title: Neopaganismo

text: En ásatrú tiende a tener como símbolo propio el Mjolnir, que representa protección, la consagración, la justicia. también se usa el valknut simboliza el viaje de Odín por los Nueve Mundos de Yggdrasil, que culmina con su momentánea muerte y regeneración, en el que obtiene el saber rúnico, no se recomienda el uso del valknut


title: Neopaganismo

text: En el druidismo es de particular importancia la Triskel y el awen. Entre ambos representan la triple naturaleza de la divinidad: la triquetra, como todos los símbolos paganos, es el más difundido pero no se conoce su origen. El Triskel representa los 3 caminos evolutivos del ser humano: Cuerpo, mente y alma. El Awen es el espíritu inspirado: la repentina llama de lucidez que inflama los pensamientos de los hombres y les da sabiduría, facilidad de palabra y energía en medio de la batalla.


title: Peter Greenaway

text: Peter Greenaway (Newport, 5 de abril de 1942), es un director de cine británico, cuya formación se dio en las artes plásticas, específicamente en la pintura.


title: Peter Greenaway

text: A una muy temprana edad, Greenaway decidió que quería ser un pintor y desarrolló un interés por el cine europeo, particularmente por las cintas de Michelangelo Antonioni, Ingmar Bergman, Jean-Luc Godard, Pier Paolo Pasolini y Alain Resnais.


title: Peter Greenaway

text: En 1962 inició estudios en el Walthamstow College of Art, donde compartió cursos con el músico Ian Dury con quien posteriormente trabajaría en "El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante". En el Walthamstow College realizó su primer cortometraje titulado "Death of Sentiment" y que se desarrollaba alrededor de objetos del patio de una iglesia: cruces, ángeles volando, tipografía esculpida en la roca. La película fue filmada en cuatro cementerios londinenses.


title: Peter Greenaway

text: En 1965 se unió a la Oficina Central de Información (COI), donde trabajó durante 15 años como editor y director. En 1966 dirigió "Train", con fragmentos de la filmación del último tren de vapor que llegó a la estación de Waterloo, que estaba ubicada justo detrás de su lugar de trabajo en el COI. Una cinta de estilo abstracto influenciada por Fernand Léger y su "Ballet mécanique", todo montado por cortes sobre una banda sonora de música concreta. En 1966 también dirigió "Tree", siendo el protagonista un árbol del Royal Festival Hall de Londres que se encontraba completamente rodeado de cemento.


title: Peter Greenaway

text: La década de 1970 verá un Greenaway más serio que desarrollará en 1978 "Vertical Features Remake" y "A Walk Through H". La primera, un estudio sobre formas con estructuras aritméticas, y la segunda, un viaje a través de varios mapas.


title: Peter Greenaway

text: En 1980 Greenaway producirá su más ambicioso trabajo hasta ese momento, titulado "The Falls": un monstruo fantástico, una enciclopedia de lo absurdo de material asociable con el vuelo, con la ley de la gravedad, 92 víctimas de algo que denominó (VUE) "Violent Unknown Event" o Evento Violento Desconocido. Los años 80 vieron las mejores películas de Greenaway: "El contrato del dibujante" en 1982, "A Zed & Two Noughts" en 1985, "El vientre del arquitecto" en 1987, "Conspiración de mujeres" en 1988 y "El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante" en 1989, su película más conocida por el público.


title: Peter Greenaway

text: Los noventa nos dieron las más atractivas a nivel visual: "Los libros de Próspero" en 1991, la controvertida "The Baby of Mâcon" en 1993, "The Pillow Book" en 1996 y "8 1/2Women" en 1999.


title: Peter Greenaway

text: Las tres películas de "Las maletas de Tulse Luper" de 2003, 2004 y 2005, y "Nightwatching" de 2007 (sobre el cuadro "La ronda de noche" de Rembrandt) son sus últimos filmes para la pantalla grande, unas "extravaganzas" multimedia que incluyen las más innovadoras técnicas.


title: Peter Greenaway

text: En la mente de Peter Greenaway está la actitud de que aún no hemos visto lo que puede ser el cine, como se dijo anteriormente. Su ambición es intentar reinventarlo.


title: Peter Greenaway

text: Expuso vídeos de su creación en la edición de la Exposición Universal Shanghái 2010, en el Árbol del Aire del pabellón de Madrid, en una iniciativa llevada a cabo por el grupo Open This End.


title: Vela

text: Vela puede referirse a:


title: Jean-François Lyotard

text: Jean-François Lyotard (Versalles; 10 de agosto de 1924-París, 21 de abril de 1998) fue un filósofo, sociólogo y teórico literario francés. Su discurso interdisciplinario incluye temas que abarcan la epistemología, la comunicación, el cuerpo humano, el arte moderno y posmoderno, la literatura y la crítica teórica, la música, el cine, el tiempo y la memoria, el espacio, la ciudad y el paisaje, lo sublime, y la relación entre estética y política. Es conocido por su formulación del posmodernismo después de la década de 1970 y el análisis del impacto de la posmodernidad en la condición humana. Fue cofundador del Colegio Internacional de Filosofía ("Collège International de Philosophie)" junto con Jacques Derrida, François Châtelet y Giles Deleuze.


title: Jean-François Lyotard

text: Entre las muchas influencias que tuvo a lo largo de su carrera se encuentran: Immanuel Kant, Karl Marx, Georg Wilhelm Friedrich Hegel, Edmund Husserl, Martin Heidegger, Maurice Merleau-Ponty, Sigmund Freud, Jacques Lacan, Ludwig Wittgenstein y Giles Deleuze, cuyos trabajos no solo dieron marco a la labor de Lyotard, sino que en muchas ocasiones sirvieron como guía de su pensamiento crítico.


title: Jean-François Lyotard

text: Era hijo de Jean-Pierre Lyotard, un representante de ventas, y Madeleine Cavalli. Asistió a la escuela primaria Lycée Buffon y posteriormente al Lycée Louis le Grand, ambos en París. De niño tuvo muchas aspiraciones, como convertirse en artista, historiador, fraile dominico y escritor. Posteriormente, se dio por vencido del sueño de ser escritor, cuando terminó de escribir una novela de ficción poco exitosa a la edad de 15 años. Lyotard describió cómo se dio cuenta de que ninguna de estas ocupaciones se había convertido en su “destino” en su autobiografía llamada "Peregrinations" (1986).


title: Jean-François Lyotard

text: Estudió filosofía en la Sorbona al final de los años 1940. Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Lyotard interrumpió sus estudios. Sirvió como voluntario de primeros auxilios para el ejército francés y participó en la lucha para liberar París en agosto de 1944. Sin duda influido por la destrucción y la devastación que había presenciado durante la guerra y atraído por las primeras promesas del socialismo, se convirtió en un devoto marxista en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Por ello culminó sus estudios en 1947 con una tesis DES ("diplôme d´études supérieures") titulada "La indiferencia como un concepto ético" ("L""'indifférence comme notion éthique"), donde analizó formas de indiferencia y desapego en el budismo zen, estoicismo, taoísmo y epicureísmo. Después de su graduación obtuvo un puesto en el Centro Nacional para la Investigación Científica de Francia.


title: Jean-François Lyotard

text: Durante la primera etapa de su vida militó en grupos de izquierda, y su pensamiento se desarrolló dentro de lo que se podría llamar el marxismo crítico. Como alumno de Maurice Merleau-Ponty, se interesó también por la fenomenología y publicó su primer libro sobre este tema (esencialmente divulgativo) en la colección "Que sais-je", proporcionando una visión clara y global del papel de dicha corriente filosófica en el siglo XX.


title: Jean-François Lyotard

text: Posteriormente, sin embargo, se alejó del marxismo e inició durante los años 1960 una evolución hacia el postmodernismo en la que se aprecia ya el desarrollo de un pensamiento original. Se centró durante esta época en el tema del deseo como búsqueda de lo imposible, en términos muy cercanos a los defendidos por el psicoanálisis, especialmente dentro de la corriente psicoanalítica representada por Jacques–Marie Émile Lacan. Con ello, el papel de la crítica y análisis del lenguaje se hace sumamente importante en su filosofía. Por otra parte, y durante esta misma época, realiza importantes incursiones en el ámbito de la estética, concretamente en el análisis de la obra pictórica, a la que ve como un campo determinante en la posición del deseo.


title: Jean-François Lyotard

text: Destacan especialmente sus estudios de la obra de Paul Cézanne en relación con la concepción freudiana del arte. Para Lyotard, la obra de Cézanne ejemplifica una suerte de reinversión del sentido de dicha concepción, al producirse su pintura desde el fluir de los impulsos inconscientes de la libido. Dicho fluir se plasma en la capacidad de creación del pintor de espacios análogos a los del inconsciente, que producen en el que contempla su obra estados de inquietud y de perturbación.


title: Jean-François Lyotard

text: En 1950, Lyotard aceptó un puesto para enseñar filosofía en el Lycée de Constantine, en Constantina, Argelia. En 1971 obtuvo un doctorado estatal con su disertación "Discurso, figura" bajo la tutoría de Mikel Dufrenne, trabajo que se publicó ese mismo año. Dedicó un periodo de su vida, tras el final de la Segunda Guerra Mundial, a las revoluciones socialistas, cuestión que quedó de manifiesto en sus escritos, ya que se centraron en gran medida en la política de izquierda. En este periodo, Lyotard se interesó particularmente por la guerra de Independencia de Argelia, que vivió en persona mientras enseñaba allí.


title: Jean-François Lyotard

text: Se casó con Andree May en 1948, con quien tuvo dos hijos, Corinne y Laurence, y después se casó en segundas nupcias en 1993 con Dolores Djidzek, madre de su hijo David, nacido en 1986.


title: Jean-François Lyotard

text: Lyotard expuso en "Le Différend" que el discurso humano ocurre en un variado pero discreto número de dominios inconmesurables, ninguno de los cuales tiene el privilegio de pasar o emitir juicios de valor sobre los otros. Siendo así, en "Economía libidinal" (1974), "La condición postmoderna" (1979) y "Au juste: Conversations" (1979) criticó teorías literarias contemporáneas e incitó a un discurso experimental desprovisto del interés por la verdad. En este sentido, consideró que ya había pasado la época de los grandes relatos o "metarrelatos" que intentaban dar un sentido a la marcha de la historia.


title: Jean-François Lyotard

text: Lyotard criticó la sociedad actual postmoderna por el realismo del dinero, puesto que esta se acomoda a todas las tendencias y necesidades siempre y cuando tenga poder adquisitivo. Igualmente, criticó los metadiscursos: el cristiano, el ilustrado, el marxista, el capitalista. Según Lyotard, estos son incapaces de conducir a la liberación. La cultura postmoderna se caracteriza por la incredulidad con respecto a los metarrelatos, invalidados por sus efectos prácticos. Frente a ellos no se trata de proponer un sistema alternativo al vigente, sino de actuar en espacios muy diversos para producir cambios concretos.


title: Jean-François Lyotard

text: En 1954 entró en el grupo "Socialismo o Barbarie", una organización política francesa formada en 1948 en torno a la inadecuación del análisis trotskista para explicar las nuevas formas de dominación en la Unión Soviética. La organización tenía como objetivo realizar una crítica del marxismo desde dentro durante la guerra argelina de liberación. Sus escritos en este periodo se refieren principalmente a la política de extrema izquierda, especialmente en relación con la situación argelina, que presenció de primera mano mientras enseñaba filosofía en Constantina. También escribió ensayos llenos de optimismo, esperanza y aliento hacia los argelinos, los cuales fueron más tarde reproducidos en escritos políticos. Lyotard esperaba alentar una lucha argelina por la independencia de Francia y una revolución social.


title: Jean-François Lyotard

text: Después de disputas con Cornelius Castoriadis en 1964, Lyotard abandonó "Socialismo o Barbarie" e ingresó en el recién formado grupo "Poder Obrero" ("Pouvoir Ouvrier"), el cual abandonó en 1966. Aunque Lyotard participó activamente en la revolución de mayo de 1968, se distanció del marxismo revolucionario con su "Economía Libidinal" (1974). Se distanció más tarde del marxismo porque sentía que este tenía un enfoque estructuralista rígido e imponía la «sistematización de los deseos» mediante un fuerte énfasis en la producción industrial como cultura fundamental.


