title: Transporte en Bolivia

text: En 2018, según un cálculo de la Organización Mundial de la Salud, Bolivia tiene la segunda tasa más alta de mortalidad por accidentes de tránsito de América del Sur, con 23,2 fallecidos por 100 000 habitantes.


title: Transporte en Bolivia

text: Para cubrir los gastos médicos, de muerte e incapacidad total y permanente en casos de accidente de tránsito, en Bolivia existe el Seguro Obligatorio de Accidentes de Tránsito (SOAT), que es un seguro que todo vehículo debe tener.


title: Transporte en Bolivia

text: Bolivia cuenta con un sistema ferroviario dividida en dos redes


title: Transporte en Bolivia

text: Con casi 70.000 km de y con cerca de 10000 km pavimentados (en 2010), ya que el resto es de grava o tierra, además cuenta con un ramal de Panamericana que cruza todo el altiplano conectándose así con los países limítrofes. En Bolivia es posible resumir que sólo las ciudades del Eje central (La Paz, Cochabamba y Santa Cruz) y algunas otras ciudades importantes, se encuentran integradas por estructuras viales asfaltadas. En el resto del territorio existen carreteras de tierra o rípio. Pero compensando esta deficiencia, se cuenta con una completa red de vuelos nacionales, conectando las diferentes ciudades y localidades más lejanas.


title: Transporte en Bolivia

text: Con más de catorce aeropuertos internacionales los más importantes son:


title: Transporte en Bolivia

text: Algunas de las empresas son:Con más de 14000 km de ríos navegables y una serie de puertos marítimos situados en los diversos países con los que tiene convenios como en Perú y Chile en el Océano Pacífico, Argentina, Brasil y Paraguay con la hidrovía Paraguay-Paraná con salida al Océano Atlántico. Se debe destacar que en el 2004 el gobierno boliviano hizo hincapié en la construcción de un puerto para exportar al exterior, Puerto Busch, en el Río Paraguay. Ya más al norte en Puerto Suárez, Puerto Aguirre y Puerto Tamengo o Gravetal, (que están conectados al río Paraguay vía el Canal Tamengo que atraviesa parte del Brasil) navegan barcos de tamaño mediano.


title: Transporte en Bolivia

text: Desde el 2004 la mitad de las exportaciones bolivianas se despachan por el río Paraguay. Al terminarse la construcción de Puerto Busch, barcos más grandes podrán mover cargas desde y hacia Bolivia, lo que incidirá en una aumento de la competitividad pues no tendrá que recurrir en la medida actual a puertos extranjeros, principalmente en Perú y en Chile.


title: Transporte en Bolivia

text: Arica y Antofagasta son puertos habilitados para el libre tránsito de Bolivia, país que así lo dispuso al momento de suscribir el Tratado de Paz y Amistad entre Chile y Bolivia de 1904. En vía de habilitarse se encuentra el puerto de Iquique. Casi el 60% del comercio exterior de Bolivia se realiza por los puertos del norte de Chile, siendo Arica la principal puerta del comercio exterior de Bolivia.


title: Transporte en Bolivia

text: También Bolivia posee puertos francos en Argentina, Paraguay y Uruguay, que son poco utilizados por la falta de infraestructura.


title: Tradición yahvista

text: La Tradición yahvista, de acuerdo a la hipótesis documentaria, es una de las cuatro fuentes principales a partir de las cuales se escribieron los libros del Tanaj (para los judíos) o Antiguo Testamento (para los cristianos), datada en el siglo X a. C.. Sus relatos representan la mitad del Génesis y la primera mitad del Éxodo, además de fragmentos de Números.


title: Tradición yahvista

text: Se denomina "yahvista" (abreviada J) porque sus autores suelen designar al dios judío con el nombre Yahvé (es decir, el tetragrámaton «YHWH»); suelen describir a ese dios con reacciones y actitudes humanas, como un dios familiar y cercano, y tienen un interés especial en el territorio del Reino de Judá y en personas relacionadas con su historia. Redactada durante el cautiverio en Babilonia (597-539 a. C.), fue más tarde incorporada a la Torá (ca. 400 a. C.)


title: Tradición yahvista

text: El autor yahvista del Génesis fue identificado por primera vez en 1753, por el médico francés, Jean Astruc (1684-1766) en su obra "Conjeturas sur les mémoires originaux dont il paraît que Moïse s'est servi pour le livre compositor de la Genèse" ("Conjeturas sobre las memorias originales aparentemente utilizadas por Moisés para componer el libro del Génesis"). El término se convirtió en "Tradición yahvista", o "Tradición jehovista" para los estudiosos alemanes, de acuerdo con la transcripción alemana del nombre de Yahvé.


title: Tradición yahvista

text: Julius Wellhausen (1844-1918) incorporó la hipótesis de la fuente llamada "Tradición yahvista" en su hipótesis documentaria, que se convirtió en el origen de la crítica histórica.


title: Tradición yahvista

text: En esta fuente, el nombre del dios judío se escribe siempre con el tetragrama YHWH, que los estudiosos transliteraron en los tiempos antiguos como Yahvé (o como Jahveh, en ortografía alemana: Jahweh), y en épocas modernas, como Jehová, o simplemente como el Señor, que es el caso en la traducción "King James". La traducción del tetragrámaton por el Señor se remonta a la primera traducción de la Torá o Pentateuco al griego (s. III-II a.C.) en la obra conocida como Biblia de los LXX o Septuaginta por la expresión "kyrios" (Señor). Aunque anteriormente el nombre del dios judío, por respeto reverencial, se dejó de utilizar entre los judíos de Israel, siendo sustituido por el apelativo "Adonai", que en hebreo se traduce también por el Señor.


title: Tradición yahvista

text: El autor (apodado J) tiene especial fascinación por las tradiciones relativas a Judá, el cuarto hijo de Jacob, incluidas las relativas a su relación con su vecino Edom; también apoya la causa del reino de Judá contra el de Israel sugiriendo, por ejemplo, que Israel ponga su mano en Siquem (su capital) para masacrar a sus habitantes.


title: Tradición yahvista

text: Aunque apoya a los sacerdotes descendientes de Aarón que se establecieron en Jerusalén, la capital de Judá, también trata al dios judío como un ser humano, capaz de pensar, y de ser disuadido, que aparece en persona en ciertos acontecimientos. En muchos casos, en J, ese dios se presenta como a punto de emprender alguna terrible venganza sobre la humanidad, pero es disuadido. Por ejemplo, en relación con las actividades en Sodoma y las otras ciudades del valle, J presenta a ese dios como a punto de destruir las ciudades pero, paulatinamente, ese dios es disuadido por Abraham, hasta que consiente salvarlas si tan solo hubiera diez personas dignas dentro de ellas. Del mismo modo, durante el éxodo, J presenta las quejas de los israelitas, y su negativa a obedecer las leyes en sentido estricto, ese dios como líder está a punto de abandonar, destruir a todos ellos, pero se arrepiente del mal que piensa hacer cuando le disuade Moisés (Éxodo 32: 14).


title: Tradición yahvista

text: El documento yahvista es notable por su elegancia y la riqueza de las emociones descritas.


title: Cine de Japón

text: El cine de Japón (日本映画; "Nihon-Eiga") tiene una historia que abarca más de 100 años. La importación desde Francia de un cinematógrafo de los hermanos Lumière en 1897 marcó los albores del cine en Japón.


title: Cine de Japón

text: Japón tiene una de las industrias cinematográficas más antiguas y más grandes del mundo; en 2010, fue el cuarto más grande productor de largometrajes a nivel mundial. Japón ha ganado cuatro veces el Premio Óscar a la mejor película de habla no inglesa, más que cualquier otro país asiático.La primera cámara de cine importada a Japón fue fabricada por Gaumont. Con esta cámara se filmó varias veces a geishas de Tokio, considerándose como la primera película de entretenimiento rodada en el país. Sin embargo, la pieza de kabuki Momijigari, con un contenido puramente teatral, es la que se considera como la primera producción cinematográfica japonesa siendo rodada en 1899 por Tsunekichi Shibata, un ingeniero en fotografía.


title: Cine de Japón

text: La primera estrella del cine japonés fue Matsunosuke Onoe, un actor de kabuki que apareció en más de 1000 películas, sobre todo cortometrajes, entre 1909 y 1926. Él y el director Shozo Makino volvieron populares a las películas del género "jidaigeki". En cuanto a las actrices japonesas, la primera en aparecer profesionalmente en una película fue Tokuko Nagai Takagi, quien apareció en cuatro cortometrajes de la productora estadounidense Thanhouser Company entre 1911 y 1914.


title: Cine de Japón

text: Durante el período del cine mudo, la mayor parte de las salas de cine empleaban a "benshis", narradores cuyas dramáticas lecturas acompañaban al filme y a su banda sonora, que al igual que en Occidente, era habitualmente interpretada en vivo. Dentro de este género algunos de los más comentados filmes son los del realizador Kenji Mizoguchi.


title: Cine de Japón

text: Catástrofes como el terremoto del Gran Kanto de 1923, los bombardeos sobre Tokio durante la Segunda Guerra Mundial, unidos a los efectos naturales del tiempo y la humedad sobre el entonces más frágil celuloide, han contribuido a que subsistan muy pocos filmes de este período.


title: Cine de Japón

text: Un estudio del género gendaigeki - que trata acerca de dramas modernos o contemporáneos- y de la escritura de guiones de cine en las décadas de 1910-1920, puede encontrarse en "Writing in Light: The Silent Scenario and the Japanese Pure Film Movement" (Joanne Bernardi, Wayne State University Press, 2001). La obra incluye algunas traducciones de guiones completos.


title: Cine de Japón

text: A diferencia de la producción de cine de Hollywood, durante la década de 1930, todavía se producían en Japón filmes mudos. Destacan en este período los filmes sonoros de Kenji Mizoguchi "Las hermanas de Gion" ("Gion no shimai") de 1936, "Elegía de Naniwa" ("Naniwa erejî") del mismo año y "La historia del último crisantemo" ("Zangiku monogatari") de 1939. Éstas, junto con las películas de Sadao Yamanaka, "Ninjo Kamifusen" de 1937. y de Mikio Naruse "Tsuma Yo Bara No Yoni" de 1935, fueron las primeras películas japonesas en estrenarse en los Estados Unidos. Sin embargo, la presión de la censura se hizo sentir entre los directores con tendencias políticas de izquierda como Daisuke Ito.


title: Cine de Japón

text: Akira Kurosawa estrena su primer largometraje "La leyenda del gran Judo" "(Sanshiro Sugata)" en 1943. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, y durante la ocupación bajo Douglas MacArthur, Comandante Supremo de las Fuerzas Aliadas, Japón fue expuesto a más de una década de cine de animación estadounidense, prohibido por el gobierno japonés durante la guerra.


title: Cine de Japón

text: Destaca además el exitoso filme "Primavera tardía" ("Banshun") dirigida por Yasujirō Ozu en 1949.


title: Cine de Japón

text: Durante los años 1950 se produjo la “Edad de oro” del cine japonés. La década comienza con "Rashōmon" (1950), de Akira Kurosawa, que obtuvo el Oscar a la marcando la entrada del cine japonés en el resto del mundo. Fue además el rol que catapultó la carrera del legendario Toshirō Mifune. En 1952 Kurosawa estrena "Ikiru", y en 1953 Yasujirō Ozu completa su obra maestra "Cuentos de Tokio".


title: Cine de Japón

text: El año 1954 produjo dos de los largometrajes más influyentes del cine japonés. El primero fue la épica "Los siete samuráis", de Akira Kurosawa, acerca de un grupo de samuráis que son contratados para proteger una aldea de una pandilla de rapaces ladrones. "Los siete samuráis" ha tenido diversas adaptaciones, entre las que destaca la película "Los siete magníficos", un western de John Sturges de 1960.


title: Cine de Japón

text: Ese mismo año, Ishirō Honda estrenó el filme de terror anti-nuclear "Gojira", conocida en Occidente como "Godzilla". Aunque fue severamente editada para su estreno en Occidente, "Godzilla" se convirtió en un ícono internacional de Japón e inició la industria de las películas del género "Kaiju".


title: Cine de Japón

text: En 1955, Hiroshi Inagaki ganó un Oscar a la mejor película extranjera por la primera parte de su trilogía sobre la vida de Miyamoto Musashi, "".


title: Cine de Japón

text: Kon Ichikawa dirigió dos dramas antibélicos: "El arpa birmana" (1956), y "Fuego en la llanura" (1959), junto con "Conflagración" (1958), una adaptación de la novela "El pabellón de oro" de Yukio Mishima.


