title: Miguel Ángel

text: Parece que el primer fresco que terminó fue "La conversión de san Pablo", que es el que más se parece en estilo al "Juicio Final", sobre todo por la imagen del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús en el Juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario.


title: Miguel Ángel

text: Este gran dinamismo se encuentra mucho más contenido en el siguiente fresco "El martirio de san Pedro", donde se aprecia el ritmo compositivo equilibrado, enfrente del desorden existente en "La conversión de san Pablo". La línea principal, en diagonal, la representa la cruz aún no izada, y las figuras que describen un gran arco de medio punto cerca del centro. Gracias al movimiento de la cabeza de san Pedro, Miguel Ángel consigue el punto de atención principal de la escena.


title: Miguel Ángel

text: En 1540 Vittoria Colonna le pidió un pequeño cuadro de la "Crucifixión" que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en el Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño Calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo aparecían Cristo, la Virgen, San Juan y unos angelotes. Vasari lo describe así: Aunque habla de un dibujo, el artista acabó haciendo una pintura.


title: Miguel Ángel

text: Se tiene noticia de esta pintura también por una carta de Vittoria a Miguel Ángel: En 1547 falleció Vittoria y tal era el afecto que Miguel Ángel le profesaba que recuperó el cuadro y la incluyó como María Magdalena abrazada a la cruz de Cristo y sobre los hombros un pañuelo símbolo de su viudedad.


title: Miguel Ángel

text: Aunque el cuadro original se ha perdido, se conservan muchos dibujos y copias hechas por discípulos de Miguel Ángel, entre ellas la que se guarda en la Concatedral de Santa María de la Redonda de Logroño.


title: Miguel Ángel

text: La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en 1420, durante la visita en 1515 del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo. Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de Italia, ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, sobre la base de la cual se firmó el contrato para su construcción el 19 de enero de 1518.


title: Miguel Ángel

text: Según escribió Miguel Ángel, lleno de entusiasmo: «me he propuesto hacer, de esta fachada de San Lorenzo, una obra que sea el espejo de la arquitectura y de la escultura para toda Italia...». En el periodo 1518-1519, Miguel Ángel revisó los mármoles en Carrara, un trabajo inútil, ya que el papa propuso que el mármol fuera del territorio florentino, en las pedreras de Pietrasanta y Serravezza. Con fecha 10 de marzo de 1520, el papa dio por finalizado el contrato, cuando el artista se había quejado que el mármol destinado para la fachada se estaba utilizando en otras obras. La segunda maqueta de madera presentada y realizada por su ayudante Urbano, se conserva en la Casa Buonarroti.


title: Miguel Ángel

text: Hacia 1517, efectuó unas obras de mejora en la planta baja del palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la "loggia" (galería) que se habían construido en la esquina de la Via Longa y la Vía de'Gori, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba "inginocchiate" (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio.


title: Miguel Ángel

text: Empezada por encargo de León X en 1520, fue bajo el mandato de Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la «Sacristía Nueva» en 1523, situada en la basílica de San Lorenzo de Florencia, destinada a acoger el conjunto escultórico formado por las tumbas de los capitanes Juliano, duque de Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los Magníficos, Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, y la Madonna Medici, que según el autor Anthony Betram es la primera obra Manierista de Miguel Ángel.


title: Miguel Ángel

text: En el lado contrario del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través de un arco y con una cúpula; los paramentos eran lisos, enmarcados por pilastras y molduras hechas en "pietra serena", la piedra gris de la región. Miguel Ángel agrandó la parte central, para poder dar más espacio a los sepulcros y altar.


title: Miguel Ángel

text: En el diseño vertical cambió la arquitectura del Quattrocento y colocó ventanas ciegas sobre las puertas; las ventanas junto a la cúpula las hizo en forma de trapecio para conseguir una óptica de ascensión más grande. La cúpula está realizada con un artesonado de casetones radiales. Estos casetones se distribuyen en cinco hileras de medida decreciente, que imitan, incluso en el número, a las del Panteón de Roma; acaban en una corona radiada, donde se inicia la linterna, de delicada forma y perfecta belleza; es la contribución más importante en el exterior de la capilla. Vista desde el exterior, la reforma de la sacristía de San Lorenzo realizada por Miguel Ángel presenta una gran cúpula con cubierta de tejas, un conjunto de molduras y de grandes ventanales que favorecen los juegos de luz y sombra en el interior. Descartado el primer proyecto, donde el artista destinaba el espacio central para los monumentos funerarios, estos acabaron, en los siguientes diseños, desplazados a los muros, donde quedaron completamente integrados en la arquitectura.


title: Miguel Ángel

text: También de Clemente VII fue la idea de construir en Florencia una biblioteca para conservar toda la colección de còdex de la familia Médici, y contó para este proyecto con Buonarroti; el edificio acabaría siendo conocido como la Biblioteca Laurenciana, ya que había tenido una gran ampliación de su fondo bibliográfico por parte de Lorenzo el Magnífico a fines del . A partir de 1523, una vez escogido el emplazamiento dentro del convento de la basílica de San Lorenzo, en el piso superior del lado oriental del claustro, empezaron los proyectos que sufrirían un gran número de variaciones. Hacía falta organizar espacios diferentes para separar los libros latinos de los griegos, y también se querían repartir los libros raros en pequeñas salas, pero al final se acabó optando para organizarlo todo en una gran sala. Se centraron los esfuerzos en resolver el soporte de la nueva estructura sobre los muros antiguos: en la biblioteca se bajó el nivel del techo y se situaron ventanas muy próximas las unas a las otras, con lo que se conseguía ampliar la luminosidad; el vestíbulo se diseñó como lugar de circulación, con una altura superior, y se añadieron ventanas de iluminación. En 1533, el papa dio permiso a Miguel Ángel para que se trasladase a Roma, con la condición de que dejara solucionado la terminación de la decoración y la escalera de acceso del vestíbulo. El artesonado de la biblioteca está realizado con motivos elípticos y romboidales; Buonarroti también diseñó los grandes pupitres de lectura. De la escalera hizo numerosos diseños, y por fin, en 1558, envió desde Roma el proyecto, junto con una maqueta, a Bartolomeo Ammannati, que fue el encargado por Cosme I de Médici para construir definitivamente la escalera. Se conservan más de treinta hojas de dibujos de la Biblioteca Laurenciana, si bien por la correspondencia mantenida durante su elaboración, se sabe que debieron de ser muchos más.


title: Miguel Ángel

text: Después de Florencia, en Roma también desarrolló una etapa arquitectónica durante sus dos últimas décadas de vida; así en 1546 se le encargó la urbanización de la plaza del Capitolio o "Campidoglio". Durante la visita del emperador Carlos V, el papa Paulo III, entre las diversas realizaciones para el ornamento de la ciudad con ocasión de este recibimiento, había hecho trasladar algunas esculturas a la Colina Capitolina: en 1537 se había colocado la estatua ecuestre de bronce de Marco Aurelio, símbolo de la autoridad imperial y por extensión de la continuidad entre la Roma imperial y la papal; esta escultura debía de ser el centro de partida de toda la urbanización. Miguel Ángel, para que hubiera una visión unitaria, dispuso el Palacio de los Senadores (sede del ayuntamiento) en el fondo de la plaza, con unas escalinatas tangentes a la fachada; y delimitada a los lados por dos palacios: el Palazzo dei Conservatorio y el llamado Palazzo Nuevo construido "ex-novo", ambos convergentes hacia la escalera de acceso al Capitolio. Los edificios, actualmente los Museos Capitolinos, fueron dotados de un orden gigante con pilastras corintias en la fachada, cornisas y arquitrabes, y proyectadas divergentes, no paralelas, de manera que la plaza quedaba en forma de trapecio, para conseguir la ilusión óptica de más profundidad.


title: Miguel Ángel

text: El motivo empleado en el pavimento de la plaza, se diseñó con una retícula curvilínea inscrita en una elipse centrada en el basamento de la estatua de Marco Aurelio, y dividida en doce secciones, que recuerda el símbolo usado en la antigüedad para los doce signos del zodiaco, en alusión a la cúpula celestial. También es una referencia a la arquitectura cristiana, con el símbolo de los doce apóstoles. El tratamiento que hizo Miguel Ángel se parecía al tipo de "schemata" medieval para coordinar el ciclo lunar con otras interpretaciones como las horas y el zodiaco, tomando como ejemplo para estas claves simbólicas las del manuscrito del del "De Rerum Natura" de san Isidoro de Sevilla (que trata sobre astronomía y geografía).


title: Miguel Ángel

text: Miguel Ángel confirió a la plaza una plástica extraordinaria, encargada de fusionar todo el ambiente arquitectónico. Resulta un espacio abierto, sobre todo entre los dos palacios simétricos, como si fuera un salón al cual se llega mediante la gran rampa central de subida, la Cordonata Capitolina, con unas balaustradas también divergentes para provocar el efecto visual unitario con la plaza. La unidad total no se consiguió hasta bastante más tarde con la construcción del Palazzo Nuevo, proyectado por Miguel Ángel para separar la plaza de la iglesia de Aracoeli. Las fachadas fueron construidas, en su mayor parte, una vez muerto el artista, y aunque no son una fiel realización de sus proyectos sí que constituyen una magnífica composición.


title: Miguel Ángel

text: En la construcción del Palacio Farnesio, Miguel Ángel sustituyó a Antonio da Sangallo el Joven, que era el que dirigía las obras en el momento que se produjo su fallecimiento en 1546. El edificio se encontraba en construcción al nivel de la segunda planta.


title: Miguel Ángel

text: Buonarroti acabó la fachada antes de realizar los cuerpos laterales y el posterior, e hizo elevar la altura del segundo piso para unificarlos con la misma medida que los inferiores. La cornisa del edificio, que Sangallo había previsto más estrecha, la substituyó por otra más grande y con elementos ornamentales, donde se mezclan los órdenes dórico, jónico, y corintio. Cambió también el ritmo de la fachada con la revisión de la ventana central, que dotó de un dintel más grande con la prolongación del entablamento, encima del cual colocó un escudo gigante de más de tres metros de altura.


title: Miguel Ángel

text: La parte posterior de la obra fue acabada años más tarde por Giacomo della Porta.


title: Miguel Ángel

text: Miguel Ángel fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro en 1546 a los setenta y dos años de edad, a la muerte de Antonio da Sangallo el Joven. La construcción de la basílica había sido empezada sobre la anterior paleocristiana, por mandato del papa Julio II y bajo la dirección del arquitecto Bramante; a partir del fallecimiento de este último, se hizo cargo Rafael Sanzio, que modificó la planta y la transformó en una cruz latina. Cuando Miguel Ángel recibió el encargo de las obras, modificó de nuevo la planta y volvió, con ligeras variaciones, a la idea original de Bramante de cruz griega, pero redujo las cuatro esquinas del cuadrado para que las áreas más pequeñas pudieran tener luz directa. Le corresponde en particular la modificación de la cúpula central respecto al proyecto de Bramante: suprimió el anillo con columnas y le dio un perfil más elevado. Al suprimir las torres, la cúpula se convirtió en el elemento predominante. Obtuvo permiso del papa, ante la vista de sus maquetas, para demoler parte de la construcción de Sangallo y, sin alterar de forma sustancial el interior, consiguió imponer su estilo personal y aportar una gran unidad al conjunto. La mayor parte de las obras se realizaron entre 1549 y 1558.


title: Miguel Ángel

text: Con ligeros retoques en el proyecto ideado por Miguel Ángel, que dejó una maqueta para la cúpula central realizada entre 1558 y 1561, se realizó la terminación de las obras, 24 años después de su muerte, por los arquitectos Giacomo della Porta y Domenico Fontana, con una altura de 132 metros y un diámetro de 42,5 metros.


