title: Space opera

text: Varios subconjuntos de la "space opera" se superponen con la ciencia ficción militar, concentrándose en las batallas espaciales a gran escala con armas, vehículos y trajes futuristas. En tales historias, el tono militar y la tecnología de los sistemas de armas pueden tomarse muy en serio. En un extremo, el género se usa para especular sobre guerras futuras que involucren viajes espaciales, o los efectos de tal guerra en los humanos; en el otro, consiste en el uso de tramas de ficción militar con atavíos superficiales de ciencia ficción. El término ""space opera" militar" se utiliza de vez en cuando para denotar este subgénero, como se usa, por ejemplo, por el crítico Sylvia Kelso al describir a Lois McMaster Bujold en la Saga "Vorkosigan".


title: Space opera

text: El "space western" (también llamado "Viejo oeste espacial") también puede enfatizar la exploración espacial como "la última frontera". Estos temas occidentales pueden ser explícitos, como los vaqueros en el espacio exterior, o pueden tener una influencia más sutil en la "space opera". Gene Roddenberry describió como un western espacial (o más poéticamente, como "Wagon Train to the stars"). "Firefly" y su secuela cinematográfica "Serenity" literalizaron los aspectos occidentales del género popularizado por Star Trek el cual: utilizó pueblos fronterizos, caballos y el estilo de los clásicos Westerns de John Ford. Los mundos que han sido terraformados pueden describirse como lugares que presentan desafíos similares a los de un asentamiento fronterizo en una película clásica de vaqueros. Las pistolas o los cañones de mano de seis balas y los caballos pueden ser reemplazados por pistolas de rayos y los cohetes o propulsores.


title: Space opera

text: Las historias de la "space opera" tienen la característica común de desarrollarse a escala interplanetaria (frecuente en las primeras historias de la ciencia ficción), interestelar (la mayoría de las veces), intergaláctica o incluso a escala universal, lo que magnifica las cuestiones de los temas abordados por las Historias de ciencia ficción como lo son: el futuro de la especie humana, encuentros con especies extraterrestres, cuestiones políticas (conflictos entre entidades a escala galáctica), o la ecología (visto en Dune). Los otros efectos de la "space opera" son que los personajes pueden aparecer por comparación incluso menor, que son posibles nuevas exploraciones, ya sea en territorios explorables o en descubrimientos de sociedades hasta ahora autosuficientes.


title: Space opera

text: Una "space opera" generalmente tiene lugar en el espacio o en uno (o más) planetas distantes. El realismo de la historia varía considerablemente de una obra a otra; A menudo, en el cine o en la televisión, para aumentar la intensidad dramática o en aras de la economía, se abusa de las leyes de la física espacial de diversas maneras: las personas y los objetos se mueven en un recipiente con ingravidez (y sin gravedad artificial) como si estuvieran en la Tierra, sonido de propulsores de naves espaciales y explosiones audibles en el espacio en Star Wars por ejemplo, donde también vemos otras improbabilidades, casi la mayoría de los planetas son habitables por el hombre, entre sistemas planetarios tan distantes.


title: Space opera

text: Por el contrario, algunos autores se esfuerzan por hacer más creíbles sus historias integrando elementos científicamente probados, o anticipando el uso de tecnologías que son objeto de debate o especulación en los círculos científicos como: La Esfera de Dyson, la teletransportación (reuniendo dos puntos en el espacio más rápido que la luz podría), del fenómeno de los agujeros de gusano o incluso en el marco de la teoría del espacio y el tiempo del físico alemán Burkhard Heim que predice la posibilidad de convertir la energía electromagnética en energía gravitacional.


title: Space opera

text: A veces incluso nos encontramos en una "space opera" con tecnologías emergentes, que razonablemente podemos estimar que están llamadas a desarrollarse y convertirse en algo común como se vio en la serie original de "Star Trek" (también llamado "Viaje a las estrellas") que visionó las puertas automáticas, la tecnología laser o los teléfonos de mano (otros ejemplos pueden incluir las múltiples aplicaciones de las nanotecnologías comúnmente utilizadas por los personajes de la novela "El amanecer nocturno").


title: Detección precoz

text: En medicina un programa de detección precoz es un programa epidemiológico de salud pública, de aplicación sistemática o universal, para detectar en una población determinada y asintomática, una enfermedad grave, con el objetivo de disminuir la tasa de mortalidad asociada.La prevención secundaria se basa en los cribados poblacionales y para aplicar estos, han de cumplirse unas condiciones predeterminadas definidas en 1975 por Frame y Carslon para justificar el "screening" de una patología que son:


title: Ferrocarril

text: El ferrocarril (del latín: "ferre", ‘hierro’, y carril) o transporte ferroviario es un sistema de transporte de personas y mercancías guiado sobre una vía férrea.


title: Ferrocarril

text: Aunque normalmente se entiende que los carriles o raíles son de acero o hierro, que hacen el camino o vía férrea sobre la cual circulan los trenes, dentro de esta clasificación se incluyen medios de transporte que emplean otros tipos de guiado, tales como los trenes de levitación magnética.


title: Ferrocarril

text: Se trata de un transporte con ventajas comparativas en ciertos aspectos, tales como el consumo de combustible por tonelada/kilómetro transportado, la entidad del impacto ambiental que causa o la posibilidad de realizar transportes masivos, que hacen relevante su uso en el mundo moderno.


title: Ferrocarril

text: La primera noticia de un sistema de transporte sobre carriles fue una línea de tres kilómetros que seguía el camino Diolkos, que se utilizaba para transportar botes sobre plataformas a lo largo del istmo de Corinto durante el siglo VI a. C. Las plataformas eran empujadas por esclavos y se guiaban por hendiduras excavadas sobre la piedra. La línea se mantuvo funcionando durante 600 años.


title: Ferrocarril

text: Los transportes sobre carriles comenzaron a reaparecer en Europa tras la Alta Edad Media. La primera noticia sobre un transporte de este tipo en el continente europeo en este periodo aparece en una vidriera en la catedral de Friburgo de Brisgovia en torno a 1350. En 1515, el cardenal Matthäus Lang describió un funicular en el castillo de Hohensalzburg (Austria) llamado «Reisszug». La línea utilizaba carriles de madera y se accionaba mediante una cuerda de cáñamo movida por fuerza humana o animal. La línea continúa funcionando actualmente, aunque completamente sustituida por material moderno, siendo una de las líneas más antiguas que aún están en servicio.


title: Ferrocarril

text: A partir de 1550, las líneas de vía estrecha con carriles de madera empezaron a generalizarse en las minas europeas. Durante el siglo XVII las vagonetas de madera trasladaban el mineral desde el interior de las minas hasta canales donde se trasbordaba la carga al transporte fluvial o a carros. La evolución de estos sistemas llevó a la aparición del primer tranvía permanente en 1810, el «Leiper Railroad» en Pensilvania.


title: Ferrocarril

text: El primer ferrocarril propiamente tal (esto es, con carriles de hierro) tenía raíles formados por un cuerpo de madera recubierto por una chapa, y fue fabricado en 1768. Esto permitió la elaboración de aparatos de vía más complejos. En un principio solo existían lazos de final de línea para invertir las composiciones, pero pronto aparecieron los cambios de agujas. A partir de 1790 se utilizaron los primeros carriles completamente de acero en Reino Unido. En 1803, William Jessop inauguró la línea «Surrey Iron Railway» al sur de Londres, siendo el primer ferrocarril público de tracción de sangre (tirado por caballos). La invención del hierro forjado en 1820 permitió superar los problemas de los primeros carriles de hierro, que eran frágiles y cortos, aumentando su longitud a 15 metros. En 1857 comenzaron a fabricarse carriles de acero definitivamente.


title: Ferrocarril

text: El desarrollo del motor de vapor impulsó la idea de crear locomotoras de vapor que pudieran arrastrar trenes por líneas. La primera fue patentada por James Watt en 1769 y revisada en 1782, pero los motores eran demasiado pesados y generaban poca presión como para ser empleados en locomotoras. En 1804, utilizando un motor de alta precisión, Richard Trevithick presentó la primera locomotora capaz de arrastrar un tren en Merthyr Tydfil (Reino Unido). Realizada junto a Andrew Vivian, la prueba tuvo un éxito relativo, ya que la locomotora rompió los frágiles railes de chapa de hierro.


title: Ferrocarril

text: En 1811, John Blenkinsop diseñó la primera locomotora funcional que se presentó en la línea entre Middleton y Leeds. La locomotora, denominada "Salamanca", se construyó en 1812. En 1825, George Stephenson construyó la "Locomotion" para la línea entre Stockton y Darlington, al noreste de Inglaterra, que fue la primera locomotora de vapor que arrastró trenes de transporte público. En 1829 también construyó la locomotora "The Rocket". El éxito de estas locomotoras llevó a Stephenson a crear la primera compañía constructora de locomotoras de vapor que fueron utilizadas en las líneas de Europa y Estados Unidos.


title: Ferrocarril

text: En 1830 se inauguró la primera línea de ferrocarril interurbano, la línea entre Liverpool y Mánchester. La vía utilizada era del mismo tipo que otras anteriores, como la del ferrocarril entre Stockton y Darlington. Su ancho era de 1.435 mm, actualmente conocido como ancho internacional ya que es utilizado por aproximadamente el 60% de los ferrocarriles actuales. El mismo año se inauguró el primer tramo de la línea entre Baltimore y Ohio, la primera en unir líneas individuales en una red.


title: Ferrocarril

text: En los años siguientes, el éxito de las locomotoras de vapor hizo que las líneas de ferrocarril y las locomotoras se extendieran por todo el mundo.


title: Ferrocarril

text: Las primeras pruebas con trenes eléctricos las inició Rober Davidson en 1838, cuando construyó un carruaje equipado por baterías capaz de alcanzar 6,4 km/h. El primer ferrocarril con suministro eléctrico en la vía fue el tranvía que circulaba en 1883 entre Portrush y Giant's Causeway, al norte de Irlanda, que utilizaba alimentación por un tercer carril. Los cables de alimentación aérea a ferrocarriles se introdujeron en 1879, por Siemens en Berlín, en tranvías que hasta entonces eran arrastrados por mulas o caballos.


title: Ferrocarril

text: La primera línea de ferrocarril convencional electríficada fue la línea Roslag en Suecia. En la década de 1890 algunas grandes ciudades, como Londres, París y México, utilizaron esta nueva técnica para construir líneas de metro urbanas. En ciudades medias, los tranvías se hicieron algo común y fueron el único medio de transporte público durante varias décadas. Todas estas líneas utilizaron corriente continua, y la primera línea que utilizó corriente alterna fue inaugurada en Austria en 1904.


title: Ferrocarril

text: Las locomotoras de vapor necesitan un mantenimiento bastante elevado para funcionar. Tras la Segunda Guerra Mundial, los costes de personal se incrementaron de modo muy importante, lo que hizo que la tracción a vapor se encareciera sobre el resto. Al mismo tiempo, la guerra impulsó el desarrollo de los motores de combustión interna, que hicieron a las locomotoras diésel más baratas y potentes. Esto causó que varias compañías ferroviarias iniciaran programas para convertir todas sus locomotoras para líneas no electrificadas en locomotoras diésel.


title: Ferrocarril

text: Como consecuencia de la construcción a gran escala de autovías tras la guerra, el transporte por ferrocarril se hizo menos popular, y el transporte aéreo comenzó a ocupar el mercado de los viajes de muy larga distancia. Muchos tranvías fueron sustituidos por autobuses, mientras que la necesidad de trasbordos hizo poco rentable el traslado de mercancías en distancias medias. Además, sucesos como el Gran escándalo del tranvía de Estados Unidos hicieron que el transporte por ferrocarril se redujera considerablemente.


