title: El Greco

text: El pintor organizó su producción a niveles distintos: los grandes encargos los realizaba en su totalidad él mismo, mientras que sus ayudantes realizaban lienzos más modestos, con iconografías destinadas a la devoción popular. La organización de la producción, contemplando obras totalmente autógrafas del maestro, otras con su intervención parcial y un último grupo realizado totalmente por sus ayudantes, permitía trabajar con varios precios, pues el mercado de la época no siempre podía pagar las elevadas tarifas del maestro.


title: El Greco

text: En 1585 fue seleccionando tipologías e iconografías, formando un repertorio en el que trabajó repetidamente con un estilo cada vez más fluido y dinámico. El éxito popular de sus cuadros de devoción, muy buscados por su clientela toledana para capillas y conventos, le llevó a elaborar varios temas. Algunos interesaban especialmente, repitiendo de ellos numerosas versiones: San Francisco en éxtasis o estigmatizado, la Magdalena, San Pedro y San Pablo, la Santa Faz o la Crucifixión.


title: El Greco

text: En Toledo había trece conventos franciscanos, quizás por ello uno de los temas más demandados sea San Francisco. Del taller del Greco salieron del orden del centenar de cuadros sobre este santo, de ellos 25 son autógrafos reconocidos, el resto son obras en colaboración con el taller o copias del maestro. Estas imágenes, dramáticas y sencillas, muy similares, con solo pequeñas variaciones en los ojos o en las manos, tuvieron gran éxito.


title: El Greco

text: También el tema de la Magdalena arrepentida, símbolo de la confesión de los pecados y de la penitencia en la Contrarreforma, era muy solicitado. El pintor desarrolló al menos cinco tipologías diferentes de este tema, las primeras basadas en modelos tizianescos y las últimas totalmente personales.


title: El Greco

text: Al taller acudían clientes de Toledo y de otras ciudades españolas atraídos por la inspiración del pintor. Entre 1585 y 1600 salieron del taller numerosos cuadros de altar y retratos, destinados a iglesias, conventos y particulares. Algunos son de gran calidad, otros más sencillos son obras de sus colaboradores, aunque casi siempre firmados por el maestro.


title: El Greco

text: Desde 1585, el Greco mantuvo a su ayudante italiano Francisco Preboste, que trabajaba con él desde el periodo romano. A partir de 1600, el taller ocupaba veinticuatro estancias, un jardín y un patio. En estos primeros años del siglo cobró relevancia en su taller la presencia de su hijo y nuevo ayudante Jorge Manuel Theotocópuli, que entonces contaba veinte años. También trabajó en el taller su discípulo Luis Tristán, además de otros colaboradores.


title: El Greco

text: Francisco Pacheco, pintor y suegro de Diego Velázquez, describió el taller que visitó en 1611: citó un gran armario, lleno de modelos de arcilla hechos por el Greco y que empleaban en su trabajo. Le sorprendió contemplar en un almacén copias al óleo, en pequeño formato, de todo lo que el Greco había pintado en su vida.


title: El Greco

text: Una de las producciones más característica del taller de la última época son los ciclos de los Apóstoles, representados de medio busto o de tres cuartos con sus símbolos correspondientes. A veces se les representaba por parejas. Son figuras ascéticas, de siluetas enjutas y alargadas, que recuerdan a los iconos griegos.


title: El Greco

text: En esa época en España la principal forma de decoración de las iglesias eran los retablos, que constaban de pinturas, esculturas policromadas y una estructura arquitectónica de madera dorada. El Greco instaló un taller donde se llegaron a realizar todas estas labores, y participó en el diseño arquitectónico de varios retablos. Se tiene constancia de sus estudios sobre la arquitectura de la época, pero su labor como arquitecto se reduce a su participación en algunos retablos que le encargaron.


title: El Greco

text: Pacheco, en su visita al taller de 1611, citó los pequeños modelos de yeso, barro y cera realizados por el Greco y que le servían para preparar sus composiciones. Del estudio de los contratos que firmó el Greco, San Román concluyó que este nunca realizó las tallas de los retablos, aunque en algunos casos facilitó al escultor dibujos y modelos para las mismas. Wethey acepta como esculturas del Greco "La imposición de la casulla a San Ildefonso" que formaba parte del marco de "El expolio" y el "Cristo resucitado" que coronaba el retablo del Hospital de Tavera.


title: El Greco

text: En 1945, el conde de las Infantas adquirió las esculturas de "Epimeteo y Pandora" en Madrid y demostró que eran obra del Greco pues hay relaciones estilísticas con su producción pictórica y escultórica. Xavier de Salas interpretó que estas figuras eran representaciones de Epimeteo y Pandora viendo en ellas una reinterpretación del "David" de Miguel Ángel con ligeras variaciones: figuras más alargadas, distinta posición de la cabeza y las piernas menos abiertas. Salas también señaló que Pandora corresponde a una inversión de la figura de Epimeteo, aspecto característico del manierismo. Puppi consideró que fueron modelos para determinar la posición más acertada de las figuras de la derecha de la pintura del Laocoonte.


title: El Greco

text: El arte del Greco ha sido apreciado de muy diferente manera a lo largo de la historia. Según la época, ha sido señalado como místico, manierista, protoexpresionista, protomoderno, lunático, astigmático, quintaesencia del espíritu español y pintor griego.


title: El Greco

text: Los pocos contemporáneos que escribieron sobre el Greco admitían su dominio técnico, pero su estilo singular los desconcertaba. Francisco Pacheco, pintor y teórico que lo visitó, no pudo admitir el desdén del Greco por el dibujo y por Miguel Ángel, pero no lo excluyó de los grandes pintores. Hacia finales del esta valoración ambigua se tornó negativa: el pintor Jusepe Martínez, que conocía las obras de los mejores pintores barrocos españoles e italianos, consideró su estilo caprichoso y extravagante; para Antonio Palomino, autor del principal tratado sobre los pintores españoles hasta quedar superado en 1800, el Greco era un buen pintor en las obras tempranas cuando imitaba a Tiziano, pero en su estilo tardío «trató de mudar de manera, con tal extravagancia, que llegó a hacer despreciable y ridícula su pintura, así en lo descoyuntado del dibujo como en lo desabrido del color». Palomino acuñó una frase que se hizo popular hasta bien entrado el : «Lo que hizo bien, ninguno lo hizo mejor; y lo que hizo mal, ninguno lo hizo peor». Fuera de España no había opinión sobre el Greco pues toda su obra estaba en España. El poeta y crítico Théophile Gautier, en su libro sobre su célebre viaje a España en 1840, formuló su importante revisión del valor del arte del Greco. Aceptó la opinión generalizada de extravagante y un poco loco, pero dándole una connotación positiva, y no peyorativa como hasta entonces. En la década de 1860 Eugène Delacroix y Jean-François Millet ya poseían obras auténticas del Greco. Édouard Manet viajó en 1865 a Toledo para estudiar la obra del pintor griego, y aunque volvió profundamente impresionado por la obra de Diego Velázquez, también elogió al pintor cretense. Paul Lefort, en su influyente historia de la pintura de 1869, escribió: «El Greco no era un loco ni el desaforado extravagante que se pensaba. Era un colorista audaz y entusiasta, probablemente demasiado dado a extrañas yuxtaposiciones y tonos fuera de lo corriente que, sumando osadías, finalmente consiguió primero subordinar y luego sacrificar todo en su búsqueda de efectos. A pesar de sus errores, al Greco solamente puede considerársele como un gran pintor». Para Jonathan Brown, la opinión de Lefort abría el camino para la consideración del estilo del Greco como la obra de un genio, no la de un lunático que solo pasaba por intervalos de lucidez.


title: El Greco

text: En 1907 Manuel Bartolomé Cossío publicó un libro sobre él que supuso un avance importante en el conocimiento del pintor. Recopiló e interpretó todo lo publicado hasta entonces, dio a conocer nuevos documentos, realizó el primer esquema de la evolución estilística del pintor, distinguiendo dos etapas italianas y tres españolas, y realizó el primer catálogo de sus obras, que incluía 383 cuadros. Mostró a un pintor bizantino, formado en Italia, pero Cossío no fue imparcial cuando opinó que el Greco en su estancia en España había asimilado la cultura castellana, afirmando que fue el que más profundamente la reflejó. Cossío, mediatizado por las ideas nacionalistas del regeneracionismo español de principios del , mostró a un Greco imbuido e influenciado por el alma castellana. El libro de Cossío adquirió un gran prestigio, durante décadas ha sido el libro de referencia, y es el causante de la consideración general del Greco como intérprete del misticismo español.


title: El Greco

text: San Román publicó en 1910 "El Greco en Toledo", dando a conocer 88 nuevos documentos, entre ellos el inventario de bienes a la muerte del pintor, así como otros muy importantes sobre las principales obras. San Román estableció la base del conocimiento documental del periodo español.


title: El Greco

text: La fama del Greco comenzó a principios del con los primeros reconocimientos de organismos europeos y americanos, así como de las vanguardias artísticas. La idea del Greco como precursor del arte moderno fue especialmente desarrollada por el crítico alemán Meier-Graefe en su libro "Spanische Reise", donde, analizando la obra del cretense, consideró que había similitudes con Paul Cézanne, Manet, Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas, y también creyó ver en la obra del Greco que se anticipaban todas las invenciones del arte moderno. Influyó en la obra del pintor polaco Władysław Jahl, que formó parte de la vanguardia ultraísta en Madrid; Salvador Viniegra, Azorín y Pío Baroja le dedicaron varios artículos y este último le dedicó varios pasajes en su novela "Camino de perfección (pasión mística)" (1902), así como otros destacados autores de la generación del 98.


title: El Greco

text: El médico portugués Ricardo Jorge señaló la hipótesis de la locura en 1912, pues creyó ver en el Greco a un paranoico; mientras que el alemán Goldschmitt y el español Beritens defendieron la hipótesis del astigmatismo para justificar las anomalías de su pintura.


title: El Greco

text: Sobre 1930 ya se conocía documentalmente la estancia en España del pintor y se comenzaba el estudio de la evolución estilística del periodo toledano, sin embargo poco se sabía de los periodos anteriores.


title: El Greco

text: Entre 1920 y 1940 se estudiaron los periodos veneciano y romano. El descubrimiento del "Tríptico de Módena" firmado mostró la transformación del estilo cretense al lenguaje del Renacimiento veneciano, y durante la segunda postguerra mundial se le asignaron erróneamente multitud de cuadros italianos, llegando a considerarse hasta 800 pinturas en su catálogo. Gregorio Marañón le consagró su último libro, "El Greco y Toledo" (1956).


title: El Greco

text: En 1962 Harold E. Wethey rebajó considerablemente esta cifra, y estableció un corpus convincente que ascendía a 285 obras auténticas. El valor del catálogo de Wethey se ve confirmado por el hecho que durante los últimos años solo un número reducido de pinturas se han añadido o quitado de su lista.


title: El Greco

text: Los extensos comentarios sobre arte escritos por el propio pintor, descubiertos recientemente y dados a conocer por Fernando Marías Franco y Agustín Bustamante, han contribuido a demostrar que el pintor era un artista intelectual inmerso en la teoría y práctica artísticas del italiano.


title: El Greco

text: El influjo de la figura y de la obra del Greco en la literatura española y universal es, sin duda, formidable. El extensísimo capítulo que dedica Rafael Alarcón Sierra al estudio de este influjo en el primer volumen de "Temas literarios hispánicos" (Zaragoza: Universidad de Zaragoza, 2013, pp. 111-142) ni siquiera agota el tema. Si Goya es descubierto por los románticos y Velázquez es considerado un maestro por los pintores del naturalismo y del impresionismo, el Greco es visto como «un precedente de simbolistas, modernistas, cubistas, futuristas o expresionistas, y como ocurre con los anteriores, fuente inagotable de inspiración y estudio [...] en la plástica, la literatura y la historia del arte, donde se crea una nueva categoría para poder explicar su obra, anticlásica y antinaturalista: el manierismo».


