title: Tamerlán

text: En el invierno de 1385-86 (787) su antiguo aliado y protegido Toqtamish asalta y saquea Tabriz. Ello desencadena una campaña de tres años en Irán iniciada en la primavera de 1386 (788), en la que recupera Tabriz. En noviembre de 1387 (Dhū'l Qa'da 789), sus tropas sofocan una revuelta en Isfahán masacrando a la población. Entretanto, Toqtamish había atacado otra vez el Cáucaso a comienzos de 1387; Tamerlán envía tropas que lo derrotan, tras lo que llevan a cabo luego una campaña contra los Kara Koyunlu, e invaden el Kurdistán. En 1387-8 (finales de 789) Toqtamish ataca y saquea Transoxiana, por lo que Tamerlán regresa a la región y lo rechaza más allá de la frontera norte entre el invierno y la primavera de 1388-9 (790-1).


title: Tamerlán

text: Mientras realiza un par de nuevas campañas contra Mogulistán (1389, 1390) (791, 792), controlado por Khidr Khwīaja, prepara sus ejércitos para una ofensiva definitiva contra Toqtamish, quien ahora dirige la Horda Dorada. Inverna en Taskent en 1390-91 (792), y el 18 de junio de 1391 (15 Rajab, 793) derrota a Toqtamish en el río Qundurcha o Jundurcha, al norte de Samara. Asegurado el control de la zona, y habiendo colocado bajo su dominio directo la mayoría de las áreas bajo su influencia (en 1391-92 (794) designa a su nieto Pīr Muhammad b. Jahāngīr gobernador de Kabul), prepara una gran campaña hacia el Sudoeste.


title: Tamerlán

text: El 5 de agosto de 1392 (15 Ramadān 794), cruzó el Oxus (hoy Amú Dariá) para comenzar su campaña de cinco años, donde derrotó a los muzzafaridas en abril de 1393 (795), conquistando Fars y asegurándose el control del occidente de Irán. Todos los sobrevivientes de la dinastía Muzzafarida serán ejecutados al poco tiempo. Cuatro meses después toma Bagdad, derrotando al sultán Ahmad Jalayir. Envía emisarios a los dos dinastías turcomanas de Irán occidental y de Anatolia, los Ak Koyunlu y los Kara Koyunlu, sugiriéndoles que den muestras de sumisión, para luego atacarlos y apoderarse de la mayoría de sus territorios en la región norte del Tigris y el Éufrates.


title: Tamerlán

text: Mientras las tropas continúan la campaña en la región mesopotámica, en el invierno de 1395 (797) Toqtamish ha vuelto a atacar en el Cáucaso. Tamerlán organiza una campaña contra él y lo derrota en el río Térek el 15 de abril de 1395 (23 Jumādā II, 797). Arrasadas las fuerzas de Toqtamish, Tamerlán avanza hasta Moscú, saqueando durante el trayecto y regresando a través de Darband en la primavera de 1396 (798). La Horda Dorada jamás se recuperará totalmente de este golpe, y Toqtamish, despojado de su trono, dejará de ser una amenaza. Tamerlán regresa lentamente hacia Samarcanda, aprovechando su paso para castigar a gobernantes insubordinados.


title: Tamerlán

text: Permaneció un tiempo en Samarcanda recibiendo embajadores extranjeros mientras impulsaba la construcción de palacios y jardines. Pero en la primavera de 1398 (800) emprenderá de nuevo la marcha, esta vez hacia la India. En diciembre de 1398 (Rabī' II, 801) llega a Delhi, que es saqueada e incendiada. Luego de esto, y tras una breve campaña a lo largo del Ganges, regresó a Samarcanda en la primavera de 1399 (801).


title: Tamerlán

text: Tras una breve estadía en Samarcanda, le llegan noticias de que Amīrānshāh, gobernador de Irán occidental, se ha insubordinado. Así pues, Tamerlán volverá a ponerse en marcha al comienzo del otoño de 1399 (802), para su más larga expedición: la llamada "campaña de los siete años". En el curso de esta campaña, reaseguró el control sobre Georgia, varias veces invadida por su imperio, y recapturó Bagdad (que había sido retomada por Ahmad Jalayir) destruyéndola y masacrando a sus habitantes. Continuó su ofensiva hacia el Oeste, haciendo campaña en Siria contra los mamelucos y en Anatolia contra los otomanos que habían dado refugio a los Qara Yusuf, de los Kara Koyunlu y a Ahmad Jalayir. Esta ofensiva no parece tener como fin anexar territorios, sino más bien realizar una demostración de fuerza. Por ello, la campaña de Siria fue breve; las tropas timúridas capturan varias grandes ciudades, como Alepo, Damasco y Himş (actual Homs). Aleppo se somete sin lucha y es perdonada, pero Damasco resiste y es saqueada y sus habitantes masacrados.


title: Tamerlán

text: En la primavera de 1402, ataca a los otomanos y los derrota cerca de Ankara, tomando prisionero al sultán Bāyāzīd I que, aunque fue bien tratado por sus captores, murió pocos meses después. Luego de realizar incursiones por las ciudades anatolias, recogiendo rescates, Timür se da por satisfecho con el golpe propinado a la hegemonía otomana y regresa hacia Samarcanda en la primavera de 1404 (806) sin dejar administración permanente en Anatolia. A su paso por Mazandarán, sofocó una grave rebelión encabezada por su antiguo súbdito Iskandar Shayki.


title: Tamerlán

text: En Samarcanda Tamerlán lleva a cabo un gran "kurultái", justificado en la elección de un nuevo kan títere para suceder a Muhmād Qan b. Soyurghatmish, fallecido en 1402 (805). A él asisten numerosas embajadas, incluyendo la de China y la de Ruy González de Clavijo, enviado por Enrique III de Castilla. Después de unos pocos meses en la capital, comienza los preparativos para la hazaña más grande: una campaña contra China. Reúne un enorme ejército y grandes cantidades de suministros, y a fines del otoño de 1404 (807) se dirige a Otrar, donde planeaba invernar. Allí moriría el 19 de enero de 1405 (807) a causa de una enfermedad.


title: Tamerlán

text: Su cuerpo fue retornado a Samarcanda y enterrado en el mausoleo de Gur-e Amir. Sus restos se encuentran en la cripta, junto a los de su nieto, Ulugh Beg, y otros miembros de su familia. El lugar exacto está marcado por una lápida de grandes dimensiones de nefrita de Mongolia con la siguiente inscripción: «Si yo me levantase de mi tumba, el mundo entero temblaría». Un equipo arqueológico soviético encabezado por Mijaíl Guerásimov (М. М. Герасимов) exhumó su cuerpo el 22 de junio de 1941. Reconstruyendo su esqueleto se halló que, efectivamente, era cojo, singularmente alto y fornido para su tiempo (1,72m de altura) y además se descubrió que era pelirrojo.Los estudios realizados por los soviéticos determinaron que poseía rasgos mezclados de mongoloide y caucasoide.


title: Tamerlán

text: En cuanto a la supuesta maldición que protegía el eterno descanso de Tamerlán, cabe destacar como dato anecdótico que la fecha de su exhumación coincide con el comienzo de la invasión de la URSS por la Alemania nazi.


title: Tamerlán

text: Tamerlán tenía cuarenta y tres esposas y concubinas, todas estas mujeres también eran sus consortes. Tamerlán convirtió a docenas de mujeres en sus esposas y concubinas mientras conquistaba las tierras de sus padres o de sus antiguos maridos.Sus otras esposas y concubinas fueron: Dawlat Tarkan Agha, Burhan Agha, Jani Beg Agha, Tini Beg Agha, Durr Sultan Agha, Munduz Agha, Bakht Sultan Agha, Nowruz Agha, Jahan Bakht Agha, Nigar Agha, Ruhparwar Agha, Dil Beg Agha, dilshad Agha, Murad Beg-Agha, Piruzbakht Agha, Khoshkeldi Agha, Dilkhosh Agha, Barat Bey Agha, Sevinch Malik Agha, Arzú Bey Agha, Yadgar Sultan Agha, Khudadad Agha, Bakht Nigar Agha, Qutlu Bey Agha, y otra Nigar Agha.


title: Tamerlán

text: Fue un político y estratega capaz de ganar y mantener la lealtad de sus seguidores nómadas, operar dentro de una estructura política fluida, modificarla, y conducir un enorme ejército a conquistas sin parangón. Y si bien estas habilidades pueden surgir de las sutilezas de las luchas por el poder político tribal que preceden a la mayoría de las conquistas nómadas, también se mostró singularmente apto para gobernar sobre las tierras árabes y persas que conquistó. Aunque castigó a las ciudades recalcitrantes e impuso ruinosos rescates a las ciudades que se le sometieron sin lucha, mostró un claro entendimiento del valor del comercio y de la agricultura y tomó medidas para promoverlos, empleando sus tropas para restaurar las áreas y ciudades que habían arrasado. Fue también hábil en la manipulación de los símbolos culturales establecidos utilizándolos en la construcción de edificios públicos para mostrar su grandeza, y la religión para justificar sus conquistas y su gobierno.


title: Tamerlán

text: No sabía leer ni escribir y sin embargo las historias de su tiempo dan cuenta de sus conocimientos de medicina, astronomía e historia de los árabes, los persas y los turcos. Si bien puede esperarse que las historias de los cronistas de su corte presenten una pintura favorable de sus capacidades intelectuales, estas pueden corroborarse al menos con una fuente independiente: la autobiografía de Ibn Jaldún, quien encontró a Tamerlán después del sitio de Damasco en 1400-1, y que destacó su notable inteligencia y su afición por la argumentación.


title: Tamerlán

text: Pese al extraordinario poder que alcanzó, no logró establecer una estructura de gobierno que lo sobreviviera. En parte, esto se debió a su propia política de no delegar responsabilidades en sus descendientes (los timúridas) ni en sus comandantes militares, justificada en la necesidad de evitar el surgimiento de potenciales rivales. A su muerte, su nieto y sucesor escogido, Pīr Muhammad b. Jahāngīr, fue incapaz de sostener su derecho contra los desafíos de otros príncipes, y ninguno de los descendientes de Tamerlán logró la completa lealtad siquiera de sus propias tropas. La guerra de sucesión resultante fue inusualmente larga y destructiva, y condujo a una dinastía política y económicamente débil.


title: Tamerlán

text: Tamerlán es considerado un genio militar y un táctico brillante con una asombrosa habilidad para trabajar dentro de una estructura política altamente fluida para ganar y mantener un seguimiento leal de nómadas durante su gobierno en Asia Central. También se le consideraba extraordinariamente inteligente, no solo intuitivamente sino también intelectualmente. En Samarcanda y sus muchos viajes, Tamerlán, bajo la guía de distinguidos eruditos, pudo aprender los idiomas persa, mongol y turco (según Ahmad ibn Arabshah, Tamerlán no podía hablar árabe). Según John Joseph Saunders, Tamerlán era "el producto de una sociedad islamizada e iranizada", y no nómada de la estepa. Más importante aún, Tamerlán se caracterizó como un oportunista. Aprovechando su herencia turco-mongol, Tamerlán usó con frecuencia la religión islámica o la ley sharia , el fiqh y las tradiciones del Imperio mongol para lograr sus objetivos militares o políticos nacionales. Tamerlán era un rey erudito y disfrutaba de la compañía de los eruditos; fue tolerante y generoso con ellos. Era contemporáneo del poeta persa Hafez, y una historia de su encuentro explica que Tamerlán convocó a Hafiz, quien había escrito un ghazal con el siguiente verso:


title: Tamerlán

text: "Por el lunar negro en tu mejilla, daría las ciudades de Samarcanda y Bukhara."


title: Tamerlán

text: Tamerlán lo reprendió por este versículo y dijo: "Con los golpes de mi espada bien templada he conquistado la mayor parte del mundo para agrandar Samarcanda y Bujara, mis capitales y residencias; y tú, criatura lamentable, cambiarías estas dos ciudades por un lunar." Hafiz, impávido, respondió: "Es por una generosidad similar que he sido reducido, como ve, a mi actual estado de pobreza". Se informa que el rey se sintió complacido por la ingeniosa respuesta y el poeta partió con magníficos regalos.


