title: Sandro Botticelli

text: Unos de sus cuadros más famosos es "El nacimiento de Venus", (1484) de tema mitológico, que forma parte de la misma serie realizada para los Médici, junto con "La primavera" y "Palas y el Centauro". En esta obra, Botticelli consigue poner fin al problema de cómo distribuir las figuras. Este problema se debe al concepto de hacer del cuadro un espejo de la realidad. Botticelli lo resuelve tomándose libertades con la Naturaleza, para dotar de belleza y armonía a la obra. Esto se aprecia en el tamaño antinatural del cuello de Venus, en la pronunciada caída de sus hombros y en el extraño modo en que cuelga su brazo izquierdo. Así pues, el arte de Botticelli alcanza la plenitud con "El nacimiento de Venus".


title: Sandro Botticelli

text: "La primavera" y "El nacimiento de Venus" dieron a Botticelli prestigio como artista. Pero las obras más rentables fueron sus madonas. Obtuvo grandes riquezas gracias a su obra.


title: Sandro Botticelli

text: A finales del siglo XV, el ambiente florentino cambió. Savonarola es la mejor personificación de este cambio en el ambiente de la época. Este predicador, que en una estancia anterior no había hecho mella en los florentinos, regresó a la ciudad en 1490, y esta vez sus tremendas predicaciones sobre el Juicio Final tuvieron éxito debido a una serie de circunstancias, como la pérdida de poder que sufrieron los Médicis debido a las guerras franco-italianas, la expansión de la sífilis, llamado «mal francés», y el ambiente de milenarismo conforme se aproximaba el año 1500. Savonarola, partiendo de Florencia como Nueva Jerusalén, propugnaba lograr una humanidad sin pecado, que influyó en los pintores florentinos. Debido a sus ataques contra el paganismo, desapareció prácticamente el tema mitológico.


title: Sandro Botticelli

text: En 1492 murió Lorenzo de Médici "el Magnífico". El rey Carlos VIII de Francia invadió Florencia en 1494, expulsando a Pedro de Médici. Savonarola se hizo el líder de la ciudad, estableciendo una República que abominaba de todo aquello que representaban los Médicis como los objetos de lujo y los cuadros pintados por Botticelli. Sandro era intensamente religioso. En estos últimos años de su vida su producción se caracteriza por la «inquietud». Giorgio Vasari afirma que Botticelli fue un "piagnone" ('llorón' o 'lloraduelos'), nombre con el que se designaba a los seguidores de Savonarola, y que por ello abandonó la pintura como vanidad terrenal. Hoy en día esta afirmación se pone muy en duda, considerando que no fue un verdadero seguidor de Savonarola, a diferencia de su hermano Simone, con quien vivía el pintor. Lo que sí puede afirmarse es que en las últimas obras de Botticelli se siente la influencia del clima de crisis política y religiosa.  En plena época de la República se data su obra "La calumnia de Apeles" (1495), un cuadro alegórico extraído de Luciano en el "De Calumnia" y mencionado en el tratado de Alberti. Se ha relacionado la obra con predicaciones de Savonarola. No muestra una composición perteneciente al modelo clásico, ya que es más característica del pasado medieval. "La calumnia de Apeles" muestra la crisis presente en la República de Savonarola. Esto provocó que cambiara su orientación en la que recreaba elementos del expresionismo gótico. Un ejemplo de ello es "la Natividad mística". Esta obra es la única firmada y fechada por Botticelli. Menciona en la inscripción que se inspiró en el capítulo XI del "Apocalipsis". También se muestra el cambio de estilo que experimentó en la "Anunciación de Cestello" (1489). Obra encargada por Francesco Guardi. El 7 de febrero de 1497 Savonarola y sus seguidores llevaron a cabo la más célebre "Hoguera de las vanidades" ("Falò delle vanità"): reunieron objetos que representaban la relajación moral con el fin de hacerlos arder en la plaza de la Señoría. En esta hoguera ardieron unas cuantas obras de Botticelli. El 4 de mayo de ese mismo año, el ejército papal acabó con el dominio de Savonarola, quien murió el día 23 en la hoguera, entregado por gran parte de los ciudadanos de Florencia. Sin embargo, el ambiente intelectual había cambiado irremediablemente.


title: Sandro Botticelli

text: El biógrafo de Botticelli Ernst Steinman investigó el desarrollo psicológico del artista a través de sus numerosas Vírgenes. En la «profundización del entendimiento y expresión en la interpretación de la fisonomía de María», Steinman cree ver una prueba de la influencia de Savonarola sobre Botticelli. Esto significa que el biógrafo necesitaba alterar las fechas de una serie de Vírgenes para apoyar su teoría; específicamente, las data en fechas muy posteriores a las que tradicionalmente se consideran. Steinman se muestra en desacuerdo con la afirmación de Vasari de que Botticelli no produjo nada después de caer bajo la influencia de Savonarola. Cree que las "Vírgenes" espirituales y emocionales representadas por Sandro provienen directamente de las predicaciones del fraile dominico.


title: Sandro Botticelli

text: Vasari atribuye a Botticelli una pintura herética de carácter gnóstico por encargo de Matteo Palmieri en una capilla en San Pedro Mayor. Es un error de Vasari, pues dicha pintura, ahora parte de la Galería Nacional en Londres, es del artista Botticini, un error del propio Vasari que confundió los nombres de dos pintores similares en apellido.


title: Sandro Botticelli

text: Se convirtió en el máximo intérprete del neoplatonismo de la época, con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elemento trascendental en el arte. Para dar forma a esta nueva visión del mundo, Botticelli opta por la "gracia"; esto es, la elegancia intelectual y exquisita representación de los sentimientos. En estas obras la influencia del realismo gótico está atemperada por el estudio que Botticelli hace de la Antigüedad. Pero aunque pueda comprenderse desde el punto de vista pictórico, los temas en sí siguen siendo fascinantes por su ambigüedad. Los complejos significados de estas pinturas siguen recibiendo atención de los eruditos, centrándose principalmente en la poesía y la filosofía de los humanistas contemporáneos del artista. Las obras no ilustran un texto en particular; más bien, cada una de ellas se basa en varios textos para su significado. Sobre su belleza, caracterizada por Vasari como ejemplificadora de la «gracia» y por John Ruskin como poseedora de ritmo lineal, no puede haber dudas. Ruskin (1890) considera que Botticelli es un claro exponente del romanticismo cristiano.


title: Sandro Botticelli

text: Es mencionado por Ugolino Verino (1503) en dos de sus poemas que tratan sobre los florentinos más ilustres. Aparte de Botticelli, también son mencionados Leonardo da Vinci, Filippino Lippi, Giotto y Antonio Pollaiuolo.


title: Sandro Botticelli

text: Fue olvidado durante tres siglos, o recordado como un artista de segunda categoría, por lo que apenas tuvo influencia. Sin embargo, a mediados del siglo XIX, los llamados prerrafaelitas reconocieron su obra. Comenzó a obtener gran aceptación y fue reconocido como artista excepcional; inferior a Leonardo en profundidad de sentimiento, pero no en intensidad de expresión. Algunos críticos del siglo XIX sintieron también gran admiración por el redescubierto Botticelli, como Walter Pater, que afirma que Botticelli «sobrepasó los límites de su generación al pintar como un visionario», Edward Burne-Jones o Bernard Berenson, entre otros.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli realizó entre 150 y 180 obras. Pinta numerosas obras religiosas, así como grandes composiciones profanas, mitológicas. También ha pintado varios retratos de sus mecenas, que no cuentan con la belleza, la mística, la luminosidad y el espíritu de sus otras composiciones.


title: Sandro Botticelli

text: El principal museo que contiene obras de este artista es la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), cuyas famosas obras se exponen en las salas 10-14 y son, para muchos, lo mejor de la galería. No obstante, hay otros museos que contienen obras de este artista.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: El nacimiento de Venus () es un cuadro realizado por el pintor renacentista Sandro Botticelli, una de las obras cumbre del maestro florentino y del "Quattrocento" italiano. Está ejecutado al temple sobre lienzo y mide de ancho por de alto. Se conserva en la Galería Uffizi, en Florencia, donde está expuesto en la sala 10-14, llamada «de Botticelli» (Inv. 1890 n. 878).


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Este cuadro fue en su tiempo una obra revolucionaria por cuanto presentaba sin tapujos un desnudo no justificado por ningún componente religioso, así como un tema mitológico procedente de la cultura clásica grecorromana anterior al cristianismo, lo que suponía la plena aceptación —al menos por parte de las élites culturales— del nuevo humanismo renacentista alejado del oscurantismo medieval. Su interpretación iconográfica se vincula con la Academia Platónica Florentina, un círculo intelectual patrocinado por la familia Médici que se desarrolló tanto en el terreno de la filosofía como de la literatura y el arte. El significado de la obra está relacionado pues con el neoplatonismo y la formulación por Marsilio Ficino de un concepto idealizado del amor donde la figura de Venus se desdobla en dos versiones complementarias, la Venus celeste y la Venus terrenal, que simbolizan el amor espiritual y el amor material, una teoría derivada de "El banquete" de Platón.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Por otro lado, la inspiración para el tema representado por Botticelli cabe buscarla en fuentes literarias como las obras clásicas de Ovidio y, especialmente, Angelo Poliziano, miembro de la Academia Florentina que en su obra "Stanze per la Giostra" (1494) describía en verso el nacimiento de Venus. Cabe señalar que esta obra estaba dedicada a glosar el amor imposible que profesaba el noble Giuliano de Médici por la bella y virtuosa Simonetta Vespucci, quien fue la modelo para la figura de Venus. Tradicionalmente se creía que el encargo del cuadro había procedido de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, primo de Lorenzo el Magnífico, según un comentario realizado por el historiador renacentista Giorgio Vasari, pero no existen pruebas documentales de tal hecho, por lo que hoy día se desconoce el comitente del cuadro así como la fecha exacta de su realización.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli (Florencia, 1445-ibídem, 1510) fue un pintor del "Quattrocento" italiano, miembro de la llamada «segunda generación florentina», tras la primera formada por Fra Angélico, Masaccio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno y Filippo Lippi; entre sus correligionarios en esta segunda generación destacaron Benozzo Gozzoli, Domenico Ghirlandaio, los hermanos Antonio y Piero Pollaiuolo, Andrea del Verrocchio y Piero di Cosimo. Estos artistas muestran en general un estilo suntuoso y refinado, con cierta influencia de la pintura flamenca, que se denota por un gusto burgués en el detalle y los aspectos concretos de la vida, atemperada por un clasicismo inherente a la tradición pictórica italiana.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Fue discípulo de Filippo Lippi, cuya influencia se denota en sus primeras obras. Sin embargo, por su temperamento se enmarcó en un estilo derivado del gótico trecentista italiano —el llamado estilo italo-gótico—, en contraposición al naturalismo científico liderado por Masaccio. Este estilo se basaba en la preponderancia de la línea y el dibujo sobre el color, así como un deje estilizado y sentimentalista, de gracia femenina y cierto amaneramiento. Prácticamente toda su vida profesional transcurrió en Florencia, excepto su participación en la decoración de la Capilla Sixtina en Roma entre 1481 y 1482, en colaboración con Perugino, Cosimo Rosselli y Ghirlandaio. Entre 1478 y 1485 realizó, probablemente por encargo de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, tres obras basadas en la mitología clásica grecorromana: "La primavera" (c. 1478), "Palas y el Centauro" (c. 1482-1483) y "El nacimiento de Venus" (c. 1482-1485), todas ellas conservadas en los Uffizi. En estas obras desarrolló un contenido iconográfico vinculado a la filosofía neoplatónica desarrollada en la Academia Platónica Florentina por iniciativa de Cosme de Médicis, integrada por filósofos, artistas y escritores como Marsilio Ficino, Giovanni Pico della Mirandola, Cristoforo Landino, Leon Battista Alberti y Angelo Poliziano. Sus obras posteriores se alejaron del paganismo y se volvieron más serias y rigurosas, probablemente por influencia del predicador dominico Girolamo Savonarola. En su momento fue el pintor más popular de Florencia, pero después de 1500 —coincidiendo con el regreso a la ciudad de Leonardo da Vinci— su estilo lineal quedó fuera de moda y, tras su muerte, su obra cayó en el olvido, hasta que su figura fue recuperada por los prerrafaelitas a mediados del .


