text: La comercialización de la electricidad es la fase final en el suministro de electricidad desde la generación al consumidor. Los otros procesos principales son la transmisión y la distribución, sin perjuicio del autoconsumo. En España hay más de 250 comercializadoras de electricidad operando en el mercado.


title: Película

text: Una película (del latín "pellicula", diminutivo de "pellis", «piel») es una serie de imágenes fijas que, cuando se proyectan en una pantalla de forma consecutiva en rápida sucesión, crean la ilusión óptica de imágenes en movimiento. El término normalmente se usa como sinónimo de obra cinematográfica, es decir, una historia (ficticia o documental), registrada en un soporte (película flexible o contenedor digital) que se graba y lee mediante un mecanismo continuo o intermitente de sucesión de imágenes. Estas películas cinematográficas también reciben el nombre de film o filme, así como el acortamiento peli.


title: Película

text: El proceso de rodaje. Una película se puede crear fotografiando escenas reales con una cámara de imágenes en movimiento, fotografiando dibujos o modelos en miniatura utilizando técnicas de animación tradicional, por medio de imágenes generada por computadora o animación por computadora, o por una combinación de algunas o todas estas técnicas y otros efectos visuales.


title: Película

text: Las películas se grababan originalmente en una película de plástico a través de un proceso fotoquímico y luego se mostraban a través de un proyector de películas en una pantalla grande. Las películas contemporáneas ahora a menudo son completamente digitales a lo largo de todo el proceso de producción, distribución y exhibición. Las películas grabadas en forma fotoquímica tradicionalmente incluían una banda sonora óptica análoga (una grabación gráfica de las palabras habladas, música y otros sonidos, que acompañan a las imágenes y que van a lo largo de una parte de la película reservada exclusivamente para ello, que no se proyecta).


title: Película

text: Las imágenes individuales que componen una película se denominan fotogramas. En la proyección de las películas de celuloide tradicionales, un obturador giratorio provoca intervalos de oscuridad entre cada fotograma, que a su vez, se coloca en posición para proyectarse. El espectador no nota las interrupciones debido a un efecto conocido como persistencia de la visión, por el cual el ojo retiene una imagen visual durante una fracción de segundo después de que desaparece su fuente. La percepción del movimiento se debe a un efecto psicológico llamado fenómeno phi.


title: Película

text: El nombre «película» se origina en el hecho de que la película fotográfica (también llamada película de cine) ha sido históricamente el medio para grabar y mostrar imágenes en movimiento.


title: Película

text: La idea de capturar, crear y reproducir el movimiento por medios mecánicos es muy antigua, existieron antecedentes tales como la cámara oscura, o el taumatropo, la linterna mágica, el fusil fotográfico. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del .


title: Película

text: El cine fue producto de una lenta evolución experimental a lo largo de los siglos. El objetivo de miles de personas, inventores, fabricantes de juguetes o de comerciantes fue entretener al mundo mediante imágenes y fue además de un impulso una necesidad de la especie humana de expresarse mediante imágenes utilizando las técnicas y posibilidades de cada momento. La base del cine está en el desarrollo de la ciencia y la técnica, este incesante interés por encontrar nuevas salidas exigió la constante aplicación de la técnica y de la investigación sobre los nuevos descubrimientos.


title: Película

text: Uno de los primeros avances científicos que llevó directamente al desarrollo del cine fueron las observaciones de Peter Mark Roget, que en 1824 publicó un importante trabajo científico con el título de Persistencia de la visión. En lo que afecta a los objetos en movimiento, en él se establecía que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de que el sujeto deja de tenerlas delante. Este descubrimiento estimuló a varios científicos a investigar para demostrar el principio de la persistencia de la imagen en la retina. Concretamente, se descubrió que si 16 imágenes de un movimiento que transcurre en un segundo se hacen pasar sucesivamente también en un segundo, la persistencia de la visión las une y hace que se vean como una sola imagen en movimiento. Esta teoría fue más tarde sustituida por el fenómeno phi y ambas formarán parte de la base de la teoría del cine. Entretanto nace la fotografía y ya en 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los aparatos para ver imágenes animadas. En 1877 el fotógrafo Eadweard Muybridge empleó una batería de 24 cámaras para grabar el ciclo de movimientos del galope de un caballo. Posteriormente el cronofotógrafo portátil, una especie de fusil fotográfico, movía una única banda que permitía obtener doce imágenes en una placa giratoria que completaba su revolución en un segundo.


title: Película

text: En 1890 Thomas Edison construyó un laboratorio en Nueva Jersey, que se convirtió en el primer estudio de cine del mundo. Su ayudante William K. L. Dickson está considerado por algunos como el diseñador de la primera máquina de cine, el kinetoscopio, aunque no era propiamente una máquina para grabar imágenes. Finalmente fue en Francia en 1895 cuando los hermanos Lumière llegaron al cinematógrafo, primer aparato que se puede calificar auténticamente de cine.


title: Película

text: Las primeras películas fueron simplemente una toma estática que mostraba un evento o acción sin edición u otras técnicas cinematográficas. A finales del , las películas comenzaron a agrupar varias escenas para contar una historia. Las escenas se dividieron más tarde en tomas múltiples fotografiadas desde diferentes ángulos y distancias. Otras técnicas, como el movimiento de la cámara, se desarrollaron como formas efectivas de contar una historia con una película.


title: Película

text: Estas películas cinematográficas eran un arte puramente visual, puesto que en la película no se registraba sonido. Sin embargo, estas películas mudas era habitual proyectarlas en grandes teatros acompañadas de música en vivo, lo que servía de entretenimiento de masas. A principios de la década de 1920, la mayoría de las películas venían con una lista de partituras preparadas para este propósito y se compusieron partituras completas para las principales producciones.


title: Película

text: El auge del cine europeo se vio interrumpido por el estallido de la Primera Guerra Mundial, mientras que la industria del cine en los Estados Unidos floreció con el auge de Hollywood. En abril de 1927, en Nueva York, se realizó la primera proyección comercial de cine sonoro completamente sincronizado, lo que supuso el despegue de esta tecnología.


title: Película

text: Otro desarrollo tecnológico importante fue la introducción de la película en colores, que registraba fotográficamente el color natural de las imágenes en lugar de agregarse a las grabaciones en blanco y negro mediante el coloreado a mano, el coloreado de plantillas u otros procedimientos arbitrarios. La innovación más importante fue la introducción del Technicolor, utilizada por primera vez para dibujos animados en 1932 y posteriormente en películas de acción real en ella.


title: Película

text: Originalmente las películas se grababan en una cinta de celuloide, un material plástico recubierto de una emulsión de sales de plata que, en presencia de la luz, hace una reacción fotoquímica. Esta tira de plástico, llamada también «película», es lo que ha dado nombre a la sucesión de imágenes que crean la ilusión óptica de imágenes en movimiento. Sin embargo, actualmente se imponen los soportes digitales, aunque se mantiene "película" como nombre para las grabaciones de imágenes en movimiento.


title: Película

text: Desde su invención hasta el cine digital, siempre se ha buscado la manera de mejorar las películas, ya sea la relación de aspecto, el tamaño o los costes de producción. De este modo, según sus apariciones cronológicamente, los formatos que han aparecido se clasifican de la forma siguiente:


title: Película

text: La «teoría del cine» busca desarrollar conceptos concisos y sistemáticos que se aplican al estudio del cine como arte. El concepto de la película como una forma de arte comenzó en 1911 con "El nacimiento del sexto arte" de Ricciotto Canudo. La teoría formalista, encabezada por Rudolf Arnheim, Béla Balázs y Siegfried Kracauer, enfatizaba cómo la película difería de la realidad y, por lo tanto, podía considerarse válido dentro de las bellas artes. André Bazin reaccionó contra esta teoría argumentando que la esencia artística del cine radica en su capacidad para reproducir mecánicamente la realidad, no en sus diferencias con la realidad, y esto dio lugar a una teoría realista. El análisis más reciente espoleaba el psicoanálisis de Jacques Lacan y la semiótica de Ferdinand de Saussure, que entre otras cosas ha dado pie a la teoría de cine psicoanalítico, la teoría del cine estructuralista, la teoría del cine feminista, y otras. Por otro lado, críticos de la tradición de la filosofía analítica, influenciados por Wittgenstein, intentan aclarar los conceptos erróneos utilizados en los estudios teóricos y realizan un análisis del vocabulario de una película y su vínculo con una forma de vida. Un ejemplo de teoría analítica aplicada al cine es el test de Bechdel, utilizado para evaluar el machismo en el cine.


title: Película

text: Se considera que el cine tiene su propio lenguaje. James Monaco escribió un texto clásico sobre la teoría del cine titulado "Cómo leer una película", que trata este tema. Un ejemplo de este lenguaje es una secuencia de ida y vuelta de imágenes del perfil izquierdo de un actor que habla, seguido por el perfil derecho de otro actor que habla, y una repetición de esto, lo que es entendido por la audiencia como una conversación. Esto describe otra teoría del cine, la regla de 180 grados, como un dispositivo de narración de historias visuales con la capacidad de colocar a un espectador en un contexto de estar psicológicamente presente mediante el uso de la composición y la edición visuales. El "estilo de Hollywood" incluye esta teoría narrativa, debido a la abrumadora práctica de la regla por parte de los estudios de cine ubicados en Hollywood durante la era del cine clásico. Otro ejemplo de lenguaje cinematográfico es tener una toma que se acerca al rostro de un actor con una expresión de reflexión silenciosa, que se corta a una toma de un actor más joven que se parece vagamente al primer actor, lo que indica que la primera persona está recordando su pasado; una edición de composiciones que provoca una transición temporal.


title: Película

text: El montaje es la técnica mediante la cual se seleccionan, editan y luego se juntan piezas separadas de la película para formar la película final. Una escena podría mostrar a un hombre entrando en una batalla, con retornos a su juventud y su vida familiar y con efectos especiales adicionales colocados en la película después de que se completa la grabación. Como todas estas escenas se grabaron por separado, y quizás con diferentes actores, la versión final requiere del montaje. Los directores desarrollaron una teoría del montaje, comenzando con Serguéi Eisenstein y la compleja yuxtaposición de imágenes en su película "El acorazado Potemkin". La incorporación del contrapunto musical y visual, el desarrollo de la escena a través de la puesta en escena y la edición, y los efectos visuales, han llevado a técnicas más complejas comparables a las utilizadas en ópera y ballet.


title: Película

text: La realización y proyección de imágenes en movimiento se convirtió en una fuente de ganancias casi tan pronto como se inventó el proceso. Al ver el éxito que tuvo su nueva invención y su producto en su Francia natal, los hermanos Lumière rápidamente comenzaron a recorrer el continente para exhibir las primeras películas de forma privada a la realeza y públicamente a las masas. En cada país, normalmente añadirían escenas locales nuevas a su catálogo y, con la suficiente rapidez, encontrarían empresarios locales en los diversos países de Europa para comprar sus equipos y fotografiar, exportar, importar y seleccionar productos adicionales comercialmente. Pronto siguieron otras imágenes, y las imágenes en movimiento se convirtieron en una industria separada que eclipsó el mundo del vodevil. Salas de cine y compañías dedicadas se formaron específicamente para producir y distribuir películas, mientras que los actores cinematográficos se convirtieron en grandes celebridades y obtuvieron enormes honorarios por sus actuaciones. Para 1917, Charles Chaplin tenía un contrato que exigía un salario anual de un millón de dólares. Hasta 1956, la película fue también el único sistema de almacenamiento y reproducción de imágenes para la programación de televisión hasta la introducción de grabadoras de cintas de video.