title: Ferrocarril

text: La crisis del petróleo de 1973 cambió la tendencia a la baja de los tranvías. Hizo que los que no se habían desmantelado, continúasen hasta nuestros días, al ser de nuevo más rentables. También la introducción de los contenedores contribuyó a mejorar la rentabilidad del transporte de mercancías por ferrocarril.


title: Ferrocarril

text: El primer tren comercial de alta velocidad fue inaugurado en 1939 en Italia con el ElettroTreno ETR 200, alcanzando el para entonces récord mundial de 204 km/h, cerca de Milán.


title: Ferrocarril

text: Actualmente se considera de Alta Velocidad el ferrocarril que supera los 250 km/h de media. En este sentido, en 1964, se inauguró en Japón la primera línea de Alta velocidad ferroviaria, llamado Shinkansen, "tren bala", para resolver el problema de transporte entre las pobladas ciudades del país. Con el tiempo, este sistema se extendió por otros países, como Francia, España y Alemania, lo que hizo recuperar al viajero interurbano.


title: Ferrocarril

text: A lo largo de los años 1970, se introdujo una automatización mayor, especialmente en el transporte interurbano, reduciendo los costes de operación. Algunas líneas de tranvía fueron transformadas en líneas de tren ligero, otras líneas se construyeron en ciudades que habían eliminado el tranvía décadas atrás. En los años 1990, el foco de atención se situó en mejorar la accesibilidad, convirtiendo el tren en la solución al transporte de los discapacitados.


title: Ferrocarril

text: La innovación en nuevos sistemas de ferrocarril continúan actualmente, especialmente en campos como la alta velocidad.


title: Ferrocarril

text: El material rodante está constituido por todos los equipos que circulan (ruedan) a lo largo de las vías del ferrocarril. Se dividen en dos grupos: el material de tracción, las locomotoras, y el material o equipos de arrastre, que son todos los que la locomotora arrastra o empuja acoplados a ella, sobre las vías. Al conjunto de equipos rodantes unidos entre sí que arrastra o empuja la locomotora, o están en la vía en espera de serlo, se denomina composición o formación. Al conjunto de la locomotora con la composición se conoce como tren. Según el tipo de servicio que prestan, los trenes se llaman: de carga, de pasajeros, de servicios, de obras o mixtos.


title: Ferrocarril

text: A su vez se puede realizar una división por estos tipos de vehículos entre: locomotoras, coches de viajeros, vagones, automotores y unidades de tren.


title: Ferrocarril

text: Serie de vagones enganchados a una locomotora. También los vagones puede llevar mercancías o pasajeros, lo cual significa que hay dos tipos de tren. Una variante más reciente es el tren autopropulsado, en el que los vagones, todos, o algunos, tienen motores en sus ruedas, sin llevar una locomotora propiamente dicha.La infraestructura ferroviaria incluye todas las instalaciones y edificaciones necesarias para el funcionamiento del ferrocarril: estaciones, vías, puentes y túneles, sistema de señales y comunicaciones, infraestructura de bloqueo de trenes y guiado, agujas, etc.


title: Ferrocarril

text: También hay tramos de vías cuádruples. En estas los recorridos centrales son para el transporte de mercancías y las laterales o externos, para el transporte de pasajeros ya que los andenes exteriores permiten mejor acceso. Una variante es aquella en que las vías centrales se reservan a ferrocarriles de larga distancia (más rápidos, con menos paradas) y las laterales a viajes de cercanías.


title: Ferrocarril

text: Se llama ancho de vía o trocha a la distancia entre la cabeza (u hongo) interna plana de ambos raíles por los que circulan lo trenes.


title: Ferrocarril

text: La regulación del tráfico ferroviario se realiza mediante señales. Estas pueden ser fijas o móviles, manuales, mecánicas o eléctricas.


title: Ferrocarril

text: Una estación ferroviaria, o estación de ferrocarril, es el punto de acceso de viajeros y mercancías al ferrocarril.


title: Ferrocarril

text: Se denomina explotación ferroviaria al conjunto de técnicas, medios y modos que garantizan la circulación segura y fluida de los trenes, y que encamina cada tren hacia su destino según el horario establecido.


title: Ferrocarril

text: Se denomina electrificación al sistema de alimentación de tracción que utiliza energía eléctrica para alimentar las unidades de tracción ferroviaria.


title: Ferrocarril

text: El ferrocarril forma parte de una amplia gama de transporte terrestre en todo el mundo, que, en su conjunto, permite y realiza el transporte de personas y mercancías del lugar donde se encuentran al lugar donde quieren ir o donde son necesarias. En la actualidad se emplea una conjunción de medios (carreteros, ferroviarios, etc.) actuando coordinadamente para este fin.Sentido de la circulación en las dobles vías de diversos países. Se circula en parte por la derecha y en parte por la izquierda en:


title: Cíborg

text: Un cíborg o cyborg (del acrónimo en inglés "cyborg": de cyber" [‘cibernético’] y organism" [‘organismo’], ‘organismo cibernético’) es una criatura compuesta de elementos orgánicos y dispositivos cibernéticos generalmente con la intención de mejorar las capacidades de la parte orgánica mediante el uso de tecnología.


title: Cíborg

text: El término fue acuñado por Manfred E. Clynes y Nathan S. Kline en 1960 para referirse a un ser humano mejorado que podría sobrevivir en entornos extraterrestres. Llegaron a esa idea después de pensar sobre la necesidad de una relación más íntima entre los humanos y las máquinas en un momento en que empezaba a trazarse la nueva frontera representada por la exploración del espacio. Diseñador de instrumentación fisiológica y de sistemas de procesamiento de datos, Clynes era el director científico del Laboratorio de Simulación Dinámica del Rockland State Hospital, en el estado de Nueva York. El término apareció por primera vez en forma impresa, 5 meses antes, cuando "The New York Times" reportó sobre los aspectos psicofisiológicos del Simposio de Vuelo Espacial donde Clynes y Kline presentaron por primera vez su trabajo, con la siguiente definición: «Un cíborg es esencialmente un sistema hombre-máquina en el cual los mecanismos de control de la porción humana son modificados externamente por medicamentos o dispositivos de regulación para que el ser pueda vivir en un entorno diferente al normal».


title: Cíborg

text: De acuerdo con algunas definiciones del término, la conexión física y metafísica de la humanidad con la tecnología ya ha empezado a influir en la evolución futura del ser humano, al empezar a convertirnos en cíborgs. Por ejemplo, una persona a la que se le haya implantado un marcapasos podría considerarse un cíborg, puesto que sería incapaz de sobrevivir sin ese componente mecánico. Otras tecnologías médicas, como el implante coclear, que permite que un sordo oiga a través de un micrófono externo conectado a su nervio auditivo, también hacen que sus usuarios adquieran acceso a un sentido gracias a la tecnología, aproximando su experiencia a la de un cíborg.


title: Cíborg

text: A finales del siglo XX, la imagen del cíborg como ser que no es ni humano ni máquina, ni hombre ni mujer, fue recuperado por autoras como Donna Haraway en su "El Manifiesto Cyborg".


title: Cíborg

text: El término se suele utilizar erróneamente en numerosos escritos al confundirlo con un robot del tipo androide.


title: Cíborg

text: El concepto del híbrido hombre-máquina fue generalizado en la ciencia ficción antes de que ocurriera la Segunda Guerra Mundial. En "The Man That Was Used Up" (1839), Edgar Allan Poe, por ejemplo, describe a John A. B. C. Smith, un héroe de guerra con un cuerpo compuesto de múltiples prótesis. En 1910, el escritor francés Jean de la Hire presenta a Nyctalope (para algunos el primer superhéroe y también el primer cíborg literario) en la novela "L'homme qui peut vivre dans l'eau" (‘El hombre que puede vivir en el agua’). Por su parte, en "The Comet Doom" (1928), el estadounidense Edmon Hamilton describe exploradores espaciales cuyos cuerpos combinan partes orgánicas y mecánicas. Este mismo autor es conocido por el peculiar cerebro viviente y parlante, siempre flotando en un receptáculo transparente, que acompaña al superhéroe "Captain Future" (1939). Hamilton utiliza el término de forma explícita en el cuento "After a Judgmente Day" (1962) para referirse a los "las copias mecánicas de humanos" llamadas "Charlies", explicando que "cíborgs es como se les había llamado, desde el primero [el primer Charlie] a inicios de la década de 1960... organismos cibernéticos".


title: Cíborg

text: Debido a avances en las tecnologías de la información, inversionistas humanos han sido capaces de emplear computadoras para participar en operaciones a una mayor velocidad a través de fronteras nunca antes vistas. Las finanzas en la actualidad se están viendo afectadas en parte por los seres humanos y en parte por las máquinas, por lo que ahora se define como “finanza cíborg”. El nuevo inversionista cíborg es distinto a las concepciones anteriores debido a que esta nueva concepción es más rápida, se ve una mayor orientación a los datos automatizados, a su vez una mayor cantidad de información. Una característica clave de la “finanza cíborg” es el uso de ordenadores verdaderamente rápidos y poderosos para analizar y ejecutar oportunidades comerciales basadas en modelos matemáticos complejos.


title: Cíborg

text: En medicina, hay 2 tipos de cíborg: los de restauración y de mejora. Las tecnologías de restauración se encargan de “restaurar funciones perdidas, órganos y extremidades”. El aspecto clave de la “ciborgización” restaurativa es la reparación de procesos tanto rotos o faltantes para revertirlos y convertirlos a un nivel de función saludable o a un nivel promedio. No hay ninguna mejora a las facultades originales y los procesos perdidos. Por el contrario, el cíborg encargado de mejora “sigue un principio, el principio de rendimiento óptimo, el cuan consiste en la maximización de salida y la minimización de las entradas”. Por lo tanto, un cíborg mejorado intenta superar los procesos normales o incluso adquirir nuevas funciones que originalmente no estaban presentes. Aunque las prótesis en general suplementan cuerpos dañados o perdidos con la integración de un artificio mecánico, implantes biónicos en medicina permiten que modelos de órganos o partes del cuerpo sean capaces de imitar la función origina de una manera más exacta. Michael Chorost escribió un libro de memorias de su experiencia con implantes cocleares, u oídos biónicos, titulado “Rebuilt: How Becoming Part Computer Made Me More Human”. Jesse Sullivan se convirtió en una de las primeras personas en operar una extremidad totalmente robótica a través de un injerto de nervio-músculo, permitiéndole un rango complejo de movimientos más allá de las prótesis anteriormente utilizadas. Para el 2004, un corazón artificial completamente funcional fue desarrollado. El continuo desarrollo tecnológico de la biónica y la nanotecnología empieza a plantear preguntas de la mejora, y las futuras posibilidades de cíborgs que sobrepasan la funcionalidad original del modelo biológico. La ética y el deseo por “prótesis mejoradas” han sido debatidas; sus proponentes incluyen el movimiento transhumanista, con su creencia respecto a que las tecnologías emergentes pueden asistir a la raza humana para el desarrollo más allá de sus presentes, limitaciones normativas como el envejecimiento y las enfermedades, así como incapacidades más generales, como lo son las limitaciones en velocidad, fuerza, resistencia e inteligencia. Los oponentes del concepto describen lo que creen respecto a los sesgos que impulsan el desarrollo y la aceptación de dichas tecnologías, a saber, un sesgo hacía la funcionalidad y eficiencia que podría obligar a asentir una perspectiva del ser humano que resta importancia al definir las características de las manifestaciones actuales sobre humanidad y la persona, a favor de la definición de términos de mejoras, versiones y utilidad.


title: Cíborg

text: Investigaciones de organizaciones militares se han enfocado en la utilización de cíborgs animales con el propósito de una supuesta ventaja táctica. DARPA ha anunciado su interés en el desarrollo de “insectos cíborg” para transmitir información a través de sensores implantados en el insecto durante la etapa de pupa. El movimiento se controla desde un sistema microelectromecánico (MEMS) y que posiblemente podría ser capaz de examinar el entorno o detectar explosivos y gas. A su vez, DARPA está desarrollando un implante neural para controlar el movimiento de los tiburones. El sentido único de los tiburones podría ser explotado para proporcionar retroalimentación de información en relación al movimiento de un barco enemigo o podría revelar la presencia de explosivos bajo el agua.