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: El estilo inicial de Botticelli estuvo marcado por una fluidez lineal combinada con una firmeza plástica derivada de Verrocchio, como se denota en sus vírgenes, la más notable de las cuales es la "Virgen del rosal" (c. 1468, Uffizi). Su serie de cuadros mitológicos para los Médici —iniciada con la "Primavera"— está marcada por el equilibrio espacial y una mayor consistencia formal influida por Piero Pollaiuolo. Con su colaboración en la Capilla Sixtina se inició su fase «clásica», en la que alcanza un equilibrio pleno entre la composición naturalista y una cierta abstracción formal. Sin embargo, ya en "El nacimiento de Venus" se percibe una cierta tensión rítmica, que se acentúa en obras posteriores como "Virgen y santos" (1485, Staatliche Museen, Berlín), "Virgen de la granada" (1487, Uffizi) y el "Retablo de san Marcos" (1490, Uffizi). Sus obras posteriores, marcadas por una nueva pasión religiosa influida por Savonarola, muestran un ritmo más quebrado y una sensibilidad más inquieta, como en "La calumnia de Apeles" (1495, Uffizi). Sus últimas obras son ya completamente arcaizantes, fuera del ambiente artístico de su tiempo: "Natividad mística" (1501, The National Gallery, Londres), "Crucifixión" (c. 1500-1505, Fogg Art Museum, Cambridge).


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Tradicionalmente se ha creído que esta obra, como "La primavera", fue encargada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, primo de Lorenzo el Magnífico, para adornar la Villa di Castello, en la campiña florentina. La idea parte de que fue allí donde las contempló Giorgio Vasari años después. Estudios recientes indican otra cosa: "La primavera" se pintó para la casa de Lorenzo en la ciudad de Florencia y "El nacimiento de Venus" fue un encargo de otra persona para un lugar diferente. Por lo tanto, no se conoce la fecha exacta de su composición, ni tampoco el comitente para el cual fue ejecutado. Actualmente se considera que debió pintarse entre 1482 y 1485; en cualquier caso, después de la estancia romana de Botticelli.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Este cuadro fue revolucionario en su época, por ser la primera obra de gran formato de tema exclusivamente mitológico, además de un desnudo, algo todavía no del todo bien visto por la moral imperante en la época.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Según concuerdan la mayoría de las fuentes, la modelo de Venus fue Simonetta Cattaneo, de casada Simonetta Vespucci (c. 1453-1476), una joven de gran belleza, fallecida prematuramente a los veintitrés a causa de la tuberculosis. A los dieciséis años casó con Marco Vespucci, quien la introdujo en el círculo de la nobleza florentina, donde causó una gran admiración. Fue modelo de numerosos artistas, como Botticelli, Piero di Cosimo o Domenico Ghirlandaio, de tal forma que se convirtió en el prototipo de belleza del Renacimiento quattrocentista. Botticelli la retrató, además de en "El nacimiento de Venus", en "La primavera" (como la diosa Flora), "Palas y el Centauro" (como Palas), "Venus y Marte" (como Venus), "La calumnia de Apeles" (la Verdad), "Virgen de la granada" y en la "Virgen del Magnificat", así como en algunas figuras de las "Pruebas de Moisés" de la Capilla Sixtina, además de un retrato póstumo (c. 1476-1480, Gemäldegalerie de Berlín).


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: El cuadro estuvo en la Villa di Castello hasta 1815, fecha en que fue depositado en la Galería Uffizi. Fue restaurado en 1987, fecha en que se le retiró una capa de barniz que le daba un tono amarillento.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Las fuentes literarias de esta obra son Ovidio ("Las metamorfosis", II 27; "Fastos", V 217) y Angelo Poliziano ("Stanze per la Giostra", 1494). Además, existía en la Florencia de la época el recuerdo de una pintura legendaria del griego Apeles, titulada "Venus Anadiomena" y que Poliziano describe en una poesía, inspirada en un pasaje homérico que, según Plinio, narraba el nacimiento de la diosa. Otra fuente podría ser el poema anónimo "Pervigilium Veneris" (siglo o ), que describe la llegada de Venus a Sicilia. En su "Teogonía", Hesíodo también habla de Afrodita Anadiomene («surgida de las agua»), fruto de la unión entre el cielo y el agua.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: El tema lo tomó probablemente de unos versos de "Stanze per la Giostra" de Poliziano (99-101):


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: En su obra, Poliziano narró el torneo celebrado el 29 de enero de 1475 para celebrar la alianza entre Florencia, Milán y Venecia. En este torneo participó Giuliano de Médici, el hermano menor de Lorenzo el Magnífico, quien encargó a Botticelli la elaboración de un estandarte. En este tipo de pendones era costumbre plasmar un tipo de imágenes alegóricas de difícil interpretación, generalmente dedicadas a amores secretos, una tradicicón procedente de la literatura trovadoresca medieval. Al parecer, Giuliano estaba enamorado de Simonetta, una joven que ejemplarizaba el tipo de mujer ensalzado por Petrarca, que aunaba belleza con cualidades morales; aunque su fidelidad a su esposo era famosa, Giuliano se entregó a un amor imposible que, al fin y al cabo, era el paradigma del amor cortesano. En su estandarte, Botticelli pintó una figura femenina vestida con un túnica blanca bordada en oro, que aludía a Palas Atenea. Estaba posada sobre unas ramas de olivo prendidas en llamas y portaba casco, lanza y un escudo con la cabeza de Medusa. Tras ella había un olivo con la figura de Cupido atada al árbol con hilos de oro, con su arco y flechas rotos a sus pies. En la parte superior figuraba la leyenda "la sans par" («la sin igual») escrita en letras góticas doradas. El simbolismo es claro: Palas representa a Simonetta, vestida con túnica blanca como símbolo de castidad, y cuya armadura la protege de las flechas del amor. La leyenda de los dos amantes se magnificó por su trágico fin en plena juventud: Simonetta murió de tuberculosis y Giuliano asesinado en la conspiración de los Pazzi.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Según cuenta la leyenda, Venus (Afrodita en la mitología griega), diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Saturno y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. Según el mito, la diosa fue transportada por Céfiro, dios del viento oeste, hasta tierra, y acogida por las Horas, las diosas de las estaciones, quienes la vistieron y condujeron a la morada de los dioses. Así, Botticelli omite el suceso truculento de la castración y se centra en el surgimiento de la diosa del mar y su llegada a tierra impulsada por los vientos, en medio de una lluvia de flores que simbolizan la fecundación del mar por el cielo.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: En la escena representada por Botticelli, Céfiro aparece a la izquierda insuflando un soplo de viento a Venus. Transporta en sus brazos a Cloris (Flora en la mitología romana), la diosa de las flores y los jardines, mujer de Céfiro, y están rodeados de flores que parecen caer del cielo. Son rosas, la flor del amor, creada según el mito al mismo tiempo que la diosa. Según otra interpretación, en vez de Cloris podría tratarse de Aura, la diosa de la brisa. En el centro aparece Venus desnuda sobre una concha, símbolo de fertilidad. A su lado, en la esquina inferior izquierda, aparecen unos juncos marinos, en medio de unas olas en forma de V. A la derecha aparece una de las Horas, seguramente la Primavera, que tiende un manto púrpura para cubrir a la diosa recién nacida. Lleva un traje floreado, blanco y bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul, que se relaciona con la llegada de la primavera. Los árboles del fondo son naranjos, veteados de flores y espinas doradas, imitando el color del cabello de Venus.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: El paisaje del fondo es meramente decorativo, lo importante en la imagen son las figuras, dispuestas a modo de friso. Esta sensación se refuerza por la poca sensación de profundidad que ofrece el cuadro, que parece un "collage" con un fondo plano y unas figuras superpuestas. Las olas del mar dan más sensación de alfombra que de ondas marinas y los árboles de la derecha no guardan relación de proporción con las figuras. En cuanto a cromatismo, los tonos verdeazulados de cielo y mar contrastan con los tonos pálidos de las figuras, mientras que los toques dorados esparcidos por todo el cuadro proporcionan luminosidad al ambiente. La postura de Venus imita las de la estatuaria clásica grecorromana, un guiño del pintor a la tradición que sin duda sería reconocido por el espectador más erudito. La figura está desplazada ligeramente a la derecha, con lo que el peso recae sobre la pierna izquierda, una postura conocida en el arte clásico como "contrapposto". Con su mano derecha se tapa los senos, mientras que con la izquierda sostiene una mata de su larga cabellera rubia con la que se cubre la ingle. Esta postura recuerda la de la Venus Púdica, una tipología frecuente en la estatuaria clásica, como la Afrodita de Cnido, la Venus Capitolina, la Afrodita de Menofanto o la Venus de Médici. Sus rasgos faciales, como los de la mayoría de personajes retratados por el artista, destacan por sus finas narices, pómulos pronunciados y recias mandíbulas, destacando la estructura ósea de las figuras.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones. El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recuperó en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. En consonancia con el neoplatonismo de la Academia Florentina, esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo, o bien la verdad moral o metafísica. Según esta filosofía, la belleza es un atributo de la divinidad, por lo que la representación de Venus es equiparable a la de la Virgen María.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Sobre esta obra se ha efectuado a menudo una lectura en clave neoplatónica. En función de una segunda leyenda que hacía de Afrodita hija de Zeus y Dione, Platón, en "El banquete", imaginó la existencia de dos Afroditas: la nacida de Urano (el Cielo) sería Afrodita Urania (celeste), que representaría el amor puro y espiritual, mientras que la hija de Dione sería Afrodita Pandemos (popular), que significaría el amor vulgar, material. Esta diferenciación entre dos Venus como personificaciones de dos tipos de amor fue recogida por la Academia Florentina, en cuyo ambiente estaba inmerso Botticelli. Marsilio Ficino, uno de los principales teóricos de la escuela, recuperó la figura de Venus como modelo de virtudes y de exaltación mística, y opuso las dos figuras de Venus como símbolos de lo que hay de divino y de terrenal en la mujer. Así, ya en la "Primavera" Botticelli recogió esta idea, donde las figuras representadas simbolizarían el circuito del amor, desde el terrenal representado por Céfiro hasta el celestial simbolizado por Mercurio. De igual manera, en "El nacimiento de Venus", la figura central sería la de la Venus celeste, engendrada por la unión entre el espíritu y la materia.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: En consonancia con estas teorías, en "El nacimiento de Venus" Botticelli simbolizó con la contraposición luz-oscuridad la dicotomía entre materia y espíritu: en la parte izquierda del cuadro la luz corresponde al alba (Céfiro era hijo de Aurora, la diosa del amanecer), mientras que en la parte derecha, más oscura, se sitúa la tierra y el bosque, como elementos metafóricos de la materia. Venus se encuentra en el centro, entre el día y la noche, entre el mar y la tierra, entre lo divino y lo humano.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Por otro lado, Giulio Carlo Argan ("Botticelli", 1957) señaló una posible concordancia entre la mitología clásica y la religión cristiana: así, la figura de Venus representaría el alma cristiana surgiendo del agua del bautismo. De hecho, se ha señalado en ocasiones la similitud compositiva entre esta obra y "El bautismo de Cristo" de Andrea del Verrocchio y Leonardo da Vinci (c. 1475-1478, Uffizi). Por su parte, Ernst Gombrich ("Botticelli's Mythologies", 1945) identificó esta obra como el nacimiento de "Humanitas", de la humanidad, una personificación del nuevo humanismo renacentista.  La plena interpretación de este cuadro está supeditada a su relación con la "Primavera". Según Erwin Panofsky ("Renacimiento y renacimientos en el arte occidental", 1975), en ambas obras la figura de Venus ocupa el lugar central, aunque una está desnuda ("Nacimiento") y otra vestida ("Primavera"), y representan los dos polos de esta figura mítica: en el "Nacimiento" se representa la Venus celeste y en la "Primavera" la Venus vulgar. Por el contrario de lo que podría parecer, es la celeste la que se muestra desnuda, porque su belleza es pura y de origen sobrenatural. Tiziano hizo la misma contraposición en "Amor sacro y amor profano" (1515, Galería Borghese, Roma). Otra correspondencia, señalada por Edgar Wind ("Los misterios paganos del Renacimiento", 1972), es la presencia de la Hora Primavera dispuesta a cubrir a la diosa con un manto, lo que equivaldría a ocultar la verdadera belleza pura y desnuda; una vez cubierta, se transforma en la Venus vulgar que aparece en la "Primavera". En última instancia, una es reflejo de la otra, la belleza corporal como reflejo de la belleza espiritual, el amor humano como reflejo del amor divino.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Algunos historiadores del arte como Gombrich ("op. cit.") y André Chastel ("Arte y humanismo en Florencia en la época de Lorenzo el Magnífico", 1991) han señalado igualmente su concordancia con la religión católica, derivada del intento de la Academia Florentina de aunar la filosofía platónica con la doctrina cristiana. Ficino llegó a equiparar a Platón con el Dios Padre y a Plotino como su hijo Cristo. Así, las obras mitológicas de Botticelli reflejarían también valores propios del arte sagrado, mediante una transferencia de tipos que vincularía las imágenes profanas con las de culto religioso. Según estos estudiosos, el nacimiento de Venus podría relacionarse con el bautismo de Cristo, mientras que el jardín del Amor equivaldría al Paraíso terrenal. Panofsky también señala el parecido de la Venus de la "Primavera" con una Virgen de la Anunciación. En cualquier caso, es innegable el parecido de numerosas vírgenes botticellianas con diosas mitológicas, partiendo además de que la modelo de ambos tipos fue en varias ocasiones Simonetta Vespucci.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: El cuadro está realizado al temple sobre lienzo. Por lo general, en sus obras de caballete preparaba la superficie con blanco de España y blanco de color en polvo, ligados con cola de carpintero. Sobre esta base ejecutaba mediante incisión con estilete las líneas directrices de la composición (perspectiva, arquitecturas) y posteriormente delineaba con pincel las líneas y contornos de figuras y objetos, con una tinta oscura muy líquida. A continuación aplicaba el color en capas sucesivas, separadas con un barniz de cola de pergamino. Por último, aplicaba algunas veladuras con temple de caseína, con las que ejecutaba los últimos planos, como paisajes y demás.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Algunos estudios han indicado que la obra podría estar mutilada unos 30 o en su parte superior. Así, la altura original del cuadro podría haber sido la misma que la "Primavera" y "Palas y el centauro", lo que reforzaría la hipótesis de un único encargo de estas tres obras.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: En esta obra, Botticelli se alejó de la descripción realista para priorizar el sentido alegórico de la obra. Así, prescindió de la perspectiva y distorsionó las formas, especialmente en cuanto a la estilización de las figuras. La naturaleza está idealizada, convertida en un escenario decorativo que busca más la estética, el ideal de belleza, que no la plasmación de una naturaleza real. Por otro lado, la figura de Venus tiene un aire ausente, nostálgico, de evocación de una edad dorada irremediablemente perdida, la edad clásica tan evocada por los neoplatónicos.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Para esta obra se inspiró en los pocos restos de obras clásicas que tenía a su alcance, algunos sarcófagos, joyas, relieves, cerámicas y dibujos, y creó un arquetipo de belleza que sería identificado como el ideal clásico de belleza desde el Renacimiento. En "La primavera" recuperó el género del "draperie mouillée" que repitió en "El nacimiento", con unas finas telas semitransparentes que dejan entrever el contorno del cuerpo, con un sentido del clasicismo procedente de las pinturas de Pompeya y Herculano o los estucos de Prima Porta y la Villa de Adriano. Sin embargo, Botticelli se alejó del carácter volumétrico del desnudo clásico, con unas figuras frágiles y esbeltas que respondían más al concepto moderno del cuerpo humano, al tiempo que sus rostros son más personales y humanizados que los ideales prototipos clásicos. En "El nacimiento de Venus", pintado tras su estancia en Roma, donde realizó sus frescos de la Capilla Sixtina, mostró un más puro clasicismo, gracias a su contacto con las antigüedades romanas presentes en la ciudad de los papas. Así, su Venus está despojada ya de todo ropaje y de cualquier tipo de cortapisa moralista, abandonando definitivamente el arte medieval para entrar de lleno en la modernidad.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: La figura de Venus, pese al clasicismo de la composición, responde más a criterios góticos, no tanto en cuanto a proporciones, sino en ritmo y estructura: su forma curva hace que la figura no esté distribuida equitativamente, sino que el peso cae más a la derecha, y el movimiento ondulado de su contorno y sus cabellos da la sensación de estar flotando en el aire. Pese a la esbeltez de sus proporciones, algunas partes del cuerpo están desproporcionadas: tiene el cuello demasiado largo, los hombros caídos y el brazo derecho más largo de lo normal. Pese a todo, su figura muestra una innegable gracia y armonía, por lo que se convirtió en el prototipo de la belleza de su tiempo.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: Sobre el goticismo de la figura de Venus, cabe señalar que Botticelli pudo tener un referente en la estatua de la "Templanza" del púlpito de la catedral de Pisa, obra de Giovanni Pisano de alrededor de 1300-1310. Esta figura es un claro ejemplo de Venus Púdica copiada sin duda de esculturas clásicas, que se cubre sus partes íntimas con sus brazos, y es uno de los pocos eslabones existentes entre el arte clásico y el renacentista en el tema del desnudo mitológico.