title: Tamerlán

text: Se dice que la naturaleza persistente del carácter de Tamerlán apareció después de una incursión fallida en una aldea cercana, que se cree que tuvo lugar en las primeras etapas de su ilustre vida. Cuenta la leyenda que Tamerlán, herido por una flecha enemiga, encontró refugio en las ruinas abandonadas de una antigua fortaleza en el desierto. Lamentándose de su destino, Tamerlán vio una pequeña hormiga que subía un grano por el costado de una pared derrumbada. Pensando que el final estaba cerca, Tamerlán dirigió toda su atención a esa hormiga y observó cómo perturbada por el viento o el tamaño de su cargamento, la hormiga volvía a caer al suelo cada vez que trepaba por la pared. Tamerlán contó un total de 69 intentos y finalmente, en el 70º intento, la pequeña hormiga tuvo éxito y se abrió camino hacia el nido con un premio precioso. Si una hormiga puede perseverar así, pensó Tamerlán, seguramente un hombre puede hacer lo mismo.


title: Tamerlán

text: Existe la opinión compartida de que el motivo real de Tamerlán para sus campañas fue su ambición imperialista. Sin embargo, las siguientes palabras de Tamerlán: "Toda la extensión de la parte habitada del mundo no es lo suficientemente grande como para tener dos reyes" explica que su verdadero deseo era "asombrar al mundo" y, a través de sus campañas destructivas, producir una impresión más bien que lograr resultados duraderos. Esto se ve respaldado por el hecho de que, además de Irán, Tamerlán simplemente saqueó los estados que invadió con el propósito de enriquecer su Samarcanda natal y descuidó las áreas conquistadas, lo que pudo haber resultado en una desintegración relativamente rápida de su Imperio después de su muerte.


title: Tamerlán

text: A menudo Tamerlán usó expresiones persas en sus conversaciones, y su lema era la frase persa "rāstī rustī" ( راستی رستی , que significa "la verdad es seguridad" o "veritas salus" ). Se le atribuye la invención de la variante de ajedrez Tamerlan, que se juega en un tablero de 10 × 11.Fuentes


title: Tamerlán

text: Otra bibliografía


title: Hidrocarburo insaturado

text: Un hidrocarburo metaloide insaturado es un hidrocarburo en que algún átomo de carbono no está saturado (es decir, unido a otros cuatro átomos exclusivamente por enlaces simples) sino que tiene algún enlace doble o triple.


title: Hidrocarburo insaturado

text: Los hidrocarburos insaturados pueden ser de dos tipos: alquenos (con dobles enlaces) y alquinos (con triples enlaces). Todos ellos hidrocarburos lineales no cíclicos.


title: Hidrocarburo insaturado

text: Las cadenas carbonadas de los ácidos que reaccionan con el glicerol, pueden ser saturadas o insaturadas. Si son saturadas, no hay ningún doble enlace carbono-carbono, y se dice que está "saturada" porque la cadena posee todos los átomos de hidrógeno que puede llegar a acomodar. Los acilglicéridos con cadenas saturadas, se denominan grasas. Están en estado sólido a temperatura ambiente, y son producidas por los animales.


title: Hidrocarburo insaturado

text: Por el contrario, si las cadenas son insaturadas (existe un doble enlace carbono-carbono) o más; esa insaturación provoca un cambio en la conformación estérica bastante importante debido a la rigidez del doble enlace que produce que las moléculas no puedan estar en contacto de la misma manera que si fueran saturadas. Esta falta de contacto hace que no puedan establecerse las mismas fuerzas intermoleculares, y al haber menos atracción entre las mismas, están en estado líquido a temperatura ambiente. Estos acilglicéridos se denominan aceites, y son solamente fabricados por las plantas.


title: Hidrocarburo insaturado

text: Combustión:


title: Hidrocarburo insaturado

text: Tienen al menos un enlace doble entre dos átomos de carbono. El caso más simple es el eteno o etileno, CH2=CH2. El siguiente será el propeno, CH3-CH=CH2, con dos átomos de carbono unidos mediante un enlace doble Estos hidrocarburos se nombran de igual forma que los alcanos pero con la terminación "-eno". El siguiente alqueno es el buteno. A partir precisamente del buteno será necesario precisar la posición del doble enlace numerando la cadena, ya que existen dos butenos con propiedades diferentes, que son el 1-buteno, CH3-CH2-CH=CH2, y el 2-buteno, CH3-CH=CH-CH3


title: Hidrocarburo insaturado

text: Los hidrocarburos lineales que tienen al menos un enlace triple. Se nombran de forma similar a los alcanos adoptando la terminación "-ino". Al igual que en los alquenos, a partir del butino hay que numerar la posición del triple enlace, y aparecen isómeros de posición. Además, los alquinos pueden ramificarse igual que los alcanos y alquenos, dando lugar a isómeros de cadena.  El más simple de ellos es el acetileno o etino, y el siguiente de la serie es el propino.


title: Hidrocarburo insaturado

text: Son hidrocarburos insaturados que presentan como grupo funcional característico un enlace triple carbono-carbono. Se nombran sustituyendo la terminación -ano por -ino. Si presentan más de un triple enlace, las terminaciones utilizadas son: -adiino (dos), atriino (tres). La cadena se numera de manera que los localizadores de los triples enlaces sean los más bajos posibles. El compuesto con 2 átomos de C tiene el nombre vulgar de acetileno


title: Hidrocarburo insaturado

text: 2 (=) dieno


title: Hidrocarburo insaturado

text: 3 (=) trieno


title: Hidrocarburo insaturado

text: 4 (=) tetraeno


title: Hidrocarburo insaturado

text: CH2 = C = C = CH2


El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), conocido comúnmente como Museo Reina Sofía, es un museo español de arte del siglo XX y contemporáneo, con sede en la ciudad de Madrid.


title: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

text: Tomó como sede el antiguo Hospital General de Madrid, gran edificio neoclásico del siglo XVIII situado en la zona de Atocha, cerca de la estación homónima de tren y de la Estación del Arte de Metro. Este hospital fue diseñado inicialmente por José de Hermosilla y continuado posteriormente por Francesco Sabatini, y actualmente se le conoce como "edificio Sabatini" en honor a este arquitecto italiano. El museo como tal fue inaugurado en 1992, si bien el edificio ya había albergado exposiciones temporales en años previos. En septiembre de 2005 se ampliaron las instalaciones de la institución con la apertura del "edificio Nouvel" en el inicio de la Ronda de Atocha.


text: El Reina Sofía es el vértice sur del conocido como "Triángulo del Arte" de Madrid, que incluye a otros dos célebres museos: el Prado y el Thyssen-Bornemisza. Forma parte del denominado Paisaje de la Luz, paisaje cultural declarado Patrimonio de la Humanidad el 25 de julio de 2021.


text: En la colección permanente del museo destaca un núcleo de obras de grandes artistas españoles del siglo XX, especialmente Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró, representados ampliamente y con algunas de sus mejores obras. Son muy relevantes también las colecciones de arte surrealista (con obras de Francis Picabia, René Magritte, Óscar Domínguez o Yves Tanguy, además de los ya citados Miró y Dalí), del cubismo (que a la colección Picasso añade nombres como Juan Gris, María Blanchard, Georges Braque, Robert Delaunay, Fernand Léger o Albert Gleizes), y la presencia de artistas de la Nueva Figuración, como Francis Bacon o Antonio Saura.


text: Junto a estos autores hay muchos otros de diversas tendencias tan destacados como Lucio Fontana, Yves Klein, Diego Rivera, Alexander Calder, Roberto Matta, Mark Rothko, Antonio López García, Antoni Tàpies, Miquel Barceló o Sam Francis.


text: El número de visitantes ha ido aumentando progresivamente hasta convertirse en el museo más visitado de España y uno de los más visitados del mundo. Estos datos y la activa política de adquisiciones le han situado en un puesto de privilegio entre los museos internacionales de arte contemporáneo. Según "The Art Newspaper", basándose en datos facilitados por los propios museos, el número de visitas en 2016 fue de 3 646 598, récord histórico, situando al Reina Sofía como el en España y el decimoprimero a nivel mundial, consiguiendo superar al MoMA y al Prado.


text: Los orígenes del MNCARS se remontan al Museo de Arte Moderno (MAM), institución creada en 1894 e inaugurada cuatro años más tarde, que se ubicaba en el ángulo suroeste del Palacio de Biblioteca y Museos Nacionales. Arrancó con las obras de los artistas del XIX posteriores a Goya, aunque a lo largo de los años se incorporaron nuevas piezas, buena parte de ellas pinturas del siglo XX, que fueron cobrando un creciente protagonismo en la colección y relegando simultáneamente a las decimonónicas, las cuales se vieron cada vez más como un lastre para la imagen de modernidad que se pretendía dar del museo. De este modo, un grupo de artistas, encabezados por el arquitecto José Luis Fernández del Amo, logró que mediante Decreto de 9 de octubre de 1951 el Museo de Arte Moderno fuera dividido en dos, el Museo Nacional de Arte del Siglo XIX y el Museo Nacional de Arte Contemporáneo, sin variar de ubicación, quedándose el Museo de Arte Contemporáneo con la parte baja de la sede y el del XIX con la alta. Fernández del Amo fue su primer director, cargo en el que permaneció hasta 1958. Sin embargo, en 1968 ambas colecciones fueron reunificadas, constituyéndose con ellas el Museo Español de Arte Contemporáneo (MEAC), aunque la unificación fue efímera, puesto que por Orden Ministerial de 5 de febrero de 1971 se creó la «Sección de Arte del Siglo XIX» del Museo del Prado, que supuso el traspaso de las obras del siglo XIX a este museo, las cuales fueron expuestas en el Casón del Buen Retiro desde el 24 de junio de ese año, en que dicha sección fue inaugurada, mientras que las piezas del siglo XX permanecieron en el MEAC hasta la disolución de este y su integración en el Reina Sofía. Posteriormente, la colección se trasladó a su nueva sede en la Ciudad Universitaria de Madrid. En el primer cuatrimestre de 1991 la totalidad de las obras que se hallaban en ella, 8900, fueron trasladadas al edificio del MNCARS. La planta baja del edificio de la Ciudad Universitaria pasó a estar adscrita al Centro Nacional de Exposiciones, y el resto al Museo del Pueblo Español, integrado desde 1993 en el Museo Nacional de Antropología. Desde 2004, tras una rehabilitación, todo el inmueble sirve de sede del Museo del Traje.


text: Instalado en el edificio Sabatini, antiguo Hospital general de Madrid, que fue rehabilitado por Antonio Fernández Alba, José Luis Íñiguez de Onzoño y Antonio Vázquez de Castro, el museo fue inaugurado oficialmente el 26 de mayo de 1986 como Centro de Arte Reina Sofía, en honor a la Reina Sofía de España.


text: Su objetivo inicial era albergar exposiciones temporales (de ahí su denominación de "centro" y no de "museo"), pero dos años más tarde, mediante el Real Decreto 535/1988, de 27 de mayo, se convirtió en un museo estatal, tomando el nombre de Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Abrió sus puertas al público el 10 de septiembre de 1992, con fondos artísticos procedentes del MEAC. Su nuevo estatus como museo nacional llevó aparejada una política muy activa de compras y de captación de préstamos, a fin de poder mostrar un repertorio sólido del arte español en conexión con corrientes internacionales.


text: La institución es un organismo autónomo dependiente del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. En 2013 se aprobó el estatuto propio del museo.


text: La necesidad de mayores espacios llevó a construir un nuevo edificio en 2001, encargándose su construcción al arquitecto Jean Nouvel; la ampliación fue inaugurada en septiembre de 2005. Los nuevos espacios supusieron un aumento de más de un 60% en comparación con la superficie del edificio antiguo: de 51 297 m² a 84 048 m².


text: El Museo Reina Sofía se divide, por tanto, en dos edificios, llamados "Sabatini" y "Nouvel", más dos sedes expositivas en el Parque del Retiro: el Palacio de Cristal y el Palacio de Velázquez, ambos construidos por el arquitecto español Ricardo Velázquez Bosco. Estas dos últimas sedes albergan exposiciones temporales o presentaciones especiales de artistas u obras de la colección del museo.


text: Cronológicamente, la colección retoma el hilo temporal de la del Museo del Prado, al cubrir el periodo que va de finales del siglo XIX a la actualidad. El Real Decreto 410/1995, de 17 de marzo, replanteó las colecciones estatales, marcando el año de nacimiento de Picasso (1881) como línea divisoria entre el Prado y el Reina Sofía, un criterio que se ha cuestionado como demasiado rígido y que va siendo diluido por las últimas iniciativas de este museo, como la incorporación de ejemplos de Goya y Sorolla.