title: Cine de Japón

text: Masaki Kobayashi realizó tres largometrajes, que colectivamente son conocidos como la "Trilogía de la condición humana", entre 1958 y 1961.


title: Cine de Japón

text: Kenji Mizoguchi dirigió "Vida de O-Haru, mujer galante" ("Saikaku Ichidai Onna") (1952), "Cuentos de la luna pálida" ("Ugetsu Monogatari") (1953), que ganó el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia, y "El intendente Sansho" ("Sansho Dayu") (1954).


title: Cine de Japón

text: Mikio Naruse hizo "Meshi" (1950), "Bangiku" (1954), "La voz de la montaña" ("Yama no oto") (1954) y "Nubes flotantes" ("Ukigumo") (1955).


title: Cine de Japón

text: Yasujirō Ozu dirigió "Buenos días", ("Ohayō") (1959) y "Ukikusa" (1958), que era una adaptación de su anterior filme mudo "Ukigusa monogatari" (1934), contando con Kazuo Miyakawa, director de fotografía de "Rashomon" y "El intendente Sansho"


title: Cine de Japón

text: La nueva ola japonesa (noveru vagu) fue un movimiento surgido a finales de los años 1950 y caracterizado por la toma de conciencia ante el Japón en la posguerra donde pasaron sus primeros años los principales representantes del movimiento. Algunos directores se consagraron como los principales cineastas de la nueva ola: Shōhei Imamura con "Nippon konchuki" (1963), y Nagisa Ōshima con "Historias crueles de juventud" (1960). Por su parte, la película de Hiroshi Teshigahara "La mujer de la arena", basada en la novela de Kōbō Abe, ganó en 1964 el Premio del Jurado en el Festival de Cannes, y fue nominada al Oscar al mejor director y al . El filme de Masaki Kobayashi "Kwaidan" también obtuvo al año siguiente el Premio del Jurado de Cannes.


title: Cine de Japón

text: Dentro de la misma ola, Ōshima dirigió "El imperio de los sentidos" (1976), controvertida película acerca de la historia real de Abe Sada. Oponiéndose radicalmente a la censura, el director insistió en que la película contuviera material pornográfico explícito y, como consecuencia de esa decisión, la película no pudo exhibirse en Japón, donde, a la fecha, aún no se ha presentado más que censurada, y tuvo que presentarse en Francia.


title: Cine de Japón

text: Fuera de la nueva ola, en los años 1960, directores ya reconocidos como continuaron su obra. Así, Akira Kurosawa dirigió en 1961 el clásico "Yojimbo", cuya repercusión en el género cinematográfico del western fue considerable. También, Kon Ichikawa capturó la esencia de los Juegos Olímpicos de Tokio 1964 en su documental de tres horas "Las olimpiadas de Tokio" ("Tōkyō Orimpikku") (1965).


title: Cine de Japón

text: Yoji Yamada creó y dirigió la comercialmente exitosa serie "Otoko wa tsurai yo" (It's tough being a man), con el actor Kiyoshi Atsumi como "Tora-san", de la cual se realizaron 48 filmes (1969–1995). Mientras, dirigía aparte otros filmes entre los que destaca el popular "Shiawase no kiiroi hankachi" (1977) (The Yellow Handkerchief of Happiness).


title: Cine de Japón

text: También en los años 1970, Kinji Fukasaku terminó "Batallas sin honor ni humanidad" (1973), la primera de la saga de cinco películas titulada "The Yakuza Papers". Así mismo, Shôgorô Nishimura dirigió "" (1978), una de las más famosas películas eróticas de la productora Nikkatsu, con Naomi Tani en el papel principal.


title: Cine de Japón

text: En la década siguiente, Akira Kurosawa dirigió "Kagemusha" ganadora en 1980 de la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes. El mismo año, Seijun Suzuki regresó al medio cinematográfico con su filme Zigeunerweisen recibiendo cuatro premios de la Academia Japonesa. Por su parte, Shohei Imamura ganó en 1983 la Palma de Oro en Festival Internacional de Cine de Cannes por su filme "La balada de Narayama" (1983).


title: Cine de Japón

text: En 1985 Kurosawa realizó su obra "Ran". Con un presupuesto de millones, fue ganadora de un premio Oscar al mejor diseño de vestuario.


title: Cine de Japón

text: La animación en Japón recibe el nombre de anime, aunque gran parte de su desarrollo está basado en series televisivas, en su historia ha contado con grandes exponentes que se han dedicado al cine animado.


title: Cine de Japón

text: El llamado padre del anime Osamu Tezuka junto al director Eiichi Yamamoto trabajaron en la trilogía llamada "Animerama", tres películas consideradas precursoras de la animación para adultos: "Senya Ichiya Monogatari" (también conocida como "Las mil y una noches")(1969), Kureopatora (también conocida como "Cleopatra") (1970) y Kanashimi no Belladonna (también conocida como "La tristeza de Belladonna") (1973). Despreciadas en su época, con el tiempo han llegado a ser consideradas de culto.


title: Cine de Japón

text: Hayao Miyazaki realizó en 1984 el filme anime "Nausicaä del Valle del Viento", adaptado de la serie manga del mismo nombre, creada por él. Luego realizó dos éxitos de taquilla nacionales e internacionales "Porco Rosso" (1992) y "La princesa Mononoke" (1997). En 2001 dirigió "El viaje de Chihiro", la animación que se convirtió en la película más taquillera de la historía del cine japonés y ganadora del premio Oscar a la Mejor Película de Animación (2002) y del premio Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín (compartido) entre otros.


title: Cine de Japón

text: Otro hábil director, socio de Miyazaki en el Studio Ghibli, fue Isao Takahata(1935-2018), conocido principalmente por su adaptación de 1988 de la novela Akiyuki Nosaka, La tumba de las luciérnagas que cuenta la historia de dos niños que intentan sobrevivir luego de perder a su madre durante un bombardeo sobre la ciudad de Kobe en la Segunda Guerra Mundial, también dirigió otras películas como Recuerdos del ayer (1991) y El cuento de la princesa Kaguya (2013).


title: Cine de Japón

text: En 1988 Katsuhiro Otomo adaptó su serie manga "Akira" al anime del mismo nombre.


title: Cine de Japón

text: Aparecieron otros directores de anime, trayendo nuevos conceptos, no solo como películas, sino también como ejemplos de arte moderno.  Como Mamoru Oshii con su película de ciencia ficción "Ghost in the Shell" (1995) (Kôkaku kidôtai), basada en el manga de Masamune Shirow, de gran éxito internacional y de la cual el director haría una secuela, "" (2004).


title: Cine de Japón

text: Hideaki Anno alcanzó un notable reconocimiento después de la presentación de su exitosa y controversial serie de 26 episodios, "Neon Genesis Evangelion" (1995), serie finalizada con la película The End of Evangelion (1997), diez años después retomada realiza un reinicia de dicha historia en una tetralogía cinematográfica conocida como Rebuild of Evangelion (2007-2021), director que también ha trabajado en películas de imagen real como Shin Godzilla (2016).


title: Cine de Japón

text: El director de anime Satoshi Kon (1963-2010) realizó los exitosos filmes "Perfect Blue" (1997), "Millennium Actress" (2001), "Tokyo Godfathers" (2003) y "Paprika" (2006), sus películas han sido fuente de inspiración para directores de Hollywood como Darren Aronofsky y Christopher Nolan.


title: Cine de Japón

text: Otro director destacado es Rintaro, que trabajó en sus inicios junto a Osamu Tezuka en series televisivas como Astro Boy y en 2001 dirigió la película Metrópolis, que adaptaba el manga del mismo nombre de Tezuka,que a su vez estaba inspirada en la película homónima dirigida por Fritz Lang de 1927.


title: Cine de Japón

text: Las dos primeras décadas del siglo XXI han surgidos otros directores que han tomado el testigo de la generación anterior, como Mamoru Hosoda, Makoto Shinkai, Keiichi Hara, Naoko Yamada, Mari Okada, Hiromasa Yonebayashi, Gorō Miyazaki, Sunao Katabuchi, Masaaki Yuasa, Hiroyuki Imaishi y el director estadounidense residente en Japón Michael Arias, entre otros.


title: Cine de Japón

text: Tras realizar películas de bajo presupuesto, Kiyoshi Kurosawa orientó sus creaciones a otros géneros que fueron siendo apreciadas internacionalmente tales como "Cure" (1997).


title: Cine de Japón

text: Shohei Imamura ganó nuevamente el premio Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes (compartido), por su película "La anguila" (1997).


title: Cine de Japón

text: Takeshi Kitano se consagra como un importante cineasta, con obras como "Sonatine" (1993), "Kizzu ritân" (1996) y Flores de fuego (1997), esta última Ganadora del premio León de Oro en el Festival de Cine de Venecia


title: Cine de Japón

text: Takashi Miike inicia su prolífica carrera, realizando más de 50 películas en una década, entre las que se destacan "Chûgoku no chôjin" (The Bird People in China) (1998), "Audition" (1999) y "Dead or Alive: Hanzaisha" (1999).


title: Cine de Japón

text: Satoshi Kon dirigió "Perfect Blue" (1997), un thriller sicológico, premiado en el Festival Internacional de Cinema do Porto, y el Fant-Asia Film Festival de Canadá. Posteriormente el director Toshiki Sato, realizaría el largometraje "Perfect Blue: Yume nara samete" (2002). Ambos filmes están basados en la novela de Yoshikazu Takeuchi del mismo nombre.


title: Cine de Japón

text: La película "Battle Royale" (2000) de Kinji Fukasaku causó controversia y fue prohibida o censurada en varios países, pero logró éxito de taquilla en Japón y adquirió también estatus de película de culto en el Reino Unido.


title: Cine de Japón

text: Takeshi Kitano realizó "Dolls" (2002), el director que solía aparecer como actor en sus películas, no lo hace esta vez, y "Zatōichi" (2003) ambas escritas por él.


title: Cine de Japón

text: Algunos filmes japoneses de horror : "Ringu" (1998), "Kairo" (2001), "Dark Water" (2002), "Yogen" (2004); y la serie "Ju-on" de Takashi Shimizu son realizados en esta década como adaptación, alcanzando éxito de taquilla.


title: Cine de Japón

text: El filme "" (2004) es realizado por Ryuhei Kitamura, conmemorando el 50.º aniversario del mítico personaje de ficción.


title: Cine de Japón

text: El veterano director Seijun Suzuki dirige su 56.º película "Operetta tanuki goten" (2005) (Princess Raccoon).


title: Cine de Japón

text: Hirokazu Koreeda dirigió "Distance" (2001) y "Nadie sabe" (2005), ganando esta última numerosos premios.


title: Cine de Japón

text: El multifacético director Sion Sono filmó "Suicide Club" (2002), "Strange Circus" (2005), "Hazard" (2005), "Noriko's Dinner Table" (2005) y "Exte:Hair extensions" (2007).


title: Geografía de Togo

text: Togo es una pequeña nación subsahariana negra que comprende una larga y estrecha franja de tierra en el África Occidental.


title: Geografía de Togo

text: Las coordenadas geográficas medias de Togo son 8° 00' de latitud norte y 1° 10' de longitud este. Limita con tres países: Benín, al este, con 644 kilómetros de frontera; Burkina Faso al norte, con 126 km de frontera, y Ghana, con 877 km de frontera . Hacia el sur, Togo tiene 56 km de costa a lo largo del golfo de Benín, un sector del Golfo de Guinea en el Océano Atlántico.


title: Geografía de Togo

text: Togo tiene una longitud de 579 kilómetros de norte a sur (desde su límite con Burkina Faso hasta su litoral en el golfo de Benín) y mide solo 160 km de oeste a este en su punto más ancho. En total, Togo tiene una superficie de 56.785 km², de los cuales 54.385 km² es tierra y 2.400 km² es agua.


title: Geografía de Togo

text: En la costa (la zona más poblada de Togo), se halla la capital del país, Lomé, la cual tiene la peculiaridad de ser una de las pocas capitales de nación situadas en zona fronteriza, en este caso junto a la frontera de Ghana. Según se avanza hacia el interior el territorio gana en altura, de forma que en el centro del país se encuentra una amplia meseta.