title: El nacimiento de Venus (Botticelli)

text: La "Venus" de Botticelli tuvo un gran éxito en su día y su figura fue reproducida en numerosas obras tanto del propio taller del artista como por parte de otros artistas. Del taller de Botticelli se conservan dos copias, una en la Gemäldegalerie de Berlín y otra en la Galleria Sabauda de Turín. El éxito de esta obra conllevó incluso su exportación a otros países, especialmente Francia y Alemania. Su influencia se denota en obras como el óleo de "Venus y Cupido" del alemán Lucas Cranach el Viejo de 1509 (Museo del Hermitage, San Petersburgo), de tamaño natural y la primera de varias obras realizadas por Cranach con Venus como protagonista, normalmente acompañada de Cupido, y que combina la influencia del Renacimiento italiana con la religión y la moral del humanismo alemán, siendo la primera pintura de Venus desnuda realizada por un artista del norte de Europa.


title: Carlota de México

text: Carlota de México (nacida María Carlota Amelia Augusta Victoria Clementina Leopoldina de Sajonia-Coburgo-Gotha, Bruselas, 7 de junio de 1840 - 19 de enero de 1927) fue la segunda y última emperatriz de México; siendo de nacimiento princesa de Bélgica y por su matrimonio archiduquesa de Austria, princesa de Hungría y Bohemia y virreina de Lombardía-Véneto entre otros títulos.


title: Carlota de México

text: De conformidad con lo establecido con el artículo 2 del Estatuto provisional del Imperio, que la reconocía como regente y cabeza del gobierno ante cualquier ausencia del emperador Maximiliano I; y considerando que en efecto dicha regencia se produjo (durante las giras del monarca al interior del país), ejerciendo distintas funciones ejecutivas, la emperatriz fue la primera mujer gobernante en la historia de México.


title: Carlota de México

text: Nació en el castillo de Laeken cerca de Bruselas, Bélgica, el 7 de junio de 1840. Fue la única hija, de los cuatro, del matrimonio formado por el rey Leopoldo I de los Belgas y la princesa Luisa María de Francia (hija del rey Luis Felipe I de Orleáns, descendiente de Luis XIII, y de la princesa María Amelia de las Dos Sicilias, hija a su vez de Fernando I, rey de las Dos Sicilias.


title: Carlota de México

text: Llamada así en honor a la primera esposa de su padre, la princesa Carlota de Gales que murió durante un parto fallido, Carlota tenía tres hermanos: Luis Felipe, que murió en la primera infancia, Leopoldo, que después de la muerte de su padre se convirtió en rey de Bélgica y el príncipe Felipe, conde de Flandes.


title: Carlota de México

text: Su abuela la reina María Amelia de Francia, era la esposa de Luis Felipe I de Francia, y sobrina de la reina María Antonieta que murió decapitada víctima de la revolución francesa. María Amalia era la confidente cercana de Carlota, y durante su boda en 1857, llevó una pulsera con un retrato en miniatura de su abuela y mantuvieron correspondencia con regularidad, sobre todo más tarde mientras Carlota se encontraba en México.


title: Carlota de México

text: Cuando Carlota tenía diez años, su madre, la reina Luisa María, murió de tuberculosis y Carlota fue confiada a la Condesa de Hulste, una amiga cercana de la familia. Aunque joven, la princesa tenía su propia casa pero durante unas semanas al año, se quedaba en Claremont House, la casa de campo donde pasaba el exilio la reina María Amelia y el resto de la familia real de Francia


title: Carlota de México

text: Pertenecía a la Casa de Sajonia-Coburgo-Gotha que tomó su nombre del diminuto ducado alemán que era la patria de su padre, el primer rey de Bélgica.


title: Carlota de México

text: El 27 de julio de 1857, Carlota contrajo matrimonio con el archiduque de Austria, Fernando Maximiliano de Habsburgo, el idealista hermano menor de Francisco José I, emperador de Austria, convirtiéndose posteriormente en archiduquesa de Austria. En la Corte de Viena ella fue muy apreciada por su suegra, que veía en ella el ejemplo perfecto de una esposa de un archiduque austriaco. Carlota tuvo una relación tensa con la emperatriz Isabel, mejor conocida como Sissi, esposa de su cuñado Francisco José I. Aparentemente Carlota sentía rechazo por la profunda conexión que existía entre la emperatriz y Maximiliano.


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text: Más adelante por presiones de su padre el rey Leopoldo I, se decidió nombrar a Maximiliano como virrey de Lombardía-Venecia. Carlota pasó varios años relativamente felices en Italia como la esposa de Maximiliano mientras él se desempeñaba en sus funciones como el gobernador de las provincias de Lombardía y Venecia. Aunque Lombardia y Venecia estaban bajo el dominio del Imperio austríaco, ni Maximiliano ni Carlota tuvieron verdadero poder, y ambos estaban impacientes por papeles más desafiantes en la vida.


title: Carlota de México

text: Años después la joven pareja aceptó la oferta del trono de México hecha por la Junta de Notables, un grupo de mexicanos sobresalientes de todo el territorio (de ahí el "Notables") opuestos al gobierno encabezado por Benito Juárez), entre ellos José María Gutiérrez de Estrada, Juan Nepomuceno Almonte y el doctor José Pablo Martínez del Río entre otros. Ellos anhelaban una monarquía para solucionar la inestabilidad política de México. Irónicamente Juan Nepomuceno Almonte era hijo del generalísimo José María Morelos y Pavón, uno de los principales insurgentes en la guerra de Independencia contra España.


title: Carlota de México

text: A principios de la década de 1860, Napoleón III de Francia inició la Intervención francesa en México. Francia, impaciente en convertir a México en un Estado satélite, buscó un testaferro adecuado para servir como el emperador nominal. El archiduque Fernando Maximiliano de Habsburgo aceptó la propuesta y la pareja navegó para el Nuevo Mundo, llegando al Puerto de Veracruz en 1864 a bordo de la fragata "Novara" que fondeó en la bahía del puerto. Fueron coronados en la Catedral de la Ciudad de México el 10 de abril de 1864 y escogieron como Residencia Imperial el Castillo de Chapultepec.