title: El Greco

text: En el siglo XVI destacan los elogios tributados por poetas como Hortensio Félix Paravicino, Luis de Góngora, Cristóbal de Mesa, José Delitala y Castelví; en el XVII, los de los poetas Giambattista Marino y Manuel de Faria y Sousa, así como los de los cronistas fray José de Sigüenza y fray Juan de Santa María y los de los tratadistas de pintura Francisco Pacheco y Jusepe Martínez; en el siglo XVIII, los de los críticos Antonio Palomino, Antonio Ponz, Gregorio Mayáns y Siscar y Juan Agustín Ceán Bermúdez y, en el siglo XIX, Eugenio Llaguno. Cuando se abrió la Galería española en el Louvre en 1838 había nueve obras del Greco, y Eugène Delacroix poseía una copia del "Expolio". Jean-François Millet adquirió un "Santo Domingo" y un "San Ildefonso". Charles Baudelaire admiraba "La dama del armiño" (que Théophile Gautier comparó con "La Gioconda" y hoy algunos consideran que es de Sofonisba Anguissola); Champfleury pensó escribir una obra sobre el pintor y Gautier alabó sus cuadros en su "Voyage en Espagne", donde declara que en sus obras reina «una energía depravada, una potencia enfermiza, que delatan al gran pintor y al loco genial». En Inglaterra William Stirling-Maxwell reivindicaba la primera época del Greco en sus "Annals of the Artists of Spain", 1848, III vols. Son innumerables los viajeros extranjeros que se detienen ante sus obras y las comentan, mientras que los españoles, en general, lo olvidan o repiten los tópicos dieciochescos sobre el autor, y aunque Larra o Bécquer lo citan de pasada, es con gran incomprensión, aunque este último había proyectado un escrito, "La locura del genio", que iba a ser un ensayo sobre el pintor, según su amigo Rodríguez Correa. Sí lo aprecia el novelista histórico Ramón López Soler en el prólogo a su novela "Los bandos de Castilla". Pero críticos como Pedro de Madrazo empiezan a revalorizar su obra en 1880 como un precedente muy importante de la llamada Escuela española, aunque hasta 1910 todavía aparece adscrito a la Escuela veneciana y hasta 1920 no tuvo sala propia. En Francia, Paul Lefort (1869) lo incluye en la Escuela española y es uno de los ídolos del círculo de Edouard Manet (Zacharie Astruc, Millet, Degas). Paul Cézanne hizo una copia de "La dama del armiño" y Toulouse Lautrec pintará su "Retrato de Romain Coolus" a la manera del Greco. Y el alemán Carl Justi (1888) lo considera también uno de los precedentes de la Escuela española. El pintor estadounidense John Singer Sargent poseía una de las versiones de "San Martín y el mendigo". Los escritores del decadentismo transforman al Greco en uno de sus fetiches. El protagonista de "A contrapelo" (1884) de Huysmans decora su dormitorio exclusivamente con cuadros del Greco. Théodore de Wyzewa, teórico del simbolismo, considera al Greco un pintor de imágenes oníricas, el más original del siglo XVI (1891). Posteriormente el decadentista Jean Lorrain sigue esa inspiración al describirlo en su novela "Monsieur de Bougrelon" (1897).


title: El Greco

text: Las exposiciones europeas y españolas se suceden desde la londinense de 1901 (Exposición de arte español en el Guildhall) hasta el tricentenario de 1914: Madrid, 1902; París, 1908; Madrid, 1910; Colonia, 1912. En 1906 la revista francesa "Les Arts" le dedica un número monográfico. El II marqués de Vega-Inclán inaugura en Toledo la Casa-museo del Greco en 1910. Su cotización es ya tan alta que hace que se vendan varios grecos de colecciones particulares españolas que van a parar al extranjero. A principios del XX lo recuperan plenamente los pintores modernistas catalanes: Santiago Rusiñol (quien transfiere su entusiasmo a los simbolistas belgas Émile Verhaeren y Théo van Rysselberghe), Raimon Casellas, Miquel Utrillo, Ramón Casas, Ramón Pichot o Aleix Clapés, así como otros artistas cercanos, como Ignacio Zuloaga (que contagia su entusiasmo por el cretense a Maurice Barrès, quien escribe "Greco o el secreto de Toledo", y a Rainer María Rilke, quien dedica un poema a su "Asunción" en Ronda, 1913) y Darío de Regoyos. La visita nocturna y entre cirios que hace Zuloaga al "Entierro del señor de Orgaz" es recogida en el capítulo XXVIII de "Camino de perfección (pasión mística)", de Pío Baroja, y también tiene palabras para el pintor Azorín en "La voluntad" y en otras obras y artículos. Picasso tiene en cuenta la "Visión del Apocalipsis" en su "Les demoiselles d'Avignon". El interés por el candiota alcanza también a Julio Romero de Torres, José Gutiérrez Solana, Isidro Nonell, Joaquín Sorolla y un largo etcétera. Emilia Pardo Bazán escribirá en "La Vanguardia" una "Carta al Greco". Los escritores de la Institución Libre de Enseñanza difunden su admiración por el Greco, en especial Francisco Giner de los Ríos y Manuel Bartolomé Cossío, este último por su "El Greco" (1908). Es importante la presencia del Greco en la Toledo que retrata Benito Pérez Galdós en su novela "Ángel Guerra" y es frecuente en su novelística la comparación de sus personajes con retratos del Greco. Así también Aureliano de Beruete, Jacinto Octavio Picón, Martín Rico, Francisco Alcántara o Francisco Navarro Ledesma. Eugenio d'Ors dedica espacio al Greco en su famoso libro "Tres horas en el Museo del Prado" y en "Poussin y el Greco" (1922). Amado Nervo escribe uno de sus mejores cuentos inspirándose en un cuadro suyo, "Un sueño" (1907). Julius Meier-Graefe le dedica "Spanische Reise" (1910) y August L. Mayer "El Greco" (1911). Somerset Maugham lo describe con admiración a través del personaje principal y el capítulo 88.º de su novela "Servidumbre humana", 1915; en su ensayo "Don Fernando", 1935, atempera su admiración y adivina como origen de su arte una presunta homosexualidad, como hace por cierto Ernest Hemingway en el capítulo XVII de "Muerte en la tarde" (1932) y Jean Cocteau en su "Le Greco" (1943).


title: El Greco

text: Kandinsky, Franz Marc (quien elaboró bajo su influjo "Agonía en el jardín"), lo consideraron protoexpresionista. Tal como declara Romero Tobar, la producción tardía del pintor cretense impresionó a August Macke, Paul Klee, Max Oppenheimer, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Ludwig Meidner, Jacob Steinhardt, Kees van Dongen, Adriaan Korteveg o Max Beckmann. Hugo Kehrer le dedicó su "Die Kunst des Greco" (1914) y por fin el historiador del arte austriaco Max Dvorak lo definió como el máximo representante de la categoría estética del manierismo. Ramón María del Valle-Inclán, tras una conferencia porteña de 1910, le dedica el capítulo "El quietismo estético" de su "La lámpara maravillosa". Miguel de Unamuno dedica al candiota varios poemas de su "Cancionero" y le dedica un apasionado artículo en 1914. Juan Ramón Jiménez le dedica varios aforismos. El crítico "Juan de la Encina" (1920) opone a José de Ribera y al Greco como «los dos extremos del carácter del arte español»: la fuerza y la espiritualidad, la llama petrificada y la llama viva, que completa con el nombre de Goya. En ese mismo año de 1920 su popularidad hace que el ballet sueco de Jean Börlin estrene en París "El Greco", con música de Désiré-Émile Inghelbrecht y escenografía de Moveau; también en ese año Félix Urabayen publica su novela "Toledo: piedad", donde le consagra un capítulo en que especula con su posible origen judío, teoría adelantada por Barrès y que retomarán Ramón Gómez de la Serna —"El Greco (el visionario de la pintura)"— y Gregorio Marañón ("Elogio y nostalgia de Toledo", solo en la 2.ª ed. de 1951, y "El Greco y Toledo", 1956, donde sostiene además que se inspiró en los locos del famoso Manicomio de Toledo para sus Apóstoles), entre otros. Y en los primeros capítulos de "Don Amor volvió a Toledo" (1936) critica la venta de los grecos de Illescas y el robo de algunos de sus cuadros de Santo Domingo el Antiguo. Luis Fernández Ardavín recrea la historia de uno de sus retratos en su drama en verso más famoso, "La dama del armiño" (1921), luego llevado al cine por su hermano Eusebio Fernández Ardavín en 1947. Jean Cassou escribe "Le Gréco" (1931). Juan de la Encina imprime su "El Greco" en 1944. En el exilio, Arturo Serrano Plaja, tras haber protegido algunos de sus cuadros durante la guerra, escribe su "El Greco" (1945). Y escriben también sobre él Miguel Hernández, Valbuena Prat, Juan Alberto de los Cármenes, Enrique Lafuente Ferrari, Ramón Gaya, Camón Aznar, José García Nieto, Luis Felipe Vivanco, Rafael Alberti, Luis Cernuda, Concha Zardoya, Fina de Calderón, Carlos Murciano, León Felipe, Manuel Manrique de Lara, Blanca Andreu, Hilario Barrero, Pablo García Baena, Diego Jesús Jiménez, José Luis Puerto, Louis Bourne, Luis Javier Moreno, José Luis Rey, Jorge del Arco, José Ángel Valente... Destacan los "Siete sonetos al Greco" de Ezequiel González Mas (1944), la "Conjugación lírica del Greco" (1958) de Juan Antonio Villacañas y "El entierro del conde de Orgaz" (2000) de Félix del Valle Díaz. Por demás, Jesús Fernández Santos ganó el premio Ateneo de Sevilla con su novela histórica "El Griego" (1985).


title: El Greco

text: Fuera de España, y aparte de los ya citados, Ezra Pound cita al Greco en sus "Notas de arte" y Francis Scott Fitzgerald al final de su "El gran Gatsby" (1925). Paul Claudel, Paul Morand, Aldous Huxley se ocuparon del candiota, y el alemán Stefan Andres le dedica su novela "El Greco pinta al Gran Inquisidor", en la que el cardenal Fernando Niño de Guevara aparece como metáfora de la opresión nazi. Un aficionado al Greco es uno de los personajes de "L'Espoir" (1938), de André Malraux y otro personaje se ocupa en Madrid de la protección de los grecos venidos desde Toledo. En uno de los ensayos de su "Las voces del silencio" (1951), reseñado por Alejo Carpentier, Malraux interpreta al pintor. El ya citado Ernest Hemingway consideraba "Vista de Toledo" el mejor cuadro de todo el Metropolitan Museum de Nueva York y le dedica un pasaje en "Por quién doblan las campanas". Nikos Kazantzakis, Donald Braider, Jean Louis Schefer...


title: El Greco

text: Se incluye parte de su mejor obra para dar una visión general de su estilo pictórico, de su evolución artística y de las circunstancias que han envuelto a sus obras tanto en su ejecución como en los avatares posteriores. Fue un pintor de retablos, por ello se comienza con el "retablo de Santo Domingo", el primero que concibió. "El expolio", una de sus obras maestras, muestra su primer estilo en España todavía influenciado por sus maestros italianos. "El entierro del conde de Orgaz" es la obra señera de su segundo periodo en España, el llamado de madurez. "El retablo de doña María" supone el inicio de su último estilo, un giro radical por el que es universalmente admirado. El cuadro de Illescas explica como se fue estilizando su estilo tardío. Se incluye luego dos de sus reconocidos retratos. Se termina con la "Visión del Apocalipsis", que muestra el expresionismo extremo de sus últimas composiciones.


title: El Greco

text: En 1576, en Santo Domingo el Antiguo se construyó una nueva iglesia con los bienes de la fallecida doña María de Silva, destinada a ser su lugar de enterramiento.


title: El Greco

text: El Greco acababa de llegar a España y durante su estancia en Roma había conocido al hermano del albacea testamentario constructor de Santo Domingo, Luis de Castilla. Fue el hermano quien contactó con el Greco y quien habló favorablemente de la calidad del pintor.


title: El Greco

text: En total eran nueve lienzos, siete en el retablo mayor y otros dos en dos altares laterales. De ellos en la actualidad solo quedan tres pinturas originales en el retablo. Las demás han sido vendidas y sustituidas por copias.


title: El Greco

text: El Greco nunca hasta entonces se había enfrentado a una tarea tan ambiciosa, se debían concebir pinturas de grandes dimensiones, encajar cada una de las respectivas composiciones y armonizarlas todas en su conjunto. El resultado fue muy reconocido y le proporcionó inmediata fama.


title: El Greco

text: En el lienzo principal, "La Asunción", estableció una composición piramidal entre los dos grupos de apóstoles y la Virgen; para ello precisó resaltarla y disminuir la importancia de los ángeles. Hay una tendencia al "horror vacui": incluir el máximo número de figuras y los mínimos elementos ambientales. Se destacan gestos y actitudes. Este aspecto fue siempre una de sus grandes inquietudes, dotar a sus figuras de elocuencia y expresión. Lo consiguió incorporando y constituyendo a lo largo de su carrera un repertorio de gestos cuya expresividad debía conocer bien.


