title: Miguel Bernal Jiménez

text: Fundó la Sociedad “Amigos de la Música” en 1938. Por el mismo tiempo, fue partícipe del proyecto político de Manuel Gómez Morín, como socio del Partido Acción Nacional en Michoacán. En 1944, organizó y dirigió el Coro de los Niños Cantores de Morelia. En 1945, inició su dirección del Conservatorio de las Rosas otorgándole su identidad tal y como hoy se conoce. Entre 1945 y 1946, recorrió Estados Unidos y Canadá dando conciertos de órgano. Fue decano del Colegio de Música de la Universidad de Loyola en Nueva Orleans, posición que sostuvo hasta que murió, en 1956, a causa de un ataque al corazón.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: Miguel Bernal también publicaba regularmente material musical, musicológico y pedagógico en su publicación periódica "Schola Cantorum".


title: Miguel Bernal Jiménez

text: El catálogo de Miguel Bernal se extiende a 251 obras, entre música sacra y música profana, dramas sinfónicos, música teatral, sonatas, sinfonías, misas, motetes, himnos y villancicos. Sus trabajos más destacados incluyen:Su acervo musical está compuesto por muchas y muy diversas obras. Una de las más destacadas es "Tata Vasco" (1941), drama sinfónico en conmemoración del 400º aniversario de la llegada del obispo Vasco de Quiroga, llamado Tata Vasco por los indios purépechas. Esta obra se estrenó en la ciudad de Madrid, España con vestuario y escenografía de Alejandro Rangel Hidalgo. La obra combina melodías indígenas, cantos gregorianos y melodías románticas para caracterizar cada una de las tres partes involucradas en la historia.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: Muchas de sus obras eran realizadas por encargo. "Noche de Morelia" (1941) fue encargada por la Cruz Roja, y estrenada por la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección de su titular y fundador Carlos Chávez. La obra es representativa de muchas de las costumbres de la gente de Morelia en los años cuarenta. Su "Sinfonía-Poema México" (1946), una de sus obras nacionalistas más representativas, le valió el reconocimiento del compositor español Joaquín Turina.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: En su "Concertino para órgano y orquesta" (1949), pone en manifiesto su admiración por los grandes compositores del Barroco y Clasicismo europeos, cuya influencia no es tan notable en sus demás obras. Bernal Jiménez demuestra también su destreza armónica al concertar la identidad propia del órgano como instrumento solista y acompañarlo grandilocuentemente con la orquesta. El "Retablo Medieval" que designa a esta obra se caracteriza en sus dos primeras partes: «Mester de Juglares» y «Mester de Clerecía».


title: Miguel Bernal Jiménez

text: "El Chueco" (1951) es considerada como una de las obras de ballet mexicano más representativas del siglo XX. La obra muestra una sonoridad nacionalista caracterizada por los temas populares acompañados de un fondo inherentemente religioso. La obra se estrenó en 1951 por la Orquesta Sinfónica Nacional en el Palacio de Bellas Artes y dirigida por el mismo Bernal Jiménez.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: Su "Sinfonía Hidalgo" (1953) fue encargada por la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo y estrenada por la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por su autor en el Teatro Ocampo de Morelia.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: A causa de su nacimiento en pleno inicio de la Revolución mexicana, la obra de Miguel Bernal Jiménez se encuentra definida por un marcado tinte nacionalista. Su educación religiosa y profundo catolicismo, conjugados con su nacionalismo, lo llevaron a encabezar el movimiento conocido como nacionalismo sacro, producto del motu proprio publicado por el papa Pío X en 1903. Este documento promovía la reintroducción de la música sacra por medio de elementos regionales. Junto con la tolerancia religiosa que fue producto de los arreglos entre la Iglesia y el Estado mexicano tras la Guerra Cristera, esto definió el estilo de uno de los músicos más influyentes de la música mexicana contemporánea.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: Miguel Bernal Jiménez defendía en la música religiosa la aplicación de una tendencia innovadora para reivindicar su supremacía como arte sacro sobre lo profano. Su estilo musical es ecléctico, su música pretende abarcar una síntesis de lo mexicano y exponer todos los elementos de su realidad.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: Miguel Bernal muestra también elementos comunes a Manuel M. Ponce y otros compositores nacionalistas de su época, mezclando su música con temas obtenidos de las tradiciones populares, como cantos de trabajo, lemas religiosos, y melodías de trama política.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: Como musicólogo, investigó la historia de la música colonial. Después de largas y penosas búsquedas, descubrió el primer archivo de música colonial mexicana, que data del siglo XVIII y procede del Colegio de Santa Rosa de Santa María de Valladolid, que era el nombre de Morelia en la época del Virreinato, lo que revela a México como el país con el pasado musical más rico e interesante del Nuevo Mundo.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: Miguel Bernal Jiménez cundió también como un gran pedagogo. Sus métodos y publicaciones se probaron con éxito en el Conservatorio de las Rosas y en la Escuela Popular de Bellas Artes. En 1939 fundó la revista "Schola Cantorum", que fue durante mucho tiempo uno de los medios de difusión musical más importantes del país. La revista siguió publicándose de manera periódica hasta 1974, y hasta ese año conservó el formato original propuesto por su creador. En esta revista, Bernal Jiménez publicó constantemente material musical, musicológico y pedagógico bajo los seudónimos de “M.Mouse”, “Q.U.D.”, “Primicerius”, “Jaime Le Brungel”, “Fray Florindo”.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: Miguel Bernal fue un prolífico académico y su acervo bibliográfico consta de 11 libros y 173 artículos, muchos de ellos utilizados en la enseñanza de la música sacra en diversos lugares del país y en seminarios en México y el extranjero. Entre sus libros, destacan sus tratados de teoría musical del canto gregoriano, entre ellos “La Disciplina Coral”, “Las tres etapas de la ejecución gregoriana”, “Teoría del canto gregoriano”, “El acompañamiento gregoriano” y “La dirección gregoriana”.


title: Miguel Bernal Jiménez

text: Durante su vida recibió el Premio Pontificio en tres ocasiones (1930, 1931, y 1932), el Diploma de Honor de la Federación Teatral Mexicana (1941), la Medalla al Mérito Civil otorgada por el diario “El Universal” (1941), el Premio Nacional (1943) por la música de la película “La Virgen que forjó una Patria”, la Condecoración Generalísimo Morelos (1945), el Primer Premio del Concurso Chopin (1949). En 1956 fue declarado hijo predilecto del estado de Michoacán.


title: Halle Berry

text: Halle Berry (Cleveland, Ohio; 14 de agosto de 1966) es una actriz, directora y productora estadounidense ganadora de un Premio Óscar, un Globo de Oro, dos Premios del Sindicato de Actores y un Emmy.


title: Halle Berry

text: Berry fue una de las actrices mejor pagadas de Hollywood durante la década de 2000 y ha participado en la producción de varias de las películas en las que actuó. Berry también es un modelo de Revlon. Antes de convertirse en actriz, comenzó a modelar y participó en varios concursos de belleza, terminando como primera finalista en el concurso de Miss Estados Unidos y ocupando el sexto lugar en el concurso de Miss Mundo en 1986. Su avance cinematográfico fue en la comedia romántica Boomerang (1992), junto a Eddie Murphy, que lo llevó a películas como la comedia familiar "The Flintstones" (1994), la comedia-drama política "Bulworth" (1998) y la película para televisión Presenting Dorothy. Dandridge (1999), por la cual ganó el Premio Primetime Emmy y el Premios Globo de Oro a la Mejor Actriz en una Miniserie o Película, entre muchos otros premios.


title: Halle Berry

text: Es la única mujer afrodescendiente que ha ganado el Premio Óscar a mejor actriz principal.


title: Halle Berry

text: Su madre, Judith, es enfermera y ha estado junto a ella toda su vida, a diferencia de su padre, quien abandonó a la familia cuando Halle tenía solo 4 años de edad. Su padre regresó cuatro años más tarde, pero era un hombre muy agresivo. Su madre es de ascendencia inglesa y su padre es afrodescendiente.


title: Halle Berry

text: Consiguió el segundo lugar en el concurso Miss USA en 1986, lo que le valió el derecho de representar a los Estados Unidos en Miss Mundo en Londres, donde fue finalista, quedando en el sexto puesto. Desde entonces trabajó como modelo y actriz. En 2002 se convirtió en la primera actriz afrodescendiente en recibir un Óscar de la Academia a la , por su interpretación en "Monster's Ball".


title: Halle Berry

text: Uno de sus modelos a seguir fue Dorothy Dandridge, cantante, bailarina y actriz, a quien nombró al recoger el Óscar y a quien había representado en una película para la televisión años antes. Dandridge fue la primera actriz afrodescendiente candidata a un Óscar como protagonista en "Carmen Jones", de Otto Preminger, y cuya interpretación le valió a Halle un premio Emmy y un Globo de Oro.


title: Halle Berry

text: El debut cinematográfico de Berry fue en un pequeño papel para "Jungle Fever" de Spike Lee (1991), en el que interpretó a Vivian, una adicta a las drogas. Ese mismo año, Berry tuvo su primer papel co-protagonista en "Strictly Business" y un papel corto en "The Last Boy Scout". En 1992, Berry interpretó a una mujer de carrera que se enamora del personaje principal interpretado por Eddie Murphy en la comedia romántica "Boomerang". Al año siguiente, llamó la atención del público en la adaptación televisiva de "Queen: The Story of an American Family", basada en el libro de Alex Haley. Berry estaba en la película de "Los picapiedras" de acción en vivo interpretando el papel de "Sharon Stone", una sensual secretaria que sedujo a Fred Flintstone.  Berry asumió un papel más serio, interpretando a un ex drogadicto que lucha por recuperar la custodia de su hijo en "Losing Isaiah" (1995), protagonizada junto a Jessica Lange. Ella interpretó a Sandra Beecher en "Race the Sun" (1996), que se basó en una historia real, filmada en Australia y coprotagonizada junto a Kurt Russell en "Executive Decision". A partir de 1996, fue portavoz de Revlon durante siete años y renovó su contrato en 2004.


title: Halle Berry

text: Protagonizó junto a Natalie Deselle Reid en la película de comedia "B * A * P * S" de 1997. En 1998, Berry recibió elogios por su papel en "Bulworth"como una mujer inteligente criada por activistas que le da a un político (Warren Beatty) una nueva oportunidad de vida. El mismo año, interpretó a la cantante Zola Taylor, una de las tres esposas de la cantante de música pop Frankie Lymon, en la película biográfica "Por qué los tontos se enamoran". En la película biográfica de HBO de 1999, "Introducing Dorothy Dandridge", ella representó a la primera mujer negra nominada para el Premio de la Academia a la Mejor Actriz. Para Berry fue un proyecto sincero en que ella se involucró al punto de presentarlo, coproducirlo y luchar intensamente para que fuera aceptado. Su actuación allí fue reconocida con varios premios, entre ellos el Primetime Emmy Award y el Golden Globe Award.


title: Halle Berry

text: Berry interpretó a Storm / Tormenta en la adaptación cinematográfica de la serie de cómics "X-Men" (2000) y sus secuelas, "X-Men 2" (2003), "" (2006) y "" (2014). En 2001, Berry apareció en la película "Swordfish", que mostró su primera escena en "topless". Al principio, se negó a ser filmada en esa tesitura (tomando el sol), pero cambió de opinión cuando Warner Brothers aumentó considerablemente sus honorarios. La breve aparición de sus pechos le supuso medio millón de dólares más a la nómina acordada. Pero Berry consideró estas historias como rumores y se apresuró a desmentirlas. Después de rechazar numerosos roles que requerían desnudos, declaró que decidió hacer "Swordfish" porque su entonces esposo, Eric Benét la apoyó y alentó para que tomase riesgos. Berry apareció como Leticia Musgrove, la esposa con problemas de un asesino ejecutado (Sean Combs), en el largometraje de 2001 "Monster's Ball", un crudo pero esperanzado drama naturalista sobre el racismo ambientado en el Sur. Este sobresaliente trabajo le fue galardonado con el National Board of Review y el Premio Screen Actors Guild a la Mejor Actriz; en una coincidencia interesante, se convirtió en la primera mujer de color en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Actriz (anteriormente en su carrera, interpretó a Dorothy Dandridge, la primera afrodescendiente nominada a Mejor Actriz, y que nació en el mismo hospital que Berry, en Cleveland, Ohio).