title: Jean-François Lyotard

text: Enseñó en el Lycée de Constantine (Argelia) de 1950 a 1952. En 1972 comenzó a dar clases en la Universidad de París VIII, donde enseñó hasta 1987, cuando se convirtió en profesor emérito. Durante las dos décadas siguientes impartió clases fuera de Francia, especialmente como profesor de teoría crítica en la Universidad de California en Irvine y como profesor visitante en universidades de todo el mundo. Algunas de estas universidades fueron la Universidad de Johns Hopkins, la Universidad de California Berkeley, la Universidad de Yale, la Universidad Stony Brook, la Universidad de California, San Diego en Estados Unidos, la Université de Montréal en Quebec (Canadá) y la Universidad de São Paulo en Brasil. También fue director fundador y miembro del consejo del Colegio Internacional de Filosofía ("Collège International de Philosophie)" en París. Antes de su muerte, dividió su tiempo entre París y Atlanta, donde enseñó en la Universidad de Emory, con el nombramiento de Profesor Woodruff de filosofía y francés.


title: Jean-François Lyotard

text: Las obras filosóficas de Jean François Lyotard se desarrollan entre 1954 y 1998. Su primera obra "La Fenomenología" (1954) establece una serie de criterios para analizar la aportación de la fenomenología al pensamiento del siglo XX, y su última obra, "La confesión de Agustín" (1998), refleja una de sus más hondas preocupaciones religiosas de su juventud.


title: Jean-François Lyotard

text: El trabajo de Lyotard se caracteriza por una oposición persistente a las universalidades, metanarrativas y la generalidad. Es ferozmente crítico con muchas de las afirmaciones "universalistas" de la Ilustración, y varias de sus obras sirven para socavar los principios fundamentales que generan estas reivindicaciones amplias.


title: Jean-François Lyotard

text: En sus escritos de principios de los 70 rechaza lo que considera como fundamentos teológicos de Karl Marx y Sigmund Freud: ""En Freud, es judaico, sombrío crítico (olvidadizo de lo político); en Marx es católico. Hegeliano, reconciliador (...) en el uno y en el otro la relación de lo económico con el sentido está bloqueada en la categoría de representación (...) Aquí una política, hay una terapéutica, en ambos casos una teología laica, en la cima de la arbitrariedad y la itinerancia de fuerzas"." En consecuencia, rechazó la dialéctica negativa de Theodor W. Adorno porque la consideraba como la búsqueda de una "solución terapéutica en el marco de una religión", en este caso, la religión de la historia. En ""Economía libidinal"," Lyotard incitaba a ""descubrir y describir diferentes modos sociales de inversión de intensidades libidinales"."


title: Jean-François Lyotard

text: La condición posmoderna


title: Jean-François Lyotard

text: Lyotard fue un escéptico respecto al pensamiento cultural moderno. En este sentido, su obra ""La condición posmoderna"" provocó el escepticismo acerca de las teorías universalizadoras. Lyotard argumenta que hemos superado nuestras necesidades de grandes narrativas debido al avance de las técnicas y tecnologías desde la Segunda Guerra Mundial: argumenta contra la posibilidad de justificar las narrativas que reúnen disciplinas y prácticas sociales, tales como la ciencia y la cultura: ""las narraciones que decimos para justificar un solo conjunto de leyes y apuestas son intrínsecamente injustas"". Su pérdida de fe en las metanarrativas afectó la manera en que vemos la ciencia, el arte y la literatura. Las pequeñas narrativas se han convertido en la manera adecuada de explicar las transformaciones sociales y los problemas políticos. Lyotard sostiene que ésta es la fuerza impulsora detrás de la ciencia posmoderna. A medida que las metanarrativas se desvanecen, la ciencia sufre una pérdida de fe en su búsqueda de la verdad y por tanto debe encontrar otras formas de legitimar sus esfuerzos. Conectada a esta legitimidad científica está el creciente dominio de las máquinas de información. Lyotard sostiene que un día, para que el conocimiento sea considerado útil, tendrá que ser convertido en datos computarizados. Esto le llevó, años más tarde, a escribir "The Inhuman", publicado en 1988, en el que ilustra un mundo en el que la tecnología domina el mundo.


title: Jean-François Lyotard

text: Lyotard denomina "legitimación" al ""proceso por el cual el legislador se encuentra autorizado para promulgar una ley como norma"". Un enunciado debe presentar un conjunto de condiciones para ser aceptado como científico. En este caso la legitimación es el proceso por el cual un legislador, que se ocupa del discurso científico, está acreditado para prescribir las condiciones convenidas, generalmente de consistencia interna y de verificación experimental, para que un enunciado forme parte de ese discurso y pueda ser considerado como válido por la comunidad científica.


title: Jean-François Lyotard

text: De tal manera, señala que, desde Platón, la cuestión de la legitimación de las ciencias se halla fuertemente relacionada con la de la legitimación del legislador. Asimismo, el derecho a decidir lo que es verdadero se encuentra entreverado con el derecho a decidir lo que es justo. Hay un lazo de similitud entre el tipo de lenguaje que llamamos ciencia y ese otro que llamamos ética y política, ambos proceden de la misma tradición occidental.


title: Jean-François Lyotard

text: Por otro lado, Lyotard permite ver cómo la ciencia se ha convertido en la forma de legitimación de los relatos y metarrelatos en la sociedad posmoderna, ya que pone en duda la producción de los saberes científicos. Estos se han llegado a establecer como una especie de discurso de legitimación por parte de quien promueve las ciencias: "“el Estado puede gastar mucho para que la ciencia pueda presentarse como epopeya, a través de ella se hace creíble, crea el asentimiento público del que sus propios decididores tienen necesidad”", señalando que incluso los saberes se han transformado en objeto de uso y objeto de cambio con la finalidad de ser consumidos y valorados de una forma especifica. Así pues, dentro del vigente estatuto del saber científico, Lyotard asegura que la cuestión de la doble legitimación, lejos de diluirse, se plantea con mayor vigor. De esta forma, saber y poder son las dos caras de una misma moneda: ""¿Quién decide lo que es saber, y quién sabe lo que conviene decidir? La cuestión del saber en la edad de la informática es más que nunca la cuestión del gobierno"."


title: Jean-François Lyotard

text: Según Lyotard, no interesa tanto la verdad como la eficacia de la información. Por eso la ciencia y el derecho en las sociedades postindustriales se legitiman por su eficiencia, y todo sistema queda regulado por la optimización de sus actuaciones. Así, se pierden los saberes unificantes y aparece un tipo de saber fragmentario, una explosión de pequeños sistemas que nadan en el eclecticismo y que caracterizan lo que él mismo llamó ""una época helada de apabullante postmodernismo"", en la que se diluyen todas las utopías del siglo XX. Como medio de conseguir que en el seno de esta heterogeneidad de saberes se produzca una conciliación y se establezcan lazos de comunicación entre las diferencias, Lyotard repara en la relevancia del papel que los juegos de lenguaje desempeñan a la hora de garantizar la existencia de una sociedad consolidada.


title: Jean-François Lyotard

text: El colapso de la “gran narrativa” y el valor de los “juegos del lenguaje”


title: Jean-François Lyotard

text: En "“La condición posmoderna: informe sobre el saber”" "(La Condition postmoderne: Rapport sur le savoir)" (1979), propone lo que él llama una simplificación extrema del pensamiento "posmoderno" como una ""incredulidad hacia las metanarrativas"". Estas metanarrativas, consideradas como “grandes narraciones”, son grandes teorías sobre el mundo: el progreso de la historia, la cognoscibilidad de todo por la ciencia y la posibilidad de una libertad absoluta. Lyotard sostiene que hemos dejado de creer que narrativas de este tipo son adecuadas para representar y contener a todos. Él señala que nadie parece estar de acuerdo en lo que es real (si es que algo lo es) y cada uno tiene su propia perspectiva y la historia. Nos hemos puesto hecho sensibles a la diferencia, a la diversidad, a la incompatibilidad de nuestras aspiraciones, creencias y deseos, y por eso la posmodernidad se caracteriza por una abundancia de micronarrativas. Para este concepto, Lyotard se basa en la noción de "juegos de lenguaje" que se encuentra en la obra de Ludwig Wittgenstein.


title: Jean-François Lyotard

text: En las obras de Lyotard, el término "juegos de lenguaje", a veces también llamado "regímenes de frase", denota la multiplicidad de comunidades de significado, los innumerables e inconmensurables sistemas separados en los que se producen significados y se crean reglas para su circulación. Esto implica, por ejemplo, una incredulidad hacia la metanarrativa de la emancipación humana. Es decir, la historia de cómo la raza humana se ha liberado, la cual reúne el juego del lenguaje científico, del lenguaje de los conflictos históricos humanos y de las cualidades humanas en la justificación general del desarrollo constante de los seres humanos en términos de riqueza y bienestar moral. Según esta metanarrativa, la justificación de la ciencia está relacionada con la riqueza y la educación. El desarrollo de la historia es visto como un progreso constante hacia la civilización o el bienestar moral.


title: Jean-François Lyotard

text: El juego de lenguaje de las pasiones humanas, cualidades y culpas es visto como un cambio constante en favor de nuestras cualidades, mientras que la ciencia y los desarrollos históricos nos ayudan a conquistar nuestras culpas en favor de nuestras cualidades. El punto es que cualquier acontecimiento debe ser capaz de ser entendido en términos de las justificaciones de esta metanarrativa; cualquier cosa que suceda puede entenderse y juzgarse según el discurso de la emancipación humana. Por ejemplo, para cualquier nueva revolución social, política o científica podríamos hacer la pregunta: ""¿Es esta revolución un paso hacia el mayor bienestar del conjunto de seres humanos?"" Para Lyotard debería ser posible siempre responder a esta pregunta en términos de las reglas de justificación de la metanarrativa de la emancipación humana.


title: Jean-François Lyotard

text: Esto se vuelve más crucial en "Au juste: Conversations" (1979) y "Le Différend (La Diferencia)" (1983), que desarrollan una teoría posmoderna de la justicia. Podría parecer que la atomización de los seres humanos que implica la noción de la micronarración y el juego del lenguaje sugieren un colapso de la ética. Se ha pensado a menudo que la universalidad es una condición para que algo sea una declaración ética apropiada: ""no robarás"" es una declaración ética en una manera que ""no robarás a Margaret"" no lo es. Este último es demasiado particular para ser una declaración ética, puesto que cabe preguntarse ¿qué tiene de especial Margaret?. Sólo es ético si se basa en una declaración universal: ""no robarás a nadie"". Sin embargo, los universales son inadmisibles en un mundo que ha perdido la fe en las metanarrativas, por lo cual parecería que la ética es imposible. La justicia y la injusticia sólo pueden ser términos dentro de los juegos de lenguaje, y la universalidad de la ética quedaría fuera.


title: Jean-François Lyotard

text: Lyotard sostiene que las nociones de justicia e injusticia permanecen de hecho en el posmodernismo. La nueva definición de injusticia es usar las reglas del lenguaje de un "régimen de frases" y aplicarlas a otro. El comportamiento ético consiste en permanecer alerta precisamente ante la amenaza de esta injusticia, en prestar atención a las cosas en su particularidad y no encerrarlas dentro de la conceptualidad abstracta. Uno debe dar testimonio de lo ""differend"". En otro caso, hay un conflicto entre dos partes que no se puede resolver de manera justa. Sin embargo, el acto de ser capaz de unir las dos y comprender las reclamaciones de ambas partes, es el primer paso hacia la búsqueda de una solución.


