title: Tontxu

text: Publicado por Emi-Odeón. En la canción "Risk", hace la segunda voz Marilia Andrés Casares, del dúo Ella baila sola. En "Tus modos", colaboran en los coros Hijas del sol. En "As de guía" toca la triki Kepa Junkera.Grabado en septiembre de 1998 en Lisboa (Portugal), con Julio Pereira. Los coros femeninos los hace Olga Cerpa, del grupo Mestisay.Tras un accidente de tráfico sufrido en verano de 1999 en Cuba, por el que tuvo que ingresar en el Hospital de Morón, publicó este disco en 2000 bajo el sello EMI-ODEON. Canta con Inma Serrano el tema Volvería a tropezar en esa piedra.Recopilatorio de los temas más aplaudidos, cantados en directo. Incluye dos temas nuevos: Vuelvo y Chueca. Además, recupera su mítico dueto con Antonio Vega en Para tocar el cielo. Se edita simultáneamente en DVD.Editado en 2004 bajo el sello Tool Music. Producido por Tontxu y Gonzalo Benavides. Contiene 12 temas de Tontxu y una adaptación de I Shall Sing de Van MorrisonEditado en 2005 bajo el sello Tool Music para Vale Music S.L.. El disco más intimista y sincero de Tontxu, producido por Nacho Béjar. "La canción del cotilla" es un dueto con Víctor ManuelSale el 5 de noviembre de 2008 bajo el sello Factoría Autor. Grabado en los estudios CATA de Madrid en abril de 2008. Coproducido por Txarlie Solano, Tontxu.Grabado en el otoño de 2010 en ‘Solo sound recording’ de El Calafate, Santa Cruz, Argentina. Ve la luz en España a principios de 2013. Contiene un DVD de la grabación del álbum y 2 CDs con canciones grabadas exclusivamente a guitarra y voz en lugares como el Glaciar Perito Moreno, las Cuevas del Walichu entre otros.Noveno disco lanzado el 26 de febrero de 2016 con diferentes colaboraciones como Carlos Chaouen, Javier Ruibal, Laura Granados, María Toledo, Road Ramos.Décimo disco lanzado en marzo del año 2019. Canciones creadas en la inspiradora y tranquila Sierra de Gata (Cáceres, España).


title: Rodolphe Töpffer

text: Rodolphe Töpffer (Ginebra, 31 de enero de 1799 - Ib., 8 de junio de 1846) fue un pedagogo, escritor, pintor y caricaturista suizo, considerado el padre de la historieta moderna por bastantes teóricos, asemejándose más sus obras a la novela gráfica que a las manifestaciones que le seguirían.


title: Rodolphe Töpffer

text: Hijo de un pintor aficionado de cuadros de género y paisajes, que le despertaría el gusto por los grabados de William Hogarth, este fue la principal inspiración para sus historietas. Como escritor, Töpffer está influenciado por Molière, Racine, Virgilio, Tácito, y sobre todo, por las ideas de Jean-Jacques Rousseau. Se formó en París y escribió principalmente en francés.


title: Rodolphe Töpffer

text: Trabajó primero como profesor y se casó el 6 de noviembre de 1823 con una amiga de su hermana Ninette, Anne-Françoise Moulinié (1801-1857), de la que tendrá cuatro hijos: Adele-Françoise (1827-1910), el último descendiente directo, que legó a la ciudad de Ginebra todos los manuscritos de su padre; François (1830-1870); Jean-Charles (1832-1905) y Françoise-Esther (1839-1909).


title: Rodolphe Töpffer

text: Un año después, en 1824, montaba un internado en el que acogería a estudiantes de toda Europa.


title: Rodolphe Töpffer

text: En 1827, en parte para entretener a sus alumnos, realizó un pequeño álbum titulado "Les Amours de M. Vieux-Bois", aunque no lo publicó hasta diez años después. En 1829 sí publicó "Voyages et aventures du Docteur Festus", que recibió elogios de Goethe, y a este le siguieron "Histoire de M. Cryptogramme" (1830, editada en "L'Illustration" en 1845), "Mr Pencil" (1831, editada en 1840), "Histoire de M. Jabot" (1831, puesta a la venta en 1835), "The Adventures of Obadiah Oldbuck" (1837), "M. Crépin" (1837) e "Histoire D'Albert" (1844). Son álbumes de formato horizontal, dirigidos a lectores adultos, con una tira de viñetas por página y una o dos líneas de texto al pie de cada viñeta, caracterizados por su espontaneidad y trazo suelto. Los álbumes de Töpffer tuvieron mucho éxito y fueron editados en Francia, Alemania y EE.UU., generando multitud de imitaciones.  Como escritor publicó "La biblioteca de mi tío" (1832), "Novelas ginebrinas" (1829-1840) y unos "Viajes en zigzag" (1844), entre otros trabajos.


title: Rodolphe Töpffer

text: En 1834 se convirtió en miembro conservador del parlamento del Cantón de Ginebra.


title: Rodolphe Töpffer

text: Su "Ensayo sobre fisionomía" de 1845 es considerado como el primer texto teórico del cómic. Töpffer era bien consciente de las potencialidades del medio:


title: Spencer Tracy

text: Spencer Bonaventure Tracy (Milwaukee, Wisconsin; 5 de abril de 1900-Los Ángeles, California; 10 de junio de 1967) fue un actor estadounidense, ganador de dos premios Óscar y un Globo de Oro, fue uno de los más reconocidos del Hollywood Clásico.


title: Spencer Tracy

text: Spencer Bonaventure Tracy nació el 5 de abril de 1900 en Milwaukee, Wisconsin, segundo hijo de un vendedor de camiones y una ama de casa de origen irlandés. Su padre, según relata su hermano mayor Carroll, «era un hombre severo, serio y determinante, y nunca hubo ninguna duda de que nos educaron como católicos. Cuando tuvimos la edad requerida, Spence y yo nos hicimos monaguillos... uno de los mayores deseos de papá era que uno de nosotros fuera sacerdote». El pequeño Spence era un niño conflictivo e hiperactivo y que ponía poca atención en la escuela. A los nueve años, estuvo bajo la tutela de monjas dominicas en un intento de mejorar su conducta. Más adelante, comentó que "nunca habría regresado a la escuela si hubiera existido otra forma de aprender a leer los intertítulos de las películas". Y es que le fascinaba el mundo del cine, viendo una y otra vez las mismas películas y replicando las escenas que había visto con sus amigos y vecinos. Durante su adolescencia, pensó en ser sacerdote católico o médico, pero ni en latín ni en química obtuvo las notas necesarias para optar a alguna de las dos.


title: Spencer Tracy

text: En la Marquette Academy conoció al actor Pat O'Brien y juntos abandonaron los estudios para alistarse en la Marina, Tracy contaba 17 años. Soñaba con entrar en combate, pero cuando la Primera Guerra Mundial terminó, Tracy continuaba en una base de la marina estadounidense en Virginia. Decidió retomar sus estudios (para dar la satisfacción a su padre) y en el Ripon College participó por primera vez en una representación teatral. La experiencia le fascina.


title: Spencer Tracy

text: Tracy fue un estudiante popular en Ripon, donde sirvió como presidente del comedor y estuvo involucrado en multitud de actividades escolares. Allí debutó en junio de 1921, protagonizando la obra "The Truth". Dijo que la interpretación se convirtió en una "obsesión con la actuación cuanto más hablada de ello". Junto a algunos amigos formaron una compañía de actuación llamada Campus Players, a la que llevaron de gira. Como miembro del grupo de debate, Tracy también sobresalió en este aspecto y fue durante una gira con el equipo de debate cuando hizo una audición en la American Academy of Dramatic Arts (AADA) en Nueva York. Le ofrecieron una beca para asistir a la escuela después de realizar una escena de uno de sus papeles anteriores.


title: Spencer Tracy

text: Tracy dejó Ripon y comenzó las clases en la AADA en abril de 1922. O'Brien también se apuntó allí y ambos compartieron un pequeño apartamento. El dinero era escaso, a menudo vivían de comidas a base de arroz y pretzels y compartían un traje decente entre los dos. Se consideró que Tracy estaba en condiciones de avanzar a clases de último año, lo que le permitió unirse al teatro de la academia. Su debut en Nueva York fue en una obra llamada "The Wedding Guests" en octubre de 1922. Su debut en Broadway sería tres meses después, haciendo un papel de robot en "R.U.R." Se graduó en AADA en marzo de 1923.


title: Spencer Tracy

text: Después de su graduación, Tracy se unió a una compañía teatral establecida en White Plains (Nueva York) con papeles secundarios. No era feliz allí y se unió a otra compañía de Cincinnati, pero también permaneció en la sombra. En noviembre de 1923, tuvo un pequeño papel en la obra de Broadway "A Royal Fandango", protagonizada por Ethel Barrymore. Las críticas no fueron buenas y el público fue escaso por lo que la obra se canceló después de 25 actuaciones. Tracy diría después de este fracaso, "Mi ego recibió una paliza terrible." Se puso a trabajar en una empresa en dificultades en Nueva Jersey por un sueldo de 35 centavos al día. En enero de 1924, tuvo su primer papel protagonista con una compañía de Winnipeg, pero ésta cerró al cabo de poco tiempo.


title: Spencer Tracy

text: Tracy finalmente consiguió algunos éxitos uniendo fuerzas con el notable gestor teatral William H. Wright en la primavera de 1924. Formó una gran asociación con la joven actriz Selena Royle, que ya se había hecho un nombre en Broadway. Se convirtió en un actor teatral popular y sus producciones fueron bien recibidas. En una de ellas, llamó la atención de un productor de Broadway, que le dio el papel principal en su nueva producción. "The Sheepman" prestrenada en octubre de 1925, pero recibió malas críticas y cerró después de su gira por Connecticut. Abatido, Tracy se vio obligado a regresar a Wright y al circuito de promesas.


title: Spencer Tracy

text: En 1926, a Tracy se le ofreció un papel en la nueva obra de George M. Cohan llamada "Yellow". Tracy juró que, si la obra no era un éxito, dejaría el escenario y trabajaría en un negocio "normal". Estaba nervioso por trabajar con Cohan, uno de los dramaturgos más importantes de la escena en Estados Unidos, pero ya en los ensayos Cohan le dijo, "¡Tracy, eres el mejor actor que he visto en mi vida!" "Yellow" se estrenó el 21 de septiembre. Las críticas fueron ambivalentes pero se realizaron 135 funciones. Fue el comienzo de una importante colaboración entra Tracy y Cohan. "Habría abandonado el escenario por completo", comentó más tarde, "si no hubiera sido por George M. Cohan." Cohan escribió un papel específicamente para Tracy en su siguiente obra, "The Baby Cyclone", que se estrenó en septiembre de 1927 y que fue todo un éxito. Tracy siguió con otro éxito de una obra de Cohan, "Whispering Friends", y en 1929 compartió cartel con Clark Gable en el drama "Conflict". Le siguieron otros papeles pero fue la obra "Dread", escrita por el dramaturgo Premio Pulitzer Owen Davis el que supuso un auténtico contratiempo. Narra la historia de un hombre que entra en la locura. "Dread" fue preestrenada en Brooklyn en medio de unas excelentes críticas, pero llegó el crack del 29 y no se estrenó en Broadway. Desalentado, Tracy consideró de nuevo dejar el teatro para volver a su Milwaukee natal para buscar un trabajo más estable.


title: Spencer Tracy

text: Pero su suerte cambia en enero de 1930, Tracy fue elegido para interpretar una nueva obra llamada "The Last Mile". Interpretando el papel principal de un asesino que se encuentra en el corredor de la muerte. El productor Herman Shumlin se reunió con Tracy y luego recordaría que "debajo de la superficie, ahí había un hombre apasionado, violento, sensible y desesperado: no un hombre ordinario. Era el hombre para el papel." "The Last Mile" se estrenó en Broadway en febrero y, en su estreno, la actuación de Tracy fue despedida con una ovación de pie y el actor tuvo que salir 14 veces a agradecer los aplausos. La revista "Commonweal" escribió que Tracy representa "uno de nuestros mejores y más versátiles actores jóvenes del momento". La obra fue aclamada por la crítica, y se representó en 289 actuaciones.


title: Spencer Tracy

text: En 1930, Broadway era la gran mina que el cine iba buscando para sus nuevas películas sonoras. Tracy se presentó a algunos castings y actuó en dos cortometrajes de Vitaphone ("Taxi Talks" y "The Hard Guy"), pero, por aquel entonces, no se consideraba a sí mismo como un actor de cine: "No tenía ambiciones y era feliz en el escenario", explicó más tarde en una entrevista. Una de las personas que sí que vio "The Last Mile" fue el director John Ford. Ford quería a Tracy para su papel principal en su siguiente película, una de estilo carcelario. Su productora, la Fox Film Corporation no lo tenía tan claro, argumentando que no era fotogénico. Pero Ford les convenció de que era la persona adecuada. "Río arriba (Up the River)" (1930) marcó el debut tanto de Tracy como de Humphrey Bogart en la pantalla. Después de verlo en los visionados previos al estreno, Fox inmediatamente le ofreció un contrato de larga duración. Sabedor de que necesitaba el dinero para su familia (su hijo pequeño era sordo y se estaba recuperando de la polio), Tracy firmó con Fox y se mudó a California. Después de esto, subió a un escenario de teatro tan solo una vez más en su vida.


title: Spencer Tracy

text: Winfield Sheehan, jefe de Fox, se propuso explotar económicamente a Tracy. El estudio promovió al actor, poniendo en el cartel de su segunda película "Quick Millions" (1931) el subtítulo "A New Star Shines". Tres largometrajes siguieron a esta sucesión, todos ellos sin mucha repercusión en taquilla. Tracy se vio a sí mismo encasillado en comedias, por lo general interpretando a estafadores. Este encasillamiento se rompió con su séptimo trabajo, "Conducta desordenada (Disorderly Conduct )" (1932), que curiosamente fue la primera película desde "Río arriba" que generó grandes beneficios a la compañía.


title: Spencer Tracy

text: A mediados de 1932, después de haber trabajado en nueve películas, Tracy todavía no era un rostro conocido para el gran público. Consideró dejar Fox una vez que su contrato expirase, pero un aumento en su tarifa semanal a 1,500 dólares semanales lo convenció de quedarse. Continuó trabajando en filmes poco memorables como "Mi chica y yo (Me and My Gal)" (1932) estableciendo un récord histórico de fracaso en taquilla en el Roxy Theatre de Nueva York. Fue prestado a la Warner Bros. para protagonizar "Veinte mil años en Sing Sing (20,000 Years in Sing Sing)" (1932), un drama carcelario donde compartía cartel con Bette Davis. Tracy tenía la esperanza de que sería su papel destacado, pero a pesar de las buenas críticas, esto no se materializó. Los críticos empezaron a fijarse en Tracy en "Poder y gloria (The Power and the Glory)" (1933). La historia del ascenso de un empresario escrita por Preston Sturges. La interpretación de Tracy como magnate ferroviario tuvo excelentes críticas. William Wilkerson de "The Hollywood Reporter" escribió: "Este excelente intérprete finalmente ha tenido la oportunidad de mostrar una habilidad que había sido encasillada por los roles de gánsteres & nbsp; ... [la película] ha presentado al Sr. Tracy como uno de los mejores actores de la pantalla". Mordaunt Hall del "The New York Times" escribió: "No se ha ofrecido una actuación más convincente en la pantalla que la suplantación de Tom Garner por Spencer Tracy". "Shanghai Madness " (1933), mientras tanto, le dio a Tracy un atractivo sexual nunca antes visto y sirvió para mejorar su posición. A pesar de esta atención, las siguientes dos películas de Tracy pasaron desapercibidas. "Fueros humanos" (1933) con Loretta Young se esperaba que fuera un éxito, pero solo obtuvo pequeños beneficios. "The Show-Off" (1934), para lo cual fue prestado a Metro-Goldwyn-Mayer, resultó relativamente popular.


title: Spencer Tracy

text: Tracy comenzó a beber durante sus años con Fox, tanto, que se ganó una reputación como alcohólico. No se presentó a la filmación de "Marie Galante" en junio de 1934 y fue encontrado en su habitación de hotel, inconsciente después de dos semanas de excesos. Tracy fue retirado de la nómina de Fox mientras se recuperaba en un hospital, y luego demandado por 125,000 dólares por retrasar la producción. Tan solo hizo dos películas más para el estudio.


title: Spencer Tracy

text: Los detalles de como Tracy y la Fox acabaron continúan siendo poco claras. Más tarde en la vida, Tracy sostuvo que fue despedido por su comportamiento ebrio, pero los registros de Fox no respaldan tal versión. Todavía estaba bajo contrato con el estudio cuando MGM expresó su interés en el actor. Necesitaban una nueva estrella masculina y se pusieron en contacto con Tracy el 2 de abril de 1935, ofreciéndole un contrato por siete años. Esa tarde, el contrato entre Tracy y Fox se rescindió "de mutuo acuerdo". Tracy había hecho un total de 25 películas en cinco años para la Fox Film Corporation, muchas de ellas fracasos de taquilla.


title: Spencer Tracy

text: En 1935 firma con la Metro-Goldwyn-Mayer un contrato en exclusiva. Cuando Tracy llegó allí, era prácticamente un desconocido. Su biógrafo James Curtis escribe: "Tracy fue apenas un advenedizo en el barómetro de la taquilla en 1935, un favorito de los críticos y poco más". Sin embargo, era bien conocido por ser un alborotador. El productor Irving Thalberg estaba entusiasmado con trabajar con él y comentó a la periodista Louella Parsons: "Spencer Tracy se convertirá en una de las estrellas más valiosas de la MGM."


title: Spencer Tracy

text: Curtis comenta que el estudio intentó tratarlo con mimo, un cambio viniendo de la apatía que había conocido mientras estaba en Fox, y que fue como "una inyección de adrenalina" para el actor. Su primer filme bajo el nuevo contrato se produjo rápidamente: "La voz que acusa (The Murder Man)" (1935), donde también incluía el debut de James Stewart. Thalberg comenzó una estrategia de emparejar a Tracy con las grandes estrellas del estudio: "Jaque al rey (Whipsaw)" (1935) junto a Myrna Loy y que tuvo una excelente acogida, y "Flor de arrabal (Riff raff)" (1936) con Jean Harlow. Ambos largometrajes, sin embargo, estaban diseñados para las actrices, por lo que Tracy continuaba estando en un segundo plano.


title: Spencer Tracy

text: "Furia" (1936) fue la primera película donde se demostró que Tracy podía ser un éxito de taquilla por sí solo. Dirigida por Fritz Lang, Tracy interpreta a un hombre que busca venganza después de escapar de un grupo de linchamiento. Tanto la película como su interpretación recibió excelentes críticas y aportó beneficios de un 1,300.000 dólares en todo el mundo. Curtis escribe: "el público que, apenas un año antes, no tenía claro cómo entenderlo, de repente estaba volviéndose a verlo. Fue una transición que fue nada menos que milagrosa ... [y mostró] una voluntad por parte del público a abrazar a un protagonista que no era ni guapo ni más grande que la vida."


title: Spencer Tracy

text: A "Furia" le siguió un mes después otro éxito de taquilla, "San Francisco" (1936). Tracy interpretó un papel secundario a la sombra de Clark Gable, permitiendo que el público lo viese con la mejor estrella masculina de Hollywood. Haciendo el papel de sacerdote, Tracy sintió una gran responsabilidad al representar a la iglesia. A pesar de aparecer tan solo 17 minutos en pantalla, fue ampliamente alabado hasta el punto de recibir su primera nominación a los Óscar en la categoría de . "San Francisco" se convirtió en el gran éxito de taquilla de 1936. Donald Deschner, en su libro sobre Tracy, atribuye a "Furia" y "San Francisco" las "dos películas que cambiaron su carrera y le otorgaron el estatus de estrella importante".


title: Spencer Tracy

text: En este punto, Tracy entró en un periodo de sobriedad interpretativa y MGM expresó su satisfacción por el profesionalismo de Tracy. Su reputación continuó creciendo con "Una mujer difamada (Libeled Lady)" (1936), un screwball comedy que compartía reparto con William Powell, Loy y Harlow. Según Curtis, "Powell, Harlow y Loy estaban entre los mayores atractivos de la industria, y la facturación equitativa en una empresa tan poderosa solo podría servir para mejorar la posición de Tracy". "Libeled Lady" fue su tercer trabajo en un espacio de seis meses.


title: Spencer Tracy

text: Tracy apareció en cuatro filmes en 1937. "They Gave Him a Gun" un drama criminal, pasó casi desapercibida, pero "Capitanes intrépidos (Captains Courageous)" fue uno de los mayores éxitos del año. Tracy encarnaba a un pescador portugués en esta película de aventuras, basada en la novela de Rudyard Kipling. A Tracy le costó bastante intentar imitar el acento extranjero, pero este personaje encandiló a los espectadores y Tracy consiguió su primer . A "Capitanes intrépidos" le siguió "Big City" con Luise Rainer y "Maniquí (Mannequin)" con Joan Crawford, esta última tuvo una buena aceptación en taquilla. Con unos cuantos éxitos en dos años y con el reconocimiento de la industria, Tracy se convirtió en una auténtica estrella. Ya en la lista de 1937 para encontrar al "Rey y la Reina de Hollywood", Tracy figuraba en el sexto puesto. Tracy se reunió con Gable y Loy en "Piloto de pruebas" (1938), que fue otro éxito de público y crítica, cimentando permanentemente la noción de Gable y Tracy como un equipo.


title: Spencer Tracy

text: En respuesta a la buena respuesta de sacerdote en "San Francisco", MGM lo volvió a escoger como religioso para "Forja de hombres (Boys Town )" (1938). Encarnando a Edward J. Flanagan, un sacerdote católico y fundador de la Ciudad de los Muchachos, fue un papel que Tracy se tomó muy en serio: "Estoy tan ansioso por hacer un buen trabajo como el padre Flanagan que me preocupa, me mantiene despierto por la noche". Tracy recibió una buena acogida y el filme recogió 4 millones de dólares en todo el mundo. Por segundo año consecutivo, Tracy recibió el Óscar a la Academia al Mejor Actor. Se mostró humilde sobre el reconocimiento y dijo en su discurso de aceptación: "Honestamente, no siento que pueda aceptar este premio; ... puedo aceptarlo sólo como estaba destinado a ser para un gran hombre: el padre Flanagan". Aunque recibió el Oscar, Tracy envió esta segunda estatuilla al mismo Flanagan. Tracy se posicionó en el quinto actor más taquillero de 1938.


title: Spencer Tracy

text: Tracy estuvo ausente de las pantallas durante casi un año antes de regresar a Fox en calidad de préstamo y aparecer como Henry M. Stanley en "Stanley y Livingstone" (1939) con Nancy Kelly. Curtis sostiene que la falta de visibilidad de Tracy no favoreció la aceptación ante el público. En octubre de 1939, la revista "Fortune" puso a Tracy en cabeza de la lista de los actores favoritos.


title: Spencer Tracy

text: MGM capitalizó la popularidad de Tracy introduciéndole en cuatro películas en 1940. La primera de ellas "Esta mujer es mía (I Take This Woman)" con Hedy Lamarr fue un fracaso comercial, pero la épica histórica "Paso al noroeste (Northwest Passage)"—la primera película de Tracy en Technicolor— fue muy popular. Posteriormente, encarnó a Thomas Alva Edison en "Edison, el hombre (Edison, the Man)". A Howard Barnes del "New York Herald Tribune" no le gustó la historia, pero escribió que Tracy, "por pura persuasión de su actuación", hacía que la película fuera digna. "Fruto dorado (Boom Town)" fue el tercer y último trabajo del dúo Gable-Tracy, donde compartían cartel con Claudette Colbert y Hedy Lamarr, convirtiéndola en una de las películas más esperadas del año.


title: Spencer Tracy

text: Tracy firmó un nuevo contrato con MGM en abril de 1941, en el que pasaba a cobrar 5.000 dólares a la semana y le permitía limitarse a rodar tres películas al año (Tracy había expresado previamente la necesidad de reducir su carga de trabajo). El contrato también establecía por primera vez que su nómina sería "la de una estrella". Contrariamente a la creencia popular, el contrato no incluía una cláusula en la que recibía un caché superior, pero a partir de este momento, todas las películas en las que apareció Tracy mostraban su nombre en primer lugar.


title: Spencer Tracy

text: Tracy volvió a encarnar al Padre Flanagan en la secuela "La ciudad de los muchachos (Men of Boys Town)" (1941). A ésta le siguió su única incursión en el género del terror, una adaptación del "Dr. Jekyll y Mr. Hyde" junto a Ingrid Bergman y Lana Turner. Tracy no estaba contento con la película porque no le gustaba el espeso maquillaje que necesitaba para interpretar a Hyde. La crítica se dividió al respecto sobre la película pero funcionó bien en taquilla recaudando dos millones.


title: Spencer Tracy

text: Tracy fue elegido para protagonizar la versión cinematografía de "The Yearling" en 1942, pero algunos problemas en la programación y el mal tiempo de la localización donde se iba rodar, obligaron a la MGM a abandonar el proyecto. Con esta cancelación, Tracy estaba disponible para ser la pareja de la nueva película de Katharine Hepburn, "La mujer del año" (1942). Hepburn admiraba mucho a Tracy, llamándolo "el mejor actor de cine que había" y ya lo había querido en "Historias de Filadelfia" (1940). La comedia fue bien recibida tanto por crítica como por público. William Boehnel escribió para el "New York World-Telegram", "Para empezar, tiene a Katharine Hepburn y Spencer Tracy en los papeles principales. Esto en sí mismo sería suficiente para hacer que cualquier película sea memorable. Pero cuando consigues que Tracy y Hepburn realicen actuaciones brillantes, tienes más cosas por las que celebrarlo."


title: Spencer Tracy

text: A "La mujer del año" le siguió una adaptación de una obra de John Steinbeck "La vida es así (Tortilla Flat)" (1942) que tuvo una tibia recepción. MGM decidió volver a reunir a la pareja Tracy-Hepburn y lo hicieron en el filme de misterio "La llama sagrada (Keeper of the Flame)" (1942). A pesar de las críticas negativas comparándola con "Woman of the Year", se afianzó aún más la química de la pareja para futuros proyectos.


title: Spencer Tracy

text: Los siguientes proyectos de Tracy tuvieron una temática bélica. "Dos en el cielo (A Guy Named Joe)" (1943) con Irene Dunne sobrepasó a "San Francisco" en éxito de taquilla. "La séptima cruz (The Seventh Cross)" (1944), un filme de suspense sobre la fuga de un campo de concentración nazi, fue aplaudida por la crítica. A esta le siguió el filme sobre aviación "Treinta segundos sobre Tokyo" (1944). Sobre la base de estos tres lanzamientos, la encuesta anual "Encuesta de Quigley" reveló que Tracy era la estrella más importante de la MGM en 1944, Su única película en 1945 fue la tercera con Hepburn, "Sin amor (Without Love)", una comedia romántica ligera que tuvo una buena respuesta en la taquilla a pesar del silencio de los críticos.


title: Spencer Tracy

text: En 1945, Tracy volvió al teatro por primera vez en 15 años. Había pasado personalmente por una etapa oscura, que culminó con un paso por el hospital, y Hepburn sintió que una obra lo ayudaría a recuperar la concentración. Tracy dijo a un periodista en abril, "Volveré a Broadway para ver si puedo seguir actuando." La obra era "The Rugged Path" de Robert E. Sherwood. La premiere fue en Providence el 28 de septiembre, con todas las localidades vendidas y una respuesta tibia. Fue una producción difícil. El director Garson Kanin escribió posteriormente: "En los diez días previos a la apertura de Nueva York, todas las relaciones importantes se habían deteriorado. Spencer estaba tenso e inflexible, no podía, o no quería, tomar la dirección". Tracy consideró dejar la obra antes de que se estrenase en Broadway, y duró allí solo seis semanas antes de anunciar su intención de cerrar el espectáculo. La obra se cerró el 19 de enero de 1946, después de 81 funciones. Tracy explicó posteriormente a un amigo: "No podía decir esas malditas líneas una y otra y otra vez todas las noches ... Al menos cada día es un nuevo día para mí en las películas."


title: Spencer Tracy

text: Tracy no participó en ninguna película en 1946, el primer año desde su debut que ocurrió semejante cosa. Su siguiente filme fue "Mar de hierba (The Sea of Grass)" (1947) un melodrama ambientado en el Viejo Oeste junto a Hepburn. De manera similar a "Keeper of the Flame" y "Without Love", obtuvo una tibia respuesta de los críticos pero eso no impidió que fuera un éxito taquillero tanto en casa como en el extranjero. Siguió a este proyecto "Dos edades del amor (Cass Timberlane)", en el que interpreta a un juez. Fue otro éxito comercial pero Curtis anota que su compañera en el reparto Lana Turner ensombreció a Tracy en muchas de las críticas.


title: Spencer Tracy

text: El quinto filme junto a Hepburn, fue el drama político de Frank Capra "El estado de la Unión (State of the Union)", estrenado en 1948. Tracy interpretaba a un candidato a Presidente, que fue recibido calurosamente. A ella le siguió "Edward, mi hijo (Edward, My Son)" (1949) con Deborah Kerr. A Tracy no le gustó el papel y le dijo al director George Cukor, "Es bastante desconcertante para mí descubrir la facilidad con la que toco un tacón". Después del estreno, "The New Yorker" escribió que "desesperante mala interpretación del Sr. Tracy". La respuesta en taquilla fue igual que las críticas y fue uno de los grandes fracasos de la MGM de ese año.


title: Spencer Tracy

text: Tracy acabó la década de los 40 con "Malaca" (1949), una película de aventuras junto a James Stewart, y "La costilla de Adán (Adam's Rib)" (también de 1949), una comedia con Tracy y Hepburn interpretando a dos abogados casados que se enfrentan en un caso en el juzgado. Los amigos de Tracy y Hepburn, Garson Kanin y Ruth Gordon, escribieron las partes específicamente para los dos protagonistas. La película recibió increíbles críticas y se convirtió en la película de Tracy-Hepburn más taquillera hasta la fecha. El crítico de cine Bosley Crowther escribió: "El Sr. Tracy y la Srta. Hepburn son los artistas estelares en este programa y es una delicia ver su perfecta compatibilidad en las travesuras cómicas".


title: Spencer Tracy

text: Tracy recibió su primer nominación al Óscar después de 12 años por su papel de Stanley Banks en "El padre de la novia" (1950). En esta comedia, Banks intenta poner trabas a los preparativos de boda de su hija (Elizabeth Taylor). "Es la segunda comedia consecutiva para Spencer Tracy, haciendo el papel principal, y lo califica", comentó "Variety". El filme volvió a ser un éxito en la carrera de Tracy, recaudando seis millones en todo el mundo. MGM quería una secuela pero Tracy, aunque no lo veía claro, aceptó. "El padre es abuelo (Father's Little Dividend)" (1951) fue estrenada meses después y también funcionó en la taquilla. Gracias a estas dos películas, Tracy volvió a ser una de las principales estrellas del país.


title: Spencer Tracy

text: Tracy encarnó a un abogado en "El caso O'Hara (The People Against O'Hara)" (1951) y repitió con Hepburn en la comedia deportiva "La impetuosa (Pat and Mike)" (1952), el segundo largometraje escrito expresamente para ellos por Kanin y Gordon. "Pat and Mike" se convirtió en una de las películas más populares y aclamadas por la crítica del dúo. Tracy siguió trabajando con "La aventura de Plymouth (Plymouth Adventure)" (también en 1952), un drama histórico bastante aburrido a bordo del "Mayflower", con Gene Tierney como compañera de reparto. Tuvo una mala respuesta de crítica y taquilla y registró una pérdida de 1.8 millones para MGM. Tracy volvió al papel de un padre preocupado en "La actriz" (1953). El productor Lawrence Weingarten recordó: "Esa película & nbsp; ... obtuvo más [elogios] de los críticos que cualquier película que haya hecho en todos estos años, pero no ganamos lo suficiente para pagar ni a los acomodadores del teatro. Por su actuación en "La actriz", Tracy ganó un y recibió una nominación para el .


title: Spencer Tracy

text: MGM prestó a Tracy a la Fox para interpretar el western "Flecha rota (Broken Lance)", su único trabajo en 1954. En 1955, Tracy se negó a ponerse a las órdenes de William Wyler con "Horas desesperadas (The Desperate Hours)" porque se negó a trabajar con Humphrey Bogart. En cambio, Tracy apareció como un manco que se enfrenta a la hostilidad de un pequeño pueblo del desierto en "Conspiración de silencio (Bad Day at Black Rock)" (1955), una película dirigida por John Sturges. Por su trabajo, Tracy recibió su quinta nominación al Oscar y fue galardonado con el en el Festival de Cine de Cannes.


title: Spencer Tracy

text: Tracy personalmente no estaba contento con la imagen y amenazó con irse durante la producción. Este comportamiento se convirtió en una constante en Tracy, que se estaba labrando una actitud letárgica y cínica. De hecho, comenzó la producción de "La ley de la horca (Tribute to a Bad Man)" en el verano de 1955, pero se retiró cuando afirmó que el lugar de rodaje en las montañas Colorado le provocaba mal de altura y fue sustituido por James Cagney. Los problemas causados por esta actitud, provocó la ruptura de Tracy con MGM. En junio de 1955, era una de las dos últimas estrellas restantes de los años más gloriosos del estudio (el otro era Robert Taylor), pero con su contrato pendiente de renovación, Tracy optó por trabajar como autónomo por primera vez en su carrera cinematográfica.


title: Spencer Tracy

text: Su primer trabajo después de dejar MGM fue "La montaña siniestra (The Mountain)" (1956) con Robert Wagner, que interpretó a su hermano mucho menor (Wagner había interpretado anteriormente a su hijo en "Broken Lance"). La filmación en los Alpes franceses resultó una experiencia difícil y amenazó con abandonar el proyecto. A pesar de eso, su interpretación le valió una nominación de los Premios BAFTA al mejor actor extranjero. Posteriormente, Tracy y Hepburn protagonizaron su octava película juntos con la comedia "Su otra esposa (Desk Set)" (1957), De nuevo, A Tracy tuvieron que retenerlo en el rodaje porque se quería marchar y, quizás como respuesta, el filme tuvo una fría acogida.


title: Spencer Tracy

text: Tracy apareció entonces en el "El viejo y el mar" (1958), un proyecto que se desarrolló en cinco años. Como adaptación de la novela homónima de Ernest Hemingway, el agente del escritor, Leland Hayward, había escrito al autor en estos términos: "De todas las personas de Hollywood, la que más se acerca al personaje en calidad, personalidad y voz, dignidad personal y capacidad, es Spencer Tracy". Tracy estuvo encantado cuando se le ofreció el papel. Le dijeron que perdiera algo de peso antes de que comenzara la filmación, pero no pudo hacerlo. Por lo tanto, Hemingway informó que Tracy era una "terrible responsabilidad para la película" y se le aseguró a la estrella que estaba siendo fotografiada cuidadosamente para disfrazar su problema de peso. Apareciendo solo en la pantalla durante la mayor parte de la película, Tracy consideró "El viejo y el mar" su papel más difícil que jamás hubiera interpretado. Al revisar la actuación, Jack Moffitt de " The Hollywood Reporter " dijo que era "tan íntima y reveladora de la experiencia humana universal que, para mí, casi trascendió la actuación y se convirtió en realidad". Tracy recibió nominaciones a los premios Oscar y BAFTA por este trabajo.


title: Spencer Tracy

text: Después de abandonar dos proyectos (el primero el remake de "El ángel azul" con Marilyn Monroe, y el segundo "Ten North Frederick"), su siguiente trabajo fue "El último hurra" (1958). Tracy se reunía con el director que le ofreció el debut, John Ford, después de 28 años y con su amigo Pat O'Brien. Tracy tardó un año en comprometerse con el proyecto, en el que interpretó a un alcalde irlandés-estadounidense que buscaba la reelección. El filme fue valorado por la crítica pero con poco imán de taquilla. A finales de 1958, el National Board of Review nombró a Tracy el mejor actor de año. Sin embargo, el actor comenzaba a reflexionar sobre la jubilación, y Curtis escribió que estaba "crónicamente cansado, infeliz, enfermo y desinteresado en el trabajo".


title: Spencer Tracy

text: Tracy no volvería a la pantalla hasta el estreno de "La herencia del viento" (1960), un filme basado en el Juicio de Scopes donde se debatió el derecho a enseñar la teoría de la evolución en las escuelas. El director Stanley Kramer pensó en Tracy para interpretar el papel de abogado Henry Drummond (basado en Clarence Darrow). Su contrario sería Fredric March, una pareja que la revista "Variety" describiría como "un golpe de genio del casting & nbsp; ... Ambos hombres son hechiceros en el sentido más elogioso de la palabra." El filme daría a Tracy una de sus interpretaciones más potentes, que le valió otra nominación al Oscar y un premio BAFTA y un Globo de Oro.


title: Spencer Tracy

text: En "El diablo a las cuatro (The Devil at 4 O'Clock)" (1961), Tracy se introducía en elgénero de Cine catástrofe interpretando a un sacerdote por cuarta ocasión en su carrera. Su compañero de reparto, Frank Sinatra, cedió parte de su salario para permitir que Tracy estuviera en el proyecto. Continuando con su patrón de indecisión, Tracy se retiró brevemente de la producción antes de volver a comprometerse. Los críticos fueron poco entusiastas con la película, a pesar de que fue el éxito de taquilla más rotundo de Tracy desde "El padre de la novia".


title: Spencer Tracy

text: "La herencia del viento" comenzó una colaboración duradera entre Stanley Kramer y Tracy. El director contó con Tracy en tres películas. " ¿Vencedores o vencidos?", estrenada a finales de 1961, fue su segundo largometraje juntos. La película describe el "Juicio de los jueces", el juicio de los jueces nazis por su papel en el Holocausto. Abby Mann escribió el papel del juez Haywood con Tracy en la mente; Tracy dijo que era el mejor guion que jamás había leído. Al final de la película, Tracy pronunció un discurso de 13 minutos. Lo grabó en una sola toma y recibió un aplauso del elenco y del equipo. Al ver la película, Mann le escribió a Tracy: "Todo escritor debería tener la experiencia de tener a Spencer Tracy haciendo sus líneas. No hay nada en el mundo que se le parezca". La película recibió críticas positivas y una gran audiencia y Tracy recibió su octava nominación al Oscar por su actuación.


title: Spencer Tracy

text: Tracy descartó dos proyectos en "Larga jornada hacia la noche" (1962) y "El gatopardo" (1963), y decidió apuntarse al gran elenco de la MGM en "La conquista del Oeste" (1962). Pudo grabar la pista de narración de la película. Tracy estaba muy enfermo y cada trabajo se convirtió en un desafío. En 1962, asumió el papel del Capitán TG Culpeper en la comedia de Kramer "El mundo está loco, loco, loco" (1963), un papel pequeño pero clave que pudo completar en nueve días. A pesar de su breve intervención, Tracy encabezaba el reparto y se convirtió en el gran éxito taquillero del año. Como su salud empeoraba, tuvo que cancelar proyectos con los que se había comprometido como "El gran combate" (1964) y "El rey del juego" (1965). Aunque las ofertas continuaban llegando, Tracy no volvería a ponerse delante de las cámaras hasta 1967 para volver a ser dirigido por Kramer en "Adivina quién viene esta noche" (1967), su novena y última película con Hepburn.


title: Spencer Tracy

text: "Adivina quien viene esta noche" explora el tema del matrimonio interracial, con Tracy interpretando a un editor de periódicos de mentalidad liberal cuyos valores son desafiados cuando su hija desea casarse con un hombre negro, interpretado por Sidney Poitier. Tracy parecía feliz de trabajar nuevamente, pero les dijo a los periodistas que visitaban el set que la película sería la última porque se retiraría definitivamente después de filmar debido a sus problemas de salud. Antes de comenzar a rodar, Tracy tuvo que ser asegurado por una alta prima de 71.000 dólares si moría durante la filmación. Hepburn y Kramer pusieron sus salarios en fideicomiso hasta que Tracy acabara sus escenas. Con una salud muy delicada, Tracy solo podía trabajar dos o tres horas al día. Su última escena la filmaría el 24 de mayo de 1967 y moriría 17 días después, de un ataque al corazón.


title: Spencer Tracy

text: La película se estrenó en diciembre de 1967 y, aunque las críticas fueron variadas, Curtis señala que "la actuación de Tracy fue objeto de elogios por casi todos". Brendan Gill del "The New Yorker" escribió que Tracy hizo "una interpretación impecable y, dadas las circunstancias, desgarradora". La película se convirtió en la película más taquillera de Tracy. Recibió numerosas nominaciones póstumas como el Oscar al mejor actor, el Globo de Oro y el premio BAFTA al mejor actor.


title: Spencer Tracy

text: Tracy siempre tuvo una personalidad compleja: duro, seco, apasionado, alcohólico y parco en palabras, prefiriendo la infidelidad al divorcio. Casado desde 1923 hasta su muerte en 1967 con Louise Treadwell, de la que tuvo dos hijos. Su hijo, John Ten Broeck Tracy, nació en junio de 1924. Cuando tenía 10 meses, Louise descubrió que el niño era sordo pero no le dijo nada a Tracy hasta tres meses después. Tracy quedó devastado por la noticia y siempre se sintió culpable por ello, como una consecuencia de sus propios pecados. Como resultado, Tracy siempre mantuvo cierta distancia con su hijo discapacitado, y su familia respecto a él.


title: Spencer Tracy

text: Tracy abandonó a su familia en 1933, y él y Louise comenzaron una separación aireada en la prensa, aunque anunciaron que continuaban siendo amigos y que no se divorciarían. Desde septiembre de 1933 a junio de 1934, Tracy tuvo un romance público con Loretta Young, su compañera en "Fueros humanos". Se reconcilió con Louise en 1935. Después de eso, nunca hubo una separación oficial entre Tracy y su mujer pero el matrimonio continuó con problemas. Tracy estuvo viviendo en hoteles en la década de 1940, haciendo vidas separadas. Se lo relacionó con numerosos romances extramatrimoniales; entre sus amantes estuvieron sus compañeras de rodaje Joan Crawford en 1937 e Ingrid Bergman en 1941.


title: Spencer Tracy

text: En el rodaje de "La mujer del año" en septiembre de 1941, Tracy comenzó una relación con Katharine Hepburn. La actriz lo veneraba, y la relación secreta duró hasta la muerte de Tracy 26 años después.


title: Spencer Tracy

text: Los magnates de MGM intentaban de todas las maneras proteger a sus estrellas de la polémica, y Tracy deseaba ocultar su relación con Hepburn a su esposa, así que no aparecían juntos en actos públicos. La pareja no convivió hasta los años finales de Tracy, cuando compartieron una cabaña en la finca de George Cukor en Beverly Hills. En Hollywood, de todas maneras, la relación era un secreto a voces. Angela Lansbury, que trabajó con ambos en "El Estado de la Unión", dijo posteriormente: "Todos lo sabíamos, pero nadie dijo nada. En aquellos días no se discutía". Tracy no solía expresar sus emociones en público, pero su amiga Betsy Drake creía que "era un completo dependiente de Hepburn". La infidelidad de Tracy continuó aparentemente y se tiene constancia de un romance con Gene Tierney durante el rodaje de "Plymouth Adventure" en 1952.


title: Spencer Tracy

text: A pesar de su distanciamiento, ni Tracy ni su mujer pensaron en divorciarse. Tracy dijo a Joan Fontaine, "Puedo divorciarme cuando quiera, pero a mi esposa y a Kate les gustan las cosas tal como están". Hepburn no interfirió y nunca luchó por el matrimonio.


title: Spencer Tracy

text: Tracy era un católico declarado, pero su prima, Jane Feely, dijo que no seguía devotamente la religión: "tampoco era un católico practicante. Yo lo llamaría un católico espiritual". Garson Kanin, un amigo de Tracy durante 25 años, lo describió como "un auténtico creyente" que respetaba la religión. En varios periodos de su vida, Tracy atendía a los medios regularmente. Tracy no creía que los actores tuvieran que hacer públicas sus ideas políticas, pero en 1940 prestó su nombre al comité "Hollywood para Roosevelt" y se identificó personalmente por los demócratas.


title: Spencer Tracy

text: Tracy tuvo problemas con la bebida durante toda su vida adulta, un problema que ya corría en la familia de su padre. En lugar de ser un bebedor constante, como se pensaba comúnmente, era propenso a períodos intermitentes de borracheras. Loretta Young remarcaba que Tracy era "horrible" cuando bebía y fue arrestado en un par de ocasiones por su conducta cuando estaba ebrio. Por su mala reacción con el alcohol, Tracy se embarcaba regularmente en períodos prolongados de sobriedad y desarrollaba una rutina de todo o nada. Hepburn comentó que podía dejar la bebida durante "meses e incluso años" antes de volver a caer sin previo aviso.


title: Spencer Tracy

text: Tracy era propenso también a sufrir episodios de depresión y ansiedad: la Sra. Tracy lo describió con "la disposición más volátil que he visto en mi vida: en las nubes en un minuto y en las profundidades en el siguiente. Y cuando caía bajo, caía muy, muy bajo ". tuvo episodios de insomnio durante toda su vida. Como resultado, Tracy se convirtió en dependiente de los barbitúricos para dormir y de la dexedrina para actuar. Hepburn, que adoptó también el papel de enfermera de Tracy, nunca entendió la constante infelicidad de su compañero. Escribió en su autobiografía: "¿Qué era?... Nunca estaba en paz... agarrotado por una especie de culpabilidad. Alguna desgracia terrible."


title: Spencer Tracy

text: Su vida adulta de alcoholismo, fumar cigarrillos, tomar pastillas y tener sobrepeso lo dejaron en mal estado de salud cuando llegó a los 60 años. El 21 de julio de 1963, Tracy fue hospitalizado después de un severo ataque de disnea. Los doctores dictaminaron que sufría un edema pulmonar, donde el líquido se acumulaba en los pulmones debido a la incapacidad del corazón para bombear correctamente. A la prensa, tan solo manifestaron que tenía la presión sanguínea alta. A partir de ese momento, Tracy se mantuvo muy débil y Hepburn se mudó a su casa para brindarle atención constante. En enero de 1965, se le diagnosticó una enfermedad cardíaca hipertensiva y comenzó el tratamiento de una hasta entonces no diagnosticada diabetes de Tipo II. Tracy casi falleció en septiembre de 1965 y estuvo hospitalizado por una prostatectomia que provocó que le fallaran los riñones, pasando la noche en coma. Su recuperación al día siguiente fue descrita por los doctores como una "especie de milagro".


title: Spencer Tracy

text: Tracy se mudó los dos años restantes a casa de Hepburn y se dedicó a una vida sin sobresaltos: leer, pintar y escuchar música. El 10 de junio de 1967, 17 días después de haber acabado el rodaje de "Adivina quién viene esta noche", Tracy se levantó a las tres de la madrugada para hacerse una taza de té en su apartamento de Beverly Hills. Hepburn describió en su autobiografía cómo ella lo siguió hasta la cocina: "Justo cuando estaba a punto de dar un empujón [a la puerta], se escuchó el sonido de una taza al estrellarse contra el suelo, luego un gruñido, un gruñido fuerte." Entró en la habitación para encontrarlo muerto por un infarto de miocardio. Hepburn recordó: "Parecía tan feliz de haber terminado con la vida, que a pesar de todos sus logros había sido una carga espantosa para él". El publicista de MGM Howard Strickling dijo a los medios que Tracy estaba solo cuando murió y fue encontrado por su ama de llaves.


title: Spencer Tracy

text: Tracy fue enterrado en el Forest Lawn Memorial Park de Glendale en compañía de su esposa, Louise y de su hijo John. Por respeto a su esposa y su familia, Katharine Hepburn no acudió al funeral, que fue oficiado por monseñor John O'Donnell en la Iglesia del Inmaculado Corazón de María, en Hollywood.


title: Spencer Tracy

text: Tracy tenía una sólida reputación entre sus colegas del gremio y recibió muchos elogios de la industria. Después de su muerte, el presidente de MGM Dore Schary dijo que "no hay duda de que [Tracy] fue el mejor y más proteico actor de nuestra pantalla". También fue nombrado muchas veces por el gran actor de su generación Clark Gable, James Cagney, Humphrey Bogart, John Ford, Garson Kanin, y Katharine Hepburn. El actor Richard Widmark, que idolatraba a Tracy, le calificó como "el mejor actor de cine que nunca haya existido" y dijo que "había aprendido más de interpretación viendo a Tracy que de cualquier otra manera".


title: Spencer Tracy

text: Tracy fue respetado por su naturalidad ante la pantalla. Hume Cronyn, que trabajó con él en "The Seventh Cross", admiraba su presencia en pantalla: "Su método parecía ser tan simple como difícil de lograr. Parecía no hacer nada. Escuchaba, sentía, decía las palabras sin forzar nada". Joan Crawford también expresó su admiración por las actuaciones aparentemente sin esfuerzo de Tracy, afirmando que fue "inspirador" coprotagonizar con él y que "la suya es tan simple de interpretación, tal naturalidad y humor [...] que camina a través de una escena [y] hace que parezca tan fácil ". Su compañera en cuatro producciones Joan Bennett dijo que ella "nunca había tenido la sensación de que estaba 'actuando' en una escena, pero la verdad es que estaba sucediendo, de manera espontánea, en el momento en que él decía sus líneas".  Cagney señaló que Tracy rara vez era el objetivo de los impresionistas porque "no se puede imitar la reserva y el control muy bien [...] no hay nada que imitar excepto su genio y eso no se puede imitar".


title: Spencer Tracy

text: Tracy fue elogiado por su habilidad para escuchar y reaccionar; Barry Nelson dijo que "llevó el arte de reaccionar a una nueva altura", mientras que Stanley Kramer declaró que él "pensó y escuchó mejor que nadie en la historia del cine". Millard Kaufman comentó que Tracy "escuchaba con cada fibra de todo su cuerpo". En sus memorias, Burt Reynolds notó el énfasis de Tracy en el naturalismo cuando, como actor novato, observó a Tracy en el set de "Inherit the Wind". Más tarde, Reynolds se presentó a Tracy como actor y Tracy respondió: "Un actor, ¿eh? Solo recuerda no dejar que nadie se dé cuenta."


title: Spencer Tracy

text: A pesar de la percepción de que podía asistir a una sesión y actuar sin esfuerzo, los conocidos de Tracy dijeron que se preparaba cuidadosamente para cada papel en privado. Joseph L. Mankiewicz vivió con él durante la producción de "Test Pilot", y contó que Tracy se encerraba en su habitación "trabajando muy duro" cada noche. Muchos compañeros de trabajo comentaron sobre su sólida ética de trabajo y profesionalidad. Sin embargo, no le gustaba ensayar y rápidamente perdía su "efectividad" después de rodar dos o tres tomas de la misma escena. Kanin lo describió como "un jugador instintivo, que confiaba en el momento de la creación ". Un íntimo amigo de Tracy Chester Erskine señaló su estilo de actuación como uno de "selección", afirmando que se esforzó por dar tan poco como era necesario para ser eficaz y alcanzó "un mínimo para hacer el máximo".


title: Spencer Tracy

text: A Tracy no le gustaba que le preguntaran sobre su técnica o qué consejo daría a los demás. A menudo menospreciaba la profesión de actor, una vez le dijo a Kanin: "¿Por qué los actores piensan que son tan malditamente importantes? No lo son. Actuar no es un trabajo importante en el esquema de las cosas. La fontanería sí lo es". También fue humilde acerca de sus habilidades, y le dijo a un periodista: "Simplemente no intento trucos. Sin perfil. Sin acto de 'gran amante'; ... Simplemente me proyecto como soy: simple, tratando de ser honesto". Era conocido por haber disfrutado de la broma que una vez hizo a Alfred Lunt, "El arte de actuar es: ¡aprende tus líneas y no choques con los muebles!" Hepburn, en una entrevista seis años después de la muerte de Tracy, sugirió que el actor deseaba haber tenido una profesión diferente.


title: Joaquín Turina

text: Joaquín Turina Pérez (Sevilla, 9 de diciembre de 1882-Madrid, 14 de enero de 1949) fue un compositor y musicólogo español representante del nacionalismo en la primera mitad del siglo XX. Manuel de Falla, Isaac Albéniz y él compusieron las obras más importantes del impresionismo en España. Sus obras más importantes son "Danzas fantásticas" y "La procesión del Rocío".


title: Joaquín Turina

text: Joaquín Turina nació en Sevilla el 9 de diciembre de 1882. Su padre, Joaquín Turina y Areal, era un pintor costumbrista, y su madre, Concepción Pérez, cantaba en el coro de mujeres de su hermandad.


title: Joaquín Turina

text: Desde pequeño fue conocido como un niño prodigio. Con tan solo cuatro años improvisaba virtuosamente en el acordeón que le había regalado una de sus criadas. Tuvo la oportunidad de recibir sus primeras clases de música en el Colegio del Santo Ángel y era el encargado de acompañar al coro de niñas.


title: Joaquín Turina

text: En el colegio de San Ramón cursó el bachillerato y empezó los estudios de piano con Enrique Rodríguez. Evaristo García Torres, maestro de capilla de la Catedral de Sevilla, fue quien le enseñó gran parte de los conocimientos de armonía y contrapunto que el compositor puso en práctica en sus obras artísticas.


title: Joaquín Turina

text: Turina guardaba muy buen recuerdo de su mentor Evaristo García. Con estas palabras mostraba su afecto a su profesor: «Tenía un talento superior al de Eslava». O también:Turina se inició como profesional en la música mediante un quinteto con piano que había formado con un grupo de amigos. La agrupación se hacía llamar La Orquestina. Actuaban en fiestas y reuniones y fue la primera plataforma con la que Turina pudo iniciarse como intérprete y compositor.


title: Joaquín Turina

text: Fue el 14 de marzo de 1897 cuando, en la sala Piazza de Sevilla, Turina se presentó oficialmente ante el público. La presentación se dio en un recital organizado por la Sociedad de Cuartetos. Interpretó una Fantasía sobre el Moisés de Rossini de Segismundo Thalberg. Ese acontecimiento tuvo muy buena crítica por parte de la prensa local, las cuales reconocieron y destacaron el éxito y la superación virtuosa de la obra. Debido a la gran acogida del público y de la prensa, un mes después, tuvo lugar en el mismo sitio otra actuación del compositor sevillano. Esta vez experimentó con la composición para teclado y conjuntos de cámara. Su primera obra orquestal es "Coplas al Señor de la Pasión", escrita para la Hermandad de Pasión y estrenada en la Iglesia del Salvador con una orquestita de veinte músicos, coro de hombres, tenor y barítono, dirigidos por el autor. El gran interés que sentía por la música clásica le impulsó a crear con quince años su primera ópera, "La Sulamita", basada en un libro de Pedro Balgañón. Tenía un gran afán de superación y cada vez quería crear obras de más categoría.


title: Joaquín Turina

text: Turina empezó estudios de medicina, pero decidió retirarse y dedicarse profesionalmente a la música con su maestro, ya mencionado, García Torres. Este le advierte la necesidad de trasladarse a Madrid. Su padre le apoyó en todo momento, incluso financiando sus estudios y declarando en su testamento el deseo de que su hijo dispusiera de su dinero para seguir con su carrera artística.


title: Joaquín Turina

text: Finalmente, en 1902, se traslada a Madrid e inicia sus estudios con José Tragó. Turina, tras llegar a la capital española, acude al Teatro Real para escuchar un concierto sinfónico sobre la Quinta Sinfonía de Chaikovski. Los conciertos orquestales eran los que más apasionaban al compositor, incluso por encima de la ópera y la zarzuela. El padre de Turina, muy volcado con la carrera artística de su hijo, intenta mover hilos para que se pueda estrenar la ópera de su hijo, "La Sulamita", en el Teatro Real. Pero no tuvo éxito y nunca pudo estrenar su ópera. El 14 de marzo de 1903 se presenta ante el público madrileño en el Ateneo, con obras de Scarlatti, Beethoven, Schumann, Wagner y tres obras propias hoy desaparecidas: "La danza de los elfos, Variaciones sobre cantos populares" y "Gran polacca." En Madrid no impartió clases de composición, pero sí que perfeccionó su nivel pianístico.


title: Joaquín Turina

text: El año 1903 mueren sus padres y, siguiendo el consejo de su profesor, se traslada a estudiar a París. Joaquín Nin, un buen amigo suyo y gran conocedor de la vida musical parisina, le aconseja que imparta clases con el maestro alemán Moritz Moszkowski. Pero parece ser que las clases no convencen a Turina, ya que él mismo le escribió a su novia diciéndole: "«Aparte de avanzar algo en la técnica de la digitación de las escalas, poco más aprendí»."


title: Joaquín Turina

text: A partir de esta situación inicia sus estudios de composición con Vincent D’Indy, en la Schola Cantorum, los cuales alternaba con sus actuaciones como intérprete de sus propias obras. El 29 de abril de 1907 se presentó al público parisino de la Sala Aeolian. Se presentó en solitario con su "Poema de las estaciones". Tuvo muy buena acogida y al cabo de una semana, en la misma sala, estrena su "Quinteto en sol menor" con el Cuarteto Parent. La obra tuvo tanto éxito que fue premiada en el Salón de Otoño de 1907. Una anécdota sobre este acontecimiento es que, el propio Turina, confiesa que la conversación que tuvo con Albéniz y con Falla ese mismo día fue realmente el premio que obtuvo. Describe la conversación con los dos genios españoles como “la metamorfósis más completa de su vida”. En esa conversación, Albéniz le aconsejó que no escribiera más música con influencia francesa y que se dedicara por completo al canto popular español y andaluz.En esta etapa parisina, el compositor sevillano empieza a abandonar el ambiente de la Schola Cantorum y empieza a dar paso a los cantos, ritmos muy característicos de Andalucía.


title: Joaquín Turina

text: En 1908 contrae matrimonio con Obdulia Garzón y dos años después nace el primero de sus cinco hijos. En 1909 muere Isaac Albéniz. Turina, en memoria de su amigo, adapta un tema español: "El Vito". Es resultado es su "op." 3 para piano, que titula "Sonata Romántica". La obra fue interpretada por él mismo en octubre de ese mismo año.


title: Joaquín Turina

text: En 1913 culmina su periodo de formación en la Schola Cantorum. Pero el estallido de la Primera Guerra Mundial fuerza su salida de París y el retorno definitivo de Turina a Madrid donde fijó su residencia.


title: Joaquín Turina

text: El 10 de octubre de 1914, estrena la comedia lírica "Margot", "op." 11, con libreto del matrimonio formado por Gregorio Martínez Sierra y María de la O Lejárraga, que serían sus colaboradores habituales en las obras teatrales "Navidad" (1916), "La adúltera penitente" (1917) y "Jardín de Oriente" (1923).


title: Joaquín Turina

text: En 1919, Turina formó parte como pianista del Cuarteto Francés; y, más tarde, del Quinteto de Madrid. Trabajó como director de orquesta, donde obtuvo grandes éxitos, llegando a dirigir las representaciones de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev (1918). En 1929 firmó un acuerdo con la editorial Unión Musical Española para la composición de obras de piano.


title: Joaquín Turina

text: En enero del año siguiente, en el Ateneo de Madrid, tiene lugar un concierto de jóvenes músicos españoles. Los protagonistas son Falla y Turina. Su repertorio se centró en la música sinfónica, de cámara, canciones y sobre todo, obras para piano, que dentro de su producción artística son los que más abundan. Lo contrataron como maestro concertador en el Teatro Real en las mismas fechas que, como compositor, estrenaba las "Danzas fantásticas", la "Sinfonía sevillana", "Sanlúcar de Barrameda", "Jardín de Oriente", "La oración del torero" y el Trío n.º 1.


title: Joaquín Turina

text: Durante este periodo también se dedica a la enseñanza. Imparte clases de composición a nivel particular y posteriormente en el Conservatorio de Madrid.


title: Joaquín Turina

text: Durante la década de 1920 y de 1930, visitó frecuentemente Barcelona y Cataluña y se relacionó con varios artistas, críticos e intelectuales catalanes, como Manuel Clausells, Joan Lamote de Grignon, Eugenio d'Ors, Oleguer Junyent, Frank Marshall, Rafael Moragas, Jaime Pahissa y Santiago Rusiñol. También colaboró con diversas instituciones musicales, como la Asociación de Música Da Camera, la Banda Municipal de Barcelona o la Orquesta Pau Casals. Fruto de esta relación, compuso "Evocaciones", un conjunto de tres piezas para piano que se convierten en un tributo a Cataluña y que incluyen una sardana. El 23 de octubre de 1928, junto con Pau Casals, estrenó la transcripción para un violonchelo y piano «Jueves Santo a medianoche» (de la suite Sevilla) en el Palau de la Música Catalana.


title: Joaquín Turina

text: Durante la Guerra Civil Española, que comienza en 1936, estuvo protegido por el cónsul británico, declarando a Turina como personal administrativo del consulado. En la Navidad del 1937, Turina le dedica al cónsul el manuscrito incompleto de la obra "El Cortijo". Más tarde se lo completó, recibiendo el agradecimiento del cónsul.


title: Joaquín Turina

text: En 1935 fue nombrado académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y, en 1941, comisario de la Música. Los homenajes, reconocimientos y viajes se sucedieron sin cesar. Publicó en 1917 la "Enciclopedia abreviada de la Música" y en 1946 el "Tratado de composición", además fue autor de numerosos artículos, críticas y conferencias. La última obra de su catálogo es la pieza pianística titulada "Desde mi terraza" que lleva el número de opus 104 y está fechada en 1947.


title: Joaquín Turina

text: En los últimos años de su vida explotó su faceta como crítico musical. Participó en el periódico "El Debate", el periódico "Ya" y también en el semanario "Dígame".


title: Joaquín Turina

text: La continua enfermedad que acabó con su vida hizo que su producción musical disminuyera mucho, pudiendo componer únicamente trece obras en sus últimos años de vida. Después de varias semanas ingresado en el sanatorio del doctor López Ibor, Turina falleció en su domicilio a causa de una bronconeumonía en Madrid el 14 de enero de 1949.


title: Joaquín Turina

text: Los ritmos empleados por Turina en sus composiciones provienen, en su mayor parte, de la tradición andaluza, flamenca o gitana. En ocasiones, también es posible encontrar referencias de diversa música tradicional del resto de España como el pasodoble, el zorcico, propio del País Vasco, o la jota, propia de los territorios que integraron la antigua corona de Aragón.


title: Joaquín Turina

text: Los compases, tanto binarios como ternarios, que se observan en sus obras son los propios de dichas formas tradicionales españolas: la alternancia entre el 6:8 y el 3:4 para las bulerías, guajiras o peteneras, el 5:8 para el zorcico o el 2:4 para los pasodobles o la zambra (danza gitana). La denominación de estas formas es empleada también en las indicaciones de tempo de algunas de sus partituras.


title: Joaquín Turina

text: En cuanto al tratamiento de las figuras musicales, los rasgos más característicos de la obra de Turina pasan por el empleo de polirritmias propias de las ya mencionadas formas tradicionales (simultaneando diversos ritmos sincopados de comienzo acéfalo, anfíbracos, anapésticos o espondeos), el uso del tresillo a la manera andaluza, los puntillos de negra o de corchea (empleados para otorgar carácter religioso o de marcha) y las largas estelas de semicorcheas que Benavente denomina "colas de cometa", imitando de esta manera las falsetas guitarrísticas flamencas, frenadas mediante síncopas irregulares.


title: Joaquín Turina

text: La melodía en las obras de Turina presenta, al igual que el ritmo, influencias de la tradición andaluza, flamenca o gitana. Por ello, Benavente considera necesario establecer una escala general que englobe todo ello basada en el modo frigio, al que se le añaden determinadas alteraciones cromáticas de carácter gitano o arábigo (creando así, por ejemplo, intervalos de segunda aumentada) empleadas a modo de notas de paso, bordaduras, floreos o jipíos. Esta escala ascendente y descendente, partiendo del modo frigio de mi y con dichas alteraciones entre paréntesis, constaría de las siguientes notas:


title: Joaquín Turina

text: mi fa sol ( sol # ) la ( si b ) si do re ( re # ) mi re do si ( si b ) la ( sol # ) sol fa mi


title: Joaquín Turina

text: En los desarrollos melódicos, Turina tiende a reposar sobre el I y el V grado de la gama andaluza. Los intervalos más frecuentes son los de segunda y rara vez son superiores a la quinta, tal y como marca la tradición flamenca. Sin embargo, estos presentan también una clara tendencia a aumentar progresivamente en los frenazos sincopados que cierran las clásicas estelas de semicorcheas.


title: Joaquín Turina

text: Mediante la alternancia, la combinación y la superposición acertada de las figuras rítmicas mencionadas en el apartado anterior, existe un claro gusto por la insistencia en la forma de ataque, mediante un ostinato repetido al inicio de los diversos motivos que conforman cada frase musical, a imitación de algunas formas folclóricas. También cabe destacar el préstamo de melodías tomadas de canciones populares españolas y la construcción de giros melódicos por cuartas, tratando de imitar la sonoridad de las cuerdas al aire de la guitarra.


title: Joaquín Turina

text: La armonía de Turina, cuando se ciñe a los modos mayor y menor, puede encuadrarse en un marco tonal romántico, con las funciones de tónica, subdominante y dominante bien diferenciadas, a pesar de una cierta matización y sofisticación propias de las técnicas de composición impresionistas. Las influencias en el plano armónico de Turina no solo se limitan al ámbito andaluz o español, sino que también abarcan el Impresionismo francés y los conocimientos adquiridos en la Schola Cantorum de París.


title: Joaquín Turina

text: Del Impresionismo cabe destacar las notas añadidas o las apoyaturas sin resolución para aportar al acorde un color determinado. Además, también es recurrente el empleo de ciertos grados no diatónicos como el II, el III, el VI o el VII rebajados un semitono o el IV aumentado en el mismo intervalo, quintas aumentadas o disminuidas, armonías de sexta aumentada y disposiciones anticlásicas de los acordes de dominante o novena, con la séptima en el bajo y la fundamental a distancia de segunda, lo que puede sonar especialmente disonante cuando se trata de séptimas mayores.


title: Joaquín Turina

text: El ámbito modal surge cuando el compositor trata de evocar el folclore andaluz, con sus propias cadencias (entre ellas la famosa cadencia andaluza, como el famoso la sol fa mi, Am G F E), armonizadas según la técnica propia de la guitarra flamenca para el género musical que le da nombre e incorporando, además, influencias del neomodalismo francés de compositores como d'Indy y otros exponentes de la Schola Cantorum.


title: Joaquín Turina

text: Turina fue pianista profesional, director de orquesta, profesor de composición, crítico musical, pedagogo, conferenciante, escritor y fotógrafo. Junto a Manuel de Falla, Julio Gómez García, Óscar Esplá, Conrado del Campo fue el creador del sinfonismo contemporáneo español que partió de las bases sentadas por Isaac Albéniz. La obra compositiva de Turina fue extensa, cultivando en ella distintos géneros musicales.


title: Joaquín Turina

text: Durante toda su vida obtuvo importantes reconocimientos.


title: Joaquín Turina

text: Para conmemorar su memoria existen en Madrid calles, colegios de educación primaria, institutos de educación secundaria y conservatorios profesionales de música que llevan su nombre. Existen festivales de música de cámara que también se conocen por el nombre de Joaquín Turina.


title: Joaquín Turina

text: Existe un gran legado sobre la vida y obra de Turina. En 2003 se hallaron los manuscritos impresos y parte de la documentación personal. En 2007 se organizaron los recortes de prensa, programas de mano de conciertos y parte de su biblioteca personal. Se han encontrado más de 6000 imágenes personales y tarjetas. En total, el legado de Joaquín Turina, reúne cerca de 10000 archivos digitales, los cuales forman parte de los fondos de la Fundación Juan March.


title: Albert Uderzo

text: Alberto Aleandro Uderzo, más conocido como Albert Uderzo (Fismes, Marne, Francia; -Neuilly-sur-Seine, Altos del Sena, Francia; ), fue un dibujante y guionista de historietas francés. Su serie más célebre fue "Astérix", junto con el guionista René Goscinny (1926-1977), cuya primera edición apareció el 29 de octubre de 1959 en la revista "Pilote" antes de ser publicada como álbum.


title: Albert Uderzo

text: Uderzo nació en Fismes, en el departamento de Marne, al poco de trasladarse allí sus padres, Silvio Leonardo Uderzo e Iria Crestini, emigrantes llegados desde Italia. Su apellido procede del pueblo italiano de Oderzo (anteriormente llamado Uderzo), de donde procedía su familia. De niño soñaba con convertirse en mecánico de aviones, a pesar de su talento artístico a muy corta edad.


title: Albert Uderzo

text: Durante la Segunda Guerra Mundial, el joven Uderzo abandonó París y pasó un año en Bretaña, al oeste de Francia, trabajando en una granja y ayudando con el negocio de muebles de su padre. Muchos años después, cuando Goscinny dejó la decisión de ubicar la aldea de Astérix en sus manos, Uderzo eligió rápidamente Bretaña.


title: Albert Uderzo

text: Tras la guerra, inició una exitosa carrera como dibujante en París, creando personajes como Flamberge y Clopinard, un hombrecillo de una sola pierna que siempre triunfa contra todo pronóstico. Entre 1947 y 1948 crea otros cómics, como Belloy y Arys Buck. En 1950, dibujó varios episodios del personaje de origen británico Capitán Marvel Jr. para la revista "Bravo!".


title: Albert Uderzo

text: Tras unos cuantos años de otras creaciones y viajes, conoció a René Goscinny en 1951, haciéndose amigos rápidamente, y decidiendo colaborar juntos en la nueva oficina parisina de la compañía belga World Press en 1952. Su primera creación fue "Jehan Pistolet". En 1958 comienzan su trabajo en "Oumpah-pah" (que duraría hasta 1962), así como algunas otras series. En 1959 Goscinny y Uderzo se convierten en editor y director artístico, respectivamente, de la nueva revista "Pilote", dirigida a niños mayores. En el primer número aparecía por primera vez Astérix en el mercado francés, siendo un inmediato éxito.


title: Albert Uderzo

text: Inicialmente se trataba de un serial más dentro de Pilote, pero en 1961 se publicó el primer álbum autónomo, "Astérix el Galo". Para 1967, el cómic se había hecho tan popular que sus autores decidieron dedicarse en exclusiva a él, produciendo unos dos álbumes al año. Tras la muerte de Goscinny en 1977, Uderzo se hizo cargo además del guion, lo que hizo que la producción se hiciera mucho más lenta, aproximadamente un álbum cada cuatro años.


title: Albert Uderzo

text: El 27 de diciembre de 2010 la delegación de Hacienda francesa consideró que Uderzo era coautor de las obras de Astérix y, por ello, fue condenado a pagar unos 200.000 euros por los 24 títulos de Astérix y Obélix en los que solo firma como dibujante.


title: Albert Uderzo

text: Uderzo se retiró a causa de su avanzada edad. En 2013, tomó la decisión, no sin reticencias iniciales, de ceder la realización de las historias de Astérix a un nuevo equipo creativo, seleccionado por él mismo. Aún dejando toda la responsabilidad en los jóvenes Didier Conrad (a los lápices) y Jean-Yves Ferri (al guion), Uderzo revisaba las páginas desarrolladas por estos limitándose a hacer pequeñas sugerencias.


title: Albert Uderzo

text: Su última ilustración profesional fue para apoyar el lanzamiento del primer álbum de los nuevos autores ("Astérix y los pictos") desarrollando una ilustración promocional del mismo.


title: Albert Uderzo

text: Uderzo tenía una hija, Sylvie Uderzo, con su mujer Ada. De acuerdo con "El libro de Astérix el Galo", se especuló que Uderzo basó los personajes Falbalá y Zazá en Ada y Sylvie, respectivamente, aunque fue desmentido por Uderzo. Cuando Uderzo vendió su parte de Éditions Albert René a Hachette Livre, Sylvie le incriminó en una columna del diario Le Monde que con esa acción era "como si las puertas de la villa gala se hubieran abierto al Imperio romano". Sylvie posee el 40 % de Éditions Albert René, mientras que el 60 % restante, previamente perteneciente a Uderzo y a la hija de Goscinny, lo posee actualmente Hachette Livre.


title: Albert Uderzo

text: El cómic "¡El cielo se nos cae encima!" fue dedicado a su hermano mayor Bruno Uderzo (1920-2004).


title: Albert Uderzo

text: La editorial propiedad de Uderzo, Les Éditions Albert René, denunció ante la justicia alemana el uso por parte de ciertas compañías informáticas de nombres terminados en "ix" (habitual en compañías que trabajan con variantes de Unix), ya que consideraban que estaban dañando sus marcas "Astérix" y "Obélix".


title: Albert Uderzo

text: Falleció a los 92 años, el 24 de marzo de 2020, en su mansión de Neuilly-Sur-Seine, una ciudad ubicada en el área metropolitana, al oeste de París. La causa de su muerte fue un ataque al corazón. La noticia fue difundida por su yerno Bernard de Chosy.


title: Gabriel Vargas (artista)

text: Gabriel Vargas Bernal (Tulancingo, Hidalgo, 5 de febrero de 1915 - Ciudad de México, 25 de mayo de 2010) fue un historietista creador de la serie de historietas "La familia Burrón", una de las referencias más importantes de este arte dentro de la cultura popular de México.


title: Gabriel Vargas (artista)

text: El 5 de febrero de 1915, nace en la ciudad de Tulancingo, Hidalgo, el famoso historietista mexicano Gabriel Vargas México, destacado dibujante desde temprana edad. En 1930 obtuvo el segundo premio en un concurso internacional de dibujo celebrado en Osaka (Japón). El entonces director de Cultura del Instituto Nacional de Bellas Artes, Alfonso Pruneda, le ofreció una beca para estudiar dibujo en París, pero la declinó para trabajar como ilustrador en el periódico "Excélsior". Con 17 años, ya era jefe del Departamento de Dibujo.


title: Gabriel Vargas (artista)

text: Tras morir su primera mujer, con quien procreó dos hijos, se casó en 1976 con la periodista Guadalupe Appendini.


title: Gabriel Vargas (artista)

text: En 1980 sufrió una embolia por trabajar más de 20 horas al día, pero siguió dibujando. Finalmente, murió en mayo de 2010. "La Familia Burrón" fue una revista en tamaño media carta, que se publicó desde 1948 y se dejó de editar en el número 1616, correspondiente al 26 de agosto de 2009. Una antología impresa por la Editorial Porrúa y seleccionada por el autor se publica actualmente. La colección completa se exhibe en un museo de Florencia, Italia; además, coadyuva con la cátedra sobre la sociedad mexicana que se imparte en la Universidad de la Sorbona, en París.


title: Gabriel Vargas (artista)

text: El Museo del Estanquillo (de Carlos Monsiváis), en la Ciudad de México, dedica también una sala a "La Familia Burrón", su serie más famosa.


title: Gabriel Vargas (artista)

text: De igual manera, en la calle de Regina, ubicada en el Centro Histórico de la Ciudad de México, en 2010, se pintó un mural con los Burrón, como tributo a Vargas, a Frida Kahlo, a Carlos Monsiváis y a otros personajes, denominado "Sueño de una tarde de domingo en el Callejón del Cuajo". En septiembre de 2013 fue vandalizado por grafiteros, pero fue posible su completa restauración. Es una referencia a la obra de Diego Rivera llamada Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Alberto Vázquez-Figueroa Rial (Santa Cruz de Tenerife, Canarias, 11 de octubre de 1936) es un novelista, periodista e inventor español, autor de más de cien libros, es uno de los autores contemporáneos más leídos en España y en el mundo. Fue corresponsal de La Vanguardia y de Televisión Española y es propietario de la empresa "Desalinizadora A.V.F. S.L." encargada de gestionar la desalación por presión, método inventado por él mismo.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Nació en Santa Cruz de Tenerife, Canarias. Su abuelo era arquitecto y su padre nació en Guadalajara estando su abuela allí por motivos de trabajo. Su madre nació en la Isla de Lobos, siendo hija del farero del lugar.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Cuando aún no había cumplido un año su familia fue exiliada por motivos políticos a África, ya que su padre fue republicano socialista y fue encarcelado durante la Guerra Civil. Pasó su infancia entre Marruecos y el Sahara hasta cumplir los dieciséis años.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Su padre fue liberado, pero estuvo ingresado durante varios años en un hospital a causa de la tuberculosis. Asimismo, estando en África su madre falleció. Entonces Vázquez-Figueroa fue recogido por su tío, administrador civil del fuerte militar en el Sahara español en el que vivían. Este comenzó a proporcionarle libros para leer, sobre todo novelas de aventuras de autores como Joseph Conrad, Herman Melville o Julio Verne, que hicieron que este fuera su género favorito.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: A los 16 años regresó a Tenerife para estudiar. Trabajó como profesor de submarinismo y buceo en un buque-escuela "Cruz del Sur", con Jacques Cousteau, donde estaría dos años. Trabajó en los rescates de cadáveres en el Lago de Sanabria después de la rotura de la presa de Vega de Tera la cual destruyó el pueblo de Ribadelago.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Actualmente reside entre un ático en el madrileño barrio de Argüelles y Lanzarote.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Con el dinero obtenido como profesor de submarinismo se trasladó a Madrid, pagándose y obteniendo en 1959 su diploma por la Escuela Oficial de Periodismo.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Al no encontrar trabajo tras terminar sus estudios, optó por comprarse un viejo barco y, junto a dos ex-alumnos suyos de submarinismo, dar la vuelta al mundo, lo que les llevó 14 meses. Tras regresar, escribió un libro con el material recogido, y con el dinero de vender el barco, regresó a Marruecos. En este país tuvo diversos empleos, pero regresó a España.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Empezó a trabajar como enviado especial en 1962 para "Destino" y como corresponsal de guerra para La Vanguardia. Más tarde, hizo el programa de Televisión Española "A toda plana" con Miguel de la Quadra-Salcedo. Cubrió guerras y revoluciones en Bolivia, Chad, Congo, Guatemala, Guinea, República Dominicana y otros.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Escribió "Arena y viento", su primera novela, con catorce años (que fue publicada con diecisiete), pero no fue hasta llevar quince años como periodista cuando empezó a ganar lo bastante como para dedicarse en exclusiva a su carrera literaria, que incluye más de sesenta libros publicados.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: El éxito le llegó con su 15.ª o 16.ª novela, "Ébano", que aborda el tema del tráfico de esclavos en África. De este libro se hizo una película al año de su publicación; sería la primera de más de quince. Otras de sus obras reconocidas son "Manaos" y "Tuareg". En 1975 escribió una autobiografía, titulada "Anaconda".


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: En 1966 optó al premio Nadal con la novela "No creo en nadie", que nunca llegó a publicarse. En 1979 "Manaos" se estrenó en la gran pantalla, dirigida por él. La Amazonia, el desierto, la selva africana, son algunos de sus temas favoritos, desarrollados a partir de amplia documentación. Como él ha comentado, el hecho de haber viajado por medio mundo le ha dado la experiencia y las vivencias necesarias para dar realismo a sus novelas.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: En 2007 publicó su nueva novela "Por mil millones de dólares" de forma simultánea en papel y como descarga gratuita a través de su blog. Además, anunció su intención de publicar sus siguientes obras de la misma forma. El motivo, según él, fue su convencimiento de que ""quien lo descargue de la red nunca hubiera comprado mi novela, o sea que prefiero que me lea gratis a que no me lea. Tal vez la próxima vez se decida a comprar un libro aunque no sea mío."" Además, ""todos los periódicos o revistas que lo deseen están autorizados a publicarlas al estilo de las antiguas novelas por entregas con la diferencia que en este caso no tendrán obligación de pagarme nada en concepto de derechos de autor"".


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Inventó un sistema para potabilizar el agua de mar por presión que genera a la vez energía eléctrica, y lo promocionó en su libro "Vivir del viento," de 2003. Consiste en elevar el agua hasta unos 600 metros, lo que genera la presión suficiente para la desaladora. La empresa (Desalinizadora A.V.F. S.L.) que explota este procedimiento, de la que es presidente, proyectó una planta para Almería, siendo desestimada su construcción/financiación por el gobierno de España.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Tiene varias patentes nacionales y europeas a su nombre basadas en su tecnología de desalinización por gravedad.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: El proyecto, no obstante, ha sido objeto de críticas por distintos ingenieros. Hay que tener en cuenta que su proyecto planteaba utilizar energía eléctrica en horas nocturnas de bajo consumo, cuyo precio es inferior, para elevar el agua marina. Figueroa afirma que las presiones de las empresas tradicionales son muy fuertes, forzaron a una ministra y que parece no importar la población.


title: Alberto Vázquez-Figueroa

text: Otros proyectos propuestos por el autor incluyen el uso del dron submarino Serviola-SB, como método de ayuda en altamar contra naufragios.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Diego Velázquez de Cuéllar (Cuéllar, 1465-Santiago de Cuba, 1524) fue un adelantado, conquistador español, —desde 1511 hasta su muerte en y fundador de las siete primeras ciudades de Cuba.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Pertenecía a una importante familia nobiliaria con protagonismo en Cuéllar durante la Edad Media. Es descrito como de complexión fuerte y pelirrojo.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Fue capitán del ejército español en Nápoles y luego se estableció en Sevilla, donde hizo amistad con Bartolomé Colón.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Formó parte del segundo viaje de Cristóbal Colón en 1493. Colaboró después con el gobernador Nicolás de Ovando (1501-1509) en la pacificación de la isla La Española, donde llegó a ser uno de los hombres principales.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: El nuevo gobernador Diego Colón (1509-1515) le puso al frente de una expedición para conquistar y poblar Cuba en 1511. Diego Velázquez de Cuéllar obtuvo el título de teniente de gobernador de la isla.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Contó con el favor del obispo Juan Rodríguez de Fonseca.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Velázquez fundó en La Española las poblaciones de Santa María de la Vera Paz, Villanueva de Yáquino, San Juan de la Maguana, Nuestra Señora de los Remedios de Azua, Salvatierra de la Sabana y Bánica; y en Cuba las ciudades de Nuestra Señora de la Asunción de Baracoa, San Salvador de Bayamo, Santiago de Cuba, Santísima Trinidad, Santa María del Puerto del Príncipe, Sancti Spíritus, San Cristóbal de la Habana y San Juan de los Remedios.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Patrocinó la expedición de Francisco Hernández de Córdoba a Yucatán a principios de 1517. En 1518 mandó una expedición a cargo de Juan de Grijalva, en la que iba el capitán Pedro de Alvarado, a las costas de México.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: El 13 de noviembre de 1518, en Zaragoza, tras la actuación de sus emisarios Gonzalo de Guzmán y Pánfilo de Narváez, estos gestionaron ante el rey la concesión del título de adelantado, gobernador y capitán general de las tierras de Yucatán y Cozumel que habían descubierto Francisco Hernández y Juan de Grijalva.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Hernán Cortés y Andrés del Duero fueron secretarios de Velázquez.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: A finales de 1518 formó una nueva empresa con Hernán Cortés para organizar una expedición a "Culúa". El 18 de febrero de 1519, Hernán Cortés partió hacia México desde La Habana. Lo primero que hizo Cortés al llegar a tierra firme fue fundar una nueva ciudad, Veracruz. Eso implicó crear un ayuntamiento y repartir sus cargos. De esta forma, Cortés actuaba sin tener en cuenta a Velázquez y solo respondería ante el rey.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Velázquez envió una expedición al mando de Pánfilo de Narváez para detenerlo, pero fracasó tras la victoria de Cortés en Cempoala y la prisión de Narváez en 1520.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Más tarde, en 1524, incitó a uno de los lugartenientes de Cortés, Cristóbal de Olid, a rebelarse contra aquel en Honduras, cosa que logró y que le costó la vida a Olid.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Estuvo casado con María de Cuéllar, hija del contador Cristóbal de Cuéllar. Poco duró el matrimonio, pues ella falleció una semana después de contraer nupcias.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Velázquez murió entre el 11 y el 12 de junio de 1524 en su casona de Santiago de Cuba, que aún se mantiene en pie y es el Museo de Ambiente Histórico Cubano.


title: Diego Velázquez de Cuéllar

text: Siguiendo a su pariente Diego Velázquez de Cuéllar, llegaron a América diversos familiares del gobernador, empleados en diferentes trabajos y siempre bajo la protección del adelantado. Entre ellos destacan:


title: Johannes Vermeer

text: Johannes Vermeer van Delft /joˈɦɑnəs vərˈmeːr vɑn dɛlft/ (bautizado en Delft el 31 de octubre de 1632-ibídem, 15 de diciembre de 1675), llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer e incluso Jan ver Meer, es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.


title: Johannes Vermeer

text: La obra completa de Vermeer es muy reducida; solamente se conocen 33 a 35 cuadros. Esto pudo deberse a que pintaba para mecenas, por encargo, más que para el mercado de arte.


title: Johannes Vermeer

text: Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, muchas veces considerada de género, que forma la mayoría de su producción. Sus cuadros más conocidos son "Vista de Delft" y "La joven de la perla". En vida fue un pintor de éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía, y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos.


title: Johannes Vermeer

text: Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX la pintura de Vermeer tuvo un amplio reconocimiento. Théophile Thoré contribuyó a la consagración de Vermeer con unos artículos periodísticos muy elogiosos. Actualmente es considerado uno de los más grandes pintores de los Países Bajos. También es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz.


title: Johannes Vermeer

text: Existe poca información sobre la vida de Johannes Vermeer, únicamente algunos hechos básicos anotados en registros y documentos legales, así como comentarios sobre él de otros artistas. Debido a esto, Thoré lo denominó la "Esfinge de Delft".


title: Johannes Vermeer

text: La fecha de nacimiento no se conoce con precisión, aunque se sabe que fue bautizado como cristiano en la iglesia protestante "Nieuwe Kerk" de la ciudad de Delft el 31 de octubre de 1632, bajo el nombre de Joannis. Fue el segundo hijo, y único varón, de Reynier Jansz y Digna Baltens. Su padre procedía de Amberes, y se trasladó en 1611 a Ámsterdam, trabajando como tejedor de seda, oficio entonces propio de la clase media. En 1615 se casó con Digna, nacida en Amberes, trasladándose con el nombre de "Vos" a Delft, donde abrió en 1641 una fonda llamada "la Mechelen" en recuerdo a una famosa "beffroi" (torre-campanario) de Malinas ("Mechelen" en flamenco) que se encontraba en las proximidades del "«halle»" o plaza del mercado de la ciudad de Delft. Allí Joannes realizó siendo casi niño los menesteres de comercio; tras el deceso de su padre, en 1652, Joannes heredó el local con los asuntos comerciales de su padre. Además, Reynier Jansz pertenecía oficialmente al gremio de San Lucas de Delft como marchante de arte. Allí Jansz conoció a pintores como Pieter van Steenwyck, Balthasar van der Ast y Pieter Groenewegen.


title: Johannes Vermeer

text: No obstante aunque Vermeer van Delft era de familia protestante, se casó con una joven católica llamada Catharina Bolnes en abril del 1653. Fue un matrimonio desafortunado: además de las diferencias religiosas (muy en ascuas para aquella época), la familia de la esposa era más rica que la Vermeer. Parece que él mismo se habría convertido antes del matrimonio porque su progenie tuvo nombres del santoral católico; además -entre otras cosas- una de sus pinturas llamada La alegoría de la fe, refleja la fe en la eucaristía, pero no se sabe si se refiere a la fe de Vermeer o la de su comitente. Poco tiempo después de las nupcias, la pareja se mudó a la casa de la madre de Catharina, Maria Thins, una viuda de buena condición económica que vivía en el barrio católico de la ciudad. Vermeer habría vivido aquí con toda su familia durante el resto de su vida. Maria tuvo un rol fundamental en la obra de este pintor: no solo la primera nieta fue llamada con su nombre, también utilizó sus rentas para conseguir la fama de su yerno en el mundo del arte. Johannes y su esposa tuvieron quince hijos, cuatro de los cuales murieron antes del bautizo.


title: Johannes Vermeer

text: Sobre su formación como pintor no existe información segura. Se hizo miembro del gremio de San Lucas el 29 de diciembre de 1653 como pintor libre. A este hecho tuvo que precederle una amplia formación de seis años de aprendizaje, pues solo como maestro se podía ser miembro del gremio. Es posible que Vermeer fuera alumno de Leonaert Bramer, hipótesis que no ha tenido mucho eco por las diferencias de estilo, a pesar de que está documentada una relación entre ambos. También se han demostrado contactos con Gerard ter Borch. Asimismo se ha especulado con que fuera alumno de Carel Fabritius, que a su vez había sido educado en el taller de Rembrandt. Esta hipótesis fue ampliamente aceptada desde que en el siglo XIX, Théophile Thoré la defendió y sigue estando muy extendida, pero en la actualidad los expertos dudan de su veracidad. En su lugar, se suele mencionar a Pieter de Hooch, que vivió en Delft entre 1652 y 1661, como una de las principales influencias de Vermeer, ya que se puede reconocer el estilo de Hooch, refinado y perfilado, en la pintura costumbrista de Vermeer.


title: Johannes Vermeer

text: Johannes Vermeer se casó el 20 de abril de 1653 con Catharina Bolnes en Schipluy, un pueblo cerca de Delft. La madre de Catharina, Maria Thins, se opuso inicialmente al matrimonio. Una de las razones pudiera ser la confesión calvinista de Vermeer, mientras que Catharina Bolnes era católica. Solo tras la recomendación del pintor católico Leonaert Bramer decidió Maria Thins aceptar el matrimonio. Si Vermeer se hizo católico o no, sigue siendo discutido.


title: Johannes Vermeer

text: En 1660, Vermeer se trasladó con su mujer a casa de su suegra en el Oude Langendijk. Con Catharina Bolnes tuvo quince hijos, de los que como mínimo cuatro murieron siendo niños. Parece que Johannes Vermeer no ganaba el suficiente dinero para poder alimentar a su numerosa familia. Debido a que pintaba un promedio de solo dos cuadros al año, debía tener otras fuentes de financiación. Se sabe que ayudaba a su madre en la tasca "Mechelen", en el Gran Mercado de Delft, que esta había heredado a la muerte de su marido y en la que Vermeer muy probablemente tenía instalado su negocio de arte, una actividad muy extendida entre los pintores neerlandeses del siglo XVII. En los años 1662 y 1663, así como en 1670 y 1671, Vermeer fue decano del gremio (o "gulde") de San Lucas. Como todos los artesanos del siglo XVII debía pertenecer a un gremio para poder realizar su actividad y este, a su vez, fijaba las reglas con las que trabajaban sus miembros. La posición de decano era muy influyente, lo que demuestra que Vermeer era un personaje respetado en Delft.


title: Johannes Vermeer

text: Vermeer pudo ver en vida que sus cuadros alcanzaban altos precios. Pintó pocos cuadros para el mercado libre del arte; sus cuadros eran en su mayoría para mecenas, como el panadero Hendrick van Buyten. Pero no se sabe si los mecenas encargaban al pintor los cuadros o si solo tenían un derecho preferencial a la compra. Ya se ha mencionado que además de su actividad artística, Vermeer trabajaba como experto en arte. Así, por ejemplo, comprobó la autenticidad de una colección de cuadros venecianos y romanos que el tratante de arte Gerrit van Uylenburgh quería vender por 30 000 florines al príncipe elector de Brandeburgo Federico Guillermo I. Viajó en 1672 a La Haya, donde examinó los cuadros junto con el pintor Hans Jordaens. Negó la autenticidad de los cuadros ante notario, declarando que el valor de los cuadros era como máximo un décimo del precio solicitado.


title: Johannes Vermeer

text: En sus últimos años de vida empeoraron sus condiciones económicas, teniendo que pedir créditos. A causa de la Guerra Franco-Neerlandesa iniciada en 1672, no pudo vender más cuadros. Según una carta del 30 de abril de 1676 de Catharina Bolnes pidiendo el perdón de parte de sus deudas, comentaba que su marido tuvo que vender cuadros con los que comerciaba durante la guerra a menor precio de su valor.


title: Johannes Vermeer

text: En 1675, Vermeer enfermó y murió a los pocos días. El 15 de diciembre de 1675 fue enterrado en el sepulcro familiar de la "Oude Kerk" (Iglesia vieja, en español) en Delft. Su mujer tuvo que renunciar a su herencia para anular las deudas y sus bienes fueron a parar a los acreedores.


title: Johannes Vermeer

text: Su obra completa comprende 33-35 cuadros, difíciles de datar. Todavía existen dudas sobre la autoría de los cuadros "Dama sentada en un virginal", "La joven con una flauta", "Diana y sus compañeras" y "Santa Práxedes". La relativamente escasa producción de los cuadros conservados ha tentado a los estudiosos para atribuirle una y otra vez cuadros, que hoy son considerados en su mayoría como atribuciones falsas.


title: Johannes Vermeer

text: Aunque por la época se le adscribe al Barroco, lo cierto es que la pintura conocida de Vermeer se diferencia mucho de la de su época, en ciertos aspectos está por su "intemporalidad" y "cristalinidad" más cerca de la obra de Jan Van Eyck; en efecto: a diferencia del barroco común la obra de Vermeer carece de muchos adornos, es aséptica, con un aire casi cristalino, limpio, depurado, e intemporal como si detuviera el instante en un momento claro y eterno. Su obra resulta así muy singular en cuanto a que es muy personal y por esto difícilmente encasillable en un estilo; con una cristalina austeridad y una fidelidad obsesiva (muy ajenas al Barroco más común) Vermeer -como en las perlas que adornan a las muchachas que ha representado- acaso sin darse cuenta representa la fragilidad de la vida en retratos que parecerían -usando la nomenclatura actual- hiperrealistas aunque de un hiperrealismo muy meditado y quieto y profundamente intimista, en ciertos cuadros más que al barroco se aproxima al tenebrismo manierismo caravagiano, esto es ostensible en la Muchacha con turbante.


title: Johannes Vermeer

text: Varios de los primeros cuadros de Vermeer se consideran pintura histórica. Este género consiguió en el siglo XVII el nivel más alto de prestigio, por encima de la pintura de retratos, paisajes, bodegones y animales. En época de Vermeer, dentro de la pintura histórica se incluía los acontecimientos de la Antigüedad clásica, los mitos y leyendas de santos, además de motivos eclesiásticos y bíblicos. En la segunda mitad de la década de 1650, Johannes Vermeer cambió su interés hacia la pintura de escenas urbanas y costumbristas. La razón de este cambio no es conocida, pero se supone que Vermeer no podía emplear las técnicas de la perspectiva e iluminación en cuadros históricos como lo permitían otros géneros pictóricos. También el cambio de estilo se pudo producir por la influencia de Pieter de Hooch y Jan Steen, que vivían ambos en Delft. Ambos incluían en sus cuadros elementos arquitectónicos y figurativos de la vida diaria. Además, puede que Hooch, Steen y Vermeer se vieran influidos por el ambiente de Delft e introdujeron cambios de contenido y estilo en su pintura. Esta tesis podría estar respaldada porque los cambios de estilo de Steen y de Hooch se produjeron tras su llegada a Delft.


title: Johannes Vermeer

text: En comparación con las obras posteriores de Vermeer, las tres pinturas históricas tempranas son de gran formato: "Cristo en casa de Marta y María", con 160 × 142 centímetros, "Diana y sus compañeras", con 98