudio en silencio durante varios minutos antes de estallar en aplausos. Gardel queda entonces solo al cuidado de su hija, Marga. El relato se reinicia años después, cuando Gardel y su hija se han convertido en artistas exitosos. Repitiendo la historia de su madre, Marga se enamora de un joven argentino, cuyo millonario padre que se opone a la relación ("yo la veo vulgar y demasiado libre"). Todos coinciden en el viaje de vuelta a Buenos Aires donde, en otra escena famosa, apoyado en la baranda del barco, Gardel canta el tango "Volver" ("Volver con la frente marchita, las nieves del tiempo platearon mi sien"). Finalmente, Gardel revela que es el heredero de la empresa en la que trabaja, lo que lleva al padre del joven a cambiar cínicamente de parecer y autorizar el casamiento. En la última escena Gardel, abrazado a su hija y su futuro yerno, de noche y mirando al mar, canta la segunda parte de "El día que me quieras".  "El día que me quieras" registra el extraño encuentro entre Gardel y Ástor Piazzola, los dos máximos referentes de la historia del tango, cuando este último tenía apenas doce años. El padre de Piazzolla era un inmigrante argentino en Estados Unidos, que trabajaba de peluquero en Manhattan. Cuando se enteró que Gardel se había instalado en Nueva York, Piazzolla padre talló una figura especialmente para Gardel y lo envió a su hijo a que se la entregara. La picardía del niño, que trataba a Gardel de "Charlie" y sabía tocar el bandoneón, generó la simpatía inmediata de Gardel, y se estableció entre los dos una inusual amistad, en la que Ástor obró muchas veces como traductor. Como resultado de la misma Gardel invitó al niño Piazzolla a aparecer como "canillita" en "El día que me quieras" y luego fue más allá invitándolo a formar parte de la comitiva que lo acompañaría en su gira latinoamericana, pero su padre pensó que era aún muy joven para ello. Como si se tratara de un guion de película, esa negativa del padre hizo que Ástor no estuviera en el accidente aéreo y décadas después se transformara en el gran renovador del tango argentino.


text: En 1978 Ástor Piazzolla le escribió a Gardel una carta imaginaria:


text: En 1969 se realizó una versión de la película, con el mismo nombre, dirigida por Enrique Cahen Salaberry, con guion de Abel Santa Cruz, y actuaciones de Hugo del Carril, Susana Campos, Rafael Carret, Pedro Quartucci, Guillermo Battaglia, Santiago Gómez Cou, Hugo Dargó, Simonette, Enrique Liporace, y Tito Lusiardo (quien había actuado en la película original).


title: Kidon

text: Kidon (en hebreo: "bayoneta") es el nombre del departamento que dentro del Mossad se encarga de la ejecución de terroristas. Su existencia fue revelada por Victor Ostrovsky (un antiguo katsa del Mossad) en el libro "By Way of Deception", publicado en 1990. Se sospecha que el Kidon estuvo detrás de los asesinatos cometidos dentro de la Operación Cólera de Dios, llevada a cabo por Israel tras la Masacre de Múnich en 1972. Según el autor israelí Aaron Klein, Kidon era conocido como Caesarea hasta una reorganización llevada a cabo a mediados de la década de 1970.


title: Artur Boruc

text: Artur Boruc (Siedlce, Polonia, 20 de febrero de 1980) es un futbolista internacional polaco que juega de portero en el Legia de Varsovia de la Ekstraklasa.


title: Artur Boruc

text: Boruc comenzó su carrera en la tercera división polaca de la mano de su club natal, el Pogoń Siedlce. Se unió al Legia de Varsovia en 1999, marchándose como cedido al Dolcan Ząbki en 2000 antes de abrirse hueco dentro de la plantilla del Legia en 2002, convirtiéndose en portero titular en club ya en 2003. En el verano de 2005, se unió al Celtic de Glasgow de la Scottish Premiership. En sus cinco años en Glasgow, Boruc estuvo presente en 221 partidos para el club, ganando en tres ocasiones la liga, una Copa de Escocia y dos Copas de la Liga de Escocia. Los fanáticos celtas apodaron a Boruc "The Holy Goalie" por su devoto catolicismo. Se mudó a Italia en 2010 para unirse a la Fiorentina, pasando dos años en el club de la Serie A antes de regresar a Gran Bretaña en 2012 para fichar por el Southampton FC de la Premier League, fichando posteriormente por el AFC Bournemouth en 2015 después de jugar una temporada como préstamo en el equipo.