title: Miguel Ángel

text: Por concesión mediante una bula del 27 de julio de 1561, Pío IV decidió instalar a los cartujos en las Termas de Diocleciano, previa su transformación en iglesia. Ya en 1541 un sacerdote siciliano, Antonio del Duca, había solicitado al papa la creación de una iglesia consagrada al culto de los ángeles, y en 1550 consiguió la autorización de edificar catorce altares provisionales, siete dedicados a los ángeles y otros siete a los mártires. El 5 de agosto de 1561 se colocó la primera piedra de la iglesia y se encargó del proyecto Miguel Ángel, que, según Vasari, propuso: Las obras empezaron inmediatamente, pero tuvieron que detenerse en 1563 por falta de fondos económicos. Cuando en 1565 se convierte en iglesia titular (parroquial) con el nombre de Santa Maria degli Angeli e dei Martiri, se encargó la realización de un baldaquino de bronce para el altar mayor, según diseño de Miguel Ángel, que se encuentra actualmente en el museo de Nápoles. Durante los siglos posteriores se ha ido transformando, haciendo casi imperceptible el diseño original.


title: Miguel Ángel

text: El papa Pío IV le encargó un proyecto para la Porta Pia, el artista le presentó tres; el papa escogió el de menor coste y se empezó la construcción en 1561.


title: Miguel Ángel

text: La puerta se edificó durante el proceso de remodelación urbanística realizada por el papa Pío IV. La nueva calle que venía desde el Quirinal, se nombró Via Pia en honor del papa; a partir de entonces prosiguió en línea recta a través de la Porta Pia, que atraviesa las murallas de la ciudad; Miguel Ángel la realizó en aquel tramo en sustitución de otra que había muy próxima al lugar llamada "Nomentana". Se realizó como una gran escenografía, en el punto topográfico más elevado de la muralla, con la fachada hacia el interior de la ciudad, con lo que se apartaba de la antigua tradición de orientar las puertas hacia el campo, como presentación de la ciudad al visitante. Las medallas que se acuñaron con motivo de la construcción de la Puerta, obra de Giovanni Federico Bonzagni, muestran como fue diseñada originariamente. El proyecto para la parte externa no se pudo llevar a término por el fallecimiento de Miguel Ángel en 1565 y la elección de un nuevo papa, Pío V, con lo que las obras quedaron paralizadas y la parte exterior se solucionó con un sencillo muro y una puerta.


title: Miguel Ángel

text: En 1853 Virginio Vespignani restauró el ático y, durante el periodo 1861-1868, se construyó la puerta exterior.


title: Miguel Ángel

text: Los dibujos de Miguel Ángel forman un conjunto muy numeroso e importante, a pesar de las hogueras que se sabe que hizo alguna vez para quemar, según Vasari, «diseños, apuntes y cartones hechos de su mano, a fin de que nadie viese las fatigas que había pasado y las diversas pruebas por las que tuvo que pasar su ingenio hasta aparecer la perfección». Los primeros dibujos atribuidos al artista son las copias realizadas en la basílica florentina de la Santa Croce, del "Tributo" y la "Consagración" de Masaccio y el dibujo del "Alquimista", de invención propia (hoy en el Museo Británico), así como una copia de Giotto conservada en el Louvre, todos estos del tiempo de sus estudios en el palacio de Lorenzo el Magnífico, hacia 1490.


title: Miguel Ángel

text: La técnica de Miguel Ángel se muestra con toda su "terribilitá" en el encargo para la decoración de la sala del Gran Consejo del Palazzo Vecchio. En 1503, el nuevo gobierno republicano, al escoger como "gonfaloniere" a Piero Soderini, decidió pintar al fresco dicha sala, y a este efecto encargó a Leonardo da Vinci la representación de "La batalla de Anghiari" y, en el muro de enfrente, a Miguel Ángel "La batalla de Cascina", enfrentando así a los dos artistas más grandes de la época. Miguel Ángel empezó la elaboración del cartón con el dibujo, como consta que en 1504 ya había recibido dos pagos. El tema está inspirado en la crónica de Filippo Villani, que, según narra, en 1364, las tropas de Florencia atacaron las de Pisa cerca de Cascina y, a causa del fuerte calor, los soldados se desnudaron para tomar un baño en el río Arno. A pesar de que los pisanos aprovecharon ese momento para atacar, la victoria fue para los florentinos. Aquí demostró Miguel Ángel su gran dominio del desnudo, junto con el movimiento dinámico y de creación, hasta agotar todas las posibilidades expresivas, con una gran variedad de técnicas: algunas figuras están contorneadas con carbón; otras, con trazos fuertes, están esfumadas e iluminadas con yeso. Por ejemplo, en el "Desnudo de espalda" de la Casa Buonarroti de Florencia, se aprecian los perfiles con trazos gruesos y las sombras en retícula.


title: Miguel Ángel

text: Como tuvo que partir hacia Roma llamado por el papa Julio II, el artista no pasó de la ejecución de los cartones. El fresco realizado por Leonardo da Vinci en la sala del Gran Consejo, "La batalla de Anghiari", se destruyó poco tiempo después y sólo se conoce por una copia de la parte central realizada por Rubens. Curiosamente, existe también una copia de la parte central de "La batalla de Cascina" hecha por Bastiano da Sangallo.


title: Miguel Ángel

text: En 1515, durante una visita a Florencia del papa León X, se realizaron decoraciones por toda la ciudad basadas en "La batalla de Cascina" según el proyecto de Miguel Ángel; es probable que el cartón fuera partido y entregado a diferentes artistas para que lo copiasen y así adornasen la población para el recibimiento del papa. En el Museo Británico y en la colección de los Uffizi se conservan estudios sobre figuras individuales de este esbozo de Miguel Ángel. Vasari describe el esbozo completo:


title: Miguel Ángel

text: Después de la expulsión de los Médici en 1527 y el establecimiento de la nueva república en Florencia, el 6 de abril de 1529 Miguel Ángel fue nombrado «gobernador y procurador general de las fortificaciones» y, además de una pequeña estancia en Venecia, dedicó todos sus esfuerzos a la mejora de las fortificaciones florentinas. Todos los dibujos clasificados en la Casa Buonarroti, son estudios para los bastiones de las puertas y los ángulos de la muralla medieval. Es especialmente remarcable por su elaboración, el correspondiente al ángulo de la Porta al Prato d'Ognissanti, en la parte occidental de Florencia.


title: Miguel Ángel

text: Miguel Ángel centró su preocupación en la acción defensiva y muestra su gran originalidad en esta clase de dibujos que son los únicos diseños militares, junto con algún otro de Leonardo da Vinci, en los que se establecen las trayectorias de los disparos de los cañones y su radio de acción. La gran cantidad de cuerpos salientes agudos de sus dibujos proporcionan un máximo alcance, ya que los bastiones eran más defensivos que ofensivos. Las ideas del autor estaban destinadas a no ser aceptadas, y en algunos de sus dibujos de la última época ya se aprecia la eliminación de puntos ciegos, que no se podían proteger, seguramente por alguna crítica recibida de parte de expertos militares; estos últimos diseños, los más próximos a los que se utilizaron posteriormente en la época del barroco, son muy similares a los propuestos por el ingeniero militar Vauban en su obra "Manière de Fortier" (1689).


title: Miguel Ángel

text: Para la bóveda de la Capilla Sixtina el artista realizó una serie de dibujos a manera de esbozos, donde se advierte los trazos del manierismo ya patente en Miguel Ángel: dentro de este conjunto se incluyen los estudios sobre los desnudos conservados en el Museo Británico de Londres, los estudios para la "Sibila Líbica", con diferentes versiones, del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, diversos estudios de figuras, una sanguina del "Cristo en el limbo" y unos cuantos dibujos sobre el tema de la "Resurrección".


title: Miguel Ángel

text: A principios del surgieron en Italia un tipo de dibujos perfectamente acabados, para ser donados como obsequio: Leonardo da Vinci, en 1500, hizo una serie para ofrecerlos a un mecenas. Miguel Ángel también realizó algunas series, que regaló a jóvenes por los que sentía algún afecto especial, pero la gran mayoría fueron para regalarlos a su joven estimado Tommaso Cavalieri, que Vasari justificaba como ejercicios de aprendizaje: En el dibujo de "La Piedad" que le regaló a Vittoria Colonna alrededor de 1540, la transformación de Miguel Ángel es evidente en el estilo. En esta obra, la figura de Cristo está tratada con mucha delicadeza, buscó la simetría orgánica con su madre María mirando hacia el cielo; ella extiende los brazos medio en cruz hacia arriba, mientras su Hijo los deja caer hacia abajo, todo en una composición simétrica que refuerzan las dos figuras laterales de unos niños y la cruz del fondo, que parte en dos mitades iguales el cartón y que tiene una inscripción sacada de " de Dante: «Non vi si pensa quanto sangue costa» (No se piensa cuanta sangre cuesta)".


title: Miguel Ángel

text: Se conservan numerosos dibujos, sobre todo a la sanguina:


title: Miguel Ángel

text: Como poeta, Miguel Ángel ha dejado unas trescientas composiciones que ocupan un lugar destacado en la lírica del , donde resalta su tono enérgico y austero y una continua tensión hacia una ardiente inmediatez expresiva. Las formas métricas que más abundan son los sonetos y los madrigales, aunque también escribió algunos tercetos. Según Ascanio Condivi, hacia 1503, Buonarroti se dedicó a la lectura «... estuvo algún tiempo sin hacer nada en el arte de la escultura, para darse a la lectura de los poetas y oradores en lengua vulgar, y hacer sonetos para su deleite».


title: Miguel Ángel

text: Su formación realizada en el palacio de Lorenzo el Magnífico y basada en el pensamiento neoplatónico de los humanistas Pico della Mirandola y Ficino, hace entender mejor la poesía de Miguel Ángel, por la gran insatisfacción que siempre tuvo de él mismo y con todo su entorno, por la idea de «la presencia de la espiritualidad en lo material», por su entusiasmo con la estética y la belleza; con la poesía, que se puede considerar bastante influenciada por el petrarquismo, el artista consiguió expresar todos sus afectos amorosos y sus dudas religiosas. Los primeros sonetos fueron sobre temas relacionados con sus trabajos artísticos, como el dedicado a la estatua de la "Noche" en las tumbas de los Médici, que decía: «Me es grato dormir, y más ser de piedra —mientras el mal y la vergüenza dura—. No ver, no sentir, es mi ventura; no me despiertes, no; habla suave».


title: Miguel Ángel

text: En cambio, emplea un tono humorístico y burlesco en los sonetos escritos cuando trabajaba en la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina, hacia 1510, y dirigidos a su amigo Giovanni da Pistoia, donde aparece en el manuscrito un dibujo del autor cayéndole pintura sobre el rostro; en el soneto, había comparado su rostro en un «rico pavimento» y se describía a sí mismo como un «cadáver de pintura». Rogando a su amigo que lo redimiera: «Defiende tu ahora, Giovanni, mi muerta pintura y mi honor, pues ni éste se encuentra en buen lugar, ni yo soy pintor».


title: Miguel Ángel

text: Posteriores y más numerosos son los realizados para Tommaso Cavalieri, inspirados en Petrarca, el primero está datado con fecha 1532, donde trata abiertamente del amor y se puede apreciar hasta que punto a Miguel Ángel le consumía la pasión por Tommaso: «que se detenga este tiempo, estas horas, y el sol, la luz, sobre su rostro, y pueda yo sentir tu don completo, Señor mío deseado desde entonces en mi cuerpo indigno que te abraza». Las alabanzas desmesuradas al joven se aprecian también en las cartas que le dirige, fechada el primero de enero de 1533, Miguel Ángel declara: O en esta otra: «Vuestro nombre me alimenta el corazón y el alma, y llena el uno y la otra de tan gran dulzor, que no siento ni la tristeza ni el temor de la muerte desde que le tengo en la memoria».


