title: Physeter macrocephalus

text: Las hembras alcanzan la madurez sexual entre los 7 y los 13 años, y los machos a los 18 años. Una vez llegan a la madurez, los machos se trasladan a latitudes más altas, donde el agua es más fría y la alimentación más abundante, mientras las hembras permanecen en latitudes bajas.


title: Physeter macrocephalus

text: Las hembras permanecen en grupos de aproximadamente una docena de individuos con sus crías. Los machos integran estas «guarderías» en forma permanente entre los 4 a 21 años de edad y forman un «grupo de solteros» con otros machos de edad y tamaño similares. Cuando los machos maduran, tienden a dispersarse en grupos más pequeños y los más viejos en su mayoría tienen vidas solitarias. Grupos de machos adultos se han varado juntos, lo cual sugiere un grado de cooperación que aún no ha sido estudiado.


title: Physeter macrocephalus

text: El atacante no humano más común de los cachalotes es la orca, pero las ballenas piloto y las falsas orcas también los atacan o acosan en ocasiones. Las orcas amenazan los grupos de hembras con crías, usualmente intentando aislar y matar un individuo joven. Las hembras repelen estos ataques rodeando a sus vástagos y también usan sus aletas de cola contra las orcas dando la cara a las crías, o de frente, luchando con sus dientes. Esta formación en margarita se emplea también para auxiliar a un miembro lesionado de la manada, un comportamiento que los primeros balleneros utilizaron para atraer a los otros miembros del grupo al causarle heridas a cualquiera de los individuos. Si el grupo de orcas es muy grande, pueden llegar a matar a una hembra adulta. Los ejemplares más grandes no tienen predadores aparte de los humanos, y se cree que son demasiado grandes y fuertes para ser amenazados por las orcas.


title: Physeter macrocephalus

text: Los cachalotes se sumergen en busca de comida principalmente entre los 300 a 800 metros de profundidad, y solo en algunas ocasiones entre 1 a 2 kilómetros, en inmersiones que pueden durar más de una hora. Se alimentan de varias especies, de las cuales las más notables son el calamar gigante, el calamar colosal, los pulpos y diversos peces como rayas en la zona demersal, pero la mayor parte de su dieta consiste en calamares de mediano tamaño. Algunas especies pueden servirles de alimento de manera incidental a falta de calamares. La mayor parte de lo que se conoce de los calamares de las grandes profundidades procede de ejemplares hallados en el estómago de cachalotes, y más recientemente en el análisis de su materia fecal. En un estudio llevado a cabo en las inmediaciones de las islas Galápagos, se encontró que los cachalotes habían ingerido con mayor frecuencia calamares de los géneros "Histioteuthis" (62 %), "Ancistrocheirus" (16 %) y "Octopoteuthis" (7 %) con pesos que oscilaban entre 12 y 650 gramos. Las supuestas batallas con los calamares colosales (los cuales llega a pesar 500 kilogramos) nunca han sido presenciados por humanos; sin embargo, se presume que las cicatrices de su cuerpo son causadas principalmente por grandes calamares. Otro estudio realizado en 1966 del contenido estomacal de ejemplares capturados por balleneros neozelandeses en la región del estrecho de Cook, encontró una relación 1,69:1 en peso, entre calamares y peces. Los cachalotes algunas veces sustraen bacalaos y merluzas de las líneas de pesca. Los pescadores de línea larga en el golfo de Alaska se quejan de que los cachalotes aprovechan sus operaciones pesqueras para alimentarse de sus especies apetecidas sustrayéndolas de las líneas, eludiendo así la necesidad de cazar. Sin embargo, la cantidad de pescado tomado es muy pequeño comparado con los requerimientos diarios de este animal. Una filmación de video reciente captó un gran ejemplar macho «rebotando» una línea larga para obtener pescado. Se cree que los cachalotes depredan la especie de tiburón llamado tiburón de boca ancha, una especie rara y grande de las profundidades, descubierto en 1970, ya que en una ocasión tres cachalotes fueron observados atacando o jugando con un boca ancha.


title: Physeter macrocephalus

text: La irritación producida en el intestino por el pico afilado de los calamares ingeridos parece ser el factor que inicia la producción de una sustancia lubricante que da lugar a la formación de ámbar gris, de manera análoga a como se originan las perlas. Los cachalotes son comensales prodigiosos ya que consumen alrededor del 3% de su peso corporal por día. El consumo anual de presas por parte de estos cetáceos alrededor del mundo se estima en cerca de 100 000 000 de toneladas, una cantidad todavía más alta que el consumo total de animales marinos por parte de los humanos en un año.


title: Physeter macrocephalus

text: No se sabe con claridad por qué la cabeza del cachalote es tan grande en comparación con la mandíbula inferior. Una teoría es que la habilidad para la ecolocalización se ubica en su cabeza, situación que le ayudaría en la cacería. Sin embargo, los calamares, su principal presa, pueden tener propiedades acústicas muy similares al agua de mar para reflejar sonidos. El interior de la cabeza contiene unas estructuras llamadas labios fónicos, a través de los cuales se impulsan los flujos de aire para emitir sonidos. Pueden crear un chasquido que tiene una intensidad de 230 decibelios medida a la distancia de 1 metro, en otras palabras, es mucho más fuerte que el sonido hecho por cualquier otro animal, y 10-14 decibelios más intenso que el sonido de un fusil ubicado en el aire a 1 metro de distancia. Se sugiere que estos chasquidos sirven para aturdir a sus presas. Sin embargo, los estudios experimentales que tratan de probar este efecto no han sido capaces de reproducir esta acción sobre sus presas, poniendo en duda esta idea.


title: Physeter macrocephalus

text: El cachalote pertenece al infraorden Cetacea, al mismo que pertenecen todas las ballenas y delfines. Es miembro del parvorden Odontoceti, el cual engloba todos los cetáceos dentados incluyendo a los delfines. Es la única especie existente del género, "Physeter", de la familia Physeteridae. Dos especies existentes del género "Kogia", el cachalote pigmeo "Kogia breviceps" y el cachalote enano "K. simus", están ubicados en la familia Physeteridae. Algunas clasificaciones ubican el género "Kogia" en la familia Kogiidae. En otros esquemas taxonómicos las familias Kogiidae y Physeteridae son combinadas en la superfamilia Physeteroidea.


title: Physeter macrocephalus

text: El cachalote fue una de las especies originalmente descrita por Linneo en 1758 en su obra del siglo XVIII, "Systema Naturae". Él reconoció cuatro especies en el género "Physeter". Sobre la base de un estudio de 1836 de Frederic Cuvier seguida por todos los cetólogos, las cuatro especies se integraron en una sola, pero subsistió la dualidad en la descripción original para la denominación del nombre específico de la especie, "P. macrocephalus" y "P. catodon", ambos utilizados por Linneo. La especie se conoció generalmente bajo el nombre de "P. catodon", hasta que en 1974 Husson y Holthuis propusieron que el nombre correcto debería ser "P. macrocephalus", basándose en que ambos nombres eran sinónimos publicados simultáneamente y, por lo tanto, debía aplicarse el «principio del primer revisor» del Código Internacional de Nomenclatura Zoológica, una opinión reiterada por Holthuis en 1987. La mayoría de los autores optaron por esta opción, aunque Schevill (en 1986 y 1987) consideraron que "P. macrocephalus" había sido publicado con una descripción inexacta y que por consiguiente, sólo "P. catodon" podía ser considerado como válido, por lo que no podía aplicarse el principio del primer revisor. En la actualidad la mayoría de los autores aceptan "macrocephalus" como nombre válido y "catodon" como sinónimo.


title: Physeter macrocephalus

text: A pesar de que el registro fósil de los cachalotes extintos es escaso, algunos géneros se han asignado a la superfamilia Physeteroidea, la cual incluye los últimos ancestros comunes del cachalote moderno, del cachalote enano y cachalote pigmeo. Estos fósiles incluyen los géneros "Ferecetotherium", "Idiorophus", "Diaphorocetus", "Aulophyseter", "Orycterocetus", "Scaldicetus", "Placoziphius", "Zygophyseter" y "Acrophyseter". "Ferecetotherium", encontrado en Azerbaiyán y fechado en el Oligoceno tardío (de hace 28 a 23 millones de años), es el fósil más primitivo encontrado, con características del cachalote, como el rostro asimétrico. La mayoría de los fósiles datan del periodo Mioceno, de hace 23 a 5 millones de años. "Diaphorocetus", de Argentina, se fechó en el Mioceno Temprano. Los fósiles de cachalote del Mioceno Medio, incluyen los géneros "Aulophyseter", "Idiorophus" y "Orycterocetus", todos ellos encontrados en la costa este de los Estados Unidos, y "Scaldicetus", encontrado en Europa y Japón. Fósiles del género "Orycterocetus" se han hallado también en el océano Atlántico norte y en el mar Mediterráneo, aparte de los encontrados en la Costa Oeste de los Estados Unidos. "Placoziphius", encontrado en Europa, y "Acrophyseter", en el Perú, proceden del Mioceno Tardío.


title: Physeter macrocephalus

text: Los fósiles encontrados difieren la estructura de los cachalotes modernos, en la fórmula dental y la forma de la cara y mandíbulas. Por ejemplo "Scaldicetus" tenía un rostro cónico, y los géneros del Oligoceno y el Mioceno Temprano y Medio, con la posible excepción de "Aulophyseter", tenían dientes en las mandíbulas superiores. "Acrophyseter", del Mioceno Tardío, también tenía dientes tanto en la mandíbula superior como inferior, un rostro corto y una mandíbula inferior con una curva ascendente. Estas diferencias anatómicas sugieren que estas especies fósiles no necesariamente se alimentaban de calamares de las grandes profundidades como el cachalote moderno, en lugar de ello consumirían peces. "Zygophyseter", vivió en el Mioceno Medio a Tardío, encontrado en el sur de Italia, tenía dientes en ambas mandíbulas y parecían estar adaptados a comer grandes presas, como lo hacen las orcas modernas.


title: Physeter macrocephalus

text: La postura tradicional es que los misticetos y los odontocetos provienen de los cetáceos primitivos del periodo Oligoceno Temprano, y que la superfamilia Physeteroidea, el cual incluye el cachalote y el cachalote enano y pigmeo, se separaron de los otros odontocetos poco después, hace alrededor de 23 millones de años. Entre los años 1993 a 1996 mediante análisis de filogenia molecular realizados por Milinkovitch y colegas, basados en la comparación de genes de varios cetáceos actuales, sugirieron que los cachalotes se encuentran más estrechamente relacionados con los misticetos que a los otros odontocetos dentados, lo cual podría significar que este grupo no es monofilético, o sea que no todos son descendientes de un solo ancestro dentado. Sin embargo algunos estudios más recientes, basados en varias combinaciones de anatomía comparada y filogenia molecular, han desmentido los análisis de Milinkovitch por motivos técnicos y reafirmado que los odontocetos son monofiléticos.


title: Physeter macrocephalus

text: Estos análisis también confirmaron que se produjo una rápida radiación adaptativa de los physiteroideos en el Mioceno. Los kógidos (cachalote enano y pigmeo) se separaron de Physeteridae hace al menos 8 millones de años.