title: Artur Boruc

text: Su debut internacional tuvo lugar contra la República de Irlanda en abril de 2004, convirtiéndose desde entonces en un habitual de la selección polaca, y siendo convocado en un total de 65 partidos. Representó a Polonia en la Copa Mundial de la FIFA 2006, la Eurocopa de 2008 y la Eurocopa de 2016. En noviembre de 2017 Boruc anunció su retiro del fútbol internacional.


title: Artur Boruc

text: Boruc comenzó su carrera en 1998 en el Pogoń Siedlce de su ciudad natal. La temporada siguiente fichó por el Legia de Varsovia, comenzando a jugar en el equipo reserva, y también siendo cedido a mitad de temporada al Dolcan Ząbki.


title: Artur Boruc

text: En marzo de 2002, Boruc jugó su primer partido de liga con el Legia. En la segunda mitad de la temporada 2002/03 se erigió como la primera opción en la portería.


title: Artur Boruc

text: En junio de 2004, Boruc anotó un gol para el club, convirtiendo un penalti en un partido en casa ante el Widzew Łódź (el marcador final: 6-0) y lo celebró ondeando la bandera del córner.


title: Artur Boruc

text: El 20 de julio de 2005, fichó por el Celtic procedente del Legia de Varsovia polaco. El contrato inicialmente era de cesión para un año con opción de compra. Se hizo permanente pues el Celtic le hizo un contrato de 3 años y medio, hasta el 2009. El 5 de enero de 2008, Boruc firmó un nuevo contrato con el Celtic hasta 2011.


title: Artur Boruc

text: El 21 de noviembre de 2006, en un partido de Champions League contra el Manchester United en Celtic Park, Boruc ayudó al Celtic a pasar a octavos de final de la competición parando un penalti a Louis Saha en el minuto 89. Le nombraron jugador del mes en diciembre de 2006 en la liga escocesa, un premio poco frecuente para un portero. También se reconoció su forma con la nominación al premio de mejor futbolista del año en Escocia (Scottish PFA) en 2007. El Celtic empató con el campeón ruso FC Spartak Moscú en la terecra ronda de clasificación de la Uefa Champions League 2007-08. El empate se decidió en una ronda de penaltis en la que Artur Boruc paró dos penaltis clasificando al Celtic para la siguiente ronda.


title: Artur Boruc

text: En 2007 fue nombrado el tercer mejor portero del mundo por el periódico italiano «La Gazzetta dello Sport». Un año más tarde, el 20 de octubre de 2008, Artur Boruc fue uno de los 55 jugadores (incluyendo 5 porteros) nominados para el premio FIFPro World XI Player.


title: Artur Boruc

text: El 28 de enero de 2009, transformó un penalti para el Celtic durante un partido de semifinales de la Copa de la Liga de Escocia ante el Dundee United.


title: Artur Boruc

text: A mediados de 2010, fichó para la ACF Fiorentina de la Serie A de Italia. En dicho club se quedó hasta mediados de 2012. En su etapa en el conjunto "viola", atajó en 62 partidos y recibió 70 goles.


title: Artur Boruc

text: Después de quedar libre de la Fiorentina, el 22 de septiembre firmó un contrato de un año con el Southampton FC de la Premier League.


title: Artur Boruc

text: El 19 de septiembre de 2014, Boruc se unió al AFC Bournemouth de la Championship como préstamo de emergencia hasta enero de 2015. Debutó ese mismo día en el empate 1-1 ante el Watford. Para diciembre de 2014, Boruc había registrado nueve vallas invictas en 18 encuentros. Su préstamo se extendió hasta el término de la temporada.