title: Miguel Ángel

text: Los poemas que dedicó a Vittoria Colonna fueron la mayoría de tema religioso, ya que ambos tenían inquietudes sobre lo mismo, y se centraban sobre el pecado y la salvación eterna, ya en un tono de angustia y amargura. En un madrigal describe a la amiga como «una verdadera mensajera entre el cielo y él, una mujer divina a la que implora benevolencia y condescendencia con tal de elevar su miseria a la altura del camino tortuoso de la bienaventuranza».


title: Miguel Ángel

text: Lo más interesante de los poemas de esta época es la síntesis que hace Miguel Ángel de las teorías neoplatónicas y la práctica del cristianismo volcado hacia el espíritu. Una vez fallecida Vittoria, Buonarroti se encuentra en un estado, según Condivi, «que durante mucho tiempo parecía loco», entra en una especie de deriva y se ve arrastrado por sus obsesiones religiosas; todo esto le hace componer una serie de poemas pesimistas donde de una manera radical expone su absoluta decepción del valor del arte.


title: Miguel Ángel

text: La primera edición de su obra poética es de 1623 y la realizó su sobrino, Miguel Ángel el Joven; fue muy corregida y se censuró el género de los pronombres masculinos. Este equívoco duró hasta la edición de 1863 a cargo de Cesare Guasti, donde, a partir de los textos originales, se aclaró definitivamente el sentido de la poesía dirigida a Tommaso Cavalieri. Entre otros, las rimas de Miguel Ángel han estado traducidas por autores de la talla del filósofo estadounidense, Ralph Waldo Emerson en el .


title: Miguel Ángel

text: La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura, fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los antiguos y por encima de la naturaleza misma. Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad, contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. Lodovico Dolce en 1557, tildaba de monótonos los desnudos de Miguel Ángel en comparación con la belleza de las obras de Rafael. Fue criticado también por la iglesia italiana, durante la segunda mitad del seiscientos, ya que sus obras no eran afines a las nuevas normas del Concilio de Trento. Desde la mitad del , fueron cambiando las críticas hasta llegar a la total adoración por su arte.


title: Miguel Ángel

text: El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevaron a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su concepción anuncia la próxima arquitectura barroca.


title: Miguel Ángel

text: Los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina representan la visión más perfecta de su creencia neoplatónica, que afirmaba que la belleza de la figura humana tiene un carácter divino; también en esta misma creencia se encuentra el significado de las tumbas de los Médici, donde la zona inferior simboliza el mundo material en contraposición de la arquitectura iluminada por la cúpula de la sacristía Nueva, que representa el mundo espiritual.


title: Miguel Ángel

text: Como pintor, tuvo honda influencia en la generación posterior manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas.


title: Miguel Ángel

text: Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma Bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones envolventes de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto.


title: Miguel Ángel

text: Por lo que se refiere a la escultura, su "David" representó no ya una vuelta a modelos de la Antigüedad grecolatina sino que, por primera vez, se realizaba una obra que los superaba. Muchas de sus obras están inacabadas ("non finito", en italiano), pero debe diferenciarse entre aquellas en las que el autor, intencionadamente, dejaba partes sin hacer, como los "tondi Taddei" y "Pitti", de aquellas otras que no llegó a acabar a causa de factores externos.


title: Miguel Ángel

text: La figura de Miguel Ángel ha sido llevada al cine en varias ocasiones, siendo la más famosa, la película "The Agony and the Ecstasy" ("El tormento y el éxtasis", 1965), dirigida por Carol Reed sobre una novela de Irving Stone y protagonizada por Charlton Heston como Miguel Ángel y Rex Harrison como el papa Julio II.


title: Miguel Ángel

text: La RAI Radiotelevisione italiana, realizó en 1990, una serie-documental sobre la vida de Miguel Ángel con el título de "La Primavera de Michelangelo", inspirado en el libro "Una estación de gigantes" de Vicenzo Labella. Este autor, junto con Julian Bond, se encargaron del guion del documental que fue dirigido por Jerry Londo y protagonizado por Mark Frankel.


title: Miguel Ángel

text: Muchos de sus poemas han sido musicados en forma de lied, siendo los más conocidos los de Dmitri Shostakóvich, grabados por Dietrich Fischer-Dieskau.


title: Miguel Ángel

text: Blasón de los Buonarroti:"Los maestros con los que se formó":


title: Miguel Ángel

text: "Maestros que lo influenciaron":


title: Miguel Ángel

text: "Sus mecenas":


title: Miguel Ángel

text: "Otros":


title: 3 de noviembre

text: El 3 de noviembre es el 307.º (tricentésimo séptimo) día del año en el calendario gregoriano y el 308.º en los años bisiestos. Quedan 58 días para finalizar el año.


title: 4 de noviembre

text: El 4 de noviembre es el 308.º (tricentésimo octavo) día del año en el calendario gregoriano y el 309.º en los años bisiestos. Quedan 57 días para finalizar el año.


title: 5 de noviembre

text: El 5 de noviembre es el 309.º (tricentésimo noveno) día del año en el calendario gregoriano y el 310.º en los años bisiestos. Quedan 56 días para finalizar el año.


title: Archena

text: Archena es un municipio español perteneciente a la Región de Murcia, en la comarca natural del Valle de Ricote. Cuenta con 19428 habitantes (INE 2020).


title: Archena

text: Territorio poblado desde época íbera, ya que en su término municipal se encuentra el yacimiento del Cabezo del Tío Pío (de donde es originario un tipo de cerámica íbera que recibió el nombre de "Elche-Archena"). En tiempos de la Antigua Roma comenzó el uso de los conocidos baños termales de Archena.


title: Archena

text: La actual villa de Archena surgió en la Edad Media, cuando tras la firma del tratado de Alcaraz (por el que la taifa de Murcia se convirtió en un protectorado castellano) la población pasó a depender de la Orden de San Juan, dentro de la encomienda de Calasparra (a la que perteneció hasta el siglo XIX), por orden del por entonces infante Alfonso el Sabio en julio de 1244. La orden hospitalaria concedió una carta puebla a la localidad en 1462.


title: Archena

text: Durante la Guerra Civil Española, el Ejército Popular de la República estableció en Archena una escuela de formación para tanquistas, debido a la llegada de los nuevos carros de combate soviético T-26. Estuvo dirigida por el coronel soviético Semión Krivoshéin y el coronel español Rafael Sánchez-Paredes, funcionando la escuela y los talleres de mantenimiento durante la contienda.


title: Archena

text: Archena está integrado en la comarca de Valle de Ricote y dista de Murcia 25 kilómetros. El término municipal es reducido, 1.651 hectáreas, la gran mayoría de regadío. Éste está atravesado por la autovía A-30 y la carretera N-301 en el pK 372.


title: Archena

text: El relieve del municipio está muy influenciado por el río Segura, que recorre el territorio a lo largo de siete kilómetros. A ambos lados del mismo se sitúan las terrazas escalonadas llenas de frutales. Fuera de la ribera del río, el terreno es ligeramente ondulado, con un monte más destacado en su parte norte (Ope, 276 m. s. n. m.). La altitud del municipio oscila entre los 276 metros y los 88 metros. El pueblo se alza a 115 metros sobre el nivel del mar. El clima, con una temperatura media de 18 °C, es el propio de la España seca.


title: Archena

text: Desde el punto de vista patrimonial destaca:


title: Archena

text: La iglesia de San Juan Bautista, comenzada en el siglo XVIII con intervenciones posteriores, sustituye a otra anterior del XVI. Está situada en una esquina de la localidad, sin construcciones adosadas, en un lugar estratégico antes ocupado por una mezquita, mirando a la vega del río Segura y presidiendo el camino real, el único acceso a Archena desde Ceutí. La dedicación a San Juan Bautista está motivada por haber pertenecido a la Orden de San Juan.


title: Archena

text: La Casa Grande, en la actualidad es la Casa Consistorial. Edificada por la Orden de San Juan en el siglo XV como Casa de la Tercia, en estilo renacentista. En el siglo XVIII pasó a ser propiedad de la familia Llamas.


title: Archena

text: El palacete Villarías, mandado construir por el Vizconde de Rías a finales del siglo XIX en una finca rodeada por un parque repleto de plantas y palmeras a las afueras de la villa -actualmente dentro del pueblo-. El parque del palacete hace hoy la función de parque público. El edificio es desde 2004 Centro de Interpretación del Valle de Ricote.


title: Archena

text: El balneario de Archena, complejo de edificaciones, la mayoría del siglo XIX, donde destaca el ecléctico Hotel Termas -con un interior de estilo mozárabe realizado por Manuel Castaños (que intervino en el Casino de Murcia)-, el Casino -realizado en 1878 en estilo neo renacimiento- y la Ermita del Balnerario -actual Santuario de Nuestra Señora de la Salud (patrona de Archena)-, del arquitecto José María Aguilar.


title: Archena

text: Desde 1900, Archena ha seguido una evolución ascendente, que la ha llevado a multiplicar por 3,55 la población de principios de siglo. Entre 1991 (11.876 habs.) y 2008 ha crecido un 54%.


title: Archena

text: La población de 18.369 habitantes (9.576 varones y 8.793 mujeres) se concentra básicamente en el casco urbano, con la importante excepción de la pedanía de La Algaida.


title: Archena

text: Otros barrios importantes fuera del casco urbano son El Hurtado, Las Arboledas, El Otro Lao, y a destacar el curioso caso del barrio de la Providencia (llamado por los archeneros "el fútbol"), que aunque se encuentra ubicado dentro del casco urbano de Archena, gran parte de él pertenece al término municipal de Villanueva del río Segura, lo que da una muestra significativa del pequeño término municipal con que cuenta Archena. A destacar también el polígono industrial, de reciente creación, llamado La Capellanía.


title: Archena

text: En la población de Archena hay 6 Colegios Públicos de Educación Infantil y Primaria: CEIP Emilio Candel, CEIP José Alcolea Lacal, CEIP Micaela Sanz, CEIP Miguel Medina, CEIP Nª Sra. de la Fuensanta, perteneciente a la pedanía de La Algaida, CEIP Río Segura y una Escuela Infantil Municipal.  En relación a la educación secundaria, cuenta con 2 centros de educación secundaria, de carácter público, y que ofertan los estudios de E.S.O, Bachillerato y Ciclos de Formación Profesional de Grado Medio y Superior: IES Vicente Medina y el IES Dr. Pedro Guillén, este último ubicado en el Bº El Otro Lao y perteneciente a la pedanía de La Algaida.


title: Archena

text: Archena cuenta con una estación de ferrocarril, aunque ésta se encuentra fuera de su término municipal.


title: Archena

text: La estación de Archena-Fortuna se localiza dentro de la pedanía de Campotéjar, perteneciente a Molina de Segura. Aunque el tendido de la línea Chinchilla-Cartagena no transcurre por ninguno de los dos municipios a los que alude la estación, ésta se abrió en el punto más próximo a ambas localidades par dar servicio tanto a las poblaciones como a los nutridos visitantes de sus conocidos balnearios.


title: Archena

text: La estación se encuentra en las proximidades de la carretera , que comunica Archena con Fortuna atravesando una parte del término de Molina de Segura.


title: Archena

text: Otras carreteras que discurren por el municipio son la , que enlaza con Ceutí, la  que comunica con Villanueva del Río Segura y la  que conecta con Yéchar y Mula.


title: Archena

text: La carretera  enlaza el núcleo urbano de Archena con la Autovía de Murcia (A-30), de la que un pequeño tramo discurre por el municipio, disponiendo de una salida (la 121).