title: Halle Berry

text: Como la "nueva chica Bond", Giacinta 'Jinx' Johnson, en el éxito de taquilla de "Die Another Day" en 2002, Berry recreó una escena del "Dr. No" surgiendo del oleaje como una nueva Venus, a imitación y cita de la Ursula Andress de hacía 40 años, cuando surgió de esa guisa ante James Bond. Lindy Hemming, diseñadora de vestuario de "Die Another Day", había insistido en que Berry usara un bikini y un cuchillo como homenaje. Berry ha dicho de la escena: "Es llamativa", "emocionante", "sexy", "provocativa" y "me mantendrá ahí fuera tras ganar un Óscar". La escena del bikini fue rodada en Cádiz; se informó que el lugar era frío y ventoso, y se han publicado imágenes de Berry envueltas en toallas gruesas entre tomas para tratar de mantenerse calientes. [39] Según una encuesta de noticias de ITV, Jinx fue elegida la cuarta chica más dura de la pantalla de todos los tiempos. Berry fue herida durante la filmación, cuando los escombros de una granada de humo le afectaron un ojo. Se retiró para una operación de 30 minutos. Después de ganar el Premio de la Academia, se pidió a los guionistas que ensancharan su papel de forma que apareciera más tiempo en pantalla en "X-Men 2".


title: Halle Berry

text: Protagonizó el "thriller" psicológico "Gothika" junto a Robert Downey, Jr en noviembre de 2003, pero durante su rodaje se rompió el brazo en una escena con Downey, quien se lo retorció con demasiada fuerza. La producción se detuvo durante ocho semanas. Fue un éxito moderado en la taquilla estadounidense (60 millones de dólares); ganó otros 80 en el extranjero.[44] Berry apareció en el vídeo musical de la banda de metal Limp Limpkit para "Behind Blue Eyes", compuesto para la banda sonora de la película. El mismo año fue nombrada la primera en la encuesta de "Las 100 mujeres más atractivas del mundo" de FHM.


title: Halle Berry

text: Berry protagonizó el papel principal en la película "Catwoman", por la que recibió 12,5 millones de dólares. Pero fue un auténtico fracáso: habiendo costado más de 100 millones de dólares recaudó tan solo 17 millones en su primer fin de semana y es considerada una de las peores películas jamás realizadas por los críticos. Además, Hale Berry fue distinguida con el Premio Razzie a la peor actriz por su papel; sin embargo, ella hizo de tripas corazón y apareció en la ceremonia para aceptar el premio en persona (lo que la convierte en la tercera persona y el segundo actor en hacerlo) [48], demostrando así su sentido del humor y considerando una experiencia necesaria estar al "fondo del rock" para poder llegar a estar "en la parte superior". Sosteniendo el Premio de la Academia en una mano y el Razzie en la otra, dijo: "Nunca en mi vida pensé que estaría aquí, ganando un Razzie. No es como si hubiera aspirado a estar aquí, pero gracias. Cuando era una niña, mi madre me dijo que, si no podías ser un buen perdedor, entonces no hay manera de que puedas ser un buen ganador".


title: Halle Berry

text: En la película de suspenso "Perfect Stranger" (2007), Berry fue protagonista junto a Bruce Willis e interpretaba a una reportera que se encubre para descubrir al asesino de su amiga de la infancia. La película recaudó una modesta cantidad de 73 millones de dólares en todo el mundo y recibió una tibia acogida por los críticos, quienes señalaron que, pese a la presencia de Berry y Willis, se presentaba "muy complicada de factura, a más de presentar un final retorcido que es irritante y superfluo". Su próximo estreno en 2007 fue el drama "Things We Lost in the Fire", coprotagonizada por Benicio del Toro, donde interpretó el papel de una viuda reciente que simpatiza con el problemático amigo de su difunto esposo. Fue esta la vez primera que trabajaba con una directora, la danesa Susanne Bier, y apreció la nueva experiencia de "pensar de la misma manera" que le ofrecía. Aunque la película obtuvo solo 8,6 millones de su exhibición global, obtuvo críticas positivas de diversos autores. El "Austin Chronicle" descubrió que la película era "un drama a nivel interno y externo impecablemente construido, de ritmo perfecto" y destacó que "Berry aquí se muestra tan brillante y buena como siempre ha sido".


title: Halle Berry

text: En abril de 2007 Berry recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood frente al Teatro Kodak en 6801 Hollywood Boulevard por sus contribuciones a la industria del cine. Al final de esa década se había establecido como una de las actrices de más alta cotización en Hollywood: se estimaba que ganaba una media de 10 millones de dólares por película.


title: Halle Berry

text: Berry apareció en un segmento de la comedia de antología independiente "Movie 43" (2013), que Chicago Sun-Times llamó "la versión de "Citizen Kane"". Berry encontró un mayor éxito en su próxima actuación, como operadora de 9-1-1 que recibió una llamada de una niña secuestrada por un asesino en serie, en el thriller de delitos "The Call" (2013). Berry se sintió atraído por "la idea de ser parte de una película que era tan poderosa para las mujeres. A menudo no jugamos roles como este, donde las personas comunes se vuelven heroicas y hacen algo extraordinario". Manohla Dargis de "New York Times" descubrió que la película era "un thriller realmente espeluznante", mientras que el crítico Dwight Brown sintió que "el guión le da a Berry un personaje de cuello azul que puede hacer accesible, vulnerable y valiente [...]". "The Call" fue un éxito durmiente, recaudando US$ 68.6 millones en todo el mundo.


title: Halle Berry

text: En 2014, Berry se unió a la estrella y se desempeñó como coproductora ejecutiva en la serie dramática de CBS "Extant", donde asumió el papel de Molly Woods, una astronauta que lucha por volver a conectarse con su esposo y su hijo androide después de pasar 13 años. meses en el espacio. El programa duró dos temporadas hasta 2015 y recibió críticas muy positivas de los críticos. "USA Today" comentó: "Ella [Halle Berry] le da dignidad y gravedad a Molly, una inteligencia proyectada que te permite comprarla como astronauta y ver lo que le ha ocurrido como aterradora en lugar de ridícula. Berry está de acuerdo, y tú flotar a lo largo ". También en 2014, Berry lanzó una nueva compañía de producción, 606 Films, con el socio productor Elaine Goldsmith-Thomas. Lleva el nombre del Proyecto de Ley Anti-Paparazzi, SB 606, que la actriz impulsó y que fue firmado por el gobernador de California Jerry Brown en el otoño de 2013. La nueva compañía surgió como parte de un acuerdo para que Berry trabaje en "Extant".


title: Halle Berry

text: En la comedia stand-up, la película del concierto ""(2016), Berry apareció como ella misma, se opuso a Kevin Hart, asistiendo a un evento de juego de póker que sale terriblemente mal.. "Kidnap", un thriller de secuestro que Berry filmó en 2014, se lanzó en 2017. En la película, ella actuaba como una camarera que seguía un vehículo cuando su hijo es secuestrado por sus ocupantes. "Kidnap" recaudó US$ 34 millones y obtuvo críticas mixtas de los escritores, quienes sintieron que "se desvía hacia una explotación mal escrita con demasiada frecuencia para aprovecharse de su pulposa premisa - o los talentos todavía impresionantes de [Berry]". Ella interpretó a una agente empleada por una organización secreta de espías estadounidense en la secuela de la comedia de acción Kingsman: "The Golden Circle" (2017), como parte de un reparto compuesto por Colin Firth, Taron Egerton, Mark Strong, Julianne Moore y Elton John. Si bien la respuesta crítica hacia la película fue mixta, recaudó US $ 414 millones en todo el mundo.


title: Halle Berry

text: Junto a Daniel Craig, Berry interpretó a una madre de clase trabajadora durante los disturbios de Los Ángeles en 1992 en el drama de Deniz Gamze Ergüven Kings (2017). La película encontró un estreno teatral limitado luego de su proyección inicial en el Toronto International Film Festival, y como parte de una recepción tibia en general, "Variety" señaló: "Se debe decir que Berry ha dado algunos de los mejores y Las peores actuaciones del último cuarto de siglo, pero esta es quizás la única que oscila en ambos extremos en la misma película". Ella asumió el papel de asesina en la película "", que se estrenó el 17 de mayo de 2019 por Lionsgate.


title: Halle Berry

text: Al igual que la actriz y cantante Dorothy Dandridge, a quien personificó en una película biográfica en 1999, Halle Berry sufrió maltrato por parte de uno de sus primeros novios, quien le causó una importante disminución en la capacidad auditiva. Su primer marido, David Justice, un jugador de béisbol, al parecer era también violento. Tras un periodo de depresión y un intento de suicidio, se divorció después de tres años de matrimonio. Estuvo casada con el músico Eric Benet, del que se divorció en 2005. Berry también terminó con Gabriel Aubry, su novio modelo, y el padre de su hija Nahla cuando esta tenía 2 años. La actriz y Olivier Martínez se casaron el 13 de julio de 2013 en el Château des Condé en Vallery, región de Borgoña (Francia). Su primer hijo en común (el segundo para Halle) nació el 5 de octubre de 2013 en el hospital Cedars-Sinai Medical Center de Los Ángeles y se llama Maceo-Robert. Tras dos años de matrimonio, se divorciaron en octubre de 2015.


title: Halle Berry

text: Berry ha declarado que la manera en que las personas han reaccionado a ella por su origen étnico es a menudo el resultado de la ignorancia. Su propia auto-identificación se ha visto influida por su madre, como la actriz ha dicho en una ocasión con estas palabras: Durante la grabación del programa "The Tonight Show" con Jay Leno el 19 de octubre de 2007, Berry enseñó una imagen distorsionada de su rostro, comentando: "¡Aquí es donde me parezco a mi primo judío!" Durante la redacción del programa, el comentario fue oscurecido por una pista de risas. Berry más tarde declaró: "Lo que pasó fue que estaba en "backstage" antes del programa y tengo tres chicas que son judías que trabajan para mí. Repasábamos las fotos para ver cuáles se veían tontas, y una de mis amigas judías dijo [sobre la foto con la nariz grande], '¡Ese podría ser tu primo judío!' Y supongo que estaba fresco en mi mente, y que acababa de salir de mi boca, pero no quise ofender a nadie, yo no quise hacer ningún daño -y después del show me di cuenta que podría ser visto como ofensivo, así que le pedí a Jay que lo quitase, y lo hizo."


title: Halle Berry

text: Para la revista "Ebony" marzo de 2011, Berry habló sobre las relaciones raciales, dando su opinión sobre lo que constituye la propia raza. En particular, la de su hija. Porque aunque Nahla, de 2 años, es hija de Berry y el modelo franco-canadiense Gabriel Aubry, la actriz no parece tan dispuesta a clasificar a su hija como de raza mixta. "Lo que creo es que eso es algo que va a tener que decidir", le dijo a la revista. "Yo no le voy a poner una etiqueta. Yo tuve que decidir por mí misma, y eso es lo que ella tendrá que hacer: cómo se va identificar en el mundo. Y creo que, en gran medida, eso se basa en cómo el mundo la identifique. Así es como yo me identifiqué." Sobre su hija dice:


title: Halle Berry

text: "Si uno es de múltiples razas, tiene un reto diferente, un reto único de abarcar todo lo que eres, y sin embargo encontrar una manera de identificarse, y creo que a menudo es difícil para nosotros", explicó. "Yo me identifico como una mujer "negra", pero siempre he querido integrar a mi madre y el lado blanco de lo que soy también. Por elegirlo, a menudo me he preguntado, 'Bueno, ¿eso la haría sentirse como si la estuviera invalidando por elegir identificarme más con el lado negro de mí?'"