title: Cíborg

text: El concepto de cíborg es normalmente asociado con ciencia ficción. Sin embargo, muchos artistas han intentado crear una consciencia pública de organismos cibernéticos; estos yendo desde pinturas hasta instalaciones. Algunos artistas que crearon un sinnúmero de trabajos son Neil Harbisson, Moon Ribas, Patricia Piccinini, Steve Mann, Orlan H.R. Giger, Lee Bul, Wafaa Bilal, Tim Hawkinson y Stelarc. Las máquinas son cada vez más omnipresentes en el proceso artístico, con cuadernos de dibujo computarizados remplazando a la pluma y el papel, y cajas de ritmo volviéndose tan populares como los bateristas humanos. Esto es tal vez lo más notable en el arte y música generativos. Compositores como Brian Eno han desarrollado y utilizado software capaz de construir partituras completas con tan solo un poco de parámetros matemáticos básicos. Scott Draves es un artista generativo cuyo trabajo es explícitamente descrito como una “mente cibernética”. Su proyecto “Oveja Electrónica” genera arte abstracto mediante la combinación de trabajo de un sinnúmero de computadoras y personas a través del internet.


title: Cíborg

text: A medida que la tecnología médica avanza, algunas técnicas e innovaciones han sido adoptadas por personas interesadas en la modificación corporal. Si bien todavía no son cíborgs, segun la definición de Manfred Clynes y Nathan Kline, los desarrollos tecnológicos como la seda de silicio implantable, y los códigos QR han ido cerrando al brecha entre la tecnología y el cuerpo humano. Tecnologías hipotéticas como los tatuajes digitales podrían aportar interactividad y funcionalidad a la modificación del cuerpo, permitiendo una manera de vida transhumanista en el mundo actual.


title: Cíborg

text: Más allá del imaginario de la ciencia ficción, Kevin Warwick es tal vez la figura más importante en el desarrollo de una verdadera unión entre el humano y la máquina. El 24 de agosto de 1998 Warwick llevó a cabo el experimento "Cyborg 1.0", en el cual se le implantó debajo de la piel un chip RFID (usando exclusivamente anestesia local) con el cual fue capaz de controlar puertas, luces, calentadores y computadoras sólo con la señal emitida por el chip.


title: Cíborg

text: Un segundo experimento, todavía más importante, fue el "Cyborg 2.0" el 14 de marzo de 2004, en el cual un chip de mayor complejidad fue implantado en el sistema nervioso de Warwick por medio del cual se conectó a Internet en la Universidad de Columbia de Nueva York y logró mover un brazo robótico situado en la Universidad de Reading del Reino Unido. Además, se le implantó también a su esposa un microchip (con el objetivo de crear alguna clase de telepatía o empatía) permitiendo así la primera comunicación puramente electrónica entre dos sistemas nerviosos humanos


title: Cíborg

text: Después de los experimentos no se encontraron ninguna clase de daños o interferencias en el sistema nervioso, lo cual determinó su éxito.


title: Cíborg

text: En 2004, el artista británico Neil Harbisson, cocreó y se instaló un "eyeborg" en la cabeza para poder escuchar los colores que le rodean. El mismo año, el gobierno británico le prohibió renovar su pasaporte británico por el hecho de llevar un aparato electrónico en la cabeza. Harbisson empezó una campaña para defender sus derechos como cíborg y justificó que el ojo electrónico no es un aparato electrónico sino parte de su cuerpo y extensión de sus sentidos. Después de semanas con correspondencias, incluyendo cartas de su universidad y de su doctor, su ojo electrónico fue finalmente aceptado como parte de su cuerpo y su foto con el "eyeborg" incluida en el pasaporte.


