title: Música de Cuba

text: Benny Moré, considerado por muchos como el mejor vocalista cubano de todos los tiempos, desarrolló su carrera durante los años cincuenta. Él poseía un don innato para la música y una fluida voz de tenor, la cual coloreaba y fraseaba con gran expresividad. Aunque no podía leer música, Moré fue un maestro en todos los géneros cubanos, incluyendo el Son Montuno, el Mambo, la Guaracha, la Guajira, el Chachachá, la canción, el bolero y el guaguancó. Con su orquesta “Banda Gigante de Benny Moré” y su música, desarrolló un estilo más flexible y fluido que el de la Orquesta de Pérez Prado, con la que también él cantó del año cuarenta y nueve al cincuenta.


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text: Tres grandes innovaciones basadas en la música cubana impactaron a los Estados Unidos después de la II Guerra Mundial: La primera fue el Cubop, la más novedosa fusión de Jazz latino. En esta, Mario Bauzá y la orquesta de Machito por la parte cubana, así como Dizzy Gillespie en el sector norteamericano, fueron los pioneros. El rumboso conguero cubano Chano Pozo fue también muy importante, ya que él presentó los ritmos básicos cubanos a los intérpretes de Jazz. El Jazz cubano ha seguido siendo una significativa influencia en la música norteamericana.


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text: El Mambo penetró inicialmente en los Estados Unidos alrededor de los años cincuenta, aunque este se había estado desarrollando en Cuba y México desde hacía algún tiempo. El Mambo, tal como fue conocido en Norteamérica y Europa era considerablemente diferente del Danzón-Mambo de Orestes “Cachao” López, el cual en realidad era un Danzón con una sección final muy sincopada. El Mambo que adquirió fama internacional fue un producto para Gran Banda (Big Band), creado por Dámaso Pérez Prado, el cual realizó sensacionales grabaciones para la RCA en sus nuevos estudios de grabación de Ciudad México, a finales de los años cuarenta.


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text: Cerca de 27 de esas grabaciones contaron con Benny Moré como vocalista, aunque los mayores éxitos fueron números instrumentales, los cuales incluyeron: "Que rico el mambo" (Mambo Jambo); "Mambo No. 5"; "Mambo No. 8"; "Cherry Pink (and Apple Blossom White)". El exitoso "Patricia" de 1955, fue una fusión de mambo/rock. El Mambo de Pérez Prado era más un descendiente del Son y la Guaracha, que del Danzón. En los Estados Unidos, la moda del Mambo concluyó aproximadamente en 1956, pero su influencia en el Bugaloo y la Salsa, que le precedieron, fue considerable. El violinista Enrique Jorrín creó el Chachachá a comienzos de los años cincuenta. Este fue desarrollado a partir del Danzón, mediante una ampliada sincopación. El Chachachá adquirió mayor popularidad fuera de Cuba cuando las orquestas de Dámaso Pérez Prado y Tito Puente produjeron arreglos que resultaron muy atractivos para la audiencia europea y norteamericana.


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text: Junto a los "Nuyoricans" Ray Barretto, Tito Puente y otros, diversas oleadas de inmigrantes cubanos introdujeron sus ideas en la música de los Estados Unidos. Entre estos se encontraba Celia Cruz, una destacada cantante de guaracha, que ha sido llamada “La guarachera de Cuba”. Otros se encontraban activos en el Jazz latino, como el percusionista Carlos "Patato" Valdes de la agrupación con fuerte orientación cubana “Típica 73”, relacionada con la orquesta Fania All-Stars. Algunos de los antiguos miembros del Grupo Irakere también han logrado gran éxito en los Estados Unidos, entre los cuales se encuentran Paquito D'Rivera y Arturo Sandoval. Tata Güines, un famoso conguero, se estableció en la ciudad de Nueva York en 1957, tocando con Jazzistas como Dizzy Gillespie, Maynard Ferguson, y Miles Davis en el famoso Club de Jazz Birdland. Como percusionista, Tata Güines llegó a tocar con Josephine Baker y Frank Sinatra. Él regresó a Cuba en 1959, después de que Fidel Castro tomó el poder mediante el proceso de la llamada Revolución cubana, a la que él había contribuido con sus propios fondos personales.


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text: Mambo es un género musical y danzario que se desarrolló originalmente en Cuba. La palabra “Mambo”, de manera similar a otros términos musicales afro-americanos como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, bambulá, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe, denotan un origen africano, y particularmente congolés, debido a la presencia de ciertas combinaciones características de sonidos, tales como “mb”, “ng” y “nd”, que pertenecen al complejo lingüístico Níger-Congo.


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text: Las raíces originales del Mambo pueden ser encontradas en el “Danzón de Nuevo Ritmo”, popularizado por la orquesta “Arcaño y sus Maravillas” dirigida por el famoso flautista Antonio Arcaño. Él fue el primero en denominar a una sección del Danzón cubano como “Mambo”. Fue el violonchelista de Arcaño, Orestes López, el que creó el primer Danzón llamado Mambo en 1938. En esa pieza se combinaban algunos motivos sincopados, tomados del estilo del Son, con improvisaciones de la flauta.


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text: Dámaso Pérez Prado (1927), pianista y arreglista matancero, se traslada a La Habana a principio de los años cuarenta y comienza a trabajar en cabarets, así como en las orquestas de Paulina Álvarez y Casino de La Playa. En 1949 viaja a México buscando oportunidades de trabajo y logra gran éxito con un nuevo estilo, al cual designa un nombre que ya había sido utilizado anteriormente por Antonio Arcaño, el de “Mambo”.


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text: El estilo de Pérez Prado difería del anterior concepto de “Mambo”. El nuevo estilo poseía una mayor influencia de las orquestas de jazz norteamericanas, y una instrumentación ampliada compuesta por cuatro o cinco trompetas, cuatro o cinco saxofones, contrabajo, batería (drum set), maracas, cencerro, bongó y tumbadoras. El nuevo “Mambo” incluía un sabroso contrapunteo entre las trompetas y los saxofones, que impulsaba a mover el cuerpo al compás del ritmo, estimulado en la conclusión de las frases con una característica y sonora expresión gutural.


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text: Las grabaciones de Pérez Prado estaban dirigidas al público hispano de las Américas, pero algunos de sus más famosos Mambos, tales como “Mambo No. 5” y “Que Rico el Mambo”, triunfaron inmediatamente en los Estados Unidos.


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text: Chachachá es un género de la música cubana, así como un estilo de baile popular, que fue desarrollado a partir del Danzón-mambo a comienzos de los años cincuenta, y llegó a adquirir gran popularidad en todo el mundo.


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text: El Chachachá es un género de la música cubana cuya creación ha sido tradicionalmente atribuida l compositor y violinista cubano Enrique Jorrín, quien comenzó su carrera tocando para la charanga Orquesta América.


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text: De acuerdo con el testimonio del propio Enrique Jorrín, él compuso algunos danzones en los cuales los músicos de la orquesta debían cantar cortos estribillos, y este estilo recibió gran aceptación por parte del público. En el Danzón “Constancia”, él introdujo algunos Montunos y la audiencia se sintió motivada a cantar los estribillos. Jorrín le pidió a los miembros de la orquesta que cantaran en unísono, de manera que la letra pudiera ser más claramente percibida y causara un mayor impacto en la audiencia. Ese estilo de canto contribuyó también a enmascarar las imperfecciones vocales de los miembros de la orquesta.


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text: Desde su creación, la música del Chachachá tuvo una estrecha relación con los pasos de la danza. El conocido nombre de Chachachá surgió con la ayuda de los bailadores del Club Silver Star en La Habana. Cuando la danza se acoplaba al ritmo de la música, se ponía en evidencia que los pies de los bailadores producían un peculiar sonido al rozar el piso en tres golpes sucesivos. Era como una onomatopeya que sonaba como: "Chachachá". De estos sonidos rítmicos nació un nuevo género que motivó a muchas personas para bailar al son de su sabroso ritmo a través de todo el mundo.


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text: De acuerdo a Olavo Alén: “Durante los años cincuenta, el Chachachá mantuvo su popularidad gracias al esfuerzo de muchos compositores que estaban familiarizados con la composición de Danzones, y que ejercitaron su creatividad en el Chachachá, tales como Rosendo Ruiz Jr. (Los Marcianos y Rico Vacilón), Félix Reina (Dime Chinita, Como bailan Chachachá los mexicanos), Richard Egües (El bodeguero y La cantina) y Rafael Lay (Cero codazos, cero cabezazos).


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text: Aunque el ritmo del Chachachá tuvo su origen en la Orquesta América, algunos estudiosos del tema, incluyendo a John Santos (1982), consideran que la Orquesta Aragón de Rafael Lay y Richard Egües, y la orquesta Fajardo y sus Estrellas de José Fajardo, fueron particularmente influyentes en el desarrollo del Chachachá. La coincidente emergencia de la televisión y los discos de 33 1/3 RPM fueron también factores significativos en la súbita popularidad internacional de la música y la danza del Chachachá. El Chachachá fue presentado desde sus inicios al público a través del formato instrumental de la charanga, una agrupación musical típicamente cubana, compuesta por una flauta, cuerdas, piano, bajo y percusión. La popularidad del Chachachá revitalizó la popularidad de este tipo de agrupación.


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text: El Filin fue una tendencia musical cubana que surgió entre las décadas de los cuarenta y cincuenta, influenciada por la música popular norteamericana. La denominación se deriva de la palabra inglesa “feeling”. Esta describe un estilo de canción romántica influenciada por el Jazz llamada “Crooning”. Sus raíces cubanas pueden ser trazadas hasta el bolero y la canción romántica. Algunos cuartetos vocales cubanos como el Cuarteto D’Aida y Los Zafiros, se basaron en el estilo armónico de algunos cuartetos vocales norteamericanos (como Los Platters). Otros miembros de este grupo fueron influenciados por Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Nat King Cole. Una casa en La Habana donde vivía el trovador Tirso Díaz se convirtió en lugar de reunión para los cantantes y músicos interesados en el Filin, tales como Luis Yáñez, César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez, Niño Rivera, José Antonio Ñico Rojas, Elena Burke, Froilán, Aída Diestro y Frank Emilio Flynn. Allí los letristas y cantantes podían entablar relación con arreglistas como Bebo Valdés, El Niño Rivera (Andrés Hechavarria) y Peruchín (Pedro Justiz), para desarrollar sus creaciones. Algunos cantantes de Filin fueron César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez, quien se estableció en México durante una década, desde 1949 a 1959, Frank Domínguez, el pianist invidente Frank Emilio Flynn, y las grandes cantantes de bolero Elena Burke y Omara Portuondo, las cuales formaron parte del Cuarteto D'Aida. El movimiento del Filin tuvo originalmente un espacio diario en la emisora radial Radio Mil Diez. Algunas de sus más prominentes figuras, tales como Pablo Milanés, se adhirieron más tarde al movimiento de la Nueva Trova.


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text: La música cubana moderna se caracteriza por una constante búsqueda de nuevas sonoridades mediante la fusión de diversas influencias y estilos. Por ejemplo, en los años setenta el grupo Irakere utilizó los tambores Batá en un contexto de Gran Banda, lo que fue denominado como son-batá o batá-rock. Pello el Afrokán creó el ritmo Mozambique, el cual consistía en una fusión de Conga, Mambo y batá-rumba, que mezclaba la rumba con la música de tambores Batá. Las mezclas de hip hop, Jazz y Rock and roll son también comunes, tal como en el rockoson de Habana Abierta.