title: Halle Berry

text: Junto con Pierce Brosnan, Cindy Crawford, Jane Seymour, Dick Van Dyke, Téa Leoni y Daryl Hannah, Berry luchó con éxito en 2006 contra la instalación de Gas Natural Licuado del Puerto de Cabrillo que se propuso frente a la costa de Malibu. Berry dijo: "Me importa el aire que respiramos, me importa la vida marina y el ecosistema del océano". En mayo de 2007, el gobernador Arnold Schwarzenegger vetó las instalaciones. Hasty Pudding Theatricals le otorgó el premio Mujer del Año 2006. Berry participó en una campaña bancaria de teléfonos celulares de casi 2,000 casas para Barack Obama en febrero de 2008. En abril de 2013, apareció en un videoclip de la campaña "Chime for Change" de Gucci, cuyo objetivo es recaudar fondos y crear conciencia sobre los problemas de las mujeres en términos de educación, salud y justicia. En agosto de 2013, Berry testificó junto a Jennifer Garner ante el Comité Judicial de la Asamblea Estatal de California en apoyo de un proyecto de ley que protegería a los niños de las celebridades del acoso de los fotógrafos. El proyecto de ley aprobado en septiembre.


title: Jacqueline Bisset

text: Jacqueline Bisset (nacida como Winifred Jacqueline Franser Bisset; Surrey, Reino Unido; 13 de septiembre de 1944) es una actriz de cine británica. Ganadora de un Globo de Oro a la mejor actriz de reparto en serie, miniserie o telefilme por la miniserie "Dancing on the Edge".


title: Jacqueline Bisset

text: Su madre, que era francesa, ejercía la profesión de abogada. Siendo niña, tomó clases de ballet y cursó la escuela en el Liceo Francés de Londres. Cuando Jacqueline contaba 15 años, a su madre se le diagnosticó una esclerosis múltiple que le impidió llevar una vida normal. Sus padres se divorciaron y ella decidió permanecer junto a su madre, a fin de poder asistirla y cuidarla. En esa época inició sus estudios de interpretación. Al mismo tiempo trabajaba de modelo de fotografía.


title: Jacqueline Bisset

text: Consiguió ser contratada para pequeños papeles en varias películas, hasta que en 1967 fue elegida para interpretar un breve papel en "Dos en la carretera", junto a Albert Finney y Audrey Hepburn. A continuación intervino en "Casino Royale", la célebre cinta de James Bond.


title: Jacqueline Bisset

text: En 1968 Mia Farrow, que atravesaba una época de dificultades personales, abandonó el rodaje de "The Detective" y Jacqueline obtuvo su papel. Su siguiente película fue "Bullitt", protagonizada junto a Steve McQueen. Unos años después, en 1972, actuó bajo la dirección de François Truffaut en "La noche americana", la cual le ganó el definitivo interés del público y de los directores de cine europeos.


title: Jacqueline Bisset

text: Su participación en "Abismo" (1977) junto a Robert Shaw y Nick Nolte, le valió el calificativo de "actriz más atractiva de todos los tiempos", que le dio la revista "Newsweek" a raíz de unas escenas en las que ella nadaba vestida únicamente con una camiseta.


title: Jacqueline Bisset

text: Poco después, actuó en "Ricas y famosas", con Candice Bergen, y "Bajo el volcán", con Albert Finney. Por esta última, rodada en 1984, fue nominada a un Globo de Oro, premio para el que ya había sido nominada en 1979 por "¿Quién mató a los grandes chefs?."


title: Jacqueline Bisset

text: También fue nominada para el premio César por su papel en la película francesa "La ceremonia" dirigida por el gran Claude Chabrol.


title: Jacqueline Bisset

text: A lo largo de su carrera ha trabajado con directores tan famosos como el ya citado François Truffaut, John Huston, George Cukor y Roman Polański, entre otros. Además de trabajar en cine, Bisset ha actuado también en diversas películas de televisión, sobre todo a partir de la década de 1990, algunas de las cuales han tenido un notable éxito. Uno de los papeles con los que se ha podido familiarizar más es el personaje de Jacqueline Kennedy Onassis, que ha interpretado tanto en el cine como en la televisión.


title: Jacqueline Bisset

text: Jacqueline Bisset es conocida como actriz que no escatima tiempo para firmar autógrafos, incluso personalizados, para sus admiradores. No ha estado casada nunca, pero ha mantenido relaciones amorosas con varios hombres, que frecuentemente han sido ampliamente divulgadas en los medios informativos, como por ejemplo el actor Michael Sarrazin y el bailarín ruso Alexander Godunov.


title: Jacqueline Bisset

text: Jacqueline Bisset fue en 2010 la imagen de una reconocida marca de cosméticos norteamericana, para el lanzamiento de un tratamiento antienvejecimiento para mujeres mayores de 60 años. En palabras de Jacqueline: «Yo no escondo mi edad, mi piel sí». Así se definía la campaña publicitaria de la marca Avon para la línea "ANEW Platinum" donde Jacqueline se definía como una mujer que lleva su edad con distinción y elegancia.


title: Humphrey Bogart

text: Humphrey DeForest Bogart (Nueva York, -Los Ángeles, California, ) fue un actor de cine y teatro estadounidense. El estilo cínico y moralmente dudoso de muchos de sus personajes, la elegancia perpetua, el eterno cigarrillo siempre entre sus dedos y su condición de galán poco convencional son algunos de los rasgos más recordados de su filmografía. Según la lista del American Film Institute, se lo considera la más importante de los primeros cien años del cine estadounidense.


title: Humphrey Bogart

text: Fue el mayor de los tres hijos de un matrimonio formado por el cirujano Belmont DeForest Bogart (1867-1934), de orígenes angloholandeses (el apellido Bogart proviene del neerlandés Bogaert) y la artista gráfica Maud Humphrey (1868-1940), formada en París con el pintor impresionista Whistler, directora gráfica de la revista de moda "The Delineator" y sufragista militante; como ilustradora era muy reputada y ganaba algo más que el doble que su marido. Ambos padres eran fríos, despegados y formales con Humphrey y sus dos hermanas, aunque los querían a su manera. Heredó de su padre la tendencia a la crítica, la afición por la pesca, el amor de por vida a la navegación y la atracción por mujeres de carácter fuerte.


title: Humphrey Bogart

text: Los Bogart vivían en un apartamento del Upper West Side y poseían una cabaña en una finca de 55 acres junto al lago Canandaigua, al norte del estado de Nueva York, donde en su juventud el grupo de amigos de Bogart se entretenía organizando obras de teatro. "Bogie" asistió a buenas escuelas y la familia esperaba que siguiera la carrera médica del padre en la Universidad de Yale.


title: Humphrey Bogart

text: La vida de Humphrey cambió cuando, en el internado de la Academia Philips (Massachusetts), conoció a su amigo William Brady, hijo del productor de teatro William A. Brady, quien lo animó a hacerse actor de teatro. Tal vez por esto empezó a no encajar en la Academia y fue expulsado por razones algo oscuras, aunque todas relacionadas con el desapego hacia el destino que se había delineado para él.


title: Humphrey Bogart

text: Como al fin se había desvanecido la posibilidad de una carrera médica, en la primavera de 1918 se alistó en la Marina para combatir en la I Guerra Mundial y fue destinado como marinero al buque USS "Leviathan". En ese mismo año de 1918 el barco fue atacado por submarinos y un torpedo lo alcanzó, sin lograr hundirlo. Al parecer, es falso que entonces sufriera una herida en los labios que, en realidad, se hizo de niño y que como otras historias hollywoodienses son patrañas creadas por las productoras para promocionar a sus estrellas. Su expediente militar lo registra como un marinero ejemplar y que pasó la mayor parte de su tiempo tras el armisticio ayudando a transportar tropas de regreso desde Europa. Cuando volvió él mismo encontró a su padre enfermo y a su acaudalada familia casi arruinada por malas inversiones. Su carácter ya se había configurado tras el paso por la Marina y se convirtió en un liberal al que no le gustaban las pretensiones de los farsantes y los "snobs" y que a veces desafiaba el comportamiento y la autoridad convencionales; también era educado, elocuente, puntual, modesto y distante. Tras su servicio naval, trabajó como vendedor de bonos, y se unió a la Reserva de la Guardia Costera.


title: Humphrey Bogart

text: Bogart reanudó su amistad con Bill Brady junior y obtuvo un trabajo burocrático como administrador en la compañía cinematográfica y de teatro World Film Corporation, propiedad del padre de su amigo. Su manera ceceante de hablar y su aspecto físico, que no se correspondía con el del clásico galán de la época, dificultaron al principio su carrera como actor. Desde (cuando hizo su primera aparición en el escenario en la obra "The Ruined Lady") hasta solo hizo pequeñas intervenciones en escenarios y en algunas películas y formó parte de al menos 17 producciones de Broadway, con papeles secundarios románticos o juveniles en comedias de salón. Pero en 1930 su residencia habitual ya era Hollywood. Entre los papeles secundarios que Bogart realizó cabe destacar su aparición en "Tres vidas de mujer" (), película que tuvo una gran repercusión en su carrera y contribuyó a sacarle del anonimato.


title: Humphrey Bogart

text: El actor Leslie Howard, protagonista de "El bosque petrificado", exigió a la Warner Brothers la participación de Bogart en el papel del gángster Duke Mantee, papel que Humphrey había bordado en la pieza homónima de Broadway, porque además se parecía mucho al icónico y popular John Dillinger. Así, en , el enorme éxito que tuvo "El bosque petrificado" supuso el comienzo de una carrera sólida para el actor. Su consagración llegó en con "El último refugio", dirigida por Raoul Walsh.


title: Humphrey Bogart

text: A partir de entonces, Bogart encadenó títulos hoy considerados clásicos. Bajo la dirección de John Huston, recibió un definitivo espaldarazo rodando "El halcón maltés" (1941), donde interpretaba al detective Sam Spade. En filmó "Casablanca", en la cual protagonizaba, junto a la actriz sueca Ingrid Bergman, una de las más grandes historias de amor de la cinematografía mundial. La cinta, dirigida por Michael Curtiz, está catalogada como una de las cinco mayores películas jamás filmadas, y valió a Bogart su primera nominación al premio Óscar, aunque no lo ganó, y forjó su leyenda como actor de insólito carisma. Amante del mar, Bogart compró el "Santana", un yate de vela de 55 pies (17 m) al actor Dick Powell en 1945. En el mar encontraba el refugio que necesitaba: pasaba unos treinta fines de semana al año en el agua, con una afición particular por navegar alrededor de Isla Santa Catalina (California): "Un actor necesita algo para estabilizar su personalidad, algo para concretar lo que realmente es y no lo que pretende ser actualmente".


title: Humphrey Bogart

text: En apenas cuatro años (1944-48) Bogart enlazó cuatro obras maestras del cine negro, todas ellas coprotagonizadas por Lauren Bacall: "Tener y no tener", "The Big Sleep", "La senda tenebrosa" y "Key Largo". Pero la que destacó realmente fue "El tesoro de Sierra Madre" (1948), un nuevo trabajo con su descubridor, el director John Huston. Se trata de una cruda historia de codicia entre tres buscadores de oro en México que adaptaba una gran novela del enigmático B. Traven. Como carecía de historia de amor y de un final feliz, se consideraba un proyecto arriesgado. Bogart dijo más tarde sobre su coprotagonista (y padre de John Huston) Walter Huston: "Probablemente sea el único actor en Hollywood con el que con mucho gusto perdería una escena".


title: Humphrey Bogart

text: La película fue filmada en pleno verano para lograr más realismo y atmósfera, y fue agotadora de hacer. El guionista James Agee escribió: "Bogart hace un trabajo maravilloso con este personaje... millas por delante del muy buen trabajo que ya ha hecho". Pero, aunque John Huston ganó el premio de la Academia al mejor director y guion y su padre Walter ganó el premio al mejor actor de reparto, la película tuvo unos mediocres resultados de taquilla. Bogart se quejó con amargura: "Un guion inteligente, bellamente dirigido y algo diferente... y el público le dio la espalda".


title: Humphrey Bogart

text: Cuando comenzó la persecución de directores, guionistas y actores presuntamente comunistas en Hollywood por parte del corrupto senador Joseph McCarthy y su Comité de Actividades Antiestadounidenses, se convirtió en portavoz del grupo de actores contrarios a lo que entonces se llamó Caza de brujas como alusión a las persecuciones de Salem en 1692, dramatizada por Arthur Miller; en efecto la mayoría de los acusados por este comité padecieron problemas laborales (la Lista negra de Hollywood) y alguno incluso se suicidó por este motivo. Y aunque era miembro del Comité de la Primera Enmienda fundado por el guionista Philip Dunne, la actriz Myrna Loy y los directores John Huston y William Wyler, escribió un artículo, "No soy comunista", para la edición de marzo de 1948 de la revista "Photoplay" en la que procuraba distanciarse de los llamados Diez de Hollywood para contrarrestar la publicidad negativa derivada de su militancia demócrata liberal.