title: Cíborg

text: La "Cyborg Foundation" es la primera organización internacional del mundo dedicada exclusivamente a ayudar a los humanos a convertirse en cíborgs. La fundación fue creada en 2010 por el cíborg Neil Harbisson y Moon Ribas como respuesta a la multitud de cartas y correos electrónicos recibidos de personas interesadas en convertirse en cíborg. Los principales objetivos de la fundación son extender los sentidos y las capacidades humanas creando y aplicando extensiones cibernéticas en el cuerpo, promover el uso de la cibernética en eventos culturales y defender los derechos de los cíborgs. En 2010, la fundación, establecida en Mataró (Barcelona), fue galardonada con el Premio Cre@tic otorgado por Tecnocampus Mataró.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: La pintura de los Estados Unidos tiene una historia de dos siglos, a partir de la independencia del país. A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas pintaron sobre todo paisajes y retratos en un estilo realista. Las tendencias del arte moderno en Europa llegaron a los Estados Unidos a través de exposiciones en Nueva York como el Armory Show de 1913. Con anterioridad, los artistas estadounidenses habían basado la mayoría de su obra en la pintura occidental y las artes europeas. Después de la Segunda Guerra Mundial, Nueva York reemplazó a París como el centro del mundo artístico. Desde entonces, muchos movimientos estadounidenses han marcado el arte moderno y postmoderno.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Durante la época colonial y las primeras décadas de la nueva nación el único arte que se consideraba admisible, en un entorno puritano y laborioso, eran los retratos. La mayoría de los artistas de la época eran autodidactas. Hoy, los cientos de antiguos retratos que aún existen, realizados a partir de finales del siglo XVII, son altamente valorados por los coleccionistas. Entre los pintores destacados de la época cabe citar al neoyorquino Robert Feke o al escocés John Smybert. Smybert estudió con sir James Thornhill, y en 1728 acompañó al obispo Berkeley a América, con la intención de convertirse en profesor de bellas artes en la universidad que Berkeley pretendía fundar en las Bermudas, lo que nunca ocurrió. En 1731 pintó al "Decano George Berkeley y su familia", cuadro también titulado "El grupo de las Bermudas" (Galería de Arte de la Universidad de Yales); desde este famoso núcleo de las colonias lo que se pretendía era incorporar el joven arte estadounidense al ámbito más amplio del arte británico de la época. Por ello, en los años precedentes a la guerra de independencia de Estados Unidos hubo destacados artistas que viajaron a Europa y algunos de ellos se quedaron allí. John Singleton Copley es considerado como el pintor con el que comienza la escuela de pintura estadounidense. Realizó emblemáticos retratos de la clase comercial progresivamente próspera, pero marchó a Inglaterra en 1774 y allí su obra pareció perder fuerza.  En Londres ya vivía, desde 1763, Benjamin West, quien llegó a ser pintor de la corte del rey Jorge III de Inglaterra y actuó como presidente de la Real Academia durante 28 años. A lo largo de cincuenta años, por su taller fueron pasando pintores estadounidense que buscaban formarse en Europa, por lo que a través de estos alumnos, su estilo influyó en la pintura de la nueva nación. Está considerado el primer pintor que se inspiró en la conquista del Nuevo Mundo, citándose su obra "Tratado de Penn con los indios" como un cuadro que ejerció gran influencia en la pintura de historia estadounidense posterior.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Entre los artistas que visitaron el taller de West en Londres estuvieron Gilbert Stuart y John Trumbull, quienes desarrollaron su carrera después de la Declaración de Independencia en 1776. La nueva nación necesitaba una historia, y parte de esa historia se expresaría visualmente, tanto mediante retratos como en pintura de historia. Stuart pintó a los nuevos cargos del gobierno, siendo famoso por los numerosos retratos que hizo de George Washington, a lo que se dedicó igualmente Charles Willson Peale. Por su parte, Trumbull representó grandes escenas de batallas de la guerra de independencia, renovando el género de composiciones neoclásicas de temática patriótica.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Comienzan a surgir las primeras instituciones artísticas: la Academia de Bellas Artes de Pensilvania se fundó en 1805 en Filadelfia, mientras que la Academia Nacional vio la luz en 1825 en Nueva York. A pesar de ello, los artistas siguieron acudiendo a formarse a Europa, a lugares como Londres, París o Düsseldorf.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: No tuvo gran éxito la pintura romántica estadounidense que seguía el academicismo europeo, como la pintura mitológica de Washington Allston o John Vanderlyn, suscitando escándalo este último por el desnudo de "Ariadna en Naxos" (1815). Más aceptación tenía la representación del paisaje, en todas sus formas, como los panoramas de Robert Fulton o los cosmoramas. El «recogimiento ante la naturaleza» se ha citado como uno de los rasgos de la cultura estadounidense, como se encuentra en Emerson, Thoreau o Walt Whitman. Por ello no es de extrañar que la primera escuela de pintura originalmente estadounidense se centrara, precisamente, en el paisaje. Se trata de la Escuela del río Hudson, que apareció en 1820. Los artistas percibieron que el Nuevo Mundo ofrecía temas propios y únicos. En este caso, la expansión hacia el Oeste de los asentamientos atrajo la atención de los pintores hacia la belleza trascendente de los paisajes de la frontera. Con Thomas Cole a la cabeza, los pintores del río Hudson combinaron su gran destreza técnica con el paisaje romántico. Sus pinturas eran exploraciones visuales de la luz y de las maravillas de la naturaleza. En la segunda mitad del siglo se produjo una auténtica explosión de cuadros representando el paisaje nacional en lienzos inmensos con un carácter espectacular. A esta escuela pertenecieron también John Frederick Kensett, Frederic Edwin Church y Albert Bierstadt.  Comenzaron a surgir igualmente pinturas del Gran Oeste, que transmitían en particular el puro tamaño de la tierra y las culturas de los pueblos nativos que en ellas vivían. Artistas como George Caleb Bingham, que reflejó el Medio Oeste, o George Catlin especialista en retratar a los indios, se apartaron de la forma tradicional de presentar la tierra, que hasta entonces pretendía mostrar cuánto era propiedad del sujeto; ellos prefirieron mostrar de la manera más fiel posible el Oeste y su gente, incluidos los indios y su folklore.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Ha de destacarse el éxito de la escena de género a partir de 1830, motivada sobre todo por la creciente ilustración, los periódicos y las revistas, que acostumbraron al público a escenas de la vida cotidiana. En esta línea sobresalió William Sidney Mount.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Después de la Guerra de Secesión se produjo una bifurcación en los caminos de la pintura estadounidense. Por un lado, estaba los artistas «estadounidensistas», que promovían una visión puramente estadounidense, interesándose por los problemas de la vida real y dotando de gran valor al ser humano. Cultivan una pintura realista, influida por el enfoque directo y la visión sencilla de la escuela del río Hudson. Winslow Homer representó al mundo rural estadounidense: el mar, las montañas y las gentes que vivían cerca de ellos. La vida urbana de clase media encontró su pintor en Thomas Eakins, un realista intransigente cuyos retratos desolados, sin artificios, se apartaban del sentimentalismo romántico que la gente «educada» de su tiempo había favorecido. Con él estudió Henry Ossawa Tanner, uno de los primeros pintores afroestadounidenses importantes. En esta línea también trabajaron George Inness, a quien llamaban el «Corot estadounidense», y el más subjetivo Albert Pinkham Ryder. Esta temática de escenas de la vida cotidiana, como ocurrió antes con la del paisaje estadounidense, tiene por origen una misma preocupación estadounidense por hacer del arte algo no exclusivo de una élite, sino que debe ser comprendido por todos y en este sentido es un arte democrático; pero además debe ensalzar también las peculiaridades de una nación, y por ello es un arte nacionalista.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Diferente es el segundo camino, el que siguieron los pintores estadounidenses que siguieron los estilos europeos academicistas. A esta tendencia pertenece William Merritt Chase. Algunos son considerados estadounidenses, pero desarrollaron gran parte de su carrera en Europa, encontrándose con otros artistas europeos en París y Londres, como la impresionista Mary Cassatt o Whistler. A John Singer Sargent se le acaba considerando estadounidense solo por su nacionalidad al haber nacido en Florencia (Italia) de padres estadounidenses; famoso retratista, que también pintó paisajes, fue un expatriado que pasó gran parte de su vida en Europa.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: La controversia pronto llegó a ser una forma de vida para los artistas estadounidenses. De hecho, al igual que Europa después de los futuristas italianos, gran parte de la escultura y la pintura en Estados Unidos desde 1900 ha sido una serie de rebeliones contra la tradición. «Al infierno con los valores artísticos», proclamó Robert Henri (1865-1929). Henri encabezó el grupo de los Ocho, lo que los críticos apodaron la escuela «del basurero» o «cubo de basura» "(Ashcan school)" o incluso «banda negra revolucionaria» porque los retratos realistas del grupo mostraban los aspectos más pobres de la vida en la ciudad. Eligieron un realismo académico describiendo escenas rurales y urbanas estadounidenses, por lo que su novedad radica más en los temas que en la técnica. Desarrollaron en sus obras una iconografía de conciencia social. Del "grupo de los Ocho" fue famoso George W. Bellows por sus temas de boxeo.  Apenas unos años más tarde, los artistas «del basurero» fueron desplazados por la llegada desde Europa de movimientos de vanguardia como el cubismo y la abstracción, defendidos por el fotógrafo Alfred Stieglitz desde el 291 de la Quinta Avenida de Nueva York, auténtico baluarte de la vanguardia pictórica. Tras la Primera Guerra Mundial, muchos artistas estadounidenses desarrollaron las tendencias modernas que emanaban del Armory Show o «Exposición del Arsenal», que en 1913 expuso al público estadounidense obras europeas de vanguardia junto a otras autóctonas de realismo social. Artistas estadounidenses se relacionaron de manera estrecha con los nuevos artistas europeos. Así, Max Weber se relacionó con Matisse y Picasso, siendo el primer cubista estadounidense, mientras que Lyonel Feininger se integró en el Blaue Reiter. Entre ellos pueden citarse John Marin, Arthur Dove, Arthur Bowen Davies y Georgia O'Keeffe.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: En este período de entreguerras la pintura estadounidense estuvo marcada sobre todo por el cubismo, entendido muchas veces como mera geometrización. Dentro del orfismo cabe citar a Patrick Henry Bruce, Morgan Russell y Stanton Macdonald-Wright; estos dos últimos, además, concibieron el sincronismo en París, con el estudio de la relación entre el color, la luz y la música. Joseph Stella prefirió el cubismo futurista integrando con Charles Demuth y Charles Sheeler lo que se llamó el grupo «precisionista», o los «inmaculados», que emplearon el cubismo para retratar el paisaje industrial, desarrollándose entre 1915 y la década de los treinta. Destacó en esta línea Edward Hopper, que reflejó con original realismo las ciudades y los pueblos estadounidenses. El dadaísmo tuvo como referencia a Marcel Duchamp, de nacionalidad francesa, pero nacionalizado estadounidense en los años cincuenta y que influyó tanto en París como en Nueva York, y al pintor y fotógrafo Man Ray, a quien ya en el Nueva York de 1915 puede considerársele precursor del dadá.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Después de la Primera Guerra Mundial, la terminación del ferrocarril de Santa Fe permitió a los colonos estadounidenses viajar hacia el oeste, llegando hasta la costa californiana. Nuevas colonias de artistas comenzaron a crecer alrededor de Santa Fe y Taos. La principal materia de los artistas fueron los pueblos y los paisajes del Suroeste, cuyas imágenes se hicieron populares en la publicidad, usándose de manera significativa el ferrocarril de Santa Fe para animar a los colonos a ir al Oeste y disfrutar de los «paisajes no mancillados». Entre los artistas más prolíficos del Suroeste estuvieron William Henry Jackson y Georgia O'Keeffe.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: El Renacimiento de Harlem fue otro desarrollo significativo en el arte estadounidense. En los años veinte y treinta una nueva generación de afroestadounidenses apoyaron sociedades literarias y exposiciones artísticas para combatir los estereotipos racistas. Aunque este movimiento incluyó artistas de todo el país, se centró en Harlem, donde trabajaron. El artista gráfico Aaron Douglas y el fotógrafo James Van Der Zee se convirtieron en emblemas del movimiento. Entre otros, estuvieron en este movimiento Romare Bearden y Charles Alston.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Cuando estalló la Gran Depresión, el "New Deal" del presidente Roosevelt creó varios programas de arte públicos, con el propósito de dar trabajo a artistas y decorar edificios públicos, normalmente con un tema nacional. El primero de estos proyectos, el Public Works of Art Project (PWAP), fue creado después de que hicieran presión, con éxito, artistas desempleados de la Artists' Union. El PWAP duró menos de un año y produjo casi 15000 obras de arte. Le siguió el Federal Art Project (FAP, Proyecto de Artes Federales) de la Works Progress Administration (WPA, la Administración para el Desarrollo del Trabajo) en 1935, que proporcionó recursos a algunos de los artistas estadounidenses más conocidos. Se produjo un arte de protesta social, estilísticamente similar al que promovieron algunos artistas en la Unión Soviética y los muralistas en México. En todas partes, los artistas crearon extraordinarios ataques pictóricos a los sistemas sociales en multitud de pinturas y murales públicos. En ninguna otra parte tantos artistas se pronunciaron de manera tan franca e idealista sobre lo que estaba mal en su país, a menudo viviendo a cargo del presupuesto oficial, como cuando cientos de artistas fueron incluidos en la nómina de Estados Unidos como parte del esfuerzo del gobierno federal por proporcionar empleos.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Varios movimientos separados y relacionados entre sí comienzan y se desarrollan durante la Gran Depresión, incluyendo la escena de género estadounidense, el regionalismo y el realismo social. Un renovado sentimiento nacionalista animó a los artistas a redescubrir y explorar lo que se denomina «Americana» (la colección de documentos y objetos que relatan la historia, cultura y arte de Estados Unidos). El regionalismo recordaba a la Nueva Objetividad alemana, ensalzando artísticamente el Medio Oeste y su vida provinciana; el pintor más conocido de esta tendencia es, Grant Wood, cuya obra de 1930 está considerada un icono de la cultura estadounidense del siglo XX.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, un grupo de artistas neoyorquinos formaron el primer movimiento de arte abstracto genuinamente estadounidense: el expresionismo abstracto. Este término, que fue usado por vez primera en 1919 en Berlín, fue retomado en 1946 por Robert Coates en el New York Times, y asumido por los dos principales críticos de arte de la época, Harold Rosenberg y Clement Greenberg. Siempre se ha criticado como demasiado grande y paradójico, sin embargo la definición común implica el uso del arte abstracto para expresar sentimientos, emociones, lo que hay dentro del artista y no lo que queda fuera de él. Aunque los numerosos artistas abarcados por esta denominación tienen estilos ampliamente diferentes, los críticos contemporáneos encontraron varios puntos comunes entre ellos. Puede caracterizarse por dos elementos principales: en primer lugar, el gran tamaño de los lienzos usados, parcialmente inspirados por los frescos mexicanos y las obras que hicieron para la WPA en los años 30; en segundo lugar, el fuerte e insólito uso de pinceladas y aplicación de pintura experimental con un nuevo entendimiento de proceso. La mayor parte de los expresionistas abstractos abandonaron la composición formal y la representación de objetos reales. A menudo intentaron composiciones espontáneas, intuitivas e instintivas de espacio, línea, forma y color.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: La primera generación de expresionistas abstractos estuvo compuesta por artistas como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile Gorky, Robert Motherwell, Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Philip Guston, Ad Reinhardt, Hans Hofmann, James Brooks, William Baziotes, Mark Tobey, Bradley Walker Tomlin, Theodoros Stamos, Jack Tworkov y otros. Muchos expresionistas abstractos de la primera generación estuvieron influidos tanto por las obras cubistas, que conocieron a través de copias en blanco y negro en críticas de arte y también de manera directa, en la Galería 291 o el Armory Show; pero también por los surrealistas europeos, por Pablo Picasso y Henri Matisse.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Se distinguen dos tendencias. La primera fue la "Action Painting" o «pintura de acción», practicada por Pollock, De Kooning y Kline. Se caracteriza por la reacción espontánea, las pinceladas poderosas, la pintura goteada "(dripping)" y arrojada y los fuertes movimientos físicos usados en la producción de un cuadro. Jackson Pollock es un ejemplo de «pintor de acción»: su "proceso creativo" implicaba arrojar pintura, o gotearla desde un palo o verterla directamente de la lata; con ello revolucionó los métodos de pintura. Hay un dicho famoso de De Kooning respecto a Pollock: «rompió el hielo para el resto de nosotros». Irónicamente, las extensiones repetitivas y grandes de Pollock de campos lineales son también características de la segunda tendencia, la «pintura de los campos de color» o "Color-field painting"; así lo señaló el crítico de arte Michael Fried en su ensayo para el catálogo de "Three American painters: Kenneth Noland, Jules Olitski, Frank Stella" en el Museo de Arte Fogg en 1965. Dos de los principios aplicados a este movimiento son el énfasis e intensificación del color y las amplias superficies. Esta "colour-field painting" fue cultivada en los años cincuenta por Newman, Rothko, Still, Reinhardt, Gottlieb y Motherwell. En los sesenta, siguieron esta tendencia Jules Olitski, Kenneth Noland y Helen Frankenthaler, quienes buscaron hacer cuadros que eliminasen la retórica superflua con color amplio y plano.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: El expresionismo abstracto marca un punto decisivo de la historia de la pintura estadounidense. Renace en él la tradición abstracta a partir de finales de la década de los cuarenta. Con él surge el primer movimiento pictórico original de los Estados Unidos, en un momento en el que el centro del mundo artístico internacional pasa de París a Nueva York, coincidiendo con el fin de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos aparecen como potencia hegemónica de Occidente, tanto desde el punto de vista económico como político. Desde este momento en adelante, muchos movimientos pictóricos surgen en Estados Unidos y desde allí se difunden a Europa y el resto del mundo; al mismo tiempo, otras tendencias nacidas fuera son seguidas y cultivadas en Estados Unidos.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Algunas de estas tendencias ulteriores derivaron directamente de una de las dos clases de expresionismo abstracto, como la pintura de borde duro o de perfil duro "(hard edge," cultivado por Ellsworth Kelly) o la pintura de "shaped canvas" (lienzo con formato distinto al tradicional, ejemplificada en Frank Stella). Frankenthaler y Morris Louis siguieron con la pintura abstracta aún en los años sesenta, cuando triunfaba el "pop art", con cuadros en los que predominaba el uso del color. Dentro del arte informal se pueden clasificar a Sam Francis, principal exponente del tachismo, y Mark Tobey, inclinado más bien hacia la caligrafía con un hondo significado filosófico y espiritual propio de Oriente.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Entre 1955 y 1970, aproximadamente, se desarrolló el arte pop (en inglés, "Pop art", abreviatura de "popular art") en Estados Unidos, donde arraiga con más fuerza que en ningún otro lugar, a pesar de las reticencias de algunos críticos como Harold Rosenberg, dada la fuerza que el expresionismo abstracto tenía en todas las instancias de la industria del arte. Los neodadaístas Jasper Johns y Robert Rauschenberg, que crearon arte a partir de materiales de desecho en los cincuenta se consideran precursores del "pop art". Johns usó fotos, papeles de periódico y objetos descartados en sus composiciones. Su técnica de pintar a paletazos recordaba a expresionistas abstractos como De Kooning.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Al hacerse eco de la sociedad de consumo y sus estereotipos, este estilo se suele considerar el epítome del arte imperialista estadounidense. La iconografía pop era fácilmente asimilable como algo puramente estadounidense y esto era importante en aquel continente pues siempre, tanto artistas como coleccionistas, estaban de un cierto modo en lucha o competición con lo europeo. La confirmación de esto se produjo con la exposición titulada «El Pop Art y la tradición estadounidense» en el Milwaukee Art Center en 1965. Este aspecto nacionalista era lo único que lo acercaba a la generación de los expresionistas abstractos; en lo demás todo es opuesto: los artistas pop ironizaban sobre la caligrafía y el gesto característicos de los expresionistas (las obras de Lichtenstein en las que amplifica una pincelada esquematizada gráficamente), o los enormes cuadros de Rosenquist en los que amplifica espaguetis como recordando las nervaciones de los "drippings" («goteos») de Pollock, y en general el interés puesto en desechar de la obra toda traza de la intervención manual del artista. El grupo "pop art" lo forman Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Jim Dine, Robert Indiana, Tom Wesselmann, Ronald Kitaj y Claes Oldenburg. En la periferia del pop estadounidense se encuadran Alex Katz y Larry Rivers. Warhol, Rivers y Lichtenstein reprodujeron, con cuidado satírico, objetos cotidianos e imágenes de la cultura popular estadounidense, como botellas de Coca-Cola, latas de sopa o tiras cómicas. Aunque todos estos artistas son pop, difieren entre sí. Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad; muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. Lichtenstein toma sus motivos de las tiras de cómics y los amplía a enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan del proceso de impresión. Dine combina objetos reales con fondos pintados. Oldenburg fabrica objetos de la vida cotidiana (hamburguesas, navajas, etc.) a tamaños descomunales que instala en ocasiones en espacios al aire libre. Indiana pinta rótulos gigantescos que reclaman la atención del espectador al tiempo que lo amonestan.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Durante los años cincuenta la pintura abstracta en los Estados Unidos evolucionó hacia movimientos como el neodadaísmo, la abstracción postpictórica o el "Op Art", aunque continuó cultivándose el expresionismo abstracto. En gran medida, muchas de estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del minimalismo, que marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura, del objeto consigo mismo. Toma del "pop art" las «definiciones claras y desprovistas de ambigüedad», y de la abstracción el libre empleo de los colores. Está representado en la obra de Frank Stella, Carl Andre y el artista famoso por sus instalaciones de luces fluorescentes Dan Flavin.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Alfonso A. Ossorio es la representación estadounidense dentro del "art brut" de los años cincuenta. En esta misma década surgió, en San Francisco (California), y como reacción a la falta de objetividad del expresionismo abstracto, el "Funk art".