title: Geografía de Togo

text: En Togo se distinguen tres regiones diferenciadas: la llanura litoral, en el S, con 56 km de costas bajas y arenosas, donde abundan las formaciones lagunares; el altiplano central, constituido en general por relieves ondulados de poca altura, si bien en la región central se levanta una dorsal montañosa de orientación SO-NE formada por las montañas Togo, llamadas, en Benín, montañas de Atakora, donde los relieves alcanzan los 1000 m de altitud (monte Agou, 1.020 m, altura máxima); finalmente, la llanura aluvial del N, en su mayor parte formada por la cuenca del río Oti, tributario del río Volta.


title: Geografía de Togo

text: La red hidrográfica está compuesta principalmente por el río Mono y sus afluentes que riegan la sección central del país y la llanura meridional, para desembocar luego en el golfo de Guinea; en el N destaca el río Oti, perteneciente a la cuenca del Volta. El 60 % de la población se concentra en la llanura litoral, donde se encuentra la capital, Lomé, única ciudad del país. Otros centros de menor importancia son Sokodé, Palimé, Mango y Atakpamé.


title: Geografía de Togo

text: El manto vegetal está constituido por cocoteros en la franja costera, bosques galería a lo largo de los cursos fluviales, bosque tropical en las vertientes montañosas, y sabana o estepa en el altiplano central.


title: Geografía de Togo

text: Casi todo el país forma parte del bioma sabana sudanesa-guineana, y una pequeña parte, en las tierras altas occidentales forma parte del bioma de bosque guineano-congolés. A pesar de su pequeño tamaño y los dos biomas, hay una diversidad de hábitats que incluyen bosque residual, sabana sudanesa en la esquina noroeste y extensos tramos de sabana guineana en el norte y el sur. En las tierras altas se encuentra bosque submontano y colinas cubierta de hierba. hay un lago costero importante, el lago Togo, y una línea costera de cocoteros. Dos cuencas principales drenan el país, la del río Mono, en la mitad sur del país, a través de la sabana guineana, y la del río Oti, a través de la sabana guineana, hasta el lago Volta en Ghana.


title: Geografía de Togo

text: El clima es generalmente tropical con temperaturas medias que oscilan entre 27.5° C en la costa, a unos 30° C en las regiones más septentrionales, con un clima seco con características de una sabana tropical. Al ser un país muy alargado de sur a norte, desde la costa hacia el interior, hay significativas diferencias en el clima, aun dentro del mismo ámbito tropical.


title: Geografía de Togo

text: En el centro y en el norte, el invierno es seco y cálido, con temperaturas mucho más contrastdas que en la costa y que pueden oscilar entre los C en las noches de enero y los C en abril o mayo. Las temperaturas aumentan en marzo y abril, cuando empiezan las lluvias. En Sokodé, en el centro del país, la media de las precipitaciones anuales es de 1.420 mm, con máximas que superan los 200 mm entre julio y septiembre, y mínimas que bajan de los 20 mm entre diciembre y febrero, con un acusado contraste entre los seis meses de invierno y los seis de verano, aunque no tanto en las temperaturas, que oscilan entre los 18 y los C en enero , y los 20 y los C en julio.


title: Geografía de Togo

text: En el centro-sur, en la región del Altiplano, en un área de colinas que culmina a 986 m en el monte Agou, las lluvias son más abundantes en verano por encima de 500 m.


title: Geografía de Togo

text: En la costa, las temperaturas no bajan durante el invierno. En Lomé, en enero, la media oscila entre 23 y C, y, en agosto, oscila entre 22 y C, en el periodo seco estival. Las lluvias son de unos 900 mm anuales en la capital, con dos periodos secos y dos húmedos. Entre noviembre y febrero, y en agosto, apenas llueve. Las dos estaciones de lluvias se dan, la primera entre abril y julio, y la segunda, entre septiembre y noviembre, con un máximo en junio de 200 mm.


title: Geografía de Togo

text: El clima es tropical y húmedo durante siete meses, mientras que los vientos secos del desierto de los harmattan soplan al sur de noviembre a marzo, con lo que se da un tiempo más fresco.


title: Geografía de Togo

text: En Togo, en 2020, la población estimada es de 8.278.000 habitantes, con una densidad de 152 hab/km². El 43,3% de la población es urbana y la media de edad es de 194 años. El crecimiento de la población se ve afectado por la incidencia del sida. No obstante, se ha multiplicado por cuatro entre 1960 y 2010, debido a la alta natalidad, establecida en 4,22 hijos por mujer en 2020 y una tasa de crecimiento del 2,56%. La tasa de nacimientos es de 32 por mil habitantes, y la de defunciones de 6,5 por mil habitantes. La media de edad es de 20 años, y la edad cuando se tiene el primer hijo, de 21 años.


title: Geografía de Togo

text: Togo es un país de emigración y asilo. En los años 1990, debido a la represión del dictador Gnassingbé Eyadéma y su etnia del norte, los kabye, de 300.000 a 350.000 togoleses emigraron a Benín y Ghana, de los que muchos volvieron cuando se estabilizó la situación en 1997. En 2005, otros 40.000 togoleses se marcharon a Benín y Ghana cuando estalló la violencia entre la oposición y las fuerzas de seguridad por culpa de la elección de Faure Gnassingbé, actual presidente e hijo de Gnassingbé Eyadéma. la mitad de los refugiados volvió en 2006. En septiembre de 2017, era el hogar de 9600 refugiados de Ghana. En enero de 2020, había 11.968 refugiados en el país, 9768 de Ghana, 1544 de Costa de Marfil, 236 de la RCA.


title: Geografía de Togo

text: Se estima que en Togo hay 37 grupos étnicos, dominados por el pueblo aja-ewé (42,4%), seguido de los kabye (26%), para-gourma/akan (17,1%), akposso/akebu (4,1%), ana-ife (3,2%), otros togoleses (1,7%) y extranjeros, 5,2%.


title: Geografía de Togo

text: La mayor parte pertenecen al grupo racial sudanés, el 80 % de la cual habita en las zonas rurales dentro de poblados tradicionales, donde practican una agricultura de subsistencia. La mayoría son cristianos (43,7%), animistas (35,6%), musulmanes (14%), hindúes, budistas y judíos menos del 1%.


title: Geografía de Togo

text: Togo es un país con una economía subdesarrollada, que se basa en el rudimentario sector agropecuario centrado principalmente en la llanura meridional (40 % del territorio). Los cultivos de subsistencia aportan ñame, mijo, batatas, mandioca, maíz, sorgo, arroz, legumbres, frutas y hortalizas; los cultivos de plantación destinados a la exportación producen café, cacao, algodón, cacahuetes, palma para la producción de aceite y coco para la producción de copra.


title: Geografía de Togo

text: La ganadería, de poca importancia, se centra en la cría de ganado vacuno, caprino, ovino y porcino, así como volátiles. La pesca, practicada en el Atlántico y en aguas interiores, es de poca importancia. La explotación del subsuelo se basa principalmente en los fosfatos, extraídos en la región del lago Togo; se explotan también, aunque en menor medida, yacimientos de piedra caliza, mineral de hierro y bauxita.


title: Geografía de Togo

text: El reducido sector industrial, ubicado en Lomé, cuenta con pequeñas empresas dedicadas a la elaboración de productos agrícolas (aceite de palma, tapioca) y manufacturas (zapatos, textiles de algodón); hay también una fábrica de cemento, una refinería de petróleo, y plantas mecánicas y siderúrgicas. Togo importa principalmente productos alimentarios, bienes de equipo, manufacturas y materias primas, y exporta fosfatos, cacao y café. El principal cliente y proveedor es Francia, seguida de los Países Bajos, Alemania y Gran Bretaña. La limitada red de transportes interior cuenta con una vía férrea construida en la época colonial, unida al sistema ferroviario de Benín, y con unos 7000 km de carreteras, insuficientes para las comunicaciones internas.


title: Geografía de Togo

text: En Lomé se encuentran el puerto principal del país y el aeropuerto internacional. Togo es miembro de la ONU, la OUA, la OCAM, el Consejo de la Entente, y la Comunidad Económica de Estados de África Occidental, y está asociado a la CE dentro de la Convención de Lomé


title: Geografía de Togo

text: En Togo hay 92 áreas protegidas que cubren unos 15.877 km², el 27,62% del total de 57.481 km², y 31 km² de áreas marinas, el 0,2% de los 15.521 km² que pertenecen al país. Hay 3 parques nacionales, 78 reservas forestales y 6 reservas de fauna, además de una reserva de la biosfera de la Unesco (Oti-Keran/Oti-Mandouri, de 419 km²), y cuatro sitios Ramsar.


title: Jean Giraud

text: Jean Giraud (Nogent-sur-Marne, Val-de-Marne; 8 de mayo de 1938-París, 10 de marzo de 2012) fue un historietista e ilustrador francés, que se dio a conocer con el seudónimo Gir y el western "El Teniente Blueberry" en 1964, para luego revolucionar la historieta de ciencia ficción de los años 1970 y principios de los 1980 con el seudónimo de Mœbius y obras como "El garaje hermético" (1976-1979) o "El Incal" (1980). Tal fue su fama, que los medios de comunicación de su país llegaron a clasificarlo como compañero de los llamados nuevos filósofos franceses ("nouveaux philosophes").


title: Jean Giraud

text: Jean Giraud nació en Nogent-sur-Marne, un suburbio de París, en 1938. En casa de sus abuelos, cuando se encuentra enfermo, contempla sus primeras ilustraciones, las de una serie decimonónica titulada "La vuelta al mundo". Se aficiona a la historieta, ya en el colegio, y estudia en la École nationale supérieure des arts appliqués et des métiers d'art de París, donde entabla amistad con Jean-Claude Mézières y Pat Mallet, y en su segundo año consigue ver publicada su primera historieta en la revista "Coeurs Vaillants".


title: Jean Giraud

text: En 1955, con 16 años, su madre se casó con un mexicano y los tres se marcharon a México. El joven Jean descubrió allí la pintura, el "jazz" moderno, el sexo y la marihuana. Dos años después, vuelve a París para realizar el servicio militar, durante el cual desarrollará labores de recepcionista y vigilante de almacenes, primero en Alemania (16 meses) y después en Argelia (11).


title: Jean Giraud

text: Tras dibujar la serie "Frank et Jeremie" para la revista "Far West", trabaja desde 1961 como aprendiz de Jijé, uno de los grandes maestros de la historieta franco-belga, colaborando en la realización de un álbum de "Jerry Spring". Alcanzó, sin embargo, la celebridad como dibujante del western "El Teniente Blueberry", que guionizaba Jean-Michel Charlier y cuya primera entrega se publicó en 1964 en la revista "Pilote", la cual desde el año anterior era dirigida por René Goscinny quien la abrió a nuevos contenidos y experimentaciones gráficas.


title: Jean Giraud

text: Durante unos años leyó exclusivamente ciencia ficción y cuando comenzó a trabajar para la revista Hara-Kiri adoptó el seudónimo "Moebius", que tomó del astrónomo y matemático alemán, aunque, como explica él mismo


title: Jean Giraud

text: Mientras seguía dibujando "Blueberry" para "Pilote" usó el seudónimo "Moebius" en la revista "Charlie Mensuel" (1969-1970), en ilustraciones para la editorial Opta y en la historieta "Pesadilla blanca" publicada en "L'echo des savannes" (1974). En 1973 firma con su nombre, Jean Giraud, "La desviación", y en 1974 "L'homme est-il bon", publicadas en "Pilote" pero en la línea experimental de los trabajos firmados como Moebius en otras revistas.


title: Jean Giraud

text: En 1974 formó el grupo de los Humanoides Asociados con otros autores como Philippe Druillet, Jean-Pierre Dionnet y Bernard Farkas. Juntos editarían la revista Métal Hurlant, donde Jean Giraud publicaría en 1975 obras de fantasía y ciencia ficción tan influyentes como la historia en 5 versiones "Arzach" ("Arzach", "Harzak", "Harzack", "Arzak" y "Harzakc") o "The long tomorrow" (esta última con guion de Dan O´Bannon). Moebius experimenta con el grafismo, la representación, la narrativa y el color.


title: Jean Giraud

text: Giraud también trabajó en la adaptación cinematográfica de "Dune", iniciada por el chileno Jodorowsky y que nunca fue completada. La lectura de Carlos Castaneda, que conoce a través del polifacético autor chileno, le impulsa a emprender un nuevo rumbo, manifestado en obras como "El garaje hermético" (1976-1979), que publicaba por entregas en "Métal Hurlant". La historia parte del personaje Jerry Cornelius (creado por Michael Moorcock y del cual desarrollaron historias otros autores) y discurre en un mundo imaginario desarrollado en un asteroide por otro personaje clave, el Mayor Grubert. Moebius iba desarrollando la historia conforme la iba dibujando, lo que transmite un tono lúdico y experimental con la complicidad del lector.