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text: El triunfo de la Revolución cubana en 1959 determinó que muchos músicos cubanos emigraran hacia diversos países, asentándose en localizaciones tales como Florida y Nueva York, en los Estados Unidos, así como en Puerto Rico. En Cuba, los artistas y su obra quedaron bajo el control del Estado Socialista y su empresa oficial de grabaciones y ediciones musicales EGREM. El gobierno de Castro abolió las leyes que amparaban los derechos de autor, clausuró muchos de los locales donde la música popular acostumbraba ser escuchada (como los Clubes Nocturnos o Night Clubs), así que indirectamente dejó a muchos artistas fuera de sus fuentes de trabajo. Esto produjo sin dudas un efecto nocivo en la evolución de la danza y la música popular. Muchos artistas jóvenes comenzaron a estudiar entonces música clásica en vez de popular, y los músicos empleados por el gobierno recibieron obligatoriamente clases en planteles oficiales. En Cuba, el movimiento de la Nueva Trova, que incluía a Pablo Milanés, reflejó los nuevos ideales de izquierda. El estado tomó el control del lucrativo Cabaret Tropicana, el cual continuó siendo una popular atracción para los turistas extranjeros hasta 1968, cuando fue clausurado junto con muchos otros locales, y después reabierto con el renacimiento del turismo. El turismo fue casi inexistente durante tres décadas, y la música tradicional podía ser encontrada en las Casas de La Trova locales. Los músicos que tenían un trabajo oficial, eran contratados a tiempo completo y recibían un salario del estado, después de egresar de algún conservatorio. El colapso de la URSS en 1991, y la pérdida de su apoyo financiero, cambiaron la situación radicalmente. El turismo fue considerado una fuente respetable de ingresos de nuevo, y así mismo la música popular como parte de la industria turística. Los músicos fueron autorizados entonces a viajar al extranjero, e inclusive vivir fuera del sistema controlado por el estado.


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text: Una lista de famosos artistas del Exilio cubano incluye a: Celia Cruz y todo el conjunto que actuaba con la Sonora Matancera, Carlos "Patato" Valdes, Israel Cachao López, La Lupe, Arturo Sandoval, Willy Chirino, Hansel y Raúl, La Palabra, Paquito D'Rivera, Bebo Valdés y Gloria Estefan, entre tantos otros. Muchos de esos músicos, incluyendo a Celia Cruz, se alinearon estrechamente con una ideología opuesta a la Revolución cubana, y fueron considerados en Cuba como “no-personas”, un término acuñado por George Orwell en su famosa novela 1984 (novela), que constituye una metáfora de los regímenes totalitarios. Los artistas disidentes fueron omitidos de los libros de texto oficiales, y la difusión y publicación de sus creaciones fue prohibida. Al menos, Celia Cruz fue reconocida en una obra cubana de referencia, el Diccionario Enciclopédico de la Música Cubana de Radamés Giro (2007, volumen 2).


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text: La Salsa fue la cuarta innovación basada en la música cubana que impactó a los Estados Unidos, y difiere de las demás en que inicialmente fue desarrollada en los Estados Unidos y no en Cuba. Debido a que Cuba posee tantos géneros originales, su promoción fuera del país siempre ha constituido un problema, debido a la dificultad que confronta un extranjero para distinguir las diferencias entre diversos ritmos que para los cubanos son evidentes. De esa manera, en dos ocasiones durante el siglo XX, dos términos fueron utilizados con el propósito de resolver ese problema. El primero fue en los años treinta, después de que El Manisero se convirtiera en un éxito internacional. Este fue llamado Rumba, aunque tiene poca relación con la llamada Rumba urbana, de cajón o de solar, y es en realidad un Son cubano o “son-pregón”. Durante mucho tiempo, la palabra Rumba fue utilizada como denominación para cualquier forma de música popular cubana. La segunda ocasión ocurrió durante el período de 1965 a 1975 en Nueva York, cuando algunos músicos de origen cubano y puertorriqueño se unieron para crear el más popular estilo latino del período posterior al Chachachá. Esta música fue llamada Salsa. Nadie sabe cómo ocurrió, pero todo el mundo reconoce el beneficio que conllevó utilizar un término común para denominar el Son, el Mambo, la Guaracha, la Guajira (música), el Guaguancó y otros géneros de la música cubana.


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text: La afirmación de que la Salsa no es más que música cubana, ha sido discutida durante más de treinta años, e inicialmente no se podía percibir en realidad una gran diferencia entre una y otra. Cubanos y no-cubanos, como Tito Puente, Rubén Blades y otros muchos expertos en música cubana y Salsa, siempre han dicho que la Salsa es solo otro nombre para denominar la música cubana. Tito Puente expresó una vez: “Ahora la llaman Salsa, después la podrán llamar sofrito, pero para mí siempre será música cubana”. También Willie Colón dijo: “Si miras a una orquesta de los años cuarenta tocando música cubana, verás exactamente los mismos instrumentos que en la Salsa. Benny Moré, el mayor sonero de todos los tiempos, estaba cantando boleros con una cadencia salsera desde los años cuarenta.


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text: Pero con el tiempo, las agrupaciones de Salsa han trabajado con otras influencias. Por ejemplo, al final de los años sesenta Willie Colón produjo algunos números donde utilizaba ritmos brasileños. Algunos programas radiales en Nueva York, ofrecieron ‘Salsarengue” como otra opción, y más tarde se le llamó “Salsa romántica” a un tipo de bolero edulcorado.


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text: No fue hasta los años cincuenta que la música cubana penetró en las orquestas puertorriqueñas, las cuales antes de eso tocaban Plena, Bomba, y otros géneros populares de la Isla. Muchos músicos famosos puertorriqueños fueron a Cuba entre los años treinta y cuarenta con el propósito de aprender los estilos musicales cubanos, pero no fue hasta la llegada de Fidel Castro al poder en 1959, cuando se paralizó la exportación de música cubana al mundo, que los puertorriqueños en Nueva York pudieron tener éxito y ser tomados en cuenta.


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text: Según algunos estudiosos del tema, lo que se conoce como Salsa hoy día, fue llevado a Nueva York por Dizzy Gillespie y Chano Pozo en los años cuarenta. Sin embargo, otros son de la opinión de que no solo la Salsa de Nueva York era diferente a los géneros vigentes en Cuba, sino que los estilos de la Salsa en Venezuela, Colombia y otros países también pudieran ser identificados individualmente.


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text: La Nueva Trova fue un movimiento dentro de la música cubana que emergió durante los años sesenta y tuvo sus raíces en la Trova tradicional, pero se diferenció de esta por su contenido político, pero en un sentido amplio. Combinó la música popular tradicional con textos “progresistas” y frecuentemente politizados, y estuvo relacionada con el movimiento de la Nueva canción latinoamericana, especialmente con la Nueva Canción Chilena y argentina. Algunos de los miembros de la Nueva Trova fueron también influenciados por el Rock y la Música pop de su época.


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text: El estilo de la Nueva Trova posee una estrecha relación con la Revolución cubana, que se evidencia en sus textos, los cuales, según Helio Orovio: “tratan de escapar de las banalidades cotidianas, mediante la concentración en los ideales del socialismo, la injusticia, el sexismo, el colonialismo, el racismo y otros temas similares”. Silvio Rodríguez y Pablo Milanés se convirtieron en los más destacados exponentes de ese estilo. Carlos Puebla y Joseíto Fernández fueron viejos trovadores que apoyaron al nuevo régimen mediante canciones dedicadas a la Revolución cubana.


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text: El movimiento de la Nueva Trova alcanzó su mayor desarrollo durante los años setenta, pero comenzó a declinar antes de la caída de la Unión Soviética. Podemos encontrar ejemplos de estilos no-políticos dentro de la Nueva Trova, como en el caso de Liuba María Hevia, cuyas letras se enfocan en temas más tradicionales, como el amor y la soledad, compartiendo con otros miembros del movimiento un estilo altamente poético. En el otro lado del espectro, el cantautor Carlos Varela es famoso en Cuba por su abierta crítica a algunos aspectos de la Revolución .


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text: La Nueva Trova, tan popular en sus inicios, recibió un fuerte golpe con la caída de la Unión Soviética, aunque su decadencia ya se sentía desde años anteriores. El movimiento sufrió dentro de Cuba, quizás por el creciente desencanto con el gobierno de un solo partido, y externamente por el vívido contraste con las grabaciones y películas de Buena Vista Social Club. Las audiencias alrededor del mundo abrieron sus ojos al encanto y la alta calidad musical de formas más antiguas de la música cubana. En contraste, ciertos temas que eran muy relevantes durante los años sesenta, ahora parecían viejos y distantes. De igual manera, aquellas creaciones de gran calidad lírica y musical, entre las cuales se destaca Hasta siempre, comandante de Carlos Puebla, probablemente perdurarán para siempre.


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text: Cristóbal Díaz Ayala seleccionó dos canciones de la Nueva Trova para su lista de las más destacadas “50 canciones cubanas en el repertorio popular internacional”, ellas fueron “Unicornio Azul” de Silvio Rodríguez y “Yolanda” de Pablo Milanés.


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text: El Son continuó siendo la base de las formas más populares de la música cubana moderna. El Son fue representado por agrupaciones tales como el Septeto Nacional, el cual fue reinstaurado en 1985, la Orquesta Aragón, la Orquesta Ritmo Oriental y la Orquesta Original de Manzanillo. El grupo Sierra Maestra es famoso por haber iniciado una revitalización del Son tradicional durante los años ochenta. La Nueva Trova todavía goza de cierta influencia, pero los temas abiertamente políticos de los sesenta ya han pasado de moda.


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text: Mientras tanto, Irakere fusionó la música tradicional cubana con elementos de Jazz, y grupos como NG La Banda, Orishas y Son 14 continuaron añadiendo nuevos elementos al Son, especialmente hip hop y funk, para crear la Timba, proceso que fue estimulado por la adquisición de equipo electrónico importado. Todavía existen muchos practicantes del Son montuno tradicional, como Eliades Ochoa, quien ha grabado y ofrecido numerosas presentaciones como resultado del marcado interés en el Son montuno, después del éxito alcanzado por Buena Vista Social Club.


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text: La cantautora cubana, establecida en Europa Addys Mercedes ha realizado una fusión de Son y Filin (Bolero, feeling) con elementos de Música urbana, Rock y Música Pop, alcanzando excelentes posiciones entre las canciones más escuchadas en Alemania.


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text: En los años noventa, un incremento del interés por la World music coincidió con el “periodo especial” de la era post-soviética en Cuba, durante el cual la economía comenzó a abrirse al turismo internacional. La Orquesta Aragón, la Charanga Habanera y Cándido Fabré y su Banda fueron antiguos participantes en la escena de la charanga, y contribuyeron a la creación del popular ambiente de la Timba durante los años noventa. El premio más importante de la música cubana fue el “Premio Benny Moré”.


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text: Los cubanos nunca se han sentido muy contentos de escuchar el término Salsa aplicada a su música y más bien lo ven una denominación comercial de ella. En casi todos sus aspectos la Timba coincide con la Salsa cubana, aunque algunos plantean que es algo más que eso. Desde los años noventa, la palabra Timba fue usada para denominar a la música popular bailable en Cuba, solamente rivalizada por el Reguetón. Aunque derivada de las mismas raíces que la Salsa, la Timba posee sus propias características, estando íntimamente ligada al ambiente cultural de Cuba y particularmente de La Habana.


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text: AL contrario de la Salsa , cuyo surgimiento está directamente relacionado con el Son cubano y a los “conjuntos” de los años cuarenta y cincuenta, la Timba está compuesta por una síntesis de elementos estilísticos, los cuales incluyen a la Rumba, el Guaguancó, la música de los tambores Batá, las canciones sagradas de la Santería), y otras Fuentes populares como el Rock, el Jazz, el Funk y la música folklórica puertorriqueña. De acuerdo con Vincenzo Perna, autor de "Timba: The Sound of the Cuban Crisis", la Timba debe ser definida en función de sus componentes sociales, culturales y políticos. Su gran popularidad en Cuba, su novedad y originalidad como estilo musical, la habilidad de sus ejecutantes, su relación con las tradiciones locales y la cultura de la emigración afro-cubana, sus significados y su estilo, dejan entrever puntos de tensión dentro de la sociedad cubana.