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Más tarde surgieron otros movimientos abstractos como Fluxus y el posminimalismo (un término acuñado por vez primera por Robert Pincus-Witten en un artículo publicado en la revista "Artforum" en 1969; refiriéndose a la obra de la artista Eva Hesse, dijo que era "post minimal art" o «arte posminimalista»). Estos movimientos, como la abstracción lírica, buscaron expandir los límites de la pintura abstracta y el minimalismo centrándose en el proceso, los nuevos materiales y las nuevas vías de expresión. La abstracción lírica comparte semejanzas con la pintura de los campos de color y el expresionismo abstracto especialmente en el uso despreocupado de la pintura - textura y superficie. El dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de la pintura salpicada, manchada y vertida se asemejan superficialmente a los efectos vistos en el expresionismo abstracto y la pintura de los campos de color. Sin embargo los estilos son marcadamente diferentes. El posminimalismo a menudo incorporó materiales industriales, materia bruta, objetos encontrados, instalaciones, repeticiones seriales y a menudo con referencias al dadaísmo y el surrealismo está ejemplificada mejor en las esculturas de Eva Hesse. Esta artista, junto con otros «posminimalistas» como Richard Serra, se encuentran dentro de la tendencia de "arte procesual".


title: Pintura de los Estados Unidos

text: El realismo, a pesar del enorme éxito de movimientos no figurativos como el expresionismo abstracto, no dejó de ser popular, como prueban las ilustraciones de Norman Rockwell. Además del "Pop Art", hubo otros movimientos figurativos que reaccionaron ante la abstracción, como el movimiento figurativo de la zona de la Bahía o, en los setenta, el neoexpresionismo. En ciertos lugares el expresionismo abstracto nunca prendió. Un ejemplo de ello es Chicago, en el que el estilo artístico dominante fue un realismo grotesco y simbólico, como muestran los "Chicago Imagists", entre los que se encuentra Nancy Spero.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Otros movimientos figurativos de la segunda mitad del siglo son el fotorrealismo y el nuevo realismo. El hiperrealismo, "photorealism" o "superrealism" realiza cuadros figurativos muy detallados y fríos; surgió en los Estados Unidos hacia 1965 y sobresalen en esta tendencia Richard Estes y Chuck Close. El "new realism" (nuevo realismo) que se desarrolló entre 1960 y 1970 tuvo en Alex Katz y Alice Neel sus máximos representantes estadounidenses. En los años ochenta se revitalizó lo figurativo, si bien a través de propuestas muy diversas que van desde Keith Haring y sus formas simples inspiradas por el "graffiti" hasta la "Bad painting" de Julian Schnabel, David Salle o Jean-Michel Basquiat. La "Bad painting" surgió a principios de la década de los ochenta; es una «mala pintura» que recuerda al "art brut" y que forma parte de un movimiento internacional más amplio (con los nuevos fauves alemanes o la transvanguardia italiana) en la que se abandonaba el intelectualismo del arte conceptual y se reivindicaba el «mal gusto» del arte marginal.


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Desde mediados de los años sesenta y a lo largo de los setenta aparecieron nuevas tendencias que ampliaron los límites del arte contemporáneo. El arte conceptual, surgido en Nueva York en torno a 1965, considera que lo prioritario es el concepto, la idea, y no su realización física en un objeto artístico determinado; conceptuales son, por ejemplo, Joseph Kosuth y Dennis Oppenheim. Para finales de la década de los setenta, sin embargo, se consideró «fracasado» el arte conceptual, y se intentó un nuevo discurso artístico cuyo ejemplo inicial fue la exposición "Pictures", celebrada en Nueva York en 1977, en la que expusieron artistas como Jack Goldstein, Robert Longo y Sherrie Levine. Hubo quien recicló obras o logotipos previos, haciendo una especie de copias de copias (simulacionistas) o bien artículos de revistas de una manera que recordaba al "pop art" (apropiacionistas, entre los que se encuentra Jeff Koons).


title: Pintura de los Estados Unidos

text: El "Land Art" tiene como material de su obra la propia tierra, primando más que el resultado artístico los testimonios que de la obra quedan, en fotografía o vídeo; artista "land" destacado fue Robert Smithson. El videoarte surgió hacia el año 1963, simultáneamente en Estados Unidos y en Europa, y fue utilizado por las otras corrientes de la época, como fluxus o el arte conceptual. Otras novedades fueron las "performances" o el arte de instalaciones. Vito Acconci y Dennis Oppenheim cultivaron el arte corporal o "body art".


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Una de las corrientes que aportó algo nuevo fue la "pattern painting", surgido en California en 1975, que presenta de manera repetitiva motivos decorativos; son sus cultivadoras artistas femeninas que se oponen así a la severidad del minimalismo, utilizando muchas veces técnicas artesanales tradicionalmente consideradas femeninas como, por ejemplo, el "patchwork." En cierto sentido tuvo como precursor el llamado arte feminista, realizado por mujeres y teniendo como tema la condición femenina, que surge a finales de la década de los sesenta, en paralelo con el movimiento "Women's Lib."


title: Pintura de los Estados Unidos

text: Todas estas vanguardias del último tercio del siglo XX se centraron en experimentar con diversos medios que la tecnología ponía a su disposición. No es ajeno a ello ni los ordenadores, que dan lugar a un arte digital, ni internet, que permite el "net.art." La informática permitió, a partir de mediados de los sesenta, que se crearan imágenes artísticas por medios digitales, esto es, imágenes generadas por ordenador. A mediados de los noventa se dio un salto cualitativo, logrando creaciones artísticas a través de la red, lo que desafía conceptos clásicos de autoría o identidad del artista.  yessenia rebolledo


title: Economía de Portugal

text: Portugal se ha transformado en una economía de mercado bien diversificada y basada en servicios después de entrar en la Comunidad Económica Europea en 1986. Durante los últimos dos decenios, sucesivos gobiernos privatizaron muchas compañías estatales y sectores claves de la economía, incluyendo el sector financiero y las telecomunicaciones. El país se unió a la Unión Monetaria Europea en 1998 y adoptó el euro el 1 de enero del 2002.


title: Economía de Portugal

text: Durante los años noventa el crecimiento económico portugués se situó por encima de la media de la Unión Europea, pero cayó entre 2001 y 2008. Su producto interior bruto está cerca de los ⅔ de la media de la UE.


title: Economía de Portugal

text: En 2018, Portugal fue el noveno productor mundial de aceitunas (740 000 toneladas), el 16º productor mundial de pera (162 000 toneladas), el 17º productor mundial de tomates (1,33 millones de toneladas) y el vigésimo mayor productor mundial de uva (778 000 toneladas). El país también produjo, en el mismo año, 713 000 toneladas de maíz, 431 000 toneladas de patata, 344 000 toneladas de naranja, 267 000 toneladas de manzana, 160 000 de toneladas de arroz, además de menores rendimientos de otros productos agrícolas como repollo (137 000 toneladas), cebolla (130 000 toneladas), zanahoria (108 000 toneladas), trigo (67 000 toneladas), melón (57 000 toneladas), avena (55 000 toneladas), etc. Algunos de los productos más famosos de Portugal son aceite de oliva, vino y peras portuguesas.


title: Economía de Portugal

text: Bajo el gobierno conservador de Pedro Passos Coelho (2011-2015), Portugal se compromete en una "política de austeridad" destinada a reducir el déficit público y revitalizar el sector privado: reducción del salario mínimo y de las pensiones de jubilaciónes, aumento de los impuestos y reducción de las ayudas estatales. Sin embargo, el déficit se mantiene en el 4,4% del PIB, lo que genera amenazas de sanciones por parte de la Unión Europea, la precariedad y la pobreza aumentan en el país.(Convertidos según paridad del poder de compra). Año 2000


title: Economía de Portugal

text: 17193,56 € (Tipo conversión: 1 dólar = 1,0882 € al 30/01/01)Según datos de 1999, los porcentajes de ocupación por sectores productivos fueron:


title: Economía de Portugal

text: Según los datos de la Unión Europea, la tasa de paro presentó la siguiente evolución entre 2000 y 2005:


title: Economía de Portugal

text: Su moneda anterior era el escudo portugués; desde el 1 de enero de 2002 es el euro.


title: Economía de Portugal

text: A pesar de su grado de desarrollo, el escaso peso demográfico de Portugal hace que su influencia específica en el contexto internacional sea menor que el de otras potencias europeas. Según datos del Banco Mundial, Portugal ocupa el puesto 30º en el ranking de mayores economías por PIB, y el puesto 24.º si el indicador que utilizamos es la Renta per Cápita. Portugal tiene una de las tasas de natalidad más bajas del mundo por (menos de un niño por mujer) lo que provocará un inminente pérdida de población si no se corrige la tendencia en las próximas décadas. Según Eurostat, la sanidad portuguesa tiene también unos indicadores muy positivos (267 médicos y 365 camas por cada 100000 habitantes). A pesar de ello, Portugal es el país europeo con mayor ratio de muertes por VIH (155 personas por cada 100000 habitantes). Por otra parte, según el Foro Económico Mundial, Portugal es el 46.º país del mundo en el Índice de Competitividad Global. En la siguiente tabla se puede analizar el contexto socioeconómico de Portugal a partir de datos del Banco Mundial, Eurostat y el Foro Económico Mundial:


title: Economía de Portugal

text: Se presentan a continuación las mercancías de mayor peso en las importaciones de Portugal para el período 2010-hasta abril de 2015. Las cifras están expresadas en dólares estadounidenses valor FOB.