title: Jean Giraud

text: En el terreno personal, Jean Giraud, que estaba casado, era en 1977 padre de dos niños, y vivía en el campo, donde llevaba un régimen estrictamente vegetariano, siendo aficionado al kárate y a la música.


title: Jean Giraud

text: En 1978 se celebró la primera exposición de dibujos suyos en Italia, concretamente en "Macondo", un local milanés. Ese mismo año inició con "Los ojos del gato" su fructífera colaboración con Alejandro Jodorowsky, con quien entre 1980 y 2001 realizaría la saga de "El Incal" ("Las aventuras de John Difool") de la que publicarían 7 títulos ("El Incal Negro", "El Incal Luz", "Lo que está debajo", "Lo que está arriba", "El planeta Difool" y "Después del Incal: el nuevo sueño"). Jodorowsky como guionista seguiría con la narración con otros dibujantes en "Antes del Incal" (con Zoran Janjetou) y "La casta de los Metabarones" (con Juan Giménez López).


title: Jean Giraud

text: Paralelamente a su labor como historietista e ilustrador, Jean Giraud ha participado en los diseños de multitud de películas, como "Alien" (1979), "Tron" (1982), "Masters of the Universe" (1986), "Willow" (1987) o "Abyss" (1989), donde ha inspirado con sus dibujos el desarrollo de la escenografía, siendo galardonado en varias ocasiones por esta actividad. George Lucas también usó uno de los diseños de Giraud para la "Imperial Probe Droid" en "". Giraud diseñó al completo el largometraje "Les maîtres du temps" de René Laloux (1982) y la adaptación americano-japonesa de "Little Nemo" de Masami Hata y Bill Hurtz (1990).


title: Jean Giraud

text: En esos años ingresa en la organización "Iso-zen" de carácter "new age" y fundada por Jean-Paul Appel-Guery. Su concepción de la conciencia cósmica del alma humana le empuja a intentar reflejar lo que es invisible y puro en sus narraciones y también a depurar su grafismo. Bajo esta idea crea en 1982 "La ciudadela ciega" y "Aedena", así como los álbumes de ilustraciones "Venecia Celeste" (1984), "Starwatcher" (1986) y "Made in LA" (1988). A partir de un encargo comercial de Citroën crea en 1984 la historieta "Sobre la estrella", primera de la serie "Edena" que completará con otras 5 historietas ("Los jardines de Edena", en 1988, "La diosa", en 1990, "Stel" en 1994, "Los reparadores" en 2001, y "Sra" en 2003).


title: Jean Giraud

text: En 1984 crea en EUA con su mujer, Claudine Giraud, y su agente, Jean-Marc Lofficier la compañía Starwatcher Graphics Inc para comercializar su trabajo. Marvel Comics publica todos sus álbumes y Stan Lee escribe el guion de la historieta de super-héroes que dibujará Moebius.


title: Jean Giraud

text: En los años ochenta realizó un viaje a Tokio para conocer a Osamu Tezuka, y se declaró fan de algunos autores japoneses, como el mismo Tezuka, Katsuhiro Otomo, Yukito Kishiro o Jirō Taniguchi; Giraud ayudó, según sus propias palabras, a que el manga llegara a Europa. Sin embargo, posteriormente se arrepintió y declaró en numerosas ocasiones su rechazo al manga y sus métodos de producción, y a la extensión que estaba alcanzando en Occidente.


title: Jean Giraud

text: En su última etapa, Jean Giraud potenció su trabajo como guionista, encargándose de la serie Blueberry tras el fallecimiento de Jean-Michel Charlier en 1989. Encomienda el guion de la serie paralela "La juventud de Blueberry" a Fraçois Corteggiani (que dibujarán diversos ilustradores) mientras escribe la serie principal que dibujan William Vance y Michael Rouge. También escribió "Cristal Moteur" para Marc Bati, un remake de "Little Nemo" para Bruno Marchand e "Icaro" con dibujos de Jirō Taniguchi. Entre 1990 y 1992 escribió con Jean-Marc Lofficier la historieta en dos álbumes "The Elsewhere prince", dibujada por Eric Shanower, así como "The Onyx Overlord" dibujado por Jerry Ginham, con los personajes de "El Garaje Hermético".


title: Jean Giraud

text: En 1992 vuelve a colaborar con Jodorowsky dibujando la trilogía "El corazón coronado" ("La loca del Sacré-Cour", "La trampa de lo irracional", "El loco de La Sorbona"). Siguiendo con el desarrollo del mundo del "Garaje hermético" en 1995 dibujó "El hombre de Ciguri".


title: Jean Giraud

text: Participó como diseñador en "El quinto elemento" (1997) y aborda el terreno de los videojuegos. Colaboró de esta forma en "Pilgrim" (con guion de Paulo Coelho), "Panzer Dragoon" (1995) y "Seven Samurai 20XX" (2004), diseñando a todos los personajes.


title: Jean Giraud

text: Al cumplir los 65 años, decidió dejar la marihuana y emprender un diario para reflejar la experiencia, que acabará dando lugar a "Inside Moebius", una metanarración en la que sus personajes (Arzah, Blueberry, etc.) se enfrentan a su creador. Su última obra fue "Arzak el vigilante".


title: Jean Giraud

text: Giraud murió en París, el 10 de marzo de 2012, a los 73 años, tras una larga batalla contra el cáncer. La causa inmediata de la muerte fue una embolia pulmonar provocada por un linfoma. Su colega François Boucq (quien fuera el artista elegido por Giraud en persona para el arte del cancelado proyecto "Blueberry 1900") declaró que Mœbius era un "maestro del dibujo realista con un verdadero talento para el humor, que aún demostraba con las enfermeras cuando lo vi en su cama del hospital hace quince días." Giraud fue enterrado el 15 de marzo, en el cementerio de Montparnasse, tras unas honras fúnebres celebradas en la basílica de Santa Clotilde. Numerosos amigos y representantes del mundo del cómic franco-belga y de otros países asistieron a los funerales, reflejando toda la trayectoria de Giraud en la industria. El Gobierno francés estuvo representado por su Ministro de Cultura, Frédéric Mitterrand, sobrino del expresidente de Francia François Mitterrand, que había concedido personalmente a Giraud su primer título de caballero civil veintisiete años antes. Giraud dejó su patrimonio a su segunda esposa, Isabelle, y a sus cuatro hijos.


title: Jean Giraud

text: Fue un autor con gran capacidad para el dibujo y con un amplio abanico de estilos que era capaz de combinar de forma coherente. Su obra "El garaje hermético", una de las más relevantes y experimentales, le sirvió como medio donde explorar diversidad de posibilidades gráficas y para reinterpretar diversos estilos:


title: Jean Giraud

text: En pleno auge de su fama a finales de los 80, Ricardo Aguilera y Lorenzo Díaz podían afirmar que "Moebius despliega un talento tan aplastante que ha abierto una brecha en la historia del cómic: Antes y después de Moebius", Entre los autores fuertemente influidos por el estilo de Moebius pueden citarse al francés de origen serbio Enki Bilal, el italiano Milo Manara o a los españoles Rafa Negrete y Juanjo RyP.


title: Jean Giraud

text: Su influencia en el cine no se concreta sólo en sus trabajos realizados para este medio, sino que se manifiesta también de forma indirecta. Sus dibujos para la historieta corta "The Long Tomorrow", con guion de Dan O'Bannon, fueron una referencia visual clave para "Blade Runner" (1982), y las películas de la saga "Star Wars" de George Lucas también comparten muchas características visuales del trabajo de Giraud, en particular la pintura que inspiró el diseño del planeta-ciudad Coruscant. En España, sus primeras obras fantásticas, como "Arzach", pudieron verse en la revista "Totem" desde 1977. Eurocómic y Norma Editorial han publicado posteriormente muchas de sus obras:


title: Jean Giraud

text: Como Jean Giraud: Como Moebius:


title: Jean Giraud

text: Libros de arte (editados todos por Norma Editorial)


title: Jean Giraud

text: Ilustraciones libro


title: Jean Giraud

text: Estudio


title: The Cure

text: The Cure es una banda británica de "rock" formada en 1976 en Crawley (Inglaterra). En sus orígenes, se llamó Easy Cure por un breve período, y ya figuraba en sus filas uno de sus tres fundadores y futuro líder, Robert Smith, como guitarra solista. El grupo alcanzó la cota más alta de su éxito comercial entre finales de la década de los ochenta y la primera mitad de la década de los noventa.


title: The Cure

text: Durante su extensa carrera, The Cure ha tenido múltiples cambios en su formación, siendo su alineación más popular la integrada entre 1986 y 1989 por el vocalista Robert Smith, el bajista Simon Gallup, el guitarrista Porl Thompson, el baterista Boris Williams y los teclistas Roger O'Donnell y Laurence Tolhurst, de los cuáles actualmente permanecen Smith, Gallup y O'Donnell, junto a Jason Cooper en la batería y Reeves Gabrels como guitarra solista. La apariencia característica de Smith, frecuentemente vestido de negro y maquillado con un efecto borroneado de lápiz de labios, sumada a letras introspectivas y existenciales, han hecho que la banda fuera asociada generalmente con el "rock" gótico.


title: The Cure

text: La banda ha incursionado en diferentes géneros y estilos, tales como el "post-punk", en algunos de sus primeros temas como «10:15 Saturday Night» o «In your house»; el "rock" gótico, en temas como «One hundred years» y «A forest»; la música "new wave" británica, alegre y optimista, en temas como «Close to me» o «Just like heaven», e incluso por varios momentos de electrónica, como en «The walk» o «Let's go to bed». Considerado uno de los grupos referentes del "rock" alternativo. En 1989 se publicó "Disintegration" el álbum de la banda considerado como su obra cumbre, disco con el que la banda alcanzó su puesto más alto en las listas británicas con sus exitosos sencillos «Lovesong, «Fascination Street, «Pictures of You» y «Lullaby», este último posicionándose en el quinto lugar durante seis semanas consecutivas.


title: The Cure

text: En 1994 y en 2001 la banda fue nominada al Grammy en la categoría de . Entre 1987 y 2004, The Cure vendió alrededor de 30 millones de discos en todo el mundo. El 29 de marzo de 2019, The Cure ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll.


title: The Cure

text: The Obelisk fue formada en 1973 por Robert Smith (voz, piano), Michael Dempsey (guitarra), Lol Tolhurst (batería), Marc Ceccagno (guitarra solista) y Alan Hill (bajo) mientras estudiaban en la el Notre Dame Middle School, en Crawley (Sussex). Tuvieron su primera actuación pública como parte de una presentación de fin de ciclo en abril de ese mismo año. Tres años más tarde, en enero de 1976, Smith formó una nueva banda llamada Malice, esta vez en la segunda guitarra, junto con dos de sus amigos: Graham en la batería y su hermano en la voz, con Dempsey reemplazando a Hil en el bajo y manteniendo a Ceccagno como guitarra solista. Establecidos como quintento, comenzaron a ensayar y tocar versiones de David Bowie, Jimi Hendrix y Alex Harvey en la sala de una iglesia local. En abril de ese mismo año, Graham y su hermano dejaron la banda, al igual que lo haría Cececcagno para formar una banda de "jazz rock" fusión llamada Amulet. Ese mismo mes se unieron Lol Tolhurst en la batería, Martin Creasy en la voz y Paul «Porl» Stephen Thompson, estudiante del St. Wilfrid's Catholic Comprehensive School, como guitarra solista. Con esta formación la banda tocó durante tres shows en vivo, en diciembre de ese mismo año. En enero de 1977, posterior a la salida de Creasy, y a la cada vez más creciente influencia del omnipresente "punk-rock" que se comenzaba a hacer patente en el estilo musical del grupo, los cuatro miembros restantes cambiaron su nombre a Easy Cure, configurando así el primer plantel de lo que sería The Cure.