text: La trayectoria del arte moderno y contemporáneo en España, ignorado durante décadas por el coleccionismo privado y los organismos públicos, explica que haya muchas lagunas en el repertorio internacional del museo, si bien cuenta con algunos ejemplos relevantes de múltiples artistas desde Pierre Bonnard hasta Louise Bourgeois. La colección toma como núcleo el arte español contemporáneo y lo contextualiza en las corrientes internacionales con ejemplos de autores extranjeros, haciendo hincapié en aquellos vinculados con España, como Robert y Sonia Delaunay, André Masson, Francis Picabia, Alexander Calder, Torres García, Rafael Barradas o Wifredo Lam.


text: El inventario de bienes artísticos comprendía, a septiembre de 2014, 18 145 obras, entre las que se incluyen 3408 pinturas, 1654 esculturas e instalaciones, 3148 dibujos, 5502 grabados, 3630 fotografías, 346 piezas de vídeo, cine y audiovisuales, 354 de artes performativas e intermedia y 98 de arquitectura, diseño y artes decorativas. De ellas se exponen 1100, un 6%. Por otra parte, también se exhiben algunas piezas cedidas en depósito por terceros con el fin de completar los fondos propios del museo.


text: En septiembre de 2014 se hizo público el legado que la coleccionista Soledad Lorenzo planea donar al Museo, y que consiste en casi 400 piezas de importantes artistas como Antoni Tàpies, Txomin Badiola, Miquel Barceló, José María Sicilia, José Manuel Broto o Eduardo Chillida, entre otros.


text: La colección arranca con autores españoles del cambio de siglo, como Ramón Casas, Anglada Camarasa, Romero de Torres, Ignacio Zuloaga, Isidro Nonell, Joaquín Mir, María Blanchard, López Mezquita, Julio González, Santiago Rusiñol, José Clará, Francisco Iturrino, Julio Antonio o José Gutiérrez Solana (pintor del que además se adquirió en 1999 su archivo).


text: Son artistas pertenecientes a diversas tendencias, como el Modernismo, el Realismo o el incipiente Cubismo, reflejo de la variedad del arte de principios del siglo XX. Según criterios más estilísticos que cronológicos, el repertorio expuesto ignoraba a artistas como Joaquín Sorolla, cuya ausencia se palió con el óleo "Llegada de la pesca", depositado por el Museo de Bellas Artes de Asturias.


text: Artistas internacionales coetáneos, como Pierre Bonnard, George Grosz, Medardo Rosso, Albert Marquet, Kandinsky, Joaquín Torres García o Willi Baumeister están también presentes en la colección.


text: El fondo de obras pertenecientes al cubismo es de gran importancia, añadiendo a las pinturas de Picasso y Gris las de Georges Braque ("Botella y frutas", 1911; "Naipes y dados", 1914), Albert Gleizes, Fernand Léger, André Lhote, Amédée Ozenfant y otros autores como Robert y Sonia Delaunay, además de esculturas de Henri Laurens, Jacques Lipchitz y el propio Picasso. Este repertorio se ha beneficiado de un acuerdo de préstamo temporal prorrogable, suscrito por la Fundación Telefónica en 2016 , de 33 obras cubistas propiedad de dicha compañía.


text: El conjunto de obras adscritas al surrealismo y movimientos afines es también sobresaliente, y reúne una nómina de autores muy variada: Francis Picabia (del que se posee una excelente representación, con pinturas y dibujos), René Magritte ("Le secret du cortège", 1927; "Grelots roses, ciels en lambeaux", 1930), Yves Tanguy, Man Ray, Marcel Duchamp, Brassaï, Victor Brauner, Jean Arp, Paul Klee, Kurt Schwitters (collages dadaístas), Max Ernst o Joseph Cornell. Muy destacada es la colección de obras del francés André Masson, en la que sobresalen los óleos "La famille en état de métamorphose" (1929) o "La sorcière" (1942-43), así como numerosos dibujos y bocetos relacionados con la tauromaquia y los paisajes españoles.


text: El Museo Reina Sofía cuenta con excelentes colecciones de Juan Gris, Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró, cuatro artistas españoles que se encuentran entre los más importantes del siglo XX y cuyos trabajos constituyen el gran puntal del museo.


text: El repertorio del madrileño Juan Gris es singularmente rico, a pesar de haber tenido que ser reunido en su totalidad en las últimas décadas, ya que su primera obra no se incorporó a las colecciones nacionales españolas hasta fecha muy tardía. Fue "La guitare devant la mer (La guitarra ante el mar)", comprada en 1977 para el MEAC. Sin embargo en la actualidad el fondo del autor incluye ya diecinueve pinturas, entre las que figuran algunos de sus mejores trabajos, como "La bouteille d'anis (La botella de anís)" (1914), "Portrait de Madame Josette Gris (Retrato de Madame Josette Gris)" (1916) o la citada "La guitarra ante el mar" (1925).


text: La representación de Picasso en el museo se centra en los años 30, ya que aunque la colección del artista se ha reforzado gradualmente con varias adquisiciones, la presencia de trabajos de otros periodos sigue siendo limitada. La obra más temprana de este artista que conserva el Reina Sofía es la "Mujer en azul", de 1901, perteneciente a la denominada «Etapa azul». Le siguen dos pinturas del Cubismo analítico ("El frutero", 1910, y "Los pájaros muertos", 1912), otras surrealistas, varias de su estilo expresionista de la década de 1930 y las hay también de sus últimos años (tres grandes lienzos sobre el tema "El pintor y la modelo", de 1963). La colección consta de un total de 292 obras, que incluyen 29 pinturas, y cuatro de sus principales esculturas: "Tête de femme (Fernande) (Cabeza de mujer [Fernande])", considerada la primera escultura cubista, "Femme au jardin (Mujer en el jardín)", "La femme au vase (La dama oferente)" y "L'homme au mouton (El hombre del cordero)", además de dibujos y estampas. Entre estas últimas destacan "Sueño y mentira de Franco" y "La Minotauromaquia". Sin embargo, no cuenta con ninguna representación de su importante labor en el campo de la cerámica.


text: La obra más conocida del museo es sin duda el "Guernica", una de las obras más relevantes e icónicas del arte moderno, que se expone junto a múltiples bocetos preparatorios y fotografías originales que documentan su realización, tomadas por Dora Maar. El cuadro y algunos de los bocetos se custodiaron durante décadas en el MOMA de Nueva York y llegaron a España en 1981, siendo depositados inicialmente en el Casón del Buen Retiro, hasta que el conjunto se trasladó a este museo en 1992. Picasso había pintado esta obra por encargo del Gobierno de la II República, para decorar el Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París de 1937. Otra obra para el mismo pabellón, la escultura "El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella", de Alberto Sánchez, preside la entrada del MNCARS; se trata de una réplica ya que el original fue destruido. La notable colección de obras de Salvador Dalí se debe en buena parte a la herencia del pintor, que legó sus bienes al Estado español, siendo repartidos entre este museo y el Teatro-Museo Dalí de Figueras. Destacan obras maestras como "Retrato de Luis Buñuel", "Muchacha en la ventana", "El enigma sin fin" y "El gran masturbador", así como esculturas y dibujos.


text: Junto con Gris, Picasso y Dalí, sobresale el fondo de Joan Miró. Inicialmente estuvo integrado casi en su totalidad por las obras entregadas en 1985 en dación como pago del impuesto de sucesiones por su viuda, Pilar Juncosa, y el resto de sus herederos: 24 pinturas y 203 grabados. Casi todas las pinturas estaban datadas entre los años 50 y 1983, pero posteriormente, mediante compras, fueron ingresando también trabajos de su primera época, en torno a los años 20. De las numerosas obras de este artista que conserva el museo, entre las que figuran cincuenta y cinco pinturas, destacan "La casa de la palmera" (1918), " Femme et chien devant la lune (Mujer y perro delante de la luna)" (1936), o "Le sourire des ailes flamboyantes (La sonrisa de alas flameantes)" (1953). En el patio central se exhibe una de sus esculturas, "Oiseau lunaire (Pájaro lunar)" (1966).


text: El arte figurativo español de las décadas centrales del siglo XX cuenta con ejemplos de artistas como Pablo Gargallo, Pancho Cossío, Francisco Arias Álvarez, Francisco Bores, Benjamín Palencia, Maruja Mallo, Alberto Sánchez, el surrealista Óscar Domínguez, José de Togores, Ángeles Santos Torroella, Joaquín Sunyer o Joan Ponç.


text: Por su parte, la vía abstracta de mediados del siglo XX en España cuenta con obras de los escultores Jorge Oteiza y Eduardo Chillida, este último presente con algunas piezas de gran tamaño y varias toneladas de peso. Otros autores son: Pablo Palazuelo, Pablo Serrano, Antoni Tàpies, Manuel Millares, Lucio Muñoz, Luis Feito, Gerardo Rueda, Rafael Canogar, José Guerrero, Esteban Vicente, Eusebio Sempere, Equipo 57, Gustavo Torner, Antonio Saura; figurativos más tardíos, como Antonio López García y Carmen Laffón, para desembocar finalmente en la estética "Pop art", seguida (con variantes) por Equipo Crónica, Luis Gordillo, Eduardo Arroyo o Guillermo Pérez Villalta.


text: Autores españoles de reconocido prestigio, como Miquel Barceló, Jaume Plensa o Juan Muñoz, junto a jóvenes artistas que desarrollan su trabajo en las últimas décadas, finalizan el completo recorrido por el arte español contemporáneo y sus aportaciones al panorama artístico mundial.


text: La presencia de artistas extranjeros ha ido incrementándose en las colecciones del museo de manera notable, en especial en lo que se refiere a la segunda mitad del siglo XX.


text: El fondo de mediados de siglo incluye trabajos de Diego Rivera ("Vendedora de flores", 1949), Wifredo Lam, Roberto Matta, Henry Moore, Anthony Caro, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Francis Bacon ("Lying figure", 1966), Yves Klein (esculturas y pinturas, incluyendo una de sus famosas "Antropometrías"), Nancy Spero, Jean Tinguely, Asger Jorn, Pierre Alechinsky, Pol Bury, Constant (los cuatro últimos, miembros del grupo CoBrA), Lucio Fontana ("Concetto spaziale. La Fine di Dio", 1963) o Christo.


text: Se encuentran representados artistas de tendencias tan distintas como el tachismo (Jean Dubuffet, Henri Michaux, Wols, Jean Fautrier, Serge Poliakoff), Pop art (Andy Warhol, Richard Hamilton, Alex Katz), el Arte conceptual (Joseph Kosuth, Daniel Buren, Hans Haacke, Cildo Meireles, Marcel Broodthaers), la abstracción en sus diversas modalidades, el Arte Povera (Mario Merz, Michelangelo Pistoletto, Luciano Fabro, Jannis Kounellis), el Arte cinético (Alexander Calder, Jesús Soto), el Land Art o el minimalismo (Donald Judd, Robert Mangold, Ellsworth Kelly, Dan Flavin, Sol LeWitt, Carl Andre). De este último movimiento hubo la oportunidad en 1988 de adquirir, en condiciones económicas muy ventajosas, una parte sustancial de la colección Panza di Biumo, una de las mejores del mundo, pero el Reina Sofía rehusó la oferta.Por su parte, el expresionismo abstracto norteamericano, a pesar de su trascendencia en el arte posterior a la Segunda Guerra Mundial, es uno de los movimientos contemporáneos más pobremente representados en el museo, debido a su elevada cotización en el mercado. Apenas se cuenta con sendas obras de Mark Rothko, Sam Francis y Cy Twombly, tres de Robert Motherwell (incluida una de su serie más destacada, "Elegía a la República Española"), y otras tantas de Morris Louis ("Vernal", "Crown (Corona)" y "Lamed Beth", todas ellas pertenecientes a su serie "Veils (Velos)" -las dos últimas legadas por su viuda-), y nada hay de Jackson Pollock, Jasper Johns, Willem de Kooning ni Clyfford Still.


text: Artistas de fines del XX como los del movimiento Fluxus (Wolf Vostell, Nam June Paik, Robert Filliou, Öyvind Fahlström), Anish Kapoor, Gerhard Richter, Georg Baselitz, Richard Serra, Julian Schnabel (serie de pinturas "Al pueblo de España", 1991), Louise Bourgeois, Cindy Sherman, Martin Kippenberger, Olafur Eliasson, etcétera, muestran las últimas tendencias del arte contemporáneo a nivel internacional.