title: Carlota de México

text: Carlota como nueva emperatriz, comenzó junto a su esposo Maximiliano a configurar una corte con un rígido protocolo influenciado por su vida juntos en Austria. Carlota presidía junto a Maximiliano los grandes bailes y recepciones que se celebraban en el Palacio Nacional de México y su nueva residencia imperial, Chapultepec. La nueva emperatriz intentó, desde un principio, mantener una activa actitud hacia los asuntos políticos. Con un carácter decidido, Carlota intervino en la política imperial (más crítica cada día que pasaba), mientras Maximiliano se evadía en sus proyectos para reformar México. Llevando a cabo actuaciones para intentar frenar la inestable situación que se vivía fuera de la ciudad de México, sobre todo con respecto a los grupos guerrilleros y el ejército liberal fiel a Benito Juárez, Carlota intentó ayudar en todo lo posible al emperador Maximiliano.


title: Carlota de México

text: En su corto reinado, Carlota de México asumió las funciones propias de su rango, y durante algunos meses, mientras Maximiliano visitaba el interior del país, encabezó la regencia del Imperio. La emperatriz llegó a promulgar la abolición de los castigos corporales y una justa limitación de las horas de trabajo; impulsó empresas como los ferrocarriles, el telégrafo, el transporte a vapor y la beneficencia. Retomó, con su esposo, el proyecto del monumento a los Héroes de la Independencia que Santa Anna había dejado inconcluso y encargó a Ramón Rodríguez Arangoity la remodelación integral del Zócalo. Fundó un conservatorio de música y una academia de pintura. Gastó enormes cantidades de dinero en obras de caridad. Abrió guarderías, asilos y casas de cuna. Expulsó a los ladrones de los alrededores de la ciudad. En el conflicto entre el segundo imperio y la iglesia católica, Carlota jugó un papel muy importante: ferviente católica, pero escéptica del clero mexicano, negoció sin ceder haciendo que se rompiera definitivamente la relación entre el Estado y la Iglesia. Promulgó la ley de instrucción pública en la cual se garantizaba la educación primaria, obligatoria y gratuita. La emperatriz había sido educada por su padre el rey Leopoldo I para gobernar, por lo cual contaba con amplios conocimientos en política, geografía, música y artes. Hablaba francés, alemán, inglés, italiano y español. Incluso llegó a elaborar un proyecto de constitución. Su actitud y determinación frente al ejercicio del poder, sumadas a sus ideas liberales y la influencia que ejercía a su esposo, no solo la volvieron un importante contrapeso en el poder, sino que era vista como una figura que podría fortalecer la posición del imperio frente al avance republicano, a tal grado que fue apodada como ""La roja"" por sus posturas radicales.


title: Carlota de México

text: En el ámbito privado, la pareja imperial fue distanciándose con el paso de los meses. Carlota y Maximiliano disponían de aposentos y camas separadas y cada vez fue menos frecuente la visita del emperador a las habitaciones de su cónyuge. Por otro lado, pronto surgieron rumores de infidelidades de Maximiliano, fascinado por las jóvenes mexicanas.


title: Carlota de México

text: El Segundo Imperio Mexicano (1864-1867), fue breve y agitado debido a los choques entre la guerrilla republicana y los ejércitos imperiales mexicanos y franceses. Desde el principio los emperadores no pudieron equilibrar sus políticas liberales con la plataforma de los intereses conservadores que les habían llamado a gobernar. Tan solo pocos meses después de la coronación, Napoleón III comenzó a señalar su abandono a Maximiliano. En 1866 Francia, bajo la amenaza de Prusia, la presión de los Estados Unidos y especialmente las derrotas que sufrían frente a los guerrilleros de Benito Juárez, retiró sus tropas. Este obstáculo estratégico fue un golpe fatal a la monarquía mexicana y el Imperio se vino abajo. La situación fue exacerbada por un bloqueo de los Estados Unidos que impidió acudir a los refuerzos franceses.


title: Carlota de México

text: La emperatriz Carlota Amalia, que ya se había destacado como atrevida viajera yendo a la Península de Yucatán para conocer a los mayas y las ruinas de Uxmal en 1865, decidió cruzar el océano Atlántico en búsqueda de ayuda en Europa en una tentativa desesperada de salvar el trono de su marido, entrevistándose con la nobleza europea en París y Viena, a quienes recordaba en vano el compromiso contraído cuatro años antes; pero el poco éxito de su petición pudo ser una de las razones por las que comenzó a mostrar síntomas de desequilibrio mental, ayudado por los continuos desplantes del emperador francés Napoleón III. Desde Francia, se dirigió a Trieste para descansar y después a Roma, con la intención de conseguir el apoyo papal e inclinar a los conservadores mexicanos a su causa. Acudió al papa Pío IX, a quien imploraba un concordato para el imperio tambaleante, sin embargo, del papa únicamente consiguió promesas vagas que la desesperaron. En una de esas entrevistas, empezó a mostrar alteraciones en su intelecto e inclusive mencionando que la querían envenenar, llegando a tomar el agua de las fuentes públicas de Roma. Inclusive, posterior a una de las entrevistas con el Santo Padre, durmió en la Santa Sede, siendo hasta ahora la única mujer que ha dormido en ese sitio. Fue así como Carlota Amalia fracasó en el intento de lograr el apoyo europeo para la monarquía mexicana. Desde ese momento, bajo presión, su locura fue incrementándose, con episodios de lucidez y demencia, agravados (si cabe) por el fusilamiento de su marido. Maximiliano I había sido aprehendido en Querétaro y en juicio por el estado de guerra en el país, se le condenó a muerte. La sentencia se cumplió el 19 de junio de 1867, en el Cerro de las Campanas en Santiago de Querétaro, acompañado de los generales Miguel Miramón y Tomás Mejía.


title: Carlota de México

text: El Imperio se había derrumbado después de solo tres años tal y como ella había predicho que si Napoleón III sacaba sus tropas de México el segundo Imperio Mexicano se caería como un castillo de naipes. El presidente de México Benito Juárez aprobó la ejecución de Maximiliano I el 19 de junio de 1867 decidida por un Tribunal Militar. Las últimas palabras del depuesto emperador sobre su esposa fueron: "¡Pobre Carlota!". Unos meses antes Carlota había abandonado México en su vano intento de obtener ayuda de Francia y del papa, al llegar a Europa y fracasar en su misión, comenzó a mostrar signos de locura. Su hermano el príncipe Felipe, conde de Flandes, la tenía examinada por médicos, que la declararon demente. Ella pasó el resto de su vida en aislamiento, primero en el pabellón del jardín (el "Gartenhaus") de su castillo de Miramar. Luego Carlota fue trasladada al Castillo de Tervuren y finalmente en el Château de Bouchout en Meise, Bélgica.


title: Carlota de México

text: Durante la Primera Guerra Mundial, su propiedad belga fue rodeada por el ejército alemán, pero como Austria fue uno de los aliados principales de Alemania y ella era la cuñada viuda del emperador austriaco, Francisco José, no fue atacada. Un corresponsal norteamericano de la época capturó para la posteridad el letrero que se puso afuera del castillo.


title: Carlota de México

text: Existe la hipótesis de que la locura de Carlota era real y fue debido a la ingesta de la seta teyhuinti, se dice que Carlota fue con una herbolaria de la Ciudad de México a la cual le pidió ayuda para poder concebir. Llevaba oculta su identidad con un velo, pero la herbolaria, partidaria de Benito Juárez, la reconoció. Al teyhuinti se le conoce como la "carne de los dioses", y se emplea en soluciones muy diluidas, como un tónico, porque a concentraciones altas puede producir un estado de locura permanente.


title: Carlota de México

text: Carlota falleció víctima de una neumonía causada por influenza el 19 de enero de 1927, con 87 años de edad, a las 7 de la mañana en el Château de Bouchout, Bruselas.


title: Carlota de México

text: Tras su muerte, las Cámaras de Bélgica levantaron sus sesiones en señal de duelo; se guardó luto en la corte por diez días; expusieron su cuerpo en la Cámara Imperial de Bouchout, sobre un lecho de roble cubierto por rosas y cyclaminos y un baldaquino azul celeste. La familia real veló junto a ella. Al día siguiente se realizó el funeral, su cuerpo fue trasladado a la iglesia parroquial de Meysse en un carro adornado por las armas imperiales, y seguida por el rey Alberto I, los príncipes Leopoldo y Carlos, el conde de Mérode, el general Hanatiau y el barón de Goffinet. Por su parte, la reina Isabel, las princesas, la duquesa de Vendôme, la princesa Genoveva de Orleans y la condesa de Chaponay la esperaban en la iglesia. La bendición fue dada por el cardenal Mercier. Sobre su féretro se leía:


title: Carlota de México

text: Sus restos reposan en la cripta de la Iglesia de Laeken, lejos de los restos mortales de su marido, que descansan en la Cripta Imperial de la Iglesia de los Capuchinos en Viena.


title: Carlota de México

text: De acuerdo con diversos autores, en su lecho justo antes de morir, la emperatriz Carlota dijo las siguientes palabras:


title: Carlota de México

text: Según Miguel de Grecia, suspiró sosteniendo un rosario y murmurando:


title: Carlota de México

text: Según Iturriaga De la Fuente:


title: Carlota de México

text: Según S. van Eckhaus:


title: Carlota de México

text: Según Carolina de Brasner, en relación al haber sido recostada en su lecho en lugar de su tumbona como deseaba: Carlota de México recibió las siguientes condecoraciones durante su vida:


title: Carlota de México

text: Segundo Imperio mexicano


title: Carlota de México

text: Imperio Austrohúngaro Reino de España Reino de Portugal Orden de Malta  Así inicia el libro del narrador Fernando del Paso, "Noticias del Imperio", basado en la trágica historia de un efímero imperio; cuya principal protagonista fue Carlota, la princesa belga, junto con el príncipe Maximiliano de Habsburgo.


title: Carlota de México

text: "Empress Charlotte" escrita por Fabien Nury e ilustrada por Matthieu Bonhomme. Hasta ahora se han publicado dos partes:


title: Fernando Botero

text: Fernando Botero Angulo ODB (Medellín, 19 de abril de 1932) es un pintor, escultor y dibujante colombiano, domiciliado en Pietrasanta (Italia), París, Mónaco y Nueva York.


title: Fernando Botero

text: Fernando Botero nació el 19 de abril de 1932 en Medellín, en el medio de la familia conformada por su padre David Botero, su madre Flora Angulo y su hermano cuatro años mayor, Juan David. Cuatro años después de su nacimiento, en 1936 nació su hermano menor, Rodrigo. El mismo año, falleció su padre.


title: Fernando Botero

text: A partir de 1938 realizó estudios de primaria en el Ateneo Antioqueño y el bachillerato en la Bolivariana.


title: Fernando Botero

text: En 1944 asistió a la escuela de tauromaquia en la plaza de La Macarena de Medellín, con el banderillero ‘Aranguito’, a petición de un tío, quien no se imaginaba que su verdadera vocación era la pintura. Tuvo un percance con los toros, lo que hizo que él los dejara. Es de notar que en ese período hizo su primera obra, una "acuarela de un torero". Una vez que su familia comprendió su vocación, Botero realizó su primera exposición en Medellín en 1948.


title: Fernando Botero

text: Realizó ilustraciones para un periódico local (El Colombiano), con lo que financiaba sus estudios, redactó un artículo sobre Picasso, lo que le acarreó la expulsión del Colegio Bolivariano, plantel en el que estudiaba, ya que sus dibujos fueron considerados como obscenos, y debió culminar sus estudios en el Liceo de la Universidad de Antioquia. Itineró entre sus afamados estudios de esculturas de Pietra Santa, Italia y los de pintura en París (Francia), Nueva York (Estados Unidos de América) y de Montecarlo (Principado de Mónaco); así mismo, dedicó tiempo al dibujo algunos días del año en Zihuatanejo, México y Rionegro, en Colombia.


title: Fernando Botero

text: Una vez terminados sus estudios secundarios en 1950, se trasladó a Bogotá en 1951, donde tuvo contacto directo con algunos de los intelectuales colombianos más importantes de la época. Ese mismo año, Botero realizó sus dos primeras exposiciones individuales y en la galería Leo Matiz dio un muy buen avance a su carrera. Posteriormente, se radicó en Tolú, en la Costa Caribe colombiana, donde se dedicó a pintar en la pensión de Isolina García, y pagó su estadía con un mural. A su regreso a Bogotá, con el óleo "Frente al mar" ganó el segundo puesto en el IX salón nacional de artistas.


title: Fernando Botero

text: En 1952, con el dinero recibido por el premio y con la venta de algunas de sus obras, Botero llegó a Europa en el barco italiano "Uso dimare", que salía desde el puerto de Buenaventura en el Pacífico colombiano. Llegó a España, primero a Barcelona y se estableció luego en Madrid, donde se inscribió en la Real Academia de Arte de San Fernando y para garantizar su sostenimiento, hacía dibujos y pinturas a las afueras del Museo del Prado.