title: HP-UX

text: HP-UX es la versión de Unix desarrollada y mantenida por Hewlett-Packard desde 1983, se ejecuta sobre procesadores HP PA RISC y en sus últimas versiones sobre Intel Itanium (arquitectura Intel de 64 bits); a pesar de estar basada ampliamente en System V incorpora importantes características de BSD. En la actualidad la última versión de este sistema operativo es la 11.31, también conocido como 11i v3, aunque existen numerosas instalaciones de sistemas más antiguos, especialmente HP-UX 10.x (1995-97) o incluso 9.x. (1992-95). A partir de la versión 11.11 (2000) se usa un sistema de numeración doble, así la 11.11 es también conocida como 11i, la 11.20 es 11iv2 y así sucesivamente.


title: HP-UX

text: HP-UX es, como la mayor parte de Unix comerciales, un entorno de trabajo flexible, potente y estable, que soporta un abanico de aplicaciones que van desde simples editores de texto a complicados programas de diseño gráfico o cálculo científico, pasando por sistemas de control industrial que incluyen planificaciones de tiempo real.


title: HP-UX

text: Durante los últimos años Hewlett-Packard, como muchos otros fabricantes, parece haberse interesado bastante por la seguridad en general, y en concreto por los sistemas de protección para sus plataformas; prueba de ello es la gama de productos relacionados con este campo desarrollados para HP-UX, como el sistema de detección de intrusos IDS/9000 para HP-UX 11.x que se ejecuta en máquinas HP-9000 o la utilidad Security Patch Check, similar al PatchDiag de Sun Microsystems. También es importante destacar las grandes mejoras en cuanto a la seguridad de los sistemas que se refiere entre HP-UX 9.x, HP-UX 10.x y muy especialmente decaída la web HP-UX 11.x.


title: Himno Nacional Argentino

text: El Himno Nacional Argentino es el himno oficial de Argentina, y uno de los . Fue escrito por Alejandro Vicente López y Planes en 1812 y compuesto por Blas Parera un año más tarde. Originalmente fue denominado "Marcha patriótica", luego "Canción patriótica nacional" y posteriormente fue una "Canción patriótica". Una publicación en 1847 lo llamó «Himno Nacional Argentino», nombre que ha conservado y con el cual es conocido.


title: Himno Nacional Argentino

text: El Día del Himno Nacional Argentino es el 11 de mayo.


title: Himno Nacional Argentino

text: El 24 de mayo de 1812 se presentó en la ""Casa de Comedia"" de Buenos Aires la obra teatral ""El 25 de Mayo"", referida a la Revolución de Mayo de 1810, de Luis Morante. La misma terminaba con un himno escrito por el propio Morante, al que el español Blas Parera había puesto música, coreado por los actores. Uno de los espectadores, el porteño Vicente López y Planes, se sintió inspirado y esa misma noche escribió la primera estrofa de un himno para reemplazar al anterior.


title: Himno Nacional Argentino

text: El Triunvirato entendió que debía darle al pueblo un canto nacional de mayor importancia que el que hasta entonces se entonaba. En un oficio del 22 de julio de 1812 dirigido al Cabildo de Buenos Aires, sugería a este que mandase a componer "la marcha de la patria", para ser ejecutada al principio de las funciones teatrales, debiendo el público escucharla de pie y descubierto, así como en las escuelas al finalizar diariamente las clases.


title: Himno Nacional Argentino

text: La Asamblea General Constituyente del Año XIII ordenó componer la letra del himno con fecha 6 de marzo de 1813 y lo aprobó como "Marcha Patriótica" el 11 de mayo de ese año. Al día siguiente le encargó componer una nueva música a Blas Parera. En una sola noche terminó la partitura.


title: Himno Nacional Argentino

text: Según la tradición, el 14 de mayo de 1813, en la casa de Mariquita Sánchez de Thompson se cantó por primera vez, siendo aquella dama quien interpretó sus estrofas. Se estima que la obra fue presentada el mismo día 25 de mayo de 1813, ya que el día 28 de ese mismo mes se cantó en el teatro durante una función patriótica efectuada durante la noche. Luego se lo conocería como "Canción Patriótica Nacional", y más tarde simplemente como "Canción Patriótica". Pero en una copia de 1847 aparece titulada como "Himno Nacional Argentino", nombre que recibe en la actualidad.


title: Himno Nacional Argentino

text: En 1817, Parera abandonó la Argentina, viviendo varios años en Río de Janeiro y finalmente en España, donde murió. Sobre el exilio de Blas Parera se ha especulado mucho, indicándose que partió del país a causa de haber sido obligado a componer la música del himno; esta teoría carece de documentación que la avale. El musicólogo Carlos Vega explica al respecto que "meses antes de su partida, el gobierno argentino (recuérdese que el país estaba en guerra) exigió a todos los españoles residentes juramento de fidelidad a la patria naciente y morir por su independencia total, legalizando su adhesión mediante una carta de ciudadanía. Podría ser que la adopción de la nacionalidad argentina hubiera sido una imposición demasiado dura para el catalán, y acaso la causa de su extrañamiento súbito".


title: Himno Nacional Argentino

text: El testimonio de un viajero de la época da una idea de la amplia aceptación popular de la que gozaba el nuevo himno: En 1817, un diplomático estadounidense, Henry M. Brackenridge, fue testigo de la extraordinaria difusión que había tenido en el pueblo rioplatense la canción patriótica que la Asamblea del año 1813 había consagrado como Marcha Nacional.


title: Himno Nacional Argentino

text: Brackenridge viajaba en un pequeño barco desde Montevideo a Buenos Aires y, en el transcurso de la travesía, escuchó las estrofas del himno coreadas espontáneamente por sus acompañantes. El relato de Brackenridge, tomado de su libro "Voyage to South America" (Viaje a Sud América), publicado en Baltimore en 1819, decía: La letra era marcadamente independentista y antiespañola, como correspondía al espíritu de la época. Tiempo más tarde la Asamblea del año XIII pide un "arreglo" de la letra, para que el himno quedara más acorde con los nuevos vientos que soplaban: Inglaterra se oponía vigorosamente a todo intento de autonomía en las colonias de España, su aliada en la guerra contra Napoleón. El embajador británico, Lord Strangford, hace saber al gobierno de Buenos Aires ""lo loco y peligroso de toda declaración de independencia prematura"".


title: Himno Nacional Argentino

text: Desaparecen entonces estrofas que anunciaban que "se levanta a la faz de la Tierra una nueva y gloriosa Nación". Se infiltran, en cambio, conceptos monárquicos tan en boga entonces, cuando los próceres competían en candidaturas de príncipes europeos para gobernarlos: el príncipe portugués, el francés, el italiano...


title: Himno Nacional Argentino

text: No extraña entonces el "ved en trono a la noble igualdad", afrancesamiento relacionado con el propósito de coronar al duque de Orleans (aunque otros autores señalan que los orleanistas no estaban a favor de la "noble igualdad" de la Revolución francesa, sino más bien lo contrario, que eran partidarios del Antiguo Régimen). O "sobre alas de gloria alza el pueblo, trono digno a su Gran Majestad", estrofa desaparecida en la versión definitiva. O "ya su trono dignísimo abrieron, las Provincias Unidas del Sur".


title: Himno Nacional Argentino

text: La música del himno experimentó en 1860 una modificación encomendada al músico Juan Pedro Esnaola, quien realizó una versión orquestada más rica desde el punto de vista armónico.


title: Himno Nacional Argentino

text: Tenido por Himno Nacional la Canción Patriótica de Vicente López y Planes, a través de un largo período de la nacionalidad fue interpretado de acuerdo con el texto original. Pero una vez desaparecido el furor de la contienda contra España, en aras de un acercamiento político con esta, debido a numerosas críticas por parte de representantes diplomáticos españoles, la canción nacional sufrió en su enunciado una modificación de forma en lo relativo a aquella parte que pudiera tener un concepto peyorativo para otros países.


title: Himno Nacional Argentino

text: Durante la segunda presidencia del general Julio Argentino Roca, el 30 de marzo de 1900 un decreto refrendado con la firma del Presidente de la Nación y de los ministros Luis María Campos, Emilio Civit, Martín Rivadavia, Felipe Yofre, José María Rosa y Martín García Merou disponía que:


title: Himno Nacional Argentino

text: Desaparecieron así las marciales referencias a "los bravos [argentinos] que unidos juraron su feliz libertad sostener, a esos tigres sedientos de sangre [los españoles] fuertes pechos sabrán oponer". También se quitó: "San José, San Lorenzo, Suipacha,ambas Piedras, Salta y Tucumán, la Colonia y las mismas murallas del tirano en la Banda Oriental/Son letreros eternos que dicen: Aquí el brazo argentino triunfó, aquí el fiero opresor de la Patria [el soldado español] su cerviz orgullosa dobló".


title: Himno Nacional Argentino

text: En 1813, la Asamblea General Constituyente que regía la actual República Argentina encargó a Blas Parera la composición de lo que sería la Marcha Patriótica, con letra de Alejandro Vicente López y Planes.


title: Himno Nacional Argentino

text: En 1860 Juan Pedro Esnaola realizó algunos cambios a la música basándose en anotaciones manuscritas del compositor.


title: Himno Nacional Argentino

text: El 2 de agosto de 1924 el presidente de la Nación Marcelo T. de Alvear creó una comisión constituida por Floro Ugarte, Carlos López Buchardo y José André, para componer una versión oficial del Himno Nacional. Gracias al hallazgo de una partitura en el Museo Histórico Nacional atribuida a Blas Parera, a la cual la comisión introdujo arreglos, se pudo estrenar al público en el Teatro Colón el 25 de mayo de 1927. Sin embargo, debido a las críticas que trajo el "nuevo himno", por medio de un decreto de septiembre de 1928 Alvear armó una nueva comisión, en donde se aconsejó hacer una versión más fiel a la de Juan Pedro Esnaola. Hoy en día, la versión vigente del Himno corresponde a la transcripción realizada por Luis Lareta, que se ajusta a lo acordado el 25 de septiembre de 1928 por el Poder Ejecutivo de la Nación. Ya en 1900 se había reglamentado por decreto del Poder Ejecutivo utilizar una versión reducida de la marcha para actos oficiales y públicos.


title: Himno Nacional Argentino

text: Por el decreto número 10.302 del 24 de abril de 1944, esta Marcha fue aprobada como el Himno Nacional Argentino.


title: Himno Nacional Argentino

text: La letra que se corresponde con la versión original del Himno Nacional del año 1813 es mucho más larga que la actual debido a su reducción a partir del año 1900.


title: Himno Nacional Argentino

text: La primera versión que se publicó tenía errores atribuibles a la imprenta.


title: Himno Nacional Argentino

text: Además de errores de ortografía ("imbasor" en vez de "invasor" en la versión impresa, pero no en el manuscrito), un error particularmente llamativo en la luz de conflictos posteriores fue "Buenos--Aires se "opone" a la frente de los pueblos ..." en lugar de "... se "pone" a la frente ..." de la versión original.


title: Himno Nacional Argentino

text: A continuación, una transcripción de la versión del 14 de mayo:


title: Himno Nacional Argentino

text: A partir del año 1900, oficialmente se interpreta solo la primera cuarteta de la primera estrofa, la última cuarteta de la novena y el coro final del Himno Nacional Argentino.


title: Himno Nacional Argentino

text: En las tierras de Catamarca, La Rioja y Santiago del Estero (desde por lo menos la década de 1950) se interpreta una introducción cantada cuya letra no es parte de la original. En ella, los acordes iniciales, que en la versión oficial no se cantan, son acompañados por la siguiente letra:


title: Himno Nacional Argentino

text: Si bien en un primer momento se la consideró de autor anónimo, una investigación posterior reveló que esta letra fue escrita por Antonio Dellepiane en 1929 como parte de un estudio histórico y artístico sobre el himno nacional.  Al respecto algunos autores han criticado esta letra por considerarla contraria al estilo y espíritu del himno original, ajena a su concepción musicológica y cercana a la ideología del nacional catolicismo.