title: El Greco

text: El cabildo de la catedral de Toledo debió encargar al Greco "El expolio" el 2 de julio de 1577. Fue de los primeros trabajos en Toledo, junto a las pinturas del retablo de Santo Domingo el Antiguo, recién llegado de Italia. El motivo de este cuadro, es el momento inicial de la Pasión en el que Jesús es despojado de sus ropas. El pintor se inspiró en un texto de san Buenaventura, pero la composición que ideó no satisfizo al cabildo. En la parte inferior izquierda pintó a la Virgen, María Magdalena y María Cleofás, aunque no consta en los evangelios que estuviesen allí, mientras que en la parte superior, por encima de la cabeza de Cristo, situó a gran parte del grupo que lo escoltaba, inspirándose en iconografías antiguas bizantinas. El cabildo consideró que ambos aspectos eran «impropiedades que oscurecían la historia y desvalorizaban a Cristo». Este fue el motivo del primer pleito que el pintor tuvo en España. Los tasadores nombrados por el Greco solicitaron 900 ducados, cantidad desmesurada. El pintor acabó recibiendo como pago 350 ducados, pero no tuvo que cambiar las figuras que habían generado el conflicto.


title: El Greco

text: Cossío realizó el siguiente análisis sobre este cuadro en su célebre libro sobre el pintor:


title: El Greco

text: El Greco y su taller pintaron varias versiones sobre este mismo tema, con variantes. Wethey catalogó quince cuadros con este tema y otras cuatro copias de medio cuerpo. Solo en cinco de estas obras vio la mano del artista y las otras diez las consideró producciones del taller o copias posteriores de pequeño tamaño y poca calidad.


title: El Greco

text: La iglesia de santo Tomé albergaba los restos del señor de Orgaz, que había muerto en 1323 después de una vida muy generosa en donaciones a instituciones religiosas de Toledo. Según una leyenda local, la caridad del señor de Orgaz había sido recompensada en el momento de su entierro, apareciendo milagrosamente san Esteban y san Agustín que introdujeron su cadáver en la tumba.


title: El Greco

text: En el contrato del cuadro, firmado en marzo de 1586, se incluía una descripción de los elementos que el artista debía representar: «En lo de más abajo... se ha de pintar una procesión de cómo el cura y los demás clérigos que estaban haciendo los oficios para enterrar a don Gonzalo de Ruiz de Toledo, Señor de la villa de Orgaz, y bajaron san Agustín y san Esteban a enterrar el cuerpo de este caballero, el uno teniéndole la cabeza y el otro los pies echándole en la sepultura y fingiendo alrededor mucha gente que estaba mirando y encima de todo esta se ha de hacer un cielo abierto de gloria...».


title: El Greco

text: En 1596 el Greco recibió el encargo del retablo de la iglesia del colegio seminario de la Encarnación de Madrid, más conocido por el nombre de su mecenas doña María de Aragón. Debía realizarse en tres años y se valoró en más de sesenta y tres mil reales, el precio más alto que recibió en su vida. El colegio se cerró en 1808 o 1809, pues sendos decretos de José Bonaparte redujeron los conventos existentes y posteriormente suprimieron las órdenes religiosas. El edificio se transformó en salón de Cortes en 1814, actual Senado español, y el retablo fue desmontado en ese periodo. Después de varios traslados (en uno de ellos estuvo en la casa de la Inquisición) terminó en el "Museo de la Trinidad", creado con obras de arte requisadas por la Ley de Desamortización. Dicho museo se fusionó con el Museo del Prado en 1872 y por ello cinco de sus lienzos están en este. En estos traslados, el sexto lienzo, "La adoración de los pastores", fue vendido y actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Rumanía de Bucarest.


title: El Greco

text: La falta de documentos sobre el mismo ha originado distintas hipótesis sobre los cuadros que lo forman. En 1908 Cossío relacionó "El bautismo", "La crucifixión", "La resurrección" y "La anunciación". August L. Mayer propuso en 1931 la relación entre los lienzos anteriores con "El Pentecostés" y "La adoración de los pastores de Bucarest". En 1943 Manuel Gómez Moreno propuso un retablo reticular formado por estos seis cuadros sin argumentarlo. Pero para algunos especialistas "La resurrección" y "El Pentecostés" no formarían parte de él pues correspondían a formulaciones estilísticas diferentes.


title: El Greco

text: En 1985 apareció un documento de 1814 con el registro de las obras depositadas en la casa de la Inquisición que cita "siete quadros de pinturas originales de Domenico Greco que estaban en el Altar Mayor". Esta información ha afianzado la hipótesis de Gómez Moreno de un retablo de tres calles en dos pisos suponiendo que el séptimo estaría en un tercer piso a modo de ático.


title: El Greco

text: Los temas, salvo "El Pentecostés", habían sido desarrollados ya anteriormente, algunos en su etapa italiana. Según Ruiz Gómez estos temas son retomados con gran originalidad mostrando su espiritualidad más expresionista. A partir de este momento su obra toma un camino muy personal y desconcertante distanciándose del estilo naturalista que comenzaba a dominar en aquella época. Las escenas están planteadas en espacios claustrofóbicos potenciando la verticalidad de los formatos. Una luz espectral destaca la irrealidad de las figuras, algunas en escorzos muy marcados. El color frío, intenso y contrastado aplicado con soltura a sus poderosas construcciones anatómicas muestra lo que sería su estilo tardío.


title: El Greco

text: En 1603 recibió el encargo de realizar todos los elementos decorativos de la Capilla mayor de la iglesia del Hospital de la Caridad de Illescas, que incluía retablos, esculturas y cuatro pinturas. El Greco desarrolló un programa iconográfico que ensalzaba a la Virgen María. Los cuatro cuadros tienen un estilo pictórico similar, siendo tres de ellos de formato circular o elíptico.


title: El Greco

text: "La Anunciación" que se contempla a la derecha es de formato circular y es una reelaboración de la que pintó para el "Colegio de Doña María de Aragón". Aun manteniendo los tipos y gestos anteriores del Colegio de María de Aragón, el pintor avanza en su expresionismo tardío, sus figuras son más llameantes y agitadas con una fuerza interior más inquietante.


title: El Greco

text: Desde sus comienzos en Italia, el Greco fue un gran retratista. La composición y el estilo están aprendidos de Tiziano, la colocación de la figura, normalmente de medio cuerpo y los fondos neutros. Sus mejores retratos, ya en su madurez en Toledo, siguen estos criterios.


title: El Greco

text: "El caballero de la mano en el pecho" es uno de los más importantes del artista y símbolo del caballero español del Renacimiento. La rica espada, la mano en el pecho llevada con gesto solemne y la relación que el caballero establece con el espectador mirándole a los ojos, convirtieron este retrato en la referencia de las consideradas esencias de lo español, del honor de Castilla.


title: El Greco

text: Se trata de una obra temprana del Greco, recién llegado a España, pues su factura se aproxima a los modos venecianos. El lienzo ha sido restaurado en diferentes ocasiones, en las que se retocaron faltas de color, se repintó el fondo y se había retocado la vestimenta del personaje. La restauración de 1996 ha resultado muy polémica pues al levantar los repintes del fondo y los de la vestimenta, cambió la visión que durante mucho tiempo se ha proyectado de este personaje.


title: El Greco

text: Del "Retrato de caballero anciano" se desconoce la identidad del personaje y se destaca su alta calidad pictórica y su penetración psicológica. Para Ruiz Gómez destacan sus ojos de color miel y expresión bondadosa, algo perdida, en su rostro enjuto, con su nariz larga y fina, algo desviada a la derecha y los labios delgados, el bigote y la perilla entrecanos. Una especie de aura separa la cabeza del fondo, desdibujando el contorno y otorgándole a la misma movimiento y vivacidad. Álvarez Lopera subrayó la acentuación de las tradicionales asimetrías de los retratos del Greco y describió la línea sinuosa que ordena este rostro desde el mechón central pasando por la nariz y concluyendo en la punta de la barbilla. Finaldi ve en la asimetría una doble percepción emotiva, ligeramente sonriente y vivaz el lado derecho, reconcentrado y pensativo el izquierdo.


title: El Greco

text: Este lienzo le fue encargado en 1608, es una de sus últimas obras y muestra su estilo más extremo. A la muerte del pintor en 1614, todavía no había sido entregado. El cuadro debía colocarse en un retablo de la capilla del Hospital de Tavera de Toledo. En la restauración del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York de 1958, posterior a su compra, se encontró que no solo había sido cortado por arriba donde el borde estaba deshilachado sino también en su lado izquierdo. Según Álvarez Lopera si tenía las mismas medidas que el cuadro del otro retablo lateral, "La Anunciación" de 406 x 209 cm, la parte cortada a finales del sería la superior de 185 cm de alto y el corte izquierdo de 16 cm de ancho, siendo las proporciones originales aproximadamente el doble de alto que de ancho.


title: El Greco

text: Representa el momento del Apocalipsis, cuando Dios le muestra a san Juan en una visión la apertura de los siete sellos: «Cuando abrió el quinto sello, vi bajo el altar las almas de los degollados por la palabra de Dios y por el testimonio que dieron. Y gritaron con una gran voz diciendo: “¿Hasta cuándo Señor, santo y verdadero, no harás justicia, y no vengarás nuestra sangre en los que viven en la tierra?” Y se les dio a cada uno un manto blanco y se les dijo que descansaran todavía un poco de tiempo...» (Apocalipsis 6, 9-11).


title: El Greco

text: El cuadro, en el estado actual después del corte, está dominado por la gigantesca figura de san Juan. Los resucitados son siete, número mágico del Apocalipsis, los mismos que empleó Durero y otros autores al representar este mismo pasaje.


title: El Greco

text: Para Wethey el color tiene una gran relevancia en este cuadro. El azul luminoso del vestido de san Juan donde se reflejan luces blancas y, como contraste, a sus pies hay un manto rosa. A la izquierda los mártires desnudos disponen de un fondo con un manto amarillo pálido, mientras que los cuerpos de las mujeres son de una gran blancura que contrasta con los amarillentos cuerpos masculinos. Mantos verdes con reflejos amarillos son el fondo de los tres desnudos de la izquierda. Los mártires forman un grupo irregular en un espacio indefinido azul pálido sobre suelo rojizo y todo en un ambiente de nubes oscuras que produce una impresión de ensueño.


title: El Greco

text: Del Greco se desconoce el sentido religioso personal de su obra o la razón de su evolución última hacia esta pintura antinaturalista y espiritualista, donde como en esta "Visión del Apocalipsis", violó sistemáticamente todas las leyes establecidas en el racionalismo renacentista. Wethey consideró que este modo de expresión tardío del Greco estaba relacionado con el primer manierismo. Dvorak, el primero en asociar sólidamente el antinaturalismo del cretense con el manierismo, estimó que este antinaturalismo, de la misma forma que les sucedió a Miguel Ángel o Tintoretto en sus obras finales, era consecuencia del mundo en crisis surgido del desmoronamiento del optimismo renacentista y su fe en la razón.Nota general: "De su época bizantina e italiana se conocen muy pocos datos y documentos.


title: Año tropical

text: Se denomina año trópico, año tropical o año solar al tiempo preciso para aumentar la longitud media del Sol en 360 grados sobre la eclíptica; es decir, en completar una vuelta. Su duración es de 365,2422 días de tiempo solar medio (365 días 5 h 48 m 45.10 s).


title: Año tropical

text: Debido a la precesión de los equinoccios y a la nutación, este tiempo es distinto al que media entre dos pasos sucesivos del Sol por el equinoccio de primavera; es decir, entre dos pasos sucesivos por el llamado primer punto de Aries.  Para comprender la diferencia con el año sidéreo se debe tener en cuenta la precesión de los equinoccios. Cuando se hace referencia a un equinoccio o a un solsticio, se habla del punto de la órbita terrestre en que la proyección del eje de rotación de la Tierra sobre el plano de la eclíptica se alinea (solsticio) o se sitúa perpendicular (equinoccio) a la línea imaginaria Sol-Tierra. Resulta que ese eje, debido a la citada precesión de los equinoccios, da una vuelta sobre la perpendicular a la eclíptica en unos 26000 años. Por eso, como puede verse en la ilustración, el año trópico es ligeramente más corto que el sideral. Al transcurrir un año trópico la recta imaginaria Tierra-Sol no apunta en su proyección hacia el mismo punto (misma estrella), porque el eje ha hecho parte del giro que hemos comentado.