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text: En 1953 pasó el verano en París con el cineasta Ricardo Iragarri, y luego se mudó con él a Florencia, se inscribió en la Academia de San Marcos, donde recibió un fuerte influjo del arte del renacimiento italiano, estudiando especialmente la obra de Piero della Francesca, Paolo Uccello y Tiziano, entre otros. Su encuentro con el libro "Los pintores italianos del Renacimiento" de Bernard Berenson y con la obra de Paolo Uccello (especialmente con el díptico de la Batalla de San Romano en la Galería Uffizi) habrían de ser determinantes para su experimentación con el volumen en la pintura, especialmente por la noción de "valores táctiles" y tridimensionalidad que Berenson le adjudicó a Ucello y Giotto en sus obras.


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text: Tras su regreso de Italia en 1955, el artista decidió hacer una exposición en Bogotá de las obras realizadas en Europa, de las cuales obtuvo muchas críticas, pues en ese momento el país estaba influido por la vanguardia francesa, lo que le acarreó una fría recepción.


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text: Luego de esta difícil experiencia, Botero se casó con Gloria Zea, con quien en 1956 partió a Ciudad de México. Nuevas influencias se fueron haciendo visibles en su obra, especialmente la del pintor colombiano Alejandro Obregón con su lenguaje moderno y la del mexicano Rufino Tamayo con su desbordante color. Por otra parte, la obra del muralismo mexicano, que tanto le había desvelado en su juventud, ahora parecía desilusionarle, por lo cual decidió estudiar sus nuevas influencias y centrarse durante un tiempo en la experimentación del volumen a partir de bodegones. A partir de esta indagación Botero descubrió un lenguaje propio que primero se evidenciaba en objetos de sus naturalezas muertas y que posteriormente empezaba a crear en personajes humanos que interactuaban con sus objetos. Un año después, expuso por primera vez en Nueva York: el éxito comenzaba a acompañarle. Fernando Botero logró a intensificar sus batallas personales, sus combates lienzo a lienzo, del arte contra el tiempo y de la belleza contra la muerte.


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text: Botero regresó a Bogotá y en el año de 1958 fue nombrado docente de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia. Este presentaba una obra de formato grande, al "X Salón de Artistas Colombianos." Concebida con la consciencia de ser una obra maestra, Botero obtuvo con "La Camera degli sposi (Homenaje a Mantegna)" el primer premio en el salón, consolidándose como el pintor más importante de este año en Colombia. Ese mismo año expuso en varias galerías de Estados Unidos. En una de estas exitosas exhibiciones del mismo año, "La Camara degli sposi" fue vendida a un empresario en Chicago, y desde entonces la obra desapareció. Numerosos críticos e historiadores de arte latinoamericanos la han señalado como una de las obras más importantes del arte colombiano por ser un punto de la consolidación del lenguaje pictórico de Botero, y por abrir las puertas a la nueva figuración que después experimentarían otros pintores jóvenes. La obra había causado una gran polémica al ser inicialmente descartada del salón, luego reintegrada y finalmente premiada. Despertaba una tremenda duda en el público y en los jurados que inicialmente concibieron la obra como una caricatura de "La Cámara de los Esposos" del pintor renacentista Andrea Mantegna. Marta Traba tuvo que mediar para explicar que los artistas hacían recreaciones artísticas en las cuales aludían o hacían homenajes a otras obras que les precedían, y que el lenguaje "feísta" usado por Botero era una pintura de gran calidad y poder visual.


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text: En el matrimonio con Gloria Zea, directora del Museo de Arte Moderno de Bogotá, Botero tuvo tres hijos: Fernando, Lina y Juan Carlos. Este último nacido el mismo año en que el decidió separarse de su primera esposa. En 1960, Botero regresó a Nueva York para instalarse. Una vez allí, alquiló un pequeño apartamento donde vivía modestamente, pues acababa de separarse de su esposa; además, sus obras no tenían mucho éxito, pues los gustos neoyorquinos de la época cambiaban rápidamente y entonces se imponía la abstracción.


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text: La influencia del expresionismo abstracto ya se hacía evidente desde las obras de 1958, resultado de los primeros viajes de Botero a Nueva York, donde había podido ver los formatos enormes de Jackson Pollock, Franz Kline y de Kooning. Este encuentro marcó la producción de Botero, que, sin embargo, conservó su lenguaje figurativo, pero experimentó con la pincelada agresiva, la utilización de tonalidades fuertes y el uso de formatos grandes. Mientras su estudio por el volumen parecía pasar a un segundo plano por la preocupación por la pincelada y el color, Botero creó interesantes series como la de la Monalisa (una de las cuales fue adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1962) y la de "Los niños de Vallecas" en homenaje a Diego Velázquez.


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text: Para 1962, su lenguaje expresionista llegó a un punto de inflexión, porque estuvo a punto de tomar un rumbo que lo habría alejado definitivamente de su preocupación por el volumen. Botero reinició su experimentación, esta vez interesándose más por las obras de artistas pop que estaban exhibiendo en Nueva York, a raíz de lo cual su obra retomó las preocupaciones temáticas de sus personajes figurativos, dejando de lado el aspecto formal de la pincelada, y usando colores planos en su pintura. En algunos casos llegó incluso a incluir collages en sus pinturas del año 1963. Después de haber encontrado su serenidad económica, Botero se casó de nuevo.


title: Fernando Botero

text: En 1963 trasladó su residencia al East Side y alquiló un nuevo estudio en Nueva York. Es allí donde surgió su estilo plástico en muchas de sus obras de este período, con colores tenues y delicados. Su pasión por Rubens se dejaría ver en sus obras.


title: Fernando Botero

text: A comienzos de 2008, Fernando Botero recibió el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Autónoma de Nuevo León, en Monterrey, México. Igualmente, presentó por primera vez en esta ciudad su colección de pinturas sobre "Abu Ghraib" y su enorme escultura en bronce titulada "Caballo".


title: Fernando Botero

text: En 1962 fue organizada en EE. UU. su primera exposición. Una nueva muestra en el Milwaukee Art Center recibió críticas ampliamente positivas. Es así como Botero empezó un período de muestras y exposiciones entre Europa, los Estados Unidos y Colombia. En 1969 expuso en París; fue a partir de ese momento que Botero empezó un peregrinaje por todo el mundo en busca de inspiración; se movía continuamente de Bogotá a Nueva York y a Europa.


title: Fernando Botero

text: En 1970 nació en Nueva York su hijo Pedro Botero, llamado Pedrito. Paralelamente, su fama mundial aumentaba cada vez más y lo convirtió en ese entonces en el escultor viviente más cotizado del planeta. En 1974, cuando su hijo apenas tenía cuatro años, Botero tuvo un accidente de tránsito en España, lo que le costó la vida a Pedrito.


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text: La muerte de su hijo dejaría trazos en la obra de Botero que, a partir de ese momento, comenzó a tener cambios profundos, considerados por la crítica como huellas de la pérdida de su hijo. Además, su matrimonio con Cecilia Zambrano no superó la pérdida de Pedrito y Botero se separó por segunda vez.


title: Fernando Botero

text: Un año antes, él se había instalado en París y había comenzado a trabajar la escultura. En 1976, Botero hizo una donación de dieciséis de sus obras al Museo de Antioquia, que le consagró una sala permanente para sus obras, la sala Pedrito Botero. Desde 1979, cuando la primera retrospectiva de Botero fuera presentada en el Hirshhorn Museum de Washington, sus exposiciones a través del mundo no se detuvieron. En 1983 se trasladó a la ya citada Pietrasanta, en Toscana (Italia), un pequeño pueblo famoso por sus fundiciones, lo que para Botero significaba la continuidad de su obra escultórica. Al año siguiente, Botero hizo una nueva donación al Museo de Antioquía. Esta vez se trataba de una serie de esculturas que también encontraron lugar en una nueva sala permanente dedicada a Botero en el museo.


title: Fernando Botero

text: A partir de 1983, Botero comenzó una serie de exposiciones a través de todo el mundo que aún hoy no acaba. Es así como sus obras son expuestas y por supuesto conocidas en ciudades como Dubái, Londres, Roma, San Francisco, Chicago, Basilea, Buenos Aires, Tokio, San Juan de Puerto Rico, Santo Domingo, Berlín, Múnich, Fráncfort, Milán, Nápoles, París, Montecarlo, Barcelona -Aeropuerto del Prat-, Moscú, Ciudad de México, Monterrey o Caracas. En conjunto, su obra ha pasado por la mayoría de países europeos y americanos. Botero es uno de los pocos artistas que se han dado el lujo de exponer sus piezas en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Elíseos en París, la Gran Avenida de Nueva York, la Rambla del Raval de Barcelona, la Plaza del Comercio de Lisboa, la plaza de la Señoría en Florencia, frente al palacio de Bellas Artes en Ciudad de México y hasta en las Pirámides de Egipto.


title: Fernando Botero

text: También tiene escultura urbana en ciudades de España, como en Oviedo con su obra La Maternidad del año 1996, y en Madrid. En 2012 se celebraron una serie de homenajes internacionales con motivo de la efemérides de su natalicio número ochenta (80). Las celebraciones incluyeron exposiciones de sus obras en museos de la Ciudad de México, Sao Paulo en Brasil, Pietra Santa y Asís en Italia, Santiago de Chile, Bogotá y Medellín en Colombia, Bilbao en España, Bielefeld en Alemania, entre otras. Así mismo, la Presidencia de Colombia anunció un decreto en que cataloga las 479 obras de Botero que se encuentran en suelo Colombiano como de "interés cultural del ámbito nacional", lo que implica medidas de protección, conservación y promoción por parte del Estado Colombiano. En 2013 se conoció una colección colmada de sensualidad y erotismo denominada colección Boterosutra y en 2015, la más reciente creación artística, que en contraposición a la anterior se denominó como colección «santas».


title: Fernando Botero

text: Desde noviembre de 2015 y hasta abril de 2016, se llevó a cabo una de las más importantes exposiciones antológicas realizadas sobre el artista, en la República Popular China, específicamente en las ciudades de Pekín en el Museo Nacional de China y en Shanghái en el China Art Museum. Igualmente y de forma paralela, se llevó a cabo una exposición de obras del artista, incluyendo la serie Boterosutra, en el Musée Würth de Erstein, Francia, del 25 de septiembre de 2015 al 15 de mayo de 2016.


title: Fernando Botero

text: Las creaciones artísticas de su autoría llevan impresa una sui generis e irreverente interpretación del estilo figurativo, denominado por algunos como «boterismo», el cual impregna de una identidad inconfundible a las iconográficas obras, reconocibles no solo por la crítica especializada, sino también por el gran público, incluyendo niños y adultos por igual, constituyéndose en una de las principales manifestaciones del arte contemporáneo a nivel global; la original interpretación que da el artista a un variopinto espectro de temas se caracteriza desde lo plástico por una volumetría exaltada que impregna a las creaciones de un carácter tridimensional, así como de fuerza, exuberancia y sensualidad, junto a una concepción anatómica particular, una estética que cronológicamente podría encuadrarse en los años cuarenta en occidente aplicada a tramas que pueden ser actuales o pretéritas, locales pero con vocación universal (mitología griega y romana; el amor, costumbres, vida cotidiana, naturaleza, paisajes, muerte, violencia, mujer, sexo, religión y política en Latinoamérica y Europa occidental, así como bodegones, reinterpretación de obras clásicas, retratos y autorretratos, entre otras), representadas con un uso vivaz y magistral (desde el punto de vista técnico) del color, acompañadas de finos y sutiles detalles de crítica mordaz e ironía en cada obra. Es considerado el artista latinoamericano vivo más cotizado actualmente del mundo.