title: Himno Nacional Argentino

text: El músico argentino Charly García publicó una versión del Himno en su sexto álbum de estudio en solitario, "Filosofía barata y zapatos de goma", de 1990. Todas las canciones fueron grabadas en ese mismo año. El álbum fue producido por García y Joe Blaney.


title: Himno Nacional Argentino

text: La versión del disco causó polémica y en su momento fue descripta como "antipatriotica" por algunos medios y/o periodistas, y García debió sortear un juicio por «ofensa a los símbolos patrios». Finalmente, la versión terminó siendo autorizada por los tribunales.


title: Himno Nacional Argentino

text: Actualmente la canción es considerada un clásico bastante recordado en la carrera de García, y suele ser incluida en algunas estaciones de radio FM (sobre todo las dedicadas al rock nacional/argentino) como cierre musical de la jornada -o para indicar el comienzo de la trasnoche radial- a la medianoche (00 hs), en lugar de la versión oficial del Himno Argentino.


title: Química técnica

text: La química técnica o ingeniería química, se ocupa de los aspectos relativos a: de instalaciones y procesos industriales que dependan en su totalidad o en parte de un proceso químico.


title: Ácido tartárico

text: El ácido tartárico o ácido tártrico es un compuesto orgánico polifuncional, cuyo grupo funcional principal es el carboxilo (ácido carboxílico). Su fórmula es: HOOC-CHOH-CHOH-COOH, con fórmula molecular CHO. Nombrado por la IUPAC como ácido 2,3-dihidroxibutanodioico. Su peso molecular es 150 g/mol.


title: Ácido tartárico

text: Contiene, por tanto, dos grupos carboxílicos y dos grupos alcohol en una cadena de hidrocarburo lineal de longitud cuatro.


title: Ácido tartárico

text: El ácido tartárico tiene una gran importancia histórica ya que fue la primera molécula quiral cuyo racemato se separó en los dos enantiómeros correspondientes. A nivel de curiosidad, al racemato del ácido tartárico se le llama también ácido racémico. Esta denominación no es común, dado que las sales del ácido racémico se llamarían racematos, dando lugar a confusiones, pues un racemato de alquilo sería un racemato, pero se sabe que no todos los racematos son racematos de alquilo. Por ejemplo, el ácido manguélico es un racemato y deriva del ácido racémicoide.


title: Ácido tartárico

text: Este ácido tartárico, presente en muchas plantas y la tierra, era ya conocido por los griegos y los romanos. Se encuentra en la uva en forma libre y combinada (bitartrato de potasio), siendo uno de los componentes característicos y distintivos de esta fruta. Fue aislado por primera vez el año 1769 por el químico sueco Carl Wilhelm Scheele. Posee un pK de 3.036, se considera un ácido débil.


title: Ácido tartárico

text: Luis Pasteur, en su primera contribución importante a la ciencia descubrió el dimorfismo del ácido tartárico, al observar al microscopio que el ácido racémico presentaba dos tipos de cristal, con simetría especular, contradiciendo los descubrimientos del entonces químico de primera categoría Mitscherlich. Este descubrimiento lo realizó cuando contaba con poco más de 20 años de edad. De esta forma se descubrió las formas dextrógiras y levógiras que desviaban el plano de polarización de la luz con el mismo ángulo pero en sentido contrario.


title: Ácido tartárico

text: El ácido tartárico es un acidificante y conservante natural (E-334). En la industria enológica puede usarse como corrector de la acidez del vino. Se utiliza a escala industrial, en la preparación de bebidas efervescentes como gaseosas.


title: Ácido tartárico

text: También se utiliza en fotografía y barnices y una variante conocida como "sal de Rochelle" (tartrato de sodio y potasio) constituye un suave laxante.


title: Ácido tartárico

text: En algunas de sus formas, (bitartrato de potasio) se usa como condimento para la comida, donde se conoce como "cremor tártaro". Se utiliza en diversas recetas, especialmente en repostería y confitería para aumentar el volumen de masas y preparaciones haciéndolo reaccionar con bicarbonato para obtener un de fermentación; se usa también para estabilizar claras de huevo además de poder realizar merengue y pasteles como pastel del Diablo.


title: Ácido tartárico

text: Así mismo, el ácido tartárico se puede utilizar en gravimetría como agente precipitante de diversos elementos como el potasio, el sodio, el magnesio, el estroncio o el tántalo.


title: Ácido tartárico

text: El ácido tartárico tiene uso como agente resolvente de racematos, así como en la purificación a nivel enantiomérico de compuestos con centro estereogénicos. En estos casos, estos racematos o compuestos susceptibles de ser enriquecidos a nivel de pureza enantiomérica con el ácido tartárico, deben tener puntos básicos (el más típico es una amina), para que el ácido tartárico correspondiente pueda formar una sal de tartrato de amonio, que sea cristalizable y aislable por filtración, y así enriquecer o resolver el pertinente compuesto quiral.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Serguéi Vasílievich Rajmáninov (en ruso: Серге́й Васи́льевич Рахма́нинов; Semiónov, Imperio ruso; -Beverly Hills, 28 de marzo de 1943) fue un compositor, pianista y director de orquesta ruso, uno de los últimos grandes compositores posrománticos europeos y considerado uno de los pianistas más influyentes del .


title: Serguéi Rajmáninov

text: Nacido en una familia de músicos, Rajmáninov comenzó a tocar el piano a los cuatro años. Se graduó en el Conservatorio de Moscú en 1892 y ya había compuesto varias piezas para piano y orquestales. En 1897, después de la reacción crítica negativa a su "Sinfonía n.º 1", entró en una depresión de cuatro años y compuso poco hasta que la exitosa terapia le permitió completar su "Concierto para piano n.º 2", recibido con entusiasmo en 1901. Durante los siguientes dieciséis años, dirigió en el Teatro Bolshói, se mudó a Dresde y realizó su primera gira por Estados Unidos.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Tras la Revolución rusa, Rajmáninov y su familia abandonaron Rusia; en 1918, se establecieron en los Estados Unidos, primero en la ciudad de Nueva York. Con su principal fuente de ingresos provenientes del piano y la realización de actuaciones, los exigentes horarios de las giras llevaron a una reducción en su tiempo para la composición. Entre 1918 y 1943, completó solo seis obras, entre las que se incluyen "Rapsodia sobre un tema de Paganini", la "Tercera Sinfonía" y "Danzas sinfónicas". En 1942, su mala salud lo llevó a mudarse a Beverly Hills. Un mes antes de su muerte por melanoma avanzado, obtuvo la ciudadanía estadounidense.


title: Serguéi Rajmáninov

text: En la obra de Rajmáninov, las influencias tempranas de Piotr Ilich Chaikovski, Nikolái Rimski-Kórsakov, Mili Balákirev, Modest Músorgski y otros compositores rusos dieron paso a un estilo personal notable por su melodismo, expresividad y ricos colores orquestales. Solía incluir a menudo el piano en sus composiciones y exploró las posibilidades expresivas del instrumento a través de sus propias habilidades como pianista.


title: Serguéi Rajmáninov

text: La familia Rajmáninov pertenecía a la aristocracia rusa. En su primera genealogía conocida, recopilada en 1680 por Perfili Rajmáninov, la familia deriva su propio origen de los gobernantes moldavos Dragoshi, que dirigieron Moldavia y Valaquia de 1350 a 1552. El apellido se remonta a la década de 1400 cuando Yelena, la hija de Esteban IV de Moldavia, se casó con el hijo mayor de Iván III de Rusia, Gran Príncipe de Moscú. Un hijo llamado Vasili fue apodado «Rajmanin», que significa «perezoso» en ruso antiguo. La familia de Rajmáninov tenía fuertes inclinaciones musicales y militares. Su abuelo paterno, Arkadi Aleksándrovich, era un músico que había recibido lecciones del compositor irlandés John Field. Su padre, Vasili Arkádievich Rajmáninov (1841-1916), era un oficial del ejército y pianista aficionado que se casó con Liubov Petrovna Butakova (1853-1929), la hija de un adinerado general del ejército que le dio cinco propiedades como parte de su dote. La pareja tuvo tres hijos y tres hijas, y Serguéi fue el cuarto de ellos.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Serguéi Vasílievich Rajmáninov nació el . No está claro en cuál de las dos propiedades familiares nació: Oneg, cerca de Veliki Nóvgorod, o Semiónov, cerca de Stáraya Rusa (óblast de Nizhni Nóvgorod, Imperio ruso). Su nacimiento se registró en una iglesia en esta última, pero se crio en Oneg hasta los nueve años y lo citó como su lugar de nacimiento en su vida adulta. Empezó a recibir clases de piano y música organizadas por su madre a los cuatro años. Ella notó su capacidad para reproducir pasajes de memoria sin equivocarse en ninguna nota. Al escuchar las noticias del don del niño, Arkadi sugirió que contratara a Anna Ornátskaya, maestra y recién graduada del Conservatorio de San Petersburgo, para que viviera con la familia y comenzara la enseñanza formal. Rajmáninov dedicó su composición para piano «Aguas primaverales» de "12 Romances", op. 14 a Ornátskaya.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Su padre tuvo que subastar la propiedad de Oneg en 1882 debido a su mala gestión financiera; de las cinco propiedades de la familia al final solamente quedó una. Rajmáninov se mantuvo crítico con su padre posteriormente y lo describió como «un derrochador, un jugador compulsivo, un mentiroso patológico y un cazador de faldas». La familia se mudó a un pequeño apartamento en San Petersburgo. En 1883, Ornátskaya dispuso que Rajmáninov, con 10 años, estudiara música en el Conservatorio de San Petersburgo. Ese mismo año, su hermana Sofía murió de difteria y su padre abandonó a la familia y se fue a Moscú. Su abuela materna intervino para ayudar a criar a los niños con un enfoque particular en su vida espiritual y llevó regularmente a Rajmáninov a los servicios de la Iglesia ortodoxa de Rusia, donde descubrió los cantos litúrgicos y campanas de la iglesia, dos características que incorporó en sus futuras composiciones. En 1885, Rajmáninov sufrió una pérdida mayor cuando su hermana Yelena murió a los dieciocho años de anemia perniciosa. Ella era una importante influencia musical para Rajmáninov, que le había dado a conocer las obras de Piotr Ilich Chaikovski. Como descanso, su abuela lo llevó a un retiro en una granja junto al río Vóljov, donde Rajmáninov desarrolló su amor por el remo. Sin embargo, en el Conservatorio, adoptó una actitud relajada y suspendió sus clases de educación general, y modificó deliberadamente sus boletines de calificaciones en lo que el compositor Nikolái Rimski-Kórsakov denominó un período de «autoengaño y pereza puramente ruso». Rajmáninov actuó en los eventos que se llevaron a cabo en el Conservatorio de Moscú durante este tiempo, incluidos aquellos a los que asistió el gran duque Constantino y otras figuras notables, pero al suspender sus exámenes de primavera, Ornátskaya notificó a su madre que su admisión a la educación superior podría ser revocada. Su madre luego consultó con Aleksandr Ziloti, su sobrino y un consumado pianista y alumno de Franz Liszt, quien le recomendó que lo trasladaran al Conservatorio de Moscú y recibiera lecciones de su antiguo maestro, el más estricto Nikolái Zvérev, que duraron hasta 1888.