title: The Cure

text: En marzo de ese mismo año, se unió a la banda Gary X como vocalista, aunque duraría a penas un mes y sería rápidamente reemplazado por Peter O'Toole. En mayo, Easy Cure ganó una competición de talentos organizada por el sello alemán Hansa Records y recibió como premio un contrato de grabación, el cual fue firmado el 17 de ese mismo mes. En septiembre, O'Toole decidió dejar la banda para irse a vivir a Israel en un kibutz. Debido a esto, la banda vovlió a quedarse sin un vocalista, por lo que Smith asumió dicho puesto. El cuarteto nuevamente integrado por Smith, Dempsey, Thompson y Tolhurst grabó sus primeras maquetas para Hansa en los estudios "SAV" en Londres entre octubre y noviembre, aunque nada de ese material fue publicado. La banda continuó tocando con regularidad alrededor de Crawley (particularmente en The Rocket, St Edward's y Queen's Square) entre finales de ese año y principios de 1978. El 19 de febrero tuvieron teloneros por primera vez en The Rocket, junto a una banda de Horley llamada Lockjaw, en la que tocaba el bajista Simon Gallup. Hansa estaba insatisfecha con las maquetas de la banda y se mostraba reacia a publicar lo que sería una versión temprana de su clásico «Killing an Arab». En cambio, sugirió grabar versiones de otros artistas, a lo que la banda se negó y decidió romper su contrato con la discográfica. Según Smith, Hansa quería convertirlos en «una banda para adolescentes que realizara versiones de otros grupos», lo que iba en contra del espíritu de la banda.


title: The Cure

text: La banda tocó su último concierto como Easy Cure el 22 de abril en el aula magna del instituto Montefiore en Crawley, antes de que Thompson abandonara la banda debido a sus conflictos estilísticos con Smith, ya que su estilo no cuadraba con la forma cada vez más minimalista de componer de Smith. En mayo de ese mismo año, Smith rebautizó al trío restante, integrado por él, Dempsey y Tolhurst con lo que sería su nombre definitivo: The Cure. A finales de ese mismo mes, la banda realizó sus primeras sesiones en los estudios Chestnut de Sussex. La maqueta resultante fue enviada a una docena de sellos importantes. Chris Parry, por entonces buscador de talentos de la discográfica Polydor, se puso en contacto con la banda tras escucharla. Se despidió de Polydor, formó el sello Fiction Records, y contrató a The Cure en septiembre de 1978.


title: The Cure

text: Tras las acusaciones de racismo recibidas por el sencillo y motivadas por su título, la banda decidió colocar una pegatina en su reedición en la que negaba las interpretaciones racistas. El 8 de mayo de 1979, The Cure publicó su primer álbum de estudio, "Three imaginary boys". La colección de canciones fue de clara tendencia post-"punk" y con tintes sombríos amén de preocupaciones existenciales. Las primeras críticas que recibió el álbum por parte de "NME" fueron entusiastas.


title: The Cure

text: El 16 de diciembre de 1978, meses antes de que se publicara el álbum, Adrian Thrills escribió lo siguiente: «The Cure es como un soplo de aire fresco suburbano en el contaminado circuito de bares y clubs de la capital. [...] Con una sesión de John Peel y la continuación de su gira por Londres en su agenda más inmediata, queda por ver si The Cure puede mantener su refrescante "joie de vivre"». Sin embargo, días después de su publicación, Paul Morley hizo una crítica poco amable en la misma revista: «Ellos [The Cure] hacen las cosas mucho peores de lo que podrían ser al empaquetar una trivialidad vacía como si tuviera validez social.  Como si fueran a cambiar nuestras concepciones de lo que es real y lo que es irreal. Adornan sus doce pequeñas cancioncillas con artimañas poco fiables. [...] Están tratando de decirnos algo; tratan de decirnos que no existen; tratan de decirnos que todo está vacío. Están haciendo el ridículo». Curiosamente, Robert Smith pensaba lo mismo que el crítico en cuestión por la manera en la que Chris Parry intentó promocionar al grupo; además durante una sesión con John Peel, The Cure reversionó posteriormente su canción «Grinding halt» en la que el cantante recitaba sarcásticamente parte de la crítica de Morley. El desagrado de Smith por la labor de Parry fue desde las sesiones de grabación: «Chris —dijo Smith— nos hizo sonar en el estudio durante cinco noches de "jam sessions" de una manera muy distinta a cómo sonábamos en directo» hasta la elección de la portada sin previa consulta al grupo. The Cure se embarcó como banda de apoyo para Siouxsie And The Banshees y the "Join Hands" tour de Inglaterra, Irlanda del Norte, Escocia y Gales entre agosto y octubre. En esta gira se vio a Smith trabajar el doble.  Cada noche debía hacer doblete actuando con The Cure y como guitarrista de los Banshees mientras John McKay dejó el grupo en Aberdeen. Esa experiencia musical tuvo un fuerte impacto en él: «En el escenario de la primera noche con los Banshees, me quedé impresionado por lo poderoso que sentía tocando ese tipo de música Era tan diferente a lo que estábamos haciendo con The Cure.  Yo quería que fuéramos como los Buzzcocks o Elvis Costello, los Beatles del punk. Ser un Banshee realmente cambió mi actitud hacia lo que estaba haciendo». En octubre de 1979, Michael Dempsey dejó la banda por diferencias creativas con Robert Smith. Según Dempsey: «Robert (Smith) quería llevar el sonido de la banda por un camino demasiado oscuro y sin concesiones, y Simon (Gallup) era perfecto para eso». Efectivamente, Simon Gallup, bajista de bandas inglesas de la escena "afterpunk" como Lockjaw o The Magazine Spies, reemplazó oficialmente a Dempsey al bajo.


title: The Cure

text: En febrero de 1980, la discográfica de The Cure editó "Three imaginary boys" en el continente americano bajo el nombre de "Boys don't cry" con más canciones, tales como el primer sencillo de The Cure, «Killing an Arab», o la homónima «Boys don't cry» y suprimiendo otras como «It's not you» o «Meathook». El disco cosechó un notable éxito en América y, asimismo, se posicionó en el puesto 44 dentro de las listas de éxitos en Inglaterra. En su primera etapa musical, The Cure desarrolló un estilo propio dentro de la corriente del "post-punk". Fue considerado un grupo del culto dentro de la corriente del "rock" gótico —en inglés llamada "dark wave"— durante la primera mitad de los años ochenta. Alcanzaron altas cuotas de popularidad en Inglaterra gracias a su sencillo «A forest», perteneciente a su segundo trabajo "Seventeen seconds" de 1980, el cual se posicionó en el puesto 31 de las listas de éxitos.


title: The Cure

text: En 1981, la banda se reunió de nuevo con Mike Hedges, productor de "Seventeen seconds", para grabar su siguiente álbum, "Faith", que reincidió en la introspección y en la atmósfera contenida en su anterior disco. La temática principal del álbum fue el cada vez mayor agnosticismo que sintió Robert Smith — su infancia estuvo fuertemente marcada por un adoctrinamiento católico— y su progresiva falta de fe. Otro de los temas secundarios del álbum "Faith" fue la añoranza de la infancia perdida, con referencias claras en las letras de «The holy hour» o «Primary», y en citas del propio Robert Smith pertenecientes a aquella época: «Tenía 21 años, pero me sentía realmente viejo. Sentí que la vida había perdido sentido. No tenía fe en nada. No veía demasiado sentido continuar con mi vida». El álbum alcanzó el puesto 14 en las listas británicas en 1981. A finales de ese mismo año, The Cure lanzó el sencillo «Charlotte sometimes», basado en la novela homónima de Penelope Farmer, no incluido en ningún álbum de estudio de la banda.


title: The Cure

text: En este momento, la música y la actitud de The Cure se volvieron extremadamente introspectivas. Durante las actuaciones, no se atendían las peticiones de temas más antiguos y alegres y, en ocasiones, Robert Smith abandonaba los conciertos llorando absorbido por el personaje que tenía que proyectar durante la actuación.


title: The Cure

text: The Cure alcanzó su punto álgido en 1982, con la publicación de "Pornography", considerado un disco esencial en la carrera de la banda, así como uno de los mejores discos del movimiento gótico. Tras la publicación de este álbum y la consecuente gira promocional Fourteen explicit moments, el grupo quedó inactivo por un periodo. La salida de Simon Gallup de la formación tras una pelea que protagonizó contra Smith durante la gira de "Pornography", dejó al grupo como dúo, compuesto por el propio Smith y Lol Tolhurst.


title: The Cure

text: A finales de 1982 el grupo publicó «Let's go to bed», una canción de carácter jovial y cierto aroma electrónico, que rompió con el carácter musical de la banda en sus primeros trabajos. Según palabras de Smith, «quería matar el carácter sombrío de los primeros discos de The Cure». A «Let's go to bed» le siguieron dos sencillos de carácter pop electrónico aún más acusado que el anterior, «The walk» y «The lovecats», ambos publicados en 1983. Este último fue un tema a ritmo de jazz basado en la película "Los aristogatos". Ambos se convirtieron en los primeros éxitos comerciales de importancia de The Cure (números 12 y 7 en el Reino Unido, respectivamente). Debido al éxito cosechado por estas canciones, Smith pensó en relanzar la carrera del grupo. Estas canciones aparecieron compiladas con sus respectivas caras B en el álbum recopilatorio titulado "Japanese whispers".


title: The Cure

text: Durante el mismo 1983, Smith formó el supergrupo The Glove con el bajista de los Banshees, Steven Severin y editaron un único trabajo de pop psicodélico titulado "Blue Sunshine", donde Smith cantó en alguno de los temas pese a que Fiction no le dejara por contrato. The Glove no editaría nada más y se disolvió poco tiempo después.


title: The Cure

text: Tras varios conciertos con la nueva formación compuesta por el productor de su anterior disco "Pornography", Phil Thornalley al bajo, al batería Andy Anderson, al guitarrista y saxofonista Porl Thompson, antiguo componente de la banda pre-Cure Malice, y al propio Smith a la guitarra, The Cure volvió a grabar nuevo material de estudio.


title: The Cure

text: Este álbum fue "The Top", disco en el que Smith asumió las tareas de compositor —junto a Tolhurst en algunos temas—, músico y productor. Además, Smith compartió su tiempo con el grupo Siouxsie and the Banshees colaborando en la grabación del álbum en vivo y video "Nocturne" e el álbum de estudio "Hyæna". Durante la gira mundial de "The Top", el grupo volvió a sufrir cambios en su formación: Andy Anderson salió del grupo por sus problemas con el alcohol y entró Boris Williams, antes parte de Thompson Twins.  Al finalizar la gira, el bajista Phil Thornalley también dejó el grupo y volvió Simon Gallup, tras reconciliarse con Smith. El reconocimiento por parte de la crítica y del público en general vino con la publicación en 1985 del disco "The head on the door" debido al éxito que obtuvieron los sencillos que de este se extrajeron como «In between days» y «Close to me».


title: The Cure

text: En 1986, con motivo del décimo aniversario de la formación de la banda, se publicó "", también titulado "" en su versión de vinilo. En este álbum recopilatorio se recogieron todos los sencillos de la banda publicados entre 1978 y 1986.


title: The Cure

text: Un año más tarde, en 1987, The Cure lanzó el álbum doble "Kiss me, kiss me, kiss me". Gracias a la creciente popularidad del grupo en ese momento, el trabajo alcanzó el número 6 en las listas del Reino Unido, y entró entre los cinco más vendidos en muchos otros países europeos. El disco ascendió hasta el puesto 35 en Estados Unidos, donde recibió un disco de platino. El primer sencillo extraído fue «Why can't I be you» al que siguió «Catch». El tercer sencillo, «Just like heaven» se convirtió en su mayor éxito hasta ese momento; además, fue el primero en entrar en el "top" 40 del "Billboard Hot 100". Tras el lanzamiento del álbum, la banda se embarcó en la gira The kissing tour, que se convirtió en un rotundo éxito de público. No obstante, durante esa época, Lol Tolhurst tuvo problemas para tocar por sus excesivas adicciones. Para solventar el problema, la banda acudió con frecuencia a Roger O'Donnell, teclista de The Psychedelic Furs para sustituirle.


title: The Cure

text: Terminada la gira en 1988, el grupo se tomó un año de descanso. Al año siguiente, The Cure lanzó "Disintegration", con el que se retomó la estética oscura de anteriores trabajos como "Faith" o "Pornography". Se convirtió inmediatamente en un éxito en Reino Unido y debutó en el tercer puesto de las listas de álbumes. Tres de los sencillos del disco, «Lullaby», «Lovesong» y «Pictures of you» se situaron entre los treinta más vendidos en varios países y el álbum se posicionó en el número 12 del "Billboard 200". «Fascination street», el primer sencillo en ser publicado en este país, alcanzó el primer lugar en la lista American Modern Rock Chart. Por su parte, el tercero, «Lovesong»; alcanzó el segundo puesto del "Billboard Hot 100". Tres años después de su lanzamiento, "Disintegration" ya había vendido más de tres millones de copias en todo el mundo.