title: Physeter macrocephalus

text: El espermaceti, en su totalidad obtenido del órgano del espermaceti, y el aceite de cachalote, obtenido de la grasa corporal, eran muy codiciados por los balleneros durante los siglos XVIII, XIX y XX. Esta sustancia tenía una variedad de aplicaciones comerciales, para velas, jabones, cosméticos, aceite industrial y otros lubricantes especiales, aceite para lámparas, lápices, crayones, impermeabilizante para cueros, materiales anticorrosivos y muchos compuestos farmacéuticos. El ámbar gris, una sustancia sólida, serosa e inflamable producida en el sistema digestivo de los cachalotes, era usado también como un fijador en perfumería. Antes de principios del siglo XVIII, la cacería era realizada principalmente por nativos indonesios. La leyenda cuenta que en algún momento a principios del siglo XVIII alrededor del año 1712, el Capitán Christopher Hussey, mientras buscaba ballenas francas cerca a la costa, fue desviado por el viento hacia el Norte, donde encontró una manada de cachalotes y mató uno. A pesar de que la historia puede que no sea real, los balleneros estadounidenses iniciaron muy pronto la caza de estos animales. El juez Paul Dudley, en su "Ensayo sobre la historia natural de las ballenas" (1725), afirma que un hombre de apellido Atkins, quien duró diez o veinte años en el negocio, estuvo entre los primeros que cazó uno, alrededor de 1720 frente a la costa de Nueva Inglaterra.


title: Physeter macrocephalus

text: Existen solo unos pocos casos registrados de cacería de cachalotes en altamar en el periodo comprendido entre 1709 hasta 1730. Debido a que las balandras apostadas en los bancos de Nantucket, capturaban ballenas francas o iban a la región del estrecho de Davis a cazar ballenas de Groenlandia. A principios de 1740, con el desarrollo de las velas de espermaceti, los buques estadounidenses empezaron a concentrarse en estos cetáceos. El diario de Benjamin Bangs (1721-1769) narra que navegando en su balandra, él encontró otros tres barcos destazando cachalotes de la costa de Carolina del Norte a finales de mayo de 1743. De regreso a Nantucket en el verano de 1744 en un viaje posterior el anotó «45 espermacetos fueron traídos aquí este día», otra indicación de que los balleneros estadounidenses estaban en pleno apogeo.


title: Physeter macrocephalus

text: Los balleneros pronto abandonaron las costas de las colonias americanas, hacia la corriente del golfo, los Grandes Bancos de Terranova, África Occidental (1763), las islas Azores (1765) y el Atlántico sur (1770). De 1770 a 1775 los puertos de Massachusetts, New Cork, Connecticut y Rhode Island produjeron 45 000 barriles de aceite de cachalote anualmente, en comparación a los 8 500 de aceite de otros cetáceos. En esta misma época los británicos empezaron la cacería de cachalotes, empleando barcos y personal estadounidenses. Para la década siguiente los franceses entraron al negocio, también empleando a expertos estadounidenses. La cacería de esta especie se incrementó hasta mediados del siglo XIX. El espermaceti fue importante en el alumbrado público (por ejemplo fue usado para alumbrar viviendas, siendo usado hasta 1862, cuando fue reemplazado por aceite de manteca de cerdo, que a su vez fue reemplazado por petróleo) y para lubricación de maquinaria (como las usadas en fábricas de algodón) de la revolución industrial. La cacería declinó en la segunda mitad del siglo XIX, cuando el uso del petróleo se extendió, hecho que indirectamente protegió la población de estos cetáceos de una explotación más intensa. Los balleneros del siglo XVIII, se iniciaron con balandras que podían llevar solo uno o dos botes. La cobertura de la flota y tamaño se incrementó con el tiempo, y barcos más grandes entraron al negocio. A finales del siglo XVIII e inicios del XIX los balleneros navegaban por los océanos Pacífico e Índico, el Japón, las costas de Arabia, Australia y Nueva Zelanda. La cacería era peligrosa para la tripulación. Por ejemplo, el 20 de noviembre de 1820, un cachalote que se calculó medía 25,9 metros de longitud atacó al barco ballenero de Nantucket "Essex". Solo 8 de los 21 marineros sobrevivieron al ser rescatados por otros barcos.


title: Physeter macrocephalus

text: La cacería declinó desde la década de 1880 hasta 1946, pero se reactivó de nuevo luego de la Segunda Guerra Mundial. Los balleneros modernos eran más eficientes que los que cazaban en botes, empleando barcos a vapor y arpones propulsados. Inicialmente la actividad se centró en las grandes ballenas barbadas misticetos, pero al mermar su población, la caza de los cachalotes se incrementó. Los cosméticos, jabones y lubricantes para maquinaria eran los artículos con más compradores. Después que la población disminuyó de manera significativa, la Comisión Ballenera Internacional confirió a la especie total protección en 1985. La cacería por parte de balleneros japoneses en el norte del océano Pacífico no cesó hasta 1988.


title: Physeter macrocephalus

text: Se estima que la población histórica por todo el mundo sumaba 1 100 000 ejemplares antes de la explotación comercial a principios del siglo XVIII. Para 1880 esta había declinado a un estimado de 29 por ciento de la inicial. Desde ese momento hasta 1946 la población pareció haberse recuperado al disminuir la cacería por parte de los balleneros, pero después de la Segunda Guerra Mundial, disminuyó una vez más, a solo el 33 % de la estimada, antes de la irrupción de la industria ballenera. Se estima que en el siglo XIX fueron capturados entre 184 000 y 236 000 ejemplares,mientras que en la era moderna, al menos 770 000 fueron cazados, la mayoría entre 1946 y 1980. De estos más de 680 000 fueron oficialmente reportados. Revisiones adicionales encontraron que reportes oficiales de la URSS mencionan al menos 89 000 capturas. En otros países como el Japón se encontró faltantes en el registro de capturas.


title: Physeter macrocephalus

text: Se tiene constancia incluso de eventos en los que el cachalote fue víctima de caza deportiva, en fechas relativamente recientes. Así, el dictador español Francisco Franco capturó un cachalote de 14 toneladas de peso y 18 metros de longitud en 1958 utilizando para ello el pequeño cañón arponero de su yate Azor cerca de las costas de Galicia (España).


title: Physeter macrocephalus

text: La población restante de estos animales es lo suficientemente grande para que el estado de conservación de la especie sea considerada como vulnerable, en lugar de en peligro de extinción. Sin embargo, la recuperación de los años de cacería es un proceso lento, principalmente en el sur del océano Pacífico donde la cuota de machos en edad reproductiva fue alta.


title: Physeter macrocephalus

text: El número de cachalotes a través del mundo es desconocido, pero se piensa que es de cientos de miles. El panorama de conservación es más claro que el de muchas otras especies de cetáceo. Históricamente Japón ha capturado diez individuos al año y hasta 2006 diez de ellos fueron capturados en Indonesia. Están protegidos prácticamente por todo el mundo y la caza comercial ha cesado; y los animales que les sirven de alimento no son objeto de pesca. Sin embargo, los operadores de pesca mediante líneas en el golfo de Alaska se han quejado del robo de pescado de sus líneas de pesca.


title: Physeter macrocephalus

text: Actualmente, las principales amenazas que enfrentan estos cetáceos son los enredones en las líneas de pesca y colisiones con barcos. Otros peligros actuales incluyen la ingestión de desechos marinos, el ruido, y la contaminación química. Para la UICN este cetáceo permanece como «vulnerable». Las lista de los EE. UU. lo ubican como «en peligro de extinción».


title: Physeter macrocephalus

text: Los dientes de cachalote montados en cuerdas son un objeto cultural importante a través del pacífico. En Nueva Zelanda los maorís los conocían como "rei puta" y eran escasos debido a que no eran cazados activamente en la sociedad tradicional maorí. El marfil y huesos eran tomados de ejemplares varados. En Fiyi los dientes eran conocidos como "tabua" y eran tradicionalmente dados como regalo para expiación o muestra de estimación (llamado "sevusevu"), y era importante en negociaciones entre jefes rivales. Friedrich Ratzel en "La Historia de la Humanidad" reportó en 1896, que en Fiyi, los dientes de cachalote era el artículo más demandado como ornamento o valor. Estos se organizaban a menudo en collares. Hoy la tabua permanece como un elemento importante en la vida de los Fiyianos. Los dientes eran originalmente raros en Fiyi y Tonga, la cual exportaba dientes, pero con la llegada de los europeos, los dientes inundaron el mercado y esta «moneda» colapsó. La sobreoferta permitió a su vez el desarrollo del arte europeo de confección en piezas de ballena (huesos y dientes) llamado en inglés "scrimshaw".


title: Physeter macrocephalus

text: La ballena blanca protagonista de la novela "Moby-Dick" de Herman Melville es un cachalote; al cual Melville asoció con el Leviatán bíblico. La reputación de fiereza perpetuada por Melville, se basó en la habilidad de los cachalote para defenderse, en ocasiones con éxito, de los primeros balleneros, terminando en la destrucción de los navíos en varias oportunidades.


title: Physeter macrocephalus

text: Julio Verne en "Veinte mil leguas de viaje submarino", los menciona (quizá incorrectamente) cazando ejemplares de esta especie. En la película de Disney Pinocho de 1940, «Monstro» la ballena es un cachalote mediano muy similar a "Moby-Dick" excepto que «Monstro» era más negro que blanco.


title: Physeter macrocephalus

text: En 2006 la BBC emitió el programa de televisión titulado Ocean Odyssey (en América Latina Odisea en el Océano), en el cual se recrea la vida de un cachalote con ayuda de imágenes generadas por computador, desde su primera inmersión a los 2 años de edad, hasta su muerte a los 80 años varado en una playa.


title: Physeter macrocephalus

text: Los cachalotes no son los cetáceos más fáciles de observar, debido a los largos periodos de tiempo que pasan sumergidos y a su habilidad para atravesar grandes distancias bajo el agua. Sin embargo, debido a su apariencia distintiva y a su gran tamaño se han hecho muy populares. Los observadores a menudo usan hidrófonos para escuchar los chasquidos y así localizarlos antes que estos emerjan. Sitios populares para su observación se encuentran en Kaikoura ubicada en la Isla del Sur de Nueva Zelanda, donde la plataforma continental en tan angosta que pueden ser observados desde la costa, Andenes y Tromsø en la Noruega ártica y en las Islas Azores, donde pueden verse a lo largo del año. Dominica, se cree, es la única isla del Caribe con una población residente de hembras y crías durante todo el año.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Juan Ruiz de Alarcón y Mendoza (Taxco, 1572/1581?-Madrid, 4 de agosto de 1639) fue un escritor novohispano del Siglo de Oro que impulsó distintas variantes de la dramaturgia. Entre sus obras destaca "La verdad sospechosa", comedia que constituye una de las obras claves del teatro barroco hispanoamericano y es comparable a las mejores piezas de Lope de Vega o Tirso de Molina.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Su producción literaria se adscribe al género de la comedia de carácter. Forjó un estilo construido a partir de personajes con identidades muy bien definidas, profundas y difíciles de entender en una primera lectura. Dominó el juego de palabras, y las asociaciones ingeniosas entre estas y las ideas dieron como resultado un lenguaje lleno de refranes, capaz de expresar una gran riqueza de significados.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: El pensamiento de Alarcón es moralizante, como corresponde al período barroco. El mundo es un espacio hostil y engañoso donde prevalecen las apariencias frente a la virtud y la verdad. Ataca las costumbres y vicios sociales de la época, aspecto que lo distinguió notablemente del teatro de Lope de Vega, con el que no llegó a simpatizar. Es el más psicólogo y cortés de los dramaturgos barrocos y sus obras se centran siempre en ámbitos urbanos, como en "Las paredes oyen" y "Los pechos privilegiados". Su producción, escasa en cantidad si se compara con la de otros dramaturgos contemporáneos, posee una gran calidad y unidad de conjunto, y fue muy influyente e imitada en el teatro extranjero, particularmente en el francés.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Todo ello le ha valido a Alarcón ser considerado un influyente dramaturgo del barroco español. No fue bien valorado por sus contemporáneos y su obra permaneció en el olvido hasta bien entrado el , cuando fue rescatada por Juan Eugenio Hartzenbusch. A pesar de que su producción se desarrolló en España, el pensamiento generado en la Nueva España a causa de sus obras fue importante para su posterior apogeo y el influjo de las tradiciones entre ambas regiones resulta inherente a la forma de reflejar el estilo de vida en dichas épocas.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Las noticias sobre la infancia de Juan Ruiz de Alarcón son escasas, por lo que no se sabe con exactitud el lugar y la fecha de su nacimiento. Aunque según el propio dramaturgo, nació en la Ciudad de México en 1580 o 1581, la mayoría de los estudios consideran la localidad de Taxco (en el actual estado de Guerrero) como el verdadero lugar de nacimiento.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Sus opositores alegaron que su abuelo materno era judío y que su abuelo paterno era hijo de un sacerdote de Buenache de Alarcón y de una esclava mora; sin embargo, la notoriedad de distintos miembros de su linaje en la sociedad novohispana y su buena recepción por parte de la aristocracia peninsular indican que provenía de una familia hidalga bien relacionada con la nobleza castellana, pero asentada en la Nueva España.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Estudió, de 1596 a 1598, el bachillerato en Cánones, en la Real y Pontificia Universidad de México. Hacia 1600 debió partir a la Universidad de Salamanca, gracias a la capellanía de Gaspar Ruiz de Montoya, donde aprendería derecho civil y profundizaría en el derecho canónico.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Durante su estancia en Salamanca, según varios autores, Alarcón comenzó a destacar como autor de piezas dramáticas y ensayos. Para 1606 marchó a Sevilla con el propósito de ejercer como litigante en asuntos mercantiles y canónicos. Allí conoció a Miguel de Cervantes Saavedra, quien influiría posteriormente en sus obras, como "La cueva de Salamanca" y "El semejante a sí mismo".