La Historia verdadera de la conquista de la Nueva España es una obra de Bernal Díaz del Castillo, que fue uno de los soldados participantes en la mayoría de las jornadas de la conquista de México en el siglo XVI.


title: Historia verdadera de la conquista de la Nueva España

text: Los biógrafos de Díaz del Castillo coinciden en que 1568 fue la fecha de la conclusión del manuscrito. Una copia manuscrita llegó a España en 1575 ( 7 años después) (en el siglo XVI era habitual la circulación manuscrita de las obras), la cual sirvió de base a la primera edición impresa, que fue publicada póstuma en 1632; de ella existen dos ediciones diferentes en la que consta el año 1632 en portada, pero solo una fue impresa "verdaderamente" en ese año, aunque con dos variantes de estado (que no de edición); la segunda es una falsificación o edición contrahecha que imita la primera variante de estado y fue hecha a finales del siglo XVII o principios del XVIII, aunque muchos siguen considerándola primera edición.


text: La auténtica primera lleva una portada calcográfica de Juan de Courbes y sus dos variantes o estados, según fundamenta el estudio tipobibliográfico exhaustivo de Carlos Fernández González, se distinguen en que una cuenta con un capítulo final que no tiene la otra y corrige dos erratas tipográficas (en la signatura Ii3 y en el año de apostilla marginal en el f. 251v), además de otros rasgos diversos.


text: Es una obra de estilo cautivador desde las primeras líneas. Nos narra el proceso de la conquista de México de una manera ruda, aunque sencilla, ágil y directa. Cada página es un retrato pintoresco plagado de detalles. Leer su libro es transportarse al pasado y vivir al lado de un soldado todos los sucesos de la conquista: descripciones de lugares, relatos de personajes, anécdotas, críticas agudas y angustiantes relaciones de fatiga y peligros enfrentados.


text: Cada uno de los doscientos catorce capítulos se convierten en una vivencia para el lector. Como muestra de la sencillez de su estilo, Bernal narra un asombroso fragmento de cuando los españoles entraron por primera vez a la ciudad de México:


text: Si estamos interesados en saber lo que comía Moctezuma, podemos recurrir a la Historia Verdadera:


text: Su obra también ofrece información sobre los enfrentamientos entre indios y soldados españoles en medio de la conquista:


text: Sobre Michoacán, Díaz del Castillo hace de Olid y sobre el juicio sobre el Cazonci entablado por Nuño de Guzmán.


text: Sin embargo, no fue precisamente el hecho de dar a conocer las hazañas de los españoles en un libro de aventuras lo que motivó a escribir su "Historia verdadera de la conquista de la Nueva España", cuarenta años más tarde. El verdadero móvil fue el de nunca sentirse bien retribuido en premios (tierras e indios) y recompensas a sus múltiples méritos. Su Historia Verdadera es una desmesurada relación de méritos en la conquista de la Nueva España. Hace hincapié en la poca gloria que dejó Hernán Cortés a los soldados, artífices de la conquista.


text: Es frecuente encontrar en la "Historia verdadera" comentarios sobre el cronista real Francisco López de Gómara y su "Historia general de las Indias". Bernal le acusa de hablar a sabor de su paladar, alabando a Cortés, callando y encubriendo las hazañas de los soldados. Su argumento era que escribían historias quienes no se hallaron presentes en la Nueva España y sin tener relación en lo realmente acontecido. A este respecto, nuestro cronista escribe:


text: Caída la ciudad de México-Tenochtitlan, Bernal Díaz se fue a residir a Coatzacoalcos. En 1541 (cuando se fundaba la ciudad de Valladolid, hoy Morelia) resolvió ir a Santiago de Guatemala, lugar donde murió en el año 1584, contando más de ochenta y cuatro años de edad.


text: Con lo anterior mencionado, podemos responder a nuestra pregunta inicial: Díaz del Castillo escribió la "Historia verdadera" como prueba de sus servicios a la Corona, para así exigir recompensas. Era una respuesta a las crónicas que enaltecían a Cortés dándole toda la gloria, reduciendo a nada el esfuerzo del soldado español.


text: Sin embargo, Bernal no deja de tener sus críticos. W. Arens, autor del libro "El mito del comehombres", no deja de recordarnos que nunca tomó notas y nunca aprendió a hablar las lenguas indígenas y, no obstante, es capaz de describirnos diálogos enteros de los indígenas desde el primer día que pisaron el continente. Sin embargo, tal como Bernal lo escribió, conocía la lengua indígena de Cuba, y la conquista se hizo con la presencia casi constante de 'lenguas' que traducían los idiomas locales, además de usar el lenguaje universal de las manos. Algunos de estos diálogos tienen una gran semejanza con pasajes de las aventuras de Hans Staden, un libro muy popular en su época y que relata las penurias de un mercenario alemán en la costa atlántica del Brasil hacia 1550. Algunos de sus relatos se contraponen con las versiones indígenas, y otros, como su descripción del tzompantli del Templo Mayor, son físicamente imposibles. Bernal reporta haber contado 100 000 cráneos, pero en las reconstrucciones del tzompantli no caben más de 1800.


text: Christian Duverger, antropólogo francés que se ha especializado en historia de Mesoamérica, va más lejos en su libro publicado en 2012, "Crónica de la eternidad", atribuyendo la autoría de la obra de Bernal Díaz al propio conquistador de México, Hernán Cortés. Sin embargo, la tesis de Duverger ha sido refutada, entre otros, por el académico español Guillermo Serés, quien defiende la autoría de Bernal Díaz de la obra que siempre se le ha atribuido.


title: Das Boot (película)

text: Das Boot (IPA: [das boːt] "el Barco", en alemán) (conocida como "El barco" en Argentina y "El submarino" en España) es un largometraje alemán de cine bélico y dramático de 1981, dirigido por Wolfgang Petersen y basado en la novela homónima de Lothar-Günther Buchheim. La película fue protagonizada por Jürgen Prochnow, Herbert Grönemeyer y Klaus Wennemann en los papeles principales encabezando un largo reparto. El largometraje entrega un mensaje antibelicista.


title: Das Boot (película)

text: Existen tres versiones de la película: la estrenada en los cines, con una duración de 150 minutos; la versión del director que salió al mercado en formato DVD en 1997, con una duración de 209 minutos; y la versión "sin cortes" que salió a la venta en 2004 en un formato de 2 DVD y con una duración de 282 minutos. Esta última versión adapta y une los seis capítulos (de aproximadamente 50 minutos de duración cada uno) que se estrenaron para la televisión de Alemania poco después de su estreno en Hollywood como si de una película se tratara, eliminando así los créditos iniciales y finales y los recordatorios de cada capítulo.


title: Das Boot (película)

text: La Rochelle (Francia), octubre de 1941. Un submarino alemán tipo VII C, el U 96, sale a la mar desde esa importante base de submarinos, en una misión de patrulla durante la Segunda Guerra Mundial.


title: Das Boot (película)

text: Junto a su tripulación va también un periodista, corresponsal del Ministerio de Propaganda, joven y novato, el teniente Werner (Herbert Grönemeyer), quien es el narrador en tercera persona de la trama. La tripulación está compuesta por un grupo de jóvenes marinos que viven días de angustia durante estas patrullas y que cuando están fuera de servicio se extralimitan y se desenfrenan, sabiendo que es posible que no regresen de la próxima misión. Entre ellos están el jefe de máquinas Fritz Grade (Klaus Wennemann), el primer teniente (Hubertus Bengsch), un nazi fanático ferviente de las reglas, y el maquinista Johann (Erwin Leder), un amante de los artefactos mecánicos.


title: Das Boot (película)

text: El capitán Henrich Lehmann-Willenbrock (Jürgen Prochnow) es un líder nato, dotado con una excepcional fortaleza y control emocional, sumado a ser un marino experimentado, comprensivo y con mucho criterio y tino, lo cual lo hace ser muy respetado por su tripulación. Su meta es cumplir con su deber lo mejor posible y volver con vida junto a sus hombres; de su criterio e iniciativas dependen la vida propia y la de su tripulación. El maquinista Johann, hombre vital en el funcionamiento del submarino, cuida los motores con paternalismo profesional; pero oculta que su mayor debilidad son los ataques con bombas de profundidad los cuales le causan crisis de pánico.


title: Das Boot (película)

text: Las condiciones de vida a bordo son extremadamente agobiantes por el hacinamiento y la falta de espacio. Tras torpedear con éxito unos barcos de un convoy, emergen para comprobar con horror cómo los marinos británicos de un barco, aún a flote, arden vivos. También se ven obligados a abandonar a los supervivientes siguiendo órdenes pre-existentes, y tampoco son rescatados por el convoy por temor a nuevos torpedeos, y son dejados a su suerte por el submarino por la imposibilidad de transportarlos. La vida sigue a bordo del "U 96" donde deben aguantar el tedio, las tormentas, ocasionales encuentros con U-boot amigos o aburridos días sin salir a superficie.


title: Das Boot (película)

text: Nuevas órdenes los hacen dirigirse al puerto de Vigo, en España. Allí son recibidos por la oficialidad de un buque alemán internado, que en realidad es un buque de abastecimiento, siendo los oficiales del submarino respetados y agasajados con un banquete. Allí reciben nuevas órdenes, dirigirse al puerto de La Spezia, en Italia, para lo cual deberán cruzar el peligroso estrecho de Gibraltar. Werner y el capitán Lehmann se enteran además de que sus solicitudes de volver a Alemania han sido denegadas.


title: Das Boot (película)

text: Con el submarino repleto de alimentos frescos y torpedos, los marinos del "U 96" inician la travesía. Al llegar a las cercanías del estrecho, el capitán decide cruzar durante la noche neblinosa la barrera de navíos británicos en patrulla, dejándose llevar por la corriente, pero son descubiertos y atacados de improviso por un avión. Con los motores a máxima velocidad, el submarino se sumerge para evitar ser destruido, pero un fallo en los alerones de proa no permiten estabilizar la nave, que se hunde cada vez más hasta tocar fondo a 280 metros de profundidad. El aplastamiento del casco de fuerza provoca filtraciones y roturas en los conductos que inundan de agua el interior del buque y el gas cloro de las baterías aplastadas en el hundimiento inunda el compartimento de máquinas, apareciendo el fantasma de la muerte por asfixia. Todo parece estar perdido, pero el liderazgo de su capitán crea el espíritu de lucha por sobrevivir actuando en equipo. La tarea es ardua y extenuante, casi ahogándose mientras luchan contra las filtraciones. Cada uno a su modo, se convierte en héroe al lograr sus objetivos en sus respectivas áreas.


title: Das Boot (película)

text: Finalmente, gracias al dificultoso pero mancomunado trabajo en equipo y tras 16 horas de reparaciones, salen del fondo del mar y ya en la superficie por fin toman rumbo a La Rochelle, su punto de partida, donde después de cantar alegres himnos y gozar de ser sobrevivientes son recibidos como héroes en el muelle nada menos que por el mismo Karl Doenitz.


title: Das Boot (película)

text: Sin embargo, un ataque sorpresa de aviones británicos De Havilland Mosquito rompe el solemne momento, y todos corren por la dársena para salvar sus vidas en medio de una lluvia de bombas perforantes. El submarino intenta refugiarse en un muelle antiaéreo, pero es alcanzado por las bombas. El teniente Werner busca desesperadamente al capitán Lehmann en medio del bombardeo, sospechando que este ha decidido quedarse en el "U 96"; Werner finalmente halla a su capitán, gravemente herido por las esquirlas de bombas, tendido junto al muelle. Allí Werner y Lehmann observan al U 96, tocado por las bombas, que empieza a hundirse irremediablemente mientras Lehmann lo observa herido en tierra. Al mismo tiempo que el U-96 desaparece, el capitán fallece a consecuencia de sus heridas.La película "El submarino", una adaptación de la exitosa novela del mismo nombre de Lothar-Günther Buchheim, costó 32 millones de marcos y el rodaje duró casi un año a causa de muchos problemas técnicos que había que superar para rodarlo. Se rodó la película en los propios estudios muniqueses de la Bavaria, en el puerto francés de La Rochelle (que había sido una importante base de submarinos durante la Segunda Guerra Mundial) y en las costas alemanas del Mar del Norte.