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text: En adición a los timbales, los percusionistas de la Timba utilizan la batería, como una manera de identificar su sonoridad en comparación con la de la Salsa. El uso del sintetizador es también común dentro de este estilo musical. Las canciones de Timba tienden a ser más innovadoras, experimentales y frecuentemente más virtuosísticas que las de la salsa. Las partes de los metales son usualmente más rápidas, influidas por el Bebop y a menudo alcanzan los extremos de la tesitura de los instrumentos. Las partes del bajo y la percusión son poco convencionales, siendo la improvisación es una práctica común en este estilo.


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text: Varios proyectos lograron captar la atención internacional durante los años noventa, debido al renacimiento de estilos tradicionales como el son cubano de la era de los septetos y los conjuntos. El grupo Sierra Maestra fue uno de esos grupos. En 1995, Juan de Marcos González, director y Tresero del grupo Sierra Maestra, fue contactado por Nick Gold (president del sello musical World Circuit Records) con el propósito de grabar un álbum utilizando a músicos africanos. Al final, los africanos no pudieron viajar a La Habana, así que el proyecto de convirtió en cubano ciento por ciento, presentando a figuras tales como Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, Omara Portuondo y Rubén González.


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text: Para este proyecto se crearon dos grupos instrumentals que incluían al guitarrista norteamericano Ry Cooder, los cuales fueron: Buena Vista Social Club y Afro-Cuban All Stars, y ambos grupos grabaron sendas producciones llamadas: Buena Vista Social Club y “A toda Cuba le gusta”, en marzo de 1996. El lanzamiento del primero en septiembre de 1997 fue un verdadero éxito. El álbum se convirtió en un hit global, vendiendo millones de copias y convirtiendo a sus intérpretes en reconocidas figuras internacionales.


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text: "Buena Vista" dio como resultado varias grabaciones subsecuentes y un filme con el mismo nombre del álbum, Buena Vista Social Club (documental), así como también estimuló un marcado interés en otras agrupaciones musicales cubanas. En los años siguientes, múltiples solistas y agrupaciones grabaron con productoras internacionales y realizaron giras de concierto fuera de Cuba.


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text: La conclusión a la que muchos observadores llegan sobre este fenómeno es que la clausura de numerosos locales donde se tocaba música popular, y el absoluto control del estado sobre las actividades artísticas y los medios de comunicación, después de la Revolución cubana, dañó severamente el desarrollo y la promoción de la música popular cubana.


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text: Después del colapso de la Unión Soviética, la economía cubana comenzó a declinar. El nivel de pobreza fue entonces más extendido y visible en Cuba. Durante los años noventa, algunos cubanos comenzaron a protestar por la situación mediante el Rap y el Hip hop. Los “raperos” se convirtieron en una verdadera “revolución dentro de la revolución”. En Cuba, el Hip hop ha sido utilizado para expresar las viciscitudes de la vida cotidiana, así como las aspiraciones del pueblo.


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text: Durante el llamado Período especial después de la desaparición de la Unión Soviética, el gobierno cubano se vio obligado a tomar medidas para garantizar la supervivencia del Statu quo implantado por la Revolución cubana. En aquel momento el turismo fue discretamente estimulado, y los locales habaneros donde se ofrecían espectáculos musicales comenzaron a atraer tanto a los habitantes locales como a los visitantes. Antes de esa etapa, los turistas eran una rareza en Cuba. Cuando el Hip hop comenzó a emerger, el gobierno se opuso a la imagen relativamente vulgar que estos proyectaban, pero hacia finales de los años noventa aceptaron que era más conveniente permitir el desarrollo del movimiento rapero bajo el control y la influencia del oficialista Ministerio de Cultura, como una “auténtica expresión de la cultura cubana”.


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text: A diferencia de la Salsa (género musical), la música de Rap en Cuba es de origen foráneo. Aunque algunos grupos se enorgullecieron por permanecer fieles a la esencia del Hip hop, otros tales como Orishas, el único grupo de Rap cubano que triunfó en el extranjero, ha sido criticado por utilizar ritmos de Salsa (género musical) para generar una mayor atracción del public.


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text: Que el Hip hop haya sido tolerado por el gobierno de Cuba es algo fuera de lo ordinario, debido a que el propio gobierno proporciona a los intérpretes de Rap equipos de sonido y locales apropiados para su presentación. Miembros del ambiente del Rap y el Hip hop cubano solicitaron espontáneamente la participación del Ministerio de Cultura en sus actividades, y de esa manera aseguraron la supervivencia y el desarrollo del movimiento, poniéndolo al servicio de los lineamientos del gobierno. Gracias a esa actitud servil, los cultivadores del Rap recibieron en el 2002 un sello disquero, una publicación periódica y un festival de Hip hop a través de la llamada “Agencia cubana de Rap” (Cuban Rap Agency). Bajo esas condiciones, el gobierno cubano le brindó a los grupos de Rap y Hip hop difusión a través de los medios de comunicación oficiales, a cambio de una auto-limitación en sus expresiones y de la presentación de una imagen positiva del gobierno revolucionario.Este 2019 por la isla aspiraron al gramófono dorado (Grammy)un excelente exponente del Hip Hop de Cuba,el grupo Orishas, que con su disco Gourmet (Sony Music Latin, 2018) compite en el apartado Mejor Álbum de Rock Latino, Urbano o Alternativo.


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text: El Cubatón es una versión cubanizada del Reggaeton o Reguetón, el cual a su vez se deriva del Reggae jamaicano. Hacia el año 2012, el cantante de Cubatón Osmani García, llamado también “La voz”, había alcanzado tan alto grado de popularidad que era considerado como “el exponente más popular de la música cubana”


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text: La llegada del acceso a la Internet contribuyó a la difusión no-oficial del Reguetón en Cuba, pero tanto sus textos como sus movimientos corporales han sido muy criticados. Los músicos de Reguetón respondieron a esa actitud con canciones que defendían sus posiciones estilísticas; pero a pesar de sus esfuerzos, el Ministerio de Cultura determinó que su música no podía ser utilizada en instituciones educacionales, fiestas y grabaciones musicales. En el 2011, el gobierno restringió la difusión radial y televisiva del Reguetón ante la masiva popularidad del “Chupi Chupi" de Osmani García, el cual incluye una velada referencia al sexo oral. Otros famosos intérpretes de Reguetón son Eddy K y Gente de Zona.


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text: La interacción musical entre Cuba y los Estados Unidos es muy antigua. Ya desde el siglo XVIII, durante el dominio español de Luisiana (1763-1803), las orquestas y bandas habaneras ofrecían conciertos en Nueva Orleans, y en el la contradanza cubana era muy popular en los Estados Unidos. A comienzos del comienzan a crearse en Cuba las primeras bandas de jazz al estilo de los grupos norteamericanos. La banda de jazz “Sagua” fue fundada en Sagua la Grande en 1914 por Pedro Stacholy (director y piano). El grupo tocó durante 14 años en el "Teatro Principal de Sagua".


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text: La fuerte influencia de la música norteamericana en la juventud cubana dio lugar al comienzo de los solistas y grupos de Rock and roll en Cuba durante los años cincuenta. Muchos artistas cubanos de esa época cantaron versiones de canciones norteamericanas traducidas al español, tal como también estaba ocurriendo en México.


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text: El lanzamiento del cuarteto Los LLopis representó la entrada en una nueva etapa de la música cubana, la de la generación y amplificación del sonido por medio de recursos electrónicos; ya que en la composición tímbrica de ese grupo se puede apreciar un elemento novedoso de gran importancia, la inclusión de la guitarra eléctrica.


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text: En 1961 surgen otros cantantes de rock como Dany Puga, llamado el rey del twist, y bandas tales como Los Satélites, Los Diablos Melódicos y Los Enfermos del Rock, así como Los Halcones y Los Huracanes de la ciudad de Marianao.


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text: El cuarteto vocal Los Zafiros fue otro exitoso grupo de principios de los años sesenta. Fundado en 1961, estaba influenciado por el estilo Doo-Wop de los Platters, The Diamonds y otros grupos norteamericanos, y contó con un repertorio compuesto principalmente de baladas, calypsos y bossanovas, así como canciones con ritmo de rock lento y boleros.


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text: En esa época, el popular grupo Los Astros, dirigido por el cantante y guitarrista Raúl Gómez, se vio amenazado debido a las presiones ejercidas por el régimen de Fidel Castro sobre los grupos de rock, que fueron considerados entonces como una forma de “diversionismo ideológico”, y combatidos en todas sus manifestaciones. Su estilo, fuertemente influido por los grupos de la Invasión Británica, como los Beatles y los Rolling Stones, fue declarado como “desviado” y por consiguiente reprimido sin contemplaciones. Desde ese momento, el llamado “gobierno revolucionario de Cuba” comenzó a implementar un control absoluto sobre todos los aspectos de la sociedad cubana, incluyendo por supuesto a las manifestaciones culturales.


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text: Hacia 1965, el gobierno revolucionario puso en práctica una estrategia para sustituir los productos culturales extranjeros que prefería la juventud, con otros que encajaran dentro de sus lineamientos oficiales; y producto de esa estrategia, el 6 de agosto de 1966 salió al aire el programa radial Nocturno, cuyo tema inicial fue la canción La chica de la Valija, interpretado por el saxofonista italiano Fausto Papetti. El programa presentaba canciones modernas dando prioridad al repertorio europeo en español de cantantes y grupos como: Los Mustang, Los Bravos, Los Brincos, Juan y Junior, Rita Pavone, Massiel, Nino Bravo, Leonardo Fabio, Salvatore Adamo y Rafael, así como algunos grupos cubanos como Los Zafiros y Los Dan. La prohibición oficial sobre la música de rock fue levantada en 1966, pero los entusiastas de la música rock siguieron siendo marginados por el aparato comunista, y vigilados con recelo como “contra-revolucionarios”.


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text: En realidad, el rock inglés comenzó a ser escuchado en La Habana en 1970, en un programa de Radio Marianao llamado Buenas Tardes Juventud. Este programa presentó a grupos como los Rolling Stones, Los Beatles, Dave Clark Five, The Animals, Grand Funk, Rare Earth, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Elvis Presley, Neil Sedaka y Paul Anka. A comienzos de los ochenta, esta estación radial se unió a Radio Ciudad de La Habana.


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text: En 1979, se llevó a cabo un festival llamado Havana Jam 79 en el Teatro Karl Marx de La Habana, donde se presentaron un grupo de artistas que incluía a Billy Joel y Stephen Stills.


title: Música de Cuba

text: Durante los años ochenta Roberto Armada creó una banda de heavy metal en el Municipio Playa llamada Venus. La banda logró gran éxito y popularidad entre los jóvenes de esa época. El Punk Rock fue introducido en Cuba hacia el final de los años ochenta y generó una forma de culto entre sus seguidores que integraban una minoría dentro de la audiencia juvenil.


title: Música de Cuba

text: En los años noventa, el rock and roll en Cuba era todavía un fenómeno semi-clandestino. En La Habana, la estación radial Radio Ciudad de La Habana presentaba varios programas con las tendencias más recientes en ese tipo de música alrededor del mundo. Juan Camacho, un antiguo músico y presentador radial tenía un programa matinal llamado Disco Ciudad. También el programa de Ramón era un exitoso show radial. Algunas bandas de esa época fueron: Gens, Athanai, Zeus y Los Tarsons.


title: Música de Cuba

text: En 2001, el grupo galés Manic Street Preachers fue invitado a tocar en Cuba, y Fidel Castro asistió a su concierto junto con otras autoridades gubernamentales. En el 2004, Castro realizó un discurso en honor al natalicio de John Lennon cuya música, como miembro de los Beatles y como solista había estado prohibida en Cuba. Una estatua de bronce de Lennon fue situada en un céntrico parque de La Habana, y se convirtió en una notoriedad por ser víctima constante del vandalismo de los transeúntes que robaban frecuentemente sus espejuelos de bronce.


title: Música de Cuba

text: A la vez que el gobierno mostraba una actitud más complaciente con los grupos de rock extranjeros, como parte de una campaña internacional que tenía como principal propósito el de lograr una mayor apertura del comercio y las inversiones de Estados Unidos y Europa en Cuba; continuaba implementando una inflexible actitud represiva en contra de cualquier actitud de disidencia interna. Ese es el caso del roquero Gorki Águila y su grupo “Porno para Ricardo”. En agosto de 2008, Águila fue arrestado bajo cargos de “peligrosidad”, una figura jurídica que permite a las autoridades acusar a una persona que según su criterio pudiera cometer un delito, aun cuando esta no lo haya cometido aún.


