title: Combate naval de Jambelí (1865)

text: Los líderes Urbina y Robles lograron escapar a la vecina República del Perú, mientras otros pequeños grupos de invasores que habían asaltado y robado anteriormente las poblaciones de Samborondón, Baba y la isla Puná buscaron refugio en los bosques cercanos en el intento de escapar de las redadas de los soldados gobiernistas.


title: Combate naval de Jambelí (1865)

text: Debido a la derrota Eloy Alfaro, quien habia apoyado al General José María Urbina, huye nuevamente del país hacia Panama, donde conoceria a Juan Montalvo, hasta su regreso con la muerte de García Moreno.


title: Combate naval de Jambelí (1865)

text: Con la victoria gobiernista, la paz fue restablecida en el Ecuador hasta 1869, año en que los liberales intentaron un nuevo levantamiento con el objetivo de derrocar al presidente Javier Espinosa y Espinosa.


title: Mehnagar

text: Mehnagar es una pueblo y nagar Panchayat situado en el distrito de Azamgarh en el estado de Uttar Pradesh (India). Su población es de 14841 habitantes (2011).


title: Mehnagar

text: Según el censo de 2001 la población de Mehnagar era de 13319 habitantes, de los cuales el 52% eran hombres y el 48% eran mujeres.Mehnagar tiene una tasa media de alfabetización del 63%, superior a la media nacional del 59,5%: la alfabetización masculina es del 72%, y la alfabetización femenina del 53%.


title: Preston Mommsen

text: Preston Luke Mommsen (nacido el 14 de octubre de 1987) es un jugador de críquet escocés nacido en Sudáfrica. En 2006, Preston obtuvo una beca de cricket y rugby en Gordonstoun School en Moray, Escocia, durante los períodos de verano e invierno, durante este tiempo se convirtió en el primer niño de escuela en anotar 1000 carreras en esa temporada. En junio de 2013, Mommsen fue nombrado capitán de un joven equipo de Escocia para enfrentarse a Australia A en un encuentro de primera clase de cuatro días en Edimburgo. En 2014, Mommsen llevó a Escocia al Grupo A para la Copa del Mundo, ya que su segundo siglo del torneo aseguró una contundente victoria de 41 carreras sobre los Emiratos Árabes Unidos en la final de las eliminatorias.


title: Preston Mommsen

text: Mommsen representó a Sudáfrica en el nivel sub 19, jugó su primer partido con Escocia en un partido de primera clase contra Holanda el 10 de junio de 2010. El 15 de junio de 2010, Mommsen hizo su debut en One Day International contra Holanda. El 13 de marzo de 2012, hizo su debut con Twenty20 contra Kenia. El 21 de noviembre de 2016, Mommsen anunció su retiro del críquet profesional. En junio de 2017, regresó al equipo de Escocia para los partidos de la Liga Mundial de Críquet de junio de los Saltiers contra Namibia.


title: Spillover

text: Spillover (que significa contagio en español), es un libro del escritor estadounidense David Quammen. El libro, que fue gestado en el año 2013 y publicado en español en 2020, aborda cómo las infecciones de origen animal pueden llegar a cambiar las vidas de los humanos. El autor, a través de Spillover, incluso predijo que la humanidad se sometería a una nueva pandemia mundial formada por coronavirus.


title: Spillover

text: La aparición de nuevas enfermedades es un panorama aterrador para cualquier sociedad. El autor explica acontecimientos históricos en el mundo de la ciencia como son la aparición del ébola, el SARS, el SIDA o el Hedra, entre otros. Spillover pretende hacer ver al lector que todas estas enfermedades, por muy diferentes que sean las unas con las otras, comparten un mismo origen: el animal salvaje. David Quammen cuenta aventuras en el campo atrapando murciélagos en China, atrapando monos en Bangladés, acechando gorilas en el Congo u otras experiencias acompañadas de prestigiosos científicos. Quammen a través del libro, invita al lector a responderse preguntas como ¿cuándo, cómo, de dónde, y por qué surgen las enfermedades? Incluso invita a los lectores a preguntarse cuál va a ser la próxima pandemia.


title: Cléopâtre Montandon

text: Cleopatra Montandon es una antropóloga y socióloga suiza de origen griego especializada en sociología de la educación.


title: Cléopâtre Montandon

text: Nacida en Atenas, Cleopatra Montandon estudió economía en la Universidad de Ginebra, sociología en la Universidad de Montreal y obtuvo un doctorado en antropología cultural en la Universidad de Columbia en  Nueva York. Su tesis (Premio H. E. Sigrist) se centró en el desarrollo de la ciencia en Ginebra en los siglos XVIII y XIX.


title: Cléopâtre Montandon

text: Participó en la "Expedición Médica a Isla de Pascua" (METEI). De vuelta en Ginebra, trabajó como colaboradora científica en el Departamento de Investigación Sociológica del Departamento de Instrucción Pública, realizando estudios sobre la socialización de los jóvenes y la sociología de la desviación, luego como investigadora en la Facultad de Medicina de la Universidad de Ginebra, realizando investigaciones sobre la experiencia psiquiátrica en asuntos penales, así como sobre las representaciones de la justicia penal y el sistema penitenciario entre los presos de la Prisión preventiva de Ginebra. También fue consultora en la Organización Mundial de la Salud para la investigación sobre la peligrosidad.


title: Cléopâtre Montandon

text: Cleopatra Montandon fue profesora titular y luego profesora titular en la Facultad de Psicología y Ciencias de la Educación de la Universidad de Ginebra (1984-2002), así como profesora visitante en la Université du Québec à Montréal y Paris X. Su enseñanza se centró en la sociología de la educación y la sociología de la infancia. En este contexto, ha realizado investigaciones financiadas por la Fundación Nacional Suiza para la Ciencia (SNSF), en particular sobre la auto-socialización de los niños, sobre la violencia en la escuela y sobre la experiencia de la autonomía en los niños. Contribuyó a la introducción de campos de la sociología que no estaban muy involucrados en el idioma francés en Suiza en ese momento, como la sociología de la ciencia, la sociología de las emociones y la sociología de la infancia.


title: Cléopâtre Montandon

text: . Prólogo de Jean Starobinski.


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C. et Crettaz, B., 1981. "Paroles de gardiens, paroles de détenus. Bruits et silences de l'enfermement", Paris-Genève, Masson-Médecine et Hygiène.


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C. et Perrenoud, Ph., 1987. "Entre parents et enseignants : un dialogue impossible ? Vers l'analyse sociologique des relations entre la famille et l'école", Berne, P. Lang. (2e édition augmentée en 1994).


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C., 1997. "L'éducation du point de vue des enfants". Paris, L'Harmattan.


title: Cléopâtre Montandon

text: Articulos representativos :


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C., 1978, "Easter Island: a case of social change”. "Ethnologische Zeitschrift. Zürich", 1:5-44.


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C., 1983, Problèmes éthiques de la recherche en sciences sociales", "Revue suisse de sociologie", 2 :215-224.


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C. & Harding, T. W., 1984. The reliability of dangerousness assessments: a decision-making exercise", "The British Journal of Psychiatry", 144:149-155.


title: Cléopâtre Montandon

text: Kellerhals J. et Montandon, C. avec P.E. Gaberel, H. McCluskey, F. Osiek et M. Sardi, 1991. "Les stratégies éducatives des familles. Milieu social, dynamique familiale et éducation des pré-adolescents". Paris, Delachaux et Niestlé.


title: Cléopâtre Montandon

text: Kellerhals, J. et Montandon, C., 1991. "Cohésion familiale et styles d'éducation", "L'Année sociologique", 41 :229-246.


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C., 1992, "La socialisation des émotions : un champ nouveau pour la sociologie de l'éducation", "Revue française de pédagogie", no 101 :105-122. Montandon, C., 1995. "La socialisation scolaire : de l'expérience des enfants à l'analyse sociologique", "Revue européenne des sciences sociales", XXXIII, 102 :95-119.


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C., 1996, "Promesses et limites de l"'Explication en Sociologie". Quelques réflexions sur la pensée sociologique de Jean Piaget", "Revue européenne des sciences sociales", XXXIV, 106 :113-132.


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C., 1996. "Processus de socialisation et vécu émotionnel des enfants", "Revue française de sociologie", XXXVII : 263-285.


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C., 1998. "Children's perspectives on their education", "Childhood", 5, 3 :247-263.


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C., 2005, "Formes sociales, formes d'éducation et figures théoriques ». In O. Maulini et C. Montandon (eds).  "Les formes de l’éducation : variété et variations", Bruxelles, De Boeck. (pp. 223-244).


title: Cléopâtre Montandon

text: Montandon, C. 2006. "De l'étude de la socialisation des enfants à la sociologie de l’enfance : nécessité ou illusion épistémologique ?". In R. Sirota (ed.), "Eléments pour une sociologie de l'enfance". Rennes, Presses Universitaires de Rennes.


title: Temba Bavuma

text: Temba Bavuma (nacido el 17 de mayo de 1990) es un jugador de críquet sudafricano. También es el primer capitán negro en el cricket sudafricano. Bavuma también fue el segundo jugador de críquet sudafricano en anotar un siglo en el debut de One Day International, cuando anotó 113 carreras contra Irlanda en septiembre de 2016. En mayo de 2017, Bavuma ganó el Premio a la Excelencia en los premios anuales de Cricket Sudáfrica.


title: Temba Bavuma

text: Bavuma se crio en la intensa cultura del cricket de Langa: Bavuma, Thami Tsolekile y Malusi Siboto son todos de la misma calle. Bavuma se educó en South African College Junior School en Newlands, y en la escuela secundaria Marist Inanda High School de St David en Sandton. Se convirtió en el segundo jugador de cricket sudafricano en anotar un siglo en el debut de One Day International con 113 contra Irlanda el 25 de septiembre de 2016.


title: Temba Bavuma

text: El 26 de diciembre de 2014, Bavuma hizo su debut en Test Cricket para Sudáfrica contra Indias occidentales. El 25 de septiembre de 2016, hizo su debut en One Day International contra Irlanda. El 18 de septiembre de 2019, Bavuma hizo su debut en Twenty20 con Sudáfrica contra India.  En marzo de 2021, Cricket Sudáfrica anunció que Bavuma había sido nombrado capitán de One Day International y Twenty20 de Sudáfrica.


title: Clínica CEMTRO

text: La Clínica CEMTRO es un Hospital situado en la ciudad de Madrid ubicado en la avenida Ventisquero de la Condesa, 42


title: Clínica CEMTRO

text: La Clínica CEMTRO fue fundada por el cirujano Pedro Guillén el 18 de mayo de 1998. En 2015 la clínica recibió la distinción de "Centro Médico de Excelencia" de la FIFA.


title: Clínica CEMTRO

text: Este centro ha tenido dos grandes reformas y ampliaciones, en 2011 y 2017.


title: Clínica CEMTRO

text: En 2008 se abrió el centro de Fisioterapia CEMTRO en Pozuelo, Madrid. En 2017 se inauguró la Clínica CEMTRO Montecarmelo. En abril de 2018 se inauguró el centro Club Clínica CEMTRO al lado de la anterior dedicado a la fisioterapia deportiva.


title: Clínica CEMTRO

text: Además de los anteriores, CEMTRO cuenta con la Clínica CEMTRO II contigua a la original y otro centro de fisioterapia en Toledo.


title: Jeff Golub

text: Jeff Golub (Municipio de Copley (condado de Summit, Ohio), 15 de abril de 1955-Nueva York, 1 de enero de 2015) fue un guitarrista de jazz estadounidense que tuvo una carrera tanto con otros intérpretes como líder su banda Avenue Blue.


title: Jeff Golub

text: Golub estudió en la Berklee College of Music en Boston. En 1980, se trasladó a Nueva York y trabajó junto al guitarrista Billy Squier. Durante la década de los 80 y los 90, fue músico de estudio de Ashford & Simpson, Tina Turner, John Waite, Dar Williams, Vanessa Williams, y Peter Wolf. Entre 1988 y 1995, grabó e hizo giras con Rod Stewart. También formó parte del grupo de Dave Koz and the Kozmos, el grupo del programa de televisión "The Emeril Lagasse Show".