title: Das Boot (película)

text: Hans-Joachim Krug, ex primer oficial del U 219, fue consultor de la película. También colaboró como consultor Heinrich Lehmann-Willenbrock, uno de los capitanes del verdadero U 96. Uno de los objetivos establecidos por Petersen era guiar a los espectadores a través de un «viaje a la locura», mostrándoles «en qué consiste la guerra». Petersen aumentó el suspense al mostrar en contadas ocasiones tomas externas del submarino, excepto cuando estaba en la superficie, y se valió de sonidos para indicar el desarrollo de eventos en el exterior de la nave, mostrando así al público solo lo que la tripulación podía ver. Fue el largometraje más caro en la historia del cine alemán. La meticulosa atención que prestó el director a los detalles permitió que lograra el largometraje de submarinos más realista —y una de las películas de guerra más exactas en el relato histórico— vistos hasta ahora.


title: Das Boot (película)

text: La producción cinematográfica consiguió un éxito sin precedentes en su país de origen y fue muy bien recibida por la crítica y el público de todo el mundo. Fue nominada a seis Óscar, un Globo de Oro y un premio BAFTA. Abrió el camino a Hollywood al director, e impulsó la carrera de algunos de los actores como Jürgen Prochnow. También fue galardonada con el premio "Bayerischer Filmpreis" de 1981, el premio "Deutscher Schallplattenpreis" de 1982, el premio "Goldene Leinwand" de 1982, el premio "Deutscher Filmpreis" de 1982, el premio "Goldene Kamera" de 1985, el premio "Goldene Kamera" de 2007 y el premio "Motion Picture Sound Editors" (Estados Unidos) de 1983.


title: Das Boot (película)

text: El gran éxito internacional de la película abrió a Wolfgang Petersen las puertas de producciones mucho más ambiciosas, como "La historia interminable" (1984), adaptación cinematográfica de la famosa novela homónima de Michael Ende y con el tiempo daría así también el salto a Hollywood, donde se convertiría en director de películas conocidas como "Estallido" (1995). También el actor Jürgen Prochnow consiguió así el salto a Hollywood.


title: Los Barrios

text: Los Barrios es un municipio y villa española situada en la provincia de Cádiz, comunidad autónoma de Andalucía.


title: Los Barrios

text: El escudo heráldico modificado, la bandera , el logotipo y el himno del municipio fueron aprobados oficialmente e inscritos en el Registro Andaluz de Entidades locales el . El blasón que define al escudo es el siguiente:


title: Los Barrios

text: La bandera se define de esta manera: La descripción del logotipo del municipio es la siguiente:


title: Los Barrios

text: Su ubicación estratégica junto al estrecho de Gibraltar hace que estuviera poblada desde la prehistoria. Los árabes habitaron también esta zona. Durante los primeros años del cristianismo perteneció a la Casa de Medina Sidonia y posteriormente (1502) pasó a ser propiedad de la Corona, En esa época se colonizó la zona y compaginaba actividades de agricultura y pesca con la construcción naval. En cualquier caso no fue hasta que los británicos ocuparon Gibraltar, 1704 cuando adquirió entidad propia ya que algunos refugiados del Peñón se instalaron allí. Su máximo esplendor coincidió con el reinado de Carlos III de España.


title: Los Barrios

text: El núcleo principal de la ciudad es el que lleva su nombre, Los Barrios. Además de este, hay otras cuatro pedanías pertenecientes al municipio: Palmones, Los Cortijillos, Guadacorte y Puente Romano.Más de un 70 por ciento del término municipal de Los Barrios es parque natural o paraje natural protegido. Es uno de los municipios que mayor superficie aporta al parque natural Los Alcornocales y en sus bosques existen helechos relícticos iguales a los que había en la Era Terciaria. Abunda la caza mayor de ciervos, que es una especie reintroducida, corzos, gamos y cochinos asilvestrados.


title: Los Barrios

text: El paraje natural de las marismas del Río Palmones es el único espacio natural que queda en la Bahía de Algeciras. En ellas, anidan numerosas especies de pájaros y son un lugar frecuentado por aves migratorias como los flamencos. Las zonas de valor ecológico del término se pueden recorrer por cañadas y vías verdes, entre ellas el Corredor verde de las dos Bahías, que tiene su última etapa en las Marismas del Río Palmones.


title: Los Barrios

text: Además, alberga gran parte del parque natural de Los Alcornocales, declarado como tal por el Parlamento de Andalucía en 1989.


title: Los Barrios

text: Comprende una gran franja con orientación sur-norte entre la zona costera de Tarifa, en el mismo Estrecho de Gibraltar, hasta las sierras del interior, en los municipios de Cortes de la Frontera, Ubrique y El Bosque. Con una superficie 167.767 ha, es uno de los parques naturales más grandes de España. La mayor parte del parque natural pertenece a la provincia de Cádiz y solo una parte es de la provincia de Málaga, con territorio de 17 municipios diferentes: Alcalá de los Gazules, Algar, Algeciras, Arcos de la Frontera, Benalup-Casas Viejas, Benaocaz, Castellar de la Frontera, El Bosque, Jerez de la Frontera, Jimena de la Frontera, Los Barrios, Medina Sidonia, Prado del Rey, San José del Valle, Tarifa, Ubrique y Cortes de la Frontera y una población total de unas 380.000 personas. Por otro lado está la La Montera del Torero. Es una popular formación rocosa a la altura del KM 88 de la carretera C-440 que evoca a una montera (sombrero) de un torero. Es uno de los símbolos de Los Barrios y existe una escultura réplica en una de las rotondas que da entrada al pueblo.


title: Los Barrios

text: Las pinturas de la Cueva de Bacinete son dibujos rupestres esquemáticos situados en el parque natural de Los Alcornocales con el estilo denominado arte sureño. Son datadas de la Edad de Bronce. Igualmente otras pinturas de gran vamos (como la "Cueva del Ciervo") se han solicitado considerarse como Bien de Interés Cultural.


title: Los Barrios

text: Este término municipal alberga desde los años 70 del siglo XX la primera planta de Acerinox, que actualmente es uno de los mayores grupos siderúrgicos del mundo y cuenta con otras fábricas en Kentucky (Estados Unidos) y Sudáfrica.


title: Los Barrios

text: Desde mediados de los 80 se instaló en el municipio la central térmica de Los Barrios, alimentada con carbón, para proporcionar energía a la potente industria del Campo de Gibraltar, que tiene el mayor complejo industrial de Andalucía. Dicha central perteneció a Endesa, que absorbió a la anterior propietaria, Sevillana de Electricidad, y desde 2008 pertenece a la alemana E.ON.


title: Los Barrios

text: La Junta de Andalucía, Isofotón y Endesa impulsan la construcción de la primera planta española y séptima en el mundo de polisilicio para paneles fotovoltaicos en Los Barrios. La capacidad de producción anual ascenderá a 2500 toneladas de polisilicio. Pero por motivos económicos, el proyecto está en espera de desarrollarse.


title: Los Barrios

text: Estaba prevista la construcción de una planta de biodiésel promovida por Greenfuel Andalucía, en los terrenos portuarios de la Central Térmica Los Barrios, pero el proyecto ha sido cancelado, debido al contexto de crisis internacional, el elevado coste de la materia prima para la fabricación de este combustible, la ausencia de subvenciones y beneficios fiscales, y que el consumo real de biodiésel es muy bajo. Fuentes de Endesa indicaron que la Junta fue comunicada de que la planta proyectada en Los Barrios no se haría. Junto a la localidad de Los Barrios está previsto un Parque de Innovación Empresarial.


title: Los Barrios

text: En Los Barrios se ha promovido en los últimos años el Parque comercial Las Marismas, que pasa por ser uno de los mayores de Andalucía, con operadores como Carrefour, Leroy Merlin, Decathlon, Toys "R" Us, Media Markt, Lidl, Norauto, Día, VisionLab, Burger King, McDonald's, Bricor y Factory Guadacorte, con unas 60 tiendas especializadas, y Odeón, único cine del Campo de Gibraltar, con 18 salas.


title: Los Barrios

text: También está previsto un gran centro comercial promovido por el grupo luso-británico Sonae Sierra, que ha reservado una opción de compra sobre una parcela de 37.600 metros cuadrados en el parque Las Marismas. Junto a este parque se promovieron el parque empresarial TecPal —que cuenta con un centro de negocios del grupo Azabache— y las Torres de Hércules, del grupo cordobés Valcruz, el edificio de oficinas más alto de Andalucía con 126 metros; un tercerno de Arttysur y un gran edificio de oficinas que fue construido por Sotonuve Inversiones.


title: Los Barrios

text: Los polígonos comerciales y de ocio de Los Barrios son de los más completos de España, reuniendo también a unas 4.000 pequeñas y medianas empresas. El conjunto de ellos se agrupa con la denominación de parque comercial "Las Marismas". El núcleo principal de Los Barrios está configurando en torno a la travesía de la antigua carretera C-440. Esta carretera también sirve de acceso a la estación ferroviaria del municipio y a las barriadas de Cortijo Grande, Puente Romano, Ciudad Jardín, Los Álamos y Los Cortijillos.


title: Los Barrios

text: Actualmente el municipio está circunvalado por la autovía A-381, que lo comunica con Jerez de la Frontera. La otra gran vía de comunicaciones de Los Barrios es la Autovía del Mediterráneo, con accesos a Palmones, Los Cortijillos, Guadacorte y el Parque comercial Las Marismas.


title: Los Barrios

text: Otras vías de menor importancia son:


title: Los Barrios

text: A diario hay autobuses regulares de la empresa Monbus que unen Los Barrios con Alcalá de los Gazules, Jerez de la Frontera y Sevilla.


title: Los Barrios

text: El término municipal de Los Barrios está integrado en el sistema tarifario del Consorcio de Transporte Metropolitano del Campo de Gibraltar. Todos los núcleos de población pertenecen a la zona A, y la parte del municipio correspondiente al parque natural de Los Alcornocales forma parte de la zona D, aunque actualmente no hay líneas de autobuses con destino a este espacio natural.


title: Los Barrios

text: Una línea de autobuses urbanos, explotada por la CTM-Grupo Ruíz (CTM), comunica Los Barrios centro con Puente Romano, Palmones, Los Cortijillos y Guadacorte.


title: Los Barrios

text: La estación de Los Barrios es la terminal ferroviaria del municipio. Una línea de media distancia de Renfe (Algeciras-Granada) efectúa paradas a diario en esta estación.


title: Los Barrios

text: Los Barrios cuenta con varios centros deportivos en sus diferentes núcleo urbanos. Los Barrios cuenta con el complejo deportivo villa de Los Barrios. El núcleo de Palmones con una pista polideportiva Cubierta y un gimnasio de musculación. En el núcleo de Los Cortijillos un pabellón cubierto y un campo de fútbol 11. Por último Guadacorte cuenta con un campo de fútbol 7 de césped artificial.


title: Los Barrios

text: La Unión Deportiva Los Barrios se fundó en el año 1993, al unirse dos equipos del pueblo, como eran el Atlético Los Barrios y la Juventud.


title: Los Barrios

text: En el año 1997, la U. D. Los Barrios ascendió de categoría, consiguiendo su primer ascenso a la tercera división del fútbol español, desde entonces milita en esta categoría nacional.


title: Los Barrios

text: En la consiguió su mayor éxito, acabando la liga regular en 2° posición, lo que le dio la posibilidad de jugar la fase de ascenso a segunda división B. Fue eliminado por el Cerro Reyes de Badajoz, tras un grave error del árbitro en el último minuto de partido.


title: Los Barrios

text: La , volvió a jugar la fase de ascenso a segunda división B, e intentó ascender de categoría para seguir haciendo historia, pero volvió a caer derrotado.


title: Los Barrios

text: Club de Natación Los Barrios Club deportivo para el fomento de la natación en el municipio de Los Barrios.


title: Algeciras (desambiguación)

text: El término Algeciras puede referirse a:


title: Benalup-Casas Viejas

text: Benalup-Casas Viejas o Benalup (hasta 1998 Benalup de Sidonia, e inicialmente Casas Viejas) es un municipio español de la provincia de Cádiz, en Andalucía. En la localidad tuvieron lugar los llamados sucesos de Casas Viejas, acaecidos durante la Segunda República. En 2016 contaba con 7003 habitantes.


title: Benalup-Casas Viejas

text: Sus coordenadas geográficas son 36º 20' N, 5º 48' O. Se encuentra situada a una altitud de 112 metros y a 62 kilómetros de la capital de provincia, Cádiz.