title: Humphrey Bogart

text: Tampoco se le escapaba al propio Humphrey Bogart su encasillamiento como estereotipo máximo del cine negro o de gánsteres en fecha tan temprana como 1941, cuando resumía así su carrera: "En mis últimas 34 películas fui tiroteado en doce, electrocutado o ahorcado en ocho e hice de presidiario en nueve."


title: Humphrey Bogart

text: Sin embargo, su valor actoral fue reconocido por la Academia de Cine americana en cuando fue nominado por segunda vez y ganó el Oscar al mejor actor por su interpretación en "La reina de África", coprotagonizada por Katharine Hepburn. El rodaje, íntegramente realizado en la selva africana, fue una experiencia muy dura para la mayoría del equipo; solamente Bogart y Huston no contrajeron disentería, porque no comían sino frijoles y espárragos enlatados y no bebían agua, sino whisky; la Hepburn conservaba un mal recuerdo de entonces, por tener que lidiar constantemente con las borracheras del director y su actor principal.


title: Humphrey Bogart

text: Luego participó en otras películas míticas como "El motín del Caine" (su tercera nominación al Óscar), "Sabrina" (con Audrey Hepburn y William Holden), "La burla del diablo" (con Jennifer Jones y Gina Lollobrigida) y "La condesa descalza" (con Ava Gardner). En 1955 rodó junto a Peter Ustinov la comedia de tema carcelario "No somos ángeles", que daría pie a un "remake" en 1989 con Sean Penn y Robert De Niro.


title: Humphrey Bogart

text: Desde el inicio de su carrera en cine filmó varias películas, con quien sería una de sus grandes amigas artistas, la mítica y legendiaria actriz Bette Davis, quien es considerada como la primera dama del cine en blanco y negro.


title: Humphrey Bogart

text: Bogart estuvo casado cuatro veces. Su primera esposa fue la veterana actriz teatral Helen Menken, con quien se casó en 1926 y de la que se divorció tan solo año y medio después. En 1928 se casó de nuevo con la también actriz Mary Philips, de quien se divorció en 1938. Apenas cinco días más tarde volvió a casarse, esta vez con Mayo Methot, igualmente actriz, matrimonio que duró siete años agitados por continuas peleas, muchas veces en público, porque ambos compartían la afición a la bebida y ella era muy celosa; en los tres últimos años de su relación, además, Bogart ya se veía con Lauren Bacall. Al fin contrajo matrimonio una cuarta vez el 21 de mayo de 1945 con ella, a quien conoció como compañera de reparto en "Tener y no tener", una joven estrella de 21 años y 25 años más joven, pero de fuerte personalidad, grave voz de contralto y hermosa cintura de avispa: la actriz Lauren Bacall. Bogart le sirvió de mentor en el oficio y con ella protagonizó varias destacadas películas de su filmografía, como "El sueño eterno", "La senda tenebrosa" o "Cayo Largo." También con ella tuvo los dos únicos hijos que llegó a tener: Stephen, en 1949, y Leslie, en 1952. Durante doce años, hasta la muerte de Bogart, la pareja permaneció muy unida y constituyó uno de los matrimonios más glamourosos y carismáticos del mundo del cine.


title: Humphrey Bogart

text: Bogart llevó una insana vida de fumador y bebedor compulsivo como cofundador y miembro del grupo de actores juerguistas que Lauren Bacall bautizó como "Rat Pack" (Pandilla de ratas). Tal vez por ello falleció prematuramente en 1957 en Hollywood, devastado por la metástasis de un cáncer de esófago. En el momento de su muerte pesaba solo 36 kg (80 libras). Tenía 57 años recién cumplidos. Ya que su amigo Spencer Tracy, a quien se lo encomendó la viuda Bacall, estaba demasiado afectado, John Huston fue el que pronunció el elogio fúnebre:


title: Giotto

text: Giotto di Bondone (o simplemente Giotto) (Colle di Vespignano, República de Florencia c. 1267-Florencia, República de Florencia 8 de enero de 1337) fue un pintor, muralista, escultor y arquitecto florentino de la Baja Edad Media, un autor del Trecento considerado uno de los iniciadores del movimiento renacentista en Italia. Su obra tuvo una influencia determinante en los movimientos pictóricos posteriores. Un contemporáneo de Giotto, el banquero y cronista Giovanni Villani, lo describió como «el maestro de pintura más soberano de su tiempo, quien dibujó todas sus figuras y sus posturas de acuerdo con la naturaleza», y reconoció públicamente su talento y excelencia.


title: Giotto

text: Giotto nació, en Colle de Vespignano, en las cercanías de Vicchio del Mugello, una localidad cercana a Florencia. Según su principal biógrafo, Giorgio Vasari, era hijo de un campesino llamado Bondone y pasó su infancia como pastor de ovejas. Si bien la mayoría de los autores cree que se llamaba en realidad Giotto di Bondone, otros opinan que su verdadero nombre de pila era Ambrogio o Angelo, y que el nombre por el que es conocido, Giotto, no sería más que un diminutivo, derivado de Ambrogiotto o Angelotto.


title: Giotto

text: Según los biógrafos, fue discípulo del pintor florentino Cimabue, el artista más conocido de su época. Vasari relata el modo en que el pequeño de once años demostró por primera vez su talento artístico: cuenta que, estando el niño al cuidado de unas ovejas, mataba el tiempo dibujando a una de ellas sobre una piedra plana con una tiza. Acertó a pasar por allí Cimabue, quien, impresionado por el talento natural de Giotto —que había dibujado una oveja tridimensional, tan natural y perfecta que parecía viva—, le acompañó hasta su cabaña y consiguió convencer al padre de que le dejara hacer del muchacho su aprendiz.


title: Giotto

text: Otra versión de la biografía de Giotto manifiesta que su padre le mandó a Florencia para que trabajase como aprendiz con un mercader de lanas. El joven, muy interesado en el arte, tomó la costumbre de visitar el estudio de Cimabue para ver a los artistas trabajar, hasta que, tras la insistencia, su padre le permitió entrar al taller.


title: Giotto

text: Vasari refiere que Giotto era un aprendiz divertido y bromista, a tal punto que en una ocasión pintó una mosca en la nariz de un retrato. Su técnica era tal que Cimabue intentó espantarla con la mano antes de darse cuenta de que estaba pintada. Esta anécdota de juventud presagia ya la técnica característica de Giotto, que le capacitaba para pintar figuras casi reales.


title: Giotto

text: Cuando Giotto contaba con treinta años, su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya por toda Italia, hasta tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle una muestra de su arte, con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para trabajar en Roma. Según Vasari, Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero, hundió su pincel en pintura roja y, con un solo trazo continuo, dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto, diciendo al hombre: «"La valía de este trabajo será reconocida."» Escribe Vasari: «"El Papa vio el lienzo, percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo."»


title: Giotto

text: Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue, Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros, principalmente trabajos religiosos. Así, se le atribuyen como primeras obras la continuación en la Basílica de San Francisco de Asís de la parte alta de las paredes del templo a partir de las historias de Isaac, realizado posiblemente en el último lustro del siglo XIII, donde desarrolla temas bíblicos. Más adelante, entre 1297 y 1299, una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en su totalidad en la parte inferior de los muros de la basílica, acerca de la vida de San Francisco de Asís. Vistos los excelentes resultados, se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los extraordinarios frescos de la Capilla de los Scrovegni, en Padua, siendo todas estas grandes obras pintadas al fresco.


title: Giotto

text: Los viajes de Giotto se sucedieron por toda Italia, en la mayoría de los casos era llamado por órdenes, nobles o incluso por el papa. En 1313 fue llamado por Benedicto IX para hacer varios trabajos dentro de la primitiva basílica de San Pedro. Destaca el altar realizado para la capilla mayor (Políptico Stefaneschi) y un mosaico del que en la actualidad queda poco del original. Además tras este importante encargo recorrería las cortes de Italia: Arezzo, Pisa, Padua, Verona, Ferrara, Urbino, Ravena, Milán, Bolonia, Gaeta, Rímini, Nápoles e incluso en Aviñón, acompañando al papa Clemente V, donde pintará numerosas obras y hará que estas se proyecten al resto de Europa.


title: Giotto

text: Falleció el 8 de enero de 1337. Según la biografía de Vasari, fue sepultado en el lado izquierdo de la antigua catedral de Santa Reparata de Florencia en una tumba de gran sencillez con una sola losa de mármol. Será Lorenzo de Médici quien encargue un busto a Benedetto da Maiano para conmemorar su nombre. Debido a la construcción de la nueva catedral en 1292 y a la elevación del terreno, la tumba de Giotto se perdió, pero en 1981 se hallaron restos que se atribuyeron al famoso autor.


title: Giotto

text: Giotto era un hombre campechano y de vida hogareña, gran conversador y de ánimo bromista. Casado, dejó seis hijos que le sobrevivieron. Fue un hombre de gran austeridad. Esta costumbre, junto con los beneficios que obtendrá por su obra, le permitieron ahorrar dinero —al revés que la mayor parte de los artistas de la época— y morir como un hombre acaudalado.


title: Giotto

text: Se relacionaba con soltura tanto con los ricos y nobles como con los hombres del pueblo. Se sabe que tuvo mucha confianza con el papa Bonifacio, y el rey Roberto I de Nápoles escribió de él que era su «gran amigo». Existe una tradición según la cual Dante Alighieri fue también su amigo y le habría visitado durante la realización de los frescos de la capilla de los Scrovegni, pero no ha podido ser confirmada por fuentes fiables. En todo caso, en la "Divina Comedia", Dante afirma que Giotto fue superior a su maestro Cimabue. Boccaccio le retrata en el "Decamerón" y en el año 1400 Cennino Cennini escribió que «"Giotto tradujo el arte de la pintura del griego al latín".»


title: Giotto

text: El arte de Giotto fue extremadamente innovador y es considerado el detonante del Renacimiento. Sus obras fueron el punto de inflexión entre el arte bizantino de la Baja Edad Media y el realista y humanista que floreció en el Renacimiento. Las figuras planas y simbólicas del arte bizantino dieron lugar a las modeladas e individuales formas en perspectiva. Giotto adoptó el lenguaje visual de la escultura al darles volumen y peso. La comparación entre la Madonna de Giotto y la de su maestro Cimabue nos muestra por qué sus contemporáneos consideraban sus pinturas como «milagros del naturalismo».


title: Giotto

text: Al igual que los demás artistas de su tiempo, Giotto carecía de los conocimientos técnicos de anatomía y teoría de la perspectiva que los pintores posteriores se acostumbraron a aprender. Independientemente de ello, los que sí poseía eran infinitamente superiores a los de los que lo precedieron e imitaron.


title: Giotto

text: Con sus composiciones de profunda emotividad, Giotto fue el gran iniciador del espacio tridimensional en la pintura europea, tratando con un nuevo espíritu los temas religiosos que dominaron el arte medieval. Su estilo se caracteriza por una frescura y una vida inesperadas, por lo que los críticos hablan de la emoción humana y una carga de todo lo que es importante para el ser humano como las más claras peculiaridades de sus trabajos.


title: Giotto

text: Al concentrarse en estos conceptos esenciales, Giotto fue capaz de crear impresionantes imágenes de gente bajo presión, personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están tomando gravísimas decisiones espirituales. Los pintores modernos, que a menudo han utilizado las obras del florentino como fuente de inspiración, dicen haber encontrado en él una forma de aproximación directa a la más íntima e intrincada experiencia del espíritu humano. Esta característica es atemporal y ha sido reconocida por todos los estilos posteriores.


title: Giotto

text: Otra característica es la gran abundancia de obras que le atribuyen sus biógrafos, pero las pinturas que tienen su autoría clara son muy escasas, dudándose de la mayoría de ellas pese a que existan muchas firmadas.