title: Marcha Real

text: Marcha Real, oficialmente Marcha Real Española, son las denominaciones tradicionales, conjuntamente con la de Marcha Granadera —o antiguamente, Marcha de Granaderos—, que recibe el himno nacional de España.


title: Marcha Real

text: Aunque el rey Carlos III la declaró «Marcha de Honor» el 3 de septiembre de 1770, fue la costumbre popular lo que la convirtió "de facto" en himno nacional, con anterioridad a que lo fuese declarado legalmente. La denominación de «Marcha Real» fue una expresión acuñada popularmente debido a que se solía interpretar en los actos públicos a los que asistía el rey o la reina.


title: Marcha Real

text: La "Marcha Real" ha sido el himno de España desde el siglo, con la excepción del Trienio Liberal (1820-1823) y la Segunda República (1931-1939), en cuyos períodos se adoptó el "Himno de Riego". Se restableció su oficialidad durante la guerra civil en la zona sublevada por decreto del 27 de febrero de 1937, ratificado en el "Boletín Oficial del Estado" una vez finalizada la contienda, el 17 de julio de 1942. La regulación más precisa se hizo en el Real Decreto 1560/1997, de 10 de octubre de 1997, año de la adquisición plena de los derechos de autor de la armonización realizada por Bartolomé Pérez Casas, y revisada por Francisco Grau, director de banda de la Guardia Real, quien cedió gratuitamente sus derechos.


title: Marcha Real

text: La "Marcha Real" es uno de los himnos nacionales más antiguos de Europa: su primera mención aparece en 1761 en el "Libro de la Ordenanza de los Toques de Pífanos y Tambores que se tocan nuevamente en la Infantería, compuestos por Don Manuel de Espinosa. 1761" de Manuel de Espinosa de los Monteros. En este documento está escrita su partitura y es titulado "Marcha granadera" o "Marcha de granaderos". Según este documento, Manuel de Espinosa es su compositor.


title: Marcha Real

text: Existe la falsa creencia de que el autor de la "Marcha Real" fue Federico II de Prusia, gran aficionado a la música. Dicha creencia se inicia en 1861 cuando aparece por primera vez publicada en "La España militar". En 1864, el coronel Antonio Vallecillo publica la historia en el diario "El Espíritu Público", con lo que el supuesto origen prusiano de la "Marcha Real" se populariza. Según Vallecillo el himno fue un regalo de Federico II al militar Juan Martín Álvarez de Sotomayor que se encontraba en la corte prusiana, por orden de Carlos III, para aprender las tácticas militares desarrolladas por el ejército de Federico II. En 1868 la historia es publicada en "Los Sucesos", cambiando al destinatario del regalo por Pedro Pablo Abarca de Bolea, conde de Aranda. El mito fue así recogido en diversas publicaciones de 1884 y 1903, hasta ser incluido en 1908 en la Enciclopedia Espasa.


title: Marcha Real

text: En 1770, el rey Carlos III declaró «Marcha de Honor» a la "Marcha de Granaderos", y con ello formalizaba la costumbre de interpretarla en actos públicos y solemnes únicamente cuando aparecía el rey. Es durante el reinado de Isabel II cuando se transforma en himno oficial.


title: Marcha Real

text: En 1857 Mily Balakirev, perteneciente al grupo de Los Cinco, compuso una obertura sobre una marcha española ("Obertura para orquesta sobre el tema de una marcha española, op.6"), concretamente sobre el tema de la "Marcha de Granaderos". La obra está dedicada a "Ludmila Iwanowna Schestakowa" y hay una versión para piano a 4 manos arreglada por Serguéi Liapunov.


title: Marcha Real

text: Tras la Revolución de 1868, el general Prim convocó un concurso nacional para crear un himno oficial quedándose desierto. Ante la incertidumbre, se aconsejó al jurado que continuara considerándose como tal la "Marcha de Granaderos". En tiempos de Alfonso XIII se estableció por una Real Orden Circular (27 de agosto de 1908) que se interpretara la armonización de la marcha realizada por Bartolomé Pérez Casas, Músico Mayor del Real Cuerpo de Guardias Alabarderos. También existe una versión armonizada e instrumentada por el célebre compositor español Germán Álvarez Beigbeder, que curiosamente fue alumno de armonía de Pérez Casas a principios de la década de 1910.


title: Marcha Real

text: Durante la Segunda República, entre 1931 y 1936, el Himno de Riego fue oficialmente el Himno de la República, a pesar de no aparecer en ninguno de los artículos de su constitución ni de los Boletines. En 1931, poco después de su proclamación, se organizó una gran polémica sobre su validez como Himno Nacional en la que terciaron numerosos políticos, intelectuales y músicos: entre otros fue famoso un artículo de Pío Baroja en su contra, ya que lo consideraba demasiado callejero e impropio de los ideales de la nueva República.


title: Marcha Real

text: La Marcha Real fue recuperada como Himno Nacional en 1936 y es el oficial desde entonces. Hubo numerosas versiones, unas más largas que otras hasta que en 1997 el Gobierno de España lo oficializó mediante Real Decreto.


title: Marcha Real

text: La versión sinfónica actual oficial de la "Marcha Real" que sustituye a la de Pérez Casas, pertenece al maestro Francisco Grau y es la oficial tras el Real Decreto del 10 de octubre de 1997, cuando el Reino de España adquirió los derechos de autor de la "Marcha Real", hasta entonces pertenecientes a los herederos de Pérez Casas. Según ese mismo Real Decreto 1560/1997, el himno ha de tener tonalidad de Si b mayor y velocidad negra de 76 pulsaciones por minuto (♩=76), con un esquema de AABB y una duración de 52 segundos.


title: Marcha Real

text: Algunos historiadores subrayan las similitudes entre la Marcha y algunos aires militares de la época del emperador Carlos I.


title: Marcha Real

text: Existen opiniones que apuntan a que el origen del himno oficial podría estar en la "tušiya" u obertura instrumental del movimiento "Dary" de la "Nuba al-Istihlál" del filósofo y músico árabe saraqustí Ibn Bayyah (Avempace) de finales del siglo XI o principios del XII. Tras descubrir casualmente el parecido entre una composición del sabio andalusí, interpretada por Omar Metiou y Eduardo Paniagua, y el himno español, el músico andaluz Chapi Pineda confirmó las semejanzas. Estas semejanzas son del todo punto innegables, pero la realidad científica es que no existe ningún documento que recoja música de Ibn Bayyah y no se puede afirmar a ciencia cierta que él fuera el autor de esta Nuba. La tradición andalusí de Marruecos recoge esta melodía por transmisión oral en la mencionada "tušiya, "por lo que resulta del todo aventurada la datación de su origen en los siglos XI y XII.


title: Marcha Real

text: Esta es una versión no oficial que empieza en do mayor y acaba en fa mayor, con esquema AABBaabb, donde "a" y "b" son A y B transportados una quinta hacia abajo, respectivamente:


title: Marcha Real

text: La versión oficial publicada junto al BOE 244/1997:


title: Marcha Real

text: El himno nacional de España o Marcha Real es utilizado en diferente versión dependiendo de tipo de evento, lugar o autoridad que presida el acto. Según en el Real Decreto del BOE 1560/1997 que hemos visto anteriormente existen dos versiones: -Versión larga o completa: 52 segundos. Consiste en la interpretación completa del himno. Se interpreta para izar la Bandera de España, cuando la bandera de España entra o sale de formación militar, en actos solemnes, cuando el acto o evento es presidido por el rey o la reina y en las celebraciones de eventos deportivos en los que se represente a España. -Versión corta o abreviada: 30 segundos. Consiste en la interpretación de las dos "2 partes centrales" del Himno Nacional. Se interpreta para rendir honores a las altas autoridades del Estado que no sean los reyes. Tienen derecho a honores con versión corta del Himno Nacional la princesa de Asturias, los infantes de España, presidente del Gobierno y ministros, secretarios y subsecretarios de Estado, directores generales, jefes de Estado Mayor de los Ejércitos y la Armada, presidentes de las comunidades autónomas, etc.


title: Marcha Real

text: La Marcha Real no posee letra oficial, convirtiéndolo en uno de los tres únicos himnos nacionales del mundo actual en esa situación, junto con los de San Marino y Bosnia y Herzegovina.


title: Marcha Real

text: Sin embargo, se han escrito varias letras para usarlas oficiosamente junto a la melodía. Los más antiguos versos se remontan al año 1843, compuestos por el dramaturgo de origen argentino Ventura de la Vega:


title: Marcha Real

text: Esta letra fue escrita por Eduardo Marquina con motivo de las bodas de plata en el trono de Alfonso XIII. Se reproduce aquí tal como fue publicada en el diario "ABC" el 17 de mayo de 1927, aunque pueda incluir alguna errata; por ejemplo, no parece fácil que, como ocurre en la tercera estrofa, dos versos (5.º y 8.º) acaben con la misma palabra ("fe"). Igualmente, en diversos audios se advierte que la última palabra en la estrofa primera, verso 3º, sea "color" y no "pendón".


title: Marcha Real

text: La bandera de España (Coro)


title: Marcha Real

text: España guiadora (Solo)


title: Marcha Real

text: ¡Viva España!... (Coro)


title: Marcha Real

text: Esta letra es la más conocida, fue confeccionada por el poeta gaditano en 1928 por encargo de Miguel Primo de Rivera, y no durante la Guerra Civil, como se afirma con frecuencia.


title: Marcha Real

text: Después de la Guerra Civil Española, José María Pemán decide cambiar el segundo verso («alzad la frente») por el conocido «alzad los brazos», además de cambiar también («Los yunques y las ruedas») por «Los yugos y las flechas».


title: Marcha Real

text: Los escritores y poetas Jon Juaristi, Luis Alberto de Cuenca, Abelardo Linares y Ramiro Fonte compusieron una letra para la "Marcha Real" después de que el por entonces Presidente del Gobierno, José María Aznar, les manifestara su deseo de poner letra al himno español. La elección de estos autores fue debida no sólo a su pertenencia al mundo literario, sino también a que entre ellos existía, supuestamente, suficiente pluralidad ideológica y geográfica que los acercaba a la realidad de la sociedad española. La letra fue presentada al Gobierno pero el proyecto quedó definitivamente aparcado ante la tensión política del momento, siendo inviable el consenso necesario para un tema tan delicado.


title: Marcha Real

text: Según explica el propio Juaristi, los autores decidieron que «"el texto debía ser breve, fácil de memorizar y traducir, con un léxico sencillo, sin acentos bélicos y con tres ideas básicas: la proyección universal de España, su destino europeo y la exaltación de la Libertad. (...) Nos pareció que, además de cumplir los requisitos mencionados, [la letra] abundaba, dentro de su brevedad, en referencias a la tradición poética hispánica de todos los tiempos"».


title: Marcha Real

text: En junio de 2007, el presidente del Comité Olímpico Español, Alejandro Blanco, propuso la composición de una nueva letra que pudiera ser interpretada en aquellas ocasiones donde la victoria de deportistas españoles conllevase la representación del himno oficial durante la entrega de trofeos. Esta nueva letra es una más de las múltiples versiones no oficiales que existen actualmente. Se hicieron llegar numerosas propuestas de españoles anónimos para que un jurado creado al efecto escogiese una.


title: Marcha Real

text: La letra elegida, obra de Paulino Cubero, se filtró el día 11 de enero de 2008 a la prensa, días antes de su presentación oficial, que debía haberse producido el 21 de enero. Dicha letra suscitó rechazo y polémica entre buena parte de la sociedad y clase política. Una vez presentada, el Comité Olímpico Español tenía previsto recoger las firmas (al menos medio millón) que le permitiesen presentar una iniciativa legislativa popular ante el Congreso para que sea este el que la aceptase definitivamente como la letra del himno oficial. El COE, sin embargo, decidió cancelar la presentación oficial y retirar la propuesta por «la controversia y el rechazo generados», sin especificar si volverá a presentar otra o renunciará a ello.


title: Marcha Real

text: El 5 de noviembre de 2012 fue presentada por el partido político Ciudadanos-Partido de la Ciudadanía una versión del himno escrita en 2007 por Joaquín Sabina.