title: Benalup-Casas Viejas

text: La localidad se asienta sobre una mesa denominada "Loma de la Grulla", situándose a sus piés el río Barbate que marca la entrada al parque natural de los Alcornocales. Muy cerca se situaba la antigua laguna de La Janda, que da nombre a la comarca. En el valle asociado al río y la antigua laguna de la Janda (hoy desecada), se localizan los embalses del Barbate y del Celemín, que permiten regar una amplia extensión de cultivos (destacando el arroz). El entorno mantiene cierta reminiscencia de la riqueza acuícola del pasado que convirtió a la comarca en sitio ideal de paso y abastecimiento en las rutas migratorias de las aves que cruzan el estrecho de Gibraltar.


title: Benalup-Casas Viejas

text: Por otro lado, la localidad se ubica en la Ruta del Toro, con una fuerte tradición ganadera y agrícola. Además se encuentra en el recorrido del Corredor verde de las dos Bahías.


title: Benalup-Casas Viejas

text: El nombre del municipio se vincula al de la torre árabe de "Ben Alup", que atestigua el paso de los árabes a partir del 711. Según una leyenda local, este nombre significa "hijo de la loba". Sin embargo, desde el punto de vista lingüístico, hay que notar que la raíz *"lup-" o *"lub-" de origen preindoeurpeo, que significa fuente o agua, fue asociada por homofonía durante la época romana con el lobo, "lupus" en latín, como sucede por ejemplo con el topónimo Guadalupe".


title: Benalup-Casas Viejas

text: Su municipio estuvo profusamente habitado durante la prehistoria y de ello son testimonio los megalitos y el arte rupestre que se encuentran en él, como muestra el Tajo de las Figuras.


title: Benalup-Casas Viejas

text: Durante 1264 Alfonso X el Sabio conquistó Benalup. Las tierras del Castillo se vendieron en 1439 al concejo asidonense.


title: Benalup-Casas Viejas

text: En el se construye la ermita de Casas Viejas y poco a poco se constituye a su alrededor un núcleo de población.


title: Benalup-Casas Viejas

text: Benalup dependió del municipio de Medina Sidonia hasta 1991, año en que consiguió la independencia.


title: Benalup-Casas Viejas

text: Hoy en día, Benalup-Casas Viejas vive de la agricultura y el turismo. También un porcentaje bastante significativo de la población se dedica a la construcción, desplazándose a diario a la costa para trabajar allí.


title: Benalup-Casas Viejas

text: El 11 de enero de 1933 un grupo local de anarquistas de la CNT decidió hacer la revolución y proclamar el comunismo libertario, destituyendo al alcalde e intentando tomar el cuartel de la Guardia Civil donde se encontraban un sargento y tres números. Hieren de muerte al sargento y a uno de los números, pero no consiguen sus propósitos.


title: Benalup-Casas Viejas

text: El gobierno de la República envió fuerzas de la Guardia Civil y de la Guardia de Asalto que entraron a tiros en el pueblo, incendiando varias casas y luego procedieron a fusilar a diversos participantes, vecinos y sospechosos de haber participado en los hechos sin ningún tipo de juicio, llegando a prender con gasolina la choza del conocido anarquista Seisdedos muriendo calcinados la mayoría de sus ocupantes. Los oficiales al mando siempre mantuvieron que en su actuación, reprimiendo duramente la revuelta, recibían órdenes directas del Gobierno de la República.


title: Benalup-Casas Viejas

text: Los hechos provocaron la caída del gabinete de Manuel Azaña y una profunda conmoción en la opinión pública por la dura represión desatada hacia los campesinos.


title: Benalup-Casas Viejas

text: En 2016 contaba con 7003 habitantes. Su extensión superficial es de 60,7 km² y tiene una densidad de 117,61 hab/km².


title: Benalup-Casas Viejas

text: Número de habitantes entre 1996 y 2016.


title: Benalup-Casas Viejas

text: La iglesia se construyó para sustituir la antigua ermita que había en el solar donde se encuentra hoy en día, construida hacia el año 1555. En 1915, se derriba la antigua ermita y con la venta de los materiales y las aportaciones de los vecinos se empieza a construir el templo que se encuentra hoy en día en la plaza que lleva su mismo nombre. El 20 de febrero de 1930 finaliza su construcción y el 28 de septiembre de 1944 aparece el decreto de erección de la parroquia de Nuestra Señora del Socorro. Al derribarse la antigua ermita, se obtuvo dinero con la venta de sus antiguos materiales, en concreto 207 pesetas con 75 céntimos. Aunque hubo gran participación por parte del pueblo, sin la ayuda monetaria de familias como los condes de Bustillo o Josefa Pardo de Figueroa, la iglesia no se hubiese erigido. Es una iglesia de estilo ecléctico tardío, con aire medieval, románico y mudéjar, arcos peraltados y ladrillos. El interior presenta una sola nave con cubierta a dos aguas y llamativas vidrieras en los muros laterales. La cabecera, semicircular, queda unida a la nave mediante un gran arco de ingreso. La iglesia contaba en su construcción inicial con un campanario situado en la parte superior del templo. Dicho campanario quedó destruido a causa del viento. Hoy en día, podemos ver las campanas en su lugar original, pero en esta ocasión colgadas de una estructura metálica. En su interior destacan, además de sus vidrieras: las imágenes de San Elías (patrón de la localidad); Jesús del Perdón (Crucificado del presbiterio); Ntra. Sra. del Socorro (patrona); Santa Ana y la Virgen; las imágenes del Nazareno, Ntra. Sra. de los Dolores y San Juan Bautista; San Antonio, la Virgen del Rosario, Cristo de Medinaceli, y Corazón de Jesús.Desde hace varios años se hacen unas jornadas gastronómicas sobre setas Actualmente el pueblo cuenta con una emisora municipal, Benalup FM Radio, que emite a través del 107.7 de la FM, punto del dial donde en su tiempo llegó a emitir Radio Benalup.


title: Benalup-Casas Viejas

text: La nueva emisora municipal emite boletines informativos, cumpliendo así con su función de servicio informativo. Estos se pueden escuchar de lunes a viernes a las 11:30 h, 13:30 h, 15:30 h, 17:30 h y 21:30 h.


title: Benalup-Casas Viejas

text: Destaca el Centro de Interpretación “Cádiz Prehistórico”


title: Ópera

text: A diferencia del oratorio, la ópera es una obra destinada a ser representada. Algunos géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la zarzuela española, el "singspiel" alemán, la opereta vienesa, la "opéra-comique" francesa y el musical inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, dando lugar a que las fronteras entre tales géneros no sean claras. En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical aceptándose que, la ópera es una representación completamente acompañada por música. La historia del género demuestra que tal afirmación no es correcta. Si bien la ópera se diferencia del teatro recitado por la extraordinaria participación de la música en su constitución, ya desde el barroco se conocían formas limítrofes como la mascarada, la ópera de baladas, la zarzuela y el "singspiel" que se confunden en no pocos casos con la ópera. Así, los "singspiele" de Wolfgang Amadeus Mozart se consideran óperas al igual que las zarzuelas de José de Nebra, mientras que "Die Dreigroschenoper" ("La ópera de los tres centavos") de Kurt Weill está, en realidad, mucho más próxima al teatro recitado que a la ópera. Finalmente, hay otros géneros próximos a la ópera como lo son la ópera-ballet del barroco francés y algunas obras neoclasicistas del siglo XX como, por ejemplo, algunas obras de Igor Stravinsky. No obstante, en estas obras la parte principal expresiva recae en la danza mientras que el canto es relegado a un papel secundario. Al respecto de la diferencia entre la ópera y la zarzuela, la opereta, el "singspiel" y el musical inglés y estadounidense, la delimitación nace de una diferencia formal.La palabra «"opera"» significa 'obra' en italiano (de la voz latina «"opus"», 'obra' o 'labor') sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico.


title: Ópera

text: Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la tragedia griega, a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la "mascerata" italiana) y a los "intermedios" del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las representaciones teatrales).


title: Ópera

text: "Dafne" de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue escrita durante 1597, bajo la gran inspiración de un círculo elitista de literatos humanistas florentinos, conocidos como la "Camerata de' Bardi" o "Camerata Florentina". Significativamente, "Dafne" fue un intento de revivir la tragedia griega clásica, parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una manera de "restaurar" esta situación. "Dafne" se representó en privado por primera vez el 26 de diciembre de 1598 en el Palacio Tornabuoni de la ciudad de Florencia (Italia), y en público el 21 de enero de 1599 en el Palacio Pitti, de Florencia. "Dafne" se halla perdida. Una obra posterior de Peri, "Euridice", de 1600, es la primera ópera que ha sobrevivido. El honor de ser la primera ópera que aún se presenta regularmente le corresponde a "L'Orfeo" de Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607.


title: Ópera

text: La ópera no iba a permanecer confinada a las audiencias cortesanas por mucho tiempo; sin embargo en 1637 la idea de una «temporada» (Carnaval) de óperas de «interés público», sostenida por la venta de boletos, surgió en Venecia. Monteverdi se había radicado allí, y compuso sus últimas óperas, "Il ritorno d'Ulisse in patria" y "L'incoronazione di Poppea", para el teatro veneciano en la década de 1640. Su principal seguidor, Francesco Cavalli, colaboró en la propagación de la ópera en Italia. En estas primeras óperas barrocas, la amplia comedia fue combinada con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, apareciendo el primero de varios movimientos reformistas de la ópera. Tal movimiento contó con el patrocinio de la Academia Arcadiana de Venecia, que estaba asociada con el poeta Metastasio. Los libretos de este autor ayudaron a cristalizar el género de la "ópera seria", la cual se convirtió en la forma dominante de ópera italiana hasta fines del siglo XVIII. Una vez que el ideal metastasiano fue establecido firmemente por toda familia de la comedia en la ópera de la era barroca fue reservada para la que sería conocida como "opera buffa".


title: Ópera

text: Antes de que estos elementos fueran expulsados de la ópera seria, muchos libretos ofrecían por separado una trama cómica desdoblada, como una especie de «ópera dentro de una ópera». Un motivo de peso para que esto ocurriera fue el intento de atraer a los teatros de ópera públicos a los miembros de la creciente clase mercantil, nuevamente vigorosa, pero aún menos culta que las clases nobles. Estos argumentos separados fueron resucitados casi inmediatamente en el desarrollo por separado de una nueva tradición, que derivó en parte de la "commedia dell' arte" (como de hecho, tales tramas siempre habían estado), una largamente floreciente etapa de la tradición italiana. Apenas estos «intermedios» fueron presentados una vez en medio de los actos de una representación escénica, las óperas en el nuevo género del «"intermezzi"» se desarrollaron ampliamente en Nápoles durante las décadas de 1710 y 1720, siendo inicialmente presentadas durante los intermedios de la ópera seria. Llegaron a ser tan populares, sin embargo, que pronto eran ofrecidas como producciones separadas.


title: Ópera

text: La ópera seria fue elevada en tono y altamente estilizada en forma, consistiendo generalmente en recitativo «"secco"» intercalado con largas arias «"da capo"». Esto produjo grandes oportunidades para el virtuosismo vocal, y durante la era dorada de la ópera seria el cantante se convirtió en estrella. Los roles de héroe fueron usualmente escritos para la voz de castrato, tales como Farinelli y Senesino, así como las heroínas sopranos como Faustina Bordoni, fueron altamente demandados a lo largo de toda Europa, mientras la ópera seria rigió los escenarios de cada país, excepto Francia. De hecho, Farinelli fue el cantante más famoso del siglo XVIII. La ópera italiana fijó el estándar barroco. Los libretos italianos fueron la norma, incluso cuando un compositor alemán como Handel se encontró escribiendo para las audiencias londinenses. Los libretos italianos continuaron dominando en el período clásico, por ejemplo, con óperas de Mozart, quien escribió en Viena casi un siglo después. Los principales compositores nativos italianos de ópera seria fueron Alessandro Scarlatti, Antonio Vivaldi y Nicola Porpora.