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: En los primeros meses de 1607 decidió regresar a Nueva España. Dos años después obtuvo el título de licenciado en derecho y opuso, sin éxito, a varias cátedras. No llegó a doctorarse, tal vez por falta de recursos económicos. Gracias al virrey Luis de Velasco y Castilla, amigo de Alarcón, este puede ascender en la burocracia virreinal, pues se le nombró teniente corregidor. Al partir Velasco a España, en 1611, Ruiz de Alarcón se embarca junto con la comitiva del virrey.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: A su llegada a Madrid, comienza la etapa más fructífera de su producción literaria. Sus primeras obras en representarse fueron "Las paredes oyen" y "Los pechos privilegiados", ambas con moderado éxito. Pronto fue conocido en el círculo literario madrileño, aunque nunca estableció vínculos profundos con ninguno de sus integrantes. Por el contrario, se ganó la enemistad de Lope de Vega, Luis Vélez de Guevara, Luis de Góngora, Francisco de Quevedo y otros. Se conservan muchas redondillas satíricas y alusiones veladas a Alarcón, quien siempre fue ridiculizado por su físico —era jorobado— y por su origen americano. El novohispano, por su parte, respondió a la mayoría de los ataques hacia su persona y nunca dejó de escribir.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Entre los estudiosos del taxqueño se ha planteado una hipótesis sobre la posible colaboración de Ruiz de Alarcón y Tirso de Molina, uno de los más famosos literatos de su tiempo y quien más influyó en su obra. No existen pruebas escritas sobre la colaboración de ambos, aunque se supone que, por lo menos, dos de las comedias de Tirso, publicadas en la "Segunda parte" (Madrid, 1635), pertenecen a Alarcón. Para Castro Leal, sin embargo, el que en un tomo de Tirso figuren comedias de otros de ninguna manera prueba que pertenezcan a Alarcón.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Con la subida al trono de Felipe IV, en 1621, el teatro cobró una gran importancia en la corte real. Alarcón pronto entabla una ventajosa amistad con el yerno del poderoso conde-duque de Olivares, Ramiro Núñez de Guzmán, a cuya sombra creció aún más como poeta. Entre 1622 y 1624 escribe "La amistad castigada", "El dueño de las estrellas" y la mayoría de sus obras teatrales.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Desde 1625 había servido en el Consejo de Indias, gracias a la intercesión de su amigo Ramiro Núñez de Guzmán. Primero ocupó el puesto de relator interino y en 1627 fue propuesto para una prebenda eclesiástica en América, lo que no fue aceptado. Su posición económica, como afirma un documento fechado en 1628, mejoró notablemente. También reconoció como hija suya a Lorenza de Alarcón, habida con Ana de Cervantes hacia 1620.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Durante los primeros meses de 1639, la salud de Alarcón comenzó a deteriorarse. Dejó de asistir a las reuniones del Consejo de Indias y fue sustituido en su cargo de relator. El 1 de agosto dictó su testamento, donde consigna todas sus deudas y deudores. Murió la mañana del 4 de agosto y fue enterrado en la parroquia de San Sebastián.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Publicó veinte comedias en dos volúmenes; el primero, con ocho, en 1628 ("Los favores del mundo", "La industria y la suerte", "Las paredes oyen", "El semejante a sí mismo", "La cueva de Salamanca", "Mudarse por mejorarse", "Todo es ventura" y "El desdichado en fingir"); el segundo, con doce, en 1634 ("Los empeños de un engaño", "El dueño de las estrellas", "La amistad castigada", "La manganilla de Melilla", "Ganar amigos", "La verdad sospechosa", "El anticristo", "El tejedor de Segovia", "La prueba de las promesas", "Los pechos privilegiados", "La crueldad por el honor" y "El examen de maridos"). Algunas comedias más se publicaron en distintas colecciones, como "Quien mal anda mal acaba", "No hay mal que por bien no venga" y "La culpa busca la pena, y el agravio la venganza". Otras obras de Alarcón son "Siempre ayuda la verdad", comedia de intención moralizante, y "Algunas hazañas de las muchas de don García Hurtado de Mendoza" (1622, escrita en colaboración).


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: La obra dramática de Juan Ruiz de Alarcón puede clasificarse en dos grandes grupos. El primero, la comedia histórica, aborda temas de la historia de España —especialmente del período de la Reconquista—, cuyas fuentes fueron Juan de Mariana y Jerónimo Zurita. Estas obras, de trama casi folletinesca, incluyen caracteres llenos de bravura y fidelidad, a fin de representar ideales moralizadores afines a la tradición del honor castellano. Esta tendencia moralizadora nutre casi todas sus comedias, en especial "Ganar amigos". Dos obras que escapan al molde común de las comedias históricas alarconianas son "La amistad castigada", situada en Sicilia, y "El dueño de las estrellas", drama sobre el honor y las buenas costumbres cuyo telón de fondo es Creta.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Las comedias moralizadoras, cuya intención es eminentemente ética, son las más conocidas del conjunto alarconiano. Las más conocidas son, sin duda, "La verdad sospechosa" y "Las paredes oyen", que son las obras más valoradas de Alarcón y las que más influencia han ejercido en la literatura posterior. "La prueba de las promesas", basada en un cuento de don Juan Manuel, es otra pieza dramática que ha recibido buena acogida por parte de la crítica especializada.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Cronológicamente, la obra de Juan Ruiz de Alarcón puede clasificarse en tres grupos. El primero (1607-1612), concebido durante su estancia en Sevilla y la Nueva España, refleja el frustrado interés de Alarcón por imitar la comedia de enredos. El segundo grupo (1613-1618) es el más famoso del dramaturgo: comedias de carácter donde se muestran sus fallidas pretensiones por alcanzar un lugar en la corte. El último de ellos (1619-1625) contiene comedias que abordan el tema del honor y sus conflictos derivados.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: En esta compleja trama de marcado carácter amoroso se da una situación de amor desigual: la dama Anarda, de la más rancia aristocracia castellana, se ha enamorado del noble García Ruiz de Alarcón —posible ancestro del dramaturgo—, pero ambos deberán sobrevivir a las intrigas de su enemigo Juan de Luna y de doña Julia. El noble y generoso don García, personificación del dramaturgo, triunfa en el amor gracias a su perseverancia, ya que nunca se dejó caer ante las imbatibles pruebas que le presentó el destino.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Alarcón introduce en "Los favores del mundo" una modificación sustancial a su estilo dramático. A pesar de que, a primera vista, se trata de una comedia de enredos, su final queda abierto para los lectores que conocen la postura reformista del dramaturgo novohispano. El príncipe, como se puede ver en algunos versos finales, no está dispuesto a renunciar a Anarda, aunque esta se haya casado con Garci Ruiz. Este recurso, para un público acostumbrado a los finales cerrados de los dramas lopescos, podría parecer desconcertante.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Por tratarse de una comedia social, Alarcón castiga las falsedades en cuestión de amores, ridiculizando la falta de verosimilitud en dichas situaciones dramáticas. Este es el caso de "Los favores del mundo", donde se descubre a un galán valiente incapaz de arredrarse ante cualquier obstáculo. Esta obra, según Castro Leal, podría considerarse un "puente de transición" en la obra dramática del taxqueño, en la que se cree que Alarcón empieza a experimentar con la comedia de caracteres —abandonando la comedia de enredos— y a lograr una más cuidada estructura. También representa la dualidad dramática de Alarcón: por un lado maneja el libre albedrío, por el otro defiende la omnipotencia divina.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: La comedia de corte sevillano "La industria y la suerte", en calidad de construir un modelo teatral intermedio y transitorio en relación con los agrupamientos interiores, representa una pieza clave en la producción dramática de Juan Ruiz de Alarcón y apunta hacia la formación de un subgénero teatral propiamente alarconiano. Para entonces, Alarcón se ha deslindado por completo de la fórmula dramática de la Comedia Nueva y su acción dramática estructural se base en los contrastes de protagonistas y villanos. Alarcón crítica los vicios de la alta sociedad, que solo pueden ser vencidos a través de buenos sentimientos, como lo prueba que en sus historias los nobles hidalgos triunfen sobre los malévolos aristócratas y contraigan matrimonio con damas de una sociedad cada vez más estratificada.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Esta obra muestra, una vez más, la dualidad de carácter que siempre demostró Alarcón. Aquí desarrolla, por primera vez en su teatro, a un galán poco ortodoxo: libre del dictado divino y guiado únicamente por su razón y su pensamiento. La multiplicidad de acciones contenidas en "La industria y la suerte" logra crear un armazón dramático único en la literatura alarconiana, con el que consagra definitivamente la comedia de caracteres.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: El argumento, original de Alarcón, se basa en la pretensión que hace a doña Ana de Contreras el discreto y devoto don Juan de Mendoza, a quien la crítica considera reflejo del alter ego del dramaturgo.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Es una de las obras más conocidas del teatro clásico español, pues aborda una de las más famosas temáticas: la del amor no correspondido y la perseverancia de quien realmente se ha enamorado. Este arquetipo romántico pertenece a don Juan: un hombre tenaz y contrahecho que siente por doña Ana un amor puro, hondo, con raíces bien plantadas, que enfrenta la retórica y galanura de don Mendo, a quien solo mueve la pasión.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Como ya se ha mencionado, la obra de Alarcón es básicamente un trabajo de caracteres, donde descuella la visión del amor que tiene el dramaturgo. El más destacado es don Juan, dueño de virtudes que Alarcón creía poseer. Aquí es cuando se refuerzan los rasgos autobiográficos de "Las paredes oyen": don Juan triunfa sobre su rival por su amor apasionado hacia doña Ana.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Alarcón logra un magnífico equilibrio entre la ironía y la comedia de enredos, aunque carece de tensión dramática pues todos los secretos importantes de la trama se revelan al final. Castro Leal percibe en ello una muestra de la madurez literaria del dramaturgo novohispano.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: El desenlace de "Las paredes oyen" es generalmente interpretado por la crítica como un castigo o ejemplo didáctico, aunque más bien funciona como una represión o censura. El propósito como una intención moralizante, aunque su propósito no es castigar, sino informar con autoridad que se ha obrado mal.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Es una de las primeras obras de Alarcón, escrita probablemente durante su estancia en Sevilla, pues el argumento se desarrolla en el ámbito mercantil de la ciudad. Ha sido criticada por ser una «comedia de mero entretenimiento, mal trazada, con situaciones demasiado libres, escasa de unidad de acción, falta de interés; en fin, todos los defectos de una primera obra». A pesar de que no consigue una perfecta armonía entre forma y asunto, Alarcón logra dominar la acción y el carácter de sus personajes en esta comedia de enredo, lo que perfeccionará más adelante en obras como "La verdad sospechosa".