title: Música de Cuba

text: Más recientemente, Rick Wakeman, Sepultura y Audioslave se presentaron en La Habana, y los Rolling Stones realizaron un histórico concierto, que se convirtió en el más destacado evento de rock en Cuba desde el inicio de la Revolución en 1959.


title: Música de Cuba

text: Un nuevo fenómeno ocurrió en 2013, cuando varias bandas de "Metal Rock" comenzaron a emigrar a los EE.UU. creando un escenario paralelo con las bandas Agonizer, Escape, Ancestor, Hipnosis, Suffering Tool y Chlover.


title: Música de Cuba

text: La música electrónica cubana, está caracterizada por los ritmos introducidos en la Isla fundamentalmente por Juan Blanco y posteriormente por realizadores alemanes cuando filmaron un documental sobre la gira de varios DJs capitalinos para llevar la cultura de la música electrónica hacia otras ciudades de Cuba en 2004.


title: Música de Cuba

text: Según el origen de sus influencias, se pueden determinar dos corrientes principales dentro del género: la música electrónica bailable cubana y la música electrónica experimental cubana.


title: Música de Cuba

text: La influencia europea sobre la primera corriente es innegable, en parte porque fue la música que permitía el gobierno a Cuba, mientras que por el otro lado bloqueaba la entrada de contenido musical proveniente de los EE.UU., fundamentalmente durante la década de los 90'.


title: Música de Cuba

text: Una posterior apertura que facilitaba los viajes al exterior por parte de los cubanos y el acceso a la internet, favorece el desarrollo de una segunda variante con identidad propia y experimental desde los géneros puramente electrónicos hasta la música bailable.


title: Música de Cuba

text: Entre sus “padres” se destacan Djoy de Cuba, Alexis de la O, Edwin Casanova, DJ Dark, Kike Wolf entre otros, y algunos nuevos que se han sumado a este movimiento, tal es el caso de I.A., Ultrack, DJ OBI, Diemen Duff, entre otros.


title: Música de Cuba

text: La llegada de algunos de ellos a los EE.UU. y otros países, propició un impulso natural al género ya que redujo los costes de producción y facilitó el acceso a las plataformas de digitales.


title: Música de Cuba

text: La música tradicional o folclórica cubana abarca:


title: Guaguancó

text: El guaguancó es un ritmo que se originó en La Habana, Cuba, coincidiendo con la abolición de la esclavitud en la isla en 1886. El guaguancó es una de las formas de la rumba y contiene una fusión de varios rituales profanos afro-cubanos. Las otras dos variedades importantes de la rumba son el "Yambú" y la "Columbia".


title: Guaguancó

text: El guaguancó, por lo general con textos anónimos, es interpretado con tres tumbadoras y por un tipo de caja de madera percutida con palillos o con las manos, llamada cajón. A los percusionistas se les agrega un coro que responde a un solista. Los bailadores presentan una coreografía en la que el hombre persigue a la mujer con movimientos sumamente eróticos. Ella, aunque en un primer momento lo rechaza, al final lo consiente. Este acto, que representa la "conquista" del hombre a la mujer, recibe el nombre del "vacunao".


title: Guaguancó

text: Las composiciones más antiguas, denominadas "guaguancó del tiempo de España", se corresponden con el fin de la era colonial española en Cuba.


title: Guaguancó

text: El guaguancó es fruto de un sincretismo de influencias africanas y españolas. Esta última presencia se nota sobre todo por el empleo de textos basados en décimas. A decir de Mongo Santamaría, célebre "rumbero", el guaguancó surgió cuando los afro-cubanos intentaron cantar flamenco.


title: Hentai

text: Al igual que con el anime regular, la mayoría de las producciones anime hentai se basan en mangas preexistentes (en este caso, manga hentai). Por norma general, los animes hentai suelen ser de menor calidad en comparación con animes regulares, bien sea en la cantidad de detalles en la animación y los gráficos; mostrando diversas parafilias. Las tramas utilizadas pueden ser simples y sencillas como también intrincadas y complejas. Las producciones hentai no están destinadas a ser transmitidas por televisión, por lo que se comercializan en formato OVA (producciones animadas destinadas para su consumo en vídeo). También existe en forma de videojuegos de ordenador y dōjinshis. Existe también una gran variedad de manga y anime, no relacionados con el hentai, pero que sí contienen escenas eróticas o una gran cantidad de bromas con connotaciones sexuales, llamados .


title: Hentai

text: "Hentai" es un kanji compuesto de 変 ('cambio' o 'extraño') y 態 (tai; 'apariencia' o 'condición'), y significa «metamorfosis» o «transformación». En contextos sexuales, tiene significados adicionales de «perversión» o «anormalidad», especialmente cuando se usa como adjetivo; en estos usos, es la forma abreviada de la frase que significa «perversión sexual». El carácter "hen" es un término general para la rareza como una peculiaridad, no lleva una referencia sexual explícita. Si bien el término se ha expandido en uso para cubrir una variedad de publicaciones, incluidas las publicaciones homosexuales, sigue siendo principalmente un término heterosexual, ya que los términos que indican homosexualidad entraron en Japón como palabras extranjeras. Las obras pornográficas japonesas a menudo se etiquetan simplemente como , que significa «prohibido para aquellos que aún no tienen 18 años», y . Los términos menos oficiales también en uso incluyen , , y el inicialismo inglés AV (para «adult video» (video para adultos)). El uso del término hentai no define un género en Japón.


title: Hentai

text: Hentai se define de manera diferente en inglés. El Oxford Dictionary Online lo define como «un subgénero de los géneros japoneses de manga y anime, caracterizado por personajes abiertamente sexualizados e imágenes y tramas sexualmente explícitas». Se desconoce el origen de la palabra en inglés, pero John Oppliger de AnimeNation señala a principios de la década de 1990, cuando se lanzó un dōjinshi erótico de "Dirty Pair" titulado "H-Bomb", fue cuando muchos sitios web vendieron acceso a imágenes seleccionadas de novelas visuales y juegos eróticos japoneses. El primer uso en inglés del término se remonta a rec.arts.anime boards; con una publicación de 1990 sobre Happosai de "Ranma ½" y la primera discusión del significado en 1991. Un glosario de 1995 en los tableros de rec.arts.anime contenía una referencia al uso japonés y la definición en evolución de "hentai" como «pervertido» o «sexo pervertido». "The Anime Movie Guide", publicada en 1997, define como el sonido inicial de "hentai" (es decir, el nombre de la letra H, como se pronuncia en japonés); incluía que el ecchi era «más suave que el hentai». Un año después se definió como un género en "Good Vibrations Guide to Sex". A principios de 2000, "hentai" figuraba como el 41º término de búsqueda más popular de Internet, mientras que "anime" ocupaba el 99º lugar. La atribución se ha aplicado retroactivamente a obras como "Urotsukidōji", "La Blue Girl" y "Cool Devices". "Urotsukidōji" se había descrito previamente con términos como «Japornimation», y «erotic grotesque», antes de ser identificado como "hentai".


title: Hentai

text: Aunque hentai por lo general en Occidente es como se le denomina a las producciones pornográficas de manga y anime, en Japón la palabra no se usa ampliamente en ese sentido. «Hentai» consta de dos caracteres: y , literalmente significa «metamorfosis» o «anomalía». Hasta finales del siglo XIX no tenía ninguna connotación sexual. En 1894, una traducción del libro sobre la desviación sexual de Richard von Kraft-Ebing, Psicopatías sexuales (1886), fue publicado en Japón. En japonés, el nombre se tradujo como «"Hentai seiyoku shinrigaku"», e introducía en la terminología médica una frase popularizada en la prensa japonesa de posguerra: . La palabra hentai, tomada prestada en la cultura occidental por los seguidores del manga y anime, es una versión abreviada del término "hentai seiyoku." En Japón, se llama de esta forma a personas que sufren alguna forma de perversión sexual. Tiene una connotación negativa y puede usarse para referirse a oficios eróticos y pornográficos, pero solo aquellos en los que se muestran parafilias. En otros casos, se utiliza «"ero"» (por ejemplo, "ero-manga" - "manga" erótico), o . Por lo tanto, la palabra «hentai» ha adquirido su propio significado más amplio en el extranjero.


title: Hentai

text: El término "ecchi" se deriva de la palabra "hentai" y en algún momento fue sinónimo de ella. "Ecchi" es la pronunciación japonesa de la letra «H» en habla inglesa, siendo esta, la primera letra en la palabra "hentai". Pronto la simple mención de la letra «H» sola comenzó a reemplazar toda la palabra entera, sin embargo, su significado comenzó a cambiar. "Ecchi" comenzó a significar la designación de algo obsceno, en un sentido amplio, en contraste con el término "hentai", que aún conservaba fuertemente su significado ligado con ciertas parafilias. La mayoría de los investigadores coinciden en que el manga erótico se remonta al período Edo (1600-1868), cuando surgió una nueva tendencia en las artes visuales: las impresiones Ukiyo-e. Las impresiones eróticas -"shunga"- fueron prohibidas después de la Restauración Meiji (1868), pero han influido mucho en las imágenes y tramas de la pornografía japonesa moderna. El hentai moderno se desarrolló en la década de 1970. El pionero en el mundo del manga erótico fue Gō Nagai, cuya obra humorística "Harenchi Gakuen" (1969) fue severamente criticada por vulgar, e implicó protestas por parte de asociaciones y comités de madres de familia. En 1969, se mostró el primer anime erótico, "Senya Ichiya Monogatari." El gekiga erótico ganó popularidad.


title: Hentai

text: El descubrimiento mundial masivo de este tipo de anime tuvo lugar a finales de la década de 1980 y, gracias a la expansión del Internet, el hentai se hizo ampliamente conocido y popular en los continentes de América del Norte y Europa debido a la ingenuidad de los personajes femeninos y la calidad de los gráficos utilizados. En 1994-1995, el manga hentai se publicó por primera vez fuera de Japón. Algunas obras como "La Blue Girl" (1992) y "Kite" (1998) han adquirido un estatus de culto debido a sus historias interesantes y personajes elaborados cuidadosamente. Debido a la falta de competencia en Occidente, la expansión del mercado de consumo y distribución en Japón, los videojuegos eróticos de ordenador dieron otro impulso al género. En el 2000, la palabra «hentai» era el 41.º término de búsqueda más popular en Internet. En febrero de 2012, la base de datos de Anime News Network contenía información sobre 1700 series de manga y anime hentai, de los cuales más de 1400 se produjeron entre 2000 y 2012.


title: Hentai

text: Las leyes japonesas vigentes desde la Segunda Guerra Mundial y hasta la década de 1990, prohibían la inclusión de cualquier tipo de imagen demasiado gráfica de los genitales, por lo que en este género se inventaron distintos tipos de censura, por ejemplo, retocando los genitales o haciéndolos aparecer simbólicamente. Esto explica la gran cantidad de personajes fantásticos en las producciones hentai: monstruos, demonios, androides, alienígenas, etc., cuyos genitales son aparentemente un tanto diferentes a los humanos. Además, los artistas de este género empezaron a representar personajes con un mínimo de detalles anatómicos y sin presentar vello púbico (hasta 1991 estaba prohibido mostrar representaciones de vello púbico), lo que provocó la difusión de hentai con chicas aparentemente muy jóvenes, casi adolescentes, que a los ojos de un occidental podrían parecer niñas.