title: Marcha Real

text: El 17 de febrero de 2018, la cantante Marta Sánchez, en un concierto en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, interpretó una versión del himno con la siguiente letra:


title: Marcha Real

text: La Enciclopedia Álvarez fue uno de los libros de texto más difundidos en la posguerra española, a partir de la década de 1950. En ella aparecía la siguiente letra:


title: Haiku

text: El o haikú es un tipo de poesía japonesa. Consiste en un poema breve de diecisiete sílabas, escrito en tres versos de "cinco", "siete" y "cinco" sílabas respectivamente, según especialistas como R.H. Blyth o Fernando Rodríguez-Izquierdo. Sin embargo, hay quien señala una mayor variedad en el reparto de sílabas en el haiku clásico y moderno japonés, como Vicente Haya. Siendo precisos, se habla de «moras» o «jion», como unidades para medir la duración de los segmentos fonológicos, pero comúnmente se sustituyen por sílabas cuando se traducen o se escriben haikus en otras lenguas.


title: Haiku

text: Según Octavio Paz, el haiku es “un organismo poético muy complejo. Su misma brevedad obliga al poeta a significar mucho diciendo lo mínimo. Desde un punto de vista formal, el haikú se divide en dos partes. Uno da la condición general y la ubicación temporal y espacial del poema (otoño o primavera, un ruiseñor); la otra, relampagueante, debe contener una elemento activo. Una es descriptiva y casi enunciativa; la otra, inesperada. La percepción poética surge del choque entre ambas. La índole misma del haikú es favorable a un humor seco, nada sentimental. El haikú es una pequeña cápsula cargada de poesía capaz de hacer saltar la realidad aparente”.


title: Haiku

text: Roland Barthes a su regreso de Japón escribió en su libro "El imperio de los signos", "el haiku reproduce el gesto indicativo del niño que muestra con el dedo alguna cosa, diciendo tan solo: ¡esto!, ¡mirá allá!, ¡oh!, ¡ah!".


title: Haiku

text: Blyth lo llama "la poesía de la sensación", es más podría definirselo poesía de la sensación desnuda, que no pretende oscurecer algo con las palabras, sino iluminarlo.


title: Haiku

text: La poética del haiku generalmente se basa en el asombro y la emoción ( ["aware"]) que produce en el poeta la contemplación ante la realidad (tradicionalmente en un espacio de pura naturaleza). Siguiendo el régimen tradicional japonés, la composición suele contener alguna referencia directa o indirecta a la estación del año, mediante el uso de un "kigo" () o palabra que evoca las estaciones. Los "saijiki" () son listas extensas de palabras "kigo" en japonés, que el poeta puede utilizar. Originalmente la esencia del haiku es una escena «cortada» ( ["kiru"]) mediante la conexión de dos imágenes separadas por un kireji (pronunciado en español como "kireyi" ) (), que es el término «cortante» o separador (suele transcribirse como un punto, coma, guion medio, punto y coma, etcétera).


title: Haiku

text: Aunque la Real Academia Española y la Asociación de Academias de la Lengua Española hayan aceptado el término en su "Diccionario de la lengua española", consta como jaiku en los títulos de obras de algunos tratadistas.


title: Haiku

text: Es común relacionar el haikú con el zen. Sin embargo, aunque el zen utilizó el haiku para la difusión de su filosofía, dista mucho de ser el origen del mismo. En el "Man'yōshū" (obra clásica de recopilación de poesía del siglo VIII) hay muchos poemas de 31 moras donde aparece ya la actitud característica del haiku: la Naturaleza no es excusa de los sentimientos humanos, sino objeto poético en sí mismo. O, lo que es lo mismo, el poema surge «del asombro del japonés primitivo por lo que ocurría en la Naturaleza».


title: Haiku

text: Por un lado, Blyth y Fernando Rodríguez-Izquierdo afirman que el haiku es «religious poetry (poesía religiosa)», «satori», es decir, iluminación del budismo zen En el polo opuesto se encuentran Vicente Haya y Jaime Lorente. El primero afirma que el Tao es la matriz del haiku (cfr. "Aware" o "Haiku-Do") y el segundo indica que, además del Tao como raíz evidente, el haiku se nutre del budismo zen (en el aspecto del wabi-sabi y el "aquí y ahora") y del sintoísmo (la primitiva devoción y respeto hacia todos los seres de la naturaleza) -cfr. Shasei. Introducción al haiku.-


title: Haiku

text: La vinculación con el zen se produjo cuando en el siglo XVII Matsuo Bashō, monje budista, popularizó el haiku en Japón. En el siglo XX Daisetsu Teitaro Suzuki, gran maestro budista zen, enfoca el haiku como expresión poética del zen en su obra "El zen y la cultura japonesa". A través de la obra de Reginald Horace Blyth, difusor del haiku en el mundo anglosajón, el enfoque de Suzuki se ha dado a conocer ampliamente.


title: Haiku

text: Los jueju eran poemas chinos breves y son considerados por algunos especialistas como el antecedente del haiku, tanto por su estructura como por los temas que abordaban. Temáticas como captar el instante, la percepción del momento, la unión con la Naturaleza, el aquí y ahora, lo presente.


title: Haiku

text: El haiku forma parte de una familia de formas poéticas japonesas en las que se combinan versos de cinco y siete moras. La forma métrica característica del haiku (un tercetillo cuyos versos tienen 5, 7 y 5 moras, respectivamente) aparece ya en el siglo VIII con el nombre de "katauta". Dos "katauta" formaban un "mondoo", un diálogo entre dos personajes, en el que el primer "katauta" es una pregunta y el segundo la respuesta a la misma.


title: Haiku

text: Desde finales del siglo VIII, la forma poética más común es el "tanka": se trata de una canción corta formada por dos estrofas desiguales. La primera, llamada "hokku", sigue el patrón característico del "katauta" (y del haiku): un tercetillo 5-7-5, mientras que la segunda está formada por dos versos de 7 moras. Dado su predominio, al "tanka" se le conoce también como "waka", siendo la «canción» por antonomasia.


title: Haiku

text: Los "tanka" aparecían a menudo encadenados en una forma superior, el "renga"; así, a un "tanka" inicial le sucedían varias respuestas, que podían ser obra de diversos poetas. Cuando el "renga" tenía un tono humorístico, se le llamaba "haikai renga" ("hai" significa 'algo divertido' y "kai" quiere decir 'estrofa' o 'poema').


title: Haiku

text: El "haikai renga" se consideraba una forma popular, sin demasiadas pretensiones artísticas. Fue en el siglo XVII cuando Bashō, a la vez que compone "haikai renga", cultiva el "hokku" como una forma autónoma, dotándola de una poética nueva, influida por el budismo zen y heredera de la actitud de asombro y arrobo ante la naturaleza que aparece ya en las primeras manifestaciones de la lírica japonesa.


title: Haiku

text: A estos "hokku" que no forman parte de una serie ("renga") ni de un "tanka" y que tienen un elevado valor poético el poeta y crítico Shiki (1867-1902) los bautiza con el neologismo "haiku", y a través de su revista literaria "Hototogisu" el término se populariza dentro y fuera de Japón. A partir de entonces, el haiku se consolida como una forma poética autónoma con sus propias convenciones y reglas.


title: Haiku

text: El haiku tradicional consta de 17 moras (unidad lingüística de menor rango que la sílaba) dispuestas en tres versos de 5, 7 y 5 moras, sin rima. Aunque ya se ha señalado la posibilidad de una mayor libertad en el reparto de sílabas.


title: Haiku

text: Excepcionalmente puede tener entre 16 y 23 moras, en cuyo caso se denomina "hachô" (haiku de metro roto). También hay haikus de 1, 2 o 4 versos. El haiku contemporáneo es más libre dentro de la brevedad, y en ocasiones desaparece el kigo.


title: Haiku

text: Sobre esta cuestión, Jaime Lorente sostiene en su trabajo de investigación "Bashō y el metro 5-7-5" que de los 1012 "hokkus" analizados del maestro Bashō 145 no pueden encuadrarse en el metro 5-7-5, pues son metro roto al presentar mayor número de moras [sílabas]. En porcentaje representa un 15% sobre el total. Incluso estableciendo 50 poemas que, presentando este patrón 5-7-5, podrían enmarcarse en otra estructura (debido a la colocación de la partícula "ya"), el resultado en porcentaje es muy similar. Por lo tanto, Lorente concluye que el maestro Bashō se mostró cercano al patrón tradicional.


title: Haiku

text: El haiku describe generalmente los fenómenos naturales, el cambio de las estaciones y la vida cotidiana de la gente. Su estilo se caracteriza por la naturalidad, la sencillez (no el simplismo), la sutileza, la austeridad, la aparente asimetría que sugiere la libertad y con esta la eternidad.


title: Haiku

text: En la base del haiku hay una percepción directa de las cosas, apegada a lo sensible y libre de conceptos abstractos, por lo que no usa metáforas. Blyth lo define como «una mera nada, pero inolvidablemente significativa».


title: Haiku

text: La piedra angular del haiku es el "aware", una emoción profunda provocada por la percepción de la naturaleza. A menudo se trata de una emoción melancólica (el poeta, contagiado por el sufrimiento de los seres, siente su tristeza y de ahí nace su poesía), pero también la alegría exultante puede ser "aware". Se trata de una conmoción espiritual, que es a la vez estética y sentimental.


title: Haiku

text: Para que el "aware" sobreviva a través de las palabras, es preciso que el "haijin" (el poeta que escribe haiku) se elimine del proceso, se extinga. En el haiku genuino se produce una comunicación análoga a la no verbal (el "haragei", arte de comunicarse sin palabras), sin confusión ni ruido.


title: Haiku

text: El haiku, tal como se consolidó tras Bashô y Onitsura (siglo XVII), se concibe como un instrumento para el desarrollo espiritual, un camino de aprendizaje. Tras ellos, hay un antes y un después en el mundo del haiku.


title: Haiku

text: La cultura japonesa es probablemente la única del mundo en la que ha arraigado y se ha extendido la costumbre de redactar, además de la última voluntad, un poema de despedida de la vida, que parece reflejar, más que ninguna otra cosa, el legado espiritual de los japoneses. Todos tienen su poema de despedida, que a veces componen poco antes de morir o mucho antes de que llegue el momento, con la conciencia de que ese es su "jisei".


title: Haiku

text: El jisei del monje poeta Issa es:


title: Haiku

text: "Chimpunkan" —traducido por "tonterías"— es una palabra curiosa que viene a designar, en lenguaje coloquial, los sonidos ininteligibles de las palabras extranjeras.


title: Haiku

text: Con el fin de acompañar el haiku, muchos poetas realizan una pintura, generalmente sin demasiada perfección. Matsuo Bashō fue el primer poeta en adoptar esta forma del haiku, que hoy domina en las grandes esferas de este género.


title: Haiku

text: El autor de un haikai o haiku recibe el nombre de "haijin" o haikista en español. Los haijin más importantes de la historia de Japón son Matsuo Bashō, Yosa Buson, Kobayashi Issa, Chiyo-Ni, Masaoka Shiki, Ueshima Onitsura, Ritsurin Issekiro, Arakida Moritake, Yamasaki Sokan, Ihara Saikaku (también llamado Ibara Saikaku), Taneda Santôka, Ozaki Hôsai y Yamaguchi Seishi, entre otros.


title: Haiku

text: Basho fue un monje budista del siglo XVII, el cual popularizó el haiku, dándole un aire de bella melancolía ("wabi-sabi") y dotándolo de un sustrato zen trascendente. Uno de sus haikus más conocidos dice así:


title: Haiku

text: Onitsura también vivió en el siglo XVII y fue monje budista. Según se dice, con solo siete años de edad compuso uno de los haikus más notables:


title: Haiku

text: Vivió en el siglo XVIII y fue un pintor muy reconocido en su época y poeta de haiku. Se consideraba a sí mismo discípulo de Bashô, aunque no lo conoció. Su mirada se posa en los momentos en que aparentemente «no pasa nada», desafiando la vanidad humana. La obra de Buson, cuidada y de buen gusto, parte de lo mejor de sus antecesores, y esa distancia le proporciona una tranquilidad creativa con la que no contaron los haijin que le precedieron. Hay quien lo considera más logrado que Bashô. Un haiku representativo de su obra es el siguiente:


title: Haiku

text: Vivió entre los siglos XVIII y XIX. Fue un monje budista y tuvo una vida personal muy trágica y triste. Issa es un corazón humano que se proyecta en lo que escribe, lo que le hace muy popular en Occidente. Muchos lo comparan con Francisco de Asís por su amor hacia los animales, que se aprecia en haikus como este:


title: Haiku

text: Vivió en el siglo XIX. Saca el haiku del estancamiento en que había caído y toma como modelo a Buson, a su juicio mejor que Bashô. Shiki quiere retomar el camino de la belleza del haiku de Buson, depurándolo de todo misticismo o religiosidad. Es un agnóstico que consagra su vida a un modelo ideal de poesía. Sus consejos a los seguidores de su escuela fueron un alegato de libertad poética frente a las normas y la tradición.