title: Artur Boruc

text: El 2 de mayo de 2015, Boruc fue parte del equipo del Bournemouth que ganó la Championship y marcó el debut del equipo en la Premier League. Días después fue liberado por el Southampton, y fichó permanentemente con el club.


title: Artur Boruc

text: El 17 de mayo de 2018 el jugador polaco firmó un nuevo contrato con el Bournemouth, que duraría hasta el término de la temporada 2019.


title: Artur Boruc

text: El 1 de agosto de 2020, Boruc regresó a Polonia para firmar por el Legia de Varsovia un contrato de un año.


title: Artur Boruc

text: Boruc debutó con Polonia el 28 de abril de 2004, en un amistoso con empate y sin goles ante Irlanda. Hasta la fecha, Boruc ha hecho un total de 65 apariciones con su selección nacional. El 28 de marzo de 2009 Boruc jugó ante Irlanda del Norte en Windsor Park cuando intentó despejar un pase atrás de Michał Żewłakow y en vez de despejarlo golpeó la hierba y el balón se coló en el fondo de la portería poniendo por delante a Irlanda del Norte con 3-1. Recibió muchas críticas después del partido por su actuación y no fue convocado para el siguiente partido ante San Marino.


title: Artur Boruc

text: Una lesión de Jerzy Dudek al comienzo de la temporada 2005-06 hizo que Boruc le sustituyera en la selección nacional para jugar la clasificación de la Copa del Mundo 2006. En vísperas para jugar la Copa Mundial 2006, Dudek y Boruc tuvieron un duelo para ver quien iba finalmente a la fase final; algo parecido ocurrió en Alemania con Oliver Kahn y Jens Lehmann. Finalmente fue elegido por el ex seleccionador nacional de Polonia Paweł Janas para disputar la fase final de la Copa Mundial de 2006 en Alemania. La no llamada de Dudek por parte de Janas dio lugar a numerosos debates en los medios de comunicación polacos y más aún con la derrota ante Ecuador 0-2 en el primer partido de Polonia en la Copa Mundial 2006. Se disputó la titularidad con Tomasz Kuszczak y Łukasz Fabiański pero Boruc fue la primera opción en la Copa del Mundo. Polonia fue eliminada en el segundo partido ante Alemania donde cuajó una buena actuación y no pudo impedir la tardía victoria de Alemania a cargo de Oliver Neuville, y solo consiguió una victoria ante Costa Rica en el tercer partido.


title: Artur Boruc

text: Boruc fue convocado para la Euro 2008 en Austria y Suiza, empezando su primer partido contra Alemania, jugándose el pase en el segundo partido importante contra el anfitrión Austria en el que los polacos concediron un penalti en el minuto 92 que empató el partido. En ese partido hizo tres grandes paradas que dejó el marcador final de 1-1. Sin embargo, Polonia fue de nuevo eliminada en la primera fase consiguiendo un empate y dos derrotas. Fue apodado «Spaceman» por la prensa austriaca y alemana durante el torneo.


title: Artur Boruc

text: Boruc fue centro de muchas controversias durante su etapa en el Celtic de Glasgow. El 25 de agosto de 2006, la "Strathclyde Police" advirtió a Boruc por realizar gestos frente a los fanáticos del Glasgow Rangers antes de un partido a principios de ese año. Según el "Sunday Herald", «los informes policiales destacaron tres gestos con las manos hechos por Boruc, de 26 años [...] un signo de V hacia la multitud, otro gesto obsceno y una bendición». Los gestos no fueron captados en vídeo y la advertencia fue publicada según los informes policiales y las declaraciones de los testigos. Este incidente le valió el apodo de "The Holy Goalie".