title: Giotto

text: Los biógrafos contemporáneos del autor señalan a Giotto como discípulo y aprendiz de Cimabue, pero lo cierto es que algunos autores, como Erwin Panofsky y Karl Woermann, apuntan a Pietro Cavallini como maestro de Giotto o al menos creen que ambos aspiran a romper con el arte medieval y bizantino.


title: Giotto

text: Apenas alguna de las obras supervivientes puede ser documentada como suya más allá de una duda razonable, considerándose al pintor uno de los artistas con mayor problema para la atribución de obras.


title: Giotto

text: Sin embargo, hay unanimidad en atribuir a Giotto el notable ciclo de frescos de la Capilla de los Scrovegni, en Padua, ya que existen varios testimonios del mismo siglo XIV que así lo confirman. Los frescos de esta capilla son considerados por los críticos el momento culminante de la obra de Giotto. El edificio, también conocido por el nombre de Capilla de la Arena, por estar construido sobre las ruinas de una "arena" o anfiteatro, fue construido por Enrico Scrovegni como penitencia para expiar los pecados de su padre, un conocido usurero —que también fue retratado por Dante en la "Comedia" en términos no muy halagüeños—. La construcción de la capilla comenzó en 1303. La opinión más extendida es que Giotto empezó a pintar los frescos dos años más tarde y los concluyó en 1306. Los frescos cubren por entero la única nave de la capilla: la pared occidental, a los pies del templo, está cubierta con un "Juicio Final", el arco de la cancela muestra una "Anunciación" y las áreas principales de las paredes tienen tres filas de pinturas que representan escenas de la vida de la Virgen y sus padres —Santa Ana y San Joaquín— y escenas de la vida de Cristo. Bajo estas escenas pueden verse alegorías, es decir, figuras humanas que personifican las Virtudes y los Vicios, pintadas en monocromía, simulando ser esculturas.


title: Giotto

text: Las figuras de la secuencia narrativa principal están hechas a media escala, pero el concepto de Giotto es tan grandioso y potente que, en la reproducción de un libro, por ejemplo, parecen de tamaño natural. Presentan un sentido tridimensional y una presencia física completamente desconocidas en la época en que fueron realizadas, evidenciando la capacidad del artista para retratar un sentimiento de "peso moral", más que el esplendor religioso o divino.


title: Giotto

text: Es muy posible que Giotto basara su trabajo en experiencias personales, y ningún otro artista ha conseguido mostrarse tan convincente en la tarea de dirigirse directamente al núcleo de la historia que relata y expresarla con gestos y expresiones tan perfectamente claras y reconocibles. La Capilla de los Scrovegni posee una réplica oficial que ha sido expuesta en muchos países que, por ejemplo, llegó al Perú, en el 2004, y se expuso en el Museo de Arte Italiano.


title: Giotto

text: El segundo ciclo de frescos de importancia asociado o atribuido a Giotto es la "Vida de San Francisco" en la iglesia superior de San Francisco de Asís. El hecho de si el autor fue en verdad Giotto no es solamente uno de los mayores problemas que enfrentan los expertos, sino también una de las mayores controversias de la historia del arte. Los frescos de San Francisco son, evidentemente, obra de un pintor de enorme talento. Sus retratos íntimos y humanos han definido, en realidad, la imagen popular que se tiene del santo. Pero existen, sin embargo, grandes diferencias técnicas y estilísticas entre estas obras y las de la Capilla de los Scrovegni. Ellas han hecho que muchos críticos se nieguen, hoy en día, a aceptarlas como obras del mismo artista. Los intentos de atribuir a Giotto otros frescos de la ciudad de Asís han producido disputas similares entre los estudiosos de su obra. En la actualidad, sin embargo, son mayoría los estudiosos que consideran segura la autoría de Giotto, si bien admiten que habría contado con amplia colaboración de los miembros de su taller. No hay acuerdo en cuanto a la cronología de la obra, pues, aunque es mayoritaria la datación en los primeros años del siglo XIV, hay autores que retrotraen la fecha hasta 1291-1292. Hay acuerdo en cuanto a que se trata de una obra anterior a la de la Capilla de los Scrovegni.


title: Giotto

text: Los frescos cubren la parte inferior de tres de las paredes del templo, las dos laterales y la interior de la fachada, a ambos lados de la puerta. Se trata de 28 episodios de la vida del recientemente canonizado Francisco de Asís, siguiendo el relato de la "Legenda maior" de San Buenaventura.


title: Giotto

text: Las pinturas de la basílica de la "Santa Croce" (Santa Cruz) de Florencia, por el contrario, gozan de mayor consenso entre los expertos, que coinciden en general en atribuirlas al pincel de Giotto. Posiblemente las cuatro capillas sean suyas, y los frescos de las capillas Peruzzi y Bardi han sido fechadas en o alrededor de 1320, cuando el pintor estaba en la ciudad. Algunos de los frescos no se encuentran bien conservados, ya que se intentó lavarlos en el siglo XVIII, pero algunos de la capilla de los Bardi siguen siendo tan impresionantes como en la fecha en que se hicieron.


title: Giotto

text: En la capilla Peruzzi están representadas escenas de la vida de San Juan Bautista y de San Juan Evangelista. En la capilla Bardi, en cambio, los frescos representan escenas de la vida de San Francisco de Asís.


title: Giotto

text: Es muy posible que Giotto basara su trabajo en experiencias personales, y ningún otro artista ha conseguido mostrarse tan convincente en la tarea de dirigirse directamente al núcleo de la historia que relata y expresarla con gestos y expresiones tan perfectamente claras y reconocibles. La Capilla de los Scrovegni posee una réplica oficial que ha sido expuesta en muchos países que, por ejemplo, llegó al Perú, en el 2004, y se expuso en el Museo de Arte Italiano. Se le atribuyen varios diseños, entre ellos la tumba del obispo de Lucca Guido Tarlati, tallada en 1330 por Agostino di Giovanni y Agnolo Ventura. Además, es probable que realizase algunos medallones para el nuevo campanario de la catedral. En 1334, la ciudad de Florencia decidió honrar al gran pintor. Se le otorgó el título de "magister et gubernator" (‘maestro y gobernador’) de la Obra de Santa Reparata, que se encargaba de las obras de la catedral, así como arquitecto en jefe de la ciudad y superintendente de obras públicas. En esta última etapa de su vida, Giotto diseñó el famoso "campanile" (‘campanario’) de la catedral de Florencia, cuya construcción se inició ese mismo año, pero que no pudo ver concluido. Según Ghiberti, los bajorrelieves del cuerpo inferior del campanario fueron también obra suya. Curiosamente, aunque finalmente el "campanile" no se construyó de acuerdo con sus proyectos, es universalmente conocido como «"campanile di Giotto"».


title: Giotto

text: La obra de Giotto ha trascendido en el tiempo y en la generación posterior a su muerte se extendió la influencia de su estilo, cristalizando en las obras de todos los pintores que le siguieron. La estrella del florentino no declinó sino hasta el gran auge del gótico, pero, pasado este, siguió influyendo e inspirando la obra de otros formidables artistas como Masaccio y Miguel Ángel. Fue citado como ejemplo de excelencia pictórica por el Marqués de Santillana en una canción dedicada a la reina Isabel de Portugal, esposa de Juan II de Castilla ("qual Ioto (sic) non vos pintara").


title: Giotto

text: El director de cine Pier Paolo Pasolini recreó en su película El Decamerón (1971) la figura de Giotto y su forma de trabajar.


title: Giotto

text: Uno de los frescos de la Capilla de la Arena es la "Adoración de los Reyes Magos", que se encuentra entre los más reputados y admirados de la serie. En el cielo, encima del techo del pesebre, puede observarse la Estrella de Belén, la que, en la iconografía católica, representa la guía divina que condujo a los Reyes Magos hasta Belén. La imagen representada por Giotto tiene forma de cometa (con su cabeza y cola), y ha dominado la idea colectiva acerca de este episodio bíblico. Giotto vio el cometa Halley en su aparición de 1301 en el cielo italiano, y es muy probable que este objeto astronómico haya sido el modelo para la sobrenatural estrella de su "Adoración". Lo que Giotto no tenía forma de saber es que el cometa Halley, con su período de entre 76,5 y 79,3 años, apareció en 11 o 10 a. C., es decir, entre 4 y 7 años antes del nacimiento de Cristo. No puede asegurarse que el Halley haya inspirado el episodio de la Estrella de Belén, pero sí resulta interesante que, casi con certeza, tanto la estrella del relato bíblico como la pintada por el maestro florentino sean el mismo cometa en dos apariciones separadas por trece siglos.


title: Giotto

text: Por esta circunstancia, la Agencia Espacial Europea bautizó como "Misión Giotto" a la sonda que en 1986 se aproximó al cometa para estudiarlo. No es el único homenaje que Giotto recibió de las ciencias del espacio: en Mercurio (planeta poblado de accidentes geográficos con nombres de artistas) se encuentra un cráter que ha sido bautizado en su honor.


title: El Bosco

text: Jheronimus van Aken (Bolduque, c. 1450-1516), llamado familiarmente Joen y conocido como Jheronimus Bosch o Hieronymus Bosch, en idioma español el Bosco, fue un pintor nacido al norte del Ducado de Brabante, en los actuales Países Bajos, autor de una obra excepcional tanto por la extraordinaria inventiva de sus figuraciones y los asuntos tratados como por su técnica, al que Erwin Panofsky calificó como artista «lejano e inaccesible» dentro de la tradición de la pintura flamenca a la que pertenece.


title: El Bosco

text: El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y son relativamente pocos los que llevan una firma que pueda considerarse no apócrifa. Lo que se conoce de su vida y de su familia procede de las escasas referencias que aparecen en los archivos municipales de Bolduque y, en especial, en los libros de cuentas de la cofradía de Nuestra Señora, de la que fue miembro jurado. De su actividad artística tan solo se documentan algunos trabajos menores no conservados y el encargo de un "Juicio Final" que en 1504 le hizo Felipe el Hermoso. De ninguna de las obras que actualmente se le atribuyen ha llegado documentación producida en vida del pintor y las características de su singular estilo se han podido fijar únicamente a partir de un reducido número de obras mencionadas en las fuentes literarias, todas ellas posteriores a la muerte del pintor y, en algún caso, de dudosa fiabilidad al no distinguirse desde muy pronto las obras genuinas del Bosco de las de sus imitadores. El Bosco adquirió fama aún en vida como inventor de figuras maravillosas y de imágenes llenas de fantasía y no tardaron en salirle seguidores y falsificadores que harían de sus temas e imaginaciones un verdadero género artístico, difundido también a través de tapices bordados en Bruselas y estampas, muchas de ellas firmadas por Hieronymus Cock.


title: El Bosco

text: Felipe II, entre los primeros y más insignes coleccionistas de sus obras, pudo reunir un importante número de ellas en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial y el palacio de El Pardo. En su entorno surgieron también los primeros críticos e intérpretes de la obra del Bosco. El jerónimo fray José de Sigüenza, historiador de la fundación escurialense, resumió las razones de esa preferencia en la singularidad y profundidad del pintor, características que lo hacían diferente de cualquier otro, pues, según decía: Jheronimus van Aken, miembro de una familia de pintores, nació alrededor de 1450 en la ciudad neerlandesa de 's-Hertogenbosch ("bosque ducal", en castellano algo desusado Bolduque, en francés "Bois-le-Duc)", capital septentrional del ducado de Brabante en los actuales Países Bajos. De 's-Hertogenbosch, comúnmente llamada Den Bosch, tomó el nombre con el que iba a firmar algunas de sus obras.