title: Hentai

text: El levantamiento de estas prohibiciones a principios de la década de 1990, permitió la inclusión de imágenes más explícitas en producciones manga, anime, cinematografía y fotografía, pero la censura de los genitales prosiguió en el territorio nipón, a diferencia de los lanzamientos de animes en el extranjero, que casi siempre carecían de censura (los productores originales no agregaban censura al comercializar estas producciones anime en territorios de EE. UU. y Europa). Durante la traducción de este tipo de producciones, surgieron otras sutilezas: por ejemplo, la ley estadounidense prohíbe los actos sexuales entre menores de edad, incluso en forma dibujada. Por lo tanto, en los estrenos estadounidenses, se recortan algunas escenas y en algunos casos la edad de los personajes se cambian. Esto ocurrió con la producción OVA de "La Blue Girl", cuya heroína en la traducción al inglés pasó de ser una colegiala a una estudiante, además, todas las escenas pornográficas con la participación del ninja, el compañero de la protagonista, fueron recortadas, porque este parecía un niño por su baja estatura. En Gran Bretaña, Francia y España también se hicieron recortes en algunas escenas.


title: Hentai

text: Las escenas pornográficas en producciones hentai son sumamente variadas. Al igual que la pornografía regular, los temas pueden incluir sexo oral, sexo anal, sexo grupal, masturbación, sexo por primera vez, etc.; las protagonistas suelen ser profesoras, amas de casa, empleadas domésticas, enfermeras, etc; los lugares retratados más comunes suelen ser escuelas, trenes y vagones del tren, casas, apartamentos, etc. En el hentai, también hay sexo homosexual y donde se encuentran menores, aunque estos reciben nombre específicos, ya sea, yaoi, yuri o shotacon. Tradicionalmente, solo las obras de contenido pornográfico heterosexual se denominan hentai.


title: Hentai

text: Es incorrecto clasificar el hentai únicamente por el contenido de las escenas eróticas, ya que también se distingue por los géneros de la trama: comedia, misticismo, ciencia ficción, fantasía, romance y otros. Los más populares son la ciencia ficción, fantasía y romance. Aunque un gran número de obras están dedicadas a determinados acontecimientos místicos y a la lucha entre el bien y el mal. También existen obras sobre la vida cotidiana, entre ellas algunas bastante realistas. Los hentai de acción más conocidos son "U-Jin Brand," "New Angel" y "G-Taste". De igual manera existen parodias hentai, las más conocidas son "", "Tokio Private Police", "Venus 5" y "Hooligan".


title: Hentai

text: ==|fecha=20 de febrero de 2008}} Sin embargo, es el mangaka Toshio Maeda quien está considerado el inventor del género moderno, cuyo manga "Urotsukidōji" (1986) trajo gran popularidad al hentai de tentáculos, mientras que su versión de anime correspondiente se convirtió en uno de los más reconocidos del mundo.


title: Hentai

text: Toshio Maeda explicó que se vio obligado a inventar una criatura fantástica (un demonio con tentáculos) como uno de los personajes principales debido a la restrictiva ley japonesa, que prohíbe la representación de escenas eróticas explícitas entre personas. Además, en aquel momento, las tramas y escenas de los mangas tenían temáticas similares y estaban muy estandarizados, ya que no todo era aprobado por los editores, así que Maeda quiso idear algo especial para su trabajo. Después de "Urotsukidōji", Maeda continuó con "Demon Beast Invasion" y la icónica "La Blue Girl". Los tentáculos son un tema frecuente en este tipo de mangas.


title: Hentai

text: El yaoi es un término japonés utilizado para referirse a las representaciones artísticas, eróticas, sexuales o románticas de relaciones de dos personajes masculinos. También conocido como BL (en inglés: Boy's Love, «"Amor de chicos"»). Los personajes principales del género comúnmente se ajustan al estereotipo del "seme" (activo) y "uke" (pasivo). El material suele enfocarse en las relaciones amorosas entre personajes masculinos, aunque también es común encontrar contenido de carácter homoerótico. Si bien los protagonistas suelen ser casi siempre adolescentes, la edad de estos puede variar e incluir adultos más maduros. Los autores y el público objetivo de Yaoi son chicas y mujeres heterosexuales. No todo el yaoi contiene pornografía explícita. En la década de 1970, algunas autoras del manga "shōjo" creaban historias que presentaban algunas relaciones de carácter platónico entre chicos, las cuales se conocían como "shōnen-ai".


title: Hentai

text: Los yaois se clasifican según sus características:Hay que resaltar que el "yaoi" se extiende a mangas y anime estrictamente catalogados en este género, con excepción de algún manga o anime que parodie o referencie al mismo.  Las mujeres interesadas en yaoi suelen ser denominadas como Fujoshi (腐女子). La traducción literal en español de este término sería 'chica podrida', por el supuesto ideal de que no eran mujeres puras ante sus deseos pecaminosos. En Japón es un término despectivo que se usa para referirse a mujeres que consumen este tipo de contenido.


title: Hentai

text: El "yuri", o GL (en inglés "Girls Love"  - «Amor de chicas») son animes y mangas que representan relaciones homosexuales entre mujeres. El término "shōjo-ai," en occidente, tradicionalmente se refiere a series y manga de contenido lésbico que no cuentan con ningún tipo de contenido sexual, por otro lado, cuando sí hay contenido sexual, se usa la palabra "yuri". Se cree que "Senya Ichiya Monogatari" (1969) fue el primer anime en representar el acto sexual entre chicas, mientras que el primer manga completamente dedicado a las relaciones lésbicas fue "Shiroi Heya no Futari" (1971), de Ryōko Yamagishi. El yuri comenzó en la década del 70. En la década de 1990, a medida que la sociedad japonesa se volvió más tolerante con las relaciones lésbicas, salieron las primeras escenas pornográficas en el yuri. Aunque no todo el manga y el anime yuri tienen contenido erótico, las escenas explícitas se han vuelto tan tradicionales para las obras de este género que en la mente de los fanáticos del manga y anime, el concepto de «yuri» suele estar muy ligado con el concepto de «hentai». Actualmente, este género no está tan extendido como el yaoi. El yuri está diseñado en su mayor parte para el público masculino.


title: Hentai

text: Existen revistas especiales de manga que publican yuri, como por ejemplo, "Comic Yuri Hime", "Comic Lily", "Tsubomi", entre otros. El yuri, como el hentai, se divide en varios géneros: amor romántico ("Shōjo Sect"), comedia ("Nageki no Kenkou Yuuryouji"), drama ("G-Taste"), horror ("Hotaruko"), etc.


title: Hentai

text: El hentai es aquel en el que se incluyen personajes hermafroditas, intersexuales o de estructura corporal femenina, pero con características sexuales masculinas. Estos incluyen, en primer lugar, chicas que tienen pene. Además del pene, puede contar con genitales femeninos también. Los personajes futanari suelen tener relaciones sexuales con mujeres, y ocasionalmente con hombres, ya que este género está dirigido principalmente a un público masculino.


title: Hentai

text: Un personaje futanari apareció en uno de los episodios de "Cream Lemon" en 1987. En la década de 1990, el género ganó popularidad, pasando rápidamente de un pasatiempo específico de aficionados individuales a un fenómeno popular y masivo. En Japón, las revistas Issuisha, Akane Shinsha, y otras, publican mangas especializados en el género futanari. En Occidente, el mangaka de futanari más famoso es Toshiki Yui.


title: Hentai

text: Los , también simplemente "Guro," fueron desarrollados en la literatura y la pintura japonesas de las décadas de 1920 y 1930. Esta tendencia se enfoca en la manifestación de formas extremas de violencia, de estética y del erotismo del asesinato y la muerte y, en general, en todo lo que va más allá de la norma. Ero-guro hentai también se conoce como «hentai duro» o «violento». A pesar de la falta de una clasificación clara, en el ero-guro se pueden distinguir varios temas principales: escenas de violación, golpizas, necrofilia, descripción del suicidio, amputación de miembros, asfixia, canibalismo, rituales de asesinatos, inmovilizaciones del cuerpo, tortura y otras variantes sobre la muerte violenta de la víctima.


title: Hentai

text: La revista de ero-guro más famosa fue "Garo", la cual dejó de existir en 2002. Katsuichi Nagai, quien creó esta revista en 1964, no le pagaba a los autores al principio, debido a que no obtenía las suficientes ganancias. Las ventas de "Garo" era a menudo de solo 7 mil copias por mes, y en la década de 1980 se redujo a 150 copias por año, sin embargo, muchos mangakas de "Garo", incluidos mangakas de ero-guro, se hicieron ampliamente conocidos posteriormente. Entre los autores reconocidos de ero-guro se encuentra Kazuichi Hanawa, Toshio Saeki, Suehiro Maruo, Hammaru Matino, Shintaro Kago y el ya mencionado Toshio Maeda. Además, a los artistas de manga de terror como Hideshi Hino y Junji Ito a veces se les referencia como artistas de ero-guro.


title: Hentai

text: Según las estadísticas, el 30% del hentai contiene "shotacon" y "lolicon", escenas eróticas que involucran representaciones de niños. En Japón, la ley que prohíbe la producción y distribución de pornografía infantil no cubre las producciones ilustradas.


title: Hentai

text: En el "shotacon", los niños son retratados en un contexto erótico. El psicólogo Tamaki Saito cree que se originó a principios de la década de 1980, siendo originalmente un subgénero del yaoi. Con el tiempo dejaron de ser solo niños, agregando también a niñas: Saito escribe que un manga shotacon creado por mujeres es estructuralmente idéntico al yaoi, mientras que los mangakas masculinos representan a los niños pequeños «como niñas con penes». La mayor parte del manga shotacon se publica, extraoficialmente, en forma de dōjinshi en revistas o antologías especializadas en ML. Los más comunes son: , , "Shōnen Ai no Bigaku". Desde 1995 hasta la actualidad, se celebra el festival anual de "dōjinshi shotacon" .


title: Hentai

text: Lolicon es el nombre japonés del «complejo de Lolita». En el manga y anime hentai lolicon se retratan las actividades sexuales que involucran a niñas. El género también apareció en la década de 1980, siendo "Lolita Anime" (1984), el primer hentai lolicon. En Japón, la palabra «lolicon» no tiene valores muy negativos, ya que el manga no es necesariamente pornográfico y atrae no solo a hombres, sino también a mujeres, por ejemplo, entre las autoras de manga lolicon más conocidas están: Kaworu Watashiya ("Kodomo no Jikan") y Yukiru Sugisaki ("Rizelmine"). En la cultura occidental, sin embargo, el término "lolicon" y "shotacon" suele asociarse más con material de pornografía infantil. El investigador Roland Kilts cree que la tolerancia hacia ellos en Japón proviene de tradiciones nacionales, según las cuales se valora la libertad de la fantasía humana y el derecho a expresarla: «Las relaciones sexuales entre adultos y colegialas están prohibidas, pero es absurdo negar que tales ideas a veces se apoderan de la mente de algunas personas».


title: Hentai

text: En el hentai, ciertas terminologías populares de la pornografía japonesa están ampliamente representadas:El anime hentai es producido para ser visto a través de internet, DVD o Blu-ray (ver formato OVA). Los estudios de animación más famosos son , , Pink Pineapple y , este último siendo marca registrada de . A diferencia de la animación comercial que espera generar ganancias significativas, el hentai solo procura recuperar el costo de creación. Estos proyectos son diseñados con bajo presupuesto y se realizan en el menor tiempo posible (lo que explica la mala calidad de la animación), pero se venden a un precio elevado y con pocas copias. Los editores tratan de obtener mayores ingresos de las ventas individuales a un costo de producción mínimo, con raras excepciones como, por ejemplo, la directora Masami Obari, directora de "Angel Blade" (2001), quien utilizó un presupuesto alto para dicha obra. Sin embargo, la estrategia convencional -creación rápida de un producto barato y luego la implementación de un precio elevado- provoca una reacción negativa del consumidor. Solo la productora Pixy se opuso activamente a esta tradición, produciendo anime erótico de alta calidad y vendiendo DVD a precios bajos, pero la iniciativa no fue apoyada por otros estudios.


title: Hentai

text: Muchas empresas están otorgando licencias y distribuyendo hentai en el extranjero: ADV Films, SoftCel Pictures, Critical Mass, NuTech Hentai, Central Park Media, Anime 18, JapanAnime.