title: The Cure

text: Durante las sesiones de grabación de "Disintegration", la banda se enfrentó abiertamente contra Lol Tolhurst. Estos hechos desembocaron en la salida de Tolhurst en febrero de 1989. Como resultado, Roger O'Donnell se convirtió en el único teclista del grupo. Smith se quedó de este modo como único miembro original que continuaba en la agrupación. A pesar de su salida, Tolhurst apareció en los créditos del álbum como el intérprete de «otros instrumentos». No obstante, algunos allegados a la banda, como el productor Dave Allen, opinaron que Tolhurst contribuyó más en las grabaciones de "Disintegration" que en las de los dos discos anteriores. La gira subsiguiente se denominó Prayer Tour. Su popularidad en Estados Unidos era ya de tal calibre por aquel momento que el grupo dejó de tocar en salas de conciertos para tocar en estadios en muchas ciudades de allí.


title: The Cure

text: En mayo de 1990, Roger O'Donnell dejó la banda debido a problemas con algunos de sus compañeros, siendo sustituido por el técnico de guitarra de la banda Perry Bamonte, que también asumiría el puesto de guitarra rítmica en 1992 tras la publicación de "Wish". En noviembre de emismo año The Cure editó una colección de remezclas titulada "Mixed up", del que se extrajo una canción nueva, «Never enough», cuyo video musical fue el primero en presentar a Bamonte. Dicha compilación se posicionó en el número 14 de la "Billboard 200".


title: The Cure

text: En enero del año 1991 el grupo actuó dentro de la serie de conciertos "MTV Unplugged". En ese mismo año The Cure recibió el Premio Brit a la mejor banda británica del año. También en 1991, Lol Tolhurst demandó a Robert Smith y a Fiction por el pago de sus derechos de autor. En la denuncia se incluyó también la aspiración de Tolhurst a compartir la propiedad del nombre «The Cure» junto con Smith. El juicio se resolvió en 1994 a favor del vocalista.


title: The Cure

text: Dos años después de editar "Mixed up", en 1992, la banda lanzó "Wish", uno de sus discos con mayor cantidad de ventas. "Wish" fue número 1 en el Reino Unido y número 2 en los Estados Unidos. Los sencillos «High» y «Friday I'm in love» se convirtieron en éxitos internacionales. En dicho disco, el nombre de la banda se transformó de The Cure a simplemente Cure. No obstante, tal denominación no perduró, ya que se retomó el tradicional The Cure en su siguiente trabajo de estudio, "Wild mood swings".


title: The Cure

text: De la gira que acompañó al álbum, "Wish tour", la banda extrajo dos trabajos en directo; "Show" y "Paris" publicados en septiembre y octubre de 1993, respectivamente. También en 1993, The Cure fue nominado al Grammy como por "Wish".


title: The Cure

text: Entre finales del "Wish Tour" y la producción de su siguiente álbum se produjeron varios cambios en la formación. A mediados de 1993, Thompson dejó la banda para unirse a la gira de Robert Plant y Jimmy Page de Led Zeppelin, Page and Plant, por lo que la alineación quedó establecida como un cuarteto.En noviembre de 1994, luego de diez años de labor, Williams salió de la banda, siendo la creación del patrón de batería de la canción «Jupiter Crash» su última contribución a la banda. En diciembre de 1994, O'Donnell se reintregó en los teclados, asumiendo Bamonte el puesto de guitarrista líder, mientras que Gallup tuvo que ausentarse por problemas físicos de salud. Debido a estos cambios las sesiones del décimo álbum de The Cure comenzaron con tan solo Smith y Bamonte presentes en el estudio. Williams fue sustituido a la batería por Jason Cooper, tras comprarse casualmente un número del "NME" y leer un anuncio anónimo. El padre de Cooper, que trabajaba en Virgin Records, era un aficionado de The Cure y le dio a su hijo una copia del "Seventeen seconds" que, según palabras del propio Cooper en la biografía de The Cure escrita por Jeff Apter, escuchó «extensivamente» y acabó por aficionarse a la banda de Robert Smith al igual que su padre..


title: The Cure

text: En 1996, con esta nueva alineación, la banda editó "Wild mood swings", disco de contenido heterogéneo en el que se advirtió una pérdida de sentido musical en la banda. "Wild mood swings" fue acogido con frialdad por la crítica, pero sobre todo por los tradicionales seguidores del grupo.


title: The Cure

text: En 1997, la banda publicó un recopilatorio de sencillos titulado "Galore", de algún modo continuador del disco "", publicado once años antes que este, y en el que se recogieron los sencillos publicados entre 1987 y 1997, desde «Why can't I be you» hasta los sencillos extraídos de "Wild mood swings" como «The 13th» o «Gone!». La colección contuvo un nuevo tema: «Wrong number», el primero en el que apareció Reeves Gabrels como guitarrista junto a Smith.


title: The Cure

text: El limitado éxito artístico y comercial de "Wild mood swings", unido al hecho de que tan solo faltaba un disco más para vencer su contrato con Fiction Records y a las malas críticas que el disco cosechó en revistas musicales especializadas como "Rolling Stone" o "Melody Maker", hicieron que Smith se plantease, una vez más, terminar con la banda. En 1998, en este contexto, el grupo decidió posponer el lanzamiento de un álbum previsto para ese mismo año, de cara a componer un disco que, a modo de despedida, recogiera la cara más seria de The Cure. Fruto de este esfuerzo fue el álbum "Bloodflowers", publicado dos años después, en 2000, con el que el grupo recuperó sus esencias oscuras de los ochenta y por las que obtuvieron la fama mundial. Para su composición, Smith volvió a inspirarse en su propia carrera y en sus vivencias, tal cual había hecho años antes con "Pornography" o "Disintegration", para componer unas letras claramente autobiográficas. En palabras del propio vocalista, "Bloodflowers" cierra la trilogía oscura del grupo, iniciada con los dos álbumes anteriormente citados. La publicación de "Bloodflowers" vino acompañada por una extensa gira mundial bajo el título "Dream tour". Dicha gira obtuvo un gran reconocimiento, tanto mediático como de público, con más de un millón de asistentes. El éxito del álbum, nominado al Grammy en 2001 como , y de su consiguiente gira, motivaron a Smith a reconsiderar su decisión de acabar con la banda que, por aquel entonces, tuvo clara su disolución definitiva.


title: The Cure

text: En 2001, The Cure, tras finalizar su contrato, abandonó su tradicional sello discográfico Fiction Records para firmar con Geffen Records. Como despedida de Fiction, Smith accedió a la publicación de una recopilación de grandes éxitos, a condición de que el repertorio de canciones fuese elegido por él mismo. El resultado de este acuerdo fue el disco "Greatest hits", que incluyó sencillos y otras canciones de toda su carrera desde 1978 a 2000. Como ocurrió con "Galore", la compilación contuvo nuevo material; en este caso los temas «Cut here» y «Just say yes», este último cantado a dúo con la cantante Saffron del grupo Republica.


title: The Cure

text: En 2003, Fiction publicó el DVD "", que incluyó dos conciertos en Berlín en los que The Cure interpretó en directo y en orden cronológico todas las canciones de los álbumes "Pornography", "Disintegration" y "Bloodflowers", única trilogía de la banda considerada oficialmente por Robert Smith.


title: The Cure

text: En 2004, ya con Geffen, tras varios proyectos paralelos, el grupo de Robert Smith lanzó su trabajo homónimo: "The Cure". De carácter variado como "Wild mood swings", fue bien recibido por la crítica especializada, aunque no tanto por el público en general. Sin embargo, Smith argumentó que la decisión de titularlo de manera homónima fue porque, una vez más, creyó que este pudo haber sido su álbum definitivo, alentado por la idea del productor Ross Robinson de «grabar el álbum definitivo de The Cure». Ese mismo año, Fiction lanzó un nuevo recopilatorio llamado "", en el que se publicaron todos los lados B publicados por The Cure, desde su primer sencillo «Killing an Arab» editado en 1978, cuyo lado B fue «», hasta «Signal to noise», lado B del sencillo «Cut here». Además, en esta recopilación también pudo encontrarse mucho material inédito que la discográfica histórica de la banda aún poseía en sus archivos y que Smith decidió publicar a modo de despedida con Fiction.


title: The Cure

text: Tras una gira mundial centrada en actuaciones en festivales, a mediados de 2005 el guitarrista Perry Bamonte y el teclista Roger O'Donnell dejaron la banda debido a discrepancias con Smith poco antes del inicio de la extensa gira europea. Ese mismo año, el grupo reclutó tras doce años de ausencia de nuevo a Porl Thompson con lo que la formación volvió a quedar establecida otra vez como cuarteto, hecho que no ocurría desde 1994, y sin la presencia de un teclista.


title: The Cure

text: Durante la gira europea de 2008, la banda comenzó a mostrar públicamente canciones de su último disco en estudio hasta la fecha, "". El disco se previó inicialmente para noviembre de 2006, pero finalmente fue lanzado el 28 de octubre de 2008. Recibió críticas muy flojas en la prensa especializada, pero a diferencia de su anterior álbum homónimo, este trabajo tuvo una mejor aceptación entre sus seguidores y el público en general; canciones como «The hungry ghost» o «This. Here and now. With you» recibieron elogios por parte de la crítica. El lanzamiento del álbum fue precedido por el de los sencillos «The only one», publicado en mayo, «Freakshow», en junio, «Sleep when I'm dead», en julio y, por último, «The perfect boy», en agosto, todos los treceavos días del mes de su publicación.


title: The Cure

text: Smith alegó que "4:13 dream" sería un álbum doble, aunque finalmente apareció en formato de un único disco, a lo que el vocalista argumentó: «Estaba de acuerdo en vender la versión doble por el precio de un solo álbum, porque siento que esto es lo que debería haber sido pero es casi imposible editar un disco doble en la actualidad... Ingenuamente pensé que mi posición como artista era dejar a un lado todas las objeciones, pero el mundo se vuelve cada vez más comercial».


title: The Cure

text: Entre junio y noviembre de 2011, The Cure dio una serie de diez conciertos retrospectivos de su primera época post-"punk" titulados "" en la Casa de la Ópera de Sídney (Australia), el Royal Albert Hall (Londres), el Pantages Theatre (Los Ángeles) y el Beacon Theatre (Nueva York) encadenados por una especie de línea temporal. Al empezar los conciertos, Robert Smith decía: «Bienvenidos a 1979» y a continuación la banda interpretaba íntegramente sus discos "Three imaginary boys", "Seventeen seconds" —junto a Roger O'Donnell a los teclados— y "Faith" —con Lol Tolhurst a los teclados y la percusión—. Así se cerraba la brecha abierta entre los cofundadores (Tolhurst y Smith) en 1989, durante las sesiones de grabación del álbum "Disintegration". La agrupación terminaba esta serie de conciertos retrospectivos con algunas canciones de esa época como «Charlotte sometimes», publicada como sencillo en 1981, no incluida en "Faith". Por aquel entonces también se supo que Roger O'Donnell regresaba oficialmente como teclista.


title: The Cure

text: En septiembre de 2011, The Cure fue nominado para ingresar en el Salón de la Fama del Rock and Roll, aunque finalmente no fue admitido. El 5 de diciembre de 2011, salió a la venta, en formato doble, un concierto grabado el 11 de septiembre, justo en mitad de la gira "Reflections", titulado "Bestival live 2011", donde The Cure interpretó un concierto benéfico a favor de las juventudes necesitadas de la Isla de Wight (Inglaterra). El grupo aprovechó este evento para publicar su quinto álbum en directo, cuyos beneficios fueron íntegramente hacia dicha causa altruista.


title: The Cure

text: Durante el verano de 2012, el grupo fue cabeza de cartel de festivales europeos destacados como el Primavera Sound de Barcelona, el BBK de Bilbao (España) o el Reading & Leeds (Inglaterra).


title: The Cure

text: Durante el mes de abril de 2013, The Cure hizo de nuevo una gira por América Latina tras un periodo de veintiséis años de ausencia. Esta gira marcó sus primeras actuaciones en Paraguay, Chile, Perú y Colombia, por segunda vez en Argentina (1987 y 2013) y por tercera vez Brasil (1987, 1996 y 2013).


title: The Cure

text: Desde el año 2013 ha quedado pendiente un nuevo disco de The Cure, llamado "" a modo de continuación de "4:13 Dream". Sin embargo, se ha visto continuamente postergado y no tiene fecha posible de publicación, a 13 años del último disco.