title: Jean-François Lyotard

text: La Différend


title: Jean-François Lyotard

text: En ""Le Différend"", basándose en los puntos de vista de Immanuel Kant sobre la separación de la comprensión, el juicio y la razón, Lyotard identifica el momento en que el lenguaje falla explicado en términos de la diferencia, y lo explica así: ""[...] el estado inestable y el instante del lenguaje en el que algo que debe ser capaz de poner en frases no puede ser todavía. [...] Los seres humanos que pensaban que podían usar el lenguaje como instrumento de comunicación, aprenden a través del sentimiento de dolor que acompaña al silencio (y del placer que acompaña a la invención de un nuevo idioma)"". Lyotard socava la visión común de que los significados de las frases pueden ser determinados de acuerdo a lo que refieren (el referente). El significado de una frase -un evento (algo que sucede)- no puede ser fijado apelando a la realidad (lo que realmente sucedió). Lyotard desarrolla esta visión del lenguaje definiendo la "realidad" de una manera original, como un complejo de sentidos posibles unidos a un referente a través de un nombre.


title: Jean-François Lyotard

text: El sentido correcto de una frase no puede ser determinado por una referencia a la realidad, ya que el referente en sí mismo no fija el sentido, y la realidad misma se define como el complejo de los sentidos competidores unidos a un referente. Por lo tanto, la frase, en tanto evento, permanece indeterminada.


title: Jean-François Lyotard

text: Lyotard utiliza el ejemplo de Auschwitz y las demandas del historiador revisionista de demostrar el Holocausto, para mostrar cómo ""le différend"" opera como un doble vínculo (un dilema o circunstancia de la cual no hay escapatoria debido a condiciones mutuamente conflictivas o dependientes). Faurisson sólo aceptará la prueba de la existencia de cámaras de gas de testigos oculares que fueron víctimas de las cámaras de gas. Sin embargo, estos testigos están muertos y no pueden testificar. O no había cámaras de gas, en cuyo caso no habría testigos oculares para producir evidencia, o había cámaras de gas, en cuyo caso todavía no habría testigos oculares para producir evidencia, porque estarían muertos. Puesto que Faurisson no aceptará ninguna evidencia para la existencia de cámaras de gas, excepto el testimonio de víctimas reales, concluirá, en relación a ambas posibilidades (las cámaras de gas existían y las cámaras de gas no existían), que las cámaras de gas no existían. La dos alternativas conducen a la misma conclusión: no había cámaras de gas. El caso es un considerado como un ejemplo de ""différend"" porque el daño hecho a las víctimas no puede ser presentado en el criterio de juicio sostenido por Faurisson.


title: Jean-François Lyotard

text: Lo Sublime


title: Jean-François Lyotard

text: Lyotard fue un escritor frecuente en materia de estética. Él era, a pesar de su reputación como posmodernista, un gran promotor del arte modernista. Lyotard veía el posmodernismo como una tendencia latente dentro del pensamiento a lo largo del tiempo y no como un período histórico claramente delimitado. Favoreció las obras desconcertantes de las vanguardias modernistas. En ellos encontró una demostración de los límites de nuestra conceptualización, una lección valiosa para cualquier persona plenamente convencida de la confianza transmitida por la Ilustración. Lyotard escribió extensivamente también sobre algunos artistas contemporáneos: Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger y Barnett Newman, así como también sobre Paul Cézanne y Wassily Kandinsky.


title: Jean-François Lyotard

text: Desarrolló estos temas desde el punto de vista de lo "sublime". Este es un término de la estética cuyas referido a la experiencia de ansiedad placentera que se experimenta al enfrentarse a paisajes salvajes y amenazadores como, por ejemplo, una enorme montaña escarpada, negra contra el cielo, que se cierne ante la visión. Lo sublime es, pues, la conjunción de dos sentimientos opuestos, lo cual hace más difícil que se la vea como injusticia o como solución.


title: Jean-François Lyotard

text: Lyotard encontró particularmente interesante la explicación del sublime ofrecido por Immanuel Kant en su Crítica del Juicio (a veces Crítica del Poder del Juicio). En este libro, Kant explica esta mezcla de ansiedad y placer en los siguientes términos: hay dos tipos de experiencia "sublime". En lo sublime "matemáticamente", un objeto golpea la mente de tal manera que nos encontramos incapaces de tomarlo como un todo. Más precisamente, experimentamos un choque entre nuestra razón (que nos dice que todos los objetos son finitos) y la imaginación (el aspecto de la mente que organiza lo que vemos y que ve un objeto incalculablemente más grande que nosotros mismos y se siente infinito). En lo sublime "dinámico", la mente retrocede ante un objeto tan inconmensurablemente más poderoso que nosotros, cuyo peso, fuerza y escala podrían aplastarnos sin la más remota esperanza de poder resistirla. Kant subraya que si estamos en peligro real, nuestra sensación de ansiedad es muy diferente de la de un sentimiento sublime, el cual es una experiencia estética, no un sentimiento práctico de peligro físico. Esto explica el sentimiento de ansiedad.


title: Jean-François Lyotard

text: Lo que es profundamente inquietante acerca de lo matemáticamente sublime es que las facultades mentales que presentan percepciones visuales son inadecuadas para el concepto que le corresponde. En otras palabras, lo que somos capaces nosotros mismos de hacernos ver no puede coincidir plenamente con lo que sabemos que esta ahí. Sabemos que es una montaña, pero no podemos tomar el “todo” completo en nuestra percepción. Nuestra sensibilidad es incapaz de afrontar tales visiones, pero nuestra razón puede afirmar la finitud de la representación. Con lo sublime dinámico, nuestro sentido de peligro físico debe despertar la conciencia de que no sólo somos seres materiales, sino también morales y por tanto, en términos de Kant, noumenales. El cuerpo puede ser empequeñecido por su poder, pero nuestra razón no. Esto explica, en ambos casos, por qué lo sublime es una experiencia tanto de placer como de ansiedad.


title: Jean-François Lyotard

text: Lyotard está fascinado por esta admisión, de uno de los arquitectos filosóficos de la Ilustración, de que la mente no siempre puede organizar el mundo racionalmente. Algunos objetos son simplemente incapaces de ser asociados cuidadosamente a conceptos. Para Lyotard, en "Lecciones sobre la analítica de lo sublime (Lessons on the Analytic of the Sublime)", pero basándose en su argumento de lo ""différend"", esto es algo bueno. Las generalidades, en tanto que conceptos, no prestan la debida atención a la particularidad de las cosas. Lo que sucede en lo sublime es una crisis donde nos damos cuenta de la insuficiencia de la imaginación y la razón entre sí. Lo que estamos presenciando, dice Lyotard, es en realidad lo ""différend"", la tensión de la mente al límite de sí misma y al límite de su capacidad de conceptualización.


title: Jean-François Lyotard

text: Economía Libidinal


title: Jean-François Lyotard

text: En uno de los libros más famosos de Lyotard, "Economía Libidinal (Économie libidinale)", ofrece una crítica de la "falsa conciencia" de Marx y afirma que la clase obrera del siglo XIX disfrutaba de ser parte del proceso de industrialización. Lyotard afirma que esto se debe a la energía libidinal. El término "libidinal" viene de libido, concepto referido a los deseos inconscientes no accesibles desde la conciencia, en la teoría psicoanalítica. Los escritos de Lyotard en Economía Libidinal, muestran un logro en nuestros intentos de vivir con el rechazo de todos los principios religiosos y morales a través de un socavamiento de las estructuras asociadas con él. Las estructuras ocultan las intensidades libidinales, mientras que los intensos sentimientos y deseos nos obligan a alejarnos de las estructuras establecidas. Sin embargo, tampoco puede haber intensidades o deseos sin estructuras, porque no habría ningún sueño de escapar de las estructuras represivas si no existen. ""La energía libidinal viene de esta intervención disruptiva de los acontecimientos externos dentro de las estructuras que buscan el orden y la auto-contención."" Este era el primer de los escritos de Lyotard que había criticado realmente el punto de vista marxista. Fue este tema en particular donde realmente se opuso a las opiniones de Karl Marx.


title: Jean-François Lyotard

text: Algunos de los últimos trabajos en los que Lyotard trabajó antes de morir versaron sobre el escritor, activista y político francés, André Malraux. Una de ellas es una biografía, "Firmado, Malraux (Signé Malraux)". Lyotard estaba interesado en las opiniones estéticas de la sociedad que compartía Malraux. Otra de las obras tardías de Lyotard fue "La Confesión de Agustín (La Confession d’Augustin)", un estudio sobre la fenomenología del tiempo. Este trabajo inconcluso, fue publicado póstumamente el mismo año de su muerte.


title: Jean-François Lyotard

text: Lyotard volvió repetidamente a la noción de lo posmoderno en los ensayos reunidos en inglés como ""La posmodernidad explicada a los niños", "Hacia el posmoderno", y "Fábulas posmodernas"". En 1998, mientras se preparaba para una conferencia sobre "Posmodernismo" y "Teoría de los Medios", murió inesperadamente de una leucemia que había avanzado rápidamente. Fue enterrado en el "Cementerio del Père Lachaise" en París.


title: Jean-François Lyotard

text: Tras su muerte, se organizó un homenaje colectivo por el Colegio Internacional de Filosofía (Collège International de Philosophie), presidido por Dolores Lyotard y Jean-Claude Milner, director del "Collège" en aquella época. Las actas fueron publicadas por la Prensa Universitaria de Francia (PUF) en 2001 bajo el título "Jean-François Lyotard," "l'exercice du différend."


title: Jean-François Lyotard

text: El trabajo de Lyotard sigue siendo importante en la política, la filosofía, la sociología, la literatura, el arte y los estudios culturales. Para conmemorar el décimo aniversario de la muerte de Lyotard, se celebró en París, del 25 al 27 de enero de 2007, un simposio internacional sobre Jean-François Lyotard organizado por el "Collège International de Philosophie," bajo la dirección de Dolores Lyotard, Jean-Claude Milner y Gerald Sfez.


title: Curva del dragón

text: Una curva de dragón es cualquier miembro de una familia de curvas fractales autosimilares, que pueden aproximarse mediante métodos recursivos como sistemas-L. También es conocida como la forma que se genera al doblar repetidamente una tira de papel por la mitad, aunque hay otras curvas que también se denominan de forma general curvas de dragón que se generan de manera diferente.


title: Curva del dragón

text: El dragón de Heighway (también conocido como el dragón de Harter-Heighway o el dragón de Jurassic Park) fue investigado por primera vez por los físicos de la NASA John Heighway, Bruce Banks y William Harter. Fue descrito por Martin Gardner en su columna Scientific American "Juegos matemáticos" en 1967.


title: Curva del dragón

text: Muchas de sus propiedades fueron publicadas por primera vez por Chandler Davis y Donald Knuth. La figura aparecía en los títulos de los capítulos la novela de Michael Crichton "Jurassic Park".


title: Curva del dragón

text: El dragón de Heighway se puede construir a partir de un segmento base, reemplazando repetidamente cada segmento por dos segmentos con un ángulo recto y con una rotación de 45° alternativamente a la derecha y a la izquierda:


title: Curva del dragón

text: El dragón de Heighway también es el conjunto límite del siguiente sistema iterativo de funciones en el plano complejo:


title: Curva del dragón

text: con el conjunto inicial de puntos formula_3.


title: Curva del dragón

text: Usando pares de números reales en su lugar, es lo mismo que las dos funciones que consisten enLa curva del dragón se construye siguiendo los siguientes pasos:


title: Curva del dragón

text: La siguiente figura muestra los trece primeros pasos:


title: Curva del dragón

text: La curva del dragón de Heighway puede ser construida mediante el doblado de una tira de papel, que es como se descubrió originalmente. Tómese una tira de papel y dóblese por la mitad hacia la derecha. Dóblese por la mitad nuevamente hacia la derecha. Si la tira se abre ahora, desdoblando cada pliegue para convertirlo en un giro de 90 grados, la secuencia de giro sería DchaDchaIzq, es decir, la segunda iteración del dragón de Heighway. Dóblese la tira por la mitad nuevamente hacia la derecha, y la secuencia de giro de la tira desplegada ahora es DDIDDII - la tercera iteración del dragón de Heighway. Se continua doblando la tira por la mitad hacia la derecha para crear más iteraciones del dragón de Heighway (en la práctica, la tira se vuelve demasiado gruesa para doblarla totalmente después de cuatro o cinco iteraciones).