title: Hentai

text: En Japón se publica una gran cantidad de revistas de manga hentai que cubren una amplia variedad de temas. Las editoriales más importantes, desde 2009, son Core Magazine, Akane Shinsha, TI Net, Kubo Shoten y Kill Time Communication. Entre los editores competidores se encuentran las empresas Touen Shobou y Tsukasa Shobou, las cuales se declararon en quiebra en 2007, y Shoubunkan, que a principios de la década de 2000 fue líder en el número de mangas fabricados, pero más tarde llevó el desarrollo de su negocio en otras direcciones.


title: Hentai

text: Akane Shinsha publica revistas como "Comic Tenma" (1998), "Comic choiS!" (2006), "Comic RiN" y "Comic LO" (2002). "Comic LO" es una de las revistas Lolicon más caras de la empresa («LO» en el título significa «Lolita Only» (Solo Lolita)). Core Magazine imprime "Comic HOTMiLK" (2007), "Comic MegaStore", "Comic the Zero EX" (2007), "Comic Nyan2 Club GOLD" (2006) y "Manga Bangaichi". Las ediciones de manga hentai de más de 600 yenes incluyen "2D Dream Magazine" y "Comic Unreal" (publicados por Kill Time Communication), "Comic Momohime" (por Fujimi Shuppan), "Angel Club" (por Angel Shuppan), "Buster Comic" (por TI Net), "Comic Pheromone" (por Tokyo Sanseisha) y Sun Publishing Magazines. Varias empresas no especializadas también tienen publicaciones hentai, por ejemplo, Futabasha con la revista mensual "Men's YOUNG".


title: Hentai

text: En la década de 1990, las revistas para mujeres más populares eran "Comic Amour" y "June," pertenecientes a "Sun Publishing", que se publican desde 1978. A finales de la década de 1990, la circulación de "June" oscilaba entre 80 y 100 mil copias, costando el doble que cualquier otra revista de manga. "Comic Amour", a su vez, alcanzó las 450 mil copias mensuales. Ambas revistas se imprimen hasta el día de hoy. Desde finales de la década de 1980 hasta su quiebra en 2006, Biblos fue una importante editorial de yaoi, que produjo, entre otras revistas, "BExBOY y" "Be-Boy Gold".


title: Hentai

text: El artículo 175 del código penal de Japón prohíbe la publicación de material «moralmente perjudicial», que tal como se interpreta actualmente incluye la exposición de genitales, así que es frecuente ver una barra cubriendo los genitales, o bien los genitales borrosos. Antes de 1994, la interpretación de esta ley incluía la prohibición de exponer vello púbico, una norma que se eludía dibujando personajes sin vello púbico.


title: Hentai

text: Sin embargo, esto causaba problemas cuando los vídeos hentai se distribuían a lugares como Europa y Estados Unidos. Como los personajes del anime parecen más jóvenes que los personajes de la misma edad de los dibujos animados occidentales, eso dio a algunos la impresión de que los vídeos contenían pornografía infantil.


title: Hentai

text: Un dato menos conocido es que la censura japonesa es muy estricta en cuanto a los dibujos sobre actividad sexual entre humanos y animales. Aunque se permite que circulen con relativa libertad actos con monstruos imaginarios (que suelen tener los conocidos tentáculos fálicos con el fin de evitar la ley relativa a los genitales de verdad), se ha considerado el sexo zoofílico con animales existentes como algo que debe ser perseguido.


title: Hentai

text: Existen organizaciones que regulan los títulos de las obras. Aunque no es habitual la persecución judicial, Suwa Yuuji fue multado por su obra Misshitsu con 500.000 yenes y evitó la cárcel al declararse culpable.


title: Dōjinshi

text: Los son mangas autopublicados. Se trata normalmente de "fanzines" de "manga". El término viene de o 'la misma persona' y , signo que significa 'revista' o 'distribución', refiriéndose así a que la misma persona que lo publica es la misma que realiza la revista y no una empresa.


title: Dōjinshi

text: Se podrían considerar trabajos de aficionados, pero algunos son simplemente publicaciones de "manga" de pequeña tirada. Normalmente, el dibujante de "dōjinshi" se basa en un "manga" o un anime de moda, pero puede incluir títulos anteriores o incluso los personajes originales del "mangaka". Las historias consisten normalmente en una parodia o una historia original con los personajes del "manga" o "anime" dado. También existen "dōjinshi" sobre obras o películas europeas y americanas como, por ejemplo, "Harry Potter", "Powerpuff Girls" o "Star Wars".


title: Dōjinshi

text: A primera vista, parece que las historias e ilustraciones hentai dominan este sector del "manga", pero muchos "dōjinshi", de hecho, no están necesariamente orientados al lector adulto, sino que son creados por gente que prefiere publicar sus propios cómics o está buscando ser captada para entrar en el mercado. Los artistas e ilustradores de "dōjinshi", tanto los individuales como los miembros de un «círculo», pueden ser meros aficionados o incluso artistas profesionales. El grupo de artistas CLAMP empezaron con los "dōjinshi".


title: Dōjinshi

text: Los seguidores más ávidos del arte del "dōjinshi" acuden a una convención semestral llamada Comiket (Comic Market, mercado de cómics) que tiene lugar todos los veranos e inviernos en Tokio. Allí, los "dōjinshi" nuevos e incluso los antiguos se compran, venden e intercambian. Debido a las leyes de los derechos de autor, los artistas de "dōjinshi" sólo pueden imprimir unas pocas copias de sus libros. Esto hace que las obras de los artistas y círculos más buscados se conviertan en algo que solo los que tienen más suerte y rapidez podrán conseguir antes de que la tirada se agote.


title: Dōjinshi

text: No existe un tamaño fijo para los "dōjinshi", y es que cada artista o círculo puede producirlo en el tamaño que desee. Los precios pueden variar entre un dólar y varios cientos de dólares. Este tipo de arte se expandió enormemente durante los años 1990 porque promociona una forma de arte libre y atrae tanto a los artistas con talento como a los seguidores.


title: Dōjinshi

text: En la cultura occidental los trabajos "dōjinshi" son percibidos a menudo como derivados de trabajos existentes, parecido a lo que se conoce como "fanfiction". En cierto modo esto es cierto, muchos trabajos "dōjinshi" suelen ser parodias o historias alternativas que utilizan las atmósferas de series conocidas de manga o anime e incluso videojuegos. Sin embargo, otros son trabajos completamente originales en todos los aspectos, desde los personajes hasta la historia.


title: Dōjinshi

text: Se distinguen en categorías similares al manga: "kenzen" (para niños), "shōnen" (para jóvenes y adolescentes), "yaoi" (hombre y hombre), "yuri" (mujer y mujer) y H «"ecchi"» o "hentai" (sexual). Algunos "dōjinshi "son historias originales que pueden pertenecer a cualquier categoría; otra cosa que afecta a un "dōjinshi" es la popularidad de un anime o manga: si tiene éxito tendrá un "dōjinshi"; algunas son historias inocentes pero otras no lo son. Los "dōjinshi ippan" no contienen material adulto y suelen ser adecuados para gente más joven.


title: Revolución de Copérnico

text: La Revolución de Copérnico es el título con el que suele conocerse a la revolución científica que se produce en Europa Occidental, representada en la astronomía por el paso del tradicional "sistema ptolemaico" geocéntrico al innovador "sistema copernicano" heliocéntrico, iniciada en el siglo XVI por Nicolás Copérnico (cuya obra "De revolutionibus", no alude al tradicional concepto de revolución, sino al de ciclo o trayectoria circular de los cuerpos celestes) y culminada en el siglo XVII por Isaac Newton. En gran parte como consecuencia de esta revolución, el panorama intelectual de finales del siglo XVII y comienzos del siglo XVIII se considera la crisis de la conciencia europea y abrirá el siglo XVIII como "Siglo de las luces" o de la Ilustración.


title: Revolución de Copérnico

text: La expresión revolución copernicana o giro copernicano ha pasado a ser popularmente sinónimo de «cambio radical» en cualquier ámbito.


title: Revolución de Copérnico

text: La transición de la sociedad occidental desde la Edad Media hacia la Edad Moderna, en su aspecto de cambio de mentalidad hacia la modernidad, significó una nueva consideración de la naturaleza desde un nuevo pensamiento científico, permitido por el uso de la razón humana sin sujeción al principio de autoridad. Desde el Renacimiento, el antropocentrismo humanista sustituye al teocentrismo de la escolástica. El Barroco revalorizará los sentidos y la experiencia como fuente de conocimiento. Racionalismo y empirismo serán dos orientaciones filosóficas opuestas, pero complementarias.


title: Revolución de Copérnico

text: En el , el "De revolutionibus orbium coelestium" de Nicolás Copérnico presenta una discusión completa de un modelo heliocéntrico del universo. Copérnico discute las implicaciones filosóficas del sistema que propone, lo elabora geométricamente en detalle con observaciones astronómicas seleccionadas para derivar los parámetros de su modelo y escribe numerosas tablas astronómicas que permitían calcular las posiciones pasadas y futuras de las estrellas y planetas.


title: Revolución de Copérnico

text: Copérnico arguye que el universo comprende ocho esferas. La última, más lejana y exterior, consiste en estrellas fijas sin movimiento, con el Sol quieto en el centro. Los planetas conocidos dibujan vueltas alrededor del Sol, cada uno en su propia esfera, en este orden, del centro hacia afuera: Mercurio, Venus, Tierra, Marte, Júpiter, Saturno. La Luna, no obstante, da vueltas en su esfera alrededor de la Tierra. Lo que parecía ser una vuelta diaria del Sol y las estrellas alrededor de la Tierra era en realidad la rotación de la Tierra sobre sí misma.


title: Revolución de Copérnico

text: Copérnico adhería a una de las creencias generales de su tiempo, que los movimientos de los cuerpos celestes debían ser compuestos por movimientos circulares uniformes. Por esta razón, no podía dar cuenta del movimiento observado de los planetas, por ejemplo de Marte y Mercurio, sin retener un sistema complejo de epiciclos similar a los del sistema ptolomeico. A pesar de la adhesión de Copérnico a este aspecto de la astronomía antigua, su propuesta radical, de una cosmología heliocéntrica, no geocéntrica, fue un golpe serio a la ciencia de Aristóteles –sentó las bases de lo que hoy llamamos Revolución científica.


title: Revolución de Copérnico

text: En tiempos de Galileo, la física adquirió el estatus de modelo de ciencia, modelo que debería seguir todo saber que quisiera alcanzar la categoría de conocimiento científico. La tarea de la ciencia del fue encontrar técnicas precisas para tener el control racional de la experiencia y mostrar cómo conceptos matemáticos se pueden utilizar para explicar los fenómenos naturales.


title: Revolución de Copérnico

text: Esencialmente, el éxito de Galileo se debió a la capacidad para combinar las funciones de erudito y artesano. Para ello aceptó las técnicas de los artesanos —las lentes, el astrolabio, las bombas— y el razonamiento lógico-matemático desarrollado por los griegos y la escolástica medieval. A partir de datos repetibles, ordenados bajo principios matemáticos, Galileo formuló la ley de la caída de los cuerpos, las leyes de movimiento de los proyectiles y la ley del péndulo. Es decir, redujo a leyes los diversos hechos observados utilizando un razonamiento inductivo.


title: Revolución de Copérnico

text: Galileo vislumbró que, en gran parte, las dificultades para comprender el movimiento planetario estaban causadas por el modelo geocéntrico, y que tales dificultades desaparecían aceptando el modelo heliocéntrico propuesto por Copérnico. En relación con el estudio de las trayectorias planetarias, en particular la de Marte, se sabía que en el no existía concordancia entre lo que se podía predecir con los instrumentos de Ptolomeo y las verdaderas trayectorias observadas en el cielo. Los Ptolemaicos suponían que cada planeta giraba alrededor de una circunferencia (epiciclo), cuyo centro, a su vez, describía otra circunferencia (deferente) centrada en la Tierra. El astrónomo danés Tycho Brahe a mediados del , demostró que la teoría fallaba y realizó nuevas y precisas observaciones planetarias. Se presentaron entonces dos opciones: admitir, como lo habían hecho antes Copérnico, y luego Galileo y Kepler, que estaba fallando la teoría geocéntrica, o bien que las hipótesis auxiliares acerca del número y tamaño de epiciclos y otros recursos para la explicación eran insuficientes. Los Ptolemaicos habían adoptado esta última postura durante muchos siglos, hasta que Kepler pudo explicar lo que sucedía asignando a cada planeta una única trayectoria elíptica alrededor del Sol. De esta manera Kepler formuló sus leyes del movimiento planetario.