title: Haiku

text: Uno de sus haikus más famosos dice así:


title: Haiku

text: Autor que escribe ya en el siglo XX. Es el heredero de una larga tradición poética y espiritual. Transforma sus vivencias más duras en oportunidades de crecimiento personal, de liberación. Dada su difícil y heterodoxa vida, el profesor Jaime Lorente considera que ""Santôka, con permiso de Issa, es el poeta maldito de Japón"".


title: Haiku

text: El siguiente es uno de sus haikus más reconocidos:


title: Haiku

text: A principios del siglo XVIII varias poetisas aprendieron haiku de Bashoo o sus discípulos, entre las que destacan algunos nombres como Den Sute-jo, Sonome, Shushiki, Sono-jo, Shoofuu-ni, Chigetsu, Sute-jo, Sono-jo, y sobre todo Chiyo-Ni.Este haiku, según D. T. Suzuki, es un ejemplo de cómo la meditación ayudó a Chiyo a abrir su inconsciente, y por primera vez Chiyo sintió el haiku como una expresión de un sentimiento interior, pero desprovisto del sentido del ego.


title: Haiku

text: Otro de sus haikus dice:


title: Haiku

text: Este es uno de sus haikus más famosos, nacido del sentimiento de pérdida por la muerte de su hijo pequeño.


title: Haiku

text: Y otro ejemplo más:


title: Haiku

text: Además, escribió su haiku "Jisei" poco antes de morir:Uno de sus haikus dice:El siguiente es uno de sus haikus:Uno de sus haikus dice:Este es uno de sus haikus más famosos:Este es una muestra de sus obras:Este es uno de sus haikus:


title: Haiku

text: El haiku fue muy utilizado por el budismo zen para transmitir sus preceptos, pero su influencia llegó al mundo occidental y marcó a famosos poetas del siglo XX, particularmente a través de Eiji Yoshikawa, marcando una vía de influencia de la literatura japonesa en Occidente.


title: Haiku

text: Entre los poetas occidentales que han cultivado el género se encuentra Antonio Machado, los estadounidenses Ezra Pound o Jack Kerouac, el irlandés Seamus Heaney y el británico W. H. Auden. Más recientemente, ha sido reconocida la afición del Presidente del Consejo Europeo Herman Van Rompuy a escribir haikus.


title: Haiku

text: En Argentina cultivaron ocasionalmente el haiku Jorge Luis Borges que en su libro "La Cifra" (1981) incluye 17 haiku, Álvaro Yunque con su libro "100 HAÏCAIS Y UN SONETO" (1966) y Javier Adúriz. Otros autores argentinos más recientes, como Carlos Martian ("Tañido de Haikus, 207 haikus argentinos", 2006, y "Tangar, Haiku en Lunfardo", 2015), Rafael Roldán Auzqui ("Haikus a flor de voz", 1997), Omar Lagraña ("Concorhaikus", 2018) y Diego Gallotti (Veinticuatro poemas de amor, locura y otras yerbas, 2017, y 114 poemas cósmicos, eróticos y lúdicos, 2021) mantienen el interés por el género.


title: Haiku

text: Uno de los haiku de Jorge Luis Borges:


title: Haiku

text: ¿Es un imperio


title: Haiku

text: esa luz que se apaga


title: Haiku

text: o una luciérnaga? Uno de los haiku de Álvaro Yunque:


title: Haiku

text: Metamorfosis


title: Haiku

text: Naces gusano,


title: Haiku

text: y te angeliza el arte,


title: Haiku

text: dolor humano.


title: Haiku

text: En Colombia, el haiku se desarrolló en el campo de la música, donde destaca la composición "Koi no uta: tres haikus para voz cantada y cordófono pulsado" (2002), de Johann Hasler, basada en haikus japoneses del siglo X. El trompetista de jazz Don Ellis editó un disco titulado "Haiku" (MPS, 1973), basado en diversos haikus tradicionales. También se puede reseñar el aporte del escritor Umberto Senegal (de Quindío) al desarrollo, la divulgación y la apropiación de esta forma poética foránea en las letras colombianas. Una de sus seguidoras, Laura Victoria Gallego, escribió un libro en la mejor tradición de Basho. Así mismo, Senegal acuñó el término "Haikuento", narración breve de un máximo de 10 palabras para el desarrollo de una historia de minificción.


title: Haiku

text: En Chile Álvaro Patricio Robles (o Álvaro Rovles) desarrolló los "Neohaikus" o "Nanopoemas", textos poéticos breves, incluidos en la antología "Tótem" publicada en 2012.


title: Haiku

text: El poeta chileno Luis Beltrán Echeverría , en su libro "Más allá del más allá"editado en el año 2012 presenta varios Haikus uno muy destacado es el siguiente :


title: Haiku

text: Llora familia ,


title: Haiku

text: la casa está vacía ,


title: Haiku

text: murió mi madre...


title: Haiku

text: Jorge Carrera Andrade usó en "Microgramas" (1940) la fauna, flora y folclore ecuatoriano, por lo cual su poesía fue denominada como "indofuturista" por la poeta chilena Gabriela Mistral: "Tres versos para aprehender con intensidad poética las cosas admirables y sencillas. El cosmos americano que regurgita ínfimo y a la vez inmenso para hacerse eterno". Carrera Andrade utiliza el haiku para, a base de metáforas, elucubrar una especie de aforismos filosóficos y universales referidos a la naturaleza y al cosmos, partiendo supuestamente del modelo de Basho.


title: Haiku

text: En España se interesaron por el género los más importantes poetas del siglo XX. Antonio Machado es quien lo introduce en lengua española al iniciarse el siglo, produciendo una simbiosis entre la forma japonesa y las modalidades tradicionales de la poesía española, en un proceso que comienza en "Soledades" y culmina penetrantemente para el género en "Nuevas canciones". Ha sido un género importante en la construcción poética de Juan Ramón Jiménez, Juan José Domenchina, Jorge Guillén, Federico García Lorca y Emilio Prados, y solo accidentalmente en el caso de Luis Cernuda, y el malogrado Jacobo Sureda. Por otra parte, fue muy relevante para la formulación de la "greguería" de Ramón Gómez de la Serna. En lengua catalana, Joan Alcover, Joan Salvat-Papassait, Rosa Leveroni y posteriormente lo han cultivado con especial distinción los catalanes Joana Raspall, Salvador Espriu y el mallorquín Llorenç Vidal, que comenzó a publicar sus haikais en 1969.


title: Haiku

text: Durante la segunda mitad del siglo XX es posible afirmar que el género japonés se integró plenamente en los usos poéticos de la lengua española. Es extensísima la nómina de autores que con la más diversa fortuna, y con una u otra dedicación, lo han cultivado. Entre ellos, Eulogio Díaz del Corral, José María Sánchez Sánchez, Francisco Herrera de la Torre, Francisco Acuyo, Jesús Munárriz, Fernando Menéndez, Felipe Benítez Reyes, Beatriz Villacañas, Susana Benet, Xoán Abeleira, Elías Rovira, Luis Carril, Frutos Soriano, María Victoria Porras, Félix Arce, Isabel Pose, Mercedes Pérez, Manuel Díez Orzas, Jaime Lorente, Ruth Rodríguez y Agar Rodríguez, entre muchos otros.


title: Haiku

text: No hay que olvidar la creación de la web "Rincón de haikus" por Luis Corrales, la publicación de antologías hispanas como "Un viejo estanque" de Frutos Soriano y Susana Benet, o la creación de revistas como "Hojas en la acera" y asociaciones como AGHA (Asociación de la Gente del Haiku de Albacete), que organizó diversos Encuentros Nacionales de Haiku (Ayna, Lagunas de Ruidera, Salobre) en 2017, organizado por "haikunversaciones" en Pamplona y el último, en 2019, organizado por el profesor Jaime Lorente en Toledo. La Universidad de Castilla-La Mancha también convoca a un certamen anual de haiku, cuyo fallo se conoce en el mes de abril.  En el año 2010, bajo la tutela de los profesores Vicente Haya, Félix Arce, Mercedes Pérez y Manuel Díez Orzas, se fundó la Escuela de Haiku Makoto, cuyo funcionamiento es a través de Internet y está dedicada al haiku en castellano con claros fundamentos en el haiku japonés y sus orígenes.


title: Haiku

text: Por su parte, el profesor Jaime Lorente fue pionero al crear una Escuela de Haikus permanente en un centro educativo. Fue en Toledo, en el Colegio Mayol en el año 2014, y se mantiene en la actualidad.


title: Haiku

text: En México destaca José Juan Tablada con sus obras "Al sol y bajo la luna", 1918, y "Un día… poemas sintéticos", 1919. Fue el primer poeta de lengua española en componer un libro íntegro del género, integrando motivos japoneses con modernistas y americanos.


title: Haiku

text: También es indispensable nombrar la figura del premio Nobel de literatura Octavio Paz, quien introdujo plenamente el haiku a la literatura en español al traducir "Sendas de Oku", obra de Matsuo Basho, publicada en 1957 en México, que fue la primera traducción realizada a un idioma occidental.


title: Haiku

text: Otros poetas representativos del haiku mexicano son Efrén Rebolledo, Rafael Lozano, José Rubén Romero, Francisco Monterde, José María González de Mendoza y Pío Sotomayor.


title: Haiku

text: Perú fue en Latinoamérica el país con mayor población de inmigrantes japoneses, y por ello el haiku en la poesía peruana tuvo una presencia importante en la obra de poetas como Alberto Guillén, Javier Sologuren, Alfonso Cisneros Cox, Carlos Zúñiga Segura, José Watanabe, José Luis Mejía, José Beltrán Peña, César Toro Montalvo, Cronwell Jara, Fanny Jem Wong, Enrique Verástegui, Cecilia Molina, Ricardo González Vigil, Gladys María Pratz, Max Dextre, Santiago Risso, Antonio de Saavedra, Alonso Belaúnde Degregori y Gonzalo D. Marquina Arcos.


title: Haiku

text: En Venezuela el libro publicado por el mexicano José Juan Tablada llamado "Poemas Sintéticos", en 1919, tuvo mucha influencia en el desarrollo del haiku. Destaca principalmente Wafi Salih, dedicada casi por completo al cultivo de este género, y con una considerable bibliografía de al menos 11 obras, en las que se pueden mencionar como ejemplo "El dios de las dunas", y "Caligrafía del aire ". También Luz Marina Almarza y Federico Pacanins han escrito en este género, aunque en menor medida.


title: Haiku

text: El representante más reconocido en Uruguay es Mario Benedetti, que publicó en 1999 una obra dedicada al género, "Rincón de haikus". También el poeta Federico Bello publicó en su libro "Cuarto menguante" un capítulo que se titula "Breve incursión en el haiku".


title: Tanka

text: La tanka es un tipo de poesía tradicional japonesa. Consta de cinco versos de 5-7-5-7-7 sílabas.


title: Tanka

text: Hace más de 1400 años que se registraron las primeras tankas. Según algunos autores, su principal utilidad era la de transmitir mensajes secretos entre amantes; una pequeña síntesis matutina de lo que una tempestuosa noche de sexo había representado para el autor, como queriendo volver a las maneras y palabras del cortejo, algo así como una nota de agradecimiento al proporcionador de tan carnales placeres. Se enviaban escritas en un abanico o amarradas a una flor en botón y eran entregadas en propia mano por un mensajero a quien se recompensaba con un trago y la oportunidad de coquetear un poco con el personal doméstico... mientras la parte proporcionadora escribía una tanka en respuesta a la primera y que el lacayo debía llevar a su amo. Estos breves poemas deberían tener tal contenido que los enamorados supieran a qué se hacía referencia, pero ser lo suficientemente crípticos de guisa tal que el intermediario quedase en babia si hubiera intentado sorprender algún secreto.