text: Siguiendo un plan impulsado por su nuevo director, Manuel Borja-Villel, el museo presentó el 28 de mayo de 2009 una reordenación de sus colecciones, la más profunda en veinte años. Sus principales novedades fueron la ruptura del criterio meramente lineal de la ordenación anterior, la mezcla de autores dispares formando salas temáticas, y la incorporación de numerosas obras nuevas y almacenadas, así como grabados de Francisco de Goya, con ejemplares prestados inicialmente por el Museo del Prado y posteriormente por la Calcografía Nacional. Goya es considerado un precursor de varias corrientes modernas pero se excluía de este museo por limitaciones cronológicas.


text: La nueva ordenación arranca en la segunda planta del Edificio Sabatini, con obras hasta la década de 1930. Prosigue en la cuarta planta del mismo edificio, con el arte que va desde la posguerra hasta principios de los años 60; este tramo fue nuevamente reordenado en 2010. El recorrido pasa a la primera planta del nuevo Edificio Nouvel, y concluye en la planta baja de dicho edificio, con las obras más recientes.


text: El Museo ha dado un protagonismo esencial a las exposiciones temporales a lo largo de su historia, con exposiciones de referencia como "París pese a todo: Artistas extranjeros (1944-1968)", comisariada por Serge Guilbaut; "Atlas: cómo llevar el mundo a cuestas", comsiariada por Georges Didi-Huberman; "Los Esquizos de Madrid", comisariada por Ivan L. Munuera; o "Manhattan Uso Mixto", comisariada por Douglas Crimp.


text: Al principio de su andadura como museo y centro de arte, con la colección permanente aún no perfilada del todo, las exposiciones eran un complemento fundamental, dado que acogían a artistas o tendencias escasa o nulamente representados en la colección permanente. Con el paso del tiempo, se han celebrado importantes antológicas que completan o complementan lo existente en el museo: así, han sido relevantes las dedicadas a Antonio López en 1993, a Picasso en el año 2006 o Dalí en 2013, todas ellas con excelente acogida por parte del público.


text: El Museo Reina Sofía alberga asimismo una biblioteca de acceso libre especializada en arte, cuyos fondos ascienden a más de 100 000 libros, 3500 grabaciones sonoras y cerca de 1000 vídeos. La biblioteca se encuentra ubicada en el ala de la ampliación de Jean Nouvel, abierta al exterior por grandes cristaleras, y con una gran lámpara de cristal de la Real Fábrica de La Granja presidiendo la sala de lectura.


text: El edificio principal del museo es el antiguo Hospital General de Madrid, gran edificio neoclásico del siglo XVIII encargado por Carlos III y diseñado inicialmente por José de Hermosilla y continuado posteriormente por Francesco Sabatini, aunque solo se construyó una parte del proyecto. El edificio previsto llegaba hasta la calle Atocha y la fachada principal que hoy se ve iba a ser la de uno de los patios interiores. Su estado inacabado explica que no se realizase prácticamente nada de la ornamentación, causa de su aspecto severo y desnudo.


text: Salvado de la demolición al ser declarado edificio protegido, a partir de 1980 se hicieron renovaciones y adiciones extensas. En 1988 partes del nuevo museo se abrieron al público, principalmente para albergar exposiciones temporales; ese mismo año un decreto lo declaraba Museo Nacional, lo que obligó a replantearse sus colecciones a fin de ofrecer un panorama convincente del arte español del siglo XX. Precisamente la coexistencia de ambas funciones, museo y centro de exposiciones, ha originado algunas fricciones y críticas, pues se considera que no puede cubrirlas por sí solo.


text: En diciembre de 2001 se inició la construcción de una gran ampliación diseñada por el arquitecto francés Jean Nouvel, sobre el solar de la antigua sede central del Instituto Nacional de Bachillerato a Distancia (INBAD). Inaugurada el 26 de septiembre de 2005, su planta tiene forma de triángulo truncado, y cuenta con un patio central bajo una cubierta de color rojo, acaso su elemento más peculiar.


title: Jarcha

text: Una jarcha —del árabe خرجة ("jarŷa"), es decir, "salida" o "final"— es una breve composición lírica que cerraba los poemas en árabe llamados moaxajas, escritos por poetas andalusíes árabes o hebreos en la Hispania musulmana. La jarcha generalmente se escribía en árabe coloquial, pero en algunos casos se escribía en lengua romance (mozárabe), aunque no hay acuerdo sobre el número de jarchas de este segundo tipo.


title: Jarcha

text: Se trata de una composición de carácter amoroso a la que se ha buscado una relación con la lírica primitiva hispánica de origen popular, como las cantigas de amigo y los villancicos.


title: Jarcha

text: La jarcha más antigua parece ser de mediados del siglo XI y la más moderna de la primera mitad del XIV. Frecuentes sobre todo entre finales del siglo XI y principios del XII, la mayoría de las jarchas están compuestas en dialecto hispanoárabe coloquial, pero una pequeña parte lo está en la lengua romance que utilizaban los andalusíes; como consecuencia de ello, constituyen los ejemplos más antiguos que se conocen de poesía en lengua romance.


title: Jarcha

text: Fueron escritas por poetas cultos árabes y judíos, que pudieron tomar como modelo la lírica románica tradicional, bien recogiéndolas del folclore popular, bien adaptándolas a sus necesidades métricas (pues debían integrarse en la moaxaja), o bien componiéndolas de nueva creación, a partir de moldes tradicionales.


title: Jarcha

text: La moaxaja (del árabe موشحة "muwaššaḥa" (o "muwashshaha"), que significa collar) es un tipo de poema estrófico culto escrito en árabe clásico que tuvo su momento de esplendor en Al-Ándalus entre los siglos IX y XII. Su creación es atribuida por diferentes estudiosos a Muqaddam ibn Muafà al-Qabrī, y por otros a Muhammad ibn Hammūd al-Qabrī, el ciego de Cabra. Además se ha señalado la posibilidad de que su estrofismo posea una herencia románica o hebrea, mientras otros sostienen que es fruto de la evolución de la casida. Este modelo lírico lo trajeron los árabes consigo en el siglo IV. La casida constaba de largos versos emparejados monorrimos, adecuados para la trasmisión oral por el maestro, y es el tipo de verso en que está escrito el Corán. La moaxaja está escrita en versos cortos, debido a influencias de la lírica popular, pero con temas y estructuras muy complejas. En cada una de sus estrofas se distinguen dos partes: una con rimas independientes y peculiares en cada caso, a la que se llama "bayt" (o mudanza), y otra de rimas comunes a todo el poema, a la que se denomina "quful" o vuelta. Antes de las estrofas puede haber un "quful", al que se llama "matla" o preludio; si falta estamos ante una moaxaja "aqra", calva o acéfala. En la última estrofa, el "bayt" se establece como un elemento de transición hacia el remate de un poema, no como un nuevo "quful", sino como un breve texto en estilo directo. Este poemilla final es conocido como jarcha.


title: Jarcha

text: La jarcha es la parte más importante de la moaxaja, pues se trata de un elemento previo, es creado antes que las demás estrofas. Como se popularizan, no siempre son obra del mismo autor, pues aparecen reiteradas en diversas composiciones, tanto árabes como hebreas, en las que quien habla es una muchacha con la que el autor se compara. Además, la conexión temática entre el cuerpo central y su remate es muy tenue y la establecen las palabras de transición, es decir, la última mudanza. Por tanto, todo indica que existe antes que la moaxaja y que se trata de un poema de dominio público.


title: Jarcha

text: Según José Domínguez Caparrós en su "Diccionario de métrica española", se trata de una estrofa de dos, tres o cuatro versos de medida variable. Sirve de "finida" en las muwassahas —o moaxajas— hispanohebreas e hispanoárabes. Está en dialecto mozárabe.


title: Jarcha

text: Demetrio Estébanez Calderón, por su parte, señala en su "Breve diccionario de términos literarios" que era un término árabe utilizado por los poetas de Al-Ándalus para designar una especie de estribillo ("markaz"), compuesto en dialecto mozárabe o bien en árabe, con el que terminaba la última estrofa de la "moaxaja". La jarcha o “cancioncilla mozárabe” estaba formada por un número variable de versos (aunque predomina el de cuatro), constituía la base de dicho poema, que, a juicio de Emilio García Gómez, se componía para encuadrar una jarcha preexistente. Poseían una estructura métrica variada: más de la mitad presenta la forma de una cuarteta, de cuyos versos generalmente solo riman los pares, aunque hay ocho casos con rima abrazada "abab" y uno con rima común "aaaa". Otras constituyen un pareado, o bien un tríptico; hay dos casos de sextina, y uno de quintilla, septina y octava, respectivamente. El tipo de versos más frecuente en estas cancioncillas es el hexasílabo, seguido por el octosílabo, heptasílabo y pentasílabo (J. Solá Solé).


title: Jarcha

text: Victoria Reyzábal indica que es una de las primeras manifestaciones de la lírica peninsular, ya que se cree que las jarchas más antiguas son de 1050. Constituye la estrofa final o estribillo de una moaxaja, escrita en mozárabe siguiendo la tradición popular. También señala que está formada por un número variable de versos y es la parte esencial de toda la composición, donde el amor es el tema más habitual.


title: Jarcha

text: Como recogen Pedraza y Rodríguez en su "Manual de literatura española", desde el siglo XIX se ha estudiado la posibilidad de que existiera en Al-Ándalus una lírica románica o con elementos romances. Estos recuerdan que Menéndez Pelayo en 1894 en su artículo “De las influencias semíticas en la literatura española” indicaba que el primer poeta castellano de nombre conocido fue muy probablemente Judá Leví, de quien consta que versificó en hebreo, árabe y en la lengua vulgar de los cristianos.


title: Jarcha

text: Las jarchas fueron descubiertas y traducidas por primera vez por el hebraísta Samuel Miklos Stern. Sucesivas interpretaciones por distintos expertos a lo largo de los años siguientes nos entregan los textos disponibles hoy en día. Dada la ambigüedad de la escritura de las lenguas semíticas, éstas se prestan a múltiples interpretaciones, las jarchas siguen constituyendo un motivo para el debate y la investigación especializada. Las jarchas se imbrican en la moaxaja como un estribillo de escasos versos en lengua romance, hebreo o árabe vulgar al final de las moaxaja. Otra manifestación poética de características similares, el zéjel, se diferencia por dispersar los versos por todo el poema.


title: Jarcha

text: Con el paso de los años se han estudiado y recopilado las jarchas encontradas. El corpus actual de las jarchas romances ronda los setenta poemas, aunque es difícil su cómputo porque no siempre están de acuerdo los estudiosos en cuándo nos hallamos ante un texto mozárabe o cuándo estamos ante una jarcha árabe que suma grafías del alifato árabe o alefato hebreo (literatura aljamiada) con algunos elementos románicos. Las colecciones fundamentales son las de Samuel Miklos Stern, Emilio García Gómez ("Las jarchas romances de la serie árabe en su marco"), Klaus Heger ("Die bisher veröffentlichen Harǧas und ihre Deutungen") y José María Solá-Solé ("Corpus de poesía mozárabe. Las hargas andalusíes").


title: Jarcha

text: Y, respecto a su procedencia, señalan también Pedraza y Rodríguez que no hay acuerdo entre los diferentes estudiosos y, a la hora de asignarlas como fruto exclusivo del mundo mozárabe o cristiano hay que ser muy cautos. Por un lado hay quienes los consideran continuadores de una lírica latina vulgar, como es el caso de Menéndez Pidal. Mientras tanto, el arabista español García Gómez recuerda que hay muchas más jarchas en árabe vulgar que en romance y que representan una poesía igual y del mismo tipo.


title: Jarcha

text: En cuanto a su datación, las jarchas romances conservadas están incluidas en moaxajas, unas anónimas y otras de poetas que florecieron entre los siglos XI y XIII. Uno de los más antiguos y destacados moaxajeros fue Yōsef al-Kātib “el escriba”. Llama la atención porque su moaxaja se desvía del tema amoroso y se establece como un panegírico dedicado a dos hermanos. La muerte de uno de ellos se produjo en 1042, lo que nos ayuda a datarla como anterior.


title: Jarcha

text: Las jarchas generalmente, ponen bajo la voz de una mujer la experiencia del sufrimiento amoroso. El tema dominante es la ausencia del amado o "habib" en variantes múltiples. Unas veces se expone el dolor por la enfermedad del amado, otras se lamenta que se haya ido a otra parte o le pide que no se vaya, e incluso se queja de la impetuosidad del amado, o se impreca al tiempo por su lentitud en pasar, etc. También está muy presente la presencia del espía o guardador que impide la felicidad de los amantes. El interlocutor es la madre, que normalmente no toma la palabra. En algunos casos el lamento de la mujer va dirigido al amado, pero este tampoco toma la palabra. Al lado de las jarchas de carácter amoroso, hay unas pocas que tienen como tema central el elogio de un personaje conocido, como la que alude a la visita de Yosef ibn Ferrusiel, médico de Alfonso VI, a la ciudad de Guadalajara, que por lo tanto puede fecharse entre 1091 y 1095.