title: Jeff Golub

text: En 1988, Golub grabó si primer álbum de estudio en solitario "Unspoken Words". En 1994, formó la banda Avenue Blue, y grabaron su primer disco como conjunto "Avenue Blue Featuring Jeff Golub". Para el álbum "Out of the Blue" (Atlantic, 1999), eliminó el prefijo Avenue Blue y grabó simplemente como Jeff Golub. Grabó un álbum de blues con Billy Squier, Peter Wolf y John Waite, y un álbum con el pianista de jazz ciego Henry Butler en 2011..


title: Jeff Golub

text: En 2011, Golub perdió la vista debido a la presión sobre su nervio óptico. En septiembre de 2012, cayó sobre las vías de un metro, pero fue salvado por personas cercanas. Fue trasladado al hospital con heridas leves. Poco después, grabó el álbum "Train Keeps A-Rollin' " junto al teclista Brian Auger.


title: Jeff Golub

text: En 2014, se le disgnosticó parálisis supranuclear progresiva. El primer día de 2015, murió de esta enfermedadunos pocos meses antes de cumplir su 60º aniversario.Con Rick Braun


title: Jeff Golub

text: Con Rod Stewart


title: Jeff Golub

text: Con Billy Squier


title: Jeff Golub

text: Con otros


title: Año del Cuero

text: En la historiografía cubana, el Año del Cuero es el nombre dado al año 1844, cuando las autoridades españolas coloniales torturaron y fusilaron a cientos de esclavos para destapar la Conspiración de la Escalera, una supuesta confabulación para rebelarse el sistema esclavista que sostenía la industria azucarera de Cuba. Ya en los años anteriores se vinieron dando diversos levantamientos entre la población negra, tanto esclava como liberta, entre los cuales cabe destacar la sublevación del ingenio La Alcancía, en Cárdenas. Sin embargo, ninguna tuvo la violenta respuesta de las autoridades como la de 1844, de ahí su nombre; los acusados eran atados a una escalera y molidos a latigazos.


title: Año del Cuero

text: En analogía al Año del Cuero, el año 1963 fue bautizado como el «Año del Cuero Duro» por las milicias castristas de la Lucha contra bandidos.


title: Unión Deportiva Ibiza HC Eivissa

text: La UD Ibiza es un club de balonmano de Ibiza que fue fundado en 1999. Actualmente compite en la División de Honor Plata.


El Equipo Olímpico de Atletas Refugiados en los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 participa en lo Juegos Olímpicos en Tokio 2020, Japón como participantes olímpicos independientes. Su código IOC cambió a su acrónimo francés "EOR" que significa "Équipe Olympique des Réfugiés". El número de atletas aumentó al pasar de 19 en la edición de 2016 a 29 para esta edición.


title: Equipo Olímpico de Atletas Refugiados en los Juegos Olímpicos de Tokio 2020

text: Los atletas fueron elegidos el 8 de junio de 2021.


title: Quinton de Kock

text: Quinton de Kock (nacido el 17 de diciembre de 1992) es un jugador de críquet sudafricano. Es conocido por ser el sudafricano más rápido en alcanzar las 1,000 carreras en One Day International. Fue galardonado como Jugador de Cricket del Año en 2017 en los Premios Anuales de Cricket Sudáfrica por su desempeño excepcional en el críquet.


title: Quinton de Kock

text: El 20 de febrero de 2014, de Kock hizo su debut en Test Cricket para Sudáfrica contra Australia. El 19 de enero de 2013, hizo su debut en One Day International contra Nueva Zelanda. El 21 de diciembre de 2012, de Kock hizo su debut en Twenty20 con Sudáfrica contra Nueva Zelanda. En la Copa Mundial de Críquet Sub-19 de la ICC de 2012, de Kock anotó 95 de 131 entregas de pelotas de cricket en el primer partido de Sudáfrica contra Bangladés, que el equipo ganó por 133 carreras. De Kock anotó 284 carreras durante todo el torneo, ocupando el cuarto lugar del torneo.


title: Quinton de Kock

text: El 12 de junio de 2021, de Kock se unió a Mark Boucher en 3000 carreras en Test Cricket como wicketkeeper para Sudáfrica durante las 141 carreras anotadas, la mejor marca de su carrera, contra las Indias Occidentales.


title: Quinton de Kock

text: En septiembre de 2016, De Kock se casó con su novia, Sasha Hurly.


title: Three Lions

text: Three Lions, también conocida como Three Lions (Football's Coming Home), es una canción de la banda británica The Lightning Seeds, en colaboración con los cómicos David Baddiel y Frank Skinner. El tema fue publicado con motivo de la Eurocopa 1996 organizada en Inglaterra para apoyar a la selección inglesa de fútbol.


title: Three Lions

text: El título hace referencia al escudo de la camiseta de Inglaterra, los tres leones azules del emblema de la Asociación Inglesa de Fútbol, que están inspirados a su vez en el escudo de armas de Inglaterra. Por otro lado, en el estribillo y en los coros se repite la frase "It's coming home, Football's Coming Home" (lit: «vuelve a casa, el fútbol vuelve a casa»), basada en el lema oficial de la Eurocopa, que evoca los orígenes británicos de este deporte. A diferencia de otras canciones sobre fútbol, "Three Lions" menciona los malos resultados de Inglaterra para desear un triunfo similar al que obtuvo en la Copa Mundial de 1966.


title: Three Lions

text: "Three Lions" alcanzó el primer puesto en las listas británicas tanto en 1996 como en la versión para la Copa Mundial de 1998, que tuvo cambios en la letra. Esto le convierte en una de las tres canciones que ha sido número uno en Reino Unido con dos letras distintas. La canción ha sido descrita como un himno no oficial de la selección inglesa, y sus aficionados la han asumido como un cántico de grada.


title: Three Lions

text: El compositor Ian Broudie, líder y vocalista de The Lightning Seeds, hizo la canción por encargo de la Asociación Inglesa de Fútbol para apoyar a la selección de Inglaterra en la Eurocopa 1996, organizada en ese mismo país. Los ingleses tienen la tradición de publicar canciones oficiales de apoyo a su selección, algunas de ellas tan conocidas como "World in Motion" de New Order. Broudie compuso la melodía pensando en un cántico de grada y llamó a dos humoristas, David Baddiel y Frank Skinner, para que escribiesen la letra. El dúo presentaba en aquel momento el programa satírico "Fantasy Football League" en BBC Two.


title: Three Lions

text: La selección de Inglaterra no había ganado un título desde la Copa Mundial de 1966 y acumulaba un abultado historial de malos resultados, por lo que muchos aficionados ingleses daban por descontado que su equipo no llegaría lejos. A Broudie le gustaba ese planteamiento porque no se había usado antes y, en su opinión, lo normal para un hincha es identificarse con la derrota. Teniendo en cuenta que la Eurocopa se organizaría en Inglaterra, igual que el Mundial de 1966, Baddiel y Skinner escribieron una letra que reconocía el mal desempeño, y a la vez se ilusionaba en el estribillo por ganar tres décadas después: La versión para la Eurocopa 1996 incluye referencias a leyendas del fútbol inglés: Bobby Moore, Gary Lineker, Bobby Charlton y el baile de Nobby Stiles con la Copa del Mundo. Al inicio suena un sample de aficionados que Broudie había grabado en Anfield, en un partido entre el Liverpool y el Brøndby de la Copa de la UEFA 1995-96. Además se insertaron fragmentos de narraciones históricas de la selección. Los intérpretes son Broudie, Baddiel y Skinner; aunque la Asociación de Fútbol propuso que los jugadores también cantaran, Broudie rechazó esa propuesta. El tema fue publicado como sencillo en mayo de 1996 y también se incluyó en el disco oficial de la Eurocopa, "The Beautiful Game".


title: Three Lions

text: La Asociación de Fútbol volvió a pedir a Broudie que usase "Three Lions" para Copa Mundial de 1998, por lo que el trío de compositores hizo una nueva letra que mencionaba la derrota en la Eurocopa. Las referencias de "Three Lions '98" estaban dedicadas ahora a estrellas inglesas del momento: Paul Ince, Paul Gascoigne, Alan Shearer y Stuart Pearce. Además, Broudie incluyó el cántico de grada del "Three Lions" al comienzo de la canción. La versión de 1998 obtuvo también el número 1 en la lista de éxitos británica.


title: Three Lions

text: En 2010 hubo una reedición de "Three Lions" que fue interpretada por el trío original, Robbie Williams y Russell Brand sobre una base orquestal producida por Trevor Horn.


title: Three Lions

text: El lanzamiento de "Three Lions" en mayo de 1996 fue líder de ventas en el Reino Unido y coincidió con la etapa dorada del britpop, por lo que tuvo recorrido internacional. Los aficionados de Inglaterra terminaron convirtiendo el "It's coming home, Football's Coming Home" en uno de sus cánticos de grada, que les acompañó a lo largo del torneo hasta su eliminación en semifinales contra Alemania —la eventual campeona— en la tanda de penaltis. La popularidad de la canción ha trascendido más allá de esa cita, pues suele usarse en Inglaterra por medios y aficionados cada vez que hay una importante competición internacional. En términos generales, "Three Lions" está considerada como uno de los temas musicales más icónicos que estén relacionadas con el fútbol.


title: Three Lions

text: Tanto la versión de 1996 como la de 1998 alcanzaron el primer puesto de las listas británicas, lo que convierte a "Three Lions" en una de las tres canciones —junto con "Mambo No. 5" y "Do They Know It's Christmas?"— que han sido número uno en Reino Unido con dos letras distintas.


title: Mubarakpur

text: Mubarakpur es una ciudad y municipio situada en el distrito de Azamgarh en el estado de Uttar Pradesh (India). Su población es de 70463 habitantes (2011). Se encuentra a 13 km al noreste de Azamgarh.


title: Mubarakpur

text: Según el censo de 2011 la población de Mubarakpur era de 70463 habitantes, de los cuales el 51,3% eran hombres y el 48,7% eran mujeres


title: José Enrique Serrano Morales

text: José Enrique Serrano Morales (Algeciras, Cádiz 1851- Valencia, 17 de febrero de 1908) , erudito, bibliófilo, historiador y político español. Fundó la biblioteca histórica nombrada por el ayuntamiento de Valencia como Biblioteca Municipal Serrano Morales y escribió la obra cumbre sobre la imprenta valenciana "Reseña histórica en forma de diccionario de las imprentas que han existido en Valencia desde la introducción del arte tipográfico en España hasta el año 1868."


title: José Enrique Serrano Morales

text: Hijo de un magistrado, cuando tenía 5 años se trasladó con su familia a Valencia, ciudad en la que cursó la carrera de Derecho, aunque nunca llegó a ejercer como abogado. De ideas conservadoras, fue elegido delegado regio de Primera Enseñanza en Valencia y Diputado en Cortes por el distrito de Motilla del Palancar en varias ocasiones. Miembro activo de Lo Rat Penat y académico de la de San Carlos, fue corresponsal de la Real Academia Española, de la Academia de la Historia de Madrid y de las Buenas Letras de Sevilla y Barcelona, presidente de la Sociedad de Bibliófilos Valencianos y colaborador de diversas publicaciones. Con un importante patrimonio familiar-vitícola en Cuenca y agrícola en Castellón- logró formar una importante biblioteca -compuesta por unos 15000 volúmenes, más folletos, papeles sueltos, autógrafos, grabados, bulas, privilegios, epistolarios (entre ellos el de Gregorio Mayans y Siscar)- que, a su muerte, donó al Ayuntamiento de Valencia, el cual creó la Biblioteca Municipal Serrano Morales.


title: José Enrique Serrano Morales

text: "Reseña histórica en forma de diccionario de las imprentas que han existido en Valencia desde la introducción del arte tipográfico en España hasta el año 1868 (Imp. F. Domenech, 1898-1899)."


title: Mausoleo Garabaghlar

text: Mausoleo Garabaghlar o Mausoleo en la villa de Garabaghlar (en azerí: "Qarabağlar türbəsi") es mausoleo, que ubicado en Raión de Kangarli, a 30 km al noroeste de Najicheván.


title: Mausoleo Garabaghlar

text: El mausoleo fue construido en la primera mitad del siglo XIV, parcialmente destruido. Tiene forma de cilindro con doce facetas semicirculares. El mausoleo, que tiene forma circular en la parte interior, tiene 30 metros de altura.