title: Fernando Botero

text: Su obra se inscribe en un original interpretación del estilo figurativo. Desde sus inicios Botero ha recurrido a escenas costumbristas, inicialmente con una pincelada suelta de colores oscuros (con ocasionales contrastes fuertes) cercana al expresionismo y desde finales de los años 1960, ha recurrido a una pincelada cerrada, con figuras y contornos más definidos.


title: Fernando Botero

text: A la orilla de esa carretera del arte contemporáneo, Botero ha instalado durante cinco décadas una escuela de arte con un graduado: él mismo.


title: Fernando Botero

text: En su obra reciente, Botero ha recurrido temáticamente a la situación política colombiana y mundial. Por ejemplo, la serie sobre "Abu Ghraib" está compuesta por 78 cuadros que representan los horrores de la tortura y de la guerra, relacionada con la invasión de los Estados Unidos a Irak y los sucesos de la Prisión de Abu Ghraib, a partir de las declaraciones de las personas allí torturadas.


title: Fernando Botero

text: En lo pictórico se destaca el manejo magistral del óleo, el pastel y la acuarela, así como el dibujo en carboncillo, lápiz, bistre y sanguina sobre lienzo y papel, y en lo escultórico, el esculpido del bronce en diversas pátinas y en mármol de Carrara principalmente.En 1954, Botero se casó con Gloria Zea (fundadora del Museo de Arte Moderno de Bogotá y directora del Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura) y tuvieron tres hijos: Fernando (quien nació en 1956 mientras vivían en Ciudad de México y fue Ministro de Defensa durante el gobierno de Ernesto Samper, el cual fue acusado de enriquecimiento en el proceso 8000), Lina (1958) y Juan Carlos Botero Zea (1960). Los Botero Zea se divorciaron en 1960.


title: Fernando Botero

text: En 1964, Botero se casó con Cecilia Zambrano, con quien tuvo un hijo, Pedro (1970), quien falleció trágicamente en 1974 en un accidente de tránsito en España mientras la familia estaba de vacaciones. Botero y Zambrano se separaron en 1975.


title: Fernando Botero

text: En 1978, Botero se casó con la artista griega Sophia Vari. Viven en París y tienen una casa en Pietrasanta, Italia.


title: Refusenik

text: Refúsenik o refyúznik (, "mesorav aliyah" o "aquél que no está autorizado a realizar la ""aliyah"" -migración-; , otkáznik, de , "negativa"") era un término no oficial para las personas, por lo general, pero no exclusivamente, judías soviéticas, a las que se les negaba el permiso para abandonar la URSS (u otros países del entonces Bloque del Este u oriental), durante la denominada Guerra Fría. El término "refúsenik" es en realidad una palabra por momentos "irónica", derivada del verbo inglés "to refuse" ("rehusar" o "denegar"), a la que se le agregó el sufijo ruso "nik". Pero con el paso del tiempo, e incluso luego del colapso de la Unión Soviética, "refúsenik" ha entrado en el uso coloquial anglosajón para referirse a cualquier tipo de manifestante, proveniente de cualquier país.


title: Refusenik

text: Un número cada vez mayor de judíos soviéticos comenzaron a solicitar visados de salida para poder emigrar de la Unión Soviética, especialmente en el período posterior la Guerra de los Seis Días de 1967. Si bien a algunos se les permitió salir, a la mayoría se les negó el permiso para emigrar, en algunos casos instantáneamente, en otros demorando, "durmiendo" o haciendo languidecer las peticiones durante años en el OVIR (ОВиР: Отдел Виз и Регистрации, transliterado como "Otdel Viz i Reg(u)istratsii", "Oficina de visados y registro"), el departamento del MVD responsable de la provisión de los visados de salida.


title: Refusenik

text: En muchos casos, la razón que se les dio a algunas de estas personas, en particular a los ingenieros, fue que en algún momento de sus carreras habían tenido contacto con información vital para la seguridad nacional de la Unión Soviética


title: Refusenik

text: Para solicitar un visado de salida, los candidatos (a veces toda su familia) a menudo debían abandonar sus (obviamente estatales) puestos de trabajo, lo que a su vez los hacía vulnerables a recibir acusaciones de "parasitismo social", tipificado como delito en el duro código penal soviético.


title: Refusenik

text: Muchos judíos soviéticos encontraron que el (no brutal pero sí evidente) antisemitismo "institucionalizado" de la URSS bloqueaba las posibilidades de promoción o avance de sus peticiones. De hecho, algunas áreas del gobierno soviético estaban virtualmente restringidas a los judíos, a pesar de tener éstos una representación "superproporcional" en el PCUS, mucho más alta que la de cualquier otro grupo nacional.


title: Refusenik

text: Además, como el "judaísmo" para el Estado soviético era "sólo" una "nacionalidad" y no una religión, los judíos tenían serias restricciones a la hora de practicar públicamente su propia fe religiosa. De hecho, en Moscú, una ciudad de varios millones de habitantes, tan solo un puñado de sinagogas gozaban del permiso oficial para poder funcionar como lugares de culto. Si bien muchos habitantes de origen hebreo deseaban emigrar debido a esta severa limitación que sufrían respecto de su vida cultural, el solo pedido de un visado de salida ya era visto como un hostil acto de "deserción" o "traición" por parte del régimen soviético.


title: Refusenik

text: Por lo tanto, la sola petición del permiso de emigración ya de por sí entrañaba bastante riesgo, debido a que la muy probable negativa oficial iba frecuentemente acompañada del despido del trabajo. Y como el Estado era el único empleador, lo más probable es que el ahora "indeseable" no pudiese encontrar otro empleo, por lo que el ahora "refúsenik" se exponía a la marginación económica y a ser acusado de "ostracismo social" a pesar de no depender de él mismo llegar a esa eventual condición.


title: Refusenik

text: Un destacado defensor y portavoz del movimiento "refúsenik" durante la década de 1970 fue Natán Sharanski. Éste, con la participación del la agrupación "Helsinki-Moscow Watch Group", ayudó a incorporar la lucha por los derechos de emigración dentro del contexto mayor del movimiento de derechos humanos en la URSS. Su posterior detención y juicio (bajo "supuestos" -y fabricados- cargos de espionaje y traición) terminó afectando al propio régimen soviético en el exterior, al favorecer el apoyo internacional a la causa "refúsenik".


title: Refusenik

text: Los "refúseniks" judíos incluían a aquellos que deseaban emigrar debido a motivos religiosos, a los que deseaban hacerlo debido a sus aspiraciones nacionalistas o sionistas y a los relativamente seculares, los cuales, no obstante, deseaban escapar de una corriente de antisemitismo patrocinada por el propio Estado soviético, a veces de manera sutil, y otras, de forma más visible.


title: Refusenik

text: Además, un creciente número de alemanes del Volga intentaron obtener permiso para emigrar a la entonces Alemania Occidental (RFA). A la diáspora potencial de éstos se fueron uniendo varios armenios, cristianos evangélicos, católicos, y otros grupos étnicos o religiosos que deseaban exiliarse de la URSS, para así escapar de las históricas persecuciones de las que habían sido víctimas (y que eventualmente aún sufrían de manera residual). Por su parte, otros sencillamente lo hacían buscando una vida mejor en Occidente, con mejores perspectivas económicas.


title: Refusenik

text: La llegada al poder de Mijaíl Gorbachov en la Unión Soviética en 1985, unido a sus posteriores políticas de "glásnost" y "perestroika", así como el deseo de tener mejores relaciones con Occidente provocó cambios importantes. La mayoría de "refúseniks" fueron autorizados a emigrar. Con el colapso de la Unión Soviética en 1991, en gran parte ese término -junto al ruso original "otkáznik"- pasó a la historia.


title: Refusenik

text: En 2008 la cineasta Laura Bialis realizó una película documental, llamada simplemente "Refúsenik", la cual retrata la lucha de ese movimiento en pos del reconocimiento de sus derechos humanos en la ex URSS.


title: Refusenik

text: En el ámbito musulmán, la expresión "muslim refusenik" ha sido utilizada por la escritora feminista musulmana Irshad Manji para referirse a aquellos musulmanes que se oponen al fundamentalismo islámico.


title: Refusenik

text: En el Reino Unido se les llama "refusenik" a quienes se niegan a aceptar la tarjeta de identidad británica.


title: Refusenik

text: En Israel se aplicó el término a partir de 2002 a centenares de militares de la escala media y baja del Ejército israelí que se negaron a servir en territorios palestinos por considerar que contribuían a la ocupación ilegal de un país y a la humillación y maltrato de la población civil.


title: Refusenik

text: Natan Sharansky, "Fear no evil" ("No temerle al mal", las clásicas memorias de un hombre que triunfó frente a un Estado policíaco), ISBN 1-891620-02-9.


title: Blink (película)

text: Blink, (conocida como Sola en la penumbra en España, Terror ciego o Testigo en Hispanoamérica), es una película de suspense dirigida por Michael Apted en 1993.


title: Blink (película)

text: Emma (Madeleine Stowe) es una joven atractiva, pero ciega. Toca el violín en un conjunto de música folk. Mediante una operación consigue mejorar algo su visión, pero a consecuencia de la intervención le cuesta recordar lo que ve. Una noche se despierta por un ruido en un apartamento vecino. Mira hacia las escaleras a través de la puerta entreabierta y ve a un hombre en la oscuridad. Convencida de que ha visto al hombre que asesinó aquella noche a un vecino acude a la policía, donde la atiende el inspector Hallstrom (Aidan Quinn). Emma tiene dificultades en recordar lo que realmente vio y Hallstrom duda de su testimonio, aunque quisiera creerla.


title: The Mississippi Gambler (película de 1953)

text: El caballero del Mississippi ("The Mississippi Gambler") es una película ambientada en la época dorada del río Misisipi como vía de transporte principal entre varias regiones del sur de los Estados Unidos.


text: Mark Fallon (Tyrone Power) es un jugador profesional en los barcos del Misisipi. Junto con un compañero quiere conseguir erradicar en los barcos los engaños y las trampas en el juego. Los antiguos jugadores se oponen y de esta forma Fallon tiene problemas. Conoce en uno de sus viajes también a Angelique (Piper Laurie), la cual no obstante le ignora. Una vez en Nueva Orleans, Fallon se hace amigo del padre de Angelique, lo que a ella le disgusta. Viaje tras viaje, Fallon se hace más rico con las ganancias del juego y desea pedir la mano de Angelique, pero ella se sigue oponiendo.


text: La película fue nominada al Oscar al Mejor Sonido.


title: The Light at the Edge of the World

text: The Light at the Edge of the World (en España, La luz del fin del mundo; en México y en Venezuela, El faro del fin del mundo) es una película dirigida por Kevin Billington y basada en la novela "El faro del fin del mundo", de Julio Verne.


title: The Light at the Edge of the World

text: Los exteriores fueron rodados en España, en el Cabo de Creus, en la Costa Brava, a pocos km de Cadaqués. En el extremo del cabo, más allá del faro, fue construida una torre que tenía que representar el faro llamado del Fin del Mundo, en el este de la Tierra del Fuego (Argentina), inspiración de la novela, y que fue demolida hace pocos años para restituir al paisaje su aspecto original.


title: The Light at the Edge of the World

text: Sin embargo, la torre del de la película difiere del original faro de San Juan de Salvamento (conocido coloquialmente como faro del fin del mundo), ya que aquel era en realidad una estructura de madera relativamente baja.