title: Tanka

text: Muy pronto la tanka comenzó a utilizarse tanto para canciones de boda como para encantamientos propiciatorios de casas recién construidas, niños recién paridos y negocios recién firmados (usos, todos ellos, corrientes en otras variedades poéticas japonesas). A través de los siglos, los poetas compusieron tankas no sólo para el amor o para conjurar a los dioses, sino sobre la naturaleza y otros asuntos no menos inspiradores. La tanka llegó a ser tan estimada que regularmente se convocaba a concursos, lo mismo de escritura que de lectura. Así se hizo necesario un corpus al que pudiera hacerse referencia y los emperadores empezaron a decretar colecciones y antologías; los estudiosos afirman que esto sucede alrededor del año 700 de nuestra era. Un dato interesante sería que hay más tankas recopiladas que cualquier otro tipo de poemas; no lo hemos podido confirmar aunque, me siento inclinado a darlo por válido: Cada año, en la celebración de Año Nuevo, el Mikado y su familia se unen a millones de ciudadanos que escriben tankas sobre temas específicos. En una impresionante ceremonia tradicional se recita una selección de las mejores que, a partir de ahí, adquieren el rango de tesoros nacionales.


title: Tanka

text: Es obvio que la tanka se relaciona con el haikú, basta con observar que si a un haikú se le añaden dos versos más de siete "onji" —tomémoslos como sílabas— tendremos una tanka. Las reglas para construirla son sencillas, y el castellano no se enfrenta a los obstáculos de fondo y forma que tiene el inglés, idioma en el que, después del japonés, más de estas piezas se han escrito.


title: Tanka

text: Antes de pasar a la cuenta silábica y sus opciones, se debe mencionar el concepto de 'pivote', o eje del poema. Se trata de la idea de que en algún punto en la tercera línea va a existir una imagen que relaciona o liga las dos primeras líneas con las dos últimas. Para quienes han escrito un haikú, este concepto no es muy difícil de entender.


title: Tanka

text: Como ejemplos de tanka transcritas


title: Tanka

text: "Es grande el cielo" "y arriba siembran mundos." "Imperturbable," "prosigue en tanta noche" "el grillo berbiquí." En ésta, de Octavio Paz (la recitó durante su discurso de aceptación del Premio Nobel el 10 de diciembre de 1990), es evidente que la palabra 'imperturbable' se refiere al grillo, así retratado.


title: Tanka

text: "La ajena copa," "La espada que fue espada" "En otra mano," "La luna de la calle," "¿Dime, acaso no bastan?"


title: Tanka

text: Jorge Luis Borges no deja duda, cuando dice 'en otra mano', que en las primeras dos líneas una mano sostiene una espada y en las dos últimas la luna de la calle. En esta otra, la imagen central también se identifica con facilidad:


title: Tanka

text: "Alto en la cumbre" "Todo el jardín es luna," "Luna de oro." "Más precioso es el roce" "De tu boca en la sombra."


title: Tanka

text: En efecto, la luna de oro es la luna que es todo el jardín, y el roce de la boca es más precioso que esa misma luna. Borges también escribió la que sigue, en donde la imagen pivotal es menos tangible:


title: Tanka

text: "La voz del ave" "Que en la penumbra esconde" "Ha enmudecido." "Andas por tu jardín." "Algo, lo sé, te falta."


title: Tanka

text: En este caso lo que falta es lo que ha enmudecido; el ave.


title: Tanka

text: De aquí en adelante se utilizará libremente 'sílaba' como equivalente de 'onji'.


title: Tanka

text: La tanka se divide en dos unidades rítmicas. En los primeros tiempos de esta estrofa se seguía este patrón:


title: Tanka

text: Unidad rítmica uno = 5-7 sílabas; unidad rítmica dos = 5-7-7 sílabas.


title: Tanka

text: Más adelante el gusto predominante se inclinó por éste:


title: Tanka

text: Unidad rítmica uno = 5-7-5 sílabas; unidad rítmica dos = 7-7 sílabas.


title: Tanka

text: Hay, además, otras variantes, como éstas:


title: Tanka

text: Unidad rítmica uno = 5; unidad rítmica dos = 7-5; unidad rítmica tres = 7-7.


title: Tanka

text: Unidad rítmica uno = 5-7; unidad rítmica dos = 5-7; unidad rítmica tres = 7.


title: Tanka

text: Aunque no hay objeción alguna para que se presente cualquier modelo de los mencionados, a continuación me limitaré a tratar sólo los dos primeros.


title: Tanka

text: En esta tanka, esta división se ve muy clara: hay un punto al final del tercer verso.


title: Tanka

text: "Hueco del árbol" "acoge a Mariposa" "mientras escampa." "Refugio enamorado," "virgen de alas mojadas."


title: Tanka

text: Los tres primeros versos (5-7-5 sílabas) forman una unidad rítmica. Los dos últimos, heptasílabos, forman la otra.


title: Tanka

text: En cuanto al 'pivote', característica antes mencionada, en este caso es 'escampar'. ¿Por qué? Para empezar, los primeros dos versos nos dicen que un árbol protege en uno de sus huecos a una mariposa, el tercero nos deja claro que se debe a la lluvia. En las dos últimas líneas, hay también una relación con la lluvia de la que sólo sabemos gracias al verbo 'escampar'. El árbol, que ama a la mariposa de las alas mojadas, le ofrece cobijo.


title: Tanka

text: Al modificar un poco el par de heptasílabos, se pierde por completo la imagen pivotal, la que enlaza las dos unidades rítmicas.


title: Tanka

text: "Hueco del árbol" "acoge a Mariposa" "mientras escampa." "Árbol enamorado" "virgen azafranada."


title: Tanka

text: Aquí tenemos que se sigue la métrica y se distinguen ambas partes, pero no hay nada que las relacione; la tanka no existe.


title: Tanka

text: Es obvio que el árbol puede estar infatuado con la mariposa y que esta puede tener un cierto color. Mas en esta segunda parte no hay lluvia, ni explicación alguna del albergue que el árbol le brinda a la mariposa.


title: Tanka

text: Este primer ejemplo está escrito a partir de un haikú, lo que no es mala idea. Una tanka así construida, por necesidad se referirá a un instante de la naturaleza. Mas es bueno recordar que el origen de las tankas tiene que ver con situaciones algo más humanas. Veamos.


title: Tanka

text: "Linda boquita" "de voz incandescente." "Tus labios rojos" "mi corazón marcaron," "sin piedad lo quemaron."


title: Tanka

text: Se ve, en esta estrofa que pertenece a la forma más antigua —por lo general asociada con el amor cortesano—, el pivote aparece también en el tercer verso, aunque en este caso éste sea parte del segundo grupo rítmico —el metaforando es la capacidad que tienen las palabras del ser amado de hacer arder al otro, igual que los besos.


title: Tanka

text: En la segunda opción, en donde sólo se toma en cuenta el contraste de cada línea, se respeta, no obstante, tanto el famoso pivote como la cantidad de sílabas totales.


title: Tanka

text: Para ejemplificar el punto, se traduce del inglés una tanka anónima traducida, a su vez, del japonés (por Donald Keene).


title: Tanka

text: "Agreste," "aún aquí crece un pino," "en este erial." "Si de verdad nos amamos," "¿por qué no estamos juntos?"


title: Tanka

text: Como puede observarse, el primer verso tiene tres sílabas, y tanto el segundo como el cuarto tienen ocho; la cuenta total sigue siendo de treinta y una sílabas (pudieran haber sido menos).


title: Tanka

text: La imagen del erial es el pivote: habla tanto de las dificultades del pino para sobrevivir como de la soledad y aridez espiritual de los amantes que viven separados.


title: Tanka

text: Algo que se podría alegar es que, con un poco de esfuerzo, la traducción hubiera resultado más limpia (5-7-5-7-7), y es cierto. El inglés, por otra parte, tiene que lidiar más a menudo con el problema de la cuenta silábica, cada palabra carga demasiada información, de ahí que las tankas en ese idioma casi nunca alcancen a tener la cantidad de sílabas 'oficiales'.


title: Tanka

text: «Una tanka puede ser un texto, dividido en cinco partes, usando treinta y una sílabas o menos, permitiendo que fluya la prosa poética dictando la longitud de las líneas.»


title: Tanka

text: —Dime que vendrás, que otra vez yacerás conmigo... Amor, delirio, ¡ven!


title: Tanka

text: La cantidad de sílabas es mucho menor (21)y su disposición irregular (corta, larga, corta, corta, corta). Sin embargo, el principio y el final quedan ligados por la palabra 'amor' ya que la palabra 'delirio' aparece como su sinónimo.


title: Cometa Halley

text: El cometa Halley, oficialmente denominado 1P/Halley, es un cometa grande y brillante que orbita alrededor del Sol cada 75 años en promedio; su período orbital puede oscilar entre 74 y 79 años. Es uno de los mejor conocidos y más brillantes cometas de "periodo corto" de la nube de Oort. Halley es el único de período corto que es visible a simple vista desde la Tierra, y también el único cometa a simple vista que quizás aparece dos veces en una vida humana, por lo que del mismo existen muchas referencias de sus apariciones, siendo el mejor documentado.


title: Cometa Halley

text: El cometa recibió ese nombre por el apellido de quien calculó su órbita: Edmund Halley.


title: Cometa Halley

text: El regreso del Halley al interior del Sistema Solar fue observado y registrado por astrónomos desde por lo menos el año 240 a. C. Claras evidencias de las apariciones del cometa fueron hechas por cronistas chinos, babilónicos y europeos medievales en 1069, pero no fueron reconocidas entonces como reapariciones del mismo objeto. El período orbital del cometa fue determinado por primera vez en 1705 por el astrónomo inglés Edmund Halley, en la actualidad nombre designado para el astro. Se le observó por última vez en el año 1986 en las cercanías de la órbita de la Tierra.


title: Cometa Halley

text: La lista de los años de observaciones del cometa es la siguiente, comenzando por el año 239 A.C., primer año en que se sabe que fue observado: , , , 66, 141, 218, 295, 374, 451, 530, 607, 684, 760, 837, 912, 989, 1066, 1145, 1222, 1301, 1378, 1456, 1531, 1607, 1682, 1759, 1835, 1910 y 1986. La próxima aparición está prevista para el año 2061.


title: Cometa Halley

text: Durante su aparición en 1986, Halley se convirtió en el primer cometa observado con detalle por naves espaciales, proporcionando la primera información de observación sobre la estructura de un núcleo cometario y del mecanismo de formación del coma y la cola. Esas observaciones apoyaron un número de hipótesis antiguas sobre la construcción del cometa, particularmente el modelo de «bola de nieve sucia» de Fred Lawrence Whipple, que correctamente predice que Halley estaría compuesto de una mezcla de hielos volátiles (como agua, dióxido de carbono y amoníaco) y polvo. Las misiones también proporcionaron informaciones que esencialmente reformaron y reconfiguraron esas ideas. Por ejemplo, ahora se entiende que la superficie de Halley está en gran parte compuesta por polvo, materiales no volátiles, y que solo una pequeña parte de ella está cubierta de hielo.


title: Cometa Halley

text: El cometa Halley fue el primero en ser reconocido como periódico, su órbita fue calculada por primera vez por el astrónomo Edmund Halley en 1705. Se le observó con anterioridad en Europa en el año 1456 por el astrónomo alemán Johann Müller Regiomontano. Las observaciones de datos muestran que fue observado por primera vez en el año 239 a. C.


title: Cometa Halley

text: En sus observaciones, Edmund Halley comprobó que las características del cometa coincidían con las descritas en 1682, y también con las del de 1531 (descritas por Petrus Apianus) y 1607 (observadas por Johannes Kepler en Praga). Halley concluyó que correspondían al mismo objeto celeste, que retornaba cada 76 años. Con ello, realizó una estimación de la órbita, y predijo su reaparición para el año 1757. Esta predicción no fue del todo correcta, pues el retorno no fue visto hasta el 25 de diciembre de 1758, realizado por el astrónomo aficionado alemán Johann Georg Palitzsch. En este caso, la atracción de Júpiter y Saturno fue la responsable del retraso. Halley no pudo contemplar el retorno de su cometa, tras fallecer en 1742, dieciséis años antes.


title: Cometa Halley

text: En 1986 varias sondas espaciales se encontraron con el cometa, entre ellas las Vega 1 y 2, la Giotto, la Suisei (o PLANET-A), la Sakigake y la ISEE-3/ICE, la llamada Halley Armada, gracias a ellas hoy se dispone de gran información y fotos del cometa.