title: Mausoleo Garabaghlar

text: El mausoleo de Garabaghlar es parte de un complejo que incluye una tumba y dos minaretes. Los minaretes datan aproximadamente de finales del siglo XII y principios del siglo XIII.  Todas las paredes exteriores están cubiertas con franjas de pequeños ladrillos de color turquesa. Dentro de cada cuadrado, las palabras ""Alá"" y ""Bismillah"" están marcadas con los mismos ladrillos turquesas en una inscripción cúfica. La palabra "Alá" se repite más de 200 veces en todo el superficie del edificio.


title: Mausoleo Garabaghlar

text: El 30 de septiembre de 1998 el mausoleo Garabaghlar fueron nominados para Lista de los Sitios de Patrimonio Mundial de la UNESCO por Gulnara Mehmandarova, presidenta del Comité de Azerbaiyán de ICOMOS- Consejo Internacional de Monumentos y Sitios.


title: Temporada 1972-73 de los Golden State Warriors

text: La temporada 1972-73 fue la vigesimoséptima de los Warriors en la NBA, y la undécima en el Área de la Bahía de San Francisco, a donde llegaron procedentes de Filadelfia, y segunda en la ciudad de Oakland con la nueva denominación de Golden State Warriors. La temporada regular acabó con 47 victorias y 35 derrotas, acabando en la cuarta posición de la Conferencia Oeste, clasificándose para los playoffs en los que cayeron en finales de conferencia ante Los Angeles Lakers.


text: Milwaukee Bucks vs. Golden State Warriors   Los Angeles Lakers vs. Golden State Warriors


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: El complejo volcánico Apacheta-Aguilucho es un complejo volcánico de Chile. Está formado por dos volcanes, el Cerro Apacheta y el Cerro Aguilucho, construidos principalmente por coladas de lava y rodeados de afloramientos de lava. En el flanco oriental del Apacheta se encuentra un colapso del sector y su depósito de derrumbes. Dos domos de lava están asociados con el complejo volcánico, Chac-Inca y Pabellón.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: El complejo volcánico estuvo activo desde el Mioceno hasta el Pleistoceno, pero se ha observado una actividad fumarólica continua y un sistema geotérmico. En 2015 se estaba construyendo una central geotérmica que entró en funcionamiento a finales de 2017.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: Apacheta-Aguilucho se encuentra en el norte de Chile, cerca de la frontera con Bolivia. La ciudad de Calama se encuentra a 105 kilómetros -120 kilómetros al suroeste de Apacheta-Aguilucho y El Tatio está a unos 60 kilómetros al sur-suroeste, pero con la excepción de la energía geotérmica y la infraestructura asociada a la minería, la zona es remota y deshabitada. La vegetación, si está presente, consiste principalmente en hierbas y arbustos


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: El volcán forma parte de la Zona Volcánica Central de los Andes. La Zona Volcánica Central incluye además el complejo volcánico Altiplano-Puna, que entre 10 y 1 millón de años atrás fue fuente de grandes erupciones ignimbríticas que produjeron más de 15.000 kilómetros cúbicos (3.600 mi. cúbicos) de roca; después produjo coladas de lava y domos de lava como el Cerro Chao y campos geotérmicos como El Tatio y Sol de Mañana, acompañados de una menor producción de material volcánico. El complejo volcánico Altiplano-Puna está sustentado por un cuerpo magmático que parece ser un batolito. La actividad volcánica es consecuencia de la subducción de la Placa de Nazca bajo la Placa Sudamericana. Aparte de la actividad volcánica, el acortamiento de la corteza ha dado lugar a un engrosamiento de la misma desde hace unos 35 millones de años.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: Apacheta-Aguilucho es un complejo volcánico formado por dos volcanes, el Cerro Apacheta y el Cerro Aguilucho, ambos volcanes compuestos; la cumbre más alta del complejo alcanza una altura de 5.557 metros. El volcán Aguilucho, al norte, y el Apacheta, al sur, están formados en su parte central por coladas de lava riolítica, y el edificio circundante por lavas andesíticas-dacíticas. Un lahar andesítico y un flujo piroclástico aparecen al sur y al este de Apacheta, que como parte más antigua del edificio está muy erosionado. Al norte y al este del complejo, los dos domos de lava Chac-Inca y Cerro Pabellón (también conocidos como Apacheta o Pabelloncito) forman la parte más joven del volcán.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: Las morrenas se encuentran tanto al oeste-suroeste de Apacheta como al este de la cúpula Chac-Inca, y se observan rastros de erosión glacial en la región del cráter Aguilucho. Las morrenas se desarrollaron durante el último máximo glacial . Actualmente, la región tiene un clima árido.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: El volcán tiene actividad fumarólica en las laderas norte y este del Apacheta, así como en la cumbre. Dos fumarolas en la cumbre del Apacheta producen vapor sobrecalentado a 108-118 °C con un alto rendimiento; el gas tiene una composición típica de las fumarolas de los sistemas geotérmicos, con algunas diferencias. Se encuentran dentro de un área más amplia, de unos 0,03 kilómetros cuadrados, que presenta desgasificación difusa, charcos de lodo y respiraderos.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: El Cerro Pabellón, otro nombre de Apacheta-Aguilucho, tiene un sistema geotérmico y la química de los gases de las fumarolas sugiere que Apacheta-Aguilucho cuenta con un sistema magmático activo en profundidad. Las perforaciones han encontrado temperaturas de más de 200 °C (392 °F) a 500 metros de profundidad. Esta actividad fumarólica ha dado lugar a la alteración hidrotermal de muchas partes del volcán; esta actividad ha generado un depósito de azufre en el flanco oeste del Aguilucho. La mina Mina Aguilucho se encuentra en el flanco oeste del Aguilucho.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: El sistema geotérmico de Pabellón fue descubierto en 1999, y se clasifica como un sistema geotérmico "ciego" debido a su escasa actividad en la superficie, a pesar de las fumarolas existentes en la cima del Aguilucho; el ascenso de los gases a estas fumarolas se ve presumiblemente facilitado por la presencia de fallas de intersección. Las gruesas capas de arcilla encontradas entre unos 165 metros y 490 metros de profundidad en las perforaciones presumiblemente sellan el sistema geotérmico. La fuente de calor no está clara; las últimas erupciones de Apacheta-Aguilucho se remontan a hace demasiado tiempo y es poco probable que los domos de lava más recientes estén asociados a reservas de calor significativas. Otra zona geotérmica se encuentra en el Cordón de Inacaliri, al sureste de Apacheta-Aguilucho


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: Un corrimiento de tierra se extiende 4,5 kilómetros fuera del complejo volcánico en su flanco oriental. El depósito de desprendimiento cubre una superficie de unos 3 kilómetros cuadrados, y una gran cicatriz de colapso con signos de alteración hidrotermal se encuentra frente al extremo occidental del desprendimiento. En su parte superior, el yacimiento está delimitado al norte y al sur por diques. En la parte inferior, el yacimiento consiste en una estructura lobulada. El depósito está cada vez más dominado por material alterado hidrotermalmente más al este, mientras que los mogotes consisten en bloques de lava. El material del depósito del deslizamiento presenta tanto bloques sólidos como una matriz más fina. Las rocas involucradas en el deslizamiento incluyen lavas andesíticas y dacíticas y material alterado hidrotermalmente. El depósito del desprendimiento está confinado entre dos coladas de lava más antiguas.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: Los derrumbes de sectores como el de Apacheta-Aguilucho se han observado en otros volcanes (como el Monte Santa Helena durante su erupción de 1980), y dan lugar a depósitos de deslizamiento característicos conocidos como depósitos de avalancha de escombros; éstos presentan colinas con aspecto de montículos y a menudo diques. Estos derrumbes se producen por diferentes razones en cada evento y son bastante comunes; sólo en los Andes Centrales 14 volcanes presentan depósitos de este tipo de derrumbes. Estos depósitos suelen presentar una estratigrafía que se asemeja a la del edificio de origen, así como grietas en forma de rompecabezas en las rocas que se forman cuando éstas se desintegran durante el colapso y el deslizamiento.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: En el caso de Apacheta-Aguilucho, es probable que el colapso del sector se haya desencadenado por una alteración hidrotermal del edificio que debilitó su estructura hasta que falló, y su trayectoria estuvo probablemente influenciada por la tectónica regional. Una vez que el edificio falló, el deslizamiento se desplazó hacia el este hasta que fue desviado por la topografía más antigua; el material se fragmentó cada vez más.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: Apacheta-Aguilucho ha erupcionado principalmente andesita, dacita y riolita que definen un conjunto calco-alcalino rico en potasio . Estas rocas definen un conjunto calco-alcalino rico en potasio que contiene anfíbol, biotita, clinopiroxeno, óxidos de hierro - titanio, ortopiroxeno, olivino, plagioclasa, cuarzo, sanidina y titanita . El olivino a menudo se transforma en arcilla, goethita y hematita y hay áreas de rocas alteradas hidrotermalmente en el flanco oriental y en el campo de fumarolas de la cumbre. En el campo de fumarolas, minerales como clorita, yeso, halloysita, hematita, mica y cuarzo se formaron a través de procesos de lixiviación supergénica y ácida. Los magmas parecen derivar del cuerpo volcánico del complejo magmático Altiplano-Puna y experimentaron cristalización fraccionada y otros procesos geoquímicos antes de hacer erupción.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: El complejo volcánico tiene una edad comprendida entre el Plioceno y el Pleistoceno y se desarrolló en varias etapas diferentes. En la primera etapa, se emplazó la llamada ignimbrita del Aguilucho, compuesta por flujos piroclásticos moderadamente soldados, de color blanco a rosado, hace 7,5 ± 0,6 millones de años, y flujos de lava andesítica hace 6,7 ± 0,3 millones de años. Posteriormente, se emplazaron más flujos de lava, consistentes en dacita en bloque.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: Los volcanes Apacheta y Aguilucho se formaron consecutivamente. El Apacheta está formado por coladas de lava y material piroclástico de andesita, y su cráter está cubierto por coladas piroclásticas y una colada de lava riolítica de 2,5 kilómetros de longitud. El Aguilucho está construido por coladas de lava. Finalmente, varios campos de flujos de lava fueron emplazados junto con los domos de lava Pabellón y Chac-Inca. Hace 1.204.000 ± 33.000 años una ignimbrita llamada Aguilucho hizo erupción desde el volcán Apacheta.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: Apacheta creció entre 1.024 y 0.9 millones de años atrás y Aguilucho entre 0.7 y 0.6 millones de años atrás. Las coladas de lava en Apacheta-Aguilucho se han datado en 910.000 ± 140.000 y 700.000 ± 200.000 años antes del presente, y una de ellas en 652.000 ± 12.000 años. La fecha del colapso del sector no se conoce con certeza, pero probablemente fue posterior al emplazamiento del último flujo de lava en Apacheta-Aguilucho.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: La datación de Chac-Inca ha establecido una edad de 140.000 ± 80.000 años antes del presente. En el Cerro Pabellón se han obtenido diferentes fechas: La datación con potasio-argón arroja una edad de 130.000 - 80.000 años antes del presente, mientras que la datación con argón-argón ha arrojado una edad de 50.000 ± 10.000 años antes del presente.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: El descubrimiento de vapor durante la perforación de un pozo de agua dulce en la década de 1990 llevó a ENAP y UNOCAL a realizar investigaciones en la zona y a descubrir las fumarolas. En 2002, una empresa conjunta de ENAP y CODELCO obtuvo el permiso para explorar la zona, pero aunque se descubrió un sistema geotérmico, los cuestionamientos políticos sobre la participación de ENAP desbarataron el proyecto.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: Otra empresa conjunta, esta vez con la italiana ENEL, llevó a cabo más investigaciones en la zona entre 2006 y 2007, y obtuvo un permiso para explotar el sistema en 2009. La empresa conjunta puso en marcha el proyecto de energía geotérmica Cerro Pabellón, y en 2015 comenzó la construcción de dos centrales eléctricas con una potencia prevista de 24 MW cada una, que se completarán en 2017-2018. La planta en Pampa Apacheta, a 3,5 kilómetros al este de Apacheta-Aguilucho, fue inaugurada por la presidenta chilena Michelle Bachelet el 12 de septiembre de 2017, convirtiéndose en la primera o la segunda (después de Copahue) central geotérmica de Sudamérica y, a partir de 2019, la única en funcionamiento.