title: Curva del dragón

text: Los patrones de plegado de esta secuencia de tiras de papel, como secuencias de pliegues a la derecha (D) e izquierda (I), son: Cada iteración se puede encontrar copiando la iteración anterior, luego una D, luego una segunda copia de la iteración anterior en orden inverso con las letras I y D intercambiadas. El dragón llega a rellenar completamente una parte del plano, por lo que su dimensión fractal debe ser 2. El cálculo de su dimensión se hace como en el copo de nieve de Koch, pues las construcciones de ambas curvas son similares.


title: Curva del dragón

text: En el primer paso de la construcción, se observa que a partir del segmento inicial se obtienen los otros catetos del primer triángulo mediante dos semejanzas (una es indirecta) de razón formula_10, de centros los extremos del segmento, y de ángulos formula_11 y formula_12 radianes (o sea, 45°). Denomínense formula_13 y formula_14 estas dos similitudes. Por la construcción misma, la formula_15-ésima figura obtenida en el proceso, formula_16, es la reunión de las imágenes por formula_13 y formula_14 de la figura anterior formula_19:


title: Curva del dragón

text: Tomando el límite de esta relación (cuando "n" tiende hacia +∞), y llamando formula_21 a la curva del dragón, se obtiene que:


title: Curva del dragón

text: Es decir, formula_23 es la reunión de dos copias de sí misma, a escala formula_24, como se puede ver en la figura de la derecha.


title: Curva del dragón

text: Por tanto, si se agranda "D" mediante una homotecia de razón formula_25, obtenemos dos veces "D", a la misma escala.


title: Curva del dragón

text: Si "D" es de dimensión "d", su ""volumen"" se obtiene multiplicado por formula_26 mediante esta homotecia. Aquí se concluye que formula_27, y, por lo tanto, formula_28.


title: Curva del dragón

text: El dragón gemelo (también conocido como el dragón de Davis-Knuth) se puede construir colocando dos curvas de dragón de Heighway una detrás de la otra. También es el conjunto de límites del siguiente sistema de funciones iteradas:


title: Curva del dragón

text: donde la forma inicial está definida por el siguiente conjunto formula_31.


title: Curva del dragón

text: También se puede generar como un sistema-L; solo se necesita agregar otra sección en la cadena inicial:


title: Curva del dragón

text: El terdragón se puede generar como un sistema-L:


title: Curva del dragón

text: La figura es generada por el conjunto de límites del siguiente sistema de funciones iteradas:


title: Curva del dragón

text: La curva de Lévy C a veces se conoce como el dragón de Lévy.


title: Curva del dragón

text: Es posible cambiar el ángulo de giro de 90° a otros ángulos. Cambiar a 120° produce una estructura de triángulos, mientras que si se elige un giro de 60°, una curva de dragón discreta se puede convertir en un dragón poliominó. Al igual que las curvas de dragón discretas, los poliominós de dragón se acercan a la curva de dragón fractal cuando tienden al límite.


title: Curva del dragón

text: Habiendo obtenido el conjunto de soluciones de una ecuación diferencial lineal, cualquier combinación lineal de las soluciones, debido al principio de superposición, también obedecerá a la ecuación original. Es decir, se obtienen nuevas soluciones aplicando una función al conjunto de soluciones existentes. Esto es similar a cómo un sistema de funciones iteradas produce nuevos puntos en un conjunto, aunque no todos los sistema de funciones iteradas son funciones lineales.


title: Curva del dragón

text: En una línea conceptualmente similar, se puede llegar a un conjunto de polinomios de Littlewood mediante tales aplicaciones iteradas de un conjunto de funciones.


title: Curva del dragón

text: Un polinomio de Littlewood es aquel que: formula_36 donde todo formula_37.


title: Curva del dragón

text: Para algunos formula_38 se definen las siguientes funciones:


title: Curva del dragón

text: Comenzando en z = 0 se pueden generar todos los polinomios de Littlewood de grado d usando estas funciones iterativamente formula_41 veces. Por ejemplo: formula_42


title: Curva del dragón

text: Se puede ver que para formula_43, el par de funciones anterior es equivalente a la formulación del sistema iterativo de funciones del dragón de Heighway. Es decir, el dragón de Heighway, iterado hasta una cierta iteración, describe el conjunto de todos los polinomios de Littlewood hasta cierto grado, evaluados en el punto formula_43.


title: Curva del dragón

text: De hecho, al representar un número suficientemente alto de raíces de los polinomios de Littlewood, aparecen estructuras similares a la curva del dragón en puntos cercanos a estas coordenadas.


title: Gao Xingjian

text: Gao Xingjian (; Ganzhou, provincia de Jiangxi, China, ) es un escritor en lengua china.


title: Gao Xingjian

text: Es dramaturgo y novelista, y su obra más importante es la novela "La montaña del alma". En la actualidad reside en Francia y es ciudadano francés. En 2000 obtuvo el .


title: Gao Xingjian

text: Estudió francés en la Universidad de Estudios Extranjeros de Pekín. Tras licenciarse, trabajó como traductor de francés en China.


title: Gao Xingjian

text: Su obra refleja influencias del modernismo y el teatro del absurdo. Fue contratado como guionista del Teatro Popular de las Artes de Pekín, donde en 1982 se representó su primera obra, "La señal de alarma", escrita en colaboración con Liu Huiyuan. Su segunda obra, "La estación de autobuses" se estrenó en 1983, dirigida, al igual que "La señal de alarma" por Lin Zhaohua. En la representación, esta obra seguía a una pieza corta de Lu Xun, cuyo protagonista acababa poniéndose en la cola de una parada de autobuses. Así, se enlazaban el final de la obra de Lu Xun con el comienzo de "La estación de autobuses". Esta obra, la más famosa de sus composiciones para teatro, tiene ciertas similitudes con "Esperando a Godot", con un toque de darwinismo social. En la obra se utilizan numerosas expresiones locales, con un lenguaje muy pequinés, al estilo de la famosa obra de teatro "El salón de té" de Lao She.


title: Gao Xingjian

text: La «Campaña contra la Contaminación Intelectual», emprendida por el gobierno chino a mediados de los años 1980, le causó problemas con la censura, y el estreno de su tercera obra, "El hombre salvaje" se pospuso hasta 1985. A partir de 1986 se prohibió la representación de sus obras nuevas.


title: Gao Xingjian

text: En 1987 viajó a París y se quedó viviendo allí. En Francia acabó su obra maestra, la novela "La montaña del alma" (1990).


title: Gao Xingjian

text: En 2000 se le concedió el Premio Nobel de Literatura. La noticia fue recibida con indignación por parte de las autoridades chinas, y los medios de comunicación de la China continental no informaron sobre la concesión del premio. La concesión del premio Nobel le dio fama mundial. Sus obras empezaron a traducirse al español y otros muchos idiomas a partir de ese momento.


title: Gao Xingjian

text: A continuación se listan algunas de sus obras más representativas.


title: Lastras de Cuéllar

text: Lastras de Cuéllar es un municipio situado en el norte de la provincia de Segovia, y está situado a medio camino de los principales centros económicos de la misma: Cantalejo, Cuéllar y Segovia; además, dentro de su término se localizan los despoblados de San Esteban, La Serreta y Santa María de Sacedón.


title: Lastras de Cuéllar

text: Atraviesa su término el río Cega creando a lo largo de sus riberas un paraje de alisos, abedules, vergueras y pinos albares. Posee un conjunto lacustre de especial interés formado por las lagunas del Carrizal y la Tenca.


title: Lastras de Cuéllar

text: El escudo heráldico que representa al municipio se blasona de la siguiente manera:


title: Lastras de Cuéllar

text: Tiene su origen a partir del siglo XII, al igual que el resto de núcleos poblados pertenecientes a la Comunidad de Villa y Tierra de Cuéllar surgidos tras la repoblación de Cuéllar, y fue denominado hasta el siglo XIX únicamente como La Lastra, pasando después a adoptar su actual denominación.


title: Lastras de Cuéllar

text: A mediados del siglo XIX, Pascual Madoz en su diccionario dijo que disponía de ayuntamiento, constaba de unas 150 casas distribuidas en varias calles y articuladas respecto a una plaza. Además, poseía una escuela, dos ermitas y una iglesia parroquial. Su población era de 135 vecinos, que producían cereales y legumbres, además de ganado vacuno, lanar y caballar.


title: Lastras de Cuéllar

text: La localidad de "Lastras de Cuéllar" se encuentra situada en la zona central de la península ibérica, en el extremo norte de la provincia de Segovia, tiene una superficie de 65,42 km², y sus coordenadas son .


title: Lastras de Cuéllar

text: El clima de "Lastras de Cuéllar" es mediterráneo continentalizado, como consecuencia de la elevada altitud y su alejamiento de la costa, sus principales características son: En la clasificación climática de Köppen se corresponde con un clima "Csb" ("oceánico mediterráneo"), una transición entre el "Csa" ("mediterráneo") y el "Cfb" ("oceánico") producto de la altitud. A diferencia del "mediterráneo" presenta un verano más suave, pero al contrario que en el "oceánico" hay una estación seca en los meses más cálidos.


title: Lastras de Cuéllar

text: La localidad de "Lastas de Cuéllar" tiene una población de 410 habitantes (INE 2014), muy lejos de los 1.456 que llegó a alcanzar a mediados del siglo XX.Debido al éxodo rural, muchos de sus habitantes emigraron a otras regiones de España, siendo estas preferentemente Cataluña, País Vasco y las ciudades de Madrid y Valladolid.


title: Lastras de Cuéllar

text: En el centro del municipio se localiza la iglesia de Santa María Magdalena, edificio de una sola nave con yeserías barrocas, del mismo estilo que su retablo mayor. Además, retiradas del núcleo urbano se localizan dos ermitas, la del Humilladero y la de Nuestra Señora de Sacedón, esta última perteneciente al despoblado de su nombre, y que alberga en su interior un retablo renacentista del conocido "maestro de Sacedón", que debe su nombre a esta obra.


title: Lastras de Cuéllar

text: Cerca del pueblo se localiza La Serreta, un bosque dedicado a la caza durante siglos, donde Beltrán de la Cueva primer duque de Alburquerque construyó un palacio en el siglo XV que todavía se conserva; en la actualidad sigue existiendo actividad en la finca, frecuentada por el rey Juan Carlos I y considerada una de las fincas de caza más antiguas de España. Cercana al palacio, se conserva otra pequeña ermita, que perteneció en su tiempo al despoblado de su nombre.


title: Lastras de Cuéllar

text: Sus fiestas mayores son el día 8 de septiembre en honor de la Natividad de Nuestra Señora. Celebra también otras fiestas menores:  El lunes de la Pascua de Pentecostés, 50 días después de la Semana Santa, se celebra la Romería de la Virgen de Sacedón. Cada año se nombran 2 parejas de mayordomos que son los encargados de cuidar la ermita durante todo el año y de organizar la romería. La Virgen sobre su carroza de ruedas empujada por los mayordomos y vestida con sus mejores galas sale de la iglesia de la Magdalena donde la han llevado una semana antes los mayordomos y todos los vecinos del pueblo que han querido acompañarles y donde llevan rezándola novenas cada día por la tarde; entre campanadas y a la puerta de la iglesia, presencia el primero de los paloteos que los danzantes ataviados con los trajes tradicionales bailan al son de las dulzainas; antiguamente sólo danzaban hombres, ya que a las mujeres ni siquiera se las permitía bailar una jota delante de la Virgen, pero hoy en día el grupo de paloteos está formado por hombres y mujeres que danzan juntos y dan más vistosidad a la fiesta. Así comienza una larga procesión en la que la Virgen avanza lentamente detenida por la gente que baila jotas delante de ella y por los paloteos que se van bailando hasta llegar a la puerta de la ermita situada a 1km del pueblo donde se baila la última danza, la contradanza, y donde los danzantes forman un arco por el que pasa la Virgen para entrar a su ermita donde esperará hasta el próximo año que vuelvan a buscarla.


title: Lastras de Cuéllar

text: En el campo artesano ha destacado a lo largo de su historia la actividad alfarera.