title: Serguéi Rajmáninov

text: En el otoño de 1885, Rajmáninov se mudó con Zvérev y permaneció casi cuatro años, durante los cuales se hizo amigo de su compañero Aleksandr Skriabin. Después de dos años de clases, Rajmáninov, de quince años, recibió una beca Rubinstein y se graduó en la división inferior del Conservatorio para convertirse en alumno de Ziloti en piano avanzado, de Serguéi Tanéyev en contrapunto y de Antón Arenski en composición libre. En 1889, Rajmáninov y Zvérev, en ese momento su asesor, rompieron relaciones después de que Zvérev rechazara la solicitud de ayuda de Serguéi para alquilar un piano y de tener mayor privacidad para componer. Zvérev creía que la composición era un desperdicio para los pianistas talentosos, se negó a hablar con él durante un tiempo y lo organizó para que viviera con su tío y su tía Satin y su familia en Moscú. Rajmáninov luego encontró su primer romance en Vera, la hija menor de la familia vecina Skalon, pero su madre se opuso y prohibió a Rajmáninov que le escribiera, aunque le permitió mantener correspondencia con su hermana mayor, Natalia. A partir de estas cartas se pueden rastrear muchas de sus primeras composiciones. Rajmáninov pasó sus vacaciones de verano de 1890 con los Satin en su finca privada llamada Ivanovka, cerca de Tambov, a la que él volvería muchas veces hasta 1917. El entorno tranquilo y bucólico de la finca se convirtió en una fuente de inspiración para él y allí completó muchas composiciones, incluida su op. 1, el "Concierto para piano n.º 1" de julio de 1891, que dedicó a Ziloti. También ese año, completó la "Sinfonía Juvenil" de un solo movimiento y el poema sinfónico "Príncipe Rostislav". En 1891, Ziloti dejó el Conservatorio de Moscú después de que el año académico terminara y Rajmáninov pidió realizar sus exámenes finales de piano un año antes de lo que le correspondía para evitar que se le asignara un maestro diferente. A pesar de la poca fe de Ziloti y del director del Conservatorio, Vasili Safónov, ya que sólo tenía tres semanas de preparación, Rajmáninov recibió ayuda de un recién graduado que estaba familiarizado con las pruebas y las aprobó con honores el 24 de mayo de ese año. Tres días después, aprobó sus exámenes anuales de teoría y composición. El progreso se detuvo inesperadamente en la segunda mitad del año cuando contrajo un caso grave de malaria durante sus vacaciones de verano en Ivankova. Durante su último año en el Conservatorio, realizó su primer concierto independiente, donde estrenó su "Trio élégiaque n.º 1" en febrero de 1892, seguido de una presentación del primer movimiento de su "Concierto para piano n.º 1" un mes después. También aceptaron su petición de realizar sus exámenes finales de teoría y composición un año antes, por lo que escribió "Aleko", una ópera de un acto basada en el poema narrativo "Los gitanos" de Aleksandr Pushkin, en diecisiete días. Se estrenó en mayo de 1892 en el Teatro Bolshói al que asistió Piotr Ilich Chaikovski y elogió a Rajmáninov por su trabajo. Rajmáninov creía que era «seguro que fallaría», pero la producción tuvo tanto éxito que el teatro acordó producirla con el cantante Fiódor Chaliapin, que se convertiría en amigo suyo para toda la vida. "Aleko" otorgó a Rajmáninov la calificación más alta en el Conservatorio y una Gran Medalla de Oro, una distinción que sólo se había otorgado anteriormente a Tanéyev y Arseni Koreshchenko. Zvérev, miembro del comité de examen, le dio al compositor su reloj de oro, lo que terminó con años de distanciamiento. El 29 de mayo de ese año, el Conservatorio le otorgó un diploma que le permitió definirse oficialmente como un «artista libre».


title: Serguéi Rajmáninov

text: Al graduarse, continuó componiendo y firmó un contrato de publicación de 500 rublos con Gutheil, en virtud del cual "Aleko", "Dos piezas" (op. 2) y "Seis canciones" (op. 4) se encontraron entre sus primeras obras publicadas. El compositor había ganado previamente 15 rublos al mes impartiendo clases de piano. Pasó el verano de 1892 en la finca de Ivan Konavalov, un rico terrateniente en el Óblast de Kostromá, y regresó con los Satin al distrito de Arbat. Como Gutheil no le pagaba hizo que buscara otras fuentes de ingresos, lo que le llevó a un compromiso en la Exposición Eléctrica de Moscú en septiembre de 1892, su debut público como pianista, donde estrenó su emblemático «Preludio en do sostenido menor» de su composición para piano "Morceaux de fantaisie" (op. 3). Le pagaron 50 rublos por su actuación. Tuvo una buena acogida y se convirtió en una de sus piezas más perdurables. En 1893, completó su poema sinfónico "La Roca", dedicado a Nikolái Rimski-Kórsakov.


title: Serguéi Rajmáninov

text: En 1893, pasó un verano productivo con amigos en una finca en el óblast de Járkov, donde compuso varias piezas, entre ellas "Fantaisie-Tableaux" (también conocida como "Suite n.º 1", op. 5) y "Morceaux de Salon" (op. 10). En septiembre, publicó "Seis canciones" (op. 8), un grupo de canciones ambientadas en traducciones de Alekséi Pleshchéiev de poemas ucranianos y alemanes. Regresó a Moscú, donde Chaikovski acordó dirigir "La Roca" para una próxima gira europea. Durante su posterior viaje a Kiev para dirigir actuaciones de "Aleko", Rajmáninov se enteró de la muerte de Chaikovski a causa del cólera. La noticia lo dejó aturdido y ese mismo día comenzó a trabajar en su "Trio élégiaque n.º 2" para piano, violín y violonchelo como tributo, que completó en un mes. El aura de melancolía de la música revela la profundidad y la sinceridad de la pena de Rajmáninov por su ídolo. La pieza debutó en el primer concierto dedicado a sus composiciones el 31 de enero de 1894.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Rajmáninov entró en un declive tras la muerte de Chaikovski. Carecía de la inspiración para componer y la dirección del Teatro Bolshói había perdido interés en exhibir "Aleko" y la había eliminado del programa. Para ganar dinero, volvió a dar clases de piano y, a finales de 1895, acordó una gira de tres meses por Rusia con un programa compartido por la violinista italiana Teresina Tua. La gira no le agradó y se retiró antes de que terminara, sacrificando así sus honorarios de interpretación. Ante la desesperada necesidad económica, empeñó el reloj de oro que Zvérev le había dado. Antes de que comenzara la gira, en septiembre de 1895, completó su "Primera Sinfonía" (op. 13), una obra concebida en enero y basada en los cánticos que había escuchado en los servicios de la Iglesia ortodoxa rusa. Había trabajado tan duro en ello que no pudo volver a la composición hasta que escuchó la pieza interpretada. No pudo volver a componer hasta octubre de 1896, cuando le robaron «una suma bastante grande de dinero» que no era suya durante un viaje en tren y tuvo que trabajar para recuperar las pérdidas. Entre las piezas que escribió se encuentran "Six Choruses" (op. 15) y "Six Moments Musicaux" (op. 16), su última composición completada durante esos meses de depresión. Su suerte dio un giro después del estreno de su "Sinfonía n.º 1", el 28 de marzo de 1897, en una de las series de Conciertos sinfónicos rusos dedicados a la música rusa. Había estado considerablemente nervioso antes de la actuación y la pasó escondido en una escalera tras el escenario. El crítico y compositor nacionalista César Cui vituperó brutalmente la pieza y la comparó con una representación de las Diez plagas de Egipto, sugiriendo que sería admirada por los «confinados» de un conservatorio de música en el infierno. Las deficiencias de la actuación, dirigidas por Aleksandr Glazunov, no fueron comentadas por otros críticos, pero según una memoria de Aleksandr Ossovski, un amigo cercano de Rajmáninov, Glazunov hizo un mal uso del tiempo de ensayo y del programa del concierto en sí, que contenía otros dos estrenos. Otros testigos sugirieron que Glazunov, un alcohólico, pudo haber estado bebido, aunque Rajmáninov nunca lo insinuó. Después de la reacción a su primera sinfonía, Rajmáninov escribió en mayo de 1897 que su falta de éxito o reacción crítica «no me afecta en absoluto», pero que estaba «profundamente angustiado y muy deprimido por el hecho de que mi "Sinfonía"... no me complace en absoluto después de su primer ensayo». Pensaba que su actuación fue pobre, particularmente la contribución de Glazunov. La pieza no se interpretó durante el resto de su vida, pero la modificó en un arreglo para piano a cuatro manos en 1896.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Cayó en una profunda depresión que duró tres años, durante los cuales tuvo un bloqueo del escritor y casi no compuso nada. Describió esta etapa «como el hombre que había sufrido un derrame cerebral y durante mucho tiempo había perdido el uso de su cabeza y sus manos». Se ganaba la vida dando clases de piano. Savva Mámontov, un industrial ruso y fundador de la Compañía de Ópera Privada de Moscú, ofreció a Rajmáninov el puesto de asistente de director para la temporada 1897-1898. El 12 de octubre de 1897, el compositor, con escasez de fondos, aceptó la dirección de "Sansón y Dalila" de Camille Saint-Saëns como su primera ópera. A finales de febrero de 1899, Rajmáninov intentó componer y completó dos piezas cortas para piano, "Morceau de Fantaisie" y "Fughetta en fa mayor". Dos meses más tarde, viajó a Londres por primera vez para actuar y dirigir y obtuvo críticas positivas.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Durante su tiempo como director en Moscú, estuvo comprometido con Natalia Satina. Sin embargo, la Iglesia ortodoxa rusa y los padres de Satina se opusieron a su anuncio, lo que frustró sus planes de matrimonio. Su depresión empeoró a finales de 1899 tras un verano improductivo; compuso una canción, «Destino», que luego se convirtió en una de sus "Doce canciones" (op. 21), y no realizó las composiciones para una visita propuesta de regreso a Londres. En un intento por reavivar su deseo de componer, su tía arregló que el escritor León Tolstói, a quien Rajmáninov admiraba mucho, hiciera que el compositor visitara su hogar y recibiera palabras de aliento. La visita no tuvo éxito y no hizo nada para ayudarlo a componer con la fluidez que tenía antes.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Para 1900, Rajmáninov se había vuelto tan autocrítico que, a pesar de los numerosos intentos, componer se había vuelto casi imposible. Su tía luego sugirió ayuda profesional, después de haber recibido un tratamiento exitoso de un amigo de la familia, médico y músico aficionado Nikolái Dahl, al cual Rajmáninov estuvo de acuerdo sin oponer resistencia. Entre enero y abril de 1900, se sometió a sesiones de hipnoterapia y psicoterapia con Dahl a diario, específicamente estructuradas para mejorar sus patrones de sueño, estado de ánimo y apetito, y reavivar su deseo de componer. Ese verano, sintió que «comenzaron a surgir nuevas ideas musicales» y reanudó con éxito la composición. Su primera obra completa, el "Concierto para piano n.º 2", la terminó en abril de 1901 y se la dedicó a Dahl. Después del segundo y tercer movimiento estrenados en diciembre de 1900 con Rajmáninov como solista, la pieza completa se interpretó por primera vez en 1901 y fue recibida con entusiasmo. Le valió al compositor un premio Glinka, el primero de los cinco que se le otorgaron a lo largo de su vida, y un premio de 500 rublos en 1904. En medio del éxito de su carrera profesional, Rajmáninov se casó con Natalia Satina el 12 de mayo de 1902 después de un compromiso de tres años. Debido a que eran primos hermanos, el matrimonio estaba prohibido bajo una ley canónica impuesta por la Iglesia ortodoxa rusa. Además, el compositor no era un asistente regular a la iglesia y evitaba la confesión, dos cosas que un sacerdote habría tenido que confirmar que hacía al firmar un certificado de matrimonio. Para eludir la oposición de la Iglesia, la pareja utilizó sus antecedentes militares y organizó una pequeña ceremonia en una capilla del cuartel del ejército de un suburbio de Moscú con Ziloti y el violonchelista Anatoli Brandukov como testigos. Recibieron la más pequeña de las dos casas en la finca Ivanovka como regalo y pasaron una luna de miel de tres meses por toda Europa. A su regreso, se establecieron en Moscú, donde tuvieron dos hijas, Irina Sergeievna Rajmáninova (1903-1969) y Tatiana Sergeievna Rajmáninova (1907-1961). Rajmáninov volvió a trabajar, como profesor de música en el Colegio Femenino Santa Ekaterina y en el Instituto Elizaveta. En febrero de 1903 había completado la composición de piano más grande de su carrera en ese momento, las "Variaciones sobre un tema de Chopin" (op. 22). Se interrumpió el desarrollo de otras piezas después de que Natalia, Irina y él se vieran afectados por una enfermedad durante sus vacaciones de verano en Ivanovka.