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Algunos críticos la clasifican como una comedia de intención moralizante, aunque también puede verse como una pieza mixta de intriga y carácter, que gira en torno a las veleidades amorosas de dos jóvenes. Es una de las piezas menos conocidas de Alarcón, y se puede catalogar como un drama orientado hacia el enredo. La mayoría de los estudiosos coinciden en afirmar que se trata de una de las primeras obras de Juan Ruiz de Alarcón —representada antes de 1621 y escrita, probablemente, en 1606—, pues su estilo es el de un nivel amoroso muy superficial, que retarda el manejo de la acción a base de complicadas escenas que terminan en un matrimonio. No se aparta, así, del modelo impuesto por Lope y sus comedias de enredos.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Guarda cierta relación estilística con la novela corta "El curioso impertinente", cuyo autor, Miguel de Cervantes Saavedra, intercala en la primera parte de "El ingenioso hidalgo don Quixote de la Mancha". Sergio Fernández, reconocido especialista en la vida y obra del dramaturgo taxqueño, indica que "El semejante a sí mismo" puede ser una adaptación de la citada novela de Cervantes.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: El argumento de esta obra se desarrolla en la famosa cueva de Salamanca, enclave legendario en el que, según la tradición del imaginario popular de Castilla, impartía clase el Diablo. Muchos escritores españoles, principalmente en el Renacimiento y el Barroco, trataron el tema, pero la que más fama obtuvo fue el entremés "La cueva de Salamanca", de Miguel de Cervantes.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Alarcón, quien radicó algún tiempo en Salamanca, se inspira en el entremés cervantino para esta obra. Enrico, su personaje principal, es claramente una alusión al sabio novohispano Enrico Martínez. En su comedia se hace notar la inclinación que el escritor siempre sintió por la magia y las ciencias ocultas —lo prueba su biblioteca, analizada por Margarita Peña—, Al saber que era un tema difícil de abordar, y para ajustar al código moralizante de su tiempo, Alarcón niega que la cueva de Salamanca sea un antro de poderes malignos, ni que la magia sea una ciencia lícita. Incluso contiene una discusión, llevada en tono escolástico, sobre las artes ilícitas.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Puede ser que "La cueva de Salamanca" haya sido concebida como un juego de retórica visual destinado a entrenar al espectador para la agilidad visual de la actividad escénica, en opinión de críticos como Agustín Millares Carlo y Willard F. King es «comedia de magia con tesis morales, entretenimiento puro, casi farsa». No tiene un conflicto fijo, al contrario, el autor divaga durante todo el planteamiento de la obra. Los estudiosos han coincidido en juzgar a esta comedia como vacía, cuyos principales valores escénicos residen en la parafernalia detrás de una anécdota simple.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Esta comedia de carácter refleja, al igual que "Todo es ventura" y "Los favores del mundo", el fallido intento de Juan Ruiz de Alarcón por sobresalir en la corte de Madrid. Es también, como otras tantas obras de su autor, una mezcla de intriga y acción diseñada únicamente para entretener al público ávido de representaciones vivaces e ingeniosas.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Aunque pareciera que esta comedia parece duplicar las situaciones amorosas que imponía la Comedia Nueva, una lectura cuidadosa del guion demuestra que la ironía y el sarcasmo manejados por Alarcón revela un orden ambiguo, sobre todo en los desenlaces. Desde aquí se manifiesta la profunda animadversión del dramaturgo por la nobleza, a la que siempre tratará de ridiculizar.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: "Mudarse por mejorarse" es la primera obra donde se anuncia el comienzo del proceso evolutivo de Alarcón, en el que liberará a sus personajes de la fatalidad que les viene impuesta por predestinación divina. No pondrá su teatro al servicio de la sacralización que se vivía en su tiempo, al contrario, desarrollará su arte escénico alejado de convencionalismos y guiado únicamente por la razón y los sentimientos. Es considerada la última comedia alarconiana de transición, pues ya se vislumbran parámetros dramáticos semejantes a los de "Las paredes oyen".


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: "Todo es ventura" pertenece a la etapa en la que Alarcón comienza a experimentar con la comedia de caracteres y es cronológicamente posterior a sus primeras obras. Advierte Castro Leal que aquí comienza Alarcón a crear una mejor estructura dramática, basada en la intriga y en la acción, a fin de delinear las diferencias entre sus personajes.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: En "Todo es ventura" el héroe, y casi todos los personajes, es capaz de adueñarse de su propio destino y cambiarlo, a través de acciones bien pensadas y desafíos al destino y a todas las circunstancias. Se enmarca dentro de la segunda etapa de la obra alarconiana, según Juan Oleza y Teresa Ferrer. Para Castro Leal, esta etapa de su producción comprende la mayor parte de las obras escritas durante su segunda estancia en Madrid, entre 1613 y 1618.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Esta obra tiene importantes puntos de contacto con "La verdad sospechosa", obra maestra de Alarcón. Ambas comedias tratan el tema del mentiroso que urde embustes para conseguir su cometido y, como castigo a sus mentiras, ambos galanes protagonistas pierden a la mujer que tanto aman y por la que tanto han luchado. Aun así, la estructura psicológica de los personajes principales de las dos obras es radicalmente distinta en muchos aspectos.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: "El desdichado en fingir" relata la lucha de un hombre contra su propio destino, en el que sus únicas armas son la perseverancia, la valentía y la voluntad, aunque su punto de vista irónico —recurso que siempre manejó Alarcón— obstaculice la apreciación de estos rasgos. En principio, Arsenio, el galán de "El desdichado en fingir", aparece como una persona paciente ante la adversidad e incapaz de fingir, aunque a lo largo de la trama se descubren sus múltiples engaños.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Compuesta entre 1623 y 1625, abundan las referencias madrileñas, lo que permite destacar el aspecto costumbrista que mantiene numerosos puntos de contacto con la novela cortesana de los siglos y : galanteos, desafíos, enredos, encuentros imprevistos y varias evocaciones a lugares de la Villa y Corte.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: A diferencia de la vasta mayoría de los galanes alarconianos, en "Los empeños de un engaño" se muestra cómo puede mentirse por amor, en un mundo donde los embustes representan la máscara de un discurso de poder. Destaca también la presencia de Teodora, uno de los personajes femeninos más destacados del universo de Alarcón.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: En "Los empeños de un engaño", Alarcón profundiza en la pintura de caracteres para cimentar su crítica social. En este caso, lo que podría haber sido un drama de honor con el que podría censurar las conductas sociales, se frustra por la actitud de algunos personajes. Alarcón, como lección, debe ensayar más la comedia antes de aventurarse con la tragedia y el drama. Así, al final de sus obras, todos los villanos sufrirán, metafóricamente, un doloroso castigo por sus pecados.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Licurgo, de la isla de Creta, vive en un exilio autoimpuesto de Esparta, de donde salió para evitar que se cumpliese un sombrío horóscopo. Una noche encuentra al rey de Creta en la cama de Diana, su esposa, y en lugar de asesinar a quien le ha deshonrado se suicida, burlando así el trágico destino que le habían impuesto los astros. A ello le ha conducido la razón exasperada: a evitar la fatalidad a costa del sacrificio. Este drama ético-político da un desenlace bastante original, aunque algo exagerado, al eterno conflicto de la lealtad en la relación soberano-vasallo.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: "El dueño de las estrellas" es, como ya vimos, un drama de proporciones épicas que muestra el afán y la inclinación del dramaturgo por los temas históricos y mitológicos, como era habitual en la literatura barroca. Ruiz de Alarcón se esmera por reproducir la retórica y los modelos literarios dominantes a fin de ser reconocido como un dramaturgo digno del mejor círculo literario de su época. "El dueño de las estrellas", junto con "El anticristo", representa este afán, que, sin embargo, terminó en fracaso.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: "La amistad castigada" es la narración de un suceso acaecido en Sicilia, durante la égida del tirano Dion de Siracusa —quien, a diferencia de otros reyes de la literatura alarconiana, no logra su redención—. Ricardo, hombre probo y justo, logra casarse, tras muchas adversidades, con la hija del soberano. Por otro, Filipo, cruel y adulador, recibe su castigo al final de la obra. No ha sido bien valorada por la crítica, que la considera borrosa y carente de acción.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Uno de los valores más apreciados para Alarcón es la amistad, como lo demuestra a lo largo de su producción. Aquí pergeña un drama donde predomina la intención ética, al ver en Filipo al mal amigo que traiciona para satisfacer únicamente su propio interés. A pesar de que la trama se teje en torno a un conflicto amoroso, permite catalizar la obra como crítica a las pasiones del poder.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Al igual que "La cueva de Salamanca", esta obra también alude a tópicos mágicos y esotéricos. El capitán Venegas, hombre valiente y osado, utiliza una astucia (manganilla) para lograr su triunfo sobre los moros. A través de este asunto, Alarcón utiliza fuentes históricas para poner en escena uno de sus dramas históricos mejor logrados.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Alarcón, como ya era usual en él, realiza una acerba crítica del innoble vicio de mentir. En "La manganilla de Melilla", la mentira es un recurso usado por los protagonistas y los antagonistas para conseguir sus fines, aunque al término de la historia pierden el crédito y el respeto de la sociedad y, lo que es peor, el objeto de su deseo —ya sea el amor o el poder—. El sargento Pimienta, personaje de esta comedia, miente impelido por su enorme deseo de poseer a Darja y a Alima, cautivas moras.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Se le conoce también con los nombres de "Lo que mucho vale mucho cuesta" y "Quien priva aconseje bien". El argumento recae en torno a la justicia y el honor castellano de los tiempos del rey Pedro I el Cruel. Un hombre debe vengar la muerte de su hermano y la consiguiente deshonra de su familia, pero a la vez tiene que luchar contra sus sentimientos.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Destaca el tratamiento que el dramaturgo novohispano hace del tema de la hidalguía, código moral y de convicciones bastante aceptado en la época. Alarcón lo aborda con gustoso y apasionado interés. Al mismo tiempo ataca la ambición y la falta de escrúpulos que demuestran los hombres de la política, obsesionados con obtener poder y canonjías a cualquier costo. Al final de la historia, todos los personajes, incluso los villanos, conservan sus rasgos característicos que no fueron violentados a lo largo de la trama.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Las mujeres del teatro alarconiano suelen ser personajes no muy profundos, menos complejos que los varones y llenas de simplicidad psicológica. Una de las pocas excepciones a esta regla es doña Ana de "Ganar amigos", cuya grandeza trágica —adquirida a lo largo de la historia— le da cierto aire de heroína del teatro griego. "Ganar amigos" revela un notable progreso en la técnica dramática de Alarcón. La trama se entreteje sin violencia, diseñando las características más importantes de los personajes. El dramaturgo, a fin de lograr una mayor consistencia y variedad, hace un mayor uso de los recursos escénicos y evita parlamentos largos carentes de sentido. Muchas veces la narración pasa a ser más un monólogo que un drama, pues el verso es limpio, directo, fluido, conciso y justo. Incluso, para dotar de elegancia a su pieza, Alarcón recurre a galas culteranas al estilo gongorino.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: . La crítica a la mentira es la intención dominante, pero no puede catalogarse como un texto didáctico ni moralizante. Fue escrita entre 1618 y 1621, antes de la muerte del rey Felipe III, a quien la dedicatoria supone vivo. Según el estudio de Pedro Henríquez Ureña, fue representada en 1624 y su texto definitivo apareció en la "Segunda parte" de las comedias alarconianas, en 1634.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: La obra tiene como escenario principal Madrid, donde el mentiroso don García conoce a Jacinta y a Lucrecia. El personaje principal está realmente enamorado de doña Lucrecia y, a fin de ganársela, inventa toda una red de mentiras que dan sentido a la historia. Al final, don García reconoce sus errores y recibe un merecido castigo por sus embustes.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Se trata de la comedia moralista más famosa de Alarcón, donde cada personaje posee una determinada importancia que lo hace diferente del resto. "La verdad sospechosa", a la que algunas interpretaciones definen como "ironía de la los procedimientos teatrales en boga", es también una obra donde triunfa la comedia de caracteres sobre la comedia de enredos, pues la trama gira en torno a ridiculizar la figura del mentiroso don García, centro de todos los vicios.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Fue compuesta entre 1623 y 1625. Durante su estreno ocurrió un incidente que relata Luis de Góngora a Hortensio Félix Paravicino:


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Este suceso aconteció cuando el actor que representaba al ángel se negó a volar y fue sustituido por una de las actrices. El incidente fue aprovechado por el mismo Góngora para burlarse de Alarcón en uno de sus sonetos y Lope de Vega fue encarcelado porque se le acusó de colocar la redoma.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Es una obra de correcta versificación, que relata la historia del Anticristo, villano por excelencia del teatro alarconiano. Este ser infernal, descendiente de Judas Iscariote, comete una retahíla de horrendos crímenes que al final son castigados por un ángel y dos personajes: Sofía, encarnación de lo humano, y Balán, símbolo de la naturaleza, dos mundos unidos para vencer al mal. El Anticristo es obra con enorme aprovechamiento de maquinaria teatral;


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Datada entre 1616 y 1619, esta pieza reconcentra la intención alarconiana de mejorar un buen gobierno. Su primera parte es anónima y la segunda original de Alarcón, anticipa el drama romántico del . Los personajes de esta obra escapan al molde común de los personajes alarconianos. Fernando y Ana Ramírez de Vargas huyen de Suero y Julián Peláez, asesinos de su padre. A decir de Lillian von der Walde,


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Los personajes principales de esta obra, datada a finales de 1617, —Don Mendo, doña Ana, Beltrán y el Conde— aparecen en otras obras de Ruiz de Alarcón como "Las paredes oyen", "El examen de maridos", "El tejedor de Segovia", "Los pechos privilegiados", "Ganar amigos" y "La verdad sospechosa". Al polarizarse radicalmente la psicología de sus personajes, Alarcón pretende definirlos a través de rasgos individuales derivados de su condición social. En esta comedia se comienza a ejercer un examen del comportamiento ético de todas las clases sociales presentes en el teatro alarconiano, tanto ricos como pobres.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: El personaje mejor delineado es don Juan, arquetipo de la soberbia y la codicia. Es un hombre egoísta, el primer personaje de las comedias alarconianas con una tipología bien establecida. El enredo y las causas permiten hacer que los perfiles anímicos y morales de los personajes comiencen a definirse, sin importar si están a tono o no con la tipología del teatro contemporáneo.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Al igual que en "La cueva de Salamanca", la formación humanística y cultural de Alarcón lo llevaba a abordar temas casi olvidados para la época, como la magia. En "La prueba de las promesas" el dramaturgo pone la magia al servicio del hombre, a la que considera la más perfecta criatura. Esta obra, además, es una adaptación del cuento "De lo que contesçió a un deán de Santiago con don Illán", contenida en "Libro de los enxiemplos del Conde Lucanor et de Patronio", del infante Don Juan Manuel.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: También se le conoce como "Nunca mucho costó poco". Es el drama político más famoso de Alarcón, pues incluye muchas referencias indirectas a la situación del gobierno de España en esa época. La justicia cortesana y la ley natural son los temas de esta obra. En "Los pechos privilegiados" se vuelve a castigar a la realeza por sus vicios y su mal gobierno. El dramaturgo desea representar a la Corte como una maraña de intrigas, que finalmente cae ante la firmeza y el honor que ha demostrado la Naturaleza, personificada por doña Jimena.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: El argumento de la obra está basado en la magna "Historia general de España" de Juan de Mariana, específicamente en un episodio del , en el que se ve envuelto el rey Alfonso V de León y varias princesas del Reino de Castilla. Se trata de una de las más convencionales obras de Alarcón, aficionado a salirse del arquetipo literario de la época. El conflicto principal reside en la lealtad y el honor que todo vasallo debe rendirle a su rey, alusión, tal vez, a la crisis política del tiempo del duque de Lerma y del duque de Uceda. Todo el primer acto se enfoca en este asunto.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: La inmensa mayoría de los personajes de esta comedia, especialmente Rodrigo de Villagómez y Elvira, son caracteres bien definidos en los que destaca la pasión y la dignidad con la que expresan sus sentimientos. Son, pues, tipos únicos dentro de la pintura de caracteres del teatro alarconiano, que tanta fama le trajo a su autor. Con "Los pechos privilegiados" Alarcón logra halagar a la realeza, al mismo tiempo que consigue una bien lograda obra teatral.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Concebida entre 1619 y 1622, se agrupa dentro de las comedias que giran en torno al conflicto del honor. A través de una reflexión marcada por monólogos muy bien logrados, Alarcón define su visión de lo que debería ser un buen gobierno: justo, honesto y benévolo con sus súbditos. También demuestra que, en nombre de un código de honor, se pueden cometer muchas atrocidades crueles e inútiles. El impostor Nuño Aulaga es "“un hombre complejo, obligado a reparar las afrentas recibidas e impedido para llevarla a efecto por los medios socialmente avalados; elige una forma ilegal para lograr sus fines de ascenso socioeconómico y de desagravio íntimo (que no de restitución de honra), pero que también lo mueve el amor al hijo.”" Es descubierto y solicita a Sancho Aulaga, su hijo que lo mate. quien lo hace de manera consciente y solidaria, de lo que deriva su condición trágica: Un tan honroso rigor alma tiene de piedad; que es generoſa crueldad la crueldad por el honor. (vv. 2703-2706) En el tercer acto Sancho se entera de que no es hijo de Nuño, por lo que no cometió parricidio alguno.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Su autoría ha sido discutida, aunque la mayoría de los críticos coinciden en declararla original de Alarcón. Destaca doña Inés, uno de sus mejores personajes femeninos, a quien caballeros de diferentes personalidades cortejan. Las agudas observaciones psicológicas de este cuento tienen su origen en una narración italiana, que inspiró "El mercader de Venecia", de William Shakespeare, y "Les vissionaries", de Jean Desmarets.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Refleja, mejor que ninguna otra comedia, la proclividad de Alarcón a insertar refranes populares, tanto de América como de España, en sus obras. Gran cantidad de expresiones ingeniosas ayudan al autor a expresar con más claridad su conflicto. Además, puede notarse ya en "El examen de maridos" un intento de Ruiz de Alarcón por equilibrar las formas estéticas y un eterno compromiso de Alarcón con la verdad y los valores morales. Así, puede concluirse que "El examen de maridos" representa el cenit de una cultura que se debate entre la verdad absoluta y una elegante retórica.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Escenifica la historia del morisco Román Ramírez, imitador de Teófilo y Fausto. La Inquisición española conoce del caso y encierra al moro, quien finalmente es sometido a un larguísimo proceso. Alarcón retoma el asunto y lo convierte en una de sus piezas dramáticas mejor logradas. No se conoce a ciencia cierta el original de Alarcón, pues se han perdido algunos versos. En 1852, al editar sus obras completas, Hartzenbusch logró la mejor versión de este texto, que incluye revisión filológica. Fue publicada por primera vez por el impresor sevillano Francisco de Leefdael, a mediados del . No apareció en las dos partes de las obras de Alarcón editadas entre 1628 y 1624, pero fue ampliamente elogiada en el por Juan Eugenio Hartzenbusch y Agustín Millares.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Castro Leal, uno de los más conocidos estudiosos de Alarcón, fecha "Quien mal anda en mal acaba" entre 1601 y 1603. Fernández Guerra, sin embargo, coloca la fecha de su creación en 1616 o 1617, pues su calidad y su versificación son muy superiores a las de las primeras comedias alarconianas.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Es muy destacable la versificación de "Quien mal anda en mal acaba", pues Alarcón emplea recursos poco usados hasta entonces en el teatro barroco español, como el elevado porcentaje de redondillas, usado solo por Guillén de Castro. También descuella la buena estructura de la comedia, el manejo del sentido dramático y la utilización de la poesía. Agustín Millares la considera, sin duda, «una comedia de colaboración», aunque el resto de la crítica la considera, sin vacilar, fruto único y exclusivo de Juan Ruiz de Alarcón.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: También se le conoce con los nombres de "Don Domingo de don Blas" y "El acomodado don Domingo de don Blas". Su trama mezcla enredo amoroso con circunstancias históricas. Dos damas, Leonor y Constanza, protagonizan la historia, pero deslucen ante don Domingo, el mayor personaje de la comedia: sensato, independiente, reflexivo, arquetipo del burgués ideal que sabe actuar con heroicidad si el tiempo lo requiere. Además, don Domingo es leal vasallo y súbdito orgulloso del rey Alfonso.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: La escritura y el estilo delatan, sin duda, que se trata de una obra de Alarcón. No se conoce a ciencia cierta por qué no se publicó en sus comedias. Tampoco se sabe cuándo vio la luz "No hay mal que por bien no venga", aunque se conjetura que fue escrita antes de 1630.Juan Ruiz de Alarcón inaugura en la literatura hispanoamericana el género de la comedia de caracteres. El manejo de sus personajes es una característica esencial en toda su obra. El escritor trata de reflejar en sus personajes los vicios de la época: la mentira, la maledicencia y la ambición; caracteres que generalmente sufren un castigo al final de la obra. Alarcón nunca se aleja del moralismo imperante en la literatura del Siglo de Oro, al contrario, se mantiene firme en él. Sus comedias, por su aliento que preludia el romanticismo, y por su realismo irónico, lo colocan en un lugar destacado de la literatura barroca española.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: A pesar de que desarrolló casi toda su producción en España y de que su obra prácticamente ignora la realidad en las colonias, las raíces y la educación novohispana de Alarcón le convierten en figura indiscutible del barroco hispanoamericano. El haberse asimilado español, sin embargo, es una constante en su obra teatral, a fin de validar la hegemonía hispánica en América y afianzar su pertenencia al sistema de gobierno.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Los temas para sus comedias los extrajo de muy distintas fuentes. En "La prueba de las promesas" se repite un cuentecillo de "El Conde Lucanor" de don Juan Manuel. "El examen de maridos" tiene concomitancias con "El mercader de Venecia" de William Shakespeare, porque se inspiran ambas en una fuente común italiana. De los "Evangelios apócrifos" viene "El anticristo". "La crueldad por el honor" deriva de un episodio de la historia de Aragón. "El tejedor de Segovia" resulta una extraña anticipación del drama romántico. "Quien mal anda mal acaba", que versa sobre el pacto con el diablo de un morisco, se inspira en la tradición popular de un proceso inquisitorial en Cuenca.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: La crítica ha aludido, una y otra vez, a su disidencia crítica, sus límites discursivos, irregularidades en la estructura teatral y a su ideología subversiva, lo que convierte a Ruiz de Alarcón en un dramaturgo lleno de excentricidades. Su obra dramática no tiene parangón en la historia de la literatura hispanoamericana.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Su obra más lograda, "La verdad sospechosa", sobre un hombre que miente sobre todas las cosas y que no tiene respeto para nadie, inspiró "Le menteur" de Pierre Corneille y "El mentiroso" del dramaturgo veneciano Carlo Goldoni.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: El hecho de que la obra dramática de Alarcón fuera mínima a comparación de la de Lope o Tirso le granjeó un segundo plano entre la crítica literaria contemporánea. No fue hasta el , gracias a estudiosos como Juan Eugenio Hartzenbusch —quien publicó sus "Obras completas" y un estudio—, que el novohispano comenzó a ser valorado entre los literatos de Hispanoamérica. El crítico español fue el primero en identificar a "Le menteur" de Pierre Corneille —quien creía que estaba adaptando una obra de Lope— como traducción a la lengua francesa de "La verdad sospechosa" de Alarcón.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Ya en el , el filólogo y literato español Marcelino Menéndez y Pelayo se refería a Alarcón en los siguientes términos:


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: Pedro Henríquez Ureña fue uno de los primeros intelectuales americanos en estudiar al dramaturgo taxqueño. Después siguieron Alfonso Reyes, Julio Jiménez Rueda y Antonio Castro Leal. La revaloración literaria de Alarcón correspondía a una corriente ideológica caracterizada por el nacionalismo y la búsqueda de la identidad cultural nacida a raíz de la Revolución Mexicana. Para el tricentenario de su fallecimiento, en 1939, Alarcón era ya reconocido como la máxima figura de las letras novohispanas, junto con Sor Juana Inés de la Cruz.


title: Juan Ruiz de Alarcón

text: A pesar de que los estudiosos hispanoamericanos insisten en ubicar a Alarcón dentro del conjunto de costumbres y tradiciones novohispanas, la crítica española alude a ligar al dramaturgo a la realidad peninsular. Esta controversia ha suscitado un intenso debate entre los especialistas en el novohispano, aún sin resolver. Desde la década de los años ochenta, la mayoría de los críticos ha optado por estudiar a Juan Ruiz de Alarcón dentro del contexto indiano, sin olvidarse jamás de que desarrolló su obra en España.Existe una edición moderna de las "Obras Dramáticas Completas" (a partir de las ediciones "princeps" de las dos "Partes" de 1628 y 1634) supervisada por Ysla Campbell, de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez, que en enero de 2015 llevaba ya publicados seis volúmenes ("El dueño de las estrellas", ed. de Ricardo Vigueras, vol. X; "La prueba de las promesas", ed. de Leonor Fernández, vol. XVII; "Mudarse por mejorarse", ed. de Frank Casa, vol. VI; "La industria y la suerte", ed. de Adriana Ontiveros, vol. II; "La manganilla de Melilla", ed. de Nieves Rodríguez, vol. XII y "Los favores del mundo", ed. de Ysla Campbell, vol. I)


title: Teorema de Coase

text: El teorema de Coase plantea que en un mercado en que los costos de transacción sean bajos o inexistentes, y que los derechos de propiedad establecidos en los fallos judiciales no permitan una solución económica suficiente, se producirá necesariamente una reasignación de estos derechos hacia aquellos que los valoran más, aunque los tribunales fallen en contra de estos. Con todo, son muchos los casos en que los altos costos de transacción impiden una reasignación de los derechos establecidos en los fallos judiciales. En estos casos, los tribunales deben intentar minimizar los costos asociados a sus fallos, siempre que ello no altere la tesis de la ley.


title: Teorema de Coase

text: Forma parte del Análisis Económico del Derecho, y es atribuido al premio Nobel Ronald Coase.


title: Teorema de Coase

text: Los supuestos del teorema de Coase son dos:Por lo tanto, según Coase una vez que los derechos de propiedad quedan establecidos, la intervención pública deja de ser necesaria para tratar el problema de las externalidades (Coase, 1960).


title: Teorema de Coase

text: El teorema de Coase es considerado uno de los pilares fundamentales del llamado Análisis Económico del Derecho. Objeto de vivas controversias, las críticas al teorema de Coase son, en sustancia, las mismas que a todo el análisis económico del Derecho, y pueden resumirse en las insuficiencias y las desviaciones que provoca la adopción del modelo microeconómico de observación del comportamiento individual (considerado racional por dicho modelo, aunque sea bajo el prisma del propio y exclusivo interés: hipótesis REM, "reasonable egoist man"); añádase que el planteamiento microeconómico "clásico" prima, desde sus orígenes, el paradigma de mercado de la "competencia perfecta", puramente teórico, y que contempla las situaciones monopolistas u oligopolistas como simples fallos de aquella; y ve al mercado como un ámbito natural de autorregulación, sin tener en cuenta el papel del Estado como formalizador de las normas consuetudinarias, sin el cual, según muchos, no podría existir el mercado mismo en grandes escalas en su mayoría.


title: Teorema de Coase

text: Mas, aunque sea ello así, y precisamente por serlo, también se le pueden atribuir las virtudes del análisis microeconómico del que nadie ha dudado, en tiempos modernos, de su virtualidad para suministrar conceptos; y con este bagaje, de su capacidad para proporcionar modelos que confrontar con la realidad y ayudar a los agentes sociales a efectuar elecciones que busquen maximizar, aun en términos relativos, el bienestar de la sociedad; es obvio que entre estos agentes se encuentran, eligiendo soluciones en el plano jurídico, los legisladores y los jueces, principalmente. Encuadrado en este marco teórico-práctico, y sin pretender que de un modo mecanicista ofrezca soluciones, el teorema de Coase reviste una capital importancia.


title: Wim Wenders

text: Wilhelm "Wim" Ernst Wenders (Düsseldorf, 14 de agosto de 1945) es un guionista, productor, actor y director de cine alemán que también ha trabajado en los Estados Unidos.


title: Wim Wenders

text: Estudió parcialmente medicina y filosofía en la universidad de Friburgo de Brisgovia (en un momento llegó a planear convertirse en sacerdote), luego hizo fotografía. Estuvo a los 21 años en un curso (1966) en París, iba diariamente a la filmoteca y veía el nuevo cine. En 1967 finalmente comenzó a estudiar en la Escuela de Cine y Televisión de Múnich, que se abría ese año.


title: Wim Wenders

text: De 1967 a 1970, Wenders frecuentó la Hochschule für Film und Fernsehen en Múnich, y ya en 1967 realizó su primer corto "Escenario" ("Schauplätze"). Al año siguiente hizo otros tres: "El mismo jugador dispara de nuevo" ("Same Player Shoots Again"), "Klappenfilm", dirigido junto a Gerhard Theuring, y "Victor I". El mismo año empieza a colaborar como crítico en "Filmkrit" y "Suddeutsche Zeitung".


title: Wim Wenders

text: Su primer largometraje lo realizó al acabar la carrera, "Verano en la ciudad"; dura tres horas y trata de un hombre que sale de la cárcel, y empieza a viajar sin meta. El segundo es "El miedo del portero ante el penalty", 1972, sobre una novela de Peter Handke, de quien se sentirá cerca toda su vida, desde 1967, y con el que trabajará una y otra vez. Desde entonces hará una película al año.


title: Wim Wenders

text: Habiendo nacido en una época en la que Alemania comenzó a girar hacia la cultura estadounidense para olvidar su propio pasado, Wenders tiende a explorar en sus películas la presencia estadounidense en el inconsciente europeo, o más concretamente la americanización de la Alemania de posguerra (un personaje suyo al cantar una tonadilla en inglés dice "estamos colonizados").


title: Wim Wenders

text: Con tres películas su nombre se afianza: en 1974 Alicia en las ciudades, "Falso movimiento" (que parte del "Wilhelm Meister" de Goethe) y "En el curso del tiempo" (1975), para muchos sus obras maestras de juventud. Con "El amigo americano" (1977), basada en la novela "El juego de Ripley", de Patricia Highsmith, Wenders fue conocido internacionalmente.


title: Wim Wenders

text: A partir de ese momento, e instalado en parte en los Estados Unidos (con Coppola y Fred Ross), Wenders comenzó lo que podría denominarse su etapa más prolífica, encadenando títulos experimentales como "Lightning Over Water" ("Relámpago sobre el agua") (1980), documental sobre la agonía y muerte del director Nicholas Ray, que lo codirigió, y "Hammett", 1982, "El estado de las cosas" (1982) con historias intimistas como "Paris, Texas" (1984), "El cielo sobre Berlín" (1987) o su secuela "¡Tan lejos, tan cerca!" (1993).


title: Wim Wenders

text: En 1985, había rodado una película singular, "Tokio-Ga", sobre la vida del director japonés Yazujiro Ozu, el director con el que, dijo, más había aprendido en su vida. También rodó en Portugal, entre otros lugares, donde conoció al director Raúl Ruiz, e hizo filmes-homenaje a Antonioni y Ray.


title: Wim Wenders

text: En 1998 filmó, con un grupo reducido, "Buena Vista Social Club", sobre un grupo de olvidados pero legendarios músicos cubanos, cuyas edades oscilaban entre los 60 y 80 años. Este documental registra el regreso a Cuba del músico estadounidense Ry Cooder, momento en el que se reúne con el vocalista cubano Ibrahim Ferrer y el resto de los músicos para grabar un álbum. Este singular documento recoge a los músicos en el estudio donde les registraban y además rastrea sus vidas en una La Habana filmada evocadoramente.


title: Wim Wenders

text: Entre sus últimas producciones, está el largometraje rodado en formato digital "Llamando a las puertas del cielo" (2005). En septiembre de 2009, estaba a punto de empezar a rodar con su amiga Pina Bausch un documental en 3-D sobre el modo de observar el mundo de esta coreógrafa, pero, tras dos años de preparación, esta murió. Pese a todo, llegará a filmar "Pina" en 2011 con el apoyo de los miembros de la compañía de esa artista (el "Wuppertal Dance Theatre"), que insistireron en seguir, como un homenaje a la gran creadora de la danza actual. Se pusieron como condición no poner datos biográficos ni hacer entrevistas con conocidos, sólo basarse en sus coreografías.


title: Wim Wenders

text: Además de largometrajes, Wenders también ha tenido una importante actividad como director de cortometrajes, de documentales y de programas para la televisión, así como guionista, productor e incluso actor.


title: Papelucho

text: Papelucho es el protagonista de una serie de libros para niños creado por la escritora chilena Marcela Paz que narran las aventuras de un niño chileno.


title: Papelucho

text: Papelucho se basa en las experiencias de la autora en su infancia, y los libros están escritos en la forma de un diario de vida escrito por el personaje principal. Son los más leídos durante la edad escolar en Chile, a tal grado que algunos forman parte del plan de lectura obligatoria.


title: Papelucho

text: El protagonista de "Papelucho" es un niño de ocho años, que aparentemente no cumple más edad, cuyas aventuras ocurren principalmente dentro de su cabeza. Su ingenio e imaginación para interpretar las cosas cotidianas de la vida lo han transformado en el personaje infantil más querido y leído de la narrativa chilena. Una de sus características más notorias es la intención de querer solucionar los problemas, las cuales, al introducirse en un acto concreto, terminan por dejar las cosas peor que como estaban originalmente.


title: Papelucho

text: Publicado por primera vez en 1947, aunque la primera obra de la serie nunca ha sido publicada por decisión en primera instancia de su autora y posteriormente de sus hijos. En este primer libro se tocaría el tema de la separación matrimonial, tema tabú para la época. Posteriormente la serie se prolongó hasta 1974, aunque las sucesivas reediciones llegan hasta hoy. Una peculiaridad de la obra es que no adopta un tono moralista, muy típico de la época en que fue escrito. Los padres no parecen ser modelos de virtud, y la vida del niño transcurre en un clima de cierta soledad. El lenguaje peculiar del texto, los giros idiomáticos y los errores gramaticales le dan gran viveza y atractivo a su lectura.


title: Papelucho

text: La serie "Papelucho" comprende doce libros: "Papelucho, Romelio y el castillo" (2017)


title: Papelucho

text: Una edición francesa del primer libro de la serie salió en 1951 en la Colección «Rouge et Bleue» (editores GP, traducido y adaptado por G. Tyl-Cambier). El texto fue adaptado y publicado con ilustraciones a color como un libro de gran formato, que tuvo mucho éxito, veinticinco mil ejemplares que se vendieron rápidamente y una segunda edición que aparece dos años después. En 1980, una nueva edición en francés apareció y sobrevivió a varios cambios en la casa editorial: Bordas siendo sucedido por Pocket, luego Havas Poche, hasta el final de la década de los noventa.