title: Ópera

text: "Véase también" Reforma operística


title: Ópera

text: La «ópera seria» tuvo sus debilidades y críticas, siendo atacados principalmente su gusto por el adorno vocal de cantantes magníficamente entrenados y el uso del espectáculo como reemplazo de la pureza y la unidad dramáticas. "Ensayo sobre la ópera" (1755), de Francesco Algarotti, demostró ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck. Sostuvo que la «ópera seria» tenía que volver a sus bases, el ideal metastasiano, y que todos los diversos elementos —música (instrumental y vocal), ballet, y puesta en escena— deben subordinarse al drama. Sus ideas no resultaron aceptadas por todos los compositores, dando inicio a la querella de gluckistas y piccinnistas. De igual modo, varios compositores del período, incluyendo a Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta, intentaron poner en práctica sus ideales. El primero en tener consentimiento y dejar una impronta permanente en la historia de la ópera, sin embargo, fue Gluck. Gluck trató de gestar una «bella simplicidad». Esto ha sido ilustrado en la primera de sus óperas «reformadas», "Orfeo ed Euridice", donde las líneas vocales carentes de virtuosismo son apoyadas por armonías simples y una presencia orquestal notablemente más rica de lo usual.


title: Ópera

text: Las reformas de Gluck han tenido resonancia a través de la historia operística. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideas. Mozart, en muchos sentidos, el sucesor de Gluck, combinó un magnífico sentido del drama, armonía, melodía y contrapunto para componer una serie de óperas cómicas, especialmente "Le nozze di Figaro", "Don Giovanni" y "Così fan tutte" (en colaboración con Lorenzo da Ponte), que permanecieron entre las más populares, amadas y conocidas del repertorio. Pero la contribución de Mozart a la «ópera seria» fue menos clara, a pesar de sus excelentes obras "Idomeneo" y "La clemenza di Tito". Su estado de salud y su precoz muerte no le permitieron hacer renacer el género.


title: Ópera

text: El movimiento operístico de "bel canto" floreció a principios del siglo XIX, siendo ejemplificado por las óperas de Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante y muchos otros. "Bel canto", en italiano, significa «canto bello», y la ópera deriva de la escuela estilística italiana de canto del mismo nombre. Las líneas belcantistas son típicamente floridas e intrincadas, requiriendo suprema agilidad y control del tono.


title: Ópera

text: Continuando con la era del "bel canto", un estilo más directo y vigoroso fue rápidamente popularizado por Giuseppe Verdi, comenzando con su ópera bíblica "Nabucco". Las óperas de Verdi resonaban con el crecimiento del espíritu del nacionalismo italiano en la era posnapoleónica, y rápidamente se convirtió en un ícono del movimiento patriótico (aun cuando sus propias políticas no fueron quizás tan radicales). A principios de la década de 1850, Verdi produjo sus tres óperas más populares: "Rigoletto", "Il trovatore" y "La traviata". Pero continuó desarrollando su estilo, componiendo tal vez la mayor "Grand Opéra" francesa, "Don Carlo", y culminando su carrera con dos trabajos inspirados en obras de Shakespeare, "Otello" y "Falstaff", las cuales revelan el gran crecimiento en sofisticación de la ópera italiana desde principios del siglo XIX.


title: Ópera

text: Luego de Verdi, el melodrama sentimental «realista» del verismo apareció en Italia. Este fue un estilo introducido por Pietro Mascagni con su "Cavalleria Rusticana" y Ruggero Leoncavallo con "Pagliacci", estilo que llegó virtualmente a dominar los escenarios de ópera mundiales con obras tan populares como "La bohème", "Tosca", y "Madama Butterfly" de Giacomo Puccini. Compositores italianos posteriores, tales como Luciano Berio y Luigi Nono, experimentaron con el modernismo. En España, un ejemplo reciente de este verismo es la Ópera "La Casa de Bernarda Alba" interpretada en 2018 en el Teatro de la Zarzuela con música de Miquel Ortega.


title: Ópera

text: La primera ópera alemana fue "Dafne", compuesta por Heinrich Schütz en 1627, cuya música se ha perdido. La ópera italiana continuó teniendo gran presencia e influencia sobre los países de habla alemana hasta finales del siglo XVIII. De todas maneras, se desarrollaron formas nativas. En 1644, Sigmund Staden produjo el primer "Singspiel", "Seelewig", una forma popular de ópera en idioma alemán, en el cual se alternan canto con diálogo hablado. A fines del siglo XVII y principios del siglo XVIII, el Theater am Gänsemarkt en Hamburgo presentó óperas alemanas de Keiser, Telemann y Handel. Aún muchos compositores alemanes importantes de la época, entre ellos el mismo Handel, Graun, Hasse y más tarde Gluck, elegían escribir la mayoría de sus óperas en idiomas extranjeros, en especial, italiano.


title: Ópera

text: Los «Singspiele» de Mozart, "Die Entführung aus dem Serail" (1782) y "Die Zauberflöte" (1791) fueron un importante salto para la consecución del reconocimiento internacional de la ópera alemana. La tradición fue desarrollada en el siglo XIX por Beethoven con su "Fidelio" (1805), inspirada en el clima de la Revolución francesa. Carl Maria von Weber estableció la ópera dentro del Romanticismo alemán oponiéndose a la dominación del «Bel canto» italiano. Su "Der Freischütz" (1821) muestra su genialidad para la creación de atmósferas sobrenaturales. Otros compositores de la época fueron Marschner, Schubert, Schumann y Lortzing, pero la figura más significativa indudablemente fue Richard Wagner.


title: Ópera

text: Wagner fue uno de los compositores más revolucionarios y controvertidos de la historia de la música. Comenzó bajo la influencia de Weber y Meyerbeer, gradualmente desarrolló un nuevo concepto de ópera como una “Gesamtkunstwerk” ("obra de arte completa"), una fusión entre música, poesía y pintura. En sus dramas musicales maduros, "Tristan und Isolde, Die Meistersinger von Nürnberg, Der Ring des Nibelungen" y "Parsifal", abolió la distinción entre aria y recitativo en favor de un flujo continuo de "melodía sin fin". Incrementó en gran medida el protagonismo y el poder de la orquesta, creando partituras con una compleja red de "leitmotiv", temas recurrentes a menudo asociados con los personajes y conceptos del drama; y estuvo preparado para saltarse convenciones musicales aceptadas, tales como la tonalidad, en este caso, para mayor expresividad. Wagner también trajo una nueva dimensión filosófica para la ópera en sus obras, las cuales usualmente se basan en historias de la mitología germana o leyendas arturianas. Wagner construyó su propio teatro en Bayreuth, dedicado exclusivamente a la representación de sus obras en el estilo que él deseaba.


title: Ópera

text: La ópera no volvió a ser la misma después de Wagner y para muchos compositores su legado constituyó una pesada carga. Por otra parte, Richard Strauss aceptó las ideas wagnerianas pero la tomó en una dirección muy diferente. Su primer éxito lo consiguió con la escandalosa "Salomé" y la tragedia negra "Elektra", en la cual la tonalidad fue llevada hasta sus límites. Luego Strauss cambió de rumbo en lo que sería su mayor éxito, "Der Rosenkavalier", donde Mozart y los valses vieneses se convirtieron en gran influencia, como Wagner. Strauss continuó produciendo un altamente variado cuerpo de obras operísticas, a menudo con libretos del poeta Hugo von Hofmannsthal, hasta "Capriccio" en 1942. Otros compositores que hicieron sus aportes individuales a la ópera alemana en el siglo XX fueron Alexander von Zemlinsky, Paul Hindemith, Kurt Weill y el italiano Ferruccio Busoni. Las innovaciones operísticas de Arnold Schoenberg y sus sucesores serán discutidas en el apartado de Modernismo.


title: Ópera

text: Rivalizando con las producciones importadas de la ópera italiana, una tradición francesa aparte fue fundada por el italiano Jean-Baptiste Lully en la corte del Rey Luis XIV. Desafiando su origen extranjero, Lully estableció una Académie Royale de Musique (Academia Nacional de Música) y monopolizó la ópera francesa desde 1672. Comenzando con "Cadmus et Hermione", Lully y su libretista Quinault crearon la "tragédie en musique", una forma en la cual las música para danza y para coro fueron particularmente prominentes. Las óperas de Lully también muestran preocupación por el recitativo expresivo, el cual ajustó a los contornos de la lengua francesa.


title: Ópera

text: En el siglo XVIII, el sucesor más importante de Lully fue Jean-Philippe Rameau, quien compuso cinco "tragédies en musique", como también numerosos trabajos en otros géneros tales como la "opéra-ballet", todos notables por su rica orquestación y sus audaces armonías. Luego de la muerte de Rameau, el alemán Gluck fue convencido de producir seis óperas para los escenarios parisinos en la década de 1770. Estas mostraron la influencia de Rameau, pero simplificadas y muy enfocadas en el drama.


title: Ópera

text: Al mismo tiempo, a mediados de siglo, otro género fue adquiriendo popularidad en Francia: la "opéra-comique". Esta fue el equivalente del "singspiel" alemán, donde las arias eran alternadas con diálogo hablado. Destacados ejemplos en este estilo fueron producidos por Monsigny, Philidor y, sobre todo, por Grétry. Durante el período de la Revolución francesa y de las guerras napoleónicas, compositores tales como Méhul, Cherubini y Spontini, que fueron seguidores de Gluck, trajeron una nueva seriedad al género, el cual nunca había sido cómico, en tal caso.


title: Ópera

text: En la década de 1820, la influencia gluckista en Francia llevó al gusto por el bel canto italiano, especialmente tras la llegada a París de Rossini. Su ópera "Guillaume Tell" colaboró en fundar un nuevo género, la Grand Opera, una forma en la cual el más famoso exponente fue también un extranjero, Giacomo Meyerbeer. Las obras de Meyerbeer, tales como "Les Huguenots" enfatizaron el canto virtuoso y extraordinarios efectos escénicos. La ligera "opéra-comique" también gozó de éxitos tremendos de las manos de Boïeldieu, Auber, Hérold y Adam. En este clima, las óperas del compositor nativo Hector Berlioz lucharon para ganar audiencia. La obra maestra épica de Berlioz "Les Troyens", culminación de la tradición Gluckista, no tuvo representación en casi cien años. En la segunda mitad del siglo XIX, Jacques Offenbach creó la opereta con obras ingeniosas y cínicas como "Orphée aux enfers", así como también la ópera "Les Contes d'Hoffmann"; Charles Gounod registró éxitos masivos con "Faust"; y Georges Bizet compuso "Carmen", la cual, ni bien la audiencia aprendió a aceptar su combinación de Romanticismo y Realismo, se convirtió en la más popular de todas las "opéra-comiques". Realizó otra menos aclamada pero de gran calidad en 1863, "Les pecheurs de perles". Massenet compuso "Werther" y Delibes con "Lakme" con el famoso dúo de las esclavas, así como Saint-Saëns compusieron obras que forman parte del repertorio estándar. Al mismo tiempo, la influencia de Richard Wagner fue sentida como un desafío a la tradición francesa. Muchos críticos franceses rechazaron airadamente los dramas musicales de Wagner, mientras que muchos compositores franceses los imitaron de cerca con éxito variable. Probablemente la respuesta más interesante llegó de Claude Debussy. Como en una obra de Wagner, la orquesta ocupa un rol principal en la única ópera de Debussy, "Pelléas et Mélisande" (1902) y no hay verdaderas arias, sólo recitativos. Pero el drama es incomprensible, enigmático y completamente no wagneriano.


title: Ópera

text: Otros destacados nombres del siglo XX son Ravel, Dukas, Roussel y Milhaud. Francis Poulenc, uno de los poquísimos compositores posguerra de cualquier nacionalidad, cuyas óperas (incluyendo "Dialogues des carmélites") han ganado un equilibrio en el repertorio internacional. "Saint François d'Assise" (1983), el extenso drama sagrado de Olivier Messiaen, ha atraído también amplia atención.