title: The Cure

text: El 29 de marzo de 2019, The Cure logró ingresar en el Salón de la Fama del Rock and Roll, que es la máxima institución dedicada a preservar a los artistas más famosos e influyentes en la industria musical a través del género del "rock". Durante el acto, que congregó a los actuales y algunos de los antiguos miembros de la banda, Robert Smith aceptó el premio en representación del grupo y en su discurso recordó a todos los componentes que pasaron a lo largo de los cuarenta años de historia de The Cure.


title: The Cure

text: La banda surgió en la vanguardia de la escena post-"punk" británica junto a grupos como Siouxsie And The Banshees, y Joy Division. Este cuarteto de bandas heredaron el estilo del "punk" de anteriores formaciones inglesas como Sex Pistols o The Clash, y llevaron ese sonido de rebeldía un paso más allá, cada uno a su "manière de faire", dentro del subgénero gótico.


title: The Cure

text: Smith siempre ha sido reacio a categorizar el estilo de The Cure en una sola corriente musical, aunque lo cierto es que fueron, junto a otras agrupaciones como Siouxsie and the Banshees, Bauhaus o Joy Division, una de las bandas que pusieron las semillas de "rock" gótico y de la "dark wave" a finales de la década de 1970 con su «trilogía gótica» de álbumes conceptuales "Seventeen seconds", "Faith" y "Pornography". Estos grupos, herederos del "punk rock", desarrollaron lo que se llamó post-"punk" —en inglés este movimiento se denominó "afterpunk"— y mostraron claras tendencias contraculturales. Así pues, los primeros trabajos de The Cure se gestaron dentro de esa rebeldía post-"punk": desde "Three imaginary boys", pasando por la citada trilogía, hasta 1983 con la publicación del álbum recopilatorio "Japanese whispers", que recogió algunos de los últimos temas oscuros de su primera época como «Lament» o «Just one kiss». "Japanese whispers" marcó una reorientación radical con respecto al sonido oscuro que popularizó a The Cure, al principio de la década de 1980, con sencillos alegres y vitalistas como «Let's go to bed» o «The lovecats». Estos temas redirigieron la carrera del grupo hacia melodías bailables y de clara tendencias pop, de aires electrónicos semejantes a los que popularizaron al grupo Depeche Mode, con los que fueron emparentados desde entonces.


title: The Cure

text: En ese ambiente de cambios, Robert Smith compuso "The Top", un álbum irregular y con claras muestras de desorientación en el enfoque compositivo, con canciones marcadas por la psicodelia que arrastraba Smith tras la producción de "Blue sunshine", único trabajo musical del grupo que formó en 1983 junto al bajista de los Banshees, Steve Severin llamado The Glove. Pero lo más importante de "The top" fue que incorporó oficialmente al multi-instrumentista, Porl Thompson en los directos de la banda, y que marcó una influencia notable en el sonido de la agrupación hasta su salida en 1993 tras la publicación de "Show". "The top", asimismo, aún recogió canciones de corte post-"punk" como «Shake dog shake» o «Give me it».


title: The Cure

text: Después del lanzamiento de "The top" y el retorno de Simon Gallup como bajista, The Cure produjo dos de sus álbumes más exitosos a nivel comercial: "The head on the door" y "Kiss me, kiss me, kiss me", discos que llevaron al grupo al estrellato mundial con temas como «Close to me» o «Just like heaven». Estas canciones convirtieron a The Cure en una de las bandas "mainstream" de la década de 1980 junto a formaciones como los irlandeses U2 o Depeche Mode. Ambos discos, emparentados por sus melodías alegres, el uso de secciones de viento y de ritmos bailables próximos al "ska jazz" recogieron otros sencillos de éxito como «In between days», «Why can't I be you» o «Hot hot hot!!!».


title: The Cure

text: Tras esos discos, Smith decidió volver a los orígenes más oscuros de The Cure para componer en 1989 la que está considerada su obra maestra, "Disintegration", cuya decisión fue duramente criticada por su discográfica de entonces, Fiction Records, que lo calificó como «suicidio musical». El vocalista no solo demostró a su discográfica que se estaba equivocando en sus valoraciones previas respecto al disco, sino que The Cure alcanzó la cima de su popularidad con la composición de este trabajo. "Disintegration" fue una hábil combinatoria entre melodías pop tales como «Pictures of you» o «Lovesong» con ritmos más sombríos y densos como «Lullaby» o «The same deep water as you». Con este álbum, The Cure alcanzó unas altas dosis de lirismo en sus composiciones tanto musicales como textuales, donde Smith rescató la idea de sus primeros discos conceptuales al estilo de "Pornography", animado en componer su verdadera obra maestra antes de cumplir los treinta años.


title: The Cure

text: Tras el éxito de "Disintegration" (número 3 en Reino Unido y 12 en Estados Unidos), The Cure publicó el 21 de abril de 1992, día del trigésimo tercer cumpleaños de Smith, su disco más exitoso hasta la fecha, "Wish". Más accesible que su antecesor, "Wish" continuó por el sendero musical atmosférico y oscuro pero con canciones de clara tendencia "shoegaze", un estilo musical alternativo surgido a principios de los años 1990 en Inglaterra, Smith, tras descubrir el disco "Loveless", declaró: «My Bloody Valentine fue la primera banda que escuché que claramente se cagaban en nosotros, y su álbum "Loveless" está entre mis tres favoritos de todos los tiempos. Es el sonido de alguien que es tan impulsivo que está demente. Y el hecho de que gastaran tanto tiempo y dinero en esto es excelente». Nuevamente, el intérprete reorientó el sonido de la banda hacia unas tendencias más alternativas que comerciales, así como fueron sus comienzos. Pese a ello, el disco contenía éxitos comerciales pop como «Friday I'm in love» o «A letter to Elise» que supo alternar con canciones más atmosféricas y góticas como «To wish impossible things» o «Apart». Por otro lado, el cuarteto de canciones claramente de tendencia "shoegaze": «Open», «From the edge of the deep green sea», «Cut» y la clausural «End» volvieron a posicionar a The Cure como banda referente de la escena alternativa británica.


title: The Cure

text: En 1993, después de la publicación de dos discos en directo derivados de la era "Wish", "Show" y "Paris", Porl Thompson dejó la banda para unirse a la de Robert Plant. Perry Bamonte, que entró a formar parte del grupo oficialmente en 1990 con el sencillo «Never enough», pasó a ser el segundo guitarrista. Bamonte imprimió un estilo elegante, sencillo y sin demasiados artificios a las seis cuerdas. El siguiente disco, "Wild mood swings", resultó un fiasco a nivel de público y fue pésimamente acogido entre la crítica especializada. Anthony Decurtis, de "Rolling Stone", parafraseando irónicamente el título del álbum, dijo que «Nada hay de “salvaje” en "Wild mood swings"». Steve Lyon, quien se encargó de la producción del disco junto con Smith, le declaró sinceramente al cantante el poco entusiasmo que sentía por grabar con la banda, aunque fue precisamente eso lo que acabó motivando al vocalista: «Quería a alguien que no se sintiera intimidado por mi pasado». Los críticos se ensañaron con la heterogeneidad del álbum y su falta de coherencia, y definieron canciones como «Jupiter crash» o «The 13th» como «aburridas» y «horrendas», respectivamente. Pese a las malas críticas recibidas, "Wild mood swings" recoge algunos momentos remarcables de la discografía de los ingleses como «Want» o «This is a lie».


title: The Cure

text: "Bloodflowers" se planteó como el último álbum de estudio que The Cure grabaría con Fiction Records. Asimismo, se especuló con la idea de que fuera el último álbum de la banda. Según declaraciones del propio Smith a la prensa de la época: «Sea o no nuestro último álbum, es un buen momento para parar». Inicialmente planeado para ser publicado durante la primavera de 1998, su publicación se retrasó hasta febrero de 2000 por diversos motivos, el principal fue porque Smith quería una despedida digna tras las malas críticas de "Wild mood swings". Con "Bloodflowers", The Cure regresó, según las críticas, a «su temática de reflexión y melancolía existencial, confluyendo emocionalidad y sapiencia en la construcción de atmósferas sugerentes». Además, este álbum fue el retorno a sus líneas oscuras continuadas conscientemente desde "Disintegration". Aunque oficialmente no se publicó ningún sencillo de adelanto, «Out of this world» y «Maybe someday» fueron las canciones promocionales que se extrajeron para las radios comerciales. El disco tuvo mayor aceptación que su predecesor y la crítica aplaudió la decisión de Smith de volver a los orígenes oscuros de la banda. En las canciones se siente el esfuerzo del cantante y letrista por hacer un disco de The Cure de corte clásico.


title: The Cure

text: Cuatro años más tarde, la banda editó nuevo material junto al productor Ross Robinson, especializado sobre todo en la producción de grupos de "nu metal" como KoЯn, Slipknot o Deftones. Aunque Smith no se sintiera especialmente atraído por ese estilo musical, Robinson le confesó en una entrevista que una de las cosas que le gustaría hacer antes de morir era grabar un disco con The Cure. La fascinación que Robinson sentía por ellos animó al intérprete a grabar su álbum homónimo, "The Cure", disco en el que resonó el lado más "heavy" del grupo. Grabado casi de una toma y sin apenas postproducción, el álbum fue recibido en general de manera positiva por la mayoría del público y de la crítica, aunque hubo cierta parte de la prensa especializada que acusó a Robinson de llevar a la agrupación hacia un terreno —el "nu metal"— al que nunca había pertenecido. Las canciones que más destilaron esa nueva orientación "heavy" de la banda fueron «Us or them», «Before three» o «The promise», mientras que «Lost» o «Anniversary» devolvieron a The Cure a sus raíces más oscuras y atmosféricas.


title: The Cure

text: En su último trabajo de estudio, "", producido por Robert Smith junto a Keith Uddin, The Cure siguió explorando conscientemente esa línea de "rock" duro iniciada en su anterior trabajo. La salida de Roger O'Donnell y de Perry Bamonte, y el retorno de Porl Thompson como guitarrista potenció, con sus virtuosismos, esa nueva orientación en el sonido de la banda en temas como «Switch» o «It's over». La crítica dijo de "4:13 dream" que «fue un disco que estuvo rodeado de demasiadas canciones a medias y sin forma definida, sonidos incoloros y carente de espíritu».


title: The Cure

text: El futuro de la banda resulta incierto. La versión oscura del "4:13 dream", conocida como "dark album", aún no se ha publicado. El disco se tituló provisionalmente: "", pero Smith ha permanecido reacio a publicar material antiguo grabado con Thompson tal y como declaró en un comunicado oficial, donde dijo: «En 2009, Porl Thompson dejó la banda y esa versión de The Cure terminó para siempre». En 2012, Reeves Gabrels, guitarrista acompañante de David Bowie y con el que Robert Smith colaboró en el pasado en la grabación de sencillo «Wrong number» además del grupo COGASM, entró a formar parte de la banda como segundo guitarrista tras reemplazar en los directos a Thompson. Gabrels imprimió un carácter más roquero a las canciones tocadas en directo.


title: The Cure

text: En 2016 The Cure sale de gira mundial nuevamente (después de 2008) por Estados Unidos y Europa, con nuevo set de temas, rarezas, lados-B ("Too Late" y "This Twilight Garden") y nuevos temas ("Step into the Light" y "It can never be the same"), con 35 fechas confirmadas en Estados Unidos (con 3 shows vendidos en Los Angeles Hollywood Bowl y 3 Madison Square Garden en NY), y otras 34 fechas en Europa.


title: The Cure

text: Robert Smith, hijo de una familia feliz aunque de imaginación invadida por cosas más profundas y oscuras, fue desde sus inicios musicales un intelectual inquieto. «Leí libros —dijo Smith— sobre la desesperación y la desintegración que quizás no debí haber leído». Gran admirador de escritores como Albert Camus, Jean-Paul Sartre o Franz Kafka, esa corriente de literatura existencialista influyó definitivamente los primeros discos de The Cure; desde "Three imaginary boys" pasando por su «trilogía gótica» ("Seventeen seconds", "Faith", "Pornography"), son álbumes donde mejor se nota esa inquietud existencialista desarrollada musicalmente por Smith.