title: Lastras de Cuéllar

text: El origen de su nombre no conocemos exactamente en qué contexto aparece, y no tenemos fuentes directas que hablen de cuando fue realizada dicha talla, sabemos que el despoblado de Salcedón (que veneraba esta imagen y se estableció en torno a su ermita) aparece mencionado en el fuero de Sepúlveda (un texto realizado en 1076 por Alfonso VI de León y ratificado en 1305 por el rey Fernando IV de Castilla)


title: Lastras de Cuéllar

text: Podría derivar del vocablo latino salictum. Esta hipótesis de defiende sobre dos pilares; por un lado, la propia palabra mediante las leyes de evolución fonética del latín pudo derivar desde este término culto hasta el término coloquial Salcedón que conocemos hoy:


title: Lastras de Cuéllar

text: Salictum> término latino Salictun > la “m” final cae y cambia a “n” Salicton> la “u” final cierra en “o” Salciton> la vocal “i” tónica breve cambia de posición y se une el grupo consonántico “lc” Salceton> la vocal “i” tónica breve pasa a “e” Salcedon> la oclusiva sorda “t” tiende a convertirse en “d”


title: Lastras de Cuéllar

text: Por otro lado, dentro de un análisis más propio de las ciencias sociales, el vocablo latino al que nos referimos significa “sacedal”, “lugar de sauces” e incluso un “lugar húmedo”. Esta descripción teóricamente vendría a denominar el lugar en que la imagen de la virgen se apareció, lo cual coincide con la descripción real del lugar donde se levanta la ermita, puesto que próximo a la misma existe un gran prado con algunas charcas, álamos blancos (chopos) y arroyos; una zona que en el momento en que se levantó la ermita y apareció la imagen pudo denominarse con este término.


title: Lastras de Cuéllar

text: La leyenda de la Virgen de Salcedón cuenta que mientras unos pastores andaban en el campo se les apareció la imagen de la virgen. Esta, se sentó en una roca y se convirtió en la talla que conocemos hoy. Más tarde, los vecinos se la intentaron llevar al cercano pueblo de Aguilafuente para lo cual se cargó la imagen sobre un carro tirado por bueyes, sin embargo, los bueyes no pudieron tirar del carro, se quedaban atascados, se les hundían las patas a los animales y las ruedas del carro. Este hecho fue interpretado como un mensaje de la virgen, que no quería que la trasladasen del lugar donde se había aparecido por lo que la imagen se quedó en ese lugar, sobre el cual se construyó una ermita, la que es en la actualidad la ermita de Nuestra Señora de Salcedón.


title: Lastras de Cuéllar

text: Se trata de una talla de bulto redondo, difícil de datar (en torno al s. XII). Está realizada en madera policromada y se conserva en la ermita de Nuestra Señora de Salcedón, ermita a la que presta su nombre.


title: Lastras de Cuéllar

text: La imagen representa a la Virgen con el niño, este tipo de representaciones son muy comunes en la Edad Media y aunque al principio pretenden relegar la imagen de María como madre de Jesús (al que representan con rasgos adultos) con el tiempo le van a ir concediendo una mayor importancia a la Virgen.


title: Lastras de Cuéllar

text: En este caso, la virgen aparece sentada en un trono vestida con un traje dorado y un manto azul que sale desde su cabeza y cae cubriendo la parte derecha de su cuerpo hasta llegar a la parte frontal, creando una serie de pliegues sobre las rodillas que hacen un cierto contraste con la luz y aportan dinamismo a la imagen, contrastando con las líneas regulares y rectas del resto de la talla.


title: Lastras de Cuéllar

text: Asimismo, la Virgen tiene en la mano izquierda una flor. Normalmente las esculturas de estos siglos se suelen representar con una serie de objetos muy característicos y simbólicos. En este caso, las primeras vírgenes suelen llevar en su mano una manzana que con el tiempo pasa a ser una flor, ambas representaciones aparte de ser decorativas están cargadas de un fuerte simbolismo y aluden al Paraíso.


title: Lastras de Cuéllar

text: El niño aparece sobre la rodilla izquierda de su madre, de pie y con el rostro girado, mirándola. Tiene rasgos infantiles, aunque se trata de un niño pequeño sin llegar a ser un bebé. El hecho de que no sea representado como un niño muy pequeño se hace para remarcar la importancia de Jesús, incluso en este caso en que se le representa como a un niño, como hombre. En su mano izquierda lleva una bola del mundo mientas que la derecha aparece levantada en aptitud de bendecir, una forma muy común en las tallas de esta época. Viste un traje dorado similar al de la virgen, para no crear un contraste entre la imagen de la virgen y el niño. Este hecho de que los colores de sus ropajes sean similares podría relacionarse con un intento del autor de la talla por establecer una conexión entre la virgen y el niño, algo que se remarca también en la mirada entre la madre y su hijo o cómo el brazo de la virgen rodea el cuerpo del niño. Durante la edad Media las tallas de las vírgenes pasarán desde una imagen de María como mero trono en los que se sienta cristo, hasta concederle cada vez una mayor importancia a la virgen, que rodea con la mano o que establece una conexión con su hijo.


title: Lastras de Cuéllar

text: Por otra parte, las proporciones son tibiamente seguidas, de este modo nos encontramos con unas mano y cabeza, en el caso de la virgen, de un tamaño mayor. Este hecho no hay que relacionarlo con una falta de técnica del autor, sino que intenta realzar partes del cuerpo sobre las demás huyendo del realismo que caracterizará épocas estilísticas anteriores (arte Clásico) y posteriores (Renacimiento), aportando una importancia simbólica a las mismas. Las líneas más características son las verticales, que predominan en la talla (el brazo y mano de la virgen, el propio cuerpo del niño, las piernas de la virgen e incluso se vislumbran en los pliegues del vestido); no obstante, también tiene una marcada importancia la línea que se realiza entre la madre y el niño. Una línea inclinada que se genera con la mirada del niño hacia la madre y que se realza con la posición del brazo de Jesús.


title: Lastras de Cuéllar

text: En lo que se refiere al análisis del color, las dos figuras utilizan colores realistas en sus rasgos físicos (colores marrones para el pelo, carne rosada…) aunque cabe destacar los colores de sus vestidos puesto que utilizan para ellos el dorado y el azul. Esta elección de colores para los ropajes y manto de la virgen son muy comunes en la Edad Media y, sobre todo, en el Renacimiento. En ambos casos se trata de colores con una gran carga simbólica, el primero está relacionado con la riqueza por su relación cromática con el oro. En el segundo caso, el azul era un color difícil de conseguir, que a menudo se obtenía con minerales procedentes de Asia Menor por lo que era un tono muy caro y exclusivo que solo se podía emplear en superficies y tallas muy especiales, como en este caso, para el manto de la Virgen. Además, cabe destacar que los colores dorado-naranja y azul son opuestos, se realzan más si se ponen juntos, esto, unido al hecho de que con la pintura se consigan detalles (como el remate que se hace en dorado en el manto de la virgen) nos empujan a pensar que el autor de la talla conocía las artes plásticas, que el tratamiento de la pintura de la talla no fue casual.


title: Lastras de Cuéllar

text: Debido a las características anteriormente citadas, esta escultura es difícil de inscribir en un estilo artístico concreto puesto que mezcla características románicas (como son la frontalidad de la composición, la talla en madera, las proporciones y el simbolismo o el propio tema de la composición); junto con otras que son propias del gótico (la simetría de la composición se rompe al estar la imagen del niño sobre la rodilla izquierda, se huye de la representación de María como trono al rodear el cuerpo de su hijo con el brazo así como el niño se representa mirando a su madre)


title: Lastras de Cuéllar

text: En la actualidad, la imagen suele ser vestida con mantos de diferentes colores, bordados, que se posan sobre su cabeza, coronas de metales preciosos y vestidos; fruto de las diferentes donaciones que los fieles han hecho durante años a esta imagen.


title: Juan Carlos Onetti

text: Juan Carlos Onetti Borges (Montevideo, 1 de julio de 1909-Madrid, 30 de mayo de 1994) fue un escritor uruguayo, autor de novelas, cuentos y artículos periodísticos, considerado uno de los narradores más importantes de su país y de la literatura hispanoamericana. Precursor de la novela moderna y la literatura existencialista, obtuvo el prestigioso Premio Miguel de Cervantes en 1980 y el Gran Premio Nacional de Literatura de Uruguay en 1985.


title: Juan Carlos Onetti

text: La escritora uruguaya Cristina Peri Rossi considera que Onetti es «uno de los pocos existencialistas en lengua castellana». Mario Vargas Llosa, quien publicó un ensayo sobre Onetti, dijo en una entrevista a la agencia AFP que Onetti «es uno de los grandes escritores modernos, y no sólo de América Latina». «No ha obtenido el reconocimiento que merece como uno de los autores más originales y personales, que introdujo sobre todo la modernidad en el mundo de la literatura narrativa». «Su mundo es un mundo más bien pesimista, cargado de negatividad; eso hace que no llegue a un público muy vasto».


title: Juan Carlos Onetti

text: Juan Carlos Onetti Borges nació en Montevideo, Uruguay, el 1 de julio de 1909 a las 6:00. Hijo de Carlos Onetti —un funcionario de aduanas— y de Honoria Borges —descendiente de una familia aristocrática brasileña de Río Grande do Sul—. Tuvo dos hermanos: uno mayor que él, Raúl, y una hermana menor, Raquel. Onetti recordó su infancia como una época feliz, describiendo a sus padres como una pareja muy unida y amorosa con sus hijos. El apellido original de su familia era O'Nety —de origen irlandés o escocés—; el propio escritor comentó acerca de esto tiempo después: «El primero que vino acá, o sea mi tatarabuelo, ese hombre era inglés nacido en Gibraltar. Fue mi abuelo el que italianizó el nombre».


title: Juan Carlos Onetti

text: En 1930, con apenas veintiún años, se casó con su prima María Amalia Onetti. En marzo de ese mismo año la pareja viajó a la ciudad de Buenos Aires, su nueva residencia. El 16 de junio de 1931 nació su primer hijo: Jorge Onetti Onetti. En 1933 apareció su primer cuento publicado: «Avenida de Mayo-Diagonal-Avenida de Mayo», en "La Prensa", después de ganar un concurso convocado por el diario. Poco después se divorció de su mujer y un año más tarde, de regreso en Montevideo, volvió a contraer matrimonio, esta vez con María Julia Onetti, la hermana de María Amalia. Por esa época escribió la novela "Tiempo de abrazar", la cual publicaría décadas después, en 1974.


title: Juan Carlos Onetti

text: Continuó ejerciendo diferentes oficios y escribiendo cuentos y artículos los cuales fueron publicados en diversos medios de Buenos Aires y Montevideo hasta 1939, año en donde publicó su primera novela, "El pozo" —considerada como la primera en abrir la novela de creación o nueva novela en América Latina— y fue nombrado secretario de redacción del semanario "Marcha —"para el que escribió columnas bajo los seudónimos «Grucho Marx» y «Periquito el Aguador»—. Por ese entonces se separó de su segunda esposa. También por aquella época desarrolló interés por las artes plásticas —como se refleja en su correspondencia con su amigo Julio E. Payró y en su relación estrecha con Joaquín Torres García—. Desempeñó el cargo de secretario de redacción hasta 1941, cuando abandonó el semanario por diferencias con Carlos Quijano y comenzó a trabajar en la agencia de noticias Reuters. Ese año obtuvo el segundo lugar, con su novela "Tierra de nadie", en un concurso convocado por la editorial Losada. El jurado estuvo compuesto por Guillermo de Torre, Norah Lange y Jorge Luis Borges. Se otorgó el primer lugar a la novela "Es difícil empezar a vivir," de Bernardo Verbitsky. Poco tiempo después, Onetti fue enviado como corresponsal a Buenos Aires, donde permaneció hasta 1955.


title: Juan Carlos Onetti

text: Trabajó como secretario de redacción de las revistas "Vea y Lea" e "Ímpetu". En 1943 publicó "Para esta noche". En 1945 se casó con una compañera de trabajo en Reuters: la neerlandesa Elizabeth María Pekelharing. El 26 de julio de 1949 nació su primera hija: Isabel «Litti» María Onetti.