title: The Light at the Edge of the World

text: Unos piratas bajo las órdenes de Kongre (Yul Brynner) asaltan un faro situado en una isla rocosa y matan a todos los empleados, excepto uno, Will Denton (Kirk Douglas), que logra escapar. Su plan consiste en apagar la luz del faro y esperar que algún barco naufrague para hacerse con el botín. Denton intenta impedir que los piratas sigan adelante con su plan. Un barco ya encalló y Arabella (Samantha Eggar), una joven que logró sobrevivir a la matanza de los piratas, quiere ayudar también a acabar con ellos.


title: Donnie Darko

text: Donnie Darko es una película estadounidense producida en 2000 y estrenada en 2001. Se trata de una película de "thriller" psicológico ambientada en 1988. Cuenta la historia de Donnie, un chico que tiene visiones sobre un siniestro conejo gigante llamado Frank que le predice el fin del mundo.


title: Donnie Darko

text: Tuvo un presupuesto de 3,8 millones de dólares y se filmó en veintiocho días. Estuvo protagonizada por Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Drew Barrymore, Mary McDonnell, Katharine Ross, Patrick Swayze, Seth Rogen, Noah Wyle y Maggie Gyllenhaal. "Donnie Darko" tuvo un estreno limitado, un mes tras el atentado a las Torres Gemelas (11 de septiembre de 2001). Después de haber sido llevada al mercado del vídeo doméstico, fue presentada en cines. Logró alcanzar la categoría de película de culto. En mayo de 2004 se lanzó al mercado la edición del director: "Donnie Darko: The Director’s Cut".


title: Donnie Darko

text: "Donnie Darko" solo logró recaudar 7,3 millones a nivel mundial. En 2008 se estrenó una secuela "" que no dirigió Richard Kelly sino Chris Fisher, la cual no obtuvo el mismo éxito y fue fuertemente criticada.


title: Donnie Darko

text: El 2 de octubre de 1988, en la ciudad de Middlesex, Virginia, el problemático joven Donald "Donnie" Darko (Jake Gyllenhaal) camina dormido fuera de su casa por una figura vestida con un monstruoso disfraz de conejo. La figura se presenta como "Frank" (James Duval) y le dice a Donnie el momento preciso en que el mundo terminará: en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos (durante la fiesta de Halloween). Donnie regresa a casa y descubre que un motor a reacción chocó contra su dormitorio (nadie de su familia resulta herido). Su hermana Elizabeth (Maggie Gyllenhaal) le dice que los investigadores de las FFAA no conocen el origen del artefacto.


title: Donnie Darko

text: Durante los siguientes días, Donnie sigue teniendo visiones de Frank, y sus padres Eddie (Holmes Osborne) y Rose (Mary McDonnell) lo envían a la psicoterapeuta Dra. Thurman (Katharine Ross), quien cree que Donnie está separado de la realidad, y que sus visiones de Frank son "alucinaciones a la luz del día", sintomáticas de la esquizofrenia paranoica. Cuando Frank le cuenta a Donnie sobre el viaje en el tiempo, Donnie le pregunta a su profesor de ciencias, el Dr. Kenneth Monnitoff (Noah Wyle) al respecto, y tienen conversaciones en las que entre otras cosas mencionan que al haber un sinfín de posibilidades para un evento concreto, al darse una se anulan las demás. El Dr. Monnitoff le entrega a Donnie "La filosofía de los viajes en el tiempo", un libro escrito por Roberta Sparrow (Patience Cleveland), una exmaestra de ciencias en la escuela que para entonces es una señora aparentemente senil que vive fuera de la ciudad. Donnie también comienza a salir con Gretchen Ross (Jena Malone), que recientemente se mudó a la ciudad con su madre bajo una nueva identidad para escapar de su violento padrastro.


title: Donnie Darko

text: Frank comienza a influir en las acciones de Donnie mediante el sonambulismo, incluida la inundación de su escuela secundaria al romper una tubería de agua. La maestra de gimnasia Kitty Farmer (Beth Grant) atribuye el acto de vandalismo a la influencia del cuento “"Los destructores"” de Graham Greene, asignado por una profesora llamada Karen Pomeroy (Drew Barrymore). En un momento dado, las visiones de Donnie lo llevan a descubrir el lugar donde su padre esconde una pistola. Mientras tanto, la señora Farmer comienza a enseñar lecciones de actitud tomadas del famoso orador motivacional Jim Cunningham (Patrick Swayze), y hace arreglos para que él dé una conferencia en la escuela, donde Donnie lo insulta. Más tarde, Donnie encuentra la billetera y la dirección de Cunningham, y Frank, quien se le aparece con un ojo deshecho y sangrante, sugiere incendiar su casa. Los bomberos, que llegan a la conclusión de que el incendio no fue provocado, al apagar las llamas descubren un montón de pornografía infantil allí, y arrestan a Cunningham. La señora Farmer, que desea testificar en su defensa, le pide a la madre de Donnie que acompañe a Los Ángeles al grupo de baile al que pertenecen las hijas de ambas.


title: Donnie Darko

text: Con sus padres y su hermana más pequeña viajando, Donnie y Elizabeth organizan en casa una fiesta de disfraces de Halloween para celebrar la aceptación de Elizabeth en Harvard. En la fiesta, Gretchen llega angustiada porque su madre ha desaparecido. Donnie se da cuenta de que el tiempo profetizado por Frank está a solo unas horas de distancia. Lleva a Gretchen y otros dos amigos a visitar a Sparrow. En el lugar, que es prácticamente una casa abandonada, son atacados por dos matones de la escuela secundaria, Seth y Ricky. Donnie, Seth y Ricky discuten en medio de la carretera, justo cuando Sparrow regresa caminando a casa y se detiene a mirar. Un automóvil sin quererlo arrolla a Gretchen, matándola. El conductor resultó ser Frank, el novio de Elizabeth, vistiendo el mismo disfraz de conejo de las visiones de Donnie. Frank sale del auto, a preguntar si está muerta. Donnie le dispara, dándole en el ojo derecho.


title: Donnie Darko

text: Después Donnie lleva a Gretchen en brazos hasta su casa donde se despide de su hermana, y coge el coche mientras ve el agujero de gusano formándose encima de su casa.


title: Donnie Darko

text: Donnie conduce el coche hasta el alto de una colina donde ve el agujero de gusano, en el que entra el avión en el que vuelven su madre y su hermana pequeña.


title: Donnie Darko

text: El avión es sacudido por el agujero de gusano, y de él se desprende la turbina que viaja por el agujero, Donnie vuelve al coche donde está Gretchen muerta la mira y sonríe. Donnie retrocede en el tiempo hasta la noche en la que cae la turbina, riendo al darse cuenta de todo, se queda en la cama, donde esta vez la turbina lo mata salvando así a Gretchen, su madre, su hermana y a Frank. Por la mañana los bomberos están en el accidente, donde toda su familia está consternada en el jardín. Gretchen viva al no haber conocido a Donnie le pregunta a una persona que había pasado, y este le dice que ha caído una turbina y ha matado a un chico. Gretchen ve a la madre de Donnie y se saludan con la sensación de conocerse. Richard Kelly ha presentado sus propias reflexiones acerca de la película en la edición "Director’s Cut", del DVD. Esta edición incluye el libro ficticio "La filosofía del viaje en el tiempo", así como varias entrevistas. Su opinión acerca de la película es la siguiente:


title: Donnie Darko

text: A pesar de que los últimos veintiocho días realmente nunca sucedieron, algunos de los manipulados serán acechados en sus sueños por sus experiencias dentro del universo tangencial.


title: Donnie Darko

text: Hay pedazos de evidencia que prueban esto. Frank tocando su ojo en el montaje del director y Gretchen saludando a la mamá de Donnie prueban que algunos de los personajes tienen cierto conocimiento de lo que pasó en el mundo perdido. Podemos ver a Jim Cunningham llorando al final cuando despierta asqueado de sí mismo. Diez días después limpia su agujero de pornografía infantil y se da un tiro en el hoyo 14 del campo de Golf, su secreto nunca es revelado.


title: Donnie Darko

text: Debido a que la película toca el tema de accidentes de avión la película tuvo un estreno limitado (se estrenó el 26 de octubre, un mes después de los ataques del 11 de septiembre). Posteriormente fue retenido durante casi un año para publicación internacional. Kelly dijo que tomó casi seis meses vender la película. Tuvimos que rogar que la pusieran en los cines. El cineasta Christopher Nolan intervino y convenció a Newmarket de que la pusieran en los cines.


title: Donnie Darko

text: La película recibió la aclamación de la crítica, con elogios hacia la actuación, la atmósfera y la escritura no convencional. Rotten Tomatoes la puntuó con un 86 % sobre 100, con un promedio de 7.6 / 10 a partir de 115 reseñas. El primer largometraje de Donnie Darko, de Richard Kelly, es una visión atrevida y original, repleta de ideas e inteligencia discordantes y presentando una notable actuación de Jake Gyllenhaal como el problemático personaje del título.


title: Donnie Darko

text: La banda sonora fue creada por Michael Andrews y fue estrenada en 2002. Consiste en 16 pistas instrumentales y dos versiones de la canción «Mad World» de Tears for Fears.Coincidiendo con el estreno del montaje del director, se publicó una versión expandida de dos discos en el Reino Unido en 2004. Esta versión incluye canciones pop y alternativas de la música de los años 1980.


title: Donnie Darko

text: En el 2008 se estrenó "" secuela que transcurre 8 años después de los acontecimientos de la primera película y centrada en la hermana menor de Donnie, Samantha Darko (Daveigh Chase) que nuevamente retomó su personaje.


title: Donnie Darko

text: El filme estuvo dirigido por Chris Fisher y la historia narró las aventuras y desventuras de Samantha en su viaje hacia Los Ángeles. La chica comienza a experimentar visiones y alucinaciones, tal como las tuvo su hermano, que la alertan de una posible destrucción del universo.


title: Odesa

text: Odesa ( "Одеса" "ɔˈd̪ɛsɐ") es la y el centro administrativo de la óblast de Odesa con una población de 1 017 699 habitantes. La ciudad cuenta con el puerto comercial marítimo más grande de Ucrania, su estilo arquitectónico, influido por el francés y el italiano, da un aire mediterráneo a la ciudad, que a menudo se denomina «"la" "Perla del Mar Negro»". Debajo de la ciudad hay una gran red de pasajes subterráneos y laberintos; las catacumbas de Odesa están entre las más extensas del mundo con una longitud de túneles de aproximadamente 2 500 kilómetros.


title: Odesa

text: Los primeros asentamientos en la ciudad se establecieron aproximadamente entre del siglo a.C. y el siglo a.C. por marineros de la antigua Grecia. El asentamiento fue tomado por la Horda Dorada en el año 1256 y más tarde, alrededor del año 1324, la costa fue tomada por el Gran Ducado, que en ese momento comenzó la construcción de una fortaleza en el asentamiento, Odesa entonces se llamaba Kotsubiyiv. El Gran Ducado perdió el control del asentamiento, que más tarde sería tomado por diversos estados. El imperio otomano renombro el asentamiento con el nombre de Jadsibey. El 25 de septiembre de 1789 el asentamiento fue conquistado por tropas de cosacos y tropas del imperio ruso al mando de José de Ribas, tras esto, el asentamiento se renombró a Odesa y recibió el estatus de ciudad dentro del imperio. Entre 1819 y 1859, la ciudad hizo la función de «"porto-franco"», que contribuyó a su rápido desarrollo económico. Tras la derrota de la República Popular Ucraniana en la guerra de Independencia de Ucrania en 1921, Odesa quedó bajo la influencia del gobierno comunista hasta el año 1991, cuando pasó a formar parte de la Ucrania independiente.


title: Odesa

text: El centro histórico de Odesa desde el año 2009 está en la lista preliminar de sitios del Patrimonio Mundial de la UNESCO.