title: Complejo volcánico Apacheta-Aguilucho

text: Se espera que la planta reduzca las emisiones de dióxido de carbono de Chile en unos 166.000.000 kilogramos al año y es propiedad de las empresas Geotérmica del Norte S.A.(GDN) y Empresa Nacional de Geotermia; esta última es una empresa conjunta entre ENAP y ENEL.


title: Río Viejo (Segovia)

text: El Viejo es un río de la península ibérica, afluente por la derecha del Pirón. Perteneciente a la cuenca hidrográfica del Duero, discurre por la provincia española de Segovia.


title: Río Viejo (Segovia)

text: Nace en la sierra de Guadarrama al pie del puerto de Malagosto, término municipal de Collado Hermoso, en la provincia de Segovia muy cerca de la de Madrid, y desemboca en el Pirón en Losana de Pirón, término municipal de Torreiglesias. Atraviesa Collado Hermoso con su molino, Tenzuela, Pelayos del Arroyo Berrocal (Turégano) y Losana de Pirón (Torreiglesias). Recibe las aguas de los arroyos del Hoyo, de Segovia, del Charco, del Rémono, de la Revoldina y del Sotillo. Tiene como efluente al Arroyo de Sotosalbos.


title: Río Viejo (Segovia)

text: Tierra de leyendas e historias de bandoleros como El Tuerto de Pirón, alrededor de su cauce existen varias rutas de senderismo en la zona, entre su fauna se crían barbos, cachos y bermeja.


title: Museo del Prototipo

text: EL museo «Prototipo - Personas. Fuerza. Coches.» (), conocido como Museo del Prototipo (), es un museo automovilístico de la ciudad de Hamburgo, al norte de Alemania. Se trata de una colección privada enfocada en los coches deportivos y de carreras, en su estructura y en sus conductores y pilotos. El museo se centra en vehículos alemanes, historia automovilística alemana y personas de esta nacionalidad.


title: Museo del Prototipo

text: El museo, inaugurado el 12 de abril de 2008, se encuentra en la HafenCity, en la antigua fábrica de la "Harburger Gummi-Kamm-Compagnie", construida entre 1902 y 1906. Está cerca del Museo Marítimo Internacional de Hamburgo.


title: Museo del Prototipo

text: El Museo del Prototipo es el fruto de años de esfuerzo de dos aficionados al automovilismo de Hamburgo, Thomas König y Oliver Schmidt, quienes se habían dedicado al estudio, investigación y coleccionismo de este tipo de vehículos, con el fin de reunir una colección y desarrollar un espacio museístico que contara la historia de estos coches históricos y narrase tanto su significado como el de los personajes que han hecho destacar los deportes de motor con su pasión y dedicación. El concepto del museo, que se ha ido definiendo a lo largo de los años, es el de «historias que cuentan historias».


title: Museo del Prototipo

text: Más allá de su objetivo museístico, los fundadores del museo lo ven como un punto de encuentro para los entusiastas del automovilismo en todas sus ramas (conducción, ingeniería, diseño, etc.), y hasta un sitio para concretar acuerdos y negocios relacionados con esta temática.


title: Museo del Prototipo

text: Los vehículos se disponen en un espacio diáfano, sin ningún tipo barreras (tampoco transparentes). Los automóviles exhibidos están repartidos en tres plantas, compartiendo un área total de . La idea es mostrar al visitante la fascinación por el mundo del automóvil de manera integral, que combine los tres elementos que comprenden su lema (actualmente estilizado en inglés con fines turísticos): "People" – las personas que comparten la pasión automovilística; "Power" – fuerza, elemento clave en los vehículos deportivos; y "Cars" – los coches con sus historias y particularidades.


title: Museo del Prototipo

text: La colección se desarrolla en torno a unos 50 automóviles, motores y modelos de coches deportivos y de carreras de fabricantes alemanas como Porsche, Volkswagen y Borgward, en su mayoría de los años 1940, 1950 y 1960, así como exhibiciones modernas, como el el famoso prototipo de Le Mans de Audi de 1999 o los primeros coches de carreras de la Fórmula 1 de Michael Schumacher y Sebastian Vettel. Se dan a conocer una gran cantidad de características específicas y objetos singulares, como el Porsche 64 diseñado para la carrera entre Berlín y Roma de 1939, un Porsche 356 de 1950, el vehículo de la Fórmula 1 de Otto Mathé equipado con motor bóxer de la serie Spyder de Porsche, o el coche de Petermax Müller que batió el récord mundial con un motor de 78 caballos diseñado originalmente para el Kübelwagen (versión militar del escarabajo de Volkswagen) y adaptado especialmente para su función deportiva.


title: Museo del Prototipo

text: Desde 2015, numerosas colecciones han sido prestadas al Museo del Prototipo por el entonces museo automovilístico a nombre de Wolfgang von Trips, en la Villa de Hemmersbach, incluido su taller totalmente equipado y el vehículo de la "Trips-Colotti-Auto-Union" conducido por Gerhard Mitter en la competición de Formula Júnior, como también uno de sus vehículos kart de las finales de los campeonatos "karting" en la segunda mitad de la década de 1950 en Estados Unidos (siendo de los primeros campeones mundiales de este deporte).


title: Museo del Prototipo

text: Pequeñas exhibiciones en vitrinas junto a pantallas y paneles de texto informativos ofrecen información sobre la vida cotidiana y las historias particulares de los pilotos y diseñadores de los vehículos de carreras. El museo incluye un modelo de túnel de viento moderno, un sistema de audio que reproduce los sonidos individuales de los motores de carreras, un cine y una biblioteca que incluye álbumes de fotos digitalizados, un taller de vidrio y un simulador de conducción de un Porsche 356.


title: Museo del Prototipo

text: Más allá de la colección permanente, se ofrecen exposiciones especiales y temporales, y una galería de fotos que se actualiza continuamente.


title: Río Viejo

text: Río Viejo puede referirse a:


title: Montañas Ilgaz

text: Las montañas Ilgaz (en turco: "Ilgaz Dağları"; en griego antiguo: Ὄλγασσυς, : "Olgassys") son una cadena montañosa en el noroeste de Anatolia, Turquía. Pertenece al sistema de las Montañas Pónticas.


title: Montañas Ilgaz

text: En la región occidental del Mar Negro hay tres cordilleras que discurren paralelas a la costa del Mar Negro. Los montes Ilgaz constituyen la parte oriental de la segunda cordillera desde la línea de costa a una distancia media de 100 km. La vertiente norte de las montañas se encuentra en la provincia de Kastamonu y la vertiente sur en la provincia de Çankırı. La longitud del sistema montañoso de oeste a este es de unos 150 km con una anchura de unos 30 km. El pico más elevado de la montaña, conocido como "Büyükhacet Tepe", tiene 2.587 m de altura. La carretera estatal D.765, que conecta la costa del Mar Negro con Anatolia Central, está a 10 km al oeste del pico. La altitud del paso más alto de la carretera es de 1.850 m.


title: Montañas Ilgaz

text: Los antiguos griegos y romanos conocían generalmente las montañas como "Olgassys". Se consideraba una montaña elevada e inaccesible en las fronteras de la antigua Paflagonia y Galacia, que se extendía desde el río Halys ("Kızılırmak") en dirección suroeste hacia el Sangarius, y que contenía las fuentes del río Parthenius. El país circundante estaba repleto de templos erigidos por los paphagones. La montaña mencionada por Ptolomeo con el nombre de "Ligas", "Gigas" u "Oligas", es probablemente la misma que el Olgassys de Estrabón. William Smith consideraba que el nombre actual era una corrupción del nombre anterior


title: Montañas Ilgaz

text: El Parque Nacional del Monte Ilgaz (en turco: "Ilgaz Dağı Milli Parkı"), situado al oeste del paso de la autopista, se inauguró el 2 de junio de 1976 y es fácilmente accesible desde la carretera D.765. La superficie total del parque es de 1.088 ha. En la cota más alta del parque hay varios hoteles que dan servicio a los esquiadores. Los esquiadores pueden utilizar un telesilla de 1.500 m de longitud hasta la zona de esquí. La distancia desde Ankara es de 200 km, lo que hace que el parque sea la estación de deportes de invierno más cercana a los ciudadanos de la capital. En verano, los visitantes pueden pescar en el valle de Baldıran, dentro del parque nacional.


title: Montañas Ilgaz

text: Las montañas Ilgaz, especialmente las laderas del norte, están cubiertas por una densa forestación. El nombre popular de la silvicultura alrededor de las montañas Ilgaz es "mar de árboles" ( ). Algunos de los animales salvajes que viven en las cordilleras boscosas son el ciervo, el corzo, el gamo, el jabalí, el oso pardo, el lobo gris, el chacal europeo, el rebeco y el zorro rojo. En 1996, se descubrió una nueva especie de insecto en la ecología de la montaña Ilgaz y en 2010 se la nombró "Merodon Ilgazense" .


title: Montañas Ilgaz

text: El tema de una canción popular " "Ilgaz" " compuesta por Ahmet Samim Bilgen y la letra de Cemil Türkarman trata sobre las Montañas Ilgaz.


title: Mujeres artistas

text: Aunque las mujeres han participado en la creación del arte a lo largo de la historia, su obra, en comparación con la de sus homólogos masculinos, ha sido a menudo oscurecida, pasada por alto e infravalorada. El canon occidental históricamente ha valorado más las obras de hombres que las de mujeres. Muchas de sus obras han sido atribuidas erróneamente a hombres. El reconocimiento del trabajo de las mujeres artistas continua expandiéndose al continuar produciendo obras que complican y desafían los conocimientos de la gente. Los estereotipos predominantes sobre los sexos han hecho que ciertas disciplinas, como el arte textil, se asocien principalmente con la mujer, a pesar de que en el pasado eran categorías, como la cerámica, en las que participaban tanto hombres como mujeres. Además, las disciplinas artísticas que sufren esta distinción son, como en el caso de las artes textiles y del tejido, reducidas a la categoría de artes y oficios, en lugar de bellas artes. Las artistas se han enfrentado a múltiples desafíos debido a los sesgos de género en el mundo de las bellas artes. A menudo han encontrado dificultades para formarse, propagar y comercializar su trabajo, así como para obtener reconocimiento. A finales de los años 60 y 70, artistas feministas e historiadoras del arte crearon un movimiento artístico feminista que aborda abiertamente el papel la mujer, especialmente en el mundo del arte occidental. Cómo se percibe, evalúa o se considera el arte en el mundo en función del género. Además, explora el papel de las mujeres tanto en la historia del arte como en la sociedad.


title: Mujeres artistas

text: No hay registros de quiénes eran los artistas de la época prehistórica, pero los estudios de los primeros etnógrafos y antropólogos culturales indican que las mujeres solían ser las principales artesanas de las culturas neolíticas, en las cuales crearon cerámica, telas, cestas, superficies pintadas y joyas. Colaborar en grandes proyectos era común, si no lo habitual. Si se extrapola a las obras de arte y habilidades de la era paleolítica, todo apunta a que estas culturas siguieron patrones similares. Las pinturas rupestres de la prehistoria tienen a menudo huellas de mano humanas, de las cuales el 75 % se pueden identificar como pertenecientes a mujeres.


title: Mujeres artistas

text: Hay un largo historial de arte cerámico en casi todas las culturas desarrolladas, y a menudo los objetos cerámicos son toda la evidencia artística que queda de culturas desaparecidas, como la de Nok, en África, hace más de 3000 años. Algunas de las culturas especialmente conocidas por su cerámica son la cultura china, la cretense, la griega, la persa, la maya, la japonesa y la coreana, así como las culturas occidentales modernas. Hay evidencia de que la cerámica fue inventada independientemente en varias regiones del mundo, como Asia oriental, el África subsahariana, Oriente Próximo y las Américas. Se desconoce quiénes eran los artesanos.


title: Mujeres artistas

text: El arte geométrico Imigongo proviene de Ruanda, en el este de África, y está asociado con el histórico estatus sagrado de la vaca. Surgió de mezclar estiércol de vaca con cenizas y arcilla y el uso de tintes naturales. La paleta está limitada a los colores vivos de la tierra. Este arte está tradicionalmente asociado con mujeres artistas, al igual que el arte de la zona de tejer cestas con sus propios frisos regulares.