title: Serguéi Rajmáninov

text: En 1904, en un cambio de carrera, Rajmáninov acordó convertirse en el director de orquesta en el Teatro Bolshói durante dos temporadas. Se ganó una reputación contradictoria durante su tiempo en el cargo, impuso una estricta disciplina y exigió altos estándares de desempeño. Influido por Richard Wagner, fue pionero en el arreglo moderno de los músicos de orquesta en el foso y la costumbre moderna de estar de pie mientras dirigía. También trabajaba con cada solista por su parte, incluso acompañándolos al piano. El teatro acogió el estreno de sus óperas "El caballero avaro" y "Francesca da Rimini".


title: Serguéi Rajmáninov

text: En el transcurso de su segunda temporada como director de orquesta, perdió interés en su puesto. El malestar social y político que rodearon a la Revolución de 1905 comenzaron a afectar a los artistas y al personal del teatro, quienes organizaron protestas y demandas de mejores condiciones y salarios. Rajmáninov seguía sin estar interesado en la política que lo rodeaba y el espíritu revolucionario hacía que las condiciones de trabajo fueran cada vez más difíciles. En febrero de 1906, después de realizar 50 actuaciones en la primera temporada y 39 en la segunda, Rajmáninov presentó su renuncia. Luego llevó a su familia a un largo viaje por Italia con la esperanza de completar nuevas obras, pero la enfermedad golpeó a su esposa e hija y regresaron a Ivanovka. Pronto volvieron los problemas económicos después de la renuncia de Rajmáninov de sus puestos en las escuelas de Santa Ekaterina y Elizaveta, lo que le dejó sólo la opción de componer.


title: Serguéi Rajmáninov

text: En noviembre de 1906, Rajmáninov y su familia, cada vez más descontentos con la agitación política en Rusia y necesitando el aislamiento de su animada vida social para poder componer, se marcharon de Moscú a Dresde (Alemania). La ciudad se había convertido en la favorita de Rajmáninov y Natalia, ya que les presentaba un ambiente musical más vibrante y oportunidades favorables. La familia se quedó en Dresde hasta 1909 y sólo regresaron a Rusia para sus vacaciones de verano en Ivanovka. Durante una visita a Leipzig, entró en una galería de arte que albergaba "La isla de los muertos" de Arnold Böcklin. La pintura sirvió de inspiración para la obra orquestal del mismo nombre, op. 29. A pesar de los períodos ocasionales de depresión, apatía y poca fe en cualquiera de sus obras, Rajmáninov comenzó su "Sinfonía n.º 2" (op. 27) en 1906, doce años después del desastroso estreno de su primera sinfonía. Mientras la escribía, Rajmáninov y su familia regresaron a Rusia, pero el compositor se desvió a París para participar en la temporada de conciertos rusos de Serguéi Diáguilev en mayo de 1907. Su actuación como solista en su "Concierto para piano n.º 2" con una repetición de su «Preludio en do sostenido menor» fue un éxito triunfal. Recuperó su autoestima tras la entusiasta reacción al estreno de su "Segunda Sinfonía" a principios de 1908, que le valió su segundo Premio Glinka y mil rublos en metálico.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Durante su estancia en Dresde, acordó actuar y dirigir en Estados Unidos como parte de la temporada de conciertos 1909-1910 con el director Max Fiedler y la Orquesta Sinfónica de Boston. Pasó un tiempo durante los descansos en Ivanovka terminando una nueva pieza especialmente para la visita, su "Concierto para piano n.º 3" (op. 30), que dedicó a Józef Hofmann. En la gira, el compositor realizó 26 presentaciones, 19 como pianista y 7 como director, lo que marcó sus primeros recitales sin otro intérprete en el programa. Su primera aparición fue en el Smith College en Northampton (Massachusetts), el 4 de noviembre de 1909. La segunda interpretación del "Concierto para piano n.º 3" de la Orquesta Sinfónica de Nueva York la dirigió Gustav Mahler en la ciudad de Nueva York, con el compositor como solista, una experiencia que él personalmente atesoraba. Aunque la gira aumentó la popularidad del compositor en Estados Unidos, rechazó las ofertas posteriores, incluida la de director de la Orquesta Sinfónica de Boston, debido a la cantidad de tiempo lejos de Rusia y su familia. A su regreso a casa en febrero de 1910, Rajmáninov se convirtió en vicepresidente de la Sociedad Musical Imperial Rusa, cuyo presidente era miembro de la familia real. Más tarde, en 1910, completó su obra coral "Liturgia de San Juan Crisóstomo" (op. 31), pero se le prohibió la presentación, ya que no seguía el formato de un servicio litúrgico típico de la Iglesia. Lo nombraron director permanente de la Sociedad Filarmónica de Moscú durante dos temporadas entre 1911 y 1913, lo que ayudó a elevar su perfil y aumentar la cantidad de espectadores e ingresos. En 1912, abandonó la SMIR cuando supo que habían despedido a un músico en un puesto administrativo por ser judío.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Poco después de su renuncia, un agotado Rajmáninov buscó tiempo para la composición y llevó a su familia de vacaciones a Suiza. Se fueron después de un mes a Roma para una visita que se convirtió en un período particularmente tranquilo e influyente para el compositor, quien vivía solo en un pequeño apartamento en la Plaza de España mientras su familia se hospedaba en una pensión. Mientras estaba allí, recibió una carta anónima que contenía una traducción al ruso de Konstantín Balmont del poema de Edgar Allan Poe "Las campanas", que le conmovió mucho, y comenzó a trabajar en su sinfonía coral del mismo título, op. 35, basada en él. Este período de composición terminó abruptamente cuando sus hijas contrajeron casos graves de fiebre tifoidea y fueron atendidas en Berlín debido a la mayor confianza de su padre en los médicos alemanes. Después de seis semanas, la familia regresó a su piso de Moscú. El compositor dirigió "Las campanas" en su estreno en San Petersburgo a finales de 1913.


title: Serguéi Rajmáninov

text: En enero de 1914, comenzó una gira de conciertos por Inglaterra que fue recibida con entusiasmo. Tenía demasiado miedo de viajar solo después de la muerte de Raoul Pugno de un ataque cardíaco inesperado en su habitación de hotel, ya que temía un destino similar. Después del estallido de la Primera Guerra Mundial ese mismo año, su puesto de Inspector de Música en la Escuela Secundaria de Nobleza para niñas lo puso en el grupo de funcionarios del gobierno que le impedía unirse al ejército, pero el compositor hizo donaciones caritativas regulares para el esfuerzo de la guerra. En 1915, completó su segunda gran obra coral, "Las vísperas" (op. 37), después de asistir a una actuación de la "Liturgia de San Juan Crisóstomo" y se sintió decepcionado con ella. Tras pasar dos semanas escribiendo la "Vigilia de toda la noche", envió la partitura a Serguéi Tanéyev para corregir y enmendar errores en su polifonía, pero se la devolvió sin cambios. Fue tan calurosamente recibida en su estreno de Moscú para ayudar a aliviar la guerra que se programaron rápidamente cuatro actuaciones posteriores.


title: Serguéi Rajmáninov

text: La muerte de Skriabin en abril de 1915 fue una tragedia para Rajmáninov, quien realizó una gira de recitales de piano dedicada a las composiciones de su amigo para recaudar fondos para la viuda, que tenía problemas económicos. Fueron sus primeras actuaciones públicas de obras distintas a las suyas. Durante unas vacaciones en Finlandia ese verano, se enteró de la muerte de Tanéyev, una pérdida que lo afectó enormemente. Al final del año, había terminado sus "14 Romances" (op. 34), cuya sección final, «Vocalise», se convirtió en una de sus canciones más populares.


title: Serguéi Rajmáninov

text: El día en que comenzó la Revolución de Febrero de 1917 en San Petersburgo, Rajmáninov realizó un recital de piano en Moscú en ayuda de los soldados rusos heridos que habían luchado en la guerra. Dos meses más tarde, visitó Ivanovka, donde encontró la casa en un caos después de que un grupo de miembros del Partido Social-Revolucionario se apoderara de ella como propiedad comunal propia. A pesar de haber invertido la mayor parte de sus ganancias en la finca, Rajmáninov se fue después de tres semanas y prometió no volver nunca. Pronto las autoridades comunistas la confiscaron y quedó abandonada.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Después de una pausa en agosto con su familia en la más pacífica Crimea, actuó en la cercana Yalta el 5 de septiembre, el que iba a ser su último concierto en Rusia. A su regreso a Moscú, la tensión política que rodeaba a la Revolución de Octubre hizo que el compositor mantuviera a su familia a salvo en el interior de casa con la mayor frecuencia posible y participara en una cooperativa en su edificio de apartamentos, asistiera a las reuniones de los comités y realizara tareas de guardia civil por la noche. Completó las revisiones de su "Concierto para piano n.º 1" entre disparos y manifestaciones al aire libre. En medio de tal confusión, recibió una oferta inesperada para realizar diez recitales de piano en Escandinavia, lo cual aceptó de inmediato y lo usó como excusa para obtener rápidamente los permisos para que su familia saliera del país. El 22 de diciembre de 1917, la familia salió de San Petersburgo en tren hacia la frontera con Finlandia, desde donde viajaron a través del país en un trineo abierto y en tren hasta Helsinki. Transportando lo que pudieron empacar en sus pequeñas maletas, el compositor se llevó unos cuadernos con bocetos de composiciones y partituras para el primer acto de su ópera inconclusa "Monna Vanna" y la ópera de Rimski-Korsákov "El gallo de oro". Llegaron a Estocolmo (Suecia) el 24 de diciembre. En enero de 1918, se trasladaron a Copenhague (Dinamarca) y, con la ayuda del amigo y compositor Nikolai von Struve, se instalaron en la planta baja de una casa. Endeudado y necesitado de dinero, Rajmáninov, de 44 años, eligió actuar como su principal fuente de ingresos, ya que una carrera exclusivamente en composición era demasiado restrictiva. Su repertorio de piano era pequeño, lo que motivó el inicio de la práctica regular de su técnica y el aprendizaje de nuevas piezas para tocar. Realizó una gira entre febrero y octubre de ese año. Durante su gira escandinava, recibió tres ofertas de Estados Unidos: convertirse en director de la Orquesta Sinfónica de Cincinnati durante dos años, dirigir 110 conciertos en 30 semanas para la Orquesta Sinfónica de Boston y dar 25 recitales de piano. Las rechazó todas, preocupado por tal compromiso en un país que apenas conocía y del que tenía pocos buenos recuerdos de su gira debut en 1909. Sin embargo, consideraba a Estados Unidos como una ventaja financiera, ya que no ganaría lo suficiente para sustentar a su familia sólo a través de la composición. No podía pagar los gastos de viaje, pero su suerte cambió cuando el banquero ruso y compañero emigrado Aleksandr Kamenka accedió a darle un préstamo por adelantado para el viaje. También recibió ayuda de amigos y admiradores, como el pianista Ignaz Friedman, que le dio 2000 dólares. El 1 de noviembre de 1918, la familia embarcó en el SS Bergensfjord en Oslo (Noruega) con destino a la ciudad de Nueva York y llegó once días después. La noticia de la llegada del compositor se extendió, lo que provocó que una multitud de músicos, artistas y seguidores se reunieran frente al hotel The Sherry-Netherland donde se hospedaba. Rajmáninov rápidamente se ocupó de los negocios y contrató a Dagmar Rybner, hija del profesor de música en la Universidad de Columbia, como su secretaria, intérprete y ayudante para lidiar con la vida estadounidense. Se reunió con Józef Hofmann, quien informó a varios directores de conciertos que el compositor estaba disponible y sugirió que Rajmáninov utilizara los servicios de Charles Ellis como su agente. El compositor estuvo de acuerdo y Ellis organizó 36 actuaciones para la temporada de conciertos de 1918-1919. El primero tuvo lugar el 8 de diciembre de 1918 en Providence (Rhode Island), con un recital de piano. Rajmáninov, todavía en recuperación de un caso de gripe española, incluyó su propio arreglo de «The Star-Spangled Banner» en el programa. Antes de la gira había recibido ofertas de numerosos fabricantes de pianos para hacer una gira con sus instrumentos, sin embargo, eligió Steinway, el único que no le ofreció dinero. La asociación de Steinway con el compositor continuó durante el resto de su vida.