title: Juan Carlos Onetti

text: En 1950 publicó "La vida breve", una novela central en su obra. A pesar de que en sus primeras ediciones la novela no tuvo mucho éxito, no tardó en ser reconocida como una de las novelas más innovadoras de su tiempo, y aún hoy en día es considerada una de las obras más importantes de la lengua española. Poco después publicó la novela corta "Los adioses." A fines de 1955 regresó a Montevideo y comenzó a trabajar en el diario "Acción", y contrajo matrimonio por cuarta vez, esta vez con la joven argentina de ascendencia alemana Dorothea «Dolly» Muhr, a quien había conocido en 1945 y quien se convertiría en su compañera definitiva. En 1959 publicó la novela corta "Para una tumba sin nombre", y en 1961 "El astillero", otra de sus novelas más celebradas. En 1964 publicó "Juntacadáveres", novela la cual fue finalista del Premio Rómulo Gallegos en 1967, pero perdió ante "La casa verde" de Mario Vargas Llosa.


title: Juan Carlos Onetti

text: En 1967, Onetti grabó un disco para la serie "Voz Viva" de América Latina, la cual contiene la lectura de fragmentos de la obra del autor en su propia voz. En ese mismo año apareció en Buenos Aires la primera edición de sus "Cuentos completos" por el Centro Editor de América Latina, y en 1970 se publicó en México una primera edición de sus "Obras completas" —si bien se omitieron algunos relatos de su juventud—. En 1973 publicó la novela corta "La muerte y la niña". En 1974 publicó una segunda edición de sus "Cuentos completos" y la novela corta "Tiempo de abrazar", junto con todos sus cuentos escritos y publicados entre 1933 y 1950, además de ser jurado del Premio Anual de Narrativa organizado por "Marcha", el cual se otorgó a Nelson Marra por su cuento «El guardaespaldas». Debido a que tanto el relato como su autor fueron censurados por el dictador uruguayo Juan María Bordaberry, Onetti fue detenido y encerrado en un hospital psiquiátrico, de donde logró salir al cabo de tres meses gracias a la intervención del poeta español Félix Grande —entonces director de "Cuadernos Hispanoamericanos", quien recogió firmas para lograr la liberación del escritor uruguayo, y la del diplomático español Juan Ignacio Tena Ybarra (director del Instituto de Cultura Hispánica)—. Después de otra breve estadía en Buenos Aires, fue invitado nuevamente a Madrid por el Instituto Internacional de Literatura Iberoamericana para participar en un congreso sobre el barroco. Onetti decidió entonces instalarse definitivamente en la capital española, donde residió durante casi veinte años.


title: Juan Carlos Onetti

text: Los años de Onetti en España se caracterizaron por una menor producción literaria pero de muchos premios y participaciones en congresos —participaciones que muchas veces se vieron afectadas por la timidez de Onetti, quien llegó a permanecer encerrado en una habitación de hotel durante la celebración del Primer Congreso Internacional de Escritores de Lengua Española en la ciudad de Las Palmas, en Gran Canaria (evento del cual había sido designado presidente, negándose entonces a participar en ninguna de las actividades previstas)—.


title: Juan Carlos Onetti

text: En 1979 publicó "Dejemos hablar al viento" —novela con la que concluyó la «Saga de Santa María» (trilogía conformada por "La vida breve", "El astillero" y "Juntacadaveres"), y que está dedicada a su amigo Juan Ignacio Tena Ybarra, en agradecimiento a las gestiones que emprendió para permitir su liberación—. Además de esta novela, continuó escribiendo artículos, muchas veces tratando la problemática de los exiliados latinoamericanos. En 1981 fue anunciado como el ganador del Premio Cervantes de 1980, recibiendo así el galardón más importante de su carrera, el mismo año que fue propuesto por el Pen Club Español como candidato al Premio Nobel de Literatura —el cual no recibió—. Cuando en 1985 la democracia regresó a Uruguay, el presidente electo, Julio María Sanguinetti, lo invitó a la ceremonia de instalación del nuevo Gobierno; el escritor agradeció la invitación pero decidió declinar la oferta y permanecer en Madrid.


title: Juan Carlos Onetti

text: En 1987 publicó "Cuando entonces", su primera novela después de ocho años. En ese tiempo, Onetti llevaba una vida cada vez más ermitaña: pasó sus últimos doce años encerrado en su departamento sobre la avenida América, donde recibía la visita de lectores y periodistas. Prácticamente no salía de su cama, en la que se la pasaba leyendo, fumando y tomando whisky. En 1993 publicó su último libro, la novela "Cuando ya no importe."


title: Juan Carlos Onetti

text: Falleció el 30 de mayo de 1994 a los 84 años de edad, en una clínica madrileña a causa de problemas hepáticos. Siguiendo su última voluntad, sus restos fueron cremados en el Cementerio de La Almudena (Madrid). Tras su muerte, en Uruguay, la Intendencia de Montevideo rebautizó al Concurso Literario Municipal como Concurso Literario Juan Carlos Onetti.


title: Juan Carlos Onetti

text: La obra literaria de Onetti fue influida por dos raíces distintas. La primera de ellas fue la admiración del escritor por la obra de William Faulkner. Como él, Onetti creó un mundo ficcional autónomo —cuyo centro es la inexistente ciudad de «Santa María». La segunda de esas raíces fue su admiración por el existencialismo y la literatura francesa de Louis Ferdinand Céline, Albert Camus, Jean Paul Sartre, entre otros.


title: Juan Carlos Onetti

text: El crítico Emir Rodríguez Monegal fue el primero en llamar la atención y analizar la obra de Onetti.Ficción


title: Juan Carlos Onetti

text: Documentales


title: Tuxedomoon

text: Tuxedomoon es una banda estadounidense de rock y de música de vanguardia, de estilo inclasificable, capaces de instrumentar temas "new wave", "jazz fusión" o puramente experimentales, utilizando instrumentos tradicionales y sintetizadores. Creado en San Francisco, Estados Unidos, en 1977 por dos estudiantes de música electrónica, Blaine Reininger y Steven Brown. Otros músicos importantes que participaron en algún momento en la formación son Peter Principle y Winston Tong. Durante parte de su historia han vivido en Bélgica.


title: Tuxedomoon

text: En 1980 publican su primer LP, "Half Mute". En 1982, el coreógrafo Maurice Béjart les encarga la música para el ballet "Divine", tributo a Greta Garbo. En 1983 Reininger deja el grupo para seguir su carrera en solitario. En 1985 publican "Holy Wars", que se convierte en su mayor éxito comercial. Wim Wenders utiliza el tema "Some Guys" en las escenas iniciales de su película El cielo sobre Berlín.


title: Tuxedomoon

text: Su último disco de estudio fue "You", publicado en 1987.


title: Tuxedomoon

text: Han sido teloneros de Devo, Cabaret Voltaire, Pere Ubu y The Residents y actualmente Tuxedomoon, a pesar de nunca haber obtenido popularidad, es considerado en la actualidad como un grupo de culto.


title: Feudo

text: Feudo ("feodum" o "feudum" en latín medieval, con distintos nombres locales en lenguas vulgares, como "fief" —en francés medieval—, "Lehn", "Lehen" o "leen" —en las lenguas germánicas—) es el término con el que en el feudalismo se asignaba a la tierra que el señor otorga al vasallo en el contrato de vasallaje, como parte del "beneficium" (‘beneficio’) que el señor debe al siervo por el cumplimiento de sus obligaciones de "auxilium et consilium" (‘auxilio’ —apoyo militar—, y ‘consejo’ —apoyo político—). Las relaciones económicas y de producción que se establecían en el feudo se daban entre ese "vasallo", ahora en funciones de "señor", y los campesinos de su jurisdicción según su distinta situación: siervos (el de mayor sujeción, habitualmente sometidos a prestaciones obligatorias de trabajo) o campesinos libres.


title: Feudo

text: En el feudo se encontraban establecimientos por una utilización, el señor cobraba contra prestaciones en metálico o en especie. Entre estos establecimientos se hallaban la panadería, la herrería, la taberna y el molino. También podían devengarse por la explotación de un bosque, el uso de un río, y eventualmente su vadeo a través de un puente, cuya utilización devengaba el "peaje" o pontazgo. Todas estas rentas constituían el monopolio del señor y se complementaban además con las que obtenía de su propio campo de cultivo o dominio, en el que trabajaban los siervos. También la Iglesia tenía su propio impuesto llamado diezmo, consistente en el cobro del 10% de la cosecha. El Rey era el que mandaba y organizaba todo.


title: Feudo

text: En Castilla, puede considerarse como equivalente al señorío. No obstante, hay un debate historiográfico sobre las diferencias entre el régimen señorial en Castilla y el modelo europeo, ligado a la descomposición del Imperio carolingio.


title: Feudo

text: En la Corona de Aragón el término feudo era tan común como el de "señorío". A diferencia de los modelos de Castilla, en Aragón convive, junto al feudo tradicional, el llamado feudo honrado u honorato, que se diferencia del resto en que no se produce contraprestación económica alguna, ya que la concesión feudal es "absque tamen aliquius prestacione servicii" o "nulli servitio obnoxium", y se recibe bajo la fórmula de juramento, fidelidad y homenaje.


title: Feudo

text: Aunque en origen el señor (por ejemplo, el rey) retenía la capacidad de retirar el feudo a su vasallo (por ejemplo, un conde), el feudo en la práctica se fue haciendo vitalicio y hereditario, pasando a convertirse en el patrimonio de una familia noble. No conviene utilizar el término propiedad para esta relación, más propiamente vinculación. Los derechos plenos de propiedad no son propios de la Edad Media (ni siquiera del Antiguo Régimen), sino del derecho romano o del Estado Liberal. El señor que lo da, y su vasallo noble que lo recibe, comparten de alguna manera algún tipo de derecho de dominio sobre el feudo (que podría llegar hasta la teórica reversión al señor en caso de felonía o incumplimiento de la fidelidad debida, o de la liberación de toda obligación para el vasallo en felonía por parte del señor), del mismo modo que el señor y su siervo campesino también comparten el dominio sobre la tierra (dominio útil y dominio eminente).


title: Feudo

text: La manera de explotar económicamente el feudo, en su manera "clásica", en los siglos de la Alta Edad Media, en que no había casi circulación monetaria y muy escasa comercialización de los excedentes, consistía en repartir la tierra en dos porciones: la reserva señorial y el manso. Cada manso era entregado a un campesino, que se encomendaba ("commendatio") al señor (bien libremente o bien forzosamente), pasando a convertirse en su siervo. En latín "servus" ("ancilla") podría traducirse por esclavo, pero en realidad en la época feudal la utilización de mano de obra esclava en la agricultura no era dominante. La condición jurídica del siervo tampoco era de libertad, puesto que estaba ligado a la tierra que trabajaba. Eso sí, disponía del producto de su manso, que cultivaba a su criterio y del que obtenía lo necesario para su subsistencia (en términos del materialismo histórico, la reproducción de su fuerza de trabajo). Los días que fijara la costumbre (corvea en Francia, serna en Castilla) debía trabajar obligatoriamente en la reserva señorial. Ese trabajo excedente es la forma de obtener el excedente por parte del señor, que se beneficiará del producto de esa reserva (apropiación del excedente por coerción extraeconómica, en esos mismos términos, que define el modo de producción feudal).


title: Feudo

text: La activación de la economía a lo largo de los siglos, sobre todo después del año 1000, que permite que haya circulación monetaria y el surgimiento de mercados, comarcales, urbanos y luego a larga distancia, harán que el modelo se altere, y se conviertan los pagos en trabajo en pagos en especie (fijos o porcentajes, como en la aparcería) o en dinero (renta feudal). Para el señor también eran multitud de derechos feudales que garantizaban que todo tipo de excedente le sea entregado (portazgos, peajes, derecho de molino, de taberna, de tienda, de explotación de bosques, caza y ríos...) incluyendo los pagos más polémicos ("ius primae noctis" o derecho de pernada, habitualmente redimible con un pago). La apropiación de impuestos teóricamente del rey (como la alcabala en Castilla) era también muy común de los señores, en la Baja Edad Media.