title: Ópera

text: La ópera fue traída a Rusia en la década de 1730 por las compañías operísticas italianas y pronto se convirtieron en parte importante en el entretenimiento de la Corte Imperial Rusa y la aristocracia. Algunos compositores extranjeros como Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sarti, y Domenico Cimarosa, entre otros, fueron invitados a Rusia a componer nuevas óperas, la mayoría, en idioma italiano. Simultáneamente algunos músicos nacionales como Maksym Berezovsky y Dmitri Bortniansky fueron enviados al extranjero a aprender a escribir óperas. La primera ópera escrita en idioma ruso fue "Tsefal i Prokris" del compositor italiano Francesco Araja (1755). El desarrollo de la ópera en lengua rusa fue apoyado por los compositores nativos Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin y Alexey Verstovsky.


title: Ópera

text: De todas maneras, el nacimiento real de la ópera rusa llegó con Mijaíl Glinka y sus dos grandes óperas "Una vida por el Zar" (1836) y "Ruslán y Liudmila" (1842). Posteriormente, en el siglo XIX en Rusia se escribieron obras maestras del género operístico, como "Rusalka" y "El convidado de piedra" de Aleksandr Dargomizhski, "Boris Godunov" y "Jovánschina" de Modest Músorgski, "El príncipe Ígor" de Aleksandr Borodín, "Eugenio Onegin" y "La dama de picas" de Piotr Ilich Chaikovski, y "La doncella de nieve" y "Sadkó" de Nikolái Rimski-Kórsakov. Estos desarrollos reflejaron el crecimiento del nacionalismo ruso a lo largo del espectro artístico, como parte del más general movimiento eslavofílico.


title: Ópera

text: En el siglo XX las tradiciones de ópera rusa fueron desarrolladas por varios compositores, entre ellos, Serguéi Rajmáninov con sus obras "El caballero avaro" y "Francesca da Rimini", Ígor Stravinski con "El ruiseñor", "Mavra", "Oedipus rex", y "The Rake's Progress", Serguéi Prokófiev con "El jugador", "El amor de las tres naranjas", "El ángel de fuego", "Compromiso en un monasterio" y "Guerra y paz"; como también Dmitri Shostakóvich con "La nariz" y "Lady Macbeth de Mtsensk", Edison Denisov con "L'écume des jours", y Alfred Schnittke con "La vida con un idiota", e "Historia von D. Johann Fausten ".


title: Ópera

text: Desde la primera mitad del siglo XVII se estrenan en España cientos de obras en las que existen rasgos estilísticos propios y a veces muy singulares. En España no ocurre como en el resto de los países europeos, que imitan Italia a la hora de producir obras teatrales y líricas, sino que estos géneros escénicos y cantados surgen casi simultáneamente en ambos países, España e Italia, por tener el imperio español territorios en Italia, lo que había llevado a ambos países a tener numerosos intercambios culturales. La ópera bufa italiana, la "opéra-comique" francesa, el "Singspiel" alemán, la comedia musical, la opereta francesa etc. son géneros que dan lugar, todos ellos, a formas teatrales alternativamente cantadas y habladas, pero surgen en el siglo XVIII (en el XIX en el caso de la opereta) cuando desde los años 1620 Italia y España ya tenían óperas propiamente dichas y cuando desde los años 1640 España ya producía zarzuelas. Es crucial la aparición de esta última, la zarzuela, género lírico que alterna partes cantadas con partes habladas en castellano, antes incluso que el "Singspiel" alemán y que el "opéra-comique" francés, géneros líricos que también comparten esa característica.


title: Ópera

text: Debido a su éxito, este legado lírico español, compuesto de óperas y zarzuelas, permite calificar a España como uno de los países más interesados en cualquier tipo de teatro cantado, y esto desde el nacimiento mismo del arte lírico. Así, en pleno Siglo de Oro, en 1622, fue estrenada en el Palacio de Aranjuez una obra considerada como precursora de todas las óperas españolas: "La gloria de Niquea" (con música de Mateo Romero, Juan de Palomares, Juan Blas de Castro y Álvaro de los Ríos). Este estreno de 1622 sigue por poco tiempo a las primeras óperas representadas en Roma, pero precede a las primeras en ser representadas en Venecia. Francia y Alemania tendrán todavía que esperar para asistir al estreno de sus respectivas primeras obras de arte lírico. A "La gloria de Niquea" sucedió, en 1627, "La selva sin amor", otra obra teatral enteramente cantada con libreto de Félix Lope de Vega. La obra fue representada en el Alcázar de Madrid.


title: Ópera

text: Poco después fue el Palacio del Buen Retiro el que se convirtió en el receptáculo habitual de las obras líricas de la corte española. Este palacio madrileño, hoy en día desaparecido (fue destruido en su mayor parte, en 1808, durante la guerra de Independencia), incluía entre sus dependencias un teatro cubierto, realizado siguiendo la moda de los nuevos teatros que empezaban entonces a ser construidos en Italia. Muchas partituras desaparecieron en el incendio que destruyó el Buen Retiro en el siglo XIX, partituras de obras en gran parte estrenadas en el teatro del palacio, aunque algunas se han conservado por otras fuentes. Entre los compositores de obras líricas del siglo XVII, conservadas hasta la fecha, pueden ser citados, entre otros, Cristóbal Galán, Juan de Navas, Juan de Serqueira y, sobre todo, Juan Hidalgo de Polanco (1614-1685). De este último se conserva "Celos aun del aire matan", ópera creada en el teatro del Palacio del Buen Retiro en 1660, con libreto de Pedro Calderón de la Barca y es considerada la ópera cantada más antigua que se conserva en España.


title: Ópera

text: Durante los siglos XVII y XVIII, otros fenómenos líricos enriquecieron los escenarios con una cantidad de producción difícilmente cuantificable: destacan tres mil tonadillas (canciones que interpretan uno o dos intérpretes con estructura tripartita imitando lenguaje del pueblo) y doce mil zarzuelas. Además de loas, bailes, autos jácaras y mojigangas. Estos datos nos representan a un pueblo que vive la lírica. Sin dejar atrás que las estadísticas de consumo, de teatros musicales en activo, cantantes y edición de partituras de teatro musical son igualmente impresionantes. Destacan especialmente las figuras de Lope de Vega (1562-1635) y Calderón de la Barca (1600-1681)


title: Ópera

text: En el siglo XVIII se mezclan influencias entre la zarzuela española y la ópera italiana. Por su imperio y por su permeabilidad cultural con Italia, España se enriqueció con compositores italianos que compusieron óperas con libreto en español, como Francesco Corradini (1700-1769) o Luigi Boccherini (1743-1805), aunque en la España peninsular, la metrópolis del imperio, también se escribieron o representaron libretos en italiano. En 1799 se acabó por prohibir la representación de las obras que no hubiesen sido traducidas al castellano, lo que hizo que muchos de los dramaturgos que escribían sainetes, tradujeran obras del italiano al castellano, nacionalizándolas. La creación operística española que tuvo lugar a lo largo de la primera mitad del siglo XVIII vio la aparición de músicos tan relevantes como Sebastián Durón —autor de la primera obra repertoriada en llevar el calificativo español de «ópera», "La guerra de los gigantes", estrenada en 1700—, Antonio Literes, José de Nebra, Antonio Rodríguez de Hita o Domingo Terradellas, desembocando en las últimas décadas del siglo XVIII en dos creadores de la talla de Vicente Martín y Soler y Manuel del Pópulo Vicente García.


title: Ópera

text: El siglo XIX trajo consigo una necesidad de liberación de la dependencia italiana, la necesidad de una creación lírica propia. Se construyeron teatros y se produjo una gran actividad crítica con numerosas polémicas y escritos. Por todo ello la ópera y la zarzuela (los dos pilares del arte lírico español) fueron el principal género de la música española del siglo XIX. La primera mitad del siglo (que culmina en 1850 con la inauguración del Teatro Real) supuso un período de gran vitalidad en torno a la ópera nacional española. El dualismo de la ópera y de la zarzuela provocó a partir de entonces una clara división de fuerzas. Por unos años, los músicos de mayor prestigio escogieron el camino de la zarzuela porque era el único que les garantizaba realmente el éxito y la subsistencia. Los grandes maestros especialistas en ópera, Ramón Carnicer i Batlle y Baltasar Saldoni, trataron a partir de 1838 de convertirse en los primeros compositores de ópera nacionalista española alentados por los intelectuales de la época, seguidos más tarde por Miguel Hilarión Eslava, Emilio Arrieta (autor de "Marina"), Antonio Reparaz o Valentín Zubiaurre. La época de la Restauración borbónica (iniciada en 1874) permitió a la clase acomodada frecuentar de nuevo los espectáculos, y al Teatro Real convertirse con renovada fuerza en aquello para lo que realmente servía: ser un lugar de representación escénica y lírica. En los cincuenta años siguientes se potenció en España el cultivo de la música como arte y ese ha sido, hasta ahora, el período más prolífico de la ópera española.


title: Ópera

text: La primera concepción operística nacional de España fue plasmada por Tomás Bretón con su ópera "Los amantes de Teruel". Estrenada en 1889 en el Teatro Real, se representa con gran éxito tanto en Madrid como en Barcelona. Seguidamente, la década de los años 1890 es en la historia de la ópera española rica y compleja; una de las épocas que más aportaciones ha dejado en la historia de la música española. Los músicos españoles hicieron muestra de tener una idea individual de lo que debía de ser la ópera española, y por ello estaban preparados para, desde un dominio del género, usar las fórmulas italianas, wagnerianas y populistas, pero casi siempre con un fuerte estrato nacionalista. En consecuencia la ópera española produjo obras diversas, variadas y originales, firmadas por ejemplo por Ruperto Chapí (autor de "Margarita la Tornera") o Emilio Serrano. En los años 1890 se produjo también el advenimiento, en el mundo de la ópera española, de dos de los más influyentes protagonistas musicales de finales del siglo XIX, Enrique Granados e Isaac Albéniz.


title: Ópera

text: Durante el siglo XX, aunque los compositores alternan con otros formatos musicales, en ópera destacan autores ya mencionados como Isaac Albéniz, con "Pepita Jiménez" (1896) o "Merlin" (1902), y Enrique Granados con "Goyescas" (1916), aparte de otros autores también destacados como Vicente Lleó Balbastre, con "Inés de Castro" (1903), Manuel Penella Moreno con "El gato montés" (1916), Joaquín Turina Pérez con "Jardín de Oriente" (1922), Conrado del Campo con "La tragedia del beso" (1911), Amadeo Vives con "Artús" (1897) y "Maruxa" (1914), Felipe Pedrell, Manuel de Falla con "La vida breve" (1913) y "El retablo de Maese Pedro" (1923), Jesús Guridi con "Mirentxu" (1913), Federico Moreno Torroba con "La virgen de mayo" (1925) y "El poeta" (1980) o Pablo Sorozábal con "Adiós a la bohemia" (1933) y "Juan José" (1968).


title: Ópera

text: La ópera china es una forma de drama en China. Se practica desde la dinastía Tang con el emperador Xuanzong (712-755), quien fundó el "Jardín de peras", la primera compañía de ópera que se conozca en China. La compañía estaba casi exclusivamente al servicio de los emperadores. En la actualidad, las profesiones de la ópera son todavía llamadas Disciplinas del jardín de las peras. Durante la dinastía Yuan (1279-1368), se introdujeron en la ópera las variedades como el Zaju, con actuaciones basadas en esquemas de rima e innovaciones como la introducción de papeles especializados como "Dan" (femenino), "Sheng" (masculino) y "Chou" (payaso). Actualmente existen más de 300 variedades de ópera china, la más conocida en la Ópera de Pekín, que tomó su forma actual a mediados del siglo XIX y fue extremadamente popular durante la dinastía Qing (1644-1911). En la Ópera de Pekín, las cuerdas tradicionales de China y los instrumentos de percusión proveen un acompañamiento rítmico a la actuación. La actuación se basa en alusiones, gestos y otros movimientos de coreografía que expresan acciones como montar un caballo, remar en un bote o abrir una puerta. El diálogo hablado puede ser un texto recitado, empleado por los personajes serios de la trama o un texto coloquial empleado por mujeres y payasos. Los papeles están estrictamente definidos. Los maquillajes elaborados permiten distinguir el personaje que se está representando. El repertorio tradicional de la Ópera de Pekín incluye más de 1000 piezas, la mayoría proveniente de relatos históricos sobre enfrentamientos políticos y militares.