title: Mujeres artistas

text: «Durante unos tres mil años, las mujeres (y solo las mujeres) de Mithila han pintado cuadros de adoración a los dioses y diosas del panteón hindú. No es exagerado, pues, decir que este arte es la expresión más genuina de la civilización India».


title: Mujeres artistas

text: Los primeros registros de las culturas occidentales rara vez mencionan individuos específicos, aunque las mujeres están representadas en todo el arte y algunas aparecen trabajando como artistas. Antiguas referencias de Homero, Cicerón y Virgilio mencionan el rol destacado de la mujer en las artes textiles, poesía, música y otras actividades culturales, sin mencionar a artistas individuales. Entre los primeros registros históricos europeos relativos a artistas concretas está el de Plinio el Viejo, quien escribió sobre varias pintoras griegas, como Helena de Egipto, hija de Timon de Egipto. Algunos críticos modernos piensan que el mosaico de Issos podría no haber sido obra de Filoxeno, sino de Helena de Egipto. Fue de las pocas pintoras mencionadas que podrían haber trabajado en la Antigua Grecia, aclamada por haber creado una pintura de la batalla de Issos que colgó en el Templo de la Paz durante la época de Vespasiano. Otras mujeres que incluye son Timarete, Irene, Calipso, Aristareta, Iaia y Olimpia. Aunque solo una parte de las obras de cerámica de la Antigua Grecia sobreviven, en la colección Torno, en Milán, está la hidria de Caputi. Se atribuye al pintor de Leningrado, de alrededor del 460-450 a. de C., y muestra a mujeres y hombres trabajando en un taller donde pintaban vasijas.


title: Mujeres artistas

text: Entre las artistas del período medieval se encuentran Claricia, Diemudus, Ende, Guda, Herrada de Landsberg e Hildegarda de Bingen. En la Alta Edad Media, era frecuente que mujeres y hombres trabajaran juntos. Las ilustraciones de los manuscritos, los bordados y los capiteles tallados son claros ejemplos del trabajo artístico de las mujeres en esa época. Los documentos muestran que también eran cerveceras, carniceras, comerciantes de lana y ferreteras. Los artistas de este período, incluidas las mujeres, pertenecían a una pequeña parte de la sociedad cuyo estatus les permitía librarse de los trabajos más arduos. Las artistas solían pertenecer a dos clases cultas: aristócratas ricas o monjas. A menudo, las mujeres de la primera clase bordaban y tejían; las de la otra clase, solían ilustrar manuscritos.


title: Mujeres artistas

text: En esos tiempos hubo una serie de talleres de bordado en Inglaterra, concretamente en Canterbury y Winchester. El "opus anglicanum", o bordado inglés, ya era famoso en toda Europa (un inventario papal del siglo XIII contó más de doscientos piezas). Se cree que la mayor parte de las piezas fueron elaboradas por mujeres.


title: Mujeres artistas

text: Uno de los bordados más famosos (no es un tapiz) del período medieval es el tapiz de Bayeux, que fue bordado con lana sobre nueve paneles de lino y tiene 70 metros de largo. Su casi setenta escenas narran la batalla de Hastings y la conquista normanda de Inglaterra. El tapiz de Bayeux podría haber sido creado en un taller comercial por una mujer de la realeza o aristócrata y su séquito, o en el taller de un convento. Sylvette Lemagnen, conservadora del tapiz, afirma en su libro de 2005 "La Tapisserie de Bayeux":El tapiz de Bayeux es uno de los logros supremos del románico normando... Que haya sobrevivido casi intacto durante nueve siglos es poco menos que milagroso... Su excepcional longitud, la armonía y la frescura de sus colores, su exquisita mano de obra y la genialidad del espíritu que lo inspira se combinan para hacerlo completamente fascinante.


title: Mujeres artistas

text: En el siglo XIV se documenta un taller real, localizado en la Torre de Londres, aunque puede que hubieran existido otros talleres anteriores. La ilustración de manuscritos nos descubre a muchas de las llamadas artistas medievales, como Ende, una monja española del siglo X, Guda, una monja alemana del siglo XII, y Claricia, una mujer seglar del siglo XII en un escritorio bávaro. Estas mujeres, y muchas más ilustradoras anónimas, se beneficiaron de los conventos como centro principal de aprendizaje para las mujeres de la época y la opción más asequible para las intelectuales.


title: Mujeres artistas

text: En muchas partes de Europa, con las reformas gregorianas del siglo XI y el crecimiento del feudalismo, las mujeres se enfrentaron a muchas restricciones a las que no se habían enfrentado en la Alta Edad Media. Con estos cambios sociales, el estatus de los conventos cambió. En las islas británicas, la conquista normanda marcó el comienzo del declive gradual de los conventos como sedes de aprendizaje y lugares donde las mujeres podían ganar poder. Los conventos fueron puestos bajo control de abades, en lugar de ser encabezados por abadesas, como lo habían sido anteriormente. En la Escandinavia pagana (en Suecia) la única mujer históricamente confirmada como grabadora de runas, Gunnborga, trabajó en el siglo XI. En Alemania, sin embargo, bajo la dinastía sajona, los conventos mantuvieron su posición como instituciones de aprendizaje. Esto podría deberse en parte a que los conventos eran a menudo dirigidos y habitados por mujeres solteras de la realeza y aristócratas. Por lo tanto, las mejores obras de mujeres del periodo tardomedieval tienen su origen en Alemania, como ejemplifican Herrada de Landsberg e Hildegarda de Bingen. Hildegarda de Bingen (1098-1179) es un ejemplo perfecto de intelectual y artista medieval alemana. Escribió Las obras divinas de un hombre sencillo, El libro de los méritos de la vida, sesenta y cinco himnos, un obra de teatro mística, y un largo tratado de nueve libros sobre las diferentes naturalezas de árboles, plantas, animales, aves, peces, minerales y metales. Afirmó tener visiones desde una temprana edad. Cuando el papado apoyó estas afirmaciones de la directora, su posición como intelectual importante se vio impulsada. Las visiones se convirtieron en parte de una de sus obras seminales en 1142, Scivias (Conoce los caminos del Señor), que consiste en treinta y cinco visiones que narran e ilustran la historia de la salvación. Las ilustraciones de Scivias, como se aprecia en la primera de ellas, representan las visiones que tiene Hildegarda mientras está en el monasterio de Bingen. Difieren mucho de otras obras alemanas del mismo período, ya que se caracterizan por sus colores brillantes, énfasis en la línea y formas simplificadas. Aunque es probable que Hildegarda no dibujara las imágenes, su naturaleza idiosincrática hace pensar que fueron creadas bajo su estrecha supervisión.


title: Mujeres artistas

text: El siglo XII vio crecer las ciudades en Europa, y crecieron además el comercio, los viajes y las universidades. Estos cambios en la sociedad también ocasionaron cambios en la vida de las mujeres. Se permitió que las mujeres dirigieran los negocios de sus maridos si enviudaban. El Cuento de la comadre de Bath, dentro de "Los Cuentos de Canterbury", de Chaucer, relata uno de estos casos. En esta época, también se permitió que las mujeres formaran parte de algunos gremios de artesanos. Los registros de los gremios muestran que las mujeres eran especialmente activas en las industrias textiles de Flandes y el norte de Francia. Los manuscritos medievales tienen muchas anotaciones que describen a mujeres con husos. En Inglaterra, las mujeres fueron las responsables de la creación del opus anglicanum: suntuosos bordados en trajes, para uso litúrgico o uso secular, y varios tipos de colgantes. Las mujeres también se volvieron más activas en la ilustración. Probablemente, numerosas mujeres trabajaron junto a sus maridos o padres, como la hija del maestro Honoré y la hija de Jean le Noir. En el siglo XIII los manuscritos más ilustrados eran producidos en talleres comerciales, y al final de la Edad Media, cuando la producción de manuscritos se había convertido en una industria importante en algunos lugares, se cree que la mayoría de los artistas y escribas, especialmente en París, eran mujeres. El movimiento hacia la imprenta y la ilustración de libros con técnicas de estampación como la xilografía o el grabado, en las que la mujer no parece que estuviera muy involucrada, fueron un revés al progreso de las artistas.


title: Mujeres artistas

text: Mientras tanto, Jefimija (1349-1405), una mujer serbia de la nobleza, viuda y monja ortodoxa, se hizo conocida no solo como una poeta que escribió una elegía a su hijo muerto, Uglješa, sino también como una experta costurera y grabadora. La elegía a su amado hijo, que inmortalizó el dolor de todas las madres de luto por sus hijos fallecidos, fue tallada en la parte posterior del díptico (icono de dos paneles que representa a la Virgen y al Niño Jesús) que Teodosije, obispo de Serres, había regalado al bebé Uglješa en su bautismo. El precio de la obra de arte, que ya era valiosa debido al oro, las piedras preciosas y el hermoso tallado en sus paneles de madera, se volvió incalculable tras grabar la elegía de Jefemija en el reverso. En Venecia del siglo XV, se sabía que la hija del artista del vidrio Angelo Barovièr estaba detrás de la creación de un diseño especial de cristal de Murano. Era Marietta Barovier, artista veneciana del cristal. Aparentemente tuvieron que pasar varios siglos antes de que las mujeres pudieran dedicarse al arte del vidrio.


title: Mujeres artistas

text: Entre las artistas del Renacimiento se encuentran Sofonisba Anguissola, Lucia Anguissola, Lavinia Fontana, Fede Galizia, Diana Scultori, Catharina van Hemessen, Esther Inglis, Bárbara Longhi, Maria Ormani, Marietta Robusti (hija de Tintoretto), Properzia de' Rossi, Levina Teerlinc, Mayken Verhulst y Santa Catalina de Bolonia (Catalina Vigri). Es la primera vez en la historia occidental que varias mujeres artistas seglares ganaron reputación internacional. El aumento de las mujeres artistas durante este período se puede atribuir a importantes cambios culturales. Uno de esos cambios surgió a causa de la contrarreforma contra el protestantismo y en favor del humanismo, una filosofía que declara la dignidad de todas las personas, que es clave para el pensamiento del Renacimiento y ayudó a elevar el estatus de las mujeres. Además, en general la identidad del artista individual se consideraba más importante. En este periodo ya no hay prácticamente artistas importantes cuya identidad se desconozca. Dos textos importantes, De las mujeres ilustres y La ciudad de las damas, ilustran este cambio cultural. Boccaccio, un humanista del siglo XIV, escribió De mulieribus claris (título original en latín de De las mujeres ilustres) (1335-59), una colección de biografías de mujeres. Entre las 104 biografías que incluyó estaba la de Thamar (o Thmyris), una antigua pintora de vasijas griega. Curiosamente, en estas ilustraciones manuscritas del siglo XV de De las mujeres ilustres, Thamar fue representada pintando un autorretrato o quizás una pequeña imagen de la Virgen y el Niño. Christine de Pizan, una notable escritora tardomedieval francesa, retórica y crítica, escribió La ciudad de las damas en 1405, un texto sobre una ciudad alegórica en la cual las mujeres independientes vivían libres de la vejación de los hombres. En su trabajo incluyó a mujeres artistas reales, como Anastasia, que fue considerada una de las mejores ilustradoras parisinas, aunque ninguna de sus obras ha sobrevivido. Otros textos humanistas aumentaron la educación de las mujeres italianas.