title: Economía de Portugal

text: Se presentan a continuación los principales socios comerciales de Portugal para el periodo 2010-hasta abril de 2015. La mayoría de sus importadores están en Europa salvo Estados Unidos y Angola. Las cifras expresadas son en dólares estadounidenses valor FOB.


title: Narrativa gótica

text: La narrativa gótica es un género literario originado en Inglaterra a finales del siglo XVIII, relacionado con el género de terror. La narrativa o ficción gótica, que es ampliamente conocida por el subgénero del terror gótico, es un género o modo de literatura y cine que combina la ficción y el horror, la muerte y, en ocasiones, el romance. Su origen se atribuye al autor inglés Horace Walpole, con su novela de 1764 "El castillo de Otranto", que llevaba el subtítulo (en su segunda edición) de ""Una historia gótica"". La ficción gótica tiende a poner énfasis tanto en la emoción como en un tipo de terror placentero, sirviendo como una extensión al movimiento literario romántico que era relativamente nuevo en el momento en que se publicó la novela de Walpole. El más común de estos "placeres" entre los lectores góticos era el de lo "sublime", un sentimiento indescriptible que "nos lleva más allá de nosotros mismos".


title: Narrativa gótica

text: El género literario se originó en Inglaterra en la segunda mitad del siglo XVIII, donde, siguiendo a Walpole, fue desarrollado por Clara Reeve, Ann Radcliffe, William Thomas Beckford y Matthew Lewis. El género tuvo mucho éxito en el siglo XIX, como lo atestiguan en la prosa el "Frankenstein" de Mary Shelley y las obras de Edgar Allan Poe, así como Charles Dickens con su novela, "Canción de navidad", y en la poesía la obra de Samuel Taylor Coleridge y Lord Byron. Otra novela muy conocida de este género, que data de finales de la época victoriana, es "Drácula" de Bram Stoker.


title: Narrativa gótica

text: El nombre de ""gótico"", que originalmente se refería a los godos, y luego pasó a significar "alemán", se refiere a la arquitectura gótica de la época medieval de la historia europea, en la que tienen lugar muchas de estas historias. Esta forma extrema de romanticismo fue muy popular en toda Europa, especialmente entre los escritores y artistas de lengua inglesa y alemana. La novela gótica inglesa también dio lugar a nuevos tipos de novelas como la "Schauerroman" alemana y el "roman noir" francés. Entre algunas características o tópicos del género podemos encontrar su relación con el arte arquitectural gótico, el cómo el entorno se encuentra en constante cambio conforme cambien las emociones del protagonista, el uso de un estilo epistolar (carta), cuenta con una intensa carga descriptiva llamada Efecto de realidad, entre otros muchos.


title: Narrativa gótica

text: El adjetivo "gótico" deriva de "godo", y, en efecto, en el contexto de este subgénero literario, gran parte de las historias trascurren en castillos y monasterios medievales. En sentido estricto, el terror gótico fue una moda literaria, de origen fundamentalmente anglosajón, que se extendió desde finales del siglo XVIII hasta finales del siglo XIX, como reacción al Racionalismo. En la literatura de terror moderna los viejos arquetipos no desaparecieron totalmente.


title: Narrativa gótica

text: El movimiento gótico surge en Inglaterra a finales del siglo XVIII. El renacimiento del gótico fue la expresión emocional, estética y filosófica que reaccionó contra el pensamiento dominante de la Ilustración, según el cual la humanidad sería capaz, solo en uso de la Razón, de llegar a obtener el conocimiento verdadero y la felicidad y virtud perfectas; aunque el Romanticismo demostraría que tan insaciable apetito de conocimiento dejaba de lado la idea de que el miedo podía ser también sublime.


title: Narrativa gótica

text: Las ideas de orden de la Ilustración van siendo relegadas y dan paso a la afición por el gótico en Inglaterra y así se va abriendo camino para la fundación de una escuela de este tipo de literatura, derivada de modelos alemanes.


title: Narrativa gótica

text: Las narrativas góticas abundan entre 1765 y 1820, con la iconografía que nos es conocida: cementerios, páramos y castillos tenebrosos repletos de misterios, villanos infernales, hombres lobo, vampiros, doppelgänger (transmutadores, o doble personalidad) y demonios, etc..


title: Narrativa gótica

text: Los ingredientes de este subgénero son castillos embrujados, criptas, fantasmas o monstruos, así como las tormentas y tempestades, la nocturnidad y el simple detalle truculento, todo ello surgido muchas veces de leyendas populares. La obra fundadora del gótico es "El castillo de Otranto", de Horace Walpole (1765). Otras obras claves de esta corriente son "Vathek" (1786), de William Beckford, "Los misterios de Udolfo" (1794), de Ann Radcliffe, "El Monje", de Matthew Lewis, publicada en 1796, "Melmoth el errabundo" (1820), de Charles Robert Maturin y "Manuscrito encontrado en Zaragoza" de Jan Potocki. El Romanticismo exploró a fondo esta literatura, casi siempre inspiradora de negredor de sentimientos morbosos y angustiantes, que alcanzó su máximo esplendor en el siglo XIX, a impulsos del descubrimiento del juego mórbido con el inconsciente.


title: Narrativa gótica

text: Aunque Julio Verne cultivó sobre todo los géneros de aventuras y de la ciencia-ficción, existe una novela suya poco conocida que posee las características de la novela gótica: "El castillo de los Cárpatos". Dicha novela es considerada como una "rara avis" en la producción de Verne y suele considerarse como su única incursión en el género de la novela gótica, reuniendo todos los elementos que la caracterizan: un castillo tenebroso abandonado, una bella cantante de ópera supuestamente secuestrada por un malvado noble (el Barón Gortz), un héroe enamorado dispuesto a rescatarla hasta enloquecer, supersticiones populares sobre fantasmas y aparecidos, etc... Escrita cinco años antes que "Drácula" comparte no pocos elementos con la obra de Bram Stoker. Obras de pleno siglo XIX, como "Carmilla" de Sheridan Le Fanu, "Frankenstein" de Mary Shelley, "El corazón delator" de Edgar Allan Poe, y, más adelante, "Janet, la del cuello torcido" de R. L. Stevenson, "El Horla" de Guy de Maupassant, "Otra vuelta de tuerca" de Henry James, etc., puede decirse que superan ampliamente el terror gótico, pues o van más allá, o no reúnen las citadas características. Salvo en casos excepcionales, tienden al formato corto del cuento en menoscabo de la novela; no se recurre a las monjas ensangrentadas, ni son elementos necesarios los aullidos espectrales y los truenos, rayos y centellas de tormentas; no tienen por qué transcurrir en escenarios ruinosos, castillos y monasterios medievales; los fantasmas que presentan no están "encadenados"; apenas tienen que ver con leyendas populares... Por lo tanto pueden considerarse ya como obras plenamente representativas del terror moderno que alcanzará a nuestros días, si bien en este punto la opinión de los críticos está dividida.


title: Narrativa gótica

text: En los relatos propiamente góticos se advierte un erotismo larvado y un amor por lo decadente y ruinoso. La depresión profunda, la angustia, la soledad, el amor enfermizo, aparecen en estos textos vinculados con lo oculto y lo sobrenatural. La mayoría de los autores sostiene que el gótico ha sido el padre del género de terror, que con posterioridad explotó el fenómeno del miedo con menor interés en los sentimientos de depresión, decadencia y exaltación de lo ruinoso y macabro que fueron el sello de la literatura romántica goticista, y más énfasis en otros elementos.


title: Narrativa gótica

text: Fue también escritor de terror el romántico español Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870), quien incluyó en sus "Leyendas" algunos relatos de miedo muy meritorios como "Maese Pérez, el Organista", "El Miserere" y "El Monte de las Ánimas".


title: Narrativa gótica

text: A fines del siglo XIX, Oscar Wilde tomó este subgénero con humor en su relato "El fantasma de Canterville".


title: Narrativa gótica

text: "Los cantos de Maldoror", de Isidore Ducasse —conde de Lautréamont— es una obra considerada como precursora del surrealismo. No obstante, contiene elementos narrativos que permiten rastrear rasgos e influencias de obras como "Melmoth el errabundo", según señala Marcelyn Pleynet en su estudio sobre Lautréamont. En el caso de Maldoror, este es presentado como un ser que mediante la metamorfosis acecha a los hombres. Maurice Blanchot y Gaston Bachelard analizan el bestiario de las formas animales adoptadas por Maldoror; este suele denominarse a sí mismo con los apelativos de: «el vampiro», «aquel que no sabe llorar», «el montevideano», entre otros.


title: Narrativa gótica

text: Ya en el siglo XX, la escritora estadounidense Anne Rice, cuyas obras mezclan lo cotidiano con historias de vampiros y de erotismo oscuro, ha tratado de revitalizar, temáticamente, el terror gótico. H. P. Lovecraft, por su parte, lograría sintetizar en las primeras décadas del siglo XX la tradición que partía de lo gótico con la ciencia ficción contemporánea. Actualmente, muy de moda nuevamente por el cine, lo gótico ha sido rescatado por autores anglosajones (al menos en determinadas obras) como Angela Carter, P. McGrath, A. S. Byatt, etc.


title: Narrativa gótica

text: Las convenciones de la literatura gótica no fueron inventadas en el siglo XVIII por Horace Walpole. Los componentes que eventualmente se combinarían en la literatura gótica tenían una rica historia ya cuando Walpole publicó su ficticio manuscrito medieval en "El castillo de Otranto" en 1764.


title: Narrativa gótica

text: La literatura gótica se describe a menudo con palabras como “terror” y “asombro” Esta sensación de asombro y terror, que brinda la suspensión de la incredulidad que es tan importante para el género gótico (que, con todo y su melodrama ocasional, típicamente se interpreta seriamente, excepto cuando se parodia), requiere que la imaginación del lector esté dispuesta a aceptar la idea de que podría haber algo "más allá de lo que está inmediatamente frente a nosotros". La misteriosa imaginación necesaria para que la literatura gótica haya ganado algún terreno había estado creciendo durante algún tiempo antes de la llegada del género gótico. Esta necesidad surgió cuando el mundo conocido empezó a explorarse más, reduciendo los misterios geográficos inherentes al mundo. Los bordes del mapa empezaban a llenarse y nadie aún encontraba dragones. La mente humana necesitaba un reemplazo. Clive Bloom teoriza que este vacío en el imaginario colectivo fue fundamental en el desarrollo de la posibilidad cultural del surgimiento de la tradición gótica.


title: Narrativa gótica

text: El escenario de la mayoría de las obras góticas antiguas era medieval, pero esto ya había sido un tema común mucho antes de Walpole. En Gran Bretaña, especialmente, existía el deseo de reclamar un pasado compartido. Esta obsesión con frecuencia conducía a exhibiciones arquitectónicas extravagantes y, a veces, se celebraban simulacros de torneos. No fue solo en la literatura donde se hizo sentir un renacimiento medieval, y esto también contribuyó a una cultura dispuesta a aceptar en 1764 una obra que era percibida como medieval.


title: Narrativa gótica

text: El género gótico a menudo usa escenarios de decadencia, muerte y morbo para lograr sus efectos (especialmente en la escuela de terror gótico italiana). Sin embargo, la literatura gótica no fue el origen de esta tradición; de hecho, era mucho más antigua. Los cadáveres, esqueletos y cementerios tan comúnmente asociados con el género gótico temprano fueron popularizados por los poetas de cementerio, y también estaban presentes en novelas como el "Diario del año de la peste" de Daniel Defoe, que contiene escenas cómicas de carros de peste y montones de cadáveres de víctimas de la peste. Incluso antes, poetas como Edmund Spenser evocaban una atmósfera lúgubre y triste en poemas como "Epithalamion".