title: Papelucho

text: La casa japonesa Kōdansha publicó en 1972 una traducción al japonés con dibujos de Marcela Claro Huneeus, hija de la autora.  Una edición griega fue publicada por Kedros, Atenas, 1984. Y recientemente Anicia en Roma ha publicado la traducción italiana de cuatro de los libros.


title: Papelucho

text: También hay una versión bilingüe español-inglés, disponible en Chile desde fines de 2006, realizada por Lina Craddock, Ailsa Shaw y Jean Paul Beuchat.


title: Papelucho

text: La empresa Cineanimadores (responsables de la película animada "Ogú y Mampato en Rapa Nui") y Canal 13 llevaron a cabo una versión cinematográfica de dibujos animados del libro "Papelucho y el marciano". Esta fue estrenada el 17 de mayo de 2007.


title: Papelucho

text: En 2013, el Centro de Desarrollo de Tecnologías de Inclusión (CEDETi), perteneciente a la Pontificia Universidad Católica de Chile, con el apoyo de SENADIS y Ediciones Marcela Paz, desarrolló una adaptación digital del primer libro de Papelucho. Esta versión es accesible para personas con discapacidad sensorial.


title: Media aritmético-geométrica

text: La media aritmético-geométrica M("x", "y") de dos números reales positivos "x" e "y" se define de la siguiente forma:Ambas sucesiones convergen al mismo número, denominado media aritmético-geométrica M("x", "y") de "x" e "y".


title: Media aritmético-geométrica

text: Origen Algebraico de la Media Aritmético - Geométrica


Media aritmético-geométrica


title: Media aritmético-geométrica

text: Se puede demostrar además que:


title: Media aritmético-geométrica

text: donde "K"("x") es la "integral elíptica completa de primera especie". Otra identidad interesante en la que interviene la media aritmética geométrica es la siguiente:


title: Carnaval de Oruro

text: El Carnaval de Oruro es una festividad folclórica y cultural en la ciudad de Oruro, así como la máxima representación de los carnavales en Bolivia, “” (Unesco). A lo largo del carnaval participan más de 48 conjuntos folklóricos que son distribuidos en 18 especialidades de danzas que reúnen de distintas partes de Bolivia y que realizan su peregrinación hacia el Santuario del Socavón cada sábado de carnaval en la tradicional “Entrada”. Esta celebración, por la gran popularidad que alcanzó en los últimos años y debido a su gran manifestación cultural y atracción turística, pasó a volverse uno de los carnavales más importantes conjuntamente con el de Río de Janeiro, Brasil y otros carnavales en el mundo. Alrededor de 400 000 personas visitan anualmente el carnaval, generando un movimiento económico de al menos 125 millones de bolivianos.


title: Carnaval de Oruro

text: Se presenta la interculturalidad de los pueblos preincaicos, prehispánicos, cazadores, lacustres, agrícolas, ganaderos altiplánicos y otros de las tierras bajas. Desde épocas remotas Jururu (Uru Uru), hoy Oruro fue un centro de peregrinación religiosa del mundo andino, hacia la sagrada serranía de los Urus, que contaba con deidades protectoras llamadas Wakas, apus y achachilas, estas deidades eran Jampatukollo (cerro Sapo), Argentillo Arankani (cerro lagarto), la víbora (Quwak), el cóndor y Wakallusta (Resbaladero de Ídolos) entre otros. Tras la conquista del Imperio Incaico, estos trataron de introducir su religión mediante la conversión de Wari a un semidiós malvado y a las wakas o Apus sagradas en plagas, petrificadas por la Ñusta Incaica. Así los urus debían adorar solo a pachacamaj representado por Inti.


title: Carnaval de Oruro

text: Los españoles a partir de la conquista y coloniaje durante el Virreinato del Perú, produjeron un singular sincretismo religioso de transculturización con Huari (Wari), sintetizado en el tío que quedó como el diablo universal y junto a la pachamama, la ñusta que se convirtió en la virgen del socavón.


title: Carnaval de Oruro

text: Se expresa a partir del encuentro durante el Virreinato del Perú, del mundo occidental (españoles) con las culturas nativas de la región. El hecho fue generando sus propios mecanismos sociales de salvaguarda que se iniciaron en 1789 durante el Virreinato del Perú cuando la iglesia católica entroniza oficialmente la imagen de la virgen candelaria que es venerada dentro la festividad del Carnaval, por eso la fecha movible. Los mineros crean la comparsa de diablos que rendiría su homenaje a la virgen del socavón los sábados de carnaval, días que tenían libre del trabajo en la mina. Por órdenes del Virrey del Perú, las celebraciones fueron prohibidas a lo largo del siglo XVII, aunque se mantuvieron y revivieron por parte de los pueblos originarios bajo los rituales católicos de la Fiesta de la Candelaria (o purificación de la Virgen). Los íconos cristianos reemplazaron así a las deidades nativas, con el cambio de los santos por los elementos menores de la cosmología inca. En 1818 el párroco de Oruro, Ladislao Montealegre, escribió la obra "Narrativa de los siete pecados capitales", para la cual, según Harris y Fortún, se habría presentado elementos del "Ball de diables" catalán como ser la diablesa, que en la diablada es denominada China Supay y en donde el diablo lidera a los siete pecados capitales en batalla en contra de las virtudes opuestas y un ángel. Harris sugiere que Montealegre podría haber querido representar la amenaza de la Rebelión de Oruro y el contexto histórico con esta obra.


title: Carnaval de Oruro

text: En 1559, solicitados por el encomendero de Paria Paria, Lorenzo de Aldana, los frailes Agustinos vinieron desde España al Virreinato del Perú y se dedicaron a la evangelización del Altiplano. Sus primeras llegadas son en Challacollo, Paria, Toledo y Capinota en este año. El encomendero de Paria, Lorenzo de Aldana, había creado un Mayorazgo o fundación benéfica a favor de la religión y de los indígenas encomendados a él, Aldana muere en el 1573, diez años antes que Francisco Tito Yupanqui tallara, en 1583, la Imagen de la Candelaria para el santuario de Copacabana durante el Virreinato de Perú, igualmente confiado a los Agustinos en 1588. Aldana había nacido en 1508 en Extremadura, en la ciudad de Cáceres, donde era grande la devoción a la Virgen de la Candelaria.


title: Carnaval de Oruro

text: Los Agustinos traían una fuerte devoción mariana desde España al Virreinato de Perú, donde la fiesta de la Candelaria se había establecido ya en el siglo XI como una de las cuatro principales fiestas marianas. Saliendo de España, habían tocado como último puerto, antes de cruzar el océano, Tenerife, en las Islas Canarias, donde existía un Santuario dedicado a la Virgen de la Candelaria. De ahí la devoción a la Candelaria “se había popularizado especialmente entre los marineros que la tomaron como abogada y la izaron al lado de los timones en las procelosas travesías hacia el Virreinato de Perú en América.


title: Carnaval de Oruro

text: En Oruro existe el santuario en honor a la Virgen del Socavón, pero esta fecha se desplazó a las fechas del carnaval en esta ciudad; esta transición fue producto de la guerra de la independencia boliviana.


title: Carnaval de Oruro

text: Existe una leyenda que cuenta que durante el sábado de carnaval del año 1789 un bandido llamado Anselmo Bellarmino conocido como el "Nina-Nina" o "Chiru-Chiru" fue mortalmente herido en una pelea callejera y antes de morir él fue confrontado por la Virgen de la Candelaria. Algunas versiones dicen que él solía adorar a una imagen de tamaño natural de la Virgen pintada en una pared de una casa abandonada, otros dicen que esta pintura apareció milagrosamente en la casa del bandido tras su muerte, también se dice que el cura Carlos Borromeo Mantilla escuchó la confesión de Anselmo Belardino quien confesó haber raptado a Lorenza Chuquiamo, en la confesión declaró haber sido socorrido por una joven que prendía dos cirios en la cima de cerro Pie de Gallo. Esta leyenda concluye con el relato de una tropa de diablos danzando en honor a la Virgen durante el carnaval del año siguiente. El santuario presente en Oruro fue completado para el año 1891.


title: Carnaval de Oruro

text: Sin embargo, de acuerdo al doctor en estudios religiosos y director ejecutivo del Consejo de Humanidades de Wisconsin en la Universidad de Wisconsin-Madison, Max Harris, esta leyenda estaría relacionada con una realidad histórica. Durante el virreinato rebelión de Túpac Amaru II, Oruro experimentó una breve pero sangrienta revolución. Durante la noche del sábado 10 de febrero de 1781, la mayoría criolla atacó a la minoría gobernante conformada por chapetones o descendientes directos de españoles nacidos en el cono sur. Con la llegada del ejército indígena, los criollos formaron una alianza.


title: Carnaval de Oruro

text: El 15 de febrero, un mensajero llegó desde el Cuzco a Oruro con órdenes de Túpac Amaru II. Él había instruido a su ejército respetar a las iglesias y al clérigo, no hacer daño a los criollos, y sólo procesar a los chapetones. Aseguró también la victoria al entrar a La Paz "por carnestolendas", la ocupación indígena de Oruro se había comenzado a retirar dejando miles de muertos. Pero durante marzo y abril ellos lanzaron más ataques a la ciudad pero esta vez en contra de los criollos y los españoles restantes quienes unificaron fuerzas para repelerlos. Harris observa que el carnaval del año 1781, cayó el 24 de febrero, colocando la ocupación de Oruro exactamente entre la fiesta de la Candelaria y carnaval, tornando esta situación en palabras de Harris "carnavalesca". Procesiones religiosas compartieron su espacio con desfiles seculares, europeos y criollos se disfrazaban como indígenas, casos como la de un español disfrazado de mujer en un vano intento de salvar su vida y miles de hombres armados en las calles de la ciudad colonial. Para el 19 de febrero la gente en la ciudad a pesar del conflicto continuó celebrando y durante carnaval, los mercados de la ciudad estaban llenos de ladrones vendiendo el oro y la plata saqueados nuevamente a sus dueños o a los cholos y mestizos. Para el año 1784 era ya costumbre regocijar, bailar, jugar y formar comparsas para el carnaval de Oruro.


title: Carnaval de Oruro

text: Harris considera que es con este trasfondo que la leyenda de la Virgen del Socavón de 1789 apareció favoreciendo a la rebelión ya que los indígenas veneraban a la Virgen de la Candelaria, mientras que los chapetones solían venerar a la Virgen del Rosario. Según las creencias de los revolucionarios, la Virgen del Socavón habría tolerado a las deidades indígenas o "demonios" y, según Harris, si la leyenda es correcta, para 1790 los mineros de Oruro habrían movido la celebración de la Candelaria para carnaval y habrían añadido a los dioses indígenas, enmascarados como diablos cristianos, a las festividades.


title: Carnaval de Oruro

text: Una generación después, en 1825, Bolivia alcanzó su independencia del Imperio Español y su separación de los Virreinatos de la Plata y del Perú, el Carnaval de Oruro adoptó un nuevo significado para los residentes de Oruro. Dos de las comparsas de diablada y la calle desde la cual el desfile comienza recibieron sus nombres en honor a Sebastián Pagador, uno de los héroes criollos de la revuelta. La plaza principal que está en la ruta del carnaval hacia el santuario de la Virgen del Socavón se denomina "Plaza 10 de febrero" recordando la fecha de la rebelión.