title: Gray

text: Gray puede referirse a las siguientes personalidades:Asimismo, puede hacer referencia a los siguientes autores de nombre científicos:


title: Gray

text: También, puede referirse a los siguientes lugares o divisiones administrativas:


title: Gray

text: Además, puede hacer referencia a:


title: David Lynch

text: David Keith Lynch (Missoula, Montana; 20 de enero de 1946) es un director de cine, guionista, actor y productor de música electrónica estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la publicidad, la fotografía, e incluso el diseño de mobiliario.


title: David Lynch

text: Reconocido admirador de Stanley Kubrick, Jacques Tati, Ingmar Bergman y Werner Herzog, su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado, escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Estos rasgos están presentes desde su primer largometraje, "Eraserhead" (1977). Su segunda película, "El hombre elefante" (1980), fue un gran éxito crítico y comercial, que recibió ocho nominaciones a los Premios Óscar. Su tercer filme, "Dune" (1984), no contó con el respaldo de la crítica y supuso un fracaso comercial. Seguidamente dirigió "Blue Velvet" (1986), con la que volvió a recibir la aclamación crítica y una nueva nominación al Óscar en la categoría de mejor director.


title: David Lynch

text: Posteriormente se unió a Mark Frost para crear la serie de televisión "Twin Peaks" (1990–1991; 2017), que gozó de gran popularidad y apoyo unánime por parte de la crítica, y fue considerada una serie de culto. Con "Corazón salvaje" (1990) recibió la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes. Su siguiente largometraje fue "" (1992), una precuela de la serie. Regresó con "Lost Highway" (1997), un thriller psicológico que, aunque recibió críticas mixtas, en la actualidad es considerada una película de culto. Posteriormente, dirigió el que se considera su filme más accesible, "The Straight Story" (1999), que contó con gran aclamación de la crítica. Ya en el siglo XXI, realizó "Mulholland Drive" (2001), un nuevo thriller psicológico de estructura no lineal por el que recibió el y su tercera nominación al Óscar como mejor director. Su décimo y último largometraje, que le ocupó varios años de rodaje usando exclusivamente técnicas digitales, ha sido "Inland Empire" (2006). En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son solo accesibles a través de su sitio web.


title: David Lynch

text: Un elemento recurrente en su cine es describir los entresijos de pequeñas comunidades de Estados Unidos, como es el caso de "Blue Velvet" o "Twin Peaks", sintiendo también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en "Lost Highway", "Mulholland Drive" e "Inland Empire". El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director y creador, entre otras, de la reconocida banda sonora de la serie "Twin Peaks", o de la de "The Straight Story" y "Mulholland Drive", ambas nominadas al . Lynch ha conseguido destacarse según la crítica como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y un referente ineludible en el cine contemporáneo.


title: David Lynch

text: Lynch podría considerarse el arquetipo del muchacho estadounidense de clase media. Según Thierry Jousse, redactor de la revista "Cahiers du cinéma" y autor de un libro sobre Lynch, «cuando habla de su infancia Lynch la describe invariablemente como una etapa idílica, una especie de permanente sueño despierto, cuyo único aspecto problemático fue, sin duda, una forzada vida nómada». Su padre, Donald, fue un científico adscrito al Ministerio de Agricultura norteamericano, y su madre Sunny era profesora de lengua. David nació con un pie deforme, zambo o equinovaro. La familia vivió en distintos lugares, entre el noroeste del país y Carolina del Norte. Lynch fue boy scout y a los 15 años participó como acomodador en la toma de posesión del presidente John F. Kennedy.


title: David Lynch

text: Pronto experimentó impulsos artísticos y asistió al "Corcoran School of Art" en Washington, D.C. mientras terminaba sus estudios secundarios en Alexandria, Virginia. Después se apuntó al "School of the Museum of Fine Arts" de Boston durante un año, antes de partir rumbo a Europa en compañía de su amigo y colega artístico Jack Fisk. Sus planes eran estudiar con el pintor del expresionismo austríaco Oskar Kokoschka (quien resultaría uno de sus principales referentes artísticos) durante tres años. Sin embargo, Lynch regresó a los Estados Unidos al cabo de solo 15 días.


title: David Lynch

text: En 1966, Lynch se instala en la ciudad Filadelfia, Pensilvania, y asiste al "Pennsylvania Academy of Fine Arts" (PAFA). Allí se dedicó en principio a la confección de complejos mosaicos a base de figuras geométricas, a los que él llamó "Industrial Symphonies". Por aquel tiempo, tuvo sus primeros devaneos cinematográficos. Su primer corto recibió el título de "Six Men Getting Sick" ("Seis hombres enfermos") (1966). Él lo describió como "57 segundos de desarrollo y pasión, y tres segundos de vómito". Con esta pieza ganó el certamen anual de la Academia. Este pequeño éxito le permitió abordar su segundo cortometraje: "The Alphabet".


title: David Lynch

text: A partir de 1970, Lynch se centró exclusivamente en el arte cinematográfico. Consiguió un premio de 5000 dólares del "American Film Institute" por "The Grandmother", ("La abuela"), que trata sobre un pobre chico de la calle que se las ingenia para conseguir una abuela a partir de una semilla. Esta película de 30 minutos de duración muestra ya muchos de los patrones característicos en su cine de madurez, incluyendo un sonido perturbador y envolvente y una potente imaginería enfocada a los deseos y al inconsciente reprimido, todo ello lejos de los métodos tradicionales de narrar.


title: David Lynch

text: En 1971, Lynch se trasladó a Los Ángeles para asistir a las clases del American Film Institute Conservatory. Fue allí donde empezó a trabajar en su primer largometraje, "Eraserhead", aprovechando una ayuda de 10000 dólares concedida por dicha institución. Este dinero no alcanzó para terminar la película, y por este motivo no se remataría hasta el año 1977. Lynch tuvo que pedir dinero a amigos y familiares, incluyendo a su amigo de la infancia Jack Fisk, diseñador de producción y marido de la actriz Sissy Spacek, e incluso se dedicó a vender periódicos para financiarla.


title: David Lynch

text: "Eraserhead" es una película enigmática y sombría, llena de guiños surrealistas y elementos desasosegantes. Por tal motivo fue rodada apropiadamente en blanco y negro. Cuenta la historia de un joven tranquilo (papel que interpreta Jack Nance) que vive en una especie de área industrial y cuya novia da a luz a una rara bestezuela que no para de gemir. Lynch se refiere a la película como “mi historia de Filadelfia”, aludiendo al hecho de que refleja muy bien todas las crudas experiencias que vivió en esa ciudad en su etapa de estudiante, experiencias que le marcaron profundamente.


title: David Lynch

text: Sobre la película, la crítica ha afirmado que sugiere o intenta sugerir los miedos y ansiedades del propio cineasta acerca de la paternidad, personificados en el grotesco aspecto del bebé, que se ha convertido en uno de los íconos del cine fantástico de todas las épocas. El director ha rehuido en más de una ocasión explicar cómo fue elaborada la criatura, pero la leyenda cuenta que fue construida a partir de un feto de vaca embalsamado.


title: David Lynch

text: Debido a sus extravagantes contenidos, al principio se pensó que "Eraserhead" no podría ser exhibida comercialmente. Sin embargo, gracias al esfuerzo del distribuidor Ben Barenholtz, se convirtió pronto en un clásico, típico en salas especializadas en proyecciones de medianoche, fuera de las grandes audiencias. La crítica más avanzada la alabó inmediatamente como obra maestra, lo que colocó al director a la cabeza de la vanguardia cinematográfica. El gran director Stanley Kubrick afirmó con admiración que era una de sus películas favoritas de toda la historia del cine. El éxito provocó que el equipo de actores y técnicos (entre ellos, el cámara Frederick Elmes, el técnico de sonido Alan Splet, y el actor Jack Nance) siguieran trabajando con Lynch en años posteriores.


title: David Lynch

text: "Eraserhead" atrajo la atención del productor Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir la película de 1980 "The Elephant Man" ("El hombre elefante"). Escrita por Chris de Vore y Eric Bergren, se trata de un biopic inspirado en la figura de Joseph Merrick, un hombre de clase baja con tremendas malformaciones físicas. El film fue protagonizado por John Hurt como John Merrick (su nombre real fue cambiado) y Anthony Hopkins como Frederick Treves. El rodaje tuvo lugar en Londres, y Lynch le dio su propio enfoque surrealista a la película, y la filmó del mismo modo que la anterior, en blanco y negro. No obstante, ha sido descrita como "una de las más convencionales" de sus películas. "El hombre elefante" fue un gran éxito comercial y obtuvo ocho nominaciones a los Óscar, incluyendo la de mejor director y mejor guion adaptado para Lynch. De este modo, quedó probada la viabilidad comercial de sus propuestas.


title: David Lynch

text: Posteriormente, el cineasta aceptó dirigir una superproducción que adaptaba la novela de ciencia ficción "Dune", del escritor Frank Herbert, para el productor italiano Dino De Laurentiis, con la condición de que la productora se comprometiera a financiar un segundo proyecto sobre el cual Lynch mantendría control creativo total. Aunque el productor esperaba que "Dune" (1984) supondría algo así como una nueva "Guerra de las galaxias", la película resultó un gran fiasco comercial, y, además, fue vapuleada por la crítica. Se calculó que ingresarían 45 millones de dólares de los que, al final, quedaron solo 27,4. Para compensar pérdidas, el estudio elaboró una versión alargada para la televisión que desvirtuaba el montaje del director y que Lynch desautorizó inmediatamente.


title: David Lynch

text: La segunda película de Lynch producida por De Laurentiis fue "Blue Velvet" ("Terciopelo azul", 1986), la historia de un joven universitario (representado por el actor que protagonizara "Dune", Kyle MacLachlan) que descubre el lado oscuro de una pequeña ciudad, al investigar la procedencia de una oreja cortada que había encontrado casualmente en el transcurso de un paseo campestre. La película muestra actuaciones memorables de Isabella Rossellini, en el papel de una cantante atormentada, y de Dennis Hopper en el de un criminal psicópata, líder de una banda de matones de medio pelo.


title: David Lynch

text: "Blue Velvet" obtuvo un gran éxito de crítica y proporcionó a Lynch su segunda nominación al Óscar al mejor director. La película presenta algunos lugares comunes en su cine: una cuidadísima puesta en escena, ciertos episodios y conductas inexplicables, mujeres ultrajadas, los malsanos entresijos de una pequeña comunidad, y la utilización poco convencional de canciones antiguas. "Blue velvet", de Bobby Vinton e "In dreams" de Roy Orbison suenan en este filme extrañas y perturbadoras. Esta fue la primera ocasión en que Lynch trabajaba con el compositor Angelo Badalamenti, quien, a partir de entonces, contribuiría en todas sus películas posteriores.


title: David Lynch

text: El director Woody Allen, cuya cinta "Hannah y sus hermanas" fue nominada como mejor película, afirmó que "Blue Velvet" era el mejor filme del año. La película, que es comúnmente considerada como una de las obras maestras del cine contemporáneo, ha llegado a convertirse en un ícono de la cultura popular.


title: David Lynch

text: Al no obtener financiación para posteriores guiones, a finales de los 80 Lynch optó por colaborar con el productor televisivo Mark Frost en la serie televisiva "Twin Peaks", acerca de una pequeña localidad de Washington donde ocurren extraños sucesos. La historia se centraba en las investigaciones realizadas por el agente especial del FBI Dale Cooper (de nuevo Kyle MacLachlan) en torno a la muerte de una conocida estudiante de secundaria llamada Laura Palmer, una investigación que iba revelando los escabrosos secretos de muchos ciudadanos aparentemente respetables. El cineasta dirigió seis episodios en total, incluyendo los dos primeros, y escribió o co-escribió algunos más, e incluso apareció como actor en algunos de ellos.