title: Jarcha

text: La soledad de la joven enamorada se hace más patente por la ausencia de entorno físico; el paisaje cuenta poco o nada, no hay pájaros que anuncien la primavera, ni el amor se presenta como consecuencia de la entrada del mes de mayo, todo lo más se recuerda la Pascua). La jarcha se desarrolla en ambiente urbano (sus ciudades escenario son Guadalajara, Sevilla o Valencia). Y si alguna vez se alude a un oficio, no será al de pastor ni al de molinero, sino al de comerciante o al de orfebre.


title: Jarcha

text: Sus rasgos estilísticos más destacados son la abundancia de exclamaciones e interrogaciones que contribuyen a subrayar el tono directo y coloquial de la jarcha, que se enfatiza con la abundancia de vocativos. También llama la atención en ellas la presencia de un léxico coloquial y afectivo, acompañado de un uso de diminutivos; así como la presencia de formas verbales en imperativo, que resaltan la inmediatez de los sentimientos versificados. Asimismo aparecen otros recursos retóricos como anáforas, repeticiones, antítesis e imágenes.


title: Jarcha

text: Respecto a la métrica de las jarchas, parece anunciar los ritmos y combinaciones típicos de las cancioncillas tradicionales castellanas. Solá-Solé ha cuantificado que de las 60 jarchas, 34 son cuartetas, aunque 24 de estas son anisosilábicas. La mayoría tienen rima arromanzada consonante, aunque aparecen consonancias imperfectas asimilables a la asonancia.


title: Jarcha

text: Del breve corpus de jarchas conservadas, citamos a continuación las más recordadas, citadas… tanto en manuales de literatura como libros de texto, etc. Actualmente pueden consultarse en línea un amplio corpus de jarchas con diferentes transliteraciones extraídas de manuscritos originales y traducciones a diferentes idiomas. Los siguientes ejemplos de jarchas incluyen en la primera columna una interpretación del texto aljamiado, que generalmente es un tanto especulativa, debido por un lado a la falta de vocales en la escritura, y por otro a la poca correspondencia entre las consonantes árabes y las romances; en la 2ª columna se da una posible traducción:


title: Jarcha

text: Las jarchas siempre han sido ligadas a las cantigas de amigo y villancicos por un evidente parentesco que, como señaló Menéndez Pidal, nos lleva a pensar que todas ellas parten de un “tronco común”. Las coincidencias son numerosas y decisivas. Por ejemplo, las jarchas al igual que las cantigas y muchos villancicos, son cantos amorosos de mujer, sobre el tema sostenido de la ausencia del amigo/amado/habib, y con la presencia frecuente de la madre como confidente. Métricamente son las jarchas y los villancicos, los poemas más breves, de escaso número de versos, en combinaciones muy semejantes. Más alejadas parecen en esto de las cantigas de amigo de estructura paralelística, aunque el paralelismo parece que no fue del todo ignorado por las jarchas. A pesar de ese evidente parentesco, es obvio que las jarchas no reflejan todos los temas ni todas las características de las cantigas y villancicos.A raíz del descubrimiento de las jarchas algunos críticos creyeron que estaban ante la más temprana lírica en romance (no solamente la más antigua conservada), y las semejanzas entre ellas y la restante lírica de la península les hicieron pensar en un efecto de influencia directa. Como señala Alan Deyermond, sería sorprendente en términos generales que una tradición lírica popular ejerciese su influencia sobre otra en tal manera, especialmente cuando la hipotética fuente se hallaba ubicada en la España musulmana, y cuando debería también de haber influenciado a Italia y el norte de Francia. Una sumaria consideración de índole cronológica es la que resuelve el problema. La lírica popular andaluza aparece por escrito (caso de las jarchas) cuando se dieron en la región indicada poetas cultos capaces de hacer uso de ella; nadie puso por escrito, en efecto, un poema de la tradición oral durante la Edad Media, a menos que esto pudiera servir para algún fin práctico. La lírica popular aparece por escrito en Galicia, de una forma reelaborada claro está, tan pronto como los poetas cultos comienzan a escribir bajo la presión de la influencia provenzal. La lírica culta se presenta tardíamente en Castilla en cuanto a tradición consolidada, pero, muy poco después que los poetas cultos introducen la costumbre de escribir su lírica en castellano, aparecen por escrito los villancicos. No puede tratarse de una mera coincidencia el hecho de que la aparición escrita de los poemas populares en cada una de estas regiones siga de tan cerca al surgimiento de poetas cultos que pudieran hacer uso de ellos. De aceptar los argumentos arriba establecidos, aparece según Deyermond muy clara la conclusión de que las tres áreas indicadas de la península tuvieron tradiciones poéticas de igual antigüedad (lo mismo que Provenza, el norte de Francia e Italia) y que las jarchas no constituyen la más antigua lírica en romance por lo que a su composición se refiere, sino las primeras que hacen su aparición por escrito.


title: Jarcha

text: De todo lo anterior se puede deducir que realmente las jarchas, las cantigas de amigo y los villancicos son tres ramas de un mismo tronco poético, el de la lírica hispánica tradicional, cuyas raíces se pierden desconocidas en un fondo de siglos.


title: Jarcha

text: Otro aspecto del estudio de las jarchas es que nos pueden informar sobre las características de los dialectos mozárabes hablados en la España musulmana. Sin embargo esto choca con varios problemas:


title: Paraná

text: Paraná puede referirse a las siguientes localidades o divisiones administrativas:


title: Paraná

text: Asimismo, puede hacer referencia a:


title: Paraná

text: Además, con la grafía portuguesa "Paranã", se conoce también a:


title: Región de Tōhoku

text: La región de Tōhoku (japonés: 東北地方; Romanización Hepburn: Tōhoku-chihō) es un área geográfica en la isla principal de Japón, Honshū. Esta zona es conocida también como Michinoku (みちのく).


title: Región de Tōhoku

text: Esta región es considerada el último refugio de los ainu en Honshū y fue escenario de muchas batallas, Tōhoku conserva la reputación de región alejada y hostil, ofreciendo un paisaje impresionante y un clima áspero. Tōhoku ha sido inmortalizada por la obra del poeta haiku Matsuo Bashō, "Oku no Hosomichi" ("El estrecho camino a través del norte profundo").


title: Región de Tōhoku

text: Población: 9 335 636 habitantes.


title: Región de Tōhoku

text: La región está compuesta por seis prefecturas:


title: Región de Tōhoku

text: En esta región se ubicó el epicentro del gran terremoto del 11 de marzo de 2011, que alcanzó una magnitud de 9,0 en la escala de Richter y se ubicó en la prefectura de Miyagi, 130 km al este de Sendai, parte de la zona costera de esta región fue severamente afectada durante el tsunami posterior a este sismo y la prefectura de Fukushima ha tratado de solucionar el desastre nuclear que provocó la central nuclear de Fukushima Daichii 1.


title: Otto Preminger

text: Otto Ludwig Preminger (Wiznitz, 5 de diciembre de 1905-Nueva York, 23 de abril de 1986) fue un director de cine estadounidense de origen judeo-austríaco.


title: Otto Preminger

text: Es considerado uno de los primeros directores que quebrantaron la censura en los Estados Unidos, dado que en 1960, reclutó al guionista Dalton Trumbo, perseguido por el macarthismo (fue uno de los Diez de Hollywood), para escribir el guion de su película Éxodo.


title: Otto Preminger

text: Otto Ludwig Preminger nació en Wiznitz, una ciudad al oeste de Czernowitz, en el norte de Bukovina, en lo que actualmente es Ucrania, por aquel entonces parte del Imperio Austrohúngaro. Fue hijo de Markus y de Josefa Preminger, de origen judío. El padre de Preminger había nacido en 1877 en Galitzia, en aquel tiempo parte de Polonia, y trabajó como fiscal general del Imperio y principal defensor de los intereses del emperador Francisco José I. Los Preminger tenían una vida estable y vivían junto a su segundo hijo Ingo.


title: Otto Preminger

text: Después del asesinato del archiduque Francisco Fernando en 1914, Markus Preminger y su familia huyeron hacia Graz, donde encontraría un trabajo seguro como fiscal. Por aquel entonces, Otto tenía nueve años y fue a una escuela de un profundo dogma católico. Después de un año en Graz, los Preminger se trasladarían a Viena, donde se le ofreció a Markus un importante cargo en la magistratura del imperio, pero que obtendría solo si se convertía al catolicismo. En un gesto de desafío, Markus lo rechazó, aunque conseguiría el cargo igualmente. En 1915, Markus llevó a toda su familia a Viena, la ciudad que Otto defendía como la ciudad que le había visto nacer. Aunque para entonces ya trabajaba para el emperador, la familia de Markus tenía una vida ciertamente modesta y con una actividad cultural que levantó la pasión del Otto de diez años. Normalmente acompañado por su abuelo, Otto hacía visitas regulares a Burgtheater en la Ringstrasse, donde se representaban una gran variedad de obras de teatro tanto clásicas como contemporáneas.


title: Otto Preminger

text: La primera intención de Otto fue la de convertirse en actor. Con una voz ciertamente potente, ojos azules penetrantes y su cuerpo esbelto, no tardaría en integrarse en un pequeño grupo local de teatro. En sus primeros años, Otto fue capaz de recitar de memoria muchos de los grandes monólogos del repertorio clásico. El mayor éxito de Otto llegaría por la interpretación del papel de Marco Antonio de la obra shakespiriana de "Julio César" en la Biblioteca Nacional. Poco después, comenzaría a ser él mismo el que organizaría y produciría obras de teatro. Eso provocaría que cada día perdiera más y más horas de colegio. La caída de fortunas en Austria no afectó a los Preminger. Markus seguía en una posición privilegiada como burócrata y en 1916 trasladaría a la familia a un barrio más elegante. Aunque eran años de guerra, Otto (y pronto con su hermano Ingo) continuaron acudiendo a ver obras de teatro y conciertos, visitando museos aunque su comparecencia en el colegio fuera menos escasa.


title: Otto Preminger

text: Cuando la I Guerra Mundial llegó a su final, Markus creó su propio bufete de abogados. Markus instruyó a sus hijos en el sentido del deber y el respeto por aquellos puntos de vista que fueran diferentes a los suyos, lo que provocó en Otto y Ingo un fuerte sentido por la línea política más liberal. Por otro lado, Otto intentaba dedicarse en serio al mundo del teatro. Con 16 años, consiguió el papel de Lisandro de la producción "Sueño de una noche de verano". En 1923, cuando tenía 17, Otto conocería al que sería su primer mentor, Max Reinhardt, un director teatral vienés que había establecido su base de operaciones en Berlín, y que anunció planes para establecer una compañía estable de teatro en Viena. El anuncio de Reinhardt fue visto por Otto como una señal del destino y comenzaría a escribir a Reinhardt semanalmente, para pedirle una audición. Después de unos pocos meses, Otto, completamente frustrado por no obtener información, dejó de enviar cartas. Poco después intentó entrevistarse en persona con el socio de Reinhardt, el Dr. Stefan Hock, hasta que consiguió la audición y finalmente sería aceptado.


title: Otto Preminger

text: Otto intentó explicar a su padre que la carrera de teatro no iba a ser incompatible con su deber en el colegio. Aunque era un estilo de vida, era lo que más amaba hacer pero, para obtener el beneplácito de su padre, Otto acabó el colegio y completó sus estudios de derecho en la Universidad de Viena. Una vez acabados los estudios, se dedicó en exclusiva a su puesto de aprendiz de Reinhardt. Ambos desarrollaron una relación muy especial de aprendiz y profesor. Cuando el teatro se hubo inaugurado, el 1 de abril de 1924, Otto apareció en la comedia de Carlo Goldoni "El sirviente de dos señores". Su siguiente aparición sería junto a William Dieterle en "El mercader de Venecia". Otros pupilos notables de Reinhardt fueron Mady Christians, y Nora Gregor, pero con quien tuvo más cercanía fue con Otto, al que consideraba un chico con múltiples habilidades. En él confió para hacerse cargo de la escuela de actores que creó en el teatro de Schöbrunn. Pero en el verano siguiente, Otto decide alejarse de la sombra de Reinhardt y cambiar su foco de la interpretación a la dirección debido a su pérdida constante de cabello y su edad, ya más cercano a la treintena.