title: Mujeres artistas

text: La más notable es "Il Cortegiano", o El Cortesano, del humanista italiano del siglo XVI, Baltasar Castiglione. Esta obra enormemente popular afirma que tanto hombres como mujeres deben ser educados en las artes sociales. Su influencia hizo aceptable que las mujeres participaran en las artes visuales, musicales y literarias. Gracias a Castiglione, este fue el primer período de la historia del Renacimiento en el que las mujeres nobles pudieron estudiar pintura. Sofonisba Anguissola fue la más exitosa de estas aristócratas menores que primero se beneficiaron de la educación humanista y luego pasaron a ser reconocidas como pintoras. Anguissola, nacida en Cremona, fue una pionera y un modelo a seguir para las futuras generaciones de mujeres artistas. Los artistas que no eran de la nobleza también se beneficiaron del auge del humanismo. Además de la temática convencional, artistas como Lavinia Fontana y Catharina van Hemessen comenzaron a representarse en autorretratos, no solo como pintoras sino también como músicas y académicas, destacando así su buena educación. Fontana se benefició de los hábitos culturales de su ciudad natal, Bolonia, cuya universidad había admitido mujeres académicas desde la Edad Media. Junto con el auge del humanismo, se produjo una evolución de la artesanía al arte. Ahora se esperaba de los artistas, a diferencia de los artesanos de épocas anteriores, que tuvieran conocimientos de perspectiva, matemáticas, arte antiguo y del estudio del cuerpo humano. Al final del Renacimiento la formación de los artistas empezó a cambiar del taller del maestro a la Academia, y las mujeres comenzaron una larga lucha, que no se resolvió hasta finales del siglo XIX, para poder acceder plenamente a esta formación. Para estudiar el cuerpo humano había que trabajar con hombres desnudos y cadáveres. Esto se consideraba un segundo plano esencial para crear escenas de grupo realistas. Por lo general, las mujeres tenían prohibido formarse con desnudos masculinos, y por lo tanto no podían crear ese tipo de escenas. Estas representaciones de desnudos eran necesarias para las composiciones religiosas de gran escala, que recibían los encargos más prestigiosos.


title: Mujeres artistas

text: Muchas aristócratas sí que pudieron formarse en arte, aunque sin la ventaja de poder dibujar a partir de modelos masculinos desnudos, pero la mayoría eligió casarse antes que una carrera artística. Esto es lo que pasó con dos hermanas de Sofonisba Anguissola. Las mujeres reconocidas como artistas en este período eran o monjas o hijas de pintores. De las pocas artistas italianas que surgieron en el siglo XV, todas las que se conocen hoy en día están asociadas con conventos. Estas monjas artistas son, por ejemplo, Catalina Virgi, Antonia di Paolo di Donoi y Sor Barbara Ragnoni. Durante los siglos XV y XVI, la gran mayoría de las mujeres que obtuvieron algún éxito como artistas eran hijas de pintores. Probablemente, porque pudieron practicar en los talleres de sus padres. Algunos ejemplos de artistas entrenadas por sus padres son: Lavinia Fontana, la miniaturista Levina Teerlinc y la pintora de retratos Catharina van Hemessen. En este periodo las artistas italianas, incluso aquellas formadas por su familia, son bastante poco comunes. Sin embargo, en ciertas partes de Europa, especialmente en el norte de Francia y en Flandes, era más común que los hijos, independientemente de su género, siguieran la profesión de su padre. De hecho, en los Países Bajos, donde las mujeres tenían más libertad, hubo numerosas artistas en el Renacimiento. Por ejemplo, los registros de la Guilda de San Lucas, en Brujas, demuestran no solo que admitían mujeres como miembros practicantes, sino también que para 1480 el 25 % de sus miembros eran mujeres (muchas probablemente trabajaban como ilustradoras de manuscritos).


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text: Un delicado lienzo de casi siete metros descubierto recientemente en Florencia ha resultado ser un tesoro excepcional. Pero para las innovadoras acciones de la filántropa estadounidense Jane Fortune (fallecida en 2018), la escritora de Florencia, Linda Falcone, y su organización, Advancing Women Artists Foundation, el lienzo podría haber acumulado más polvo. Un equipo liderado por una mujer que lleva cuatro años de minuciosa restauración revela la brillantez de Sor Plautilla Nelli, una monja autodidacta del siglo XVI y, que se sepa, la única mujer renacentista que ha pintado "La última cena". La obra fue exhibida en el museo Santa María Novella de Florencia en octubre de 2019. Desde principios de 2020 AWA ha patrocinado la restauración de 67 obras de mujeres artistas, descubiertas en colecciones florentinas.


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text: Entre las artistas barrocas se encuentran: Mary Beale, Élisabeth-Sophie Chéron, Maria Theresa van Thielen, Katharina Pepijn, Catharina Peeters, Johanna Vergouwen, Michaelina Wautier, Isabel de Cisneros, Giovanna Garzoni, Artemisia Gentileschi, Judith Leyster, Maria Sibylla Merian, Louise Moillon, Josefa de Ayala, más conocida como Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk, Magdalena van de Passe, Clara Peeters, Maria Virginia Borghese (hija de la coleccionista de arte Olimpia Aldobrandini), Luisa Roldán, conocida como La Roldana, Rachel Ruysch, Anna Maria van Thielen, Françoise-Catherina van Thielen y Elisabetta Sirani. Como en el Renacimiento, muchas artistas venían de familias de artistas. Por ejemplo, Artemisia Gentileschi. Le enseñó su padre, Orazio Gentileschi, y trabajaron juntos en muchos de sus encargos. Luisa Roldán aprendió en el taller de escultura de su padre (Pedro Roldán).


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text: Las artistas de este período empezaron a cambiar cómo la mujer era representada en el arte. Muchas de las mujeres que trabajaban como artistas en el Barroco no podían practicar con modelos desnudos, ya que siempre eran hombres, pero estaban muy familiarizadas con el cuerpo femenino. Artistas como Elisabetta Sirani crearon imágenes de mujeres como seres conscientes en vez de como musas desinteresadas. Uno de los mejores ejemplos de esta nueva expresión es la obra "Judith con la cabeza de Holofernes", de Artemisia Gentileschi, en la cual Judith es representada como una mujer fuerte que determina y forja su propio destino. Letizia Treves, conservadora de la National Gallery de Londres en 2020, ha comentado: «no lo puedes ver sin pensar en Tassi violando a Gentileschi». Los elementos de la imagen están «equilibrados con tal habilidad que delatan a una pintora que prioriza el virtuosismo sobre la pasión». Mientras otros artistas, como Botticelli, o la más tradicional Fede Galizia, representaban la misma escena con una Judith pasiva, en su nuevo enfoque, la Judith de Gentileschi es partícipe activa de la decapitación en cuestión. La acción es la esencia en esta y otra de sus pinturas en la que Judith aparece abandonando la escena. El bodegón surgió como un género importante alrededor de 1600, especialmente en Holanda. Las mujeres estaban a la vanguardia de esta tendencia. Este género era particularmente adecuado para las mujeres, ya que podían acceder fácilmente a los materiales necesarios. En el norte destacan Clara Peeters, pintora de banketje (banquetes) o desayunos y cuadros con artículos de lujo; Maria van Oosterwijk, conocida internacionalmente por pintar flores; y Rachel Ruysch, pintora de arreglos florales visualmente recargados. En otras regiones el bodegón era menos común, pero también hubo importantes artistas de este género, como Giovanna Garzoni, que creaba arreglos vegetales realistas en pergamino, y Louise Moillon, cuyos bodegones de frutas destacaban por sus brillantes colores.


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text: Entre las artistas de este período se encuentran Rosalba Carriera, Maria Cosway, Marguerite Gérard, Angelica Kauffman, Adélaïde Labille-Guiard, Giulia Lama, Mary Moser, Ulrika Pasch, Adèle Romany, Anna Dorothea Therbusch, Anne Vallayer-Coster, Marie-Louise-Élisabeth Vigee-Lebrun, Marie-Guillemine Benoist y Anna Rajecka, también conocida como Madame Gault de Saint-Germain.


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text: En muchos países de Europa las academias eran las que dictaban el estilo. Las academias también eran responsables de formar artistas, exponer obras de arte e, intencionadamente o no, promover la venta de arte. Las mujeres no podían acceder a la mayoría de las academias. Por ejemplo, en Francia, la poderosa Academia de París tuvo 450 miembros entre el siglo XVII y la Revolución francesa, y solo quince fueron mujeres. De ellas, la mayoría eran hijas o esposas de otros miembros. A finales del siglo XVIII, la Academia francesa decidió no admitir a ninguna mujer más. Durante este período la pintura histórica estaba en su máximo apogeo, especialmente las composiciones a gran escala con grupos de figuras que representaban momentos históricos o mitológicos. Para preparar este tipo de pinturas, los artistas estudiaban moldes de esculturas antiguas y dibujaban a partir de desnudos masculinos. Las mujeres tenían poco o ningún acceso a este aprendizaje académico, y por tanto no hay pinturas históricas a gran escala importantes de mujeres de este período. Algunas mujeres se dieron a conocer en otros géneros, por ejemplo, el retrato. Marie-Louise-Élisabeth Vigee-Lebrun utilizó su experiencia como retratista para crear una escena alegórica, La Paz acompañando a la Abundancia, que ella misma clasificó como pintura histórica y usó como argumento para ser admitida en la Academia. Después de exponer su trabajo, se le obligó a asistir a clases formales bajo amenaza de perder su licencia para pintar. Se convirtió en una de las favorita de la corte y en una celebridad. Pintó más de cuarenta autorretratos, que fue capaz de vender.


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text: En Inglaterra dos mujeres, Angelica Kauffman y Mary Moser, fueron miembros fundadores de la Real Academia de Artes de Londres en 1768. Kauffmann ayudó a Maria Cosway a entrar en la Academia. Aunque Cosway se hizo popular como pintora de escenas mitológicas, ambas permanecieron en una posición algo ambivalente en la Real Academia, como lo demuestra el retrato grupal de "Los académicos de la Real Academia", de Johan Zoffany, que ahora forma parte de la Colección Real. En el cuadro solo los hombres de la Academia, junto con modelos masculinos desnudos, están reunidos en un gran estudio artístico. Por razones de decoro debido a la presencia de los modelos desnudos, las dos artistas no están presentes, sino que aparecen sus retratos en la pared. El énfasis del arte académico en estudiar el desnudo durante el aprendizaje siguió siendo una barrera considerable para las mujeres que estudiaban arte hasta el siglo XX, tanto en términos de acceso real a las clases como en términos de actitud familiar y social hacia las mujeres de clase media que se hacían artistas. Después ellas tres, ninguna mujer se convirtió en miembro pleno de la Academia hasta Laura Knight en 1936, y las mujeres no fueron admitidas en las escuelas de la Academia hasta 1861. A finales del siglo XVIII se produjeron avances importantes para las artistas. En París, el Salón, la exposición de arte fundada por la Academia, se abrió a pintores no académicos en 1791, lo que permitió a las mujeres mostrar su trabajo en la prestigiosa exposición anual. Además, artistas famosos como Jacques-Louis David y Jean-Baptiste Greuze aceptaban con más frecuencia mujeres como aprendices.


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text: Entre las artistas de la primera parte del siglo XIX destacan Marie-Denise Villers, quien se especializó en retratos; Constance Mayer, que pintaba retratos y alegorías; Marie Ellenrieder, que destacaba por sus pinturas religiosas de estilo nazareno; Louise-Adéone Drölling, quien siguió los pasos de su padre y su hermano mayor como pintora y dibujante.


title: Mujeres artistas

text: En la segunda mitad del siglo, Emma Sandys, Marie Spartali Stillman, Eleanor Fortescue-Brickdale y Maria Zambaco fueron artistas del movimiento prerrafaelita. También recibieron influencia de los prerrafaelitas Evelyn De Morgan y la activista y pintora Barbara Bodichon.


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text: Pintoras impresionistas como Berthe Morisot, Marie Bracquemond, y las estadounidenses Mary Cassatt y Lucy Bacon, formaron parte del movimiento impresionista francés de los años 1860 y 1870. Sus estudios con Monet y el arte japonés influenciaron a la impresionista estadounidense Lilla Cabot Perry a finales del siglo XIX. Cecilia Beaux fue una retratista estadounidense que también estudió en Francia. Además de Anna Bilińska-Bohdanowicz, Olga Boznańska está considerada como la más conocida de las artistas polacas y su estilo se asocia con el impresionismo.


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text: Rosa Bonheur fue la artista femenina más conocida de su época, reconocida internacionalmente por sus pinturas de animales. Elizabeth Thompson (Lady Butler), puede que inspirada por sus clases de «vida» en la Government School (of Design), en las que debía dibujar hombres con armadura, fue una de las primeras mujeres en hacerse famosa por grandes pinturas históricas, especializadas en escenas de acción militar, generalmente con muchos caballos, la más famosa Scotland Forever!, muestra una carga de caballería en Waterloo.


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text: Kitty Lange Kielland fue una pintora de paisajes noruega.