title: El Bosco

text: Con algo más de diecisiete mil habitantes en 1496, Bolduque era la segunda mayor ciudad del norte neerlandés, solo por detrás de Utrecht, y una de las mayores ciudades del ducado de Brabante, tras Amberes y Bruselas. El abuelo del Bosco, Jan van Aken (h. 1380-1454) se estableció en Bolduque procedente de Nimega, en el ducado de Güeldres, donde el bisabuelo, Thomas van Aken, había adquirido la ciudadanía en 1404. Si, como se piensa, el apellido Van Aken corresponde a un topónimo de procedencia, la familia debía de proceder de la alemana Aquisgrán ("Aachen"). Anthonius (h. 1420-1478), padre del Bosco, igual que sus tres hermanos mayores, fue también pintor. Consta que en 1461 recibió el encargo de pintar las puertas del retablo de la cofradía de Nuestra Señora en su capilla de la iglesia de San Juan, lo que no llegó a completar. Un año después adquirió una casa en el lado oriental de la plaza del Mercado, la casa llamada «"In Sint Thoenis"» donde instaló su taller, dañado en el incendio que asoló la ciudad en junio de 1463. Casado con Aleid van der Mynnen, el matrimonio tuvo tres hijos pintores: Goessen (h. 1444-1498), Jan o Johannes (h. 1448-1499) y Jheronimus, el menor, además de dos hijas llamadas Katharina y Herbertke.


title: El Bosco

text: No se tienen datos ciertos de los primeros años de vida del Bosco. La primera noticia documental es del 5 de abril de 1474 cuando en unión de su padre y de sus hermanos mayores testificó en favor de su hermana Katharina en la hipoteca de una casa. Al actuar junto con su padre en un segundo documento del 26 de julio del mismo año se presume que en tal fecha no habría cumplido aún la edad legal de veinticuatro años que le hubiera permitido actuar con independencia, lo que ha servido de punto de partida para fijar el año de su nacimiento en torno a 1450. Su formación artística hubo de tener lugar en el taller paterno, donde, según las actas fiscales, muerto el padre (1478), continuaron residiendo los dos hermanos mayores con su madre y luego también su cuñada y sobrinos, hijos de Goessen: Johannes, pintor y escultor, y Anthonis, pintor, que mantuvieron abierto el taller al menos hasta 1523. Puesto que no se conocen obras documentadas atribuibles a los restantes miembros de la familia Van Aken, no es posible saber qué enseñanzas recibió, aunque cabe suponer que fuesen las propias de un taller local y provinciano. Tan solo una pintura mural del "Calvario con donantes" en el coro de la iglesia de San Juan, pintado hacia 1453 pero todavía gótico y ajeno a las novedades flamencas, se ha relacionado con el abuelo, y algunos detalles, como la delgada silueta del cuerpo de Cristo, se encuentran también en el "Cristo crucificado con donante" (Bruselas, Musées royaux des Beaux-Artes de Belgique), pintado por el Bosco hacia 1485, en tanto la escala y disposición de los donantes es similar a la que tuvieron en otra de las obras más tempranas del Bosco: el "Ecce Homo" de Fráncfort, antes de quedar ocultados bajo repintes.


title: El Bosco

text: Las siguientes noticias son ya de 1481. El 3 de enero «Joen el pintor» vendió a su hermano mayor la cuarta parte que le correspondía de la casa familiar en la plaza del Mercado. Meses después, el 5 de junio, aparece en un documento como marido de Aleid van de Meervenne, propietaria de la casa llamada «"Inden salvatoer"» en la que se estableció el matrimonio, situada en la más elitista fachada septentrional de la misma plaza del Mercado. Aleid, nacida en 1453, era hija de una acomodada familia de comerciantes con propiedades en casas y tierras en Bolduque y sus alrededores, que aún habían de incrementarse al morir en 1484 su hermano Goyart van de Meervenne y poco más tarde, en 1492, también su hermana Geertrud, establecida en Tiel. El hijo mayor de esta, Paulus Wijnants, vivió algún tiempo con el Bosco y Aleid, que no tuvieron descendencia. Aunque el matrimonio debió de firmar algún tipo de contrato prenupcial por el que Aleid conservó sus bienes a la muerte del Bosco y los pudo transmitir a su sobrino Paulus, heredero de su feudo en Oirschot, el Bosco actuó en algunas transacciones económicas en representación de su mujer y sus cuantiosas rentas le permitieron llevar una vida desahogada, lo que se ha relacionado en alguna ocasión con la libertad de que habría gozado a la hora de elegir sus temas y su orientación artística. En el curso 1486-1487 ingresó en la Illustre Lieve Vrouwe Broederschap (Ilustre Hermandad de Nuestra Señora) dedicada al culto a la Virgen y regida por una estricta regla religiosa. La cofradía contaba en 1500 con unos quince mil miembros externos y un número mucho más reducido de hermanos "jurados", alrededor de sesenta, inicialmente solo clérigos, y un pequeño número de hermanos "cisnes", miembros de las élites urbanas y encargados de proporcionar las aves que se consumían en los banquetes anuales que celebraba la confraternidad en torno a las fiestas de Navidad. «Jeroen el pintor» asistió presuntamente ya como hermano jurado al banquete de Año Nuevo de 1488, según se hizo constar en el acta de la reunión. Aparte del banquete del Cisne, los cofrades institucionales celebraban entre ocho y diez banquetes al año por rotación en las casas particulares de sus miembros. Al Bosco le correspondió organizar el celebrado en julio de 1488, al que asistió el secretario del rey de Romanos, el futuro emperador Maximiliano I de Habsburgo. En 1498 se encargó del banquete del Cisne, esta vez en la sede de la hermandad, y el 10 de marzo de 1509 recibió de nuevo a los hermanos jurados en su casa. Se trataba de una reunión especial, celebrada en Cuaresma, en la que solo se consumió pescado, costeado por el Bosco, y fruta y vino a cargo de la viuda de Jan Back, que había sido burgomaestre de Bolduque, en cuya memoria se celebraba el ágape. Tras asistir a una misa en la capilla de la cofradía, según hizo constar el secretario en el libro de cuentas, los hermanos jurados desfilaron de dos en dos hasta la casa del hermano «Jheronimi van Aken el pintor que se escribe él mismo Jheronimus Bosch».


title: El Bosco

text: En mayo de 1498 firmó un poder en favor del concejo de la ciudad para que pudiese cerrar negocios en su nombre lo que, unido a la ausencia de noticias documentales para los años inmediatamente posteriores, ha servido para sostener un viaje a Venecia en torno a 1500 del que no se tiene ninguna prueba. En realidad, las lagunas documentales son constantes en la biografía del Bosco, pero nada indica que se ausentase mucho tiempo seguido de su ciudad natal. Según la calificó un cronista local, Bolduque era en vida del Bosco una «piadosa y agradable ciudad». Aunque dependiente en lo eclesiástico del obispado de Lieja —hasta 1560 no tuvo obispo ni catedral— a comienzos del siglo XVI contaba con una treintena de edificios religiosos, atendidos en 1526 por 930 religiosos y 160 beguinas. En sus cercanías se elevaban además otras diez abadías. El mismo Erasmo de Róterdam había estudiado en ella lenguas clásicas cuando contaba alrededor de diecisiete años, entre 1485 y 1487, si bien su recuerdo del tiempo que había pasado en Bolduque residiendo en un convento de los Hermanos de la Vida Común era muy negativo: «tiempo perdido» según se lee en el "Compendium Vitae", escrito quizá por el propio Erasmo, aunque casi por su cuenta había tenido ocasión de leer algún buen libro.


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text: Por lo demás, las instituciones religiosas no eran los únicos clientes con que contaban los pintores. Ciudadanos acomodados y gremios también encargaban obras a los artistas. Orfebres, campaneros y talladores de madera constituían en la ciudad grupos artesanales poderosos, como lo eran también los gremios de los bordadores y de los vidrieros, encargados de proporcionar vitrales de colores a iglesias y monasterios. Algunos de los escasos trabajos documentados del Bosco se relacionan con ellos. Así, en el año contable de 1481-1482, cuando la cofradía de Nuestra Señora encargó un nuevo vitral para su capilla al vidriero local Willem Lombart, el contrato estipulaba que en su ejecución debía tomar como modelo el boceto proporcionado por «Joen el pintor», por el que había cobrado cierta cantidad destinada al papel de lino utilizado para el dibujo. Para los bordadores también proporcionó modelos, como consta por un pago anotado en el curso 1511-1512 por el «esbozo de la cruz» para una casulla azul de brocado. Por los escudos de armas que campean en las tablas laterales del "Tríptico de la Adoración de los Magos" del Museo del Prado, junto a los donantes y sus santos patronos, hay constancia de que el tríptico le fue encargado por Peeter Scheyfve, deán del gremio de pañeros de Amberes y su segunda esposa, Agneese de Gramme. Altos funcionarios y miembros de la burguesía local, según revelan sus escudos, eran también los comitentes de los trípticos del "Ecce Homo" (Boston, Museum of Fine Arts) y de las "Lamentaciones de Job" (Brujas, Groeningemuseum), considerados ambos obras del taller. El encargo más importante recibido por el Bosco del que se tiene constancia documental es el de un "Juicio Final" de grandes dimensiones por el que en septiembre de 1504 recibió del duque de Borgoña Felipe el Hermoso treinta y seis libras en concepto de anticipo. Ese mismo invierno el duque y su padre, el emperador Maximiliano I de Habsburgo, visitaron Bolduque, pero no hay noticia de que le hiciesen otros encargos y ni siquiera es posible saber si ese "Juicio Final" fue acabado. Otros encargos documentados tienen un carácter muy menor; así, por ejemplo, en 1487 la Tabla del Espíritu Santo, una institución de caridad, le encargó la pintura de «un nuevo paño en la sala de entrada y un cuerno de ciervo», y en 1491 la hermandad de Nuestra Señora le pagó 18 "stuivers" por alargar y reescribir el panel con los nombres de los hermanos jurados, habiendo regalado el pintor otro tanto de su trabajo.


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text: El Bosco falleció en los primeros días de agosto de 1516, quizá a consecuencia de una epidemia, aparentemente de cólera, declarada en la ciudad ese verano. El 9 de ese mes se celebraron honras fúnebres por el pintor en la capilla de Nuestra Señora de la iglesia de San Juan, perteneciente a la hermandad, cuyos hermanos, según lo acostumbrado, corrieron con parte de los gastos, cuidadosamente anotados en el libro de cuentas de la cofradía. Además del deán, el diácono y el subdiácono, oficiantes de la misa solemne de funeral, percibieron diversas cantidades por su participación en las exequias los cantores, organista, campanero, pobres congregados ante la capilla y sepultureros y portadores del féretro, como correspondería a un funeral córpore insepulto. El año de muerte viene además confirmado por una lista de los hermanos de la cofradía fallecidos, elaborada entre 1567 y 1575, en la que, entre los fallecimientos del año 1516 se hizo constar: «("Obitus fratrum) Aº 1516: Jheronimus Aquen(sis) alias Bosch, insignis pictor"». Años después, en 1742, en el folio 76 recto del álbum heráldico de la cofradía, y bajo un blasón vacío —el Bosco como artesano carecía de escudo nobiliario— una sencilla leyenda explicaba: «"Hieronimus Aquens alias Bosch, seer vermaerd Schilder. Obiit 1516"» ("Jerónimo Aachen, conocido como Bosch, pintor muy famoso, fallecido en 1516").


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text: «Muy admirado y maravilloso creador de imágenes extrañas y cómicas y de escenas singularmente descabelladas», según escribió en 1567 el viajero italiano Ludovico Guicciardini en su "Descrittione di tutti i Paesi Bassi, altrimenti detti Germania inferiore", el Bosco puso su vena satírica al servicio de un discurso moral asentado en la doctrina tradicional de la Iglesia católica, con frecuentes alusiones al pecado, la transitoriedad de la vida y la locura del hombre que no sigue el ejemplo de los santos en su «imitación de Cristo», tal como enseñaban los Hermanos de la Vida Común, muy influyentes en el entorno del Bosco, sin que ello implique una traslación a imágenes de los textos de Geert Grote o Tomás de Kempis.