title: Otto Preminger

text: Sus primeros intentos como director fueron en Aussig donde dirigiría obras eróticas como "Lulu", y obras de Berlín como "Roar China", de inspiración comunista. En 1930, una rica industrial de Graz, se acercó al prometedor director para ofrecerle la dirección de una película llamada "Die Grosse Liebe" ("The Great Lover"). El inexperto Otto no sintió la misma pasión por el nuevo medio que por el teatro al principio, pero aceptó el encargo. La película se estrenó en el Teatro Imperial el 2 de diciembre de 1931, con admirables críticas y recaudación. Así, con este primer éxito, desde 1931-1935, Preminger dirigiría 26 películas, en las que actuaron a futuras estrellas como Lili Darvas, Lilia Skala, Harry Horner, Oskar Karlweis, Albert Bassermann y Luise Rainer. En 1931 conoció a la que sería su primera esposa Marion Mill, con la que se casó el 3 de agosto de 1932 justo tres minutos después del divorcio de la mujer con su primer marido.


title: Otto Preminger

text: En abril de 1935, el nombre de Preminger comienza a ser conocido y recibe una oferta de un productor norteamericano llamado Joseph Schenck. En 1924 Schenck se había convertido en el presidente de United Artists, y en 1934 había fundado una nueva compañía llamada Twentieth Century. Dos años después (tan solo unos meses antes del encuentro con Preminger), Schenck se había aliado con Darryl F. Zanuck para fundar una nueva entidad: la Twentieth Century-Fox. En estos nuevos estudios, Zanuck trataba todas las producciones de las películas mientras que Schneck manejaba las finanzas. El dúo, ahora en las mismas condiciones que otros grandes estudios como Paramount y Metro-Goldwyn-Mayer, buscaban nuevos talentos. Así fue como Schenck tan solo necesitó media hora para convencer a Preminger para viajar a Los Ángeles.


title: Otto Preminger

text: Sam Spiegel, productor, acompañó a Preminger de Viena a París en tren hasta París, Otto cogió otro tren a Le Havre, donde se uniría con Gilbert Miller y su esposa, Kitty Miller, para embarcarse a Nueva York, en el "Normandía". El "Normandie" llegó a Nueva York el 21 de octubre de 1935. Desde la llegada de Preminger a Hollywood, Schenck presentó a la pareja a la aristocracia de la industria cinematográfica como Irving Thalberg, Norma Shearer, Gary Cooper, Joan Crawford y Greta Garbo. Para Preminger, la fiesta más memorable fue en Pickfair Manor, la mansión de Mary Pickford en Beverly Hills, donde conoció a Charlie Chaplin. Por lo tanto, Preminger se adaptó rápidamente al star system de Hollywood.


title: Otto Preminger

text: El primer trabajo de Preminger fue dirigir una audición de Lawrence Tibbett, un cantante de ópera que Zanuck quería lanzar. Tibbett consiguió éxitos relativos para MGM en algunos musicales a principios de la década de los 30 y quería volver a los escenarios. Zanuck intentó convencer a Tibbett para volver a las películas con un generoso contrato. Preminger trabajó eficientemente, completando la película sin pasarse del presupuesto. La película abriría las serie de noticies en noviembre de 1936. Preminger produjo una buena sensación a Zanuck que no lo consideró un típico director a la europea. Zanuck le asignó su primera historia "Nancy Steele Is Missing" con la estrella Wallace Beery, que recientemente había ganado el Oscar al mejor actor con "The Champ". Beery, de todas maneras, rechazó el trabajo diciendo que no iba a trabajar con un director cuyo nombre no sabía pronunciar. Así pues, Zanuck le dio a Preminger otro trabajo, una comedia de serie B llamado "Danger - Love at Work". La actriz francesa Simone Simon encabezaba el reparto pero sería despedida por Zanuck, siendo reemplazada por Ann Sothern. El argumento cuenta la historia de un abogado que debe persuadir a ocho miembros de una excéntrica familia acomodada para dejar al abuelo en un asilo. El estreno se realizó en septiembre de 1937, obteniendo un éxito aceptable.


title: Otto Preminger

text: En noviembre de 1937, un emisario de Zanuck Gregory Ratoff le da a Preminger la noticia de que Zanuck lo ha escogido para dirigir "Kidnapped", la producción más cara que había hecho el estudio hasta la fecha. Zanuck en persona había adaptado la novela de Robert Louis Stevenson, situada en las Highlands escoceses. Después de leer el script de Zanuck, Preminger sabía que tenía un problema: un director extranjero dirigiendo un adaptación extranjera. Durante el rodaje de "Kidnapped", Preminger tuvo una de los primeros ataques de rabia que lo caracterizaron en diferentes fases de su vida. Mientras estaba rodando, el jefe del estudio acusó al director de haber realizado cambios en una escena en la que aparecía el niño Freddie Bartholomew y un perro. Preminger intentó excusarse diciendo que la escena se había realizado tal y como estaba escrita. Zanuck insistió en que sabía cómo la había escrito; la confrontación fue subiendo de nivel y acabó con Preminger cerrando violentamente la puerta. Días después el nombre de Preminger había sido borrado y el realizador dejó de ir al estudio once meses antes de que finalizara su contrato con la productora.


title: Otto Preminger

text: Preminger buscó trabajo en otras compañías pero no recibió ofertas. Tan solo dos años después de su llegada a Hollywood, Preminger estaba sin empleo. Pero la oportunidad que pedía llegó en el teatro: en Broadway. Le encargan la producción de "Outward Bound" con Laurette Taylor y Vincent Price, "My Dear Children" con John y su mujer Elaine Barrymore, y "Margin for Error", en la que el mismo Preminger interpreta a un malvado nazi. Una semana después del estreno de "Margin", a Preminger se le ofrece un puesto de profesor en la Escuela de Arte Dramático de Yale. Preminger comienza a dar clases en Yale. Nunnally Johnson, un escritor impresionado por la interpretación de Preminger en "Margin", le preguntó si estaría interesado en interpretar a otro nazi en un filme llamado "The Pied Piper". Con la cuenta corriente en números rojos, Preminger aceptó el reto. El filme estaba producido por la Twentieth Century-Fox, el estudio que lo había despedido. Durante la ausencia de Zanuck, que se había alistado en el ejército después del ataque a Pearl Harbor, Preminger no esperaba acordarse de Hollywood. Después de recoger una considerable suma por su rentrée en el cine, Preminger estaba preparado para volver a New York cuando su agente le informó que Fox quería que reinterpretara su papel en la adaptación al cine de "Margin for Error". El afamado director alemán Ernst Lubitsch sería el encargado de la película, mientras que Preminger aparecería junto a Joan Bennett y Milton Berle. La retirada de Lubitsch dio a Preminger la oportunidad de ganarse otra vez la confianza del estudio. William Goetz, que se responsabilizaba de los rodajes en ausencia de Zanuck, fue persuadido por Preminger.


title: Otto Preminger

text: Antes de nada, Preminger contrató al guionista Samuel Fuller para reescribir el script. El estudio estuvo impresionado con el nuevo guion y así fue como se le ofreció a Preminger un nuevo contrato de siete años. Preminger completó la producción, que sería presentada en noviembre de 1942.


title: Otto Preminger

text: Antes del siguiente trabajo para la Fox, se le pidió a Preminger interpretar otro papel de nazi. En esta ocasión para aparecer en una comedia de Bob Hope llamada "They Got Me Covered". Hope interpretaba a un reportero que descubre a un espía alemán en Washington. Preminger, un ávido lector, esperaba encontrar posibles proyectos ante la vuelta de Zanuck, uno de los cuales fue la novela de suspense de Vera Caspary "Laura". Antes de que la producción de "Laura" empezara, Preminger obtuvo la luz verde para dirigir "Army Wives", una película de serie B de moralina para una nación en guerra, enseñando los sacrificios de las mujeres para enviar material a sus hombres que están en el frente. Lideraba el reparto Jeanne Crain, una actriz que buscaba un sitio en el star system y el veterano actor Eugene Pallette, interpretaba al padre de Crain. La relación no fue fácil y Otto recomendó furiosamente a Zanuck que la despidiera aunque sus escenas ya habían sido filmadas. Al final, "Army Wives" sería estrenada con el título de "In the Meantime, Darling" en septiembre de 1944, con un presupuesto de medio millón de dólares.


title: Otto Preminger

text: Zanuck volvió de su servicio militar con su resquemor por Preminger todavía abierto. Aunque el director europeo no había olvidado, el productor no le dio permiso para dirigir "Laura", tan solo le dio permiso a controlar la producción. El escogido por Zanucvk para dirigirlo sería Rouben Mamoulian. Pero para disgusto de Preminger, Mamoulian empezó a reescribir el guion de Preminger y a ignorar sus consejos. Además, aunque Preminger no tenía reparos con el reparto de Gene Tierney y Dana Andrews, entró en cólera con la elección de Waldo: Laird Cregar. Preminger explicó a Zanuck que el público identificaría a Cregar como el villano y más después de que Cregar interpretara a Jack el destripador en "The Lodger". Preminger quería que el papel lo hiciera Clifton Webb. Aunque Zanuck no estaba muy convencido por el actor y por su declarada condición de homosexualidad, Preminger consiguió convencer la elección después de hacer pruebas de cámara a Webb. La persuasión llegó incluso más allá, cuando Preminger consiguió que despidieran a Mamoulian.


title: Otto Preminger

text: "Laura" empezó a rodarse el 27 de abril de 1944, con un presupuesto de 849 000 dólares. La película fue un éxito de público y críticas, lo que le valió a Preminger su primera nominación a los Óscar. Clifton Webb lo consiguió en condición de mejor actor de reparto, Lyle Wheeler en el mejor dirección artística y Joseph La Shelle ganará en el apartado de mejor fotografía en blanco y negro. También catapultó a dos jóvenes y desconocidos actores como Gene Tierney y Dana Andrews a lo más alto del estrellato. El tema musical de David Raksin se convertiría en uno de las sintonías más célebres de la historia de Hollywood, y sería cantado por astros como Frank Sinatra. La película trata de la voluntad de amar a alguien egoístamente, que se ajuste a los propios deseos: es un icono del cine negro.


title: Otto Preminger

text: Preminger esperaba que el éxito de "Laura" le ayudaría para promocionar y trabajar en mejores películas, pero su futuro profesional todavía estaba en manos de Darryl Zanuck. Pero como enemigos íntimos, sabían que tenían que trabajar juntos para llegar a buen puerto, así que Zanuck encargó a Preminger que se hiciera cargo de un trabajo de Ernst Lubitsch, que había abandonado el proyecto por un ataque al corazón recientemente, de la obra "La zarina (A Royal Scandal)", un "remake" de una de las propias obras de Lubitsch en 1924 "Forbidden Paradise", protagonizada por Pola Negri como Catalina la Grande. Antes de su ataque cardíaco, Lubitsch había empleado muchos meses en la preparación y en el reparto del filme. Preminger, que había conocido a Tallulah Bankhead antes de la invasión nazi de Austria, no podía tener a nadie mejor para el papel protagonista. Ambos compartían afinidades y también los odios: en este caso hacia la otra protagonista femenina Anne Baxter. Baxter asumió que sus opiniones no encajaban en el set como cuando pidió si su abuelo, el arquitecto Frank Lloyd Wright, notorio republicano conservador y antisemita, podía visitar el rodaje, y que provocó la ira de Preminger y Bankhead. Cuando se acabó el rodaje, la película recibió críticas muy tibias y donde se veía claramente que no era un proyecto ideado de Preminger. Este fracaso supuso el fin de Bankhead como actriz, que no volvió a aparecer en el cine hasta veinte años después.


title: Otto Preminger

text: La siguiente película de Preminger fue "Fallen Angel" que era una vieja aspiración del director. En este filme, un hombre acaba en un pueblo de California donde empieza un romance con una camarera. Pero cuando esa camarera aparece asesinada, Dana Andrews se convierte en el principal sospechoso. Zanuck dio a Preminger la responsabilidad de convencer a Alice Faye, una estrella de musical, esperando que fuese la reaparición de Faye. Linda Darnell tuvo el papel de la propietaria dominante. A pesar de su estilo estético, "Fallen Angel" nunca llegó a los niveles visuales de "Laura".