title: Artur Boruc

text: La fiscalía expuso que Boruc «fue visto santiguándose por miembros del público y oficiales de policía. Los testigos lo describen sonriendo o riéndose de una parte de los fans del Rangers y realizando gestos provocadores de "vamos". La acción parece encender a una parte del público, que reacciona de tal manera que los policías y el personal de seguridad tienen que intervenir para calmar la situación. La policía declaró que les llevó cerca de 10 minutos restaurar la paz entre los aficionados». Según el Comité del Parlamento escocés, «el signo de la cruz es una expresión de fe de la Iglesia católica; alarmante, provocadora y molesta para otros (protestantes) quebrantando las leyes del derecho».


title: Artur Boruc

text: La Iglesia católica condenó la acción; sin embargo, lamentó que «Escocia sea uno de los pocos países en el mundo en donde este simple gesto religioso, se considere una ofensa». Tras los comentarios de la prensa, la Cancillería de la Corona publicó una declaración el 25 de agosto de 2006 recalcando que era «muy limitada» la multa que se había impuesto contra Boruc por los gestos realizados a los aficionados del Glasgow Rangers como santiguarse, y que no se tomarían medidas contra individuos que realizan «actos religiosos». Según la BBC News, la advertencia «trajo la cuestión del sectarismo a Escocia y fue el centro de atención». La Iglesia católica acogió con satisfacción las aclaraciones de la Cancillería de la Corona sobre la acción impuesta contra Boruc, principalmente la declaración «de ninguna manera se refirió al acto de bendecirse».


title: Artur Boruc

text: El 17 de diciembre de 2006 volvió a santiguarse durante un partido contra el Glasgow Rangers, generando malestar entre los aficionados rivales que se encontraban detrás de su portería. Un portavoz del Celtic FC defendió su gesto, indicando que «la policía ha dicho que no hay ningún problema con Boruc al respecto y tampoco con el Celtic Football Club».


title: Artur Boruc

text: Boruc volvió a la polémica en abril de 2008, cuando mostró una camiseta con el lema «Dios bendiga al Papa» y una foto del Papa Juan Pablo II después de la victoria contra los Rangers en el "Old Firm"; no obstante, el árbitro del partido sostuvo que las intenciones de Boruc no eran enfrentarse a los aficionados del Rangers, destacando el hecho de que el portero no se acercó a ellos para que pudieran ver la camiseta. Un año antes, el 5 de mayo de 2007, Boruc también produjo un nuevo incidente frente al eterno rival al ondear una bandera en el Ibrox Stadium tras proclamarse campeón de la Premier League de Escocia con el Celtic FC. La "Strathclyde Police" sostuvo que «no se ha producido ningún acto criminal, pero discutiremos el asunto con el Celtic y la Premier League de Escocia». Este incidente fue el quinto en 16 meses en el que Boruc había sido acusado por provocar a los aficionados contrarios. El 20 de octubre de 2007 sería nuevamente protagonista al negarse a estrechar la mano a los jugadores contrarios del Rangers después del partido. Boruc declaró al periódico polaco "Gazeta Wyborcza" que le habían estado «provocando» y «ofendiendo» durante todo el encuentro.


title: Artur Boruc

text: Además del Glasgow Rangers, el Hibernian Football Club también ha sido blanco de las provocaciones de Boruc. El 23 de septiembre de 2007, el guardameta polaco fue grabado por una cámara haciendo señales con la mano hacia los aficionados del Hibernian. El 2 de marzo de 2008, Boruc recibiría una amonestación poco después del pitido final en la victoria 2-0 contra el Hibernian, siendo castigado por una presunta incitación de «sonreír y hacer señales con la mano a los seguidores del Hibernian FC».


title: Artur Boruc

text: Artur Boruc sería excluido de la plantilla de la selección de fútbol de Polonia el 27 de agosto de 2008, después de haber infringido junto a sus compañeros de selección Dariusz Dudka y Radosław Majewski las normas tras un partido amistoso frente a que Boruc no jugó. El presidente de la Asociación Polaca de Fútbol, Michał Listkiewicz, afirmó que Boruc no estaba implicado en los daños materiales ocasionados en el interior de la habitación del hotel. El jugador cumpliría dos partidos de suspensión antes de volver a la titularidad con Polonia en un partido de clasificación para la Copa del mundo contra la el 11 de octubre del mismo año.