title: The Cure

text: Entre los músicos de los años 70 que influyeron a la agrupación destacan Jimi Hendrix, Alex Harvey y los irlandeses Thin Lizzy, a quienes versionaron en sus inicios. Smith reconoció además haber recibido una gran influencia de los Beatles, uno de los grupos favoritos de su hermana Margaret, que escuchaba a través de la puerta de su habitación. En palabras del propio de Smith: «Escuchaba «Help!» y pensaba que el mundo podría ser un lugar mejor». Por otro lado, el vocalista, fiel admirador de David Bowie, se inspiró en el tono y el estilo de «Warszawa», tema del disco de 1977 "Low", para componer los primeros acordes de «A reflection», incluido en "Seventeen seconds". Después de su primer álbum de estudio, Robert Smith cambió de dirección musical y citó a los primeros Siouxsie And The Banshees como una "influencia masiva". "Ellos fueron el grupo que me llevó a hacer " Pornography". Smith también citó a Wire como una banda que admiraba.


title: The Cure

text: Entre las formaciones que surgieron influenciadas por el legado de The Cure, puede hacerse una larga lista de grupos de "rock" alternativo e "indie" encabezada por la neoyorquina Interpol, banda post-"punk revival" cuyo exbajista, Carlos Dengler, es un declarado fanático de Simon Gallup en su modo de tocar el bajo. Además, Paul Banks, líder y compositor, ha manifestado haber sido influenciado por The Cure y por la figura de Smith desde una edad temprana.


title: The Cure

text: The Essence, grupo neerlandés de "rock gótico" surgido a mediados de los años 1980, gozó de una relativa fama por haber sido calificado como «banda clon de The Cure».


title: The Cure

text: Otras formaciones de "indie rock" que recibieron la influencia de The Cure, han sido (o no) grupos estrechamente relacionados con la banda de Smith como, por ejemplo, Mogwai, The Rapture, Slowdive,Ride, The Cranes, 65daysofstatic, o Crystal Castles, todos ellos tocados de alguna manera por la mano de Smith. También son numerosos los grupos de habla hispana que han recibido la influencia de la música y la estética de The Cure. Entre ellos se encontrarían artistas como Alaska y los Pegamoides, Parálisis Permanente o grupos como Héroes del Silencio. Entre los latinoamericanos, por su parte, podemos mencionar a los argentinos Soda Stereo, los mexicanos a Caifanes y a las agrupaciones chilenas Upa! o Lucybell en sus inicios. Ya entrado el siglo XXI Camión, otra banda argentina, revive el legado de The Cure, Joy Division y demás sonidos pertenecientes al llamado "shoegaze" post punk, haciéndolo desde la especial escena underground de la ciudad de La Plata..En 2019, The Cure hizo su ingreso en categoría 'perfomer' al ROCK & ROLL HALL OF FAME. A la ceremonia acudió, subiendo al escenario, la formación vigente (Smith, Gallup, O`Donnell, Cooper y Gabrels), además de ex integrantes, tales como: Lol Tolhurst, Pearl Thompson, Boris Williams, Michael Dempsey y Perry Bamonte. Durante los agradecimientos, Smith hizo también alusión a Andy Anderson, quien había fallecido poco tiempo antes, y a Tim Pope, entre otros. La introducción al reconocimiento durante la ceremonia estuvo a cargo de Trent Reznor, de los Nine Inch Nails. En palabras de este último: "No era solo el sonido o las palabras o la presentación, en la que todo estaba enlazado con los instrumentos más exquisitos, no. Era la voz de Robert Smith. Esa voz, capaz de crear un amplio rango de emociones que iban desde una expresión de rabia, tristeza y desamparo a una de belleza, fragilidad y felicidad. Puede que suene algo naïf pero no fue hasta que escuché «The Head And The Door» que no me había percatado que era posible componer sobre ideas tan profundas, pero siempre haciéndolo desde un contexto integrado por canciones que funcionasen e incluso llegasen a sonar en la radio, cambiando las reglas desde dentro"  Como parte del show, la banda vigente se presentó con la siguiente lista: ‘Shake Dog Shake’, ‘A Forest’, ‘Love Song’, ‘Just Like Heaven’ y ‘Boys Don’t Cry’.


title: The Cure

text: The Cure ganó el premio Brit en dos ocasiones en las categorías de mejor videoclip británico y mejor banda británica en 1990 y 1991, respectivamente. Además, fue nominado en dos ocasiones al premio Grammy y a diferentes galardones ofrecidos por la cadena MTV. También fue nominado en 2011 al premio Q, ofrecido por la revista de rock "Q" en la categoría de mejor actuación de los últimos 25 años. Asimismo, en 2009 recibió el premio "Godlike Genius" por su influencia ejercida en numerosas bandas de rock a lo largo del tiempo, otorgado por la publicación "NME".


title: Terry Jones

text: Terry Jones (Colwyn Bay, Gales; 1 de febrero de 1942-Londres, Inglaterra; 21 de enero de 2020) fue un actor, director de cine, guionista, comediante e historiador británico. Fue miembro del grupo cómico Monty Python.


title: Terry Jones

text: Realizó estudios de filología inglesa en la Universidad de Oxford, donde conoció a Michael Palin. Recordado por sus papeles de mujer acompañado de la voz chillona que hacía. En la tercera serie de "Monty Python's Flying Circus", interpretaba innumerables papeles, como juez, masón, el hombre que hacía reír a todo el mundo y las inolvidables escenas breves en las que aparecía tocando desnudo el piano. Interpretó a la madre de Brian en "La vida de Brian", filme que dirigió él mismo. Llevó a cabo también "Los caballeros de la mesa cuadrada", este último en cooperación con Terry Gilliam. Después de la disolución del grupo se dedicó, principalmente, a la televisión; como guionista y presentador incluso llegó a dirigir un episodio de la serie "Las aventuras del joven Indiana Jones". También fue guionista de la película de Jim Henson "Dentro del laberinto". También dirigió documentales de historia. En 2002 dirigió dos documentales de televisión para Discovery Channel, la "Historia oculta de Egipto" y la "Historia oculta de Roma".


title: Terry Jones

text: En septiembre de 2016 fue diagnosticado con afasia progresiva primaria, un tipo de demencia que le impedía hablar y comunicarse con normalidad. Falleció el 21 de enero de 2020 a los 77 años por causas naturales derivadas de dicha enfermedad. Su cuerpo fue incinerado en Golders Green.


title: Terry Gilliam

text: Terrence Vance Gilliam (Medicine Lake, Minnesota; 22 de noviembre de 1939) es un actor y director de cine británico nacido en Estados Unidos. Fue uno de los miembros del grupo humorístico Monty Python.


title: Terry Gilliam

text: En su trabajo con Monty Python es más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó, ya que a diferencia de los otros cinco miembros del grupo, que se repartían los papeles de manera equitativa, Terry Gilliam tenía considerablemente menos protagonismo; sus papeles siempre eran breves y secundarios. De entre sus personajes más conocidos, se destaca Patsy, el escudero del rey Arturo en "Los caballeros de la mesa cuadrada", película que llevó a cabo con Terry Jones; y también es recordado su papel como el cardenal Fang en los "sketches" de la temible Inquisición española.


title: Terry Gilliam

text: Estudió Ciencias Políticas en el Colegio Occidental de California. Su infancia discurrió en la comunidad rural de Medicine Lake, y ese ambiente rural, rodeado de un campo de cultivo de maíz a un lado de la casa y un bosque al otro y con la radio como centro de entretenimiento familiar, obligó al joven Terry Gilliam a desarrollar su imaginación y allí comenzó a conjurar imágenes visuales. Creció viendo cómo cortaban el cuello a las gallinas, hecho que le sirvió para comprender la crueldad de la naturaleza y ayudó a su creatividad. Es por ello que considera que la imaginación está conectada a la naturaleza.


title: Terry Gilliam

text: En 1951 se trasladó nuevamente con su familia a California. Su padre era carpintero y aficionado a la magia, afición que adoptó su hijo. No era demasiado bueno, pero le gustaba mucho. Le atraía el hecho de hacer reír a la gente y ser el centro de atención, pero le costaba expresar sus sentimientos, que escondía detrás de sus dibujos. No pensó en el cine como en algo más que entretenimiento hasta los 14 o 15 años, al ver una película de Kubrick (Senderos de Gloria) durante una de las sesiones de sábado matinée en los cines locales. Viendo este filme sobre la injusticia y la absurdidad de la guerra, descubrió que las películas podían ser algo más que mero entretenimiento, que el cine tenía poder, algo que decir y que valía la pena escuchar; una auténtica epifanía para el joven Gilliam.


title: Terry Gilliam

text: Sentía una especial admiración por Georges Méliès, por su tendencia a crear un cine similar a un juego, introduciendo recursos para engañar al espectador. De alguna forma, se sentía identificado con su trabajo. También sentía una gran afición por el dibujo, y una especial admiración hacia Disney, sobre todo por sus parques temáticos, por poseer un mundo propio con sus propias jerarquías y serie de normas. Leía muchos cómics, le gustaban las ilustraciones clásicas, las caricaturas y tiras cómicas de los periódicos. Entre sus preferencias, destacaba especialmente la publicación MAD, un cómic por aquel entonces, que se volvería MAD Magazine unos años después con tal de sortear el Cómics Code (1954), fruto de aquel período de revolución contracultural estadounidense germinado durante los años 50 que culminaría con la nueva visión sociopolítica de los años 60. Este cómic lo marcaría de por vida y daría forma al particular imaginario y estilo humorístico, satírico y sarcástico de Terry Gilliam que más adelante incorporó a Monty Python. En esas viñetas, Gilliam descubrió el trabajo de Harvey Kurtzman, cuyo estilo contestatario e irreverente, a la par que fidedigno a la reconstrucción histórica de los eventos mostrados, le serviría como modelo en su trayectoria personal. Como el mismo Gilliam declaró: “Era muy importante para mí que la cosa oliera y apestara correctamente”.


title: Terry Gilliam

text: Fue al Occidental College, donde empezó a estudiar Física; más tarde se pasó a Arte. A pesar de su gusto por las clases de dibujo, pintura y escultura, terminó por graduarse en Ciencias Políticas. Entre otras actividades extraescolares, se vio encargado de la revista Fang de la universidad. Esta revista anteriormente de poesía y arte, seria y sensible, fue paulatinamente convertida por él y su grupo de amigos en un cómic de gags y dibujos satíricos, copiando el estilo de la revista de humor de ámbito nacional Help!, el nuevo proyecto de Kurtzman, que había empezado a publicarse en Nueva York, así como dibujos animados de la TV y comediantes como Jonathan Winters.


title: Terry Gilliam

text: Pagaba sus estudios con pequeños trabajos como el turno nocturno en una fábrica de ensamblaje de Chevrolet, o como chico de correo en una oficina de Welton Becket, uno de los arquitectos más prestigiosos de Los Ángeles. También consiguió un trabajo como drama coach en el Campamento Roosevelt, un campamento selecto para niños de Hollywood. Ahí experimentó con el mundo del teatro y de la producción teatral realizando algunos “semi-performances o happenings” (antes de que se llamaran así), junto a algunos compañeros de clase, del tipo de sketches que más tarde realizaría con los Monty Python. Esta experiencia dio lugar a una enorme reflexión sobre la posible compatibilidad entre esta nueva pasión y su compromiso político, la cual es evidente en su filmografía y en su posterior trabajo con los Monty Python.


title: Terry Gilliam

text: Tras graduarse, envió algunos ejemplares de Fang a las oficinas de la revista Help! en Nueva York.


title: Terry Gilliam

text: Tanto había influido Help! en Gilliam que en cuanto tuvo la ocasión marchó rumbo a Nueva York con el fin de trabajar en algo similar. Una vez allí, no dudó en volver a ponerse en contacto con la redacción de la revista, esta vez, solicitando una entrevista de trabajo, justo en el momento en que la mano derecha de Kurtzman, y también principal responsable de la publicación, se estaba despidiendo de su puesto de trabajo. Gilliam lo sustituyó. De este modo, se vio encargado de gran parte de la revista a la que tanto había admirado, y trabajó junto a su ídolo como su mano derecha. El particular “sentido ahorrador” de Harvey Kurtzman propició el primer contacto entre Gilliam y el británico John Cleese (futuro miembro de los Monty Python, y por aquel entonces un actor de poca monta en Cambridge Village), que aceptó un trabajo para una de las historietas al estilo fotonovela o fumetti sobre un padre de familia que se enamora de una muñeca Barbie, escrito por el compañero de piso de Gilliam del momento.


title: Terry Gilliam

text: Durante su estancia en Nueva York, vivió en una pequeña habitación cerca de la Universidad de Columbia, con una “cucaracha mascota” a quién dedicaría unos años más tarde una de sus animaciones, StoryTime.