title: Otto Preminger

text: El siguiente filme de Preminger, "Centennial Summer", sería el primero que pudo rodar el director en color. Con la intención de reproducir el éxito del musical de la MGM de 1944 "Desfile de Pascua", Zanuck unió a Preminger con el famoso compositor de Broadway Jerome Kern. El musical explica la vida de dos hermanas de una clase trabajadora, que rivalizan por el mismo hombre. El reparto incluye Jeanne Crain y Linda Darnell como las hermanas, Cornel Wilde como el afortunado pretendido, y las veteranas estrellas Walter Brennan, Constance Bennett y Dorothy Gish.


title: Otto Preminger

text: La famosa novela de Kathleen Winsor "Forever Amber", publicada en 1944, sería el siguiente encargo de Zanuck para Preminger. El director había leído el libro y no le había gustado y tenía otro "best seller" en mente: "Daisy Kenyon". Zanuck convenció al realizador de que realizara "Forever Amber" primero y que se comprometía a financiarle "Daisy Kenyon" posteriormente. "Ambiciosa" fue filmada en seis semanas, cuando Preminger substituyó a John Stahl. Zanuck había gastado casi dos millones de dólares cuando Preminger decidió que el guion tenía que ser reescrito por completo y Peggy Cummins, la actriz principal, tenía que ser substituida, ya que Otto la veía como una "amateur". Solo después de reescribir el guion, hubo otro desencuentro entre Zanuck y Preminger. El productor había escogido a Linda Darnell para substituir a Cummins, pero el realizador creía que la heroína era rubia y creía necesario que la rubia tenía que ser auténtica como Lana Turner, que tenía contrato con MGM. A pesar del escándalo de la película en los ámbitos católicos, "Ambiciosa" fue uno de los grandes éxitos de taquilla de la productora y de la filmografía de Preminger, que consideró la película como "una de las películas más caras que hice peor en mi vida".


title: Otto Preminger

text: A pesar de este éxito, Preminger se mantenía ocupado con guionistas para preparar sus dos proyectos futuros, "Daisy Kenyon" y "The Dark Wood". Preminger estuvo preparado en trabajar en "Daisy Kenyon". Joan Crawford protagonizaba la película como la editora de una revista que está inmersa en un triángulo amoroso: un abogado casado y pretencioso y un neurótico veterano de guerra. Crawford estaba entusiasmada con el papel y Preminger escogió a Dana Andrews y Henry Fonda para acabar el triángulo. La película tuvo un éxito moderado. Como dijo la revista "Variety" el filme era un "melodrama dirigido exclusivamente al mercado femenino".


title: Otto Preminger

text: Después del modesto éxito de "Daisy Kenyon" (1947), Preminger, un ávido trabajador, vio en el libro "La dama del armiño" como una oportunidad. Betty Grable fue elegida para interpretar a una condesa que seduce a un coronel húngaro a cargo de la ocupación del país, interpretado por Douglas Fairbanks, Jr.. La película era otro proyecto de Lubitsch, pero tras su repentina muerte en 1947, Preminger se hizo cargo de la dirección. La película fue otro éxito moderado y las críticas echaban en falta la visión de Ernst Lubitsch en la película.


title: Otto Preminger

text: El siguiente proyecto de Preminger fue un clásico, la adaptación de la obra de 1897 de Oscar Wilde "El abanico de Lady Windermere". Entre la primavera y el verano de 1948 Otto escribió la película. Madeleine Carroll interpretó a Mrs. Erlynne, que intentaba salvar el matrimonio de su hija Lady Windermere (Jeanne Crain) de una ruinosa reputación. George Sanders y Martita Hunt completaban el reparto principal. Esta película fue una de las peores películas de la carrera de Preminger y un tremendo batacazo en taquilla.


title: Sean Connery

text: Thomas Sean Connery (Edimburgo, Escocia, 25 de agosto de 1930-Nasáu, Bahamas, 31 de octubre de 2020), conocido artísticamente como Sean Connery, fue un actor y productor de cine británico, que ganó, entre otros premios, un premio Óscar, dos premios BAFTA (uno de ellos, un ) y tres premios Globo de Oro (uno de ellos, un premio Cecil B. DeMille a la trayectoria).


title: Sean Connery

text: Gran parte de su fama fue gracias a su personaje de James Bond, que interpretó en siete películas entre 1962 y 1983 (seis películas producidas por Eon Productions, así como "Nunca digas nunca jamás", una nueva versión de "Operación Trueno" producida por Warner Bros.). En 1988, Connery ganó el premio Óscar al por su papel en "The Untouchables". Su carrera en el cine también incluye películas tales como "Marnie", "Robin y Marian", "The League of Extraordinary Gentlemen", "Indiana Jones y la última cruzada", "La caza del Octubre Rojo", "El hombre que pudo reinar", "El nombre de la Rosa, " "Highlander", "Asesinato en el Orient Express", "", y "La Roca". Sean Connery fue nombrado ""Knight Bachelor"" por la reina Isabel II en julio de 2000. Connery ha sido encuestado como ""The Greatest Living Scot"" ("El escocés más grande"). En 1989, fue proclamado como ""The Sexiest Man Alive"" ("El hombre vivo más sexy") por la revista "People", y en 1999, a los 69 años, fue votado como ""The Sexiest Man of the Century"" ("El hombre más sexy del siglo").


title: Sean Connery

text: Connery nació en Edimburgo, Escocia, el 25 de agosto de 1930. Su padre, Joseph Connery, era un trabajador de fábrica y conductor de camiones, católico de origen irlandés, con antepasados en el Condado de Wexford, mientras que su madre, Euphamia "Effie" Maclean, era una mujer de la limpieza, protestante cuyos padres vivieron en Fife y Uig en la isla de Skye. Tiene un hermano pequeño, Neil Connery, que nació en 1938. Como Connery ha declarado, se le conocía por su segundo nombre, Sean, desde mucho antes de convertirse en actor, explicando que tenía un amigo irlandés llamado Séamus y todos los que los conocían a ambos decidieron llamarlo por su segundo nombre cuando estaba con él, quedando como costumbre. Sin embargo, generalmente se refirió en su juventud como "Tommy". Aunque era pequeño en la escuela primaria, creció rápidamente alrededor de la edad de 12 años, llegando a su talla final de 189 cm (6 pies 2 pulgadas) a los 18 años.


title: Sean Connery

text: Su primer trabajo fue como un repartidor de leche en la St. Cothbert's Co-operative Society. Posteriormente, se alistó en la Marina Real Británica, tiempo durante el cual se hizo dos tatuajes que, según su página web oficial, reflejan dos de sus compromisos personales: su familia y Escocia.


title: Sean Connery

text: Más tarde, Connery fue licenciado de la Marina por motivos médicos debido a una úlcera péptica duodenal, una condición que era hereditaria y que había afectado a la mayoría de los varones de su familia. Posteriormente regresó durante poco tiempo a la Co-op y pasó después por varios empleos diferentes, entre ellos conductor de camión, socorrista en las piscinas de Portobello, peón de granja, modelo artístico en el Edinburgh College of Art (después de una sugerencia de Archie Brennan, que anteriormente sirvió como Mr. Scotland), y pulidor de ataúdes. Su trabajo como modelo le reportaba 15 chelines por hora. Un estudiante artístico, Richard De Marco, que pintó varios cuadros notables tempranos de Connery, describió al joven Connery como "muy recto, y también un poco tímido, demasiado hermoso para las palabras, y virtualmente equiparable con Adonis".


title: Sean Connery

text: Connery comenzó con el culturismo a los 18 años, y entrenó en gran medida con su antiguo instructor de gimnasia en el ejército británico. Bajo el nombre de Thom Connery, alcanzó el tercer puesto en la categoría de hombres altos de la competición de 1953 del concurso de NABBA Mr. Universo. Otro competidor, Johnny Isaacs, le sugirió que se presentase para la producción del musical de "South Pacific", lo que le permitiría trabajar en teatro, televisión y, finalmente, en el cine. Como levantador de pesas, utilizó como alias su apodo de juventud, "Big Tom".


title: Sean Connery

text: Durante su vida en Edimburgo, Connery fue atacado por la Valdor Gang, una de las pandillas más notorias y brutales en la ciudad. Se le acercó por primera vez en un salón de billar en Lothian Street, donde les impidió robarle su chaqueta y fue seguido después por seis miembros de la pandilla hasta un balcón de 15 pies de alto en el Palacio. Ahí Connery se enfrentó solo contra los pandilleros, tomando a uno por la garganta y a otro por el bíceps, y chocando sus cabezas. A partir de entonces, fue tratado con gran respeto por la pandilla y ganó reputación como "hombre duro".


title: Sean Connery

text: Connery era un excelente futbolista, después de haber jugado para Bonnyrigg Rose Athletic Football Club en sus años mozos. Se le ofreció una prueba con el East Fife FC. Mientras estaba de gira con "South Pacific", Connery jugó en un partido de fútbol contra un equipo local en el cual Matt Busby, gerente del Manchester United Football Club, estaba de ojeador. Según los informes, a Busby le impresionó su destreza física y le ofreció un contrato a Connery por valor de 25 libras por semana inmediatamente después del partido. Connery admitió que estuvo tentado a aceptar, pero recuerda que, "Comprendí que un futbolista de primera categoría ya empezaba su decadencia a la edad de 30 años, y yo ya tenía 23. Decidí ser actor, que resultó ser una de mis decisiones más inteligentes".


title: Sean Connery

text: Tratando de ganar algo de dinero extra, Connery ayudó entre bastidores en el King's Theatre a finales de 1951. Se interesó en el proceso, y su carrera comenzó.


title: Sean Connery

text: En 1957, Connery interpretó a Spike, un gánster menor con problemas de habla en "No Road Back" por Montgomery Tully junto con Skip Homeier, Paul Carpenter, Patricia Dainton, y Norman Wooland. A continuación, interpretó a un conductor de camión, Johnny Yates, en "Hell Drivers", una película de 1957 dirigida por Cy Enderfield, junto con Stanley Baker, Herbert Lom, Peggy Cummins, y Patrick McGoohan. Más tarde, en 1957, Connery apareció en "Action of the Tiger", una película mal recibida dirigida por Terence Young para Metro-Goldwyn-Mayer, junto con Van Johnson, Martine Carol, Herbert Lom, y Gustavo Rojo; la película fue filmada en el sur de España. También tuvo un papel menor en "Time Lock", un thriller de 1957 dirigido por Gerald Thomas, como un soldador, apareciendo junto con Robert Beatty, Lee Patterson, Betty McDowall, y Vincent Winter, que comenzó filmando el 1 de diciembre de 1956 en Beaconsfield Film Studios.


title: Sean Connery

text: En 1958, tuvo un papel importante en el melodrama "Brumas de inquietud" (1958) como un periodista británico llamado Mark Trevor, atrapado en una historia de amor junto con Lana Turner y Barry Sullivan. Durante el rodaje, el novio posesivo de Lana Turner, Johnny Stompanato, quien estaba de visita en Londres, creyó que ella estaba teniendo una aventura con Connery. Stompanato irrumpió en plató y apuntó a Connery con un arma, solo para que Connery lo desarmase y noquease de espaldas, por lo que Stompanato fue sacado de allí. Más tarde, Connery relató que tuvo que estar de baja por un tiempo después de recibir amenazas de hombres vinculados con el jefe de Stompanato, Mickey Cohen.


title: Sean Connery

text: Se ha creado el mito urbano de que tuvo una participación como extra, y hasta fue incluido esta película en su filmografía en el libro "The Films of Sean Connery", de Wallace & Davis (1998). Pero en realidad, la confusión vino por la difusión en las redes sociales de una foto del actor Larry Taylor, que sí participó interpretando a un marinero y con un ligero parecido al actor escocés.


title: Sean Connery

text: En 1959, Connery obtuvo un papel de liderazgo en la película "Darby O'Gill and the Little People", dirigida por Robert Stevenson y estrenada en 1959 por Walt Disney Productions (ahora The Walt Disney Company), junto con Albert Sharpe, Janet Munro, y Jimmy O'Dea. La película es una historia sobre un irlandés astuto y su batalla de ingenios con leprechauns. Tras la liberación inicial de la película, A.H. Weiler de "The New York Times" elogió el reparto (salvo Connery quien describió como "meramente alto, moreno y guapo") y pensó que la película fue una mezcla "tremendamente encantadora de las historias gaélicas, la fantasía, y el romance". En su libro "The Disney Films", el crítico y historiador de cine Leonard Maltin dijo que ""Darby O'Gill and the Little People" no es solo una de las mejores películas de Disney, es ciertamente una de las mejores fantasías en toda la historia del cine".