title: Artur Boruc

text: Artur Boruc es fanático del Legia de Varsovia, asistiendo a los partidos del club cada vez que se encuentra en Polonia. Hace el signo de la "L", valiéndose de su dedo pulgar e índice para demostrar su amor por el equipo polaco. Es miembro de la Asociación de Aficionados del Legia Varsovia ("Stowarzyszenie Kibiców Legii Warszawa") y ayuda a la hinchada en conflicto con la directiva.


title: Artur Boruc

text: El 21 de abril de 2007, salvó a una mujer embarazada de 27 años, a su hermana y a su cuñado cuando estos fueron atacados en Glasgow por tres maleantes acompañados por dos perros dobermans.


title: Artur Boruc

text: El padre de Boruc falleció en abril de 2010; su madre Jadwiga murió cuando él solo tenía 20 años. Tiene un hermano y tres hermanas. El 11 de junio de 2008, la entonces esposa de Boruc, Katarzyna, dio a luz a su hijo, Aleksander ("Aleks"), en Varsovia. Boruc y su esposa se separaron en 2008, después de que se le relacionara con la antigua concursante de "Pop Idol" Sara Mannei. Mannei dio a luz a su hija Amelia el 9 de agosto de 2010 en Polonia y la pareja se casó en 2014.


title: Artur Boruc

text: En septiembre de 2009, The Scottish Sun publicó una disculpa tras haber afirmado que Boruc había tenido una aventura con una joven, según se muestra en una fotografía, que en realidad se trataba de su hermana. En junio de 2011, "News of the World" admitió que había publicado un informe falso sobre Boruc, recibiendo una indemnización de £ 70,000 por difamación.


title: Consejo Nacional de la Economía y el Trabajo de Italia

text: El Consejo Nacional de la Economía y el Trabajo (Consiglio Nazionale dell'Economía e del Lavoro) -CNEL- está previsto en la Constitución de la República Italiana en el art. 99 que lo define:


text: "Organo de consulta de la Càmara y del Gobierno para las materias y las funciones que le atribuye la ley. Tiene la iniciativa legislativa y de contribuir a la elaboración de la legislación económica y social dentro de los límites que establece la ley".


text: Los mandatos del Consejo tienen una duración de 5 años. El Presidente es nombrado por elección de los componentes, con Decreto del Presidente de la República.


text: El CNEL está compuesto de 121 consejeros: 12 expertos elegidos entre cualificados exponentes de la cultura económica, social y jurídica; 44 representantes de observatorios del sector público y privado, 18 representantes del trabajo autónomo, 37 representantes de los empresarios y de 10 representantes de las asociaciones de promoción social y de las organizaciones del voluntariado.


text: Véase también: Consejo Económico y Social


title: Greg Child

text: Greg Child es un montañero, escritor y director de cine australiano (1957). Nació el 4 de diciembre de 1957. Child es una escritor de la revista Outside y ha escrito varios libros "Aire fino: Encuentros en el Himalaya", "Emociones mezcladas: Escritos de montañismo de Greg Child", "Postales desde la cornisa", "Sobre el precipicio" y "Escalando libremente" (junto a Lynn Hill). En 1987, Child fue galardonado con el premio literario del "Club Alpino Americano" por los muchos libros escritos sobre montañismo.


title: Greg Child

text: * 1981 Primera en El Capitán: Aurora, (VI 5.8 A5, 900m), Yosemite, USA. Con Peter Mayfield.


title: Magny (Yonne)

text: Su población en el censo de 1999 era de 819 habitantes.


title: Magny (Yonne)

text: Está integrada en la "Communauté de communes de l'Avallonnais ".


title: Sauvigny-le-Bois

text: Su población en el censo de 1999 era de 686 habitantes.


title: Sauvigny-le-Bois


title: Étaule

text: Su población en el censo de 1999 era de 409 habitantes.


title: Étaule


title: Pontaubert

text: Su población en el censo de 1999 era de 377 habitantes.