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text: La pintura del Bosco se inscribe ambiguamente en la tradición flamenca de la que al mismo tiempo se aparta sutilmente en imaginería y técnica. Ya Karel van Mander, fascinado con su pintura, observó que utilizaba capas de pintura tan finas que a menudo dejaba que se viesen los fondos. En algunos aspectos su técnica carecía del refinamiento propio de los primitivos holandeses. Pero esa nueva técnica, que por otra parte no era exclusiva del Bosco, permitía al pintor trabajar más rápido, al secarse antes las finas capas de color, y con menor coste. Sobre una preparación a base de blanco de creta aplicada sobre el soporte, el Bosco dibujaba a pincel y con un material oscuro con algo de carbón en su composición. La reflectografía infrarroja permite estudiar el dibujo subyacente que, a grandes rasgos, puede agruparse en dos tipos. El primer grupo lo forman obras que parten de dibujos esquemáticos y sin apenas modelado, en los que únicamente se señalan las líneas principales y los plegados de las vestimentas. En ellos los cambios sobre la idea inicial se hacen en la fase de aplicación del color, de lo que es ejemplo el "San Juan Evangelista en Patmos" de Berlín. Un segundo grupo, menos numeroso, al que pertenecen las tablas del desmantelado tríptico del "Camino de la vida" ("La nave de los necios" de París, la "Alegoría de la intemperancia" de New Haven, "La Muerte y el avaro" de Washington y el "Vendedor ambulante" de Róterdam) y la "Mesa de los pecados capitales" (Museo del Prado), presentan un dibujo más acabado, modelado con trazos largos y en algunas zonas paralelos. Tras el dibujo, alguna vez ejecutado en varias fases, la aplicación del color la llevaba a cabo en capas muy finas y a menudo tan solo una. Por fin, con toques precisos y un pincel fino, destacaba detalles y realces de luz.


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text: La principal novedad de la pintura del Bosco, el «camino nuevo» que, según fray José de Sigüenza, habría elegido hacer, radica en la utilización de elementos burlescos y jocosos, «poniendo en medio de aquellas burlas muchos primores y extrañezas». No obstante, ni la introducción de conceptos morales por medio de la sátira ni la creación de imágenes fantásticas constituían verdaderamente novedades absolutas. Se han señalado algunas fuentes icónicas en grabados y "drôleries" para explicar detalles menores de sus figuraciones. Alguna de esas fuentes iconográficas puede ser la empleada para la jirafa que aparece en el panel del paraíso del "Jardín de la delicias" (Museo del Prado), tomada del mismo prototipo que sirvió para ilustrar el manuscrito italiano del viaje a Egipto de Ciriaco de Ancona redactado en 1443. También en el "Jardín de las delicias" se ha advertido la presencia, tras la figura de Adán, de un drago canario, que el Bosco podría haber tomado de un grabado de la "Huida a Egipto" de Martin Schongauer; además, en la figura monocroma de Dios Padre pintado en las puertas exteriores del mismo tríptico, se ha visto la posible influencia de una xilografía de Michael Wolgemut para el "Liber chronicarum" de Hartmann Schedel editado en Núremberg en 1493, lo que establecería un término "post quem" para su pintura. La datación por dendrocronología de la tabla, sin embargo, permitiría retrasar esa fecha a 1480 o aun antes, haciendo del tríptico del "Jardín" una de las obras más tempranas del Bosco, cuando tradicionalmente se había creído, al contrario, de su última época, lo que ilustra las enormes dificultades que surgen cuando se trata de ordenar la obra del Bosco cronológicamente. En resumen, la originalidad radical del Bosco estriba no tanto en la creación de imágenes fantásticas cuanto en haber recogido una tradición propia de las artes marginales para aplicarla a la pintura sobre tabla, propia de los retablos.


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text: El interés por el paisaje es también una característica común a toda su producción, como lo es de Jan van Eyck. Puede ponerlo de manifiesto una obra como la "Adoración de los Magos" del Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Concordantemente datada hacia 1475, entre los primeros trabajos del pintor, la tabla fue tachada por Charles de Tolnay de "pastiche" precisamente por encontrar incoherente la abundancia de oros y el encaje de las arcaicas figuras en un paisaje de concepción muy moderna, propia de la etapa más avanzada. Es esa importancia del paisaje en la obra del Bosco lo que ha llevado a Bernard Vermet a proponer una ordenación cronológica de la producción bosquiana atendiendo a su evolución. En los extremos se situarían, por una parte, el paisaje «plano, sin perspectiva» y con «tópicos arbolitos» del "Jardín de las delicias" y, por la otra, los «primorosamente modernos» paisajes del "Carro de heno" (Museo del Prado) y "La tentación de san Antonio" del Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa. Considerando la modernidad del paisaje —y la concepción renacentista de la pata de la mesa— la "Extracción de la piedra de la locura" tampoco podría colocarse entre las obras primerizas del pintor, como habitualmente se ha considerado, aunque, como también admite Vermet, llevar la pintura del "Jardín de la delicias" a una fecha temprana, en torno a 1480, equivale a suponer una notable precocidad en el pintor. Un protagonismo destacado tiene el paisaje en "Las tentaciones de san Antonio Abad" del Museo del Prado, que parece haber sufrido algunos cambios desde su concepción original, cuando las copas de los árboles eran menos frondosas y el cielo tenía mayor desarrollo. La elevación de la línea del horizonte empequeñece la figura del santo y anticipa lo que algunos años más tarde haría Joachim Patinir. La datación por dendrocronología de la tabla indica, con todo, que pudo ser utilizada ya en 1464, como las tablas del "Jardín de la delicias", y la técnica pictórica a base de capas de color muy ligeras es la propia del Bosco, aunque su autografía haya sido cuestionada.


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text: Las lagunas en la documentación hacen que no se pueda atribuir al Bosco ninguna obra con absoluta certeza. Se ha alcanzado, no obstante, cierto consenso en atribuirle entre veinticinco y treinta pinturas, tomando como punto de partida lo que las fuentes escritas le atribuyen de forma coincidente: la creación de un mundo de seres fantásticos y escenas infernales. Pero el temprano éxito de esas escenas, convertidas en género por copistas e imitadores, junto a la ausencia de datos relativos al funcionamiento del taller, hace que resulte difícil distinguir las obras autógrafas de lo que son réplicas del taller o copias, quizá, de originales perdidos. La fama póstuma de Jheronimus Bosch se extendió, más que por su ciudad natal, donde ninguna de sus obras se conserva, por el sur de los Países Bajos, Italia y, sobre todo, España, donde ya en la colección de la reina Isabel la Católica figuraba una pintura de la Magdalena o de María Egipciaca a él atribuida. Descrita en el inventario "post mortem" de 1505 como «otra tabla más pequeña [...] que tiene en el medio una muger desnuda con unos cabellos largos las manos juntas y en lo baxo en el cerco dorado un letrero con letras que dize jeronimus», podría tratarse de un regalo de Juana I de Castilla, hija de Isabel y esposa de Felipe el Hermoso, a su hermana Isabel de Aragón. También en España florecieron dos de los primeros críticos e intérpretes de sus obras, de las que proporcionaron interesantes noticias: Felipe de Guevara y fray José de Sigüenza.


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text: Felipe de Guevara, propietario de varias obras del Bosco heredadas posiblemente de su padre, Diego de Guevara, que había sido mayordomo mayor de Felipe el Hermoso, escribió hacia 1560 unos "Comentarios de la pintura" dirigidos a Felipe II. En ellos, tratando de las creaciones del Bosco, que incluía en el género de las que llamaba pinturas «éticas», que «muestran las costumbres y afectos de los ánimos de los hombres», cargaba contra los numerosos copistas y falsificadores que le habían salido en Flandes, faltos de su prudencia y decoro y sin más ingenio que el de saber hacer envejecer sus pinturas al humo de las chimeneas para hacerlas pasar por antiguas, de modo que eran ya "infinitas", según decía, las firmadas falsamente con su nombre: Guevara, con todo, y aludiendo a la técnica nerviosa y falta de acabado del Bosco, distinguía a uno de esos seguidores, mejor que todos los demás, que firmaba con el nombre del maestro y en todo le imitaba, excepto en el paciente acabado: Poco después de muerto Felipe de Guevara (1563) el rey Felipe II ofreció a su viuda y a su hijo Ladrón de Guevara, heredero del mayorazgo, la compra de algunas casas y solares en Madrid, junto a la Puerta de la Vega, y varios cuadros de su colección por valor todo ello de 14 000 ducados o 5 250 000 maravedíes. Entre las pinturas que interesaron al rey figuraban diversos lienzos con asuntos mitológicos sin nombre de autor, cuatro tablas con paisajes de Joachim Patinir y «Una tabla de vara y dos terçias de alto, con dos puertas, que abierto todo él tiene de ancho tres varas, y es el Carro de Heno, de Gerónimo Bosco, de su propia mano». El lote incluía además otros cinco lienzos atribuidos al Bosco: El "Tríptico del carro de heno" volvió a ser descrito prolijamente en el inventario de la primera entrega de obras artísticas al Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, en 1574: Este "Carro de heno" de Guevara era el segundo que se incorporaba a la colección real, en cuya posesión se encontraba otro ejemplar citado por Ambrosio de Morales. Es probable que el ejemplar de Guevara sea el conservado todavía en El Escorial, ostentosamente firmado en la tabla derecha y, a pesar de lo indicado en el inventario, copia de la versión original, la actualmente guardada en el Museo del Prado. Aunque la datación por dendrocronología del ejemplar escurialense, entre 1498 y 1504 como fechas más tempranas en que pudo ser empleada la madera —1510-1516 para la versión del Prado— junto a la calidad de su ejecución y otros detalles menores, como la jarra sobre la mesa en la que está sentado el monje en la tabla central, que en la versión autógrafa quedó sin dar color, indican que pudo ser réplica hecha en el propio taller del Bosco y no copia tardía.


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text: Otras obras asignadas al Bosco en el documento de la primera entrega de obras al monasterio de El Escorial eran tres versiones de las "Tentaciones de san Antonio", de las que solo se ha podido identificar la versión ahora conservada en el Museo del Prado, rematada en medio punto, el tríptico de la "Adoración de los Magos" (Museo del Prado), que se dispuso en la celda prioral baja, la "Mesa de los pecados capitales" (Museo del Prado), guardada en los aposentos de Felipe II, y el "Camino del Calvario" o "Cristo con la cruz a cuestas" (Monasterio de El Escorial), destinado al capítulo vicarial, obra considerada de autografía segura tras haberse manifestado algunas dudas y de la que se conoce otra versión más amplia y recargada, aunque de figuras menores, en el Kunsthistorisches Museum de Viena.


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text: Los lienzos descritos entre los bienes de los Guevara adquiridos por la corona no se han podido localizar, pero sus asuntos denotan el género de pintura, entre la sátira y la crítica social, con el que se relacionaba la pintura del Bosco. Bien conocido es el tema de la "Extracción de la piedra de la locura", ilustración de la incurabilidad de la estupidez humana. Vuelto a describir en el inventario del viejo Alcázar de Madrid de 1600 como «Un lienzo de mano de Hierónimo Bosco, maltratado, pintado al temple, en que hay un surujano [sic, por cirujano] que está curando a un hombre la cabeza», no puede tratarse de la tabla ahora en el Museo del Prado y al parecer propiedad, antes de 1529, del obispo Felipe de Borgoña. La popularidad del tema, muy presente también en la literatura neerlandesa como emblema de la locura, se ilustra por la abundancia de versiones y réplicas directa o indirectamente relacionadas con modelos bosquianos.


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text: "Dos Çiegos que guía el uno al otro", ilustración de la parábola evangélica (Mateo, 15,14: «y si un ciego guía a otro ciego, ambos caerán en el hoyo»), pertenece con la "Extracción de la piedra de la locura" al mismo género que Paul Vandenbroeck ha llamado «literatura de la necedad». Perdido el original, la composición bosquiana puede presumiblemente conocerse por una grabado de Pieter van der Heyden según el Bosco. La ceguera intelectual antes que física, representada en la estampa por dos músicos vagabundos con bordón de peregrinos santiaguistas, aparece así asociada a la mendicidad y al desarraigo, lo que para el Bosco, intérprete de la naciente burguesía neerlandesa, que identificaba sabiduría y virtud, equivalía a la exhibición —y condena— de un comportamiento vicioso, éticamente reprobable. Es el mismo modo de expresarse, mediante una simbolización inversa, que se encuentra en "La nave de los necios" de Sebastian Brant, otro lugar común de la literatura de la necedad ilustrado por el Bosco en una de las tablas del desmantelado "Tríptico del camino de la vida" (París, Museo del Louvre).