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text: Elizabeth Jane Gardner fue una pintora académica estadounidense y la primera mujer estadounidense en exponer en el Salón de París. En 1872 se convirtió en la primera mujer en ganar una medalla de oro en el Salón.


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text: En 1894 Suzanne Valadon fue la primera mujer admitida en la Sociedad Nacional de Bellas Artes de Francia. Anna Boch fue una pintora posimpresionista, al igual que Laura Muntz Lyall, que expuso en la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, Illinois, y luego en 1894 como parte de la Asociación de Artistas Franceses en París.


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text: Antes del comienzo del siglo XIX surgió en la Inglaterra georgiana una excepcional empresaria independiente que descubrió su talento artístico en la madurez. Se llamaba Eleanor Coade (1733-1821). Se hizo conocida por fabricar estatuas neoclásicas, decoraciones arquitectónicas y adornos de jardín hechos de Lithodipyra, o «piedra de Coade», durante más de 50 años: desde 1769 hasta su muerte. La litodipyra ("piedra cocida dos veces") era una cerámica de gres de alta calidad, duradera y resistente al clima. Estatuas y decoraciones hechas con esta cerámica siguen como nuevas hoy en día. Coade no inventó la piedra artificial, pero probablemente perfeccionó tanto la receta de la arcilla como el proceso de cocción. Combinó la fabricación de alta calidad y el gusto artístico junto con habilidades empresariales, comerciales y de marketing, para crear los productos de piedra más exitosos de su época. Produjo gres para la capilla de San Jorge, en Windsor, el Royal Pavilion de Brighton, la Carlton House de Londres y el Royal Naval College, en Greenwich. Eleanor Coade desarrolló su talento como escultora y expuso alrededor de 30 esculturas sobre temas clásicos en la Sociedad de Artistas entre 1773 y 1780, como figura en su catálogo de expositores de la época. Tras su muerte, su gres Coade se utilizó para reformas en el Palacio de Buckingham y por escultores conocidos en trabajos monumentales, como el "León de la orilla sur" (1837) del puente de Westminster, en Londres, de William Frederick Woodington. La estatua se hizo por partes que luego se juntaron y sellaron en un armazón de hierro.


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text: En este siglo también hubo escultoras en Oriente, como Seiyodo Bunshojo (1764-1838), talladora japonesa de netsuke y escritora de haikus. Era hija de Seiyodo Tomiharu. Su obra se puede ver en el Museo Walters de Arte. Mientras, en Occidente, destacaban: Julie Charpentier, Elisabet Ney, Héléne Bertaux, Fenia Chertkoff, Sarah Fisher Ames, Helena Unierzyska (hija de Jan Matejko), Blanche Moria, Angelina Beloff, Anna Golubkina, Margaret Giles (también medallista), Camille Claudel, Enid Yandell y Edmonia Lewis. Lewis, artista neoyorkina de ascendencia afroojibwe-haitiana, comenzó sus estudios de arte en el Oberlin College. Su carrera como escultora empezó en 1863. Fundó un estudio en Roma, Italia, y expuso sus esculturas de mármol por Europa y Estados Unidos.


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text: Puede que Constance Fox Talbot sea la primera mujer en la historia en tomar una fotografía. Más tarde, Julia Margaret Cameron y Gertrude Kasebier se dieron a conocer en el nuevo medio de la fotografía, donde no había restricciones tradicionales ni formación establecida que las limitaran. Sophia Hoare, otra fotógrafa británica, trabajó en Tahití y otras partes de Oceanía.


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text: En Francia, donde nació la fotografía, solo contaban con Geneviève Élisabeth Disdéri (c.1817-1878). En 1843 se casó con el fotógrafo pionero André Adolphe Eugène Disdéri y se asoció con él en su estudio de daguerrotipos de Brest desde finales de la década de 1840. Cuando su marido se fue a París en 1852, Geneviève continuó dirigiendo sola el estudio. Se la recuerda por sus 28 vistas de Brest, principalmente arquitectónicas, que fueron publicadas como "Brest et ses environs" en 1856. En 1872 se mudó a París y abrió un estudio en la "Rue du Bac", donde probablemente la ayudara su hijo Jules. Los listados comerciales indican que continuó trabajando en su estudio hasta su muerte en 1878 en un hospital de París. Fue una de las primeras fotógrafas profesionales del mundo y comenzó su actividad poco después que la alemana Bertha Beckmann y la sueca Brita Sofía Hesselius.


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text: Durante este siglo, las mujeres consiguieron más acceso a escuelas y formación artística en Europa y Norteamérica. La "British Government School of Design", que más tarde se convirtió en la "Royal College of Art", admitió a mujeres desde su Fundación en 1837, pero solo en una "sección femenina" que se trataba de forma diferente, con clases de «vida» que consistían en dibujar a un hombre con armadura durante varios años.


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text: Las escuelas de la Real Academia finalmente admitieron mujeres a partir de 1861, pero inicialmente las estudiantes solo dibujaban modelos vestidos. No obstante, otras escuelas de Londres, como la "Slade School of Art," de la década de 1870, eran más liberales. A finales de siglo, las mujeres pudieron estudiar el cuerpo desnudo, o casi desnudo, en muchas ciudades de Europa occidental y América del Norte. La "Society of Female Artists" (ahora llamada "Society of Women" Artists) se estableció en Londres en 1855 y ha organizado exposiciones anuales desde 1857, cuando se expusieron 358 obras de 149 mujeres, algunas bajo seudónimo. Sin embargo, una mujer a quien se le negó la educación superior o especializada y que aun así consiguió triunfar, fue la científica natural, escritora e ilustradora, Beatrix Potter (1866-1943).Artistas famosas de este período:


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text: Hannelore Baron, Vanessa Bell, Lee Bontecou, Louise Bourgeois, Romaine Brooks, Emily Carr, Leonora Carrington, Mary Cassatt, Elizabeth Catlett, Camille Claudel, Sonia Delaunay, Marthe Donas, Joan Eardley, Marisol Escobar, Dulah Marie Evans, Audrey Flack, Mary Frank, Helen Frankenthaler, Elisabeth Frink, Wilhelmina Weber Furlong, Françoise Gilot, Natalia Goncharova, Nancy Graves, Grace Hartigan, Barbara Hepworth, Eva Hesse, Sigrid Hjertén, Hannah Höch, Frances Hodgkins, Malvina Hoffman, Irma Hünerfauth, Margaret Ponce Israel, Gwen John, Elaine de Kooning, Käthe Kollwitz, Lee Krasner, Frida Kahlo, Laura Knight, Barbara Kruger, Marie Laurencin, Tamara de Lempicka, Séraphine Louis, Dora Maar, Maruja Mallo, Agnes Martin, Ana Mendieta, Joan Mitchell, Paula Modersohn-Becker, Gabriele Münter, Alice Neel, Louise Nevelson, Georgia O'Keeffe, Betty Parsons, Aniela Pawlikowska, Orovida Camille Pissarro, Irene Rice Pereira, Paula Rego, Bridget Riley, Verónica Ruiz de Velasco, Anne Ryan, Charlotte Salomon, Augusta Savage, Zofia Stryjeńska, Zinaida Serebriakova, Sarai Sherman, Henrietta Shore, Mary Stanisia, Marjorie Strider, Carrie Sweetser, Franciszka Themerson, Suzanne Valadon, Remedios Varo, Maria Helena Vieira da Silva, Nellie Walker, Marianne von Werefkin y Ogura Yuki.En la era del art déco, Hildreth Meiere hacía mosaicos a gran escala y fue la primera mujer a quién se le otorgó la medalla de Bellas Artes del American Institute of Architects. Tamara de Lempicka, también de esta época, fue una pintora art déco de Polonia. Sor Mary Stanisia se convirtió en una destacada retratista, especialmente del clero. Georgia O'Keeffe nació a finales del siglo XIX. Se hizo conocida por sus pinturas de flores, huesos y paisajes de Nuevo México. En 1927, Mañana, de Dod Procter, fue votado Cuadro del Año en la exposición de verano de la Real Academia y el "Daily Mail" lo compró para la Tate Gallery. Debido a su popularidad se expuso en Nueva York y estuvo dos años de gira por Gran Bretaña. El surrealismo, un estilo artístico importante en las décadas de 1920 y 1930, contaba con varias artistas prominentes, como Leonora Carrington, Kay Sage, Dorothea Tanning y Remedios Varo. También había artistas atípicas, como la autodidacta británica, a menudo observadora cómica, Beryl Cook (1926-2008).


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text: Entre las artistas de Europa central y oriental, cabe destacar a: Milein Cosman (1921-2017), Marie-Louise von Motesiczky (1906-1996), Else Meidner (1901-1987), Sanja Iveković (nacida en 1949) y Orshi Drozdik (nacida en 1946).


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text: Las artistas e ilustradoras gráficas, como la peculiar dibujante Claire Bretécher, han contribuido generosamente en su campo. A mayor escala, entre las diseñadoras teatrales destacan: Elizabeth Polunin, Doris Zinkeisen, Adele Änggård, Kathleen Ankers, Madeleine Arbour, Marta Becket, Maria Björnson, Madeleine Boyd, Gladys Calthrop, Marie Anne Chiment, Millia Davenport, Kirsten Dehlholm, Victorina Durán, Lauren Elder, Heidi Ettinger, Soutra Gilmour, Rachel Hauck, Marjorie B. Kellogg, Adrianne Lobel, Anna Louizos, Elaine J. McCarthy, Elizabeth Montgomery, Armande Oswald, Natacha Rambova, Kia Steave-Dickerson, Karen TenEyck y Donyale Werle.


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text: Lee Miller redescubrió la solarización y se convirtió en fotógrafa de alta costura. Dorothea Lange documentó la Gran Depresión. Berenice Abbott creó imágenes de obras arquitectónicas y celebridades famosas y Margaret Bourke-White creó las fotografías industriales que aparecieron en la portada y en el artículo principal del primer número de la revista "Life". Diane Arbus basó su fotografía en los marginados de la sociedad dominante. Las obras de Graciela Iturbide trataban sobre la vida mexicana y el feminismo, mientras que Tina Modotti produjo "iconos revolucionarios" de México en la década de 1920. La obra fotográfica de Annie Leibovitz se centró en el rock and roll y otros personajes célebres. Otras mujeres que han atravesado el techo de cristal son: Eve Arnold, Marilyn Silverstone e Inge Morath, de la agencia Magnum, Daphne Zileri, Anya Teixeira, Elsa Thiemann, Sabine Weiss y Xyza Cruz Bacani.


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text: Mary Carroll Nelson fundó la Society of Layerists in Multi-Media (SLMM), cuyos artistas siguen la tradición de Emil Bisttram y el Grupo de Pintura Trascendental, así como a Morris Graves de la Escuela de Arte Visionario del Noroeste del Pacífico. En la década de 1970, Judy Chicago creó "The Dinner Party", una obra muy importante de arte feminista. Helen Frankenthaler fue una pintora expresionista abstracta influenciada por Jackson Pollock. Lee Krasner fue otra artista expresionista abstracta, se casó con Pollock y estudió con Hans Hofmann. Elaine de Kooning fue alumna y luego esposa de Willem de Kooning, su estilo de pintura era figurativo abstracto. Anne Ryan hacía collages. Jane Frank, también alumna de Hans Hofmann, trabajó con técnica mixta sobre lienzo. En Canadá, Marcelle Ferron fue una exponente del automatismo.


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text: A partir de la década de 1960, gracias al feminismo, aumentó el interés por las artistas y su estudio académico. Las historiadoras del arte Germaine Greer, Linda Nochlin y Griselda Pollock, la comisaria Jasia Reichardt y otras han hecho contribuciones notables. Algunas historiadoras del arte, como Daphne Haldin, han recopilado listas de mujeres artistas para compensar tantas historias centradas en los hombres, aunque muchos de estos esfuerzos siguen sin ser publicados. Figuras como Artemisia Gentileschi y Frida Kahlo se convirtieron en iconos feministas tras permanecer en una relativa oscuridad. Las Guerrilla Girls, un grupo anónimo de mujeres formado en 1985, fueron «la conciencia del mundo del arte». Hablaron sobre indiferencia y sobre las desigualdades del género y la raza, especialmente en el mundo del arte. Las Guerrilla Girls han hecho muchos carteles como forma de llamar la atención de la comunidad, normalmente de manera humorística, para concienciar y crear un cambio. En 1996 Catherine de Zegher dirigió una exposición de 37 grandes mujeres artistas del siglo XX. La exposición "Inside the Visible", que viajó desde el ICA de Boston hasta el Museo Nacional de Mujeres Artistas de Washington, el Whitechapel de Londres y la Galería de Arte de Australia Occidental, en Perth, incluyó obras de artistas desde los años 30 hasta los años 90, como Claude Cahun, Louise Bourgeois, Bracha Ettinger, Agnes Martin, Carrie Mae Weems, Charlotte Salomon, Eva Hesse, Nancy Spero, Francesca Woodman, Lygia Clark, Mona Hatoum y la aclamada Magdalena Abakanowicz, que usaba telas en sus montajes, entre otras.