title: Odesa

text: La ciudad antiguamente era conocida como Kotsubiyiv o Istrian.


title: Odesa

text: La ciudad fue renombrada tras su toma por el imperio ruso conforme con el Plan griego de Catalina II de Rusia. Fue nombrado a partir de la antigua ciudad griega de Odessos, que se creía erróneamente que se encontraba aquí. Odesa se encuentra entre las antiguas ciudades griegas de Tyras y Olbia, diferente de la ubicación de la antigua Odessos más al oeste a lo largo de la costa, que actualmente es Varna, Bulgaria. Odesa a veces se llama la «"perla del Mar Negro"» o la «"Capital del Sur"».


title: Odesa

text: Odesa es llamada en otros idiomas de las siguientes maneras: ruso: Одесса – "Odessa"; túrquico: "Ades"; griego antiguo: Ὀδησσός "Odēssós"; polaco: "Odesa" u "Odessa"; turco: "Odesa."


title: Odesa

text: El nombre de la ciudad también es coloquialmente conocido como Adés.


title: Odesa

text: Los colores del la bandera y el escudo de Odesa son el rojo, el blanco y el amarillo con un tono dorado. El escudo de la ciudad es un anzuelo y el logotipo de la ciudad es el mismo anzuelo pero en forma de ancla, haciendo referencia al puerto de la ciudad.


title: Odesa

text: Los primeros asentamientos humanos en esas tierras se remontan a la edad de piedra, a  a. C. A principios del primer milenio a. C. el territorio del litoral norte del mar Negro lo poblaron los cimerios a los que reemplazaron los escitas. A las orillas de la bahía de Odesa en tiempos de la antigua Grecia ya existían varias poblaciones. La más grande era la colonia milesia de Boristenes (Βορυσθένης), fundada en 647 a. C., la que visitó cerca del 460 a. C. Heródoto, el gran historiador de la Antigüedad, que se interesaba por los pueblos que vivían en los vastos terrenos al norte del mar Negro tales como los escitas, los sármatas y las legendarias mujeres guerreras llamadas amazonas. Durante algún tiempo la ciudad de Borístenes fue la sede de los reyes escitas. Pero el área del actual casco viejo de la ciudad lo ocupaba el Puerto de Istrianos (Ιστριανών λιμήν), una población griega que se dedicaba, en su mayor parte, al comercio de cereales, miel, vino y esclavos. Las huellas de la antigua cultura griega se encuentran en casi todas partes, desde el puerto y el bulevar Primórskiy hasta la plaza Griega, en el monte Zhivájova y en los suburbios.


title: Odesa

text: Entre los siglos - la zona perteneció al Imperio romano como una parte de las provincias primero Dacia, luego Mesia Inferior.


title: Odesa

text: Se supone que la principal causa de la decadencia de la villa fue por la invasión de las tribus godas provenientes del norte, que a mediados del , junto con los alanos, que vivían al norte del mar de Azov, devastaron los pueblos griegos de la costa septentrional del mar Negro. No está atestiguado, pero es probable que en esas tierras los godos por primera vez se encontrasen con la desarrollada cultura grecorromana y el cristianismo. De ello resultó su cristianización y la aparición del alfabeto godo, el primer alfabeto europeo creado a partir del latín. Del conflicto entre el paganismo germano y el cristianismo resultó que esta zona del litoral norte de mar Negro dio a la iglesia cristiana muchos mártires por la fe, de origen godo.


title: Odesa

text: En 375 los godos, expulsados por los hunos, retrocedieron bajo la protección romana a las provincias balcánicas. Los hunos borraron los restos de las ciudades helénicas, abriendo paso a otros pueblos nómadas a las grandes estepas: ávaros, búlgaros, húngaros, jázaros, pechenegos, polovtsianos, que dominaron en esas tierras sucesivamente del al . Entre los siglos y también se establecieron en ese territorio tribus sedentarias eslavas.


title: Odesa

text: En la segunda mitad del el territorio cae bajo el dominio del imperio de Batu Kan, la Horda de Oro. En ese tiempo en el mapa del área aparece la escala mercantil genovesa llamada Ginestra. Los jefes mongolo-tártaros favorecían a los genoveses, por tener intereses comunes en el comercio de esclavos.


title: Odesa

text: Desintegrada en el la Horda, el litoral norte del mar Negro pasó al Gran Ducado de Lituania y se construyó un fuerte de madera que dominaba sobre la bahía. Pero el Ducado no supo mantener lo adquirido. Desde el el territorio estuvo poblado por tártaros seminómadas y griegos en pequeños pueblos costeros. La horda de Gran Nogái, kanato tártaro independiente hasta 1475, cayó bajo el dominio del Imperio otomano.


title: Odesa

text: Según el testimonio del séquito del rey sueco Carlos XII, que fue derrotado por el zar ruso Pedro el Grande en la batalla de Poltava y huía a Moldavia, en 1709 encontraron allí sólo una «miserable aldea». En 1765, cerca de ella se construye una pequeña fortaleza turca de Yení Dunyá, la que el pueblo empezó a llamarse de la misma manera que el cercano pueblecillo grecotártaro de Jadsibey.


title: Odesa

text: Después de dos guerras ruso-turcas, iniciadas por Catalina la Grande en la segunda mitad del , el territorio fue unido al Imperio ruso. Al rayar el alba del 14 de septiembre de 1792, el destacamento de tropas rusas y de mercenarios cosacos, bajo el mando del conde José de Ribas, tomó definitivamente el fuerte de Yení Dunyá, es decir, de Jadsibey. El famoso crítico literario, periodista y filósofo ruso del Vissarión Belinski llamó a Odesa «la tercera de las ciudades rusas» por su importancia, mientras el poeta Aleksandr Pushkin la caracterizó como «la más europea de las ciudades rusas».


title: Odesa

text: La ciudad y el puerto de Odesa obtuvieron el estatus de ciudad en 1794, por un decreto de Catalina la Grande como la principal puerta marítima del sur del Imperio ruso. La iniciativa fue del español nacido en Nápoles (y contralmirante de la Armada rusa) conde José de Ribas que dirigió la construcción de la ciudad, de la fortaleza y del puerto, diseñados por el ingeniero neerlandés Franz de Volán. El nombre elegido para la ciudad fue el de la antigua colonia griega de Odessos (Οδησσός) y en 1795, la emperatriz le cambió el género al femenino, Odesa. El rápido desarrollo y el florecimiento de Odesa se deben principalmente a la actividad y buen gobierno de los padres de la ciudad: el conde J. de Ribas, el ingeniero militar F. de Volán, el duque de Richelieu, el conde L. Langerón, y el conde Mikhaíl Vorontsov.


title: Odesa

text: Durante los años 1823-1824, el poeta Aleksandr Pushkin vivió y escribió en Odesa. Sus «Cartas» cuentan como Odesa fue la gran ciudad rusa "«donde todo a Europa huele y respira...»", y donde se puede hablar francés y leer prensa europea. Desde aquel entonces la ciudad se convirtió en una Meca para artistas, científicos y otros intelectuales de fama mundial, lugar de veraneo predilecto de la nobleza, rusa y polaca en su mayor parte.


title: Odesa

text: Durante la Guerra de Crimea, en abril de 1854, Odesa fue bombardeada por fuerzas navales británicas y francesas con un intento de desembarco, pero sin éxito, debido a una fuerte resistencia de los ciudadanos y la reacción inmediata en su defensa de parte de la prensa europea.


title: Odesa

text: A comienzos del , Odesa llegó a ser la cuarta ciudad del Imperio ruso, por su tamaño e importancia (después de Moscú, San Petersburgo y Varsovia), y fue considerada una de las ciudades más confortables de Europa. Tenía comunicación ferroviaria y marítima, electricidad, teléfono, agua corriente, alcantarillado, las calles mejor pavimentadas de Europa (acudían especialistas americanos para conocer su tecnología), transporte municipal, hospitales y ambulancia, balnearios, la Universidad, institutos y liceos, cinco bibliotecas privadas y dos públicas, museos, la Ópera (los espectáculos se daban en ruso, polaco, alemán, italiano y francés), teatros y cines, hipódromo, parques, hoteles de lujo, cerca de mil cafés y restaurantes, y buena compañía de ricos y nobles de toda Europa.


title: Odesa

text: En 1905 Odesa vivió una revolución de trabajadores. El famoso largometraje "El acorazado Potemkin" del director Serguéi Eisenstein hace referencia a este evento, e incluye una de las escenas más famosas de la historia del cine, donde cientos de civiles son asesinados en una escalera de piedra. La masacre nunca ocurrió en la realidad, pero la película terminó convenciendo a muchas personas de que había sido real y durante muchas décadas los "escalones de Odesa" han sido una atracción turística de Odesa.


title: Odesa

text: Después de la guerra de independencia de Ucrania en 1917 la ciudad pasó a formar parte de la República Popular Ucraniana, en 1918, los bolcheviques tomaron la ciudad y autoproclamaron la República Soviética de Odesa, que existió durante 3 meses, antes de ser ocupada de nuevo por la República Popular Ucraniana. En 1920 Ucrania perdió la guerra de independencia y el ejército bolchevique tomó la ciudad hasta 1922, cuando la ciudad fue asignada a la República Socialista Soviética de Ucrania, más tarde parte de la URSS.


title: Odesa

text: Entre 1941-1944 la ciudad fue ocupada por fuerzas rumanas y alemanas, excepto su parte subterránea donde continuaba la resistencia. En los primeros meses de ocupación, aproximadamente 280.000 personas (la mayoría judíos) fueron asesinadas o deportadas. Odesa fue liberada por el Ejército Rojo el 10 de abril de 1944.


title: Odesa

text: Odesa llegó a ser la primera ciudad europea que dio una resistencia fuerte y duradera a las tropas hitlerianas, siendo asediada por ellas durante 73 días hasta su abandono por las tropas soviéticas conforme a la orden de Stalin. Por el heroísmo de los ciudadanos en 1945 Odesa recibió el título de Ciudad Heroica.


title: Odesa

text: Durante los años 1960 y 1970, la ciudad creció rápidamente y llegó a ser uno de los centros industriales más importantes de la URSS.


title: Odesa

text: En 1991, Ucrania se convirtió en un estado independiente, tras la disolución de la Unión Soviética.


title: Odesa

text: La ciudad esta administrada por el ayuntamiento de Odesa, que consta de 64 diputados elegidos por los habitantes de la ciudad cada 5 años. Actualmente el alcalde de la ciudad es Oleksander Trujánov.


title: Odesa

text: La ciudad esta dividida en 4 raiones o distritos: La ciudad de Odesa tiene acuerdos para el establecimiento de consulados de los siguientes países: Bulgaria, China, Georgia, Grecia, Moldavia, Polonia, Rumania, Rusia, Turquía, Alemania, Kazajistán, Letonia, Pakistán, Sudáfrica.


title: Odesa

text: Se halla en una planicie a las orillas de la bahía de Odesa del mar Negro entre las desembocaduras de los ríos Dniéster y Bug. La ciudad limita con lagos salados de hasta 5 m de profundidad, tradicionalmente llamados «limanes». En el sur está el limán Sujoy, en el que se halla el puerto de Ilichevsk, uno de los suburbios. En el norte se hallan los limanes de Jadzhibéi y Kuyálnik (ambos conocidos por sus barros curativos), separados uno del otro por el monte Zhivájova de 41 m, el punto más alto de la ciudad.


title: Odesa

text: El clima de Odesa es continental moderado y comparativamente seco. Tiene cerca de 290 días soleados al año.


title: Odesa

text: Las precipitaciones son de 460 mm anuales, con su máximo en octubre.


title: Odesa

text: Los inviernos son cortos y suaves. Los valores medios de temperatura oscilan alrededor de los -2 °C (mín -26 °C) en enero y los 22 °C (máx 36 °C) en agosto.


title: Odesa

text: Históricamente, el abanico étnico de la ciudad ha sido muy diverso, aunque fue prácticamente uniformado por la cultura soviética.