title: David Lynch

text: La serie se estrenó en la cadena ABC el 8 de abril de 1990 y poco a poco fue revelándose como todo un fenómeno cultural. Ningún otro proyecto de Lynch ha obtenido semejante aceptación. La serie fue vendida a infinidad de países, y algunos de sus latiguillos ingresaron en la cultura popular. Se hicieron parodias de la misma en el show Saturday Night Live y en la serie de animación Los Simpson. Lynch apareció en la portada de la revista Time en gran medida debido al gran éxito cosechado con "Twin Peaks". El director encarnó el papel del vociferante y medio sordo jefe del agente Cooper, Gordon Cole. Pese a todo, Lynch chocó con los responsables de la cadena por distintos motivos, en especial por la posibilidad de revelar o no la identidad del asesino de Laura Palmer. La cadena insistía en desenmascararlo ya en la segunda temporada, pero Lynch quería guardarlo en secreto hasta el final. Lynch pronto se desencantó de la serie y como resultado muchos miembros del reparto declararon sentirse “abandonados”.


title: David Lynch

text: Fue en aquel tiempo cuando Lynch empezó a colaborar con la editora, productora y su compañera en la vida real, Mary Sweeney, que había trabajado como asistente para él en "Blue Velvet". Esta colaboración se prolongaría a lo largo de once proyectos. De su relación nació un hijo.


title: David Lynch

text: Su siguiente largometraje fue una adaptación de la novela de Barry Gifford, "Wild at Heart" ("Corazón salvaje"), una "road movie" protagonizada por los actores Nicolas Cage y Laura Dern. La producción obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1990.pero no contó con la aprobación de la crítica ni el respaldo del gran público.


title: David Lynch

text: "Twin Peaks" acabó sufriendo serios reveses de audiencia y fue retirada en 1991. Mientras tanto Lynch escribió una precuela sobre los últimos siete días en la vida del personaje de Laura Palmer, que dio lugar al largometraje "" (1992), que fracasó en taquilla y acarreó al director las peores críticas de su carrera.


title: David Lynch

text: El eslabón perdido entre "Twin Peaks" y "Wild at Heart", es el espectáculo musical "", una nueva colaboración con Angelo Badalamenti en la que canta Julee Cruise y actúan varios actores de "Twin Peaks", así como Nicolas Cage y Laura Dern. Lynch confesó que la obra reflejaba de alguna forma una relación sentimental rota. El director produjo en 1990 un vídeo de 50 minutos sobre la obra.


title: David Lynch

text: Durante este periodo Lynch volvió a colaborar con Mark Frost la serie documental "American Chronicles" (1990) y en la serie de humor "On the Air" (1992) para la ABC, sobre los orígenes de la televisión. En EE.UU. solo se emitieron tres episodios. Su siguiente proyecto fue la miniserie para la cadena HBO titulada "Hotel Room" (1993), la cual narraba los acontecimientos que se enmarcaban en una misma habitación de hotel a lo largo de varias décadas.


title: David Lynch

text: En 1997 Lynch volvió a la palestra con el complejo filme de argumento no lineal "Lost Highway" ("Carretera perdida"), el cual poseía muchos elementos de cine negro. Fue coescrito con Barry Gifford y protagonizado por los actores Bill Pullman y Patricia Arquette. La película fracasó comercialmente, pero recibió críticas contrapuestas. No obstante, gracias en parte a la banda sonora en que aparecían cantantes y grupos como Marilyn Manson, Rammstein, Nine Inch Nails y The Smashing Pumpkins, Lynch obtuvo una nueva audiencia por parte de espectadores de la llamada Generación X. En 1999, sorprendió muy positivamente a sus fanes y a la crítica con una película producida por la compañía Disney: "The Straight Story" ("Una historia verdadera/Una historia sencilla"), que era, al menos aparentemente, una sencilla película sin pretensión alguna contando una historia real acerca de un hombre de pueblo (interpretado por el veterano actor Richard Farnsworth) que emprende un largo viaje de estado en estado, a bordo de un cortacésped, con el único fin de hacer las paces con su hermano enfermo. La película recibió críticas muy elogiosas y proporcionó a su autor nuevas audiencias. Fue nominada la Palma de Oro, recibió dos nominaciones a los Globos de Oro (banda sonora y actor dramático), y Richard Farnsworth fue nominado a los Óscar en la categoría de mejor actor.


title: David Lynch

text: Ese mismo año Lynch tentó una vez más a la cadena ABC con la idea de un drama para la televisión. La cadena dio el visto bueno y se grabó el episodio piloto, de dos horas de duración. Pero controversias sobre el contenido y la duración de la serie la aparcaron definitivamente. Con la aportación de 7 millones de dólares por parte de la productora francesa Studio Canal, el director convirtió ese episodio piloto en el largometraje "Mulholland Drive". Estrenada finalmente en 2001, es una historia que trata de ahondar en la vertiente oscura de Hollywood, la “fábrica de sueños”. Está protagonizada por Naomi Watts, Laura Harring y el actor Justin Theroux. En lo comercial, la película funcionó relativamente bien en todo el mundo, mereciendo además reseñas positivas, y Lynch obtuvo por ella el premio al mejor director en el Festival de Cannes del año 2001 (este premio lo compartió con Joel Coen por "El hombre que nunca estuvo allí") y otro premio al mejor director otorgado por la "New York Film Critics Association". La película recibió además cuatro nominaciones a los Globos de Oro y supuso además la tercera nominación al Óscar como mejor director de David Lynch.


title: David Lynch

text: En 2002, Lynch desarrolló una serie de cortos para Internet titulada "DumbLand". Los ocho episodios de que constaba, intencionadamente muy duros de contenido e interpretación, aparecieron posteriormente en formato DVD.


title: David Lynch

text: Lynch dedicó a sus incondicionales ese mismo año una comedia de situación a través de su página web. La serie se tituló "Rabbits" ("Conejos") y constó de ocho episodios plenos de surrealismo que se desarrollaban en un cuarto habitado por extrañas personas con cabeza de roedor. Posteriormente, el director rodó en vídeo digital el corto "Darkened Room", a imitación del exitoso cine de terror japonés de los últimos años. En el Festival de Cannes correspondiente a 2005, el cineasta anunció que durante un año había estado rodando en Polonia, por medio de técnicas digitales, su último filme. La película, titulada "Inland Empire", es interpretada como un compendio del cine de Lynch. La historia, compleja y con tintes pesadillescos, desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. Abunda en primeros planos expresionistas (especialmente de Laura Dern), el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contiene producen un gran impacto visual. El reparto de la película incluye actores con los que Lynch había trabajado anteriormente, como la ya mencionada Laura Dern, Justin Theroux, Harry Dean Stanton, Grace Zabriskie o Diane Ladd, así como Jeremy Irons, Karolina Gruszka, Peter J. Lucas, Krzysztof Majchrzak o Julia Ormond. Además, Naomi Watts y Laura Harring prestan su voz a dos de los conejos de la película. Lynch describió la película como "un misterio acerca de una mujer metida en grandes dificultades”. Se estrenó en diciembre de 2006, suscitando entre los críticos, al igual que los últimos largometrajes del director, multitud de comentarios enfrentados, aunque la opinión fue mayoritariamente muy positiva.


title: David Lynch

text: Lynch ha declarado a menudo admirar profundamente a los cineastas Stanley Kubrick y Federico Fellini, al escritor Franz Kafka y al pintor Francis Bacon. Sostiene que muchas de las películas de Kubrick se encuentran entre sus preferidas, y que las obras de Kafka y Bacon lo subyugan por su fuerza visual y su conmovedora sensibilidad. Igualmente ha citado al pintor expresionista austriaco Oskar Kokoschka como fuente de inspiración. Lynch se siente desde siempre hechizado por la película "The Wizard of Oz" ("El mago de Oz"), aunque no con el culto típico norteamericano y a menudo ha hecho clara referencia a la misma en cintas como "Wild at Heart", donde crea una gran polémica al parodiarla.


title: David Lynch

text: Una influencia temprana en él fue el libro "The Art Spirit" del artista y profesor norteamericano Robert Henri, del cual afirmó que le ayudó a decidir el curso que tomaría su trabajo plástico. Como Henri, Lynch se trasladó del campo a un entorno urbano para desarrollar su carrera artística. Henri era un pintor realista urbano, que adoptaba la vida en la ciudad como materia principal de su trabajo, lo que imitó Lynch en sus orígenes. Y si la obra de Henri sirvió de puente entre la Norteamérica agrícola del siglo XIX y la urbana del XX, las cintas de Lynch entremezclan la nostalgia feliz de los años 50 con la extrañeza existencial de los 80 y 90.


title: David Lynch

text: Tienen gran peso sobre su obra igualmente los cineastas, Ingmar Bergman, Jacques Tati, Werner Herzog y Roman Polański, alguno de los cuales ha reconocido también al propio Lynch como referente.


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text: Lynch emplea a menudo a los mismos actores y al mismo equipo técnico y artístico en sus producciones:


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text: Angelo Badalamenti: música de los largometrajes "Blue Velvet, Twin Peaks, Wild at Heart, On the Air, Lost Highway" y "Mulholland Drive". También escribió la música de "Industrial Symphony No. 1, Twin Peaks: Fire Walk With Me, Hotel Room, The Straight Story, Darkened Room" y "Rabbits".


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text: Mary Sweeney, su habitual editora y productora. Escribió el guion de "The Straight Story". Trabajó igualmente en: "Blue Velvet" (1986), "Wild at Heart" (1990), "Twin Peaks" serie de TV, "Twin Peaks: Fire Walk with Me" (1992), "Hotel Room", serie de TV (1993), "Lost Highway" (1997), "Mulholland Drive" (2001), "Inland Empire" (2006) y co-produjo "Nadja" (1994) con Lynch.Jack Nance: en "Eraserhead, Dune, Blue Velvet, The Cowboy and the Frenchman, Twin Peaks, Wild at Heart" y "Lost Highway" Harry Dean Stanton: "The Cowboy and the Frenchman, Wild at Heart, Twin Peaks: Fire Walk With Me, Hotel Room, The Straight Story" e "Inland Empire". Scott Coffey: "Wild at Heart, Lost Highway, Mulholland Drive, Rabbits" e "Inland Empire".


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text: Freddie Jones: "The Elephant Man, Dune, Wild at Heart, Hotel Room" y "On the Air".


title: David Lynch

text: Michael J. Anderson: "Twin Peaks, Industrial Symphony No. 1, Twin Peaks: Fire Walk With Me" y "Mulholland Drive".


title: David Lynch

text: Eric DaRe: "Twin Peaks", "Wild at Heart" (casting), "Twin Peaks: Fire Walk With Me" y "Lost Highway" (departamento artístico). Laura Dern: "Blue Velvet, Wild at Heart, Industrial Symphony No. 1" e "Inland Empire". Bellina Logan: "Wild at Heart, Twin Peaks, On the Air" e "Inland Empire".


title: David Lynch

text: Kyle MacLachlan: "Dune, Blue Velvet, Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fire Walk With Me". Grace Zabriskie: "Twin Peaks, Wild at Heart, Twin Peaks: Fire Walk With Me" e "Inland Empire".


title: David Lynch

text: Frances Bay: "Blue Velvet, Twin Peaks" y "Wild at Heart". Catherine E. Coulson: "The Amputee, Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fire Walk With Me". Miguel Ferrer: "Twin Peaks, Twin Peaks: Fire Walk With Me" y "On the Air". Laura Harring: "Mulholland Drive, Rabbits" e "Inland Empire". Sheryl Lee: "Twin Peaks, Wild at Heart" y "Twin Peaks: Fire Walk With Me". Everett McGill: "Dune, Twin Peaks" y "The Straight Story". Frank Silva: "Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fire Walk With Me", y trabajó como encargado de vestuario en "Wild at Heart". Charlotte Stewart: "Eraserhead, Twin Peaks" y "Twin Peaks: Fire Walk With Me".


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text: Naomi Watts: "Mulholland Drive, Rabbits" e "Inland Empire".


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text: Alicia Witt: "Dune, Twin Peaks" y "Hotel Room".Jeanne Bates: "Eraserhead" y "Mulholland Drive". Nicolas Cage: Wild at Heart e "Industrial Symphony No. 1".


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text: Brad Dourif: "Dune" y "Blue Velvet".