title: Sean Connery

text: Ese mismo año desempeñó un papel secundario, haciendo de villano en "La gran aventura de Tarzán" (Tarzan Greatest Adventure), protagonizada por Gordon Scott.


title: Sean Connery

text: También tuvo un papel importante en una adaptación televisiva de "Ana Karenina" producida por BBC Television en 1961, dirigida por Rudolph Cartier, en la que coprotagonizó junto con Claire Bloom.


title: Sean Connery

text: Su oportunidad llegaría en 1962, cuando fue elegido para interpretar el papel de James Bond, un agente del servicio secreto británico creado por Ian Fleming y protagonista de varias de sus novelas. Su primera inmersión en el papel se produjo en la película "Dr. No" (1962), donde estuvo acompañado por la actriz Ursula Andress.


title: Sean Connery

text: El éxito de las películas de James Bond fue tal que se hicieron varias secuelas en las que también participó Connery: "From Russia with Love" (1963), "Goldfinger" (1964), "Operación Trueno" (1965) y "Solo se vive dos veces" (1967) al lado de numerosos actores como Robert Shaw, Pedro Armendáriz, Daniela Bianchi y Mie Hama. Antes de que comenzasen los años 70, ya cansado del personaje y decidido a no encasillarse, cedió su lugar a George Lazenby, quien interpretó a Bond en solamente una película, "On Her Majesty's Secret Service" en 1969. El desempeño de Lazenby no conformó al público ni a la crítica (aunque su película fue bastante exitosa), debido a lo cual Connery regresó a regañadientes para protagonizar "Diamonds Are Forever" en 1971. Después de esta película abandonó definitivamente el papel de Bond, siendo sustituido por Roger Moore. Aunque el estigma de Bond siguió durante mucho tiempo a Connery, trabajó arduamente para desencasillarse e interpretó a personajes completamente diferentes con gran éxito, pudiendo ya a mediados de los noventa ser reconocido como un actor muy versátil.


title: Sean Connery

text: Connery regresó como Bond por última vez en la película no oficial de 1983 "Nunca digas nunca jamás", que fue producida por Warner Bros. en vez de Eon Productions (que había producido la mayoría de las películas de Bond).


title: Sean Connery

text: En 2005, Connery prestó su imagen y voz para ser James Bond en un videojuego desarrollado por Electronic Arts, "James Bond 007: From Russia With Love", basado en la película de Bond que él protagonizó más de cuatro décadas atrás. Varios miembros del reparto secundario de la película participaron también.


title: Sean Connery

text: Mientras actuaba en las películas de Bond, Connery también actuó en otras películas aclamadas como: la superproducción bélica "El día más largo" (1962), "Marnie", junto a Tippi Hedren (Alfred Hitchcock, 1964), "Woman of Straw" (1964), con Gina Lollobrigida, y la superproducción repleta de estrellas "Asesinato en el Orient Express", dirigida por Sidney Lumet en 1974. Además de "The man who would be king" ("El hombre que pudo reinar") y "El viento y el león", ambos lanzados en 1975, y de "Robin y Marian" junto a Audrey Hepburn en 1976, la mayoría de los éxitos de Connery en la década siguiente fueron como actor secundario en elencos de películas como la ya citada "Asesinato en el Orient Express" (1974), con Vanessa Redgrave y John Gielgud, y "A Bridge Too Far" (1977), coprotagonizada por Dirk Bogarde y Laurence Olivier.


title: Sean Connery

text: En 1981, Connery apareció en la película "Time Bandits" como Agamenón. La elección de Connery para este papel se derivó de una broma incluida por Michael Palin en el guion, en el que describe el personaje eliminando su máscara como "Sean Connery, o alguien de la misma estatura, pero más barato". Cuando se le mostró el guion a Connery, él se mostró feliz de desempeñar dicho papel secundario.


title: Sean Connery

text: Después de su experiencia con "Nunca digas nunca jamás" en 1983 y un litigio, Connery se sintió descontento con los grandes estudios y durante dos años no hizo ninguna película. Tras el éxito de la producción europea "El nombre de la rosa" (1986), por la que ganó un premio de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión, el interés de Connery en filmes más comerciales se reactivó. Ese mismo año, obtuvo un papel secundario en "Highlander" donde mostró su habilidad de interpretar a mentores más mayores para protagonistas jóvenes, una faceta que se convertiría en un papel recurrente en muchas de sus películas posteriores. El año siguiente, su actuación aclamada como un policía puro y duro de origen irlandés en "The Untouchables" (1987) le ganó el , su nominación única a lo largo de su carrera. Sus siguientes éxitos de taquilla incluyeron "Indiana Jones y la última cruzada" (1989), en la que interpretó Henry Jones Sr., el padre del personaje titular; "La caza del Octubre Rojo" (1990), en la que interpretó Marko Ramius, el comandante en jefe del submarino nuclear; "La casa Rusia" (1990), en la que interpretó Bartholomew "Barley" Scott Blair, el director de una empresa editorial británica; "La Roca" (1996), en la que interpretó el agente encarcelado del servicio secreto John Patrick Mason, quien se infiltra en la Isla de Alcatraz con personajes interpretados por Nicholas Cage y Ed Harris; y "Entrapment" (1999), en la que interpretó el ladrón de arte internacional Robert "Mac" MacDougal, quien colabora con una investigadora de seguros interpretada por Catherine Zeta-Jones para robar una máscara china de un edificio bien guardado: el "Bedford Palace".


title: Sean Connery

text: En 1996, prestó su voz al papel de Draco, el dragón en la película animada "". En las películas "Indiana Jones y la última cruzada" y "La Roca" se alude a sus días en el papel de James Bond. Steven Spielberg y George Lucas creían que "el padre de Indiana Jones" (aunque Connery fuera tan solo 12 años mayor que Ford) debía ser Connery, porque Bond directamente inspiró la serie de "Indiana Jones", mientras que su personaje en "La Roca", John Patrick Mason, toma señales de Bond en que es un agente en el servicio secreto del Reino Unido que lleva encarcelado desde la década de 1960. En 1998, Sean Connery recibió un .


title: Sean Connery

text: En los últimos años, las películas de Connery han incluido varias decepciones según los críticos, tales como "First Knight" (1995), "Los vengadores" (1998), "The League of Extraordinary Gentlemen" (2003) y Sir Billi (2013), pero también recibió críticas positivas, incluida su actuación en "Descubriendo a Forrester" (2000). También más tarde recibió el Crystal Globe por su contribución artística al mundo del cine.


title: Sean Connery

text: Connery declaró en entrevistas para la primera película de la trilogía cinematográfica de "El Señor de los Anillos" (incluido en su lanzamiento de DVD) que se le ofreció un papel en la serie, lo rechazó debido a "disconformidades con el guion". CNN informó que al actor se le ofreció hasta un 15 % de los recibos de taquilla mundiales para interpretar a Gandalf, de haber aceptado, hubiera ganado alrededor de $400 000 000 por la trilogía. Después de que la serie se convirtiera en un gran éxito, Connery decidió aceptar el papel principal en "The League of Extraordinary Gentlemen", a pesar de no "estar conforme" con el guion de esa película. En julio de 2005, se informó que había decidido retirarse del cine, después de su desilusión con los "idiotas actualmente produciendo películas en Hollywood" y la confusión haciendo la película de 2003.


title: Sean Connery

text: En septiembre de 2004, los informes de los medios de comunicación indicaron que Connery tuvo intención de retirarse de la interpretación después de acabar de rodar "Josiah's Canon", que fue planificado para ser estrenado en 2005. Sin embargo, en diciembre de 2004, en una entrevista con el diario "The Scotsman" desde su casa en las Bahamas, Connery explicó que había tomado un descanso de la interpretación con el fin de concentrarse en escribir su autobiografía. En las celebraciones de "Tartan Day" en Nueva York en marzo de 2006, Connery volvió a confirmar su retirada y declaró que ahora está escribiendo un libro de historia.


title: Sean Connery

text: En 2006, participó en un desfile en el que mostró ropa escocesa. En una de las pasadas, Connery lució las famosas kilt y, para responder ante la pregunta sobre si los escoceses usan o no ropa interior se subió la falda y mostró sus nalgas completamente desnudas.


title: Sean Connery

text: El 25 de agosto de 2008, a los 78 años, Connery presentó su autobiografía "Being a Scot", coescrito con Murray Grigor.


title: Sean Connery

text: Tenía la intención de protagonizar una película de $80,000,000 sobre Saladino y las Cruzadas que se rodará en Jordania, antes de que el productor, Moustapha Akkad, fuera asesinado en los atentados del 9 de noviembre de 2005 en Amán. Cuando Connery recibió el Lifetime Achievement Award del American Film Institute en el 8 de junio de 2006, volvió a confirmar su retirada de la actuación. El 7 de junio de 2007, negó los rumores de que iba a regresar en la siguiente película de "Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal", afirmando que "la jubilación es demasiado divertida".


title: Sean Connery

text: Connery volvió a la actuación de voz, interpretando el personaje titular en el cortometraje de animación "Sir Billi the Vet", y en 2005, grabó voces en off para un videojuego nuevo basado en su película de James Bond "From Russia with Love". En una entrevista en el disco del juego, Connery dijo que estaba muy contento de que los productores del juego (Electronic Arts) le hubieran propuesto para doblar a Bond, y que esperó trabajar con otro juego en el futuro cercano. En 2010, repitió su papel como el personaje principal en la película animada "Sir Billi", sirviendo también como productor ejecutivo.


title: Sean Connery

text: En abril de 2011, su portavoz confirmó que Connery se había retirado de la escena pública.


title: Sean Connery

text: Connery conoció a Julie Hamilton en la década de 1950; debido a su aspecto fuerte y áspero encanto, ella inicialmente pensó que era una persona de lo más horrible y no se sintió atraída por él hasta que lo vio vistiendo un kilt escocés. También compartió una atracción mutua con la cantante de jazz Maxine Daniels, quien se encontró con él en el Empire Theatre solo para ser informado por ella de que ya estaba felizmente casada y con una hija. Connery estuvo casado con la actriz Diane Cilento desde 1962 hasta 1973. Tuvieron un hijo, el actor Jason Connery. Connery estuvo casado con la pintora marroquí-francesa Micheline Roquebrune (nacida en 1929) desde 1975 hasta su muerte.


title: Sean Connery

text: Connery fue un entusiasta del golf; poseía el Domaine de Terre Blanche en el sur de Francia por veinte años (desde 1979), donde planeaba construir su campo de golf de 266 acres (108 hectáreas) de tierra, pero el sueño no se realizó hasta que lo vendió al multimillonario alemán Dietmar Hopp en 1999. Connery siempre tuvo un gran interés en el fútbol. Apoyó a los Rangers FC, tras haber sido hincha del Celtic FC. Al comentar sobre su cambio de lealtad, Connery afirmó: "Siempre he apoyado al equipo que pensaba como el mejor equipo de fútbol ... las afiliaciones religiosas en los deportes no significan nada para mí". Ha sido galardonado con el grado de Shodan en Karate Kyokushin.


title: Sean Connery

text: En 2000, el gobierno británico concedió a Connery el grado de "Knight Bachelor" y el título de "Sir" como reconocimiento al personaje que interpretó, que capturó la esencia británica y la proyectó hacia el mundo.


title: Sean Connery

text: Desde su juventud, Connery fue simpatizante del independentismo escocés; en reiteradas ocasiones, se manifestó partidario de la independencia política de Escocia. Estaba afiliado al Partido Nacional Escocés ("Scottish National Party"), un partido político que hace campañas por la independencia de Escocia, y ha apoyado al partido financieramente y a través de apariciones personales. En 2008, Connery declaró a "The Scottish Sunday Express" su creencia de que Escocia se convertiría en un país independiente durante su vida, alabando el trabajo del partido en un gobierno minoritario, después de haber ganado las elecciones al Parlamento escocés de 2007. Connery fue frecuentemente criticado por su activismo en la política del Reino Unido mientras vivía en un paraíso fiscal (Bahamas). También fue criticado por aceptar el título de caballero de manos del gobierno laborista británico, a pesar de ser abiertamente crítico con su política. Donó miles de libras para el Partido Nacional Escocés y había jurado no volver a Escocia hasta que se convirtiese en un país independiente.


title: Sean Connery

text: Durante el rodaje de "Nunca digas nunca jamás", película del agente 007, Connery fue lesionado por un entonces desconocido Steven Seagal, quien le rompió la muñeca usando técnicas de aikido. Este había sido su maestro en artes marciales, y en ese tiempo era su guardaespaldas para la película.