title: Revolución de Copérnico

text: Los planteamientos de Galileo fueron decisivos en la revolución intelectual y científica del . Sus trabajos sobre la mecánica y la dinámica, sumados a los esfuerzos de Copérnico y Kepler, fueron integrados y sistematizados por Isaac Newton.


title: Revolución de Copérnico

text: La mecánica de Newton mostró que las leyes galileanas y keplerianas se podían deducir a partir de los principios de la teoría que lleva su nombre. De esta manera, logró unificar por vía deductiva lo que de otro modo hubiera quedado como un conjunto disperso de leyes empíricas. A menudo se concluye que el proyecto de la ciencia moderna encuentra su culminación en la física de Newton. La teoría de Newton, tal como fue presentada por el autor en los "Philosophiae Naturalis Principia Mathematica", de 1687, es frecuentemente considerada uno de los logros más espectaculares de la historia de la ciencia.


title: Revolución de Copérnico

text: Esta teoría fue considerada una revolución para el mundo de la ciencia porque fue una de las bases de la investigación científica junto a la observación y la experimentación y permitió tener una idea más concreta de la astronomía.


title: Revolución de Copérnico

text: El término «giro copernicano» suele utilizarse en la filosofía como una metáfora aludiendo al cambio radical de perspectiva que supone el planteamiento general de la filosofía de Immanuel Kant, respecto de la filosofía tradicional. Kant cree que la filosofía, para entrar en el camino seguro del progreso en el conocimiento, ha de hacer lo mismo que hizo Copérnico en astronomía: si éste, para explicar los movimientos celestes, entendió que era mejor partir del supuesto de que era el espectador quien giraba, de manera parecida Kant cree que sólo podemos tener un verdadero conocimiento de las cosas –un conocimiento universal y necesario– si el objeto depende del pensamiento, para ser conocido, y no a la inversa. Éste es el supuesto de que parte la filosofía trascendental de Kant.


Philosophiæ naturalis principia mathematica (del latín: Principios matemáticos de la filosofía natural), también conocida simplemente como Principia, es una obra publicada por Isaac Newton el 5 de julio de 1687 a instancias de su amigo Edmund Halley, donde recoge sus descubrimientos en mecánica y cálculo matemático. Este trabajo marcó un punto de inflexión en la historia de la ciencia y es considerada, por muchos, como la obra científica más importante de la historia.


title: Philosophiæ naturalis principia mathematica

text: Su publicación se había demorado enormemente dado el temor de Newton a que otros intentaran apropiarse de sus descubrimientos. Sin embargo Edmund Halley presionó a Newton hasta que publicara; Newton se lo agradece en las primeras páginas del libro. Los tres libros de esta obra contienen los fundamentos de la física y la astronomía escritos en el lenguaje de la geometría pura. El Libro I contiene el método de las "primeras y últimas razones" y, bajo la forma de notas o "escolios", se encuentra como anexo del Libro III la teoría de las fluxiones. Aunque esta obra monumental le aportó un gran renombre, resulta un trabajo difícil de leer en la actualidad dado el lenguaje y tono utilizados. Es por ello, que por ejemplo en el cálculo diferencial, es la notación de Leibniz la que se utiliza en la actualidad, más intuitiva y que facilita los cálculos, y no la de Newton.


text: En el campo de la mecánica recopiló en su obra los hallazgos de Galileo y enunció sus tres famosas leyes del movimiento. De ellas pudo deducir la fuerza gravitatoria entre la Tierra y la Luna y demostrar que esta es directamente proporcional al producto de las masas e inversamente proporcional al cuadrado de la distancia, multiplicando este cociente por una constante llamada constante de gravitación universal. Tuvo además la gran intuición de generalizar esta ley a todos los cuerpos del universo, con lo que esta ecuación se convirtió en la ley de gravitación universal.


text: El ejemplar de la primera edición de los "Principia" que perteneció a Isaac Newton, conteniendo anotaciones y correcciones manuscritas, se encuentra en la Biblioteca Wren del Trinity College de Cambridge.


text: Existió una polémica concerniente a quién había sido el inventor del cálculo, título que se disputaron Newton y Leibniz. Lo cierto es que si bien Leibniz publicó antes sus ideas, Newton había elaborado toda su teoría mucho antes, pero se demoró en publicarla.


text: Se puede dividir el "Philosophiæ naturalis principia mathematica" de Isaac Newton en seis partes. Estas partes son: definiciones, axiomas, un fragmento del Libro Primero y del Libro Segundo con su escolio (o explicación), otro segmento del Libro Tercero y el escolio general.


text: El libro comienza con un conjunto de definiciones de los conceptos que va a utilizar. Define materia, cantidad de movimiento, "fuerza insita de la materia", fuerza impresa, fuerza centrípeta, cantidad absoluta de una fuerza, cantidad acelerativa de una fuerza y cantidad motriz de una fuerza. Define la materia como la cantidad surgida de su densidad y su magnitud. La cantidad de movimiento como la medida surgida de la velocidad y cantidad de materia. La cantidad motriz de una fuerza centrípeta como la medida proporcional al movimiento que genera en un tiempo dado. Le sigue a las definiciones un pequeño escolio en donde expone la importancia del tiempo y el espacio absoluto. Newton dice: “…será conveniente distinguir allí entre lo absoluto y lo relativo, lo verdadero y lo aparente, lo matemático y lo vulgar.” Comenta que se puede distinguir de un movimiento absoluto a uno relativo, ya que el movimiento absoluto solo se puede cambiar al imprimirle una fuerza, y el relativo puede cambiar si se mueven los cuerpos con los cuales se está comparando. Termina diciendo que el fin de este trabajo es deducir los verdaderos movimientos a partir de los aparentes y viceversa.


text: La parte de axiomas o leyes del movimiento comienza indicándonos las famosas tres leyes de Newton.


text: A estas leyes le siguen una lista de corolarios en donde explica: cómo sumar fuerzas, cómo es que una fuerza se puede separar en dos componentes, la conservación de momento de un sistema y la conservación del momento del centro de masa de un sistema, que aunque no demuestra dice que lo hace en el Lema XXIII.


text: Esta sección también termina con un escolio, en el que indica no ser el autor de estas leyes ya que son “principios aceptados por los matemáticos”. Le da el crédito a Galileo que trabajó con proyectiles y movimiento parabólico, y a Wren, Wallis y Huygens, “los mejores geómetras de nuestro tiempo”, que trabajaron con impactos. Explica una serie de experimentos para mostrar la certeza de las leyes.


text: El segmento del Libro primero está compuesto por una serie de lemas matemáticos. En los primeros está interesado en aproximar áreas con paralelogramos y afirma que “la suma última de esos paralelogramos evanescentes coincidirá en todas las partes con la figura curvilínea.” En lemas siguientes trabaja con arcos y cuerdas que se aproximan a tangentes y asevera que su última razón es la igualdad.


text: La parte del Libro Segundo, también llamado "El Movimiento de los Cuerpos en Medios Resistentes", contiene dos secciones, en la primera se ocupa de “el movimiento de cuerpos que son resistidos en la razón de la velocidad”, al principio hay un teorema de cuánto movimiento pierden estos cuerpos, seguida de la explicación del movimiento de un cuerpo en descenso con esta resistencia. En un corolario explica que la velocidad alcanza un máximo. La sección II trata “sobre el movimiento de los cuerpos que son resistidos como el cuadrado de su velocidad”, y contiene teoremas similares a los anteriores. Sin embargo en el escolio de la primera sección señala que éstas son más hipótesis matemáticas que físicas.


text: En la última parte del Libro Segundo explica por qué es errónea la representación con vórtices del sistema solar, ya que los vórtices jamás se pueden mover en elipses. Esta parte también es una introducción al Libro Tercero ya que ahí sí explica de forma completa el problema de los planetas.


text: Al principio del Libro Tercero Newton escribe que los libros anteriores son la herramienta matemática para poder explicar el libro tercero, y que si alguien va a leer este libro tiene que estar familiarizado con los principios precedentes. Después de explicar que se necesita la herramienta matemática de los dos primeros libros, denota la importancia de los experimentos, dice “las cualidades de los cuerpos sólo son conocidas por experimentos…no debemos abandonar la evidencia de los experimentos”. Después explica que de la observación podemos deducir propiedades universales, ya que todas las cosas que conocemos gravitan: “debemos como consecuencia de esta regla admitir universalmente que todos los cuerpos sin excepción están dotados de un principio de gravitación.”


text: Ya que manifestó la importancia de las observaciones, escribe una parte que se llama Fenómenos, que está llena de datos experimentales de los planetas. Le siguen una colección de teoremas que utiliza las demostraciones de los libros anteriores y no incluye casi nada de matemáticas. Se encuentran propiedades de la gravitación, como que la gravitación es proporcional a la cantidad de materia; que los pesos de los cuerpos no dependen de su forma, y que la gravedad es inversamente proporcional al cuadrado de la distancia. Al final de esta sección demuestra que los planetas se mueven en elipses.


title: Gottfried Leibniz

text: Gottfried Wilhelm Leibniz, a veces Gottfried Wilhelm von Leibniz (Leipzig, 1 de julio de 1646-Hannover, 14 de noviembre de 1716), fue un polímata, filósofo, matemático, lógico, teólogo, jurista, bibliotecario y político alemán.


title: Gottfried Leibniz

text: Fue uno de los grandes pensadores de los siglos y , y se le reconoce como el «último genio universal», esto es, la última persona que pudo formarse suficientemente en todos los campos del conocimiento; después ya solo hubo especialistas. Realizó profundas e importantes contribuciones en las áreas de metafísica, epistemología, lógica, filosofía de la religión, así como en la matemática, física, geología, jurisprudencia e historia. Incluso Denis Diderot, el filósofo deísta francés del siglo , cuyas opiniones no podrían estar en mayor oposición a las de Leibniz, no podía evitar sentirse sobrecogido ante sus logros, y escribió en la "Encyclopédie": «Quizás nunca haya un hombre que haya leído tanto, estudiado tanto, meditado más y escrito más que Leibniz… Lo que ha elaborado sobre el mundo, sobre Dios, la naturaleza y el alma es de la más sublime elocuencia. Si sus ideas hubiesen sido expresadas con el olfato de Platón, el filósofo de Leipzig no cedería en nada al filósofo de Atenas».


title: Gottfried Leibniz

text: De hecho, el tono de Diderot es casi de desesperanza en otra observación, que contiene igualmente mucha verdad: «Cuando uno compara sus talentos con los de Leibniz, uno tiene la tentación de tirar todos sus libros e ir a morir silenciosamente en la oscuridad de algún rincón olvidado». La reverencia de Diderot contrasta con los ataques que otro importante filósofo, Voltaire, lanzaría contra el pensamiento filosófico de Leibniz, consecuencia del aprecio que sentía por Newton y del desprecio que sentía por el optimismo en que desembocaba su sistema filosófico. A pesar de reconocer la vastedad de la obra de este, Voltaire sostenía que en toda ella no había nada útil que fuera original, ni nada original que no fuera absurdo y risible.


title: Gottfried Leibniz

text: Ocupa un lugar igualmente importante tanto en la historia de la filosofía como en la de la matemática. De manera independiente al trabajo de Newton (quien lo había desarrollado 10 años antes pero no lo había publicado debido a su trauma por la crítica que una vez le hiciera Hooke) desarrolló el cálculo infinitesimal y su notación que es la que se emplea desde entonces. También inventó el sistema binario, fundamento virtual de todas las arquitecturas de las computadoras actuales. Fue uno de los primeros intelectuales europeos que reconocieron el valor y la importancia del pensamiento chino y de China como potencia desde todos los puntos de vista.


title: Gottfried Leibniz

text: René Descartes, Baruch Spinoza y Leibniz integran la terna de los tres grandes racionalistas del siglo . Su filosofía se vincula también con la tradición escolástica y anticipa la lógica moderna y la filosofía analítica. Leibniz hizo asimismo contribuciones a la tecnología y anticipó nociones que aparecieron mucho más tarde en biología, medicina, geología, teoría de la probabilidad, psicología, ingeniería y ciencias de la computación. Sus contribuciones a esta vasta lista de temas se recoge en diarios y en decenas de miles de cartas y manuscritos inéditos. Hasta el momento, no se ha realizado una edición completa de sus escritos, y por ello no es posible aún hacer un recuento integral de sus logros.


title: Gottfried Leibniz

text: Gottfried Leibniz nació el 1 de julio de 1646 en Leipzig, dos años antes de que terminara la Guerra de los Treinta Años, hijo de Federico Leibniz, jurista y profesor de filosofía moral en la Universidad de Leipzig, y Catherina Schmuck, hija de un profesor de leyes. Siendo adulto, frecuentemente firmaba como «von Leibniz» y numerosas ediciones póstumas de sus obras lo nombran como «Freiherr [barón] G. W. von Leibniz»; sin embargo, no se ha encontrado documento alguno que confirme que se le haya concedido un título nobiliario.


title: Gottfried Leibniz

text: Su padre falleció cuando tenía seis años, de modo que su educación quedó en manos de su madre y de su tío, y según sus propias palabras, de sí mismo. Al morir su padre, dejó una biblioteca personal de la que Leibniz pudo hacer uso libremente a partir de los siete años, y procedió a beneficiarse de su contenido, en particular los volúmenes de historia antigua y de los Padres de la Iglesia.


title: Gottfried Leibniz

text: Para cuando tenía doce años había aprendido por sí mismo latín, el cual utilizó durante el resto de su vida, y había empezado a estudiar griego. En 1661, a la edad de catorce años, se matriculó en la Universidad de Leipzig y completó sus estudios a los veinte años, especializándose en leyes y mostrando dominio de los clásicos, lógica y filosofía escolástica. Sin embargo, su educación en matemáticas no estaba a la altura de franceses o británicos.


title: Gottfried Leibniz

text: En 1666 publicó su primer libro y también su tesis de habilitación, "Disertación acerca del arte combinatorio". Cuando la universidad declinó el asegurarle un puesto docente en leyes tras su graduación, Leibniz optó por entregar su tesis a la Universidad de Altdorf y obtuvo su doctorado en cinco meses. Declinó después la oferta de un puesto académico en Altdorf y dedicó el resto de su vida al servicio de dos prominentes familias de la nobleza alemana.


title: Gottfried Leibniz

text: El primer puesto de Leibniz fue como alquimista asalariado en Núremberg, aunque no tenía ningún conocimiento sobre el tema. Entró en contacto con Johann Christian von Boineburg (1622–1672), antiguo ministro en jefe del elector de Maguncia, Juan Felipe von Schönborn, quien lo contrató como asistente y poco después lo presentó al elector, tras reconciliarse con él. Leibniz le dedicó un ensayo al elector con la esperanza de obtener un empleo. La estrategia funcionó, pues el elector le solicitó ayuda para una nueva redacción del código legal de su electorado, y en 1669 fue nombrado asesor de la Corte de Apelaciones. Aunque von Boineburg murió en 1672, permaneció al servicio de su viuda hasta 1674.


title: Gottfried Leibniz

text: Von Boineburg hizo mucho por promover su reputación, y su servicio con el elector pronto tomó un rol más diplomático. Publicó un ensayo bajo el seudónimo de un noble polaco, en el que argumentaba (sin éxito) en favor del candidato alemán a la Corona polaca. El principal factor en la geopolítica europea durante su vida adulta fueron las ambiciones de Luis XIV de Francia, respaldadas por su ejército y su poderío económico. La Guerra de los Treinta Años había dejado exhausta a la Europa de habla alemana, además de fragmentada y económicamente atrasada. Leibniz propuso protegerla distrayendo a Luis XIV de la siguiente manera: Se invitaría a Francia a tomar Egipto como un primer paso hacia una eventual conquista de las Indias Orientales Neerlandesas. A cambio, Francia se comprometería a no perturbar a Alemania ni a Países Bajos. El plan recibió un apoyo cauteloso del elector. En 1672 el gobierno francés invitó a Leibniz a París para su discusión, pero el plan se vio pronto superado por los acontecimientos y se tornó irrelevante.


title: Gottfried Leibniz

text: De esta forma Leibniz inició una estancia de varios años en París, durante la cual incrementó considerablemente sus conocimientos de matemáticas y física y empezó a realizar contribuciones en ambas disciplinas. Conoció a Malebranche y a Antoine Arnauld, el principal filósofo francés de la época, estudió los escritos de Descartes, de Pascal, tanto los publicados como los inéditos y entabló amistad con el matemático alemán Ehrenfried Walther von Tschirnhaus, con quien mantuvo correspondencia hasta el final de su vida. Especialmente oportuno fue el conocer al físico y matemático neerlandés Christiaan Huygens, quien por entonces también se encontraba en París. Al llegar a París, Leibniz recibió un duro despertar, pues sus conocimientos de física y matemáticas eran fragmentarios. Con Huygens como mentor, inició un programa autodidacta que pronto resultó en la realización de grandes contribuciones en ambos campos, incluyendo el descubrimiento de su versión del cálculo diferencial y su trabajo en las series infinitas.


title: Gottfried Leibniz

text: A principios de 1673, cuando quedó claro que Francia no llevaría adelante su parte del plan de Leibniz respecto de Egipto, el elector envió a su propio sobrino, acompañado por Leibniz, en una misión diplomática ante el gobierno británico. En Londres Leibniz conoció a Henry Oldenburg y a John Collins. Después de mostrar ante la "Royal Society" una máquina capaz de realizar cálculos aritméticos conocida como la "Stepped Reckoner", que había estado diseñando y construyendo desde 1670, la primera máquina de este tipo que podía ejecutar las cuatro «operaciones aritméticas básicas», la Sociedad le nombró miembro externo. La misión concluyó abruptamente al recibir la noticia de la muerte del elector. Leibniz regresó inmediatamente a París y no a Maguncia, como tenía planeado.


title: Gottfried Leibniz

text: La muerte repentina de los dos mecenas de Leibniz en el mismo invierno significó que debía buscar un nuevo rumbo para su carrera. A este respecto, fue oportuna una invitación del duque de Brunswick en 1669 para visitar Hannover. Allí declinó la invitación, pero empezó a escribirse con el duque en 1671. En 1673 este le ofreció un puesto de consejero, que aceptó con renuencia dos años más tarde, solo después de que estuviera claro que no obtendría ningún empleo en París (cuyo estímulo intelectual apreciaba) o en la Corte imperial de los Habsburgo.


title: Gottfried Leibniz

text: Logró retrasar su arribo a Hannover hasta finales de 1676, después de otro breve viaje a Londres, donde posiblemente le mostraron algunas de las obras sin publicar de Isaac Newton (claro que esto es simplemente una conjetura dada la conocida renuencia de Newton a mostrar sus escritos), aunque la mayor parte de los historiadores de las matemáticas afirman ahora que Newton y Leibniz desarrollaron sus ideas de forma independiente: Newton desarrolló las ideas primero y Leibniz fue el primero en publicarlas.


title: Gottfried Leibniz

text: En el viaje de Londres a Hannover se detuvo en La Haya, donde conoció a Leeuwenhoek, quien mejoró el microscopio y descubrió los microorganismos. Igualmente dedicó varios días de intensa discusión con Spinoza, quien recientemente había concluido su obra maestra, "Ética". Leibniz sentía respeto por el poderoso intelecto de Spinoza, pero estaba consternado por sus conclusiones, que contradecían la ortodoxia cristiana.


title: Gottfried Leibniz

text: En 1677 fue promovido, por propia petición, a consejero privado de Justicia, cargo que mantuvo durante el resto de su vida. Leibniz sirvió a tres gobernantes consecutivos de la Casa de Brunswick como historiador, consejero político y como bibliotecario de la Biblioteca Ducal. Desde entonces empleó su pluma en los diversos asuntos políticos, históricos y teológicos que involucraban a la Casa de Brunswick; los documentos resultantes constituyen una parte valiosa de los registros históricos del período.


title: Gottfried Leibniz

text: Entre las pocas personas que acogieron a Leibniz en el norte de Alemania se contaban la electora, su hija Sofía Carlota de Hannover (1630–1714), la reina de Prusia y su discípulo confeso, y Carolina de Brandeburgo-Ansbach, la consorte de su nieto, el futuro Jorge II. Para cada una de estas mujeres, Leibniz fue correspondiente, consejero y amigo. Cada una de ellas lo acogió con más calidez de lo que lo hicieron sus respectivos esposos y el futuro rey Jorge I de Gran Bretaña.


title: Gottfried Leibniz

text: Hannover contaba entonces solo con unos 10 000 habitantes y su provincianismo desagradaba a Leibniz. Sin embargo, ser un cortesano importante en la Casa de Brunswick constituía un gran honor, especialmente en vista del meteórico ascenso en el prestigio de dicha Casa mientras duró la relación de Leibniz con ella. En 1692, el duque de Brunswick se convirtió en elector hereditario del Sacro Imperio Romano Germánico. La Ley de Asentamiento de 1701 designó a la electora Sofía y a su descendencia como la familia real del Reino Unido, una vez que tanto el rey Guillermo III como su cuñada y sucesora, la reina Ana, hubieran muerto. Leibniz participó en las iniciativas y negociaciones que condujeron a la Ley, pero no siempre de manera eficaz. Por ejemplo, algo que publicó en Inglaterra, pensando que promovería la causa de Brunswick, fue formalmente censurado por el Parlamento Británico.


title: Gottfried Leibniz

text: Los Brunswick toleraron los enormes esfuerzos que dedicaba Leibniz a sus proyectos intelectuales sin relación con sus deberes de cortesano, proyectos tales como el perfeccionamiento del cálculo, sus escritos sobre matemáticas, lógica, física y filosofía, y el mantenimiento de una vasta correspondencia. Empezó a trabajar en cálculo en 1674, y para 1677 tenía ya entre manos un sistema coherente, pero no lo publicó hasta 1684. Sus documentos más importantes de matemáticas salieron a luz entre 1682 y 1692, por lo general en una revista que él y Otto Mencke habían fundado en 1682, la "Acta Eruditorum". Dicha revista jugó un papel clave en los progresos de su reputación científica y matemática, la cual a su vez incrementó su eminencia en la diplomacia, en historia, en teología y en filosofía.


title: Gottfried Leibniz

text: El elector Ernesto Augusto le comisionó a Leibniz una tarea de enorme importancia, la historia de la Casa de Brunswick, remontándose a la época de Carlomagno o antes, con la esperanza de que el libro resultante ayudaría a sus ambiciones dinásticas. Entre 1687 y 1690 Leibniz viajó extensamente por Alemania, Austria e Italia en busca de materiales de archivo de relevancia para este proyecto. Pasaron las décadas y el libro no llegaba, de modo que el siguiente elector se mostró bastante molesto ante la evidente falta de progresos. Leibniz nunca concluyó el proyecto, en parte a causa de su enorme producción en otros ámbitos, pero también debido a su insistencia en escribir un libro meticulosamente investigado y erudito basado en fuentes de archivo. Sus patrones habrían quedado bastante satisfechos con un breve libro popular, un libro que fuera quizás un poco más que una genealogía comentada, a ser completada en tres años o menos. Nunca supieron que, de hecho, había llevado a cabo una buena parte de la tarea asignada: cuando los escritos de Leibniz se publicaron en el siglo , el resultado fueron tres volúmenes.