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text: El resurgimiento a finales del siglo XIX de la creación de objetos de arte cerámico en Japón y Europa se conoce como cerámica de estudio, aunque abarca esculturas y también teselas, los cubos de mosaico que se remontan a Persia del tercer milenio a. de C. Varias influencias contribuyeron al surgimiento de la cerámica de estudio: la cerámica artística en la obra de los hermanos Martin y William Moorcroft, el movimiento "Arts and Crafts", la "Bauhaus" y el redescubrimiento de la cerámica artesanal tradicional y la excavación de grandes cantidades de cerámica Song en China.


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text: Las tendencias principales en la cerámica de estudio británica en el siglo XX están representadas tanto por hombres como por mujeres: Bernard Leach, William Staite Murray, Dora Billington, Lucie Rie y Hans Coper. Leach (1887-1979) estableció un estilo de cerámica, la vasija ética, fuertemente influenciado por las formas chinas, coreanas, japonesas y de la Inglaterra medieval. Su estilo dominaba la cerámica de estudio británica a mediados del siglo XX. La influencia de Leach fue especialmente difundida por su libro "A Potter's Book" y por el sistema de aprendices que organizó en su alfarería de St. Ives, en Cornualles.


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text: Otras artistas cerámicas ejercieron su influencia gracias a sus cargos en escuelas de arte. Dora Billington (1890-1968) estudió en la "Hanley School of Art", trabajó en la industria de la cerámica y se convirtió en jefa de cerámica en la "Central School of Arts and Crafts." Trabajó con materiales que Leach no trabajaba, por ejemplo, la loza recubierta con estaño, e influenció a alfareros como William Newland, Katherine Pleydell-Bouverie y Margaret Hine. Desde la década de 1960 nace una nueva generación de alfareros, influida por la Camberwell College of Art y la Escuela Central de Arte y Diseño, con artistas como Alison Britton, Ruth Duckworth y Elizabeth Fritsch, que comenzaron a hacer pruebas con objetos cerámicos abstractos, superficies variadas y efectos con el esmalte que agradaron a la crítica. Elizabeth Fritsch tiene obras en importantes colecciones y museos de todo el mundo. Además, la reputación de los ceramistas británicos ha atraído talento de todo el mundo y ha producido grandes artistas. Entre ellos destacan: la india Nirmala Patwardhan, la keniana Magdalene Odundo y la iraní Homa Vafaie Farley.


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text: Al igual que en Gran Bretaña, la cerámica fue fundamental para el movimiento Arts and Crafts de Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Charles Fergus Binns, primer director de la New York State School of Clay-Working and Ceramics de la Universidad de Alfred, fue una influencia importante. Algunos alfareros de Estados Unidos adoptaron el enfoque de la cerámica de estudio emergente en Gran Bretaña y Japón. Artistas europeos y de todo el mundo que viajan a Estados Unidos han contribuido al reconocimiento público de la cerámica como arte, como Marguerite Wildenhain, Maija Grotell, Susi Singer y Gertrud y Otto Natzler. Entre los alfareros de estudio más importantes de Estados Unidos destacan Otto y Vivika Heino, Beatrice Wood y Amber Aguirre.


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text: Mientras tanto, en los menguantes bosques primitivos de la región africana de los Grandes Lagos, en el Valle del Rift, hay un pueblo que se aferra a su modo de vida ancestral. Son los twa, uno de los pueblos más marginados del mundo, cuyas mujeres (y ocasionalmente algún hombre) continúan la costumbre de hace siglos de hacer cerámica que se usa en trueques con campesinos y pastores de la región. Sus creaciones van de simples a muy elaboradas.


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text: En 1993 Rachel Whiteread fue la primera mujer en ganar el premio Turner de la Tate Gallery. Gillian Wearing ganó el premio en 1997, cuando todas las nominadas fueron mujeres. Las otras nominadas fueron Christine Borland, Angela Bulloch y Cornelia Parker. En 1999 los medios de comunicación dieron mucho protagonismo a Tracey Emin por su obra "My Bed", pero no ganó. En 2006 el premio fue otorgado a la pintora abstracta Tomma Abts. En 2001 se organizó una conferencia llamada «Mujeres artistas del milenio» en la Universidad de Princeton. En 2006 se publicó un libro con ese mismo nombre, donde importantes historiadoras del arte, como Linda Nochlin, analizan a prominentes artistas, como Louise Bourgeois, Yvonne Rainer, Bracha Ettinger, Sally Mann, Eva Hesse, Rachel Whiteread y Rosemarie Trockel. Otras artistas contemporáneas de renombre internacional son Magdalena Abakanowicz, Marina Abramović, Jaroslava Brychtova, Lynda Benglis, Lee Bul, Sophie Calle, Janet Cardiff, Li Chevalier, Marlene Dumas, Orshi Drozdik, Marisol Escobar, Jenny Holzer, Runa Islam, Chantal Joffe, Karen Kilimnik, Sarah Lucas, Yoko Ono, Tanja Ostojić, Jenny Saville, Carolee Schneeman, Cindy Sherman, Shazia Sikander, Lorna Simpson, Lisa Steele, Stella Vine, Kara Walker, Rebecca Warren, Bettina Werner y Susan Dorothea White.


title: Mujeres artistas

text: Los cuadros, collages, esculturas blandas, actuaciones y montajes medioambientales de la artista japonesa Yayoi Kusama tienen en común su obsesión con la repetición, los patrones y la acumulación. Su obra muestra algunas características del feminismo, del minimalismo, del surrealismo, del arte marginal, del arte pop y del expresionismo abstracto mezcladas con contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Se describe a sí misma como una «artista obsesiva». En noviembre de 2008 la casa de subastas Christie”s de Nueva York vendió su cuadro No. 2 de 1959 por 5 100 000 dólares estadounidenses, el precio récord en 2008 por una obra de una artista viva. Durante 2010-2011, el Centro Pompidou de París presentó su selección de artistas contemporáneas en una exposición de tres volúmenes llamada "elles@Centrepompidou." El museo mostró obras de importantes mujeres artistas de su propia colección. En 2010 Eileen Cooper fue elegida como la primera mujer 'Comisaria de la Real Academia'. 1995 vio cómo Elizabeth Blackadder, que había sido nombrada Oficial de la Orden del Imperio Británico en 1982, fue, en 300 años de historia, la primera «pintora de Su Majestad en Escocia».


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text: Un género interesante del arte femenino es el arte medioambiental. En diciembre de 2013 el directorio de mujeres ecoartistas enumeró a 307 artistas medioambientales, como Marina DeBris, Vernita Nemec y Betty Beaumont. DeBris usa basura de la playa para concienciar sobre la contaminación de las playas y los océanos y educar a los niños sobre la basura en la playa. Nemec usó hace poco correos basura para demostrar la complejidad de la vida moderna. Beaumont ha sido descrita como pionera del arte medioambiental y utiliza el arte para desafiar nuestras creencias y acciones.


title: Mujeres artistas

text: Las artistas han sido con frecuencia mal representadas en los relatos históricos, tanto con intención como sin ella. Las costumbres sociopolíticas de cada época a menudo imponen estas tergiversaciones. Hay una serie de problemas detrás de esto, como por ejemplo:


title: Mujeres artistas

text: El concepto de arte marginal surgió en el siglo XX cuando los principales especialistas, coleccionistas y críticos comenzaron a considerar la expresión artística de las personas sin una formación artística convencional. Entre ellos estarían los autodidactas, niños, artistas populares de todo el mundo y presos de instituciones mentales. Entre los primeros en estudiar este enorme y casi inexplorado espacio artístico fueron los miembros del grupo Der Blaue Reiter en Alemania, seguidos posteriormente por el artista francés Jean Dubuffet. Algunas representantes conocidas del "art brut", la expresión francesa para el arte marginal, son:Deepwell, Katy (ed),New Feminist Art Criticism;Critical Strategies, Manchester University Press, 1995. ISBN 978-0-7190-4258-4.


title: Consejo Global de Turismo Sostenible

text: El Consejo Global del Turismo Sostenible, en inglés Global Sustainable Tourism Council (GSTC), es una organización sin fines de lucro que establece y gestiona los estándares mundiales de sostenibilidad en el Sector de Viajes y Turismo conocidos como los Criterios GSTC. Asimismo, ofrece acreditación internacional para Organismos de Certificación de turismo sostenible.


title: Consejo Global de Turismo Sostenible

text: El GSTC es una organización independiente y neutral, legalmente registrada en los EE.UU. como una organización sin fines de lucro 501 (c) 3, que representa a una membresía diversa y global, incluyendo agencias de las Naciones Unidas, ONG, gobiernos nacionales, provinciales y municipales, empresas de viajes, hoteles, touroperadores , transportes, prestadores turísticos, comunidades y destinos – todos esforzándose en pos de lograr las mejores prácticas en turismo sostenible. El Consejo Global de Turismo Sostenible es una organización virtual sin una oficina principal, con personal y voluntarios que trabajan en los seis continentes en todo el mundo. El apoyo financiero de donaciones, patrocinio y cuotas de membresía permite brindar servicios a bajo costo, capacitar, crear, revisar y poner a disposición los Criterios GSTC en forma gratuita y accesible a nivel global.


title: Consejo Global de Turismo Sostenible

text: El Consejo Global de Turismo Sostenible fue creado en el año 2007 por los siguientes organismos: la , la Organización Mundial del Turismo (OMT), el Programa de los Naciones Unidas para el Medio Ambiente (UNEP), la Organización no gubernamental , y la World Wide Fund for Nature (WWF).


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text: Existen dos conjuntos de estándares: los Criterios GSTC para Destinos GSTC-Dv2 (2019) dirigidos a los responsables de las políticas públicas y los administradores de destinos, y los Criterios GSTC-Iv3 (2016) para la industria dirigidos a hoteles y operadores turísticos. Ambos Criterios son los principios rectores y los requisitos mínimos que cualquier empresa o destino turístico debe aspirar a alcanzar para proteger y mantener los recursos naturales y culturales del mundo, garantizando al mismo tiempo que el turismo alcance su potencial como una herramienta para la paz, la inclusión social, la conservación de los recursos y la mitigación de la pobreza.


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text: Los Criterios GSTC fueron creados para llegar a un entendimiento común en el mundo del turismo sostenible, y representan el mínimo que una empresa de turismo debe aspirar a alcanzar. Se utilizan para educación, formación y capacitación y como lineamientos básicos para escuelas de hotelería, centros de formación y universidades. Los Criterios GSTC promueven el desarrollo de políticas públicas y programas gubernamentales,sirven como base para certificaciones de sostenibilidad, facilitan el acceso a los mercados para productos sostenibles, ayudan a los consumidores a identificar programas y negocios sólidos en materia de turismo sostenible, sirven de común denominador para que los medios de comunicación reconozcan a los proveedores de turismo sostenible y contribuyen con sus líneas directrices a medir y controlar procedimientos como base para diversas certificaciones en sostenibilidad . Los Criterios GSTC promueven liderazgo que inspira a otros actores a tomar acción en el sector de los Viajes y el Turismo.


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text: Asimismo ,el GSTC opera como un sistema de acreditación. Los Criterios GSTC son la base del rol del GSTC como Organismo de Acreditación global para Programas de Certificación que certifican que los hoteles , alojamientos, operadores turísticos y destinos cuenten con políticas y prácticas sostenibles. El GSTC no certifica directamente ningún producto o servicio; pero acredita a los que sí lo hacen y se encuentra involucrado en dicho proceso.