title: Pontaubert


title: Lucy-le-Bois

text: Su población en el censo de 1999 era de 365 habitantes.


title: Lucy-le-Bois


title: Annay-la-Côte

text: Está integrada en la "Communauté de communes de l'Avallonnais".


title: Vault-de-Lugny

text: Su población en el censo de 1999 era de 328 habitantes.


title: Vault-de-Lugny


title: Provency


title: Sermizelles

text: Su población en el censo de 1999 era de 225 habitantes.


title: Sermizelles


title: Island (Yonne)

text: Su población en el censo de 1999 era de 196 habitantes.


title: Island (Yonne)


title: Thory (Yonne)

text: Gila Es una bruja que se lleva alos niños para comer ella


title: Thory (Yonne)

text: Quico Es un Niño que le sacaron los ojos por no participar en una oración


title: Girolles (Yonne)


title: Maris Verpakovskis

text: Maris Verpakovskis (Liepāja, Letonia, 15 de octubre de 1979) es un exjugador de fútbol letón y su último club fue FK Liepājas Metalurgs de la Virsliga. De enero de 2014 a noviembre de 2018 fue presidente del FK Liepaja. Actualmente es director deportivo del FK RFS.


title: Maris Verpakovskis

text: Jugó en el Celta de Vigo, cedido por el Dinamo Kiev y ha pasado por otros equipos como el FK Baltika, el FK Liepājas Metalurgs, el Skonto FC donde empezó a destacar marcando 41 goles en 77 partidos. También jugó en otro equipo español, el Getafe CF.


title: Maris Verpakovskis

text: Ha sido internacional con la Selección de fútbol de Letonia en 104 ocasiones anotando 29 goles.


title: Maris Verpakovskis

text: El 19 de noviembre de 2003, en un partido contra por el repechaje clasificatorio a la Eurocopa, marcó el gol más importante de su carrera al minuto 78, el empate 2-2 de visita que clasificó a por primera y única vez hasta ahora a una Eurocopa. También había marcado antes en el encuentro de ida 1-0. (global 3-2).


title: Tharot

text: Su población en el censo de 1999 era de 111 habitantes.


title: Tharot


title: George A. Olah

text: George Andrew Olah (en húngaro: Oláh György András; Budapest, Hungría; 22 de mayo de 1927-Beverly Hills, Estados Unidos; 8 de marzo de 2017) fue un químico húngaro nacionalizado estadounidense, galardonado con el del año 1994 «por sus investigaciones sobre los carbocationes, fundamentales en la producción de materiales sintéticos».


title: George A. Olah

text: Estudió química en la Universidad Técnica de Budapest, donde se doctoró en 1949. Tras la Revolución Húngara de 1956 huyó, inicialmente a Inglaterra y posteriormente a Canadá, donde trabajó en la Dow Chemical Company. En 1965 aceptó su nombramiento como profesor de química en la Case Western Reserve University y en 1977 en la Universidad del Sur de California de Los Ángeles. En 1971 consiguió la nacionalidad estadounidense.


title: George A. Olah

text: Interesado en química orgánica desarrolló sus investigaciones sobre los cationes de carbono, denominados carbocationes, fragmentos cargados positivamente que proceden de moléculas de hidrocarburos y que aparecen en fracciones de segundos en los estadios intermedios de las reacciones químicas.


title: George A. Olah

text: En 1994 fue galardonado con el «por sus investigaciones sobre los carbocationes, fundamentales en la producción de materiales sintéticos».


title: George A. Olah

text: Fue galardonado en 2005 con la medalla Priestley, concedida por la American Chemical Society.


title: Domecy-sur-le-Vault

text: Su población en el censo de 1999 era de 104 habitantes.


title: Domecy-sur-le-Vault

text: Está integrada en la "Communauté de communes de l'Avallonnais ".


title: Talia Shire

text: Talia Rose Coppola (Lake Success, Long Island; 25 de abril de 1946), conocida como Talia Shire, es una actriz estadounidense. Sus papeles más conocidos son como Connie Corleone en "El padrino" y Adrianna Pennino Balboa en la saga de "Rocky".