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text: Con la temporada de conciertos terminada en abril de 1919, la familia se marchó a un descanso a San Francisco (California), donde el compositor se repuso y se preparó para la próxima temporada. Adoptó ese programa durante los siguientes años: actuaba en todo el país y después mantenía un período de descanso y práctica. Actuar le permitió ser financieramente solvente y él y su familia vivieron una vida de clase media alta con sirvientes, un cocinero y un chófer. Recrearon la atmósfera de su propiedad de Ivanovka en su casa de Nueva York, entretenían a los invitados rusos, empleaban a rusos y guardaban costumbres rusas. A pesar de que podía hablar algo de inglés, hizo traducir toda su correspondencia al ruso. Se permitió algún lujo, como trajes a medida de calidad y el último modelo de automóviles. En 1920, firmó un contrato de grabación con Victor Talking Machine Company, lo que le permitió obtener unos ingresos muy necesarios y comenzó una larga asociación con RCA. Durante unas vacaciones familiares en Goshen ese verano se enteró de la muerte accidental de von Struve, lo que llevó a Rajmáninov a fortalecer los lazos que tenía con los que todavía estaban en Rusia al llegar a un acuerdo con su banco para enviar dinero y paquetes de comida regularmente a sus familiares, amigos, estudiantes y los necesitados. A principios de 1921, solicitó documentación para visitar Rusia, la única vez que lo haría después de salir del país, pero el viaje se truncó tras su decisión de someterse a una cirugía para el dolor en la sien derecha. La operación no logró mitigar sus síntomas y sólo encontró alivio después de someterse a una intervención dental más tarde en esa misma década. Después de salir del hospital, compró un apartamento en 33 Riverside Drive en el Upper West Side de Manhattan, con vistas al río Hudson. Allí también mantuvo una atmósfera rusa observando las costumbres de su país natal, servía comida rusa y empleó a sirvientes rusos.


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text: Su primera visita a Europa desde que emigró a Estados Unidos ocurrió en mayo de 1922, con conciertos en Londres. Más tarde, la familia mantuvo una reunión con los Satin en Dresde, tras lo cual el compositor se preparó para una agitada temporada de conciertos de 1922 a 1923 de 71 actuaciones en cinco meses. Durante un tiempo, alquiló un vagón de tren que estaba equipado con un piano y pertenencias para ahorrar tiempo al hacer y deshacer las maletas. En 1924, rechazó una invitación para convertirse en director de la Orquesta Sinfónica de Boston. Al año siguiente, tras la muerte del marido de su hija Tatiana, fundó TAIR, una editorial parisina que lleva el nombre de sus hijas y especializada en obras suyas y de otros compositores rusos.


title: Serguéi Rajmáninov

text: Los exigentes horarios de las giras hicieron que la producción compositiva de Rajmáninov se ralentizara significativamente. Entre su llegada a Estados Unidos en 1918 y su muerte, completó sólo seis obras, salvo algunas revisiones de obras anteriores y transcripciones para piano para su repertorio de conciertos. El compositor admitió más tarde que al dejar Rusia, «dejé atrás mi deseo de componer: al perder mi país, me perdí también a mí mismo». En 1926, después de concentrarse en las giras durante los últimos ocho años, se tomó un año sabático y completó las dos primeras de sus últimas seis piezas, el "Concierto para piano n.º 4", que había comenzado en 1917, y "Tres canciones rusas", que dedicó a Leopold Stokowski. Buscó la compañía de otros músicos rusos y se hizo amigo del pianista Vladimir Horowitz en 1928. Horowitz siguió siendo un defensor de las obras en solitario de Rajmáninov y su "Concierto para piano n.º 3", sobre la que el propio compositor comentó públicamente después de una actuación en 1942: «Esta es la forma en la que siempre soñé que debería tocarse mi concierto, pero nunca esperé escucharla así en la Tierra»". En 1930, como hecho extraordinario, Rajmáninov permitió que el compositor italiano Ottorino Respighi orquestara piezas de sus "Études-Tableaux" op. 33 (1911) y op. 39 (1917), y dejó a Respighi la inspiración de las composiciones.


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text: De 1929 a 1931, Rajmáninov pasó sus veranos en Francia en Clairefontaine-en-Yvelines, cerca de Rambouillet, donde se reunió con sus compañeros emigrados rusos y sus hijas. En 1930, había recuperado su deseo de componer y buscó un nuevo lugar para escribir nuevas piezas. Compró un terreno en Suiza cerca de Hertenstein (Lucerna) y supervisó la construcción de su nueva casa, a la que llamó Villa Senar, al tomar las dos primeras letras de su nombre y el de su esposa, y agregar la «r» de su apellido. Pasó los veranos en Villa Senar hasta 1939, a menudo con sus hijas y nietos, con quienes participaba en una de sus actividades favoritas, conducir su lancha a motor en el lago Lucerna. En la comodidad de su propia villa, completó su "Rapsodia sobre un tema de Paganini" en 1934 y la "Tercera Sinfonía" en 1936.


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text: En 1931, Rajmáninov y varios otros firmaron un artículo en "The New York Times" que criticaba las políticas culturales de la Unión Soviética. La música del compositor sufrió un boicot en Rusia como resultado de la reacción violenta de la prensa soviética, que duró hasta 1933. En octubre de 1932, inició una exigente temporada de conciertos que constaba de 50 funciones. La gira marcó el cuadragésimo aniversario de su debut como pianista, por lo que varios de sus amigos rusos que en ese momento vivían en Estados Unidos le enviaron un pergamino y una corona de flores para celebrarlo. La frágil situación económica en Estados Unidos afectó a la gira y al compositor, que actuó con pocos llenos absolutos y perdió dinero en sus inversiones y acciones. La etapa europea en 1933 vio a Rajmáninov celebrar su sexagésimo cumpleaños entre compañeros músicos y amigos, después de lo cual se retiró a Villa Senar durante el verano. En mayo de 1934, se sometió a una operación menor y dos años más tarde se retiró a Aix-les-Bains en Francia durante un breve período para mejorarse de su artritis. Mientras visitaba Senar en 1937, inició conversaciones con el coreógrafo Michel Fokine sobre la puesta en escena de un ballet basado en música de Niccolò Paganini que iba a presentar su "Rapsodia" y que finalmente se estrenó en Londres en 1939 con la presencia de las hijas del compositor. En 1938, interpretó su "Concierto para piano n.º 2" en un concierto benéfico de jubileo en Londres para Henry Wood, fundador del Royal Albert Hall de Londres, la serie de conciertos Proms y admirador del compositor, que quería que fuera el único solista del espectáculo. Rajmáninov estuvo de acuerdo, siempre que la actuación no se transmitiera por radio, debido a su aversión por ese medio. El mismo concierto contó con el estreno de "Serenade to Music" de Ralph Vaughan Williams, en el que al oírlo, se observó a Rajmáninov llorar de emoción.


title: Serguéi Rajmáninov

text: En la temporada de conciertos de 1939-1940, Rajmáninov realizó menos actuaciones de lo habitual, con un total de 43 apariciones que fueron principalmente en Estados Unidos. La gira continuó con eventos por Inglaterra, después de los cuales visitó a su hija Tatiana en París y luego regresó a Villa Senar. No pudo actuar durante un tiempo después de resbalar en el piso de la villa y lesionarse. Se recuperó lo suficiente para actuar en el Festival Internacional de Música de Lucerna el 11 de agosto de 1939. Este fue su último concierto en Europa. Regresó a París dos días después, donde su esposa, sus dos hijas y él estuvieron juntos por última vez antes de que el compositor dejara una Europa dividida por la Segunda Guerra Mundial, el 23 de agosto. Rajmáninov apoyó el esfuerzo de guerra de la Unión Soviética contra la Alemania nazi durante el transcurso de la guerra y donó los ingresos de muchos de sus conciertos esa temporada en beneficio del Ejército Rojo. A su regreso a Estados Unidos, Rajmáninov actuó con la Orquesta de Filadelfia en la ciudad de Nueva York, con el director Eugene Ormandy, el 26 de noviembre y el 3 de diciembre de 1939, como parte de la serie especial de conciertos de la orquesta dedicada al compositor en celebración del trigésimo aniversario de su debut en el país. El propio compositor dirigió el concierto final el 10 de diciembre con su "Tercera Sinfonía" y "Las campanas", su primer puesto como director desde 1917. La temporada de conciertos lo dejó cansado, a pesar de denominarla «bastante exitosa», y pasó el verano descansando de una cirugía menor en Orchard's Point, una finca cerca de Huntington, en Long Island. Durante este período de descanso, completó su composición final, "Danzas sinfónicas" (op. 45). Es la única pieza que compuso en su totalidad mientras vivía en Estados Unidos. Ormandy y la Orquesta de Filadelfia estrenaron la pieza en enero de 1941, a la que asistió el compositor.


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text: En diciembre de 1939, Rajmáninov comenzó un extenso período de grabación que duró hasta febrero de 1942 e incluyó sus "Conciertos para piano n.º 1" y "n.º 3" y la "Tercera Sinfonía" en la Academia de Música de Filadelfia. A principios de la década de 1940, los realizadores de la película británica "Dangerous Moonlight" se acercaron al compositor para que escribiera una pieza corta parecida a un concierto para su uso en la película, pero él se negó. El trabajo fue para Richard Addinsell y el orquestador Roy Douglas, a quienes se les ocurrió el "Concierto de Varsovia". Asimismo, en 1941 revisó su "Concierto para piano n.º 4".


title: Serguéi Rajmáninov

text: A principios de 1942, su médico le recomendó que se trasladara a un clima más cálido para mejorar su salud tras padecer esclerosis, lumbalgia, neuralgia, presión arterial alta y dolores de cabeza. Después de completar sus últimas sesiones de grabación en estudio en febrero, el compositor y su esposa abortaron una mudanza a Long Island, ya que expresaron un mayor interés en trasladarse a California. Inicialmente, en mayo, se establecieron en una casa alquilada en Tower Road en Beverly Hills. El mes siguiente, compraron una casa en 610 North Elm Drive en la ciudad, que estaba cerca de la vivienda de Horowitz, quien solía visitar e interpretar duetos de piano con Rajmáninov, por placer y sin ninguna audiencia. Más tarde, el compositor invitó a cenar a Ígor Stravinski y compartieron sus preocupaciones por una Rusia devastada por la guerra y por sus hijos que estaban en Francia.