title: Narrativa gótica

text: Todos los aspectos de la literatura pregótica mencionados anteriormente ocurren hasta cierto punto en el gótico, pero incluso tomados en conjunto, todavía no llegan al gótico verdadero. Lo que faltaba era una estética que sirviera para unir los elementos. Bloom señala que esta estética debe tomar la forma de un núcleo teórico o filosófico, que es necesario para "salvar a los mejores cuentos de convertirse en meras anécdotas o sensacionalismo incoherente". En este caso en particular, la estética tenía que ser emocional, una que finalmente fue proporcionada por la obra de Edmund Burke de 1757, "Indagación filosófica sobre el origen de nuestras ideas acerca de lo sublime y de lo bello", que "finalmente codificó la experiencia emocional gótica". Específicamente, las ideas de Burke sobre lo sublime, el terror y la oscuridad eran muy aplicables. Estas secciones se pueden resumir así: lo Sublime es aquello que es o produce la "emoción más fuerte que la mente es capaz de sentir", lo Sublime es evocado con mayor frecuencia por el Terror, y para causar Terror necesitamos cierta medida de Oscuridad —no podemos saber todo acerca de lo que induce Terror— o de lo contrario "gran parte de la aprensión se desvanece". La oscuridad es necesaria para experimentar el Terror de lo desconocido. Bloom afirma que el vocabulario descriptivo de Burke fue esencial para las obras románticas que eventualmente informaron al género gótico.


title: Narrativa gótica

text: Se creía que el nacimiento del género gótico estaba influenciado por el comienzo de la agitación política. Investigadores han vinculado su nacimiento con la Guerra Civil Inglesa y culminando en una rebelión jacobita (1745) poco antes de la primera novela gótica (1764). Una memoria política colectiva y los temores culturales profundos asociados con ella probablemente contribuyeron a personajes de villanos del gótico temprano como representantes literarios de barones torys (conservadores) derrotados o de realistas "levantándose" de sus tumbas políticas en las páginas del gótico temprano para aterrorizar al lector burgués de la Inglaterra de finales del siglo XVIII.


title: Narrativa gótica

text: La novela generalmente considerada como la primera novela gótica es "El castillo de Otranto" del autor inglés Horace Walpole, que se publicó por primera vez en 1764. El propósito declarado de Walpole era combinar elementos del romance medieval, que consideraba demasiado fantasioso, y la novela moderna, que consideraba demasiado confinada al realismo estricto. La trama básica creó muchos otros de los rasgos genéricos esenciales del gótico, entre los que se incluyen los misterios amenazantes y las maldiciones ancestrales, así como innumerables cuartos o corredores ocultos y heroínas que se desmayan con frecuencia.


title: Narrativa gótica

text: Walpole publicó la primera edición bajo el disfraz de un romance medieval italiano que habría sido descubierto y reeditado por un traductor ficticio. Cuando Walpole admitió ser el autor en la segunda edición, la recepción originalmente favorable de la novela por parte de los críticos literarios se convirtió en rechazo. El rechazo de los críticos reflejaba un sesgo cultural más amplio: el romance solía ser despreciado por los cultos como un tipo de escritura vulgar y degradada; el género había ganado cierta respetabilidad solo a través de las obras de Samuel Richardson y Henry Fielding. Un romance con elementos supersticiosos y, además, desprovisto de intención didáctica, se consideraba un revés e inaceptable. La falsificación de Walpole, junto con la mezcla de historia y ficción, contravenía los principios de la Ilustración y le dio a la novela gótica una asociación con la documentación falsa.


title: Narrativa gótica

text: Clara Reeve, mejor conocida por su obra "The Old English Baron" ["El viejo barón inglés"] (1778), se propuso tomar la trama de Walpole y adaptarla a las exigencias de la época equilibrando los elementos fantásticos con el realismo del siglo XVIII.En su prefacio, Reeve escribió: "Esta historia es hija literaria de "El castillo de Otranto", escrita sobre el mismo plan, con un diseño que uniese las circunstancias más atractivas e interesantes del romance antiguo y la novela moderna".Ahora surgía la pregunta de si eventos sobrenaturales que no fueran tan evidentemente absurdos como los de Walpole no llevarían a las mentes más simples a creer que eran posibles.


title: Narrativa gótica

text: La contribución de Reeve en el desarrollo de la ficción gótica, por lo tanto, se puede mostrar en al menos dos frentes. En el primero, está el refuerzo del marco narrativo gótico, que se centra en expandir el dominio imaginativo para incluir lo sobrenatural sin perder el realismo que marca la novela pionera de Walpole. En segundo lugar, Reeve también buscó contribuir a la búsqueda de la fórmula adecuada para que la ficción fuese creíble y coherente. El resultado es que rechazó aspectos específicos del estilo de Walpole, como su tendencia a incorporar demasiado humor o elementos cómicos de tal manera que disminuya la capacidad del cuento gótico para inducir miedo. En 1777, Reeve enumeró los excesos de Walpole a este respecto:una espada tan grande que se necesitarían cien hombres para levantarla; un casco que por su propio peso fuerza un paso a través de un patio hacia una bóveda arqueada, lo suficientemente grande para que pase un hombre; una pintura que sale de su marco; un esqueleto fantasmagórico con capucha de ermitaño ... Aunque la sucesión de escritores góticos no prestó exactamente atención al enfoque de Reeve en el realismo emocional, fue capaz de plantear un marco que mantuviese a la ficción gótica dentro del ámbito de lo probable. Este aspecto sigue siendo un desafío para los autores de este género tras la publicación de "The Old English Baron". Fuera de su contexto providencial, lo sobrenatural a menudo correría el riesgo de desviarse hacia lo absurdo.


title: Narrativa gótica

text: Ann Radcliffe desarrolló la técnica de lo "sobrenatural explicado" en la que cada intrusión aparentemente sobrenatural se puede remontar finalmente a causas naturales. Radcliffe ha sido llamada tanto "la Gran Hechicera" como "Madre Radcliffe" debido a su influencia tanto en la literatura gótica como en el gótico femenino. El uso por parte de Radcliffe de elementos visuales y sus efectos constituye una estrategia innovadora para leer el mundo a través de “patrones visuales lingüísticos” y desarrollar una “mirada ética”, permitiendo a los lectores visualizar los eventos a través de palabras, comprender las situaciones y sentir el terror los personajes mismos están experimentando.


title: Narrativa gótica

text: Su éxito atrajo a muchos imitadores. Entre otros elementos, Ann Radcliffe introdujo la taciturna figura del villano gótico (en "A Sicilian Romance" (Un romance siciliano) de 1790), un recurso literario que llegaría a ser definido como el héroe byroniano. Las novelas de Radcliffe, sobre todo "Los misterios de Udolfo" (1794), fueron éxitos de ventas. Sin embargo, junto con la mayoría de las novelas de la época, muchas personas cultas las despreciaban como tonterías sensacionalistas.


title: Narrativa gótica

text: Radcliffe también inspiró la idea emergente del "feminismo gótico", que expresó a través de la idea del poder femenino a través de una debilidad fingida y actuada. El establecimiento de esta idea inició el movimiento del gótico femenino para "desafiar ... el concepto mismo de género".


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text: Radcliffe también proporcionó una estética para el género en un influyente artículo "Sobre lo sobrenatural en la poesía", que examina la distinción y correlación entre el horror y el terror en la ficción gótica, utilizando las incertidumbres del terror en sus obras para producir un modelo de lo inquietante. Combinar experiencias de terror y asombro con la descripción visual fue una técnica que complació a los lectores y que distingue a Radcliffe de otros escritores góticos.


title: Narrativa gótica

text: En su novela "Vathek" (1786), escrita originalmente en francés, Beckford capitalizó la obsesión del siglo XVIII por todo lo oriental, combinándola con los estilos góticos de "El castillo de Otranto" de Horace Walpole.Al menos dos autores góticos utilizan el concepto literario de traducción como un dispositivo narración enmarcada de sus novelas. La novela gótica de Ann Radcliffe "El italiano" cuenta con una narración enmarcada de peso, en la que su narrador afirma que la historia que el lector está a punto de escuchar ha sido grabada y traducida de un manuscrito confiado a un italiano por un amigo cercano que escuchó la historia en una confesión en una iglesia. Radcliffe utiliza este marco de traducción para dar evidencia de cómo su extraordinaria historia ha llegado al lector. En el prefacio ficticio de su novela gótica "El castillo de Otranto", Horace Walpole afirma que su historia fue compuesta en Italia, grabada en alemán, luego descubierta y traducida al inglés. La historia de la traducción transnacional de Walpole le da a su novela un aire de exotismo tentador que es muy característico del género gótico.


title: Narrativa gótica

text: Movimientos literarios románticos se desarrollaban en Europa continental al mismo tiempo que se desarrollaba la novela gótica. De esta manera, la novela gótica inglesa también dio lugar a nuevos tipos de novelas como la "Schauerroman" alemana y el "roman noir" francés.


title: Narrativa gótica

text: El término "Schauerroman" a veces se equipara con el término "novela gótica", pero esto es cierto solo en parte. Ambos géneros se basan en el lado aterrador de la Edad Media y, con frecuencia, ambos presentan los mismos elementos (castillos, fantasmas, monstruos, etc.). Sin embargo, los elementos clave del "Schauerroman" son la nigromancia y las sociedades secretas y es notablemente más pesimista que la novela gótica británica. Todos esos elementos son la base de la novela inacabada de Friedrich von Schiller, "Der Geisterseher – Aus den Papieren des Grafen von O" ("El que ve fantasmas", 1786-1789). El tema de las sociedades secretas también está presente en los "Misterios Hórridos" (1791-1794) de Karl Grosse y en "Rinaldo Rinaldini, der Räuberhauptmann" (Rinaldo Rinaldini, el capitán ladrón) (1797) de Christian August Vulpius.


title: Narrativa gótica

text: Los géneros del "Gespensterroman"/"Geisterroman" ("novela de fantasmas"), "Räuberroman" ("novela de ladrones") y "Ritterroman" ("novela de caballería") también comparten con frecuencia la trama y los motivos con la "novela gótica" británica.


title: Narrativa gótica

text: Como lo sugiere su nombre, el "Räuberroman" se centra en la vida y hechos de forajidos, influenciados por el drama de Friedrich von Schiller "Los bandidos" (1781). "Abällino, der grosse Bandit" (1793) de Heinrich Zschokke fue traducido al inglés por Matthew Lewis como "El Bravo de Venecia" en 1804.


title: Narrativa gótica

text: El "Ritterroman" se centra en la vida y hazañas de caballeros y soldados, pero presenta muchos elementos que se encuentran en la novela gótica, como la magia, los tribunales secretos y un escenario medieval. La novela "Hermann de Unna" (1788) de Benedikte Naubert se considera muy cercana al género "Schauerroman".