title: Ópera

text: El 19 de octubre de 1701 se estrenó en el Virreinato del Perú la ópera "La púrpura de la rosa", ópera en un acto compuesta por Tomás de Torrejón y Velasco sobre un libreto de Pedro Calderón de la Barca. Es la primera ópera compuesta y ejecutada en América y la única ópera sobreviviente de Torrejón y Velasco. La obra cuenta el mito de los amores de Venus y Adonis, que provoca los celos de Marte y su deseo de venganza. En 1711 se estrenó en la ciudad de México la ópera "La Parténope" con música de Manuel de Sumaya, maestro de la capilla catedralicia y el más grande compositor barroco mexicano. La especial importancia de esta ópera es que es la primera compuesta en América del Norte y la primera ópera compuesta en el continente por un americano. Esta ópera da inicio a la fecunda y aún poco estudiada historia de la creación operística latinoamericana no interrumpida desde entonces durante trescientos años. La primera ópera compuesta y estrenada en el Brasil fue I Due Gemelli, de José Maurício Nunes García, cuyo texto se perdió posteriormente. Se puede consdierar como la primera ópera genuinamente brasileña con texto en portugués "A Noite de São João", de Elias Álvares Lobo.


title: Ópera

text: El compositor de óperas brasileñas más famoso fue Carlos Gomes. Una parte importante de sus óperas fueron estrenadas en Italia con texto en italiano. No obstante, Carlos Gomes frecuentemente usó temáticas típicamente del Brasil. Tal es el caso de sus óperas "Il Guarany" y "Lo Schiavo".


title: Ópera

text: La ópera "Guatemotzín" del mexicano decimonónico Aniceto Ortega es el primer intento consciente por incorporar elementos nativos a las características formales de la ópera. Dentro de la producción operística mexicana del siglo XIX sobresalen la ópera "Agorante, rey de la Nubia" de Miguel Meneses, estrenada durante las festividades conmemorativas por el cumpleaños del emperador Maximiliano I de México, las óperas "Pirro de Aragón" de Leonardo Canales, "Keofar" de Felipe Villanueva.


title: Ópera

text: La obra operística de Melesio Morales es la más importante de México del siglo XIX Sus obras "Romeo y Julieta", "Ildegonda", "Gino Corsini", "Cleopatra" tuvieron gran éxito entre el público de la Ciudad de México y se estrenaron en Europa.


title: Ópera

text: En Colombia el compositor José María Ponce de León había presentado desde su niñez una opereta (Un alcalde a la antigua y dos primos a la moderna), ya en 1874 presenta su primera ópera Ester y posteriormente en 1876 la zarzuela El castillo misterioso y en 1880 su ópera mayor Florinda. En Venezuela se mencionan compositores como Reynaldo Hahn, José Ángel Montero, Pedro Elías Gutiérrez, Federico Ruiz. La primera ópera de Venezuela es "El maestro Rufo Zapatero", ópera bufa compuesta en 1847 por José María Osorio, aunque generalmente se piensa que fue "Virginia", de Montero, estrenada en 1877. Anteriormente Osorio había compuesto varias zarzuelas, aunque se cree que la primera que se estrenó fue "Los alemanes en Italia", de José Ángel Montero, en la década de 1860.


title: Ópera

text: En Brasil destacan de la primera mitad del siglo XX compositores de ópera como Heitor Villa-Lobos, autor de óperas como "Izath", "Yerma" y "Aglaia", y Mozart Camargo Guarnieri, autor de "Um Homem Só" y "Pedro Malazarte".


title: Ópera

text: La ópera contemporánea del Brasil sigue las tendencias vanguardistas, como es el caso de obras como "Olga", de Jorge Antunes, "A Tempestade", de Ronaldo Miranda, e "O Cientista", de Silvio Barbato.


title: Ópera

text: En la primera parte de siglo XX, se produjeron en Ecuador óperas nacionalistas. Entre ellas tres inspiradas en la novela "Cumandá o un drama entre salvajes" del ecuatoriano Juan León Mera debidas a Luis Humberto Salgado, Pedro Pablo Traversari Salazar y Sixto María Durán Cárdenas (1875-1947). Luis H. Salgado compuso además las óperas "El tribuno", "El Centurión" y "Eunice"; la opereta "Ensueño de amor" y la ópera-ballet "Día de Corpus".


title: Ópera

text: En la primera mitad del siglo XX sobresalen en la creación operística mexicana Julián Carrillo y los compositores cercanos a él como Antonio Gomezanda, Juan León Mariscal, Julia Alonso, Sofía Cancino de Cuevas, José F. Vásquez, Arnulfo Miramontes, Rafael J. Tello, Francisco Camacho Vega y Efraín Pérez Cámara.


title: Ópera

text: Todos ellos han sido relegados por la historiografía musical oficial que tan solo reconoció la obra de los compositores nacionalistas. Desde finales del siglo XX en México (y toda Latinoamérica) hay un creciente interés de los compositores por escribir ópera. Entre los compositores mexicanos de inicios del siglo XXI que sobresalen con sus óperas debe mencionarse a Federico Ibarra, Daniel Catán, Leandro Espinosa, Marcela Rodríguez, Víctor Rasgado, Javier Álvarez, Roberto Bañuelas, Luis Jaime Cortez, Julio Estrada, Gabriela Ortiz, Enrique González Medina, Manuel Henríquez Romero, Leopoldo Novoa, Hilda Paredes, Mario Stern, René Torres, Juan Trigos, Samuel Zyman, Mathias Hinke, Ricardo Zohn-Muldoon, Isaac Bañuelos, Gabriel de Dios Figueroa, Enrique González-Medina, José Carlos Ibáñez Olvera, Víctor Mendoza y Emmanuel Vázquez.


title: Ópera

text: Entre finales del siglo XX y principios del siglo XXI se han compuesto en Ecuador las óperas: "Los Enemigos" (1997) de Mesías Maiguashca, basada en el cuento "El milagro secreto" de Jorge Luis Borges, "Manuela y Simón" (2006) de Diego Luzuriaga y la "ópera para la voz de los instrumentos" "El árbol de los pájaros" (2002-2003) de Arturo Rodas.


title: Ópera

text: Una de las principales tradiciones operísticas es la constituida por la ópera inglesa. Si bien Gran Bretaña fue centro activo de vida operística, contó con pocos compositores reconocidos a nivel mundial. Henry Purcell fue el más notable compositor barroco, entre sus aportes destacan su obra maestra, "Dido and Aeneas" (1689) y su obra shakesperiana "La reina de las hadas" (1692). Ya en el siglo XX, la ópera en inglés logra su esplendor principalmente gracias al aporte de Benjamin Britten, con óperas entre las cuales se cuentan "Peter Grimes" y "La violación de Lucrecia"; y se suman las composiciones de importantes creadores estadounidenses tales como George Gershwin, con su famosa "Porgy and Bess", "Treemonisha" (1972) de Scott Joplin, "Candide" (1956) de Leonard Bernstein, "Orpheé" (1993) y "La belle et la bête" (1994) de Philip Glass, o Gian Carlo Menotti con "Vanessa" y "La médium".


title: Ópera

text: Los compositores checos también desarrollaron un próspero movimiento nacional operístico en el siglo XIX, comenzando con Bedřich Smetana que escribió ocho óperas, incluyendo la internacionalmente popular "La novia vendida". Antonín Dvořák, más famoso por "Rusalka", escribió 13 óperas; y Leoš Janáček obtuvo reconocimiento internacional en el siglo XX por sus obras innovadoras, entre ellas "Jenůfa", "La zorra astuta", y "Katia Kabanová".


title: Ópera

text: La figura clave de la ópera nacional húngara en el siglo XIX fue Ferenc Erkel, cuyos trabajos se centraron principalmente en temas históricos. Entre sus obras más representadas se encuentran "Hunyadi László" y "Bánk bán". La ópera húngara moderna más famosa es "El castillo de Barba Azul" de Béla Bartók.


title: Ópera

text: El más reconocido compositor de la ópera polaca fue Stanisław Moniuszko, aclamado por la ópera "Straszny Dwór". En el siglo XX, otras óperas creadas por compositores polacos son "El rey Roger" de Karol Szymanowski y "Ubu Rex" de Krzysztof Penderecki.


title: Ópera

text: Entre los compositores neerlandeses, se destacan Willem Pijper, con su ópera basada en la leyenda folclórica neerlandesa de Halewijn, y su discípulo Henk Badings, que compuso varias óperas para radio.


title: Ópera

text: La relación entre estas dos formas artísticas es más que aparente, ambas son artes integradoras, es decir incluyen en su composición a otras formas artísticas. La ópera se constituye a partir de una pieza dramática con una estructura narrativa que la asemeja a una pieza teatral pero con otro componente, la música, que el mismo Claudio Monteverdi planteó en el siglo XVII, la música es lo primordial en la ópera. María Callas mencionaba que todas las intenciones dramáticas de los personajes y la historia en una Ópera están en la partitura, en la relación entre los sonidos. La cinematografía es una forma audiovisual donde la secuencia narrativa está conducida por la peculiar manera en que se da la sucesión y construcción de las imágenes.


title: Ópera

text: Existen varios acercamientos entre ambas formas, pero en muchos casos la cinematografía se usa solo como registro visual de la representación escénica.


title: Ópera

text: Sin embargo se han dado varias cintas donde se aprovechan las cualidades de la sintaxis cinematográfica, lográndose una interrelación entre las imágenes, el texto, las acciones y el drama musical. Un ejemplo de ello es la cinta de 1963 a partir de la ópera de Leonard Berstein "West Side Story". Recientemente se ha producido una versión de "La Bohème" de Puccini, con los cantantes Anna Netrebko y Rolando Villazón, donde se da esta integración de los tres conductores narrativos junto con el texto.


title: Ópera

text: Una proposición significativa fue la realizada por Philip Glass cuando tomó la película "La belle et la bête" de Jean Cocteau, cronometró los diálogos y, en el mismo espacio de tiempo, los puso en metro músico. El estreno de la nueva ópera se realizó presentando la película en el escenario mientras músicos y cantantes ejecutaban la ópera desde el foso de la orquesta. La obra ha abierto nuevas posibilidades de integración de las artes. Si bien, en este caso, la ópera cinematográfica utiliza un material existente, en el caso de la ópera "Bola Negra" la concepción avanza un paso allende lo propuesto por Philip Glass. La ópera "Bola Negra" fue concebida desde su inicio como un experimento cinematográfico por el autor del libreto Mario Bellatín y la compositora Marcela Rodríguez. Es decir, no se utilizó material existente, como en el caso propuesto por Philip Glass, sino la ópera se concibió, en todas sus partes, como una proposición cinematográfica.


title: Ópera

text: Asimismo óperas inspiradas o sobre historias que inspiraron películas son Muerte en Venecia, "Dead Man Walking" y "Brokeback Mountain".


title: Ópera

text: La voz para el canto operístico requiere ciertas características y cualidades. Se desarrolla con largos años de estudio y entrenamiento porque implica un desarrollo muscular de todo el aparato u órgano fonador o emisor de la voz que incluye además de las cuerdas vocales, el uso del diafragma y la resonancia de la cavidad bucal y los senos paranasales. De todo esto resulta el tipo de voz peculiar que se denomina "impostada", es decir que es producto de la colocación y proyección específica y controlada del aire. Se divide en tres partes, voz de pecho, voz de garganta y voz de cabeza.


title: Ópera

text: Cada cantante posee una extensión y un registro particular. Dentro de esa extensión (número de notas que abarca, que va de 2 a 3 octavas), se encuentran los cambios de cada una de las tres colocaciones de la voz.


title: Ópera

text: Por lo anterior, la voz operística demanda un entrenamiento constante y continuo conocido como vocalización, pues el abandono de dicho entrenamiento conlleva la disminución de la capacidad muscular y respiratoria.