title: Carnaval de Oruro

text: El Periodo más complejo donde surge la tolerancia entre la fe, las religiones y la creatividad. La conducta social y popular de la época impone una mentalidad de conservadurismo segregador e inquisidor desde la colonia, por esa razón los cholos y criollos organizados en cofradías participan de forma clandestina y protegidos en el anonimato por la máscara, haciendo así su presencia en este espacio y tiempo sagrado de los indios uniendo los rituales del hombre andino con los católico. Las danzas son discriminadas por la clase pudiente de la sociedad denominándolas “danzas de la Indiada”, porque solamente los indígena o campesinos las danzaban. Danzas que nacen como sátira hacia los españoles y sus esclavos negros, que habitaron durante el Virreinato del Perú esta región y fueron partícipes de la Rebelión de Oruro de 1781 donde existían compañías de españoles, mestizos, criollos y negros. Tras la confrontación bélica de Bolivia y Paraguay se genera un encuentro del hombre del campo con el de la ciudad, del hombre del oriente, con los del valle y los del altiplano que se confunden en una sola trinchera y conocen más allá de la suya la realidad nacional, este hecho histórico marco a estas clases y tomaron una conciencia nacionalista, las comparsas de diablos, comparsas de morenos y otros, partícipes del carnaval de Oruro, empiezan a sufrir un cambio en su denominación, las “Danzas de la Indiada” se llamarían: Diablada, Morenada, llamerada, etc. Esas danzas de la Indiada Orureña serían aceptadas por la mayoría de la sociedad, la convivencia en la Guerra del Chaco hizo que las ciudades tomaran estas manifestaciones culturales como propias, y empezara crear agrupaciones nuevas de comparsas mostrando voluntad organizativa, creadora, aportando con su intelecto para rendir su devoción a la Virgen del Socavón en el Carnaval de Oruro.


title: Carnaval de Oruro

text: la celebración se realiza en la ciudad de Oruro, la cual es considerada la capital folklórica de Bolivia. En el carnaval de Oruro aún conviven en una simbiosis la religión pagana y católica, mostrando ante el mundo su sincretismo religioso único, tres días antes al sábado de peregrinación hacia el santuario del socavón por parte de los 52 conjuntos, la gente visita al cóndor y una semana después la a la víbora al sur de la ciudad, el sapo al norte y al este los arenales (hormigas). El carnaval de Oruro parte de la estructura temporal lluviosa del altiplano (jallupacha) que se inicia con los rituales de NOVIEMBRE relacionado al culto de los muertos en “TODO SANTOS” (Siguiente semana el primer convite del carnaval), periodo que se extiende hasta FEBRERO (Entrada de peregrinación hacia la Virgen del Socavón). De acuerdo a la Ley 602 de la República de Bolivia, son organizadores del Carnaval de Oruro: La Alcaldía Municipal de Oruro, la Asociación de Conjuntos del Folklore (A.C.F.O.) y el Comité Departamental de Etnografía y Folklore de Oruro. En la actualidad, las más importantes celebraciones se centran en el Santuario del Socavón. Son 18 las especialidades de danzas, siendo 52 los conjuntos folklóricos inscriptos en la A.C.F.O. La devoción de los bailarines es tan grande por la virgen del Socavón o (mamita Candelaria) que llegan de diferentes regiones del país, y realizan un recorrido extenso, al llegar a la iglesia los bailarines hacen su ingreso al santuario de rodillas y con lágrimas en el rostro pidiendo un favor a la virgen del Socavón y en agradecimiento prometen bailar durante tres años consecutivos.  Todo finaliza con dos representaciones teatrales de obras católicas que se centran una en la conquista española y otra sobre el triunfo del arcángel Miguel sobre el Demonio.Un jurado internacional de personalidades, convocado por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco), proclamó al Carnaval de Oruro como “”. El 18 de mayo de 2001, se transmitió la proclamación desde París, Francia. El jurado internacional fue presidido por el escritor Juan Goytisolo. El mundo artístico, cultural, académico y gubernamental estaba representado por el presidente de la República de Malí, Alpha Oumar Konare, el Kabaka de Uganda, Su majestad Ronald Muwenda Mutebi il, la princesa Basma Bint Talal de Jordania, la cantante boliviana Zulma Yugar y el escritor mexicano Carlos Fuentes.


title: Carnaval de Oruro

text: Para la postulacion la UNESCO solicitó una carpeta con la información esta fue elaborada por la ACFO (Asociación de Conjuntos del Folclore de Oruro) a la cabeza del presidente de esta entidad Dr. Walter Zambrana Balladares al cual se sumaron una serie de personalidad entre historiadores e intelectuales. Esta información fue entregada al ministerio de cultura de Bolivia para posteriormente ser enviada a la UNESCO. El carnaval de Oruro al ser la conjunción de más de 28000 danzantes, cerca de 10000 músicos distribuidos en 150 bandas, baile callejero con un escenario repleto de más de 400.000 espectadores del país y extranjeros en casi cuatro kilómetros de distancia, en una reunión inimaginable de niños, niñas, mujeres y hombres, que cantan, bailan y trabajan, en honor a la Virgen del Socavón, Patrona de los mineros y Reina del folklore de Bolivia. Llegó a convertirse en un centro de irradiación de danza y música de Diabladas, morenadas, caporales, tobas, tinkus, etc. y constituirse de esta forma en una “”.


title: Carnaval de Oruro

text: La importancia histórica en la que gravito Oruro y su gran influencia cultural y religiosa hacen de su carnaval un escenario natural que refleja la interculturalidad de las distintas zonas de Bolivia dentro de sus 416 millas cuadras.


title: Carnaval de Oruro

text: Una de las características del Carnaval de Oruro es la existencia de bandas de Bronce que acompañan el baile de las fraternidades, las bandas tienen un evento exclusivo denominada Festival de bandas que congrega a las agrupaciones que participan de la fiesta.


title: Carnaval de Oruro

text: Las bandas poseen elaborados uniformes, coreografías y estilos de arreglo de música popular del momento. Entre las más conocidas se encuentran la banda Intercontinental Poopó, y la banda Pagador.


title: Carnaval de Oruro

text: Existe una gran variedad de personas que contribuyen en la realización del Carnaval de Oruro. Sin embargo, los bailarines que participan en este carnaval oscilan entre 28.000 y 35.000. Los músicos entre 5.000 y 10.000. Y la asistencia de los turistas se desglosa en la siguiente tabla.  *Se canceló el carnaval por la pandemia del COVID-19


title: Edicto de fe

text: El edicto de fe era una proclama solemne en la que, después de enunciar de forma exhaustiva las prácticas que se consideraban heréticas o contraria a la fe católica, se conminaba a los habitantes de una ciudad o de un pueblo "visitado" por los inquisidores, bajo pena de excomunión, a que denunciaran a aquellos vecinos que hubieran incurrido en herejía. Este primer paso en el procedimiento de la Inquisición española sustituyó al edicto de gracia a partir de principios del siglo XVI, en el que se invitaba a la denuncia de uno mismo como hereje en un plazo de entre treinta o cuarenta días, durante el cual no sería castigado con penas severas —llamado por eso "período de gracia"—.


title: Edicto de fe

text: En las dos primeras décadas de existencia de la Inquisición española (1480-1500) se usó el "edicto de gracia". La diferencia fundamental entre el edicto de gracia y el posterior edicto de fe era que en el primero, tras enumerar una lista de herejías, se hacía un llamamiento a los que creyeran haber incurrido en herejía para que se denunciaran a sí mismos dentro de un "período de gracia", que solía ser de treinta a cuarenta días. Los que así lo hacían eran "reconciliados" con la Iglesia sin sufrir fuertes castigos.


title: Edicto de fe

text: "Después de 1500 los edictos de gracia habían cumplido su propósito y fueron sustituidos normalmente por "edictos de fe", que no tenían un período de gracia y que en su lugar invitaban a la denuncia de aquellos que eran culpables de los delitos que aparecían en una larga lista de ofensas". "La obligación de denunciar a todos los sospechosos de herejía se extendía a todos los fieles, bajo pena de excomunión".


title: Edicto de fe

text: Cuando los inquisidores llegaban a una ciudad o a un pueblo lo primero que hacían era presentarse a las autoridades eclesiásticas y seculares locales. A continuación en una misa de domingo o de día festivo, al finalizar el sermón del párroco o el rezo del credo, el inquisidor sosteniendo un crucifijo se dirigía a los feligreses para que tras persignarse juraran levantando la mano derecha que ayudarían al Santo Oficio a perseguir la herejía. Inmediatamente después se leía el edicto de fe, que incluía una larguísima relación de todas las creencias y conductas heréticas. Con este "inventario detallado de todas las palabras y actitudes susceptibles de revelar opiniones heterodoxas" se trataba en defiitiva, según Joseph Pérez, "de explicar a los fieles cómo reconocer a un hereje". "Era costumbre leer el edicto de fe una vez al año, un domingo de Cuaresma, en el momento del ofertorio, lentamente y en voz alta".


title: Edicto de fe

text: El edicto de fe no adquiere su forma definitiva hasta el siglo XVII y sólo a partir de 1630 se lee el mismo texto en todos los tribunales. Este comienza describiendo las palabras y prácticas más frecuentes entre los judaizantes —como abstenerse de comer determinados alimentos o no trabajar los sábados—, prestando especial atención a las prácticas funerarias —volver al difundo contra la pared, lavarlo con agua caliente o cortarle la barba y depilarle las axilas, colocarle en la boca una moneda o una perla, etc.—. A continuación se trataban los indicios que delataban a los moriscos que seguían perteneciendo a la «secta de Mahoma», como la de ayunar durante el Ramadán, abstenerse de beber vino y de comer cerdo, lavar a los muertos y colocar junto a ellos miel, leche y otros alimentos para el alma del difunto, etc. El tercer apartado se dedicaba a la «secta de Lutero» destacando como señales de la pertenencia a la misma, decir que bastaba confesar los pecados a Dios para salvarse, sin que los sacerdotes intervinieran, o que en la hostia consagrada no se encontraba el cuerpo de Cristo, o que no tenía ningún sentido el culto a los santos y poner imágenes en las iglesias, o que el purgatorio no existía, por lo que no era necesario rezar por los muertos, o que los clérigos y las monjas podían casarse, etc. Un cuarto apartado se ocupaba de la «secta de los alumbrados» cuyos miembros se reconocían, según el edicto de fe, cuando una persona ensalzaba la oración mental frente a la oración en voz alta o defendía que el matrimonio no era un sacramento o que había que dejarse guiar por el Espíritu Santo. Por último se ocupaba de herejías diversas —materialismo, blasfemias, brujería, solicitación, bigamia, etc.— y de los libros cuya posesión y lectura estaba prohibida —las obras de los autores protestantes, el Corán, la Biblia en lengua vulgar, y todos aquellos que figuraran en el Índice de Libros Prohibidos que publicaba el Santo Oficio—. En 1738 se añadió un párrafo sobre la masonería.


title: Edicto de fe

text: Contra la lectura pública del edicto de fe se levantaron algunas voces, como la de Francisco de Borja, porque con su minuciosa descripción de las creencias y las conductas heréticas paradójicamente podían difundir la herejía allí donde nada se sabía de ella -un inquisidor del tribunal de Logroño escribió en 1611 al Consejo de la Suprema Inquisición que en su distrito no se conocía la brujería hasta que se empezó a hablar de ella—. Pero los edictos se siguieron leyendo hasta mediados del siglo XVII, por lo menos, aunque a partir de 1660 se fue abandonando paulatinamente la costumbre.


title: Edicto de fe

text: Los edictos de fe, como sus antecesores, los edictos de gracia partían del principio en el que se sustentaba la existencia misma de la Inquisición: que la herejía no era tan sólo un pecado, sino también era un delito, por lo que los confesores no podía absolver a los herejes. Por eso el edicto de fe contenía una frase que aludía a este punto: los eclesiásticos que confesaban a un una persona que admitía haber cometido un pecado contra la fe —ser un hereje— tenían la obligación de denunciarlo a la Inquisición. Asimismo al considerarse un delito se debía infligir al culpable la humillación de un proceso público.


title: Edicto de fe

text: El edicto de fe fue uno de los medios principales en los que se basó la acción inquisitorial en España, convirtiendo a los ciudadanos en agentes colaboradores del Santo Oficio. Sin embargo, también se propiciaron las delaciones falsas, por interés o venganza, si bien la Inquisición intentó que no se produjeran castigando a los falsarios.