title: Talia Shire

text: Talia Rose Coppola nació en Lake Success, Nueva York, hija de Italia Pennino Coppola y el compositor Carmine Coppola. Es hermana del director y productor Francis Ford Coppola y tía del actor Nicolas Cage y de la directora Sofia Coppola. Se casó con el músico David Shire, con el que tuvo un hijo, Matthew Orlando Shire. Tuvo otros dos hijos de su segundo matrimonio con el productor Jack Schwartzman: Jason Schwartzman, actor, y Robert Schwartzman, vocalista de la banda Rooney y del proyecto en solitario SoloBob.


title: Talia Shire

text: Shire saltó a la fama gracias a su papel como Connie Corleone en "El padrino" (1972), "El padrino II" (1974) y "El padrino III" (1990). En la primera entrega, su papel le valió la primera de las dos nominaciones a los premios Óscar.


title: Talia Shire

text: En 1976, consolidaría su condición de actriz de carácter al aceptar el papel de Adrianna Pennino Balboa, a la que llaman con el nombre masculino Adrian, la esposa del boxeador Rocky Balboa (Sylvester Stallone), por el que obtendría una segunda nominación a los Óscar. Seguiría haciendo el papel de Adrianna en la serie de películas de "Rocky". Sería la esposa de Rocky Balboa en la saga hasta su quinta entrega. Para la sexta entrega de la franquicia ("Rocky Balboa"), estrenada en 2006, el personaje que interpreta Shire fallece, pero Shire aparece en la película a través de "flashbacks".


title: Talia Shire

text: Según el "Rocky Scrapbook" (libro de recortes de Rocky) la primera actriz elegida para el papel de Adrianna Pennino fue Carrie Snodgress, pero por falta de acuerdo económico fue rechazada. La prueba de Shire impresionó tanto a Stallone como a los productores. Su aspecto, su interpretación, su belleza e incluso su voz la convertirían en la perfecta Adrianna Pennino.


title: Annéot

text: Su población en el censo de 1999 era de 102 habitantes.


title: Annéot


title: Menades

text: Su población en el censo de 1999 era de 61 habitantes.


title: Menades


title: Mary Burrus Williams

text: Mary Burrus Williams (Outer Banks, Carolina del Norte, EE. UU.), es una colaboradora para documentar libros históricos, con su hermana la escritora de novelas románticas Dixie Burrus Browning, esos libros se publican bajo el seudónimo de Bronwyn Williams.


title: Mary Burrus Williams

text: Las hermanas Burrus son hijas del famoso jugador de béisbol Maurice Lennon "Dick" Burrus.


title: Mary Burrus Williams

text: Mary Burrus nació en Outer Banks, Carolina del Norte, EE. UU., dónde su familia ha vivido durante generaciones. Su abuelo era un capitán de barco Dozier Burrus, y su padre un jugador de béisbol, Maurice Lennon "Dick" Burrus.


title: Mary Burrus Williams

text: Mary se casó con un Oficial Guardacostas de apellido Williams, ahora jubilado, y se fueron a vivir a Cape May, en el estado de Nueva Jersey.


title: Mary Burrus Williams

text: Mary fue quién mostró a Dixie una colección de Harlequin romance, y Dixie decidió probar a presentarse a un concurso de novelas, iniciando así su carrera como escritora de novelas románticas contemporáneas.


title: Mary Burrus Williams

text: Mary, le preguntó porque no se animaba a escribir novelas históricas también, y su hermana le dijo que ella no era capaz de dedicar el tiempo necesario para documentarse. Mary se ofreció a ayudarla con toda la documentación y aportando ideas, si ella decidía escribirlos. Escribieron su primera novela y se la pasaron a su hermana Sarah Burrus Shoemaker para que diese el visto bueno. Para su publicación decidieron combinar los nombres de casadas de ambas y modificándolos un poco crearon el seudónimo de: Bronwyn Williams. Lograron publicar su novela en 1988.