title: Ópera

text: El cantante lírico, sea en ópera o recital, no utiliza micrófono sino el caudal natural de su voz llevado a su máxima posibilidad.


title: Ópera

text: Los cantantes de ópera y los roles que interpretan se clasifican en tipo de voz, basado en características tales como tesitura, agilidad, potencia y timbre de sus voces.


title: Ópera

text: Los varones pueden ser clasificados por su rango vocal como bajo, bajo-barítono, barítono, tenor y contratenor, y las mujeres en contralto, mezzosoprano y soprano.


title: Ópera

text: Los varones algunas veces pueden cantar en el registro vocal femenino, en cuyo caso se denominan sopranista o contratenor. De estos, sólo el contratenor es comúnmente encontrado en la ópera, algunas veces cantando partes escritas para "castrato" (varones castrados en una temprana edad para darles un rango vocal más alto del normal).


title: Ópera

text: Las clasificaciones pueden ser más específicas, por ejemplo, una soprano puede ser descrita como soprano ligera, soprano de coloratura, soprano soubrette, soprano lírica, soprano lírico spinto, soprano dramática o soprano lírica-ligera. Estos términos, aunque no describan totalmente la voz, la asocian con los roles más convenientes para las características vocales del cantante.


title: Ópera

text: La voz de cada cantante en particular puede cambiar drásticamente a lo largo de su vida; raramente se alcanza la madurez vocal antes de la tercera década, y algunas veces, hasta la mediana edad.


title: Ópera

text: El espectro vocal podría resumirse en registros vocales así dispuestos desde la voz más aguda a la más grave:


title: Ópera

text: La voz de soprano se ha utilizado típicamente a través de historia operística como la voz elegida para la protagonista femenina de la ópera en cuestión. El énfasis actual en un amplio rango vocal fue sobre todo una invención del Período Clásico. Antes de eso, el virtuosismo vocal, no la amplitud, fue la prioridad, con partes para soprano que raramente se extendían hasta un fa agudo (Händel, por ejemplo, sólo escribió un rol que se extiende hasta un do agudo), aunque el castrato Farinelli fue catalogado de poseer un re agudo.


title: Ópera

text: La mezzosoprano, denominación de origen comparativamente reciente, posee también un extenso repertorio, partiendo desde el rol principal femenino de "Dido and Aeneas" de Purcell hasta los roles "pesados" como Brangäne en "Tristan und Isolde" de Wagner (ambos roles son a menudo interpretados por sopranos).


title: Ópera

text: Para las verdaderas contraltos, el número de partes es más limitado, lo que ha dado lugar a la broma de que las contralto sólo cantan roles de "brujas, malvadas, y varones". En años recientes muchos de los "roles en pantalones" de la era barroca, escritos originalmente para mujeres, e interpretados originalmente por "castrati", han sido reasignados a los contratenores.


title: Ópera

text: La voz de tenor, desde la era clásica en adelante, ha sido tradicionalmente asignada al protagonista masculino. Muchos de los roles de tenor más desafiantes en el repertorio han sido escritos durante la era del "bel canto", tal como la secuencia de nueve do sobre el do central en la secuencia de "La fille du régiment" de Donizetti. Con Wagner llega el énfasis en la influencia vocal para sus protagonistas, con la categoría vocal denominada heldentenor; esta voz heroica tuvo su contrapartida italiana en roles como Calaf en "Turandot" de Puccini.


title: Ópera

text: La voz de bajo tiene una larga historia en la ópera, habiendo sido empleada en papeles secundarios en la "ópera seria", y algunas veces para relieve cómico (bajo buffo) proveyendo un contraste con la preponderancia de voces altas en este género. El repertorio de bajo es amplio y variado, incluyendo desde la comedia con Leporello en "Don Giovanni" a la nobleza de Wotan en "El anillo del nibelungo" de Wagner.


title: Ópera

text: En medio del tenor y el bajo se encuentra el barítono, el cual varía en "peso", desde Guglielmo en "Così fan tutte" de Mozart hasta Posa en "Don Carlos" de Verdi; la actual designación de "barítono" no ha sido utilizada sino hasta mediados del siglo XIX.


title: Ópera

text: Las primeras representaciones operísticas fueron demasiado infrecuentes como para que los cantantes pudieran vivir exclusivamente del estilo, pero con el nacimiento de la ópera comercial a mediados del siglo XVII, comenzaron a surgir intérpretes profesionales.


title: Ópera

text: El rol principal de héroe masculino era usualmente confiado a un castrato, y ya en el siglo XVIII, cuando la ópera italiana se presentaba en toda Europa, los castratos principales, que poseían un extraordinario virtuosismo vocal, tales como Senesino y Farinelli, se convirtieron en estrellas internacionales.


title: Ópera

text: La carrera de la primera gran estrella femenina (o prima donna), Anna Renzi, data de mediados del siglo XVII. En el siglo XVIII, un número de sopranos italianas ganaron renombre mundial y frecuentemente se enredaban en feroces rivalidades, tal el caso de Faustina Bordoni y Francesca Cuzzoni, quienes comenzaron una pelea a golpes durante una representación de una ópera de Handel.


title: Ópera

text: Los franceses no gustaban de los “castrati”, preferían que sus héroes fueran interpretados por un haute-contre (tenor alto), de los cuales Joseph Legros fue un ejemplo destacado.


title: Ópera

text: En el siglo XIX hubo una figura femenina de gran éxito comercial para los parámetros de la época, María Malibrán, para quien algunos compositores reconocidos como Félix Mendelssohn realizaron piezas. Contaba con una amplio registro de casi 3 octavas. La Malibrán era hija del maestro de canto Manuel García y hermana de la asimismo célebre Pauline Viardot. Otras famosas divas de la época fueron Giuditta Pasta, Jenny Lind y Giulia Grisi.


title: Ópera

text: El siglo XX se inicia de la mano del que muchos consideran el mayor tenor y del cual se cuenta con registros fonográficos, el italiano Enrico Caruso, quien triunfó en los principales teatros de ópera en Europa, así como en Nueva York y Buenos Aires y fue el primer artista en vender 1 millón de copias de una grabación en disco. En los años previos a la Segunda Guerra Mundial, la ópera contó con un período de apogeo representado por cantantes como Kirsten Flagstad, Miguel Fleta, Feodor Chaliapin, Frida Leider, Lotte Lehmann, Giuseppe Martinelli, Maria Jeritza, Melico Salazar y Gonzalo Castellón.


title: Ópera

text: En la inmediata posguerra fue figura fundamental la soprano Maria Callas, cuya fama trascendió el ámbito musical al mundo de la política y la farándula así como su rivalidad con la italiana Renata Tebaldi evocó las confrontaciones de divas del siglo XVIII. Más voces femeninas importantes de la segunda mitad del siglo XX son la cantante sueca Birgit Nilsson, las estadounidenses Beverly Sills, Renée Fleming, Jessye Norman, Leontyne Price y Kathleen Battle, las catalanas Montserrat Caballé y Victoria de los Ángeles, las italianas Mirella Freni, Cecilia Bartoli y Renata Scotto, las búlgaras Ljuba Welitsch y Ghena Dimitrova, Angela Gheorghiu, Diana Damrau, las francesas Régine Crespin y Natalie Dessay y Anna Netrebko. Algunas cantantes han sido distinguidas por sus servicios por la corona británica con el título de "Dame" DBE, entre otras Dame Clara Butt, Eva Turner, Joan Sutherland, Kiri Te Kanawa (quién cantó en la boda del príncipe Carlos con la princesa Diana y se calcula que dicha presentación fue vista por 600 millones de espectadores por televisión), Gwyneth Jones, Janet Baker, Elisabeth Schwarzkopf, Margaret Price y Sarah Connolly. En el área germánica se otorga el título Kammersänger (o "Kammersängerin" para las mujeres cantantes) traducido como "cantante de la corte".


title: Ópera

text: En el campo masculino hay una extensa lista también, mencionando a un barítono contemporáneo de María Callas, Tito Gobbi quién compartió en varias óperas con Callas incluso su última presentación en vivo en 1964 interpretando Tosca. En los años 30 incluiremos al mexicano Juan Arvizu. En los años 1940 incluiremos al chileno Ramón Vinay, el danés Lauritz Melchior y el mexicano Néstor Mesta Cháyres. En los años 1960 incluiremos al español Alfredo Kraus, el alemán Fritz Wunderlich y el italiano Giuseppe Di Stefano. Los años 1970 fueron el despegue y la gran marquesina de algunos de los cantantes más famosos reconocidos tanto por el gran público aficionado y soportado por el público conocedor y especialistas. Estos son el mexicano Francisco Araiza, reconocido mundialmente por su participación en las óperas de Mozart y Rossini, José Carreras, Luciano Pavarotti y Plácido Domingo. A principios de la década de los 90 se unen Pavarotti, Carreras y Domingo para formar el primer evento masivo-operístico conocido como Los Tres Tenores en 1990. En el ambiente musical de México varios cantantes fueron reconocidos en EE. UU. y Europa al grado que uno de ellos, el tenor Ramón Vargas participó en los conciertos conmemorativos del centenario luctuoso de Giuseppe Verdi en 2001. Están también Fernando de la Mora y David Lomelí.


title: Ópera

text: La tradición continúa en el siglo XXI en tenores como el alemán Jonas Kaufmann, el peruano Juan Diego Florez, los mexicanos Rolando Villazón y Javier Camarena, los costarricenses Gonzalo Castellón e Íride Martinez, el estadounidense Michael Fabiano y el polaco Piotr Beczala. Vale destacar la irrupción de los contratenores gracias al auge de la música temprana y barroca en las figuras de Andreas Scholl, David Daniels, Philippe Jaroussky y el argentino Franco Fagioli entre otros.


title: Ópera

text: Aunque el patrocinio de la ópera ha disminuido en el siglo pasado a favor de otras artes y medios, tales como musical, cine, radio, televisión y grabaciones, los medios de comunicación también han apoyado la popularidad de cantantes de ópera famosos gracias a las transmisiones por televisión y en cines desde las grandes casas de ópera así como en estadios multitudinarios.


title: Incienso

text: El incienso (del latín "incensum", participio de "incendere", «encender») es una preparación de resinas aromáticas vegetales, a las que a menudo se añaden aceites esenciales de origen animal o vegetal, de forma que al arder desprenda un humo fragante con fines religiosos, terapéuticos o estéticos.


title: Incienso

text: En el pasado, las sociedades china y japonesa usaron el incienso como parte integral de la adoración de deidades. De igual forma, civilizaciones en Mesoamérica como la purépecha, la maya, la mexica y otras lo implementaban pero bajo la denominación de copal ("copalli", en náhuatl), el cual se quemaba en anafres, y el humo que se desprende, al quemarse, se usaba como ofrenda a sus deidades o sus energías y como terapia para diferentes males físicos y espirituales. En la actualidad, dichos usos todavía son comunes dentro de la tradición indígena. Además, tiene un uso importante en el budismo, en la Iglesia católica (para la adoración eucarística, las procesiones, etcétera), en la "Divina Liturgia" de la Iglesia ortodoxa y, en menor grado, en otras confesiones cristianas.


title: Incienso

text: El incienso está disponible en numerosas presentaciones y grados de preparación. Sin embargo, generalmente se clasifica en dos tipos, dependiendo del uso: incienso para quema directa e incienso para quema indirecta.


title: Incienso

text: En general, el incienso grande y basto tiende a arder más tiempo que el más procesado, y el incienso de quema directa exige menos preparación para su uso pero requiere un mayor procesado previo. Aparte de esto, la preferencia por una u otra presentaciones depende en buena parte de la cultura, de las tradiciones y de los gustos personales. El incienso en barra es la forma más común y preferida usada en las culturas china y japonesa, por lo que la mayoría del incienso producido en estos países se fabrica con esta forma. En Occidente, debido a los lazos del cristianismo con el judaísmo, el incienso suele quemarse en forma de polvo o en trozos completos.


title: Incienso

text: El incienso para quema directa se coloca generalmente en un receptáculo denominado incensario, en el cual se prende el incienso y se hace ventilar para propagar su aroma.