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text: Otros autores y obras tempranas incluyeron a Christian Heinrich Spiess, con sus obras "Das Petermännchen" (1793), "Der alte Überall und Nirgends" (1792), "Die Löwenritter" (1794) y "Hans Heiling, vierter und letzter Regent der Erd- Luft- Feuer- und Wasser-Geister" (1798). Asimismo, el cuento de Heinrich von Kleist ""Das Bettelweib von Locarno"" ("La mendiga de Locarno," 1797) y "Der blonde Eckbert" (Eckbert, el rubio, 1797) y "Der Runenberg" (1804) de Ludwig Tieck. Ejemplos tempranos de gótico escrito por mujeres incluyen "Das höfliche Gespenst" (1797) y "Graumännchen oder die Burg Rabenbühl: eine Geistergeschichte altteutschen Ursprungs" (1799) de Sophie Albrecht.


title: Narrativa gótica

text: El "roman noir" ("novela negra") apareció en Francia, por escritores como François Guillaume Ducray-Duminil, Baculard d'Arnaud y Madame de Genlis.


title: Narrativa gótica

text: El marqués de Sade utilizó un marco subgótico para algunas de sus obras de ficción, en particular "Justine o los infortunios de la virtud" (1791) y "Eugenie de Franval", si bien el propio marqués nunca pensó en sus obras de esta manera. Sade criticó el género en el prefacio de sus "Reflexiones sobre la novela" (1800) afirmando que el gótico es "el producto inevitable del choque revolucionario con el que resonó toda Europa". Los críticos contemporáneos del género también notaron la correlación entre el terror de la revolución francesa y la "escuela terrorista" de la escritura representada en Radcliffe y Lewis.


title: Narrativa gótica

text: El gótico ruso no fue visto como un género o etiqueta por los críticos rusos sino hasta la década de 1990. Cuando se usaba, la palabra "gótico" se empleaba para describir a las obras de Fiódor Dostoyevski, particularmente las primeras. La mayoría de los críticos simplemente usaban rótulos como los de "Romanticismo" y "Fantastique", como en la colección de cuentos de 1984 Фантастический мир русской романтической повести, literalmente, "El mundo fantástico de los cuentos y novelas corta del romanticismo ruso”. Sin embargo, desde mediados de la década de 1980, la ficción gótica rusa como género comenzó a ser discutida en libros como "The Gothic-Fantastic in Nine 19th-Century Russian Literature, European Gothic: A Spirited Exchange 1760-1960", "The Russian Gothic novel and its British antecedents" y "Goticheskiy roman v Rossii" (La novela gótica en Rusia). El primer autor ruso cuya obra ha sido descrita como ficción gótica se considera Nikolái Mikhailovich Karamzín. Si bien muchas de sus obras presentan elementos góticos, la primera que se considera que pertenece exclusivamente a la etiqueta de ficción gótica es "Ostrov Borngolm" (Isla de Borngolm) de 1793. Luego, casi 10 años después, Nikolái Ivanovich Gnedich hizo lo propio con su novela "Don Corrado de Gerrera" de 1803, ambientada en España durante el reinado de Felipe II.


title: Narrativa gótica

text: El espeluznante relato del novelista inglés Matthew Lewis sobre libertinaje monástico, magia negra y satanismo titulado "El monje" (1796) introdujo el modo continental del "horror" a Inglaterra. La forma en que Lewis presenta a monjes depravados, inquisidores sádicos y monjas espectrales —y su perspectiva injuriosa sobre la Iglesia católica— horrorizó a algunos lectores, pero "El monje" fue importante para el desarrollo del género.


title: Narrativa gótica

text: "El monje" tuvo influencia incluso en Ann Radcliffe en su última novela, "El italiano" (1797). En este libro, los desventurados protagonistas se ven atrapados en una red de engaños por parte de un monje maligno llamado Schedoni y finalmente son llevados ante los tribunales de la Inquisición en Roma, lo que lleva a un contemporáneo a comentar que si Radcliffe deseaba trascender el horror de estas escenas, tendría que visitar el infierno mismo.


title: Narrativa gótica

text: En 1799, el filósofo William Godwin escribió "St. Leon: A Tale of the Sixteen Century" ("Saint León: Una historia del siglo XVI"), que influyó en "St. Irvyne; or, The Rosicrucian" ("Saint Irvyne o El Rosacruz", 1811) del futuro yerno de Godwin, Percy Bysshe Shelley, y en "Frankenstein" (1818), que fue dedicado a Godwin y escrito por su hija Mary Shelley.


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text: Autoras angloirlandesas también escribieron ficción gótica en el siglo XIX, entre ellas Regina Maria Roche, cuya novela "Clermont" (1798) pasó por varias ediciones, y Sydney Owenson, más conocida por "The Wild Irish Girl" (1806).


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text: Las novelas góticas abundan en esta época, por editoriales como Minerva Press:Cuentos góticos empezaron a aparecer también en revistas femeninas como "The Lady's Monthly Museum" (1798-1832).


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text: Otras contribuciones al género gótico se vieron en la obra de la primera generación de poetas románticos: "The Rime of the Ancient Mariner" (1798) y "Christabel" (1816) de Samuel Taylor Coleridge. El término "gótico" a veces también se usa para describir las baladas de autores rusos como Vasili Zhukovski, particularmente "Ludmila" (1808) y "Svetlana" (1813).


title: Narrativa gótica

text: Los excesos, estereotipos y frecuentes absurdos del gótico tradicional lo convirtieron en un territorio fértil para la sátira. La parodia más famosa del gótico es la novela de Jane Austen "La abadía de Northanger" (1818) en la que la ingenua protagonista, después de leer demasiada ficción gótica, se concibe a sí misma como una heroína de un romance radcliffiano e imagina asesinatos y villanías por todos lados, aunque la verdad resulta ser mucho más prosaica. La novela de Jane Austen es valiosa por incluir una lista de las primeras obras góticas conocidas ya desde entonces como "Northanger Horrid Novels (Novelas horripilantes de Northanger)". Alguna vez se pensó que estos libros, con sus espeluznantes títulos, eran producto de la imaginación de Jane Austen, pero una investigación posterior de Michael Sadleir y Montague Summers confirmó que realmente existían y estimuló un renovado interés en el gótico. Actualmente, todos se están reimprimiendo.


title: Narrativa gótica

text: Otro ejemplo de parodia gótica en una línea similar es "The Heroine" de Eaton Stannard Barrett (1813). Cherry Wilkinson, una protagonista fatua apasionada a la lectura de novelas, se imagina a sí misma como la heroína de un romance gótico. Percibe y modela la realidad de acuerdo con los estereotipos y las estructuras argumentales típicas de la novela gótica, lo que lleva a una serie de hechos absurdos que culminan en una catástrofe. Después de su ruina, sus afectaciones e imaginaciones excesivas eventualmente se ven sometidas por la voz de la razón en la forma de Stuart, una figura paterna, bajo cuya guía la protagonista recibe una sólida educación y corrección de su mal encaminado gusto.


title: Narrativa gótica

text: La poesía, las aventuras románticas y el carácter de Lord Byron, descrito por su despreciada amante Lady Caroline Lamb como "loco, malo y peligroso de conocer", fueron otra inspiración para el gótico, proporcionando el arquetipo del héroe byroniano. Byron aparece incluso como el personaje principal en la novela gótica de Lady Caroline, "Glenarvon" (1816).


title: Narrativa gótica

text: Byron también fue el anfitrión del célebre concurso de historias de fantasmas en el que participaron él mismo, Percy Bysshe Shelley, Mary Shelley y John William Polidori en la Villa Diodati a orillas del lago Lemán en el verano de 1816. Esta ocasión tuvo como resultado tanto el "Frankenstein" de Mary Shelley (1818) como "El Vampiro" de Polidori, que incluía al byroniano Lord Ruthven. "El Vampiro" ha sido considerado por el crítico cultural Christopher Frayling como una de las obras de ficción más influyentes jamás escritas y generó una fiebre por la ficción de vampiros y las obras de teatro (y más tarde el cine) de vampiros que no ha cesado hasta el día de hoy. La novela de Mary Shelley, aunque claramente influenciada por la tradición gótica, a menudo se considera la primera novela de ciencia ficción, a pesar de la omisión en la novela de cualquier explicación científica sobre la animación del monstruo y el énfasis, en cambio, en los problemas morales y las consecuencias de tal creación.


title: Narrativa gótica

text: En la poesía, se encuentran también "La Belle Dame sin Merci" (1819) e "Isabella, or the Pot of Basil" (1820), de John Keats que describen misteriosamente a hadas y fantasmas. En el último poema, los nombres de los personajes, las visiones oníricas y los macabros detalles físicos están influenciados por las novelas góticas tempranas de Ann Radcliffe.


title: Narrativa gótica

text: Un ejemplo tardío del gótico tradicional es "Melmoth el errabundo" (1820) de Charles Maturin, que combina temas de anticatolicismo con un héroe byroniano marginado. "¡La momia!" de Jane Wells Loudon (1827) presenta motivos, personajes y trama góticos estándar, pero con un giro significativo: está ambientada en el siglo XXII y especula sobre fantásticos desarrollos científicos que podrían haber ocurrido cuatrocientos años en el futuro, lo que la convierte en uno de los primeros ejemplos, junto con "Frankenstein", del género de ciencia ficción desarrollándose a partir de las tradiciones góticas.


title: Narrativa gótica

text: Durante dos décadas, el autor más famoso de literatura gótica en Alemania fue el polímata E. T. A. Hoffmann. Su novela "Los elixires del diablo" (1815) fue influenciada por la novela "El monje" de Lewis, e incluso la menciona dentro del libro. La novela también explora el motivo del "doppelgänger", el término acuñado por otro autor alemán (y seguidor de Hoffmann), Jean Paul en su novela humorística "Siebenkäs" (1796-1797). También escribió una ópera basada en el cuento gótico "Undine" (1816) de Friedrich de la Motte Fouqué, en la que el propio de la Motte Fouqué escribió el libreto. Aparte de Hoffmann y de la Motte Fouqué, otros tres autores importantes de la época fueron Joseph Freiherr von Eichendorff ("La estatua de mármol", 1819), Ludwig Achim von Arnim ("Die Majoratsherren", o "Los dueños del mayorazgo", 1819) y Adelbert von Chamisso ("Peter Schlemihls wundersame Geschichte", 1814). Después de ellos, Wilhelm Meinhold escribió "La bruja ámbar" (1838) y "Sidonia von Bork" (1847).


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text: En España, el sacerdote Pascual Pérez Rodríguez fue el novelista más asiduo del gótico, estrechamente alineado con la noción de lo sobrenatural explicado de Ann Radcliffe. Al mismo tiempo, el poeta José de Espronceda publicó "El estudiante de Salamanca" (1837-1840), un poema narrativo que presenta una horrenda variación de la leyenda de Don Juan.


title: Narrativa gótica

text: Viy, señor del inframundo, de la historia del mismo nombre de Gogol


title: Narrativa gótica

text: En Rusia, los autores de la época del romanticismo incluyen: Antony Pogorelsky (seudónimo de Alexey Alexeyevich Perovsky), Orest Somov, Oleksa Storozhenko, Aleksandr Pushkin, Nikolai Alekseevich Polevoy, Mijaíl Lérmontov (por su obra "Stuss") y Aleksandr Aleksándrovich Bestúzhev. Pushkin es particularmente importante, ya que su cuento de 1833 ""La dama de picas"" fue tan popular que fue adaptado a óperas y más tarde a películas por parte de artistas rusos y extranjeros. Algunas partes de ""Un héroe de nuestro tiempo"" (1840) de Mijaíl Lérmontov también se consideran pertenecientes al género gótico, pero carecen de los elementos sobrenaturales de otras historias góticas rusas. Los siguientes poemas también se consideran ahora pertenecientes al género gótico: "Lila" de Meshchevskiy, "Olga" de Katenin, "El novio" de Pushkin, "El sepulturero" de Pletnev y "Demonio" de Lérmontov (1829-1839).


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text: El autor clave de la transición del romanticismo al realismo, Nikolái Vasilievich Gógol, quien también fue uno de los autores más importantes del romanticismo, produjo una serie de obras que se califican como ficción gótica. Cada una de sus tres colecciones de cuentos, presenta una serie de historias que pertenecen al género gótico, así como muchas historias que contienen elementos góticos. Incluyen: "La víspera de San Juan" y "Una terrible venganza" de "Veladas en un caserío de Dikanka" (1831-1832); ""El retrato"" de "los Arabescos" (1835); y ""El viyi"" de "Mirgorod" (1835). Si bien todos estos cuentos son bien conocidos, es este último probablemente el más famoso, habiendo inspirado al menos ocho adaptaciones cinematográficas (dos de las cuales se consideran perdidas actualmente), una película animada, dos documentales y un videojuego. El trabajo de Gógol difiere de la ficción gótica de Europa occidental ya que sus influencias culturales se derivaban del folclore ucraniano, el estilo de vida cosaco y, siendo un hombre muy religioso, el cristianismo ortodoxo.