title: Cometa Halley

text: Los cálculos de Halley permitieron encontrar las primeras apariciones del cometa en el registro histórico. La siguiente tabla establece las designaciones astronómicas para cada aparición del cometa Halley en el 240 & nbsp; AC, el primer avistamiento generalizado documentado. Por ejemplo, "1P / 1982 & nbsp; U1, 1986 & nbsp; III, 1982i" indica que para el perihelio en 1986, Halley fue el primer cometa de período conocido (designado 1P) y esta aparición fue la primera vista en medio mes U (la segunda quincena de octubre) en 1982 (dando 1P / 1982 U1); fue el tercer cometa más allá del perihelio en 1986 (1986 III); y fue el noveno cometa descubierto en 1982 (designación provisional 1982i). Se muestran las fechas del perihelio de cada aparición. Las fechas del perihelio más alejadas del presente son aproximadas, principalmente debido a las incertidumbres en el modelado de efectos no gravitacionales. Las fechas del perihelio de 1531 y anteriores están en el calendario juliano, mientras que las fechas del perihelio de 1607 y posteriores están en el calendario gregoriano.


title: Cometa Halley

text: El cometa Halley es visible desde la Tierra en periodos de entre 74 a 79 años.


title: Cometa Halley

text: Se supone que los cometas tienen dos orígenes diferenciados en nuestro sistema solar, el cinturón de Kuiper, un disco plano helado de escombros estelares, situado a unos 50 unidades astronómicas (UA), y la nube de Oort, una esfera de cuerpos comentarios, cuyo borde interno está situado a unas 50 000 UA. Los cometas de ciclo corto, con una órbita que toma un tiempo inferior a 200 años, proceden, por lo general, del cinturón de Kuiper; mientras que los de ciclo largo, como el Hale-Bopp, cuya órbita toma un tiempo de miles de años, parece que proceden de la nube de Oort. El cometa Halley es inusual, puesto que es de ciclo corto, aunque su origen se sitúa en la nube de Oort, y no en el cinturón de Kuiper. Su órbita indica que originalmente fue de ciclo largo, pero que ha sido capturado por la atracción gravitatoria de los gigantes gaseosos, de forma que ha quedado atrapado en el interior del Sistema Solar al acortarse su órbita.


title: Cometa Halley

text: La órbita del cometa Halley es muy elíptica, con un foco en el Sol, su distancia más corta al Sol, el perihelio es de 0.6 UA, entre las órbitas de Mercurio y Venus, mientras que su afelio, la mayor distancia al Sol, es de 35.3 UA, casi la distancia de la órbita de Plutón. Como curiosidad, entre los objetos del sistema solar, su órbita es retrógrada, pues orbita en dirección contraria a los planetas, con una inclinación de 18º respecto a la eclíptica.


title: Cometa Halley

text: La Misión Giotto proporcionó a los astrónomos la primera visión de la estructura y superficie del cometa Halley. El coma del mismo se extiende a través de millones de kilómetros en el espacio, aunque su núcleo es relativamente pequeño, estando en unos 15 km de largo, 8 km de ancho y 8 km de alto, con una forma de cacahuete. La masa del cometa es bastante baja, de unos , con una densidad de unos . Su albedo es de aproximadamente un 4 %, lo que indica que solo un 4 % de la luz recibida es reflejada, más o menos, es el mismo comportamiento que el carbón. Aunque parece muy brillante, y blanco, al ser observado desde la Tierra, el cometa Halley es, sin embargo, un cuerpo negro. Al entrar en el interior del sistema solar, y aproximarse al perihelio, el Sol calienta su superficie, causando la sublimación de su materia, y pasando directamente del estado sólido al gaseoso, emitiendo una gran cantidad de gas volátil desde su oscura superficie. El núcleo realiza una rotación cada 52 horas, y en su cara diurna es mucho más activo que en la oscura. El gas emitido está compuesto de 80 % de vapor de agua, 17 % de monóxido de carbono, de 3 a 4 % de dióxido de carbono, y el resto son trazas de hidrocarburos.


title: Cometa Halley

text: El núcleo está recubierto de una capa de polvo que retiene el calor. Dentro de esta capa de polvo, existen huecos, algunos con hielo, y otros vacíos, existiendo también varios cráteres, alguno de 1 km de diámetro. Al acercarse al Sol, las temperaturas pueden acercarse a los 77 °C, y entonces, se emiten toneladas de gas por segundo.


title: Nube de Oort

text: La nube de Oort (también llamada nube de Öpik-Oort en honor a Ernst Öpik y Jan Hendrik Oort) es una nube esférica de objetos transneptunianos que se encuentra en los límites del sistema solar, casi a un año luz del Sol, y aproximadamente a un cuarto de la distancia del Sol a Próxima Centauri, la estrella más cercana a nuestro sistema solar. Las otras dos acumulaciones conocidas de objetos transneptunianos, el cinturón de Kuiper y el disco disperso, están situadas unas cien veces más cerca del Sol que la nube de Oort. Según algunas estimaciones estadísticas, la nube podría albergar entre uno y cien billones (10 - 10) de objetos, siendo su masa unas cinco veces la de la Tierra.


title: Nube de Oort

text: Presenta dos regiones diferenciadas: la nube de Oort exterior, de forma esférica, y la nube de Oort interior, también llamada "nube de Hills", en forma de disco. Los objetos de la nube están formados por compuestos como hielo, metano y amoníaco, entre otros, y se formaron muy cerca del Sol cuando el sistema solar todavía estaba en sus primeras etapas de formación. Una vez formados, llegaron a su posición actual en la nube de Oort a causa de los efectos gravitatorios de los planetas gigantes.


title: Nube de Oort

text: Los astrónomos creen que es la fuente de todos los cometas de período largo y de tipo Halley, y de algunos centauros y cometas de Júpiter. Los objetos de la nube de Oort exterior se encuentran muy poco ligados gravitacionalmente al Sol, y esto hace que otras estrellas, e incluso la propia Vía Láctea, puedan afectarlos y provocar que salgan despedidos hacia el sistema solar interior. La mayoría de los cometas de período corto se originaron en el disco disperso, pero se cree que, aun así, existe un gran número de ellos que tienen su origen en la nube de Oort. A pesar de que tanto el cinturón de Kuiper como el disco disperso se han observado, estudiado, y también clasificado muchos de sus componentes, solo tenemos evidencia en la nube de Oort de cinco posibles miembros: (90377) Sedna, , , , encontrándose todos ellos en la nube de Oort interior. El 26 de marzo de 2014 se anunció el descubrimiento de un nuevo objeto, que sería el segundo más grande de la nube tras Sedna, identificado como . El 10 de noviembre de 2015, la revista Nature publicaba anunciando el descubrimiento de un nuevo objeto transneptuniano localizado en los márgenes inferiores de la nube de Oort. Dicho objeto sería el más lejano del sistema solar, récord que antes ostentaba el planeta enano Eris.


title: Nube de Oort

text: En 1932, el astrónomo estonio Ernst Öpik postuló que los cometas de período largo se originaron en una nube que orbitaba en los confines del sistema solar. En 1950, el astrónomo neerlandés Jan Hendrik Oort postuló la teoría de manera independiente para resolver una paradoja. Las órbitas de los cometas son muy inestables, siendo la dinámica la que dictamina si colisionarán con el Sol o con cualquier otro planeta, o si saldrán despedidos del sistema solar debido a las perturbaciones de los planetas. Además, al estar formados en su mayor parte por hielo y otros elementos volátiles, estos se van desprendiendo gradualmente debido a la radiación electromagnética hasta que el cometa se divide o adquiere una corteza aislante que frena la desgasificación. De este modo, Oort razonó que los cometas no pudieron haberse formado en su órbita actual, y que debían de haber permanecido durante toda su existencia en un lejano depósito repleto de estos cuerpos celestes, cayendo con el tiempo hacia el sistema solar y convirtiéndose en cometas de período largo.


title: Nube de Oort

text: Existen dos tipos de cometas: los de período corto (también llamados cometas eclípticos), que presentan órbitas por debajo de las 10 ua, y los de período largo (cometas casi isótropos), que poseen órbitas de más de 1000 ua. Oort investigó los cometas casi isótropos, y encontró que la mayoría de ellos poseían un afelio (su distancia más lejana al Sol) de aproximadamente 20 000 ua y parecían provenir de todas direcciones, lo cual fortalecía su hipótesis y sugería un depósito de forma esférica. Los escasos cometas que poseían afelios de 10 000 ua debieron haber pasado en algún momento muy cerca del sistema solar, siendo influidos por la gravedad de los planetas y por lo tanto haciendo más pequeña su órbita.


title: Nube de Oort

text: Se cree que la nube de Oort se extiende desde 2000 ua o 5000 ua hasta 50 000 ua del Sol, aunque algunas fuentes sitúan su límite entre 100 000 ua y 200 000 ua. La nube de Oort se puede dividir en dos regiones: la nube de Oort exterior (entre 20 000 ua y 50 000 ua), de forma esférica, y la nube de Oort interior (entre 2000 ua y 20 000 ua), que tiene forma toroidal.


title: Nube de Oort

text: La nube exterior se encuentra muy poco ligada al Sol y es la fuente de la mayor parte de los cometas de período largo. La nube interior también se conoce como nube de Hills, en honor a Jack G. Hills, el astrónomo que propuso su existencia en 1981. Los modelos predicen que la nube interior debería poseer decenas o cientos de veces más objetos que la nube exterior; parece ser que la nube de Hills reabastece de cometas a la nube exterior a medida que se van agotando y explica la existencia de la nube de Oort tras miles de millones de años.


title: Nube de Oort

text: Se cree que la nube de Oort puede albergar varios billones de cuerpos de más de 1,3 kilómetros de diámetro y quinientos mil millones con una magnitud absoluta menor a +10,9 (cuanto menor es el valor, mayor es el brillo). A pesar del número tan elevado de cuerpos, cada uno de ellos estaría separado en promedio varias decenas de millones de kilómetros con respecto al más cercano. La masa de la nube de Oort no se sabe con certeza, pero si se toma el cometa Halley como prototipo de objeto de la nube exterior, se estima que la masa sería de 3x10 kg, unas cinco veces la de la Tierra. Anteriormente se pensaba que su masa podría llegar a ser hasta trescientas ochenta veces la masa terrestre, pero nuestra comprensión de la distribución de tamaños de los cometas de período largo ha reducido las estimaciones. Actualmente la masa de la nube de Oort interior continúa siendo desconocida.


title: Nube de Oort

text: Si los cometas que se han analizado conforman una estimación de los que se encuentran en la nube de Oort, la gran mayoría estarían formados por hielo, metano, etano, monóxido de carbono y ácido cianhídrico. Sin embargo, el descubrimiento del objeto transneptuniano 1996 PW, que posee una órbita más característica de un cometa de período largo, sugiere que la nube también alberga objetos rocosos. Los análisis de los isótopos de carbono y nitrógeno revelan que apenas existen diferencias entre los cometas de la nube de Oort y los cometas de Júpiter, a pesar de las enormes distancias que los separan. Este hecho sugiere que todos ellos se formaron en la nube protosolar, durante la formación del sistema solar. Estas conclusiones son también aceptadas por los estudios del tamaño granular en los cometas de la nube de Oort, así como también por el estudio de los impactos del cometa 9P/Tempel 1.


title: Nube de Oort

text: Todo indica que la nube de Oort se formó como remanente del disco protoplanetario que se formó alrededor del Sol hace 4600 millones de años. La hipótesis más aceptada es que los objetos de la nube de Oort se formaron muy cerca del Sol, en el mismo proceso en el que se crearon los planetas y los asteroides, pero las interacciones gravitatorias con los jóvenes planetas gaseosos como Júpiter y Saturno expulsaron estos objetos hacia largas órbitas elípticas o parabólicas. Se han realizado simulaciones de la evolución de la nube de Oort desde su formación hasta nuestros días y estas muestran que su máxima masa la adquirió 800 millones de años tras su formación.


title: Nube de Oort

text: Los modelos realizados por el astrónomo uruguayo Julio Ángel Fernández sugieren que el disco disperso, que es la principal fuente de cometas periódicos del sistema solar, podría ser también la principal fuente de los objetos de la nube de Oort. De acuerdo con sus modelos, la mitad de los objetos dispersados viaja hacia la nube de Oort, un cuarto queda atrapado orbitando a Júpiter, y otro cuarto sale expulsado en órbitas parabólicas. El disco disperso todavía podría seguir alimentando a la nube de Oort, proporcionándole nuevo material. Se ha calculado que, al cabo de 2500 millones de años, un tercio de los objetos del disco disperso acabarán en la nube de Oort.