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text: Los ciegos, objeto de cruel entretenimiento, volvían a ser protagonistas del lienzo que se describía como "Unos Çiegos andan a caza de un puerco jabalí". En este caso el original bosquiano también se ha perdido aunque su composición puede reconocerse en un dibujo de Jan Verbeeck, pintor de Malinas, conservado en la École des Beaux-Arts de París. El conocimiento en España de la composición dibujada por Verbeeck queda bien acreditado por la existencia de una copia del mismo modelo pintada en grisalla en uno de los muros de una casa hidalga localizada en la plaza de San Facundo de Segovia, que fue propiedad de Ana de Miramontes y Zuazola, esposa de Jerónimo de Villafañe, alcaide de los Reales Alcázares en 1565. El pasatiempo, conocido como «apalear al marrano», relacionado con la fiesta de san Martín, se encuentra representado además en otra composición perdida del Bosco, conocida únicamente por "San Martín y los pobres", uno de los tapices de la serie llamada "Disparates del Bosco", bordada originalmente para el rey de Francia Francisco I (Patrimonio Nacional, Monasterio de El Escorial).


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text: En su "Descripción del bosque y Casa Real del Prado" (1582) Gonzalo Argote de Molina anotaba la presencia en aquel Real Sitio de ocho tablas del Bosco, «pintor de Flandes, famoso por los disparates de su pintura», entre ellas algunas "Tentaciones de san Antonio" y la pintura de un «extraño muchacho» nacido en Alemania que a los tres días de nacer aparentaba siete años, «que ayudado con feísimo talle y gesto es figura de mucha admiración». En 1593 se incorporaron al monasterio de El Escorial nuevas pinturas del Bosco, la más importante de ellas "El jardín de las delicias" ahora en depósito en el Museo del Prado, que el documento de entrega describía como «una pintura en tabla al olio, con dos puertas de la bariedad del mundo, cifrada con diversos disparates de Hierónimo Bosco, que llaman Del Madroño», por uno de los frutos que en ella aparecen. Con el célebre tríptico llegaron al monasterio unas nuevas "tentaciones de san Antonio", un "Juycio cifrado en disparates" y "Diversos disparates de hierónimo bosco" no identificados, además de la "Coronación de espinas con cinco sayones", adquirida junto con el "Jardín de las delicias" en la almoneda de Fernando de Toledo, hijo natural del gran duque de Alba. Con razón fray José de Sigüenza podía escribir en su historia de la fundación del monasterio de El Escorial, editada en 1605 dentro de su "Historia de la Orden de San Jerónimo", que «entre las pinturas de estos alemanes y flamencos, que, como digo, son muchas, están repartidas por toda la Casa muchas de un Jerónimo Bosco». Rechazando la opinión vulgar, que solo encuentra en la pintura del Bosco caprichosas extravagancias, el padre Sigüenza clasificaba en tres géneros sus pinturas, auténticos «libros de prudencia y artificio»: las pinturas devotas, con motivos tomados de la vida de Jesús, como lo eran los temas de la "Adoración de los Magos" y "Cristo con la cruz a cuestas", donde «no se ve ninguna monstruosidad ni disparate», sino el espíritu humilde de los sabios de oriente y la envidia rabiosa de los fariseos contrastada con la inocencia que se manifiesta en el rostro de Cristo; un segundo grupo de pinturas que actúan como espejos para el cristiano, formado por las diversas versiones de las "tentaciones de san Antonio", que daban al Bosco ocasión de «descubrir extraños efectos» al representar al santo con rostro sereno y contemplativo, «lleno de paz el alma», entre seres fantásticos y monstruosos, «y todo esto para mostrar que un alma, ayudada de la divina gracia (...) aunque en la fantasía y a los ojos de fuera y dentro represente el enemigo lo que puede mover a risa o deleite vano, o ira y otras desordenadas pasiones, no serán parte para derribarle ni moverle de su propósito»; grupo al que pertenecía también la "Mesa de los pecados capitales", con los sacramentos pintados en las esquinas como remedios del pecado, aunque lo allí representado sean en realidad las postrimerías; y un grupo de pinturas de apariencia más "macarrónica", en último lugar, pero «de grandísimo ingenio, y no de menor provecho», al que pertenecían los trípticos del "carro de heno", fundado en Isaías 40,6: Toda carne es heno y toda su gloria como flor de campo, y "El jardín de las delicias", cuyo centro es una fresa o "madroñuelo", «que en algunas partes llaman mayotas, cosa que apenas se gusta cuando es acabada». La interpretación de fray José de Sigüenza del "Jardín de las delicias", cuando faltaban más de dos siglos para que el tríptico empezase a ser conocido por ese nombre es, desde luego, la primera y plenamente vigente de las interpretaciones que se han dado para una obra considerada de las más enigmáticas de la historia de la pintura. El desconocimiento de las circunstancias en que tuviese lugar el encargo y las fechas de su ejecución, así como la personalidad del cliente y su destino original, dificultan la comprensión de unas imágenes que se presumen simbólicas. Se ha pensado que pudo ser encargado hacia 1495 por Enrique III de Nassau o, más probablemente, por su tío, Engelbrecht II, consejero del duque Felipe el Hermoso, con destino a su palacio de Coudenberg en Bruselas, pues allí lo habría visto el 30 de julio de 1517 Antonio de Beatis, secretario del cardenal Luis de Aragón, en su visita a los Países Bajos. La descripción que dejó De Beatis del "jardín", si de él se trataba, es, de todos modos, bastante imprecisa y como hecha de memoria, primando el carácter lúdico de lo representado pues, lo que decía haber visto en su recorrido, sin nombrar a su autor y entre «bellisime picture» mitológicas, eran:


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text: En mayo de 1568 el "Jardín" fue confiscado por el duque de Alba a Guillermo de Orange, descendiente de los Nassau y cabecilla de la rebelión protestante de los Países Bajos. A ello puede deberse la defensa de su ortodoxia que hizo fray José de Sigüenza, una ortodoxia que solo ha sido puesta en duda más tarde por Wilhelm Fraenger, que hizo del Bosco un adepto de la secta de los adamitas, y algún otro defensor de enfoques «alternativos», a los que la crítica ha prestado escasa credibilidad.


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text: La relación de los Nassau con la pintura del Bosco se comprueba también a través de Mencía de Mendoza (1508-1554), marquesa del Zenete y tercera esposa de Enrique III de Nassau. Mujer rica y culta, cercana al erasmismo, con quince años fue casada con Enrique de Nassau, con quien vivió en Flandes entre 1530 y 1533 y entre 1535 y 1539. En su palacio de Breda trabajaron entre otros Jan Gossaert y Bernard van Orley, que en 1532 pintó una completa galería de retratos por encargo de doña Mencía. Viuda, en 1541 contrajo segundas nupcias con el duque de Calabria y se instaló con él en Valencia, desde donde se mantuvo en contacto con Flandes a través de Gylles de Brusleyden, fundador del colegio trilingüe de Lovaina, que fue también su asesor artístico, y Juan Luis Vives. Doña Mencía reunió una importante colección de obras de arte, entre las que destacaban los tapices, pero también buen número de pinturas, muchas de ellas vendidas en almoneda pública en Valencia seis años después de su muerte. Tres de ellas, según el inventario hecho en 1548, se atribuían a «Jerónimo Bosque»:  En su capilla funeraria del antiguo convento de Santo Domingo, para la que había encargado una serie de ocho tapices llamada "de las muertes" sobre diseños de Van Orley, su heredero, Luis de Requesens, hizo colocar el "Tríptico con escenas de la Pasión de Cristo" o de los "Improperios", con la "Coronación de espinas" en la tabla central, obra de un discípulo o seguidor del Bosco (Museo de Bellas Artes de Valencia). Tan solo un año antes de la publicación de la "Historia de la Orden de San Gerónimo" de Sigüenza salió a la luz la vida de "Ieronimus Bos" escrita por Karel van Mander, recogida con las restantes vidas de pintores italianos y flamencos en su "Schilder-boeck". Van Mander, que reconocía ignorar las fechas de nacimiento y muerte del Bosco, pero le tenía por "verdaderamente antiguo", ofreció una ajustada descripción de su técnica, notablemente diferente de la practicada por sus contemporáneos al servirse de tintas ligeras y transparentes aplicadas, según explicaba, en manchas compactas y «a menudo con la primera pincelada de óleo, lo que no impedía que sus obras resultasen muy bellas». En cuanto a los temas tratados, citaba los versos de Dominicus Lampsonius y abundaba en la presencia en su pintura de «espectros y monstruos infernales cuya contemplación resulta ser mucho más terrorífica que agradable». Sin embargo, con lo que actualmente se conoce de la pintura del Bosco, no es posible saber cuáles de sus cuadros llegó a ver Van Mander. Ni la "Huida a Egipto" con un oso bailando, que al parecer vio en Ámsterdam, ni el "Monje santo discutiendo con los herejes" que se encontraba en casa de un aficionado de Haarlem, presumiblemente la «prueba del fuego» con santo Domingo de Guzmán enfrentado a los predicadores albigenses, ni el "Infierno" con el descenso de Cristo al Limbo, se pueden relacionar con ninguna de las obras ahora conocidas, y el "Cristo con la cruz a cuestas" en el que «se nos presenta un pintor más serio de lo que en él es habitual», es un tema que se repite tanto en la producción del Bosco (El Escorial, Viena) como en la de sus seguidores (Gante, Museum voor Schone Kunsten). Descripciones tardías del interior de la iglesia de San Juan de Bolduque, con sus muchos retablos «dignos de compararse con la escultura de Praxíteles y la pintura de Apeles», sugieren que alguno de ellos pudo ser pintado por el Bosco, aunque la documentación conservada menciona exclusivamente a su padre, Anthonius, y a su hermano mayor, Goossen, y únicamente en relación con el inacabado altar mayor. En 1548 el entonces príncipe Felipe II visitó la iglesia. El cronista del "felicísimo viaje", Juan Calvete de Estrella, refiere que allí el príncipe admiró sus cuarenta altares pero solo describe un reloj que tenía, junto a una Adoración de los magos, un Juicio Final, con un cielo y un infierno «que es cosa de admiración y pone religión y temor en los ánimos». Si en tal ocasión no se hizo mención de ninguna obra del Bosco, antes de que en 1629 la ciudad fuese ocupada por los protestantes holandeses, una crónica local decía de los altares del coro y de la capilla de la hermandad de Nuestra Señora que se adornaban «con escenas hechas conforme al arte extraordinario de Hyeronimus Bosch». Lo pintado era, en el primero de los dos altares citados, la creación del mundo en seis días, para Koldeweij posiblemente una copia del "Jardín de las delicias" del Prado, y en las alas del segundo Abigail con David y Betsabé y Salomón, que en realidad parecen haber sido pintadas entre 1522 y 1523 por Gielis Panhedel, pintor de Bruselas. Además, las puertas del retablo de San Miguel, con las historias de Ester y Judit, podrían ser también del Bosco, según la citada crónica, junto con una "Adoración de los reyes" en la capilla de la imagen milagrosa. Los esfuerzos que se han hecho para identificar algunas de estas pinturas no han sido concluyentes. El más elaborado intento de relacionar algunas de las obras actualmente conservadas con las mencionadas en la iglesia de San Juan es la interpretación formulada por Jos Koldeweij de la composición primitiva del retablo mayor de la hermandad. Según esa interpretación, y aunque la documentación no mencione sus asuntos, de ese retablo habrían formado parte el "San Juan Bautista" del Museo Lázaro Galdiano de Madrid y el "San Juan en Patmos" de los Museos Estatales de Berlín, caras interiores de las puertas de una caja con esculturas que se localizaría en el cuerpo superior o ático del retablo de escultura. La tesis, aceptada por los integrantes del Bosch Research and Conservation Project (BRCP), ha sido vigorosamente contestada por Stephan Kemperdick, conservador del museo berlinés, por razones cronológicas —la tabla de Berlín no pudo pintarse antes de 1495— e iconográficas. El reverso pintado con escenas de la Pasión en falsa grisalla dentro de una esfera traslúcida, a modo de globo terráqueo, de modo semejante a como se encuentra en las puertas exteriores del "Jardín de las delicias" pero, al contrario que en estas, con la esfera completa en una sola tabla, hace improbable una segunda esfera similar en el reverso de la tabla del Museo Lázaro Galdiano, en el que, por otro lado, no se advierten indicios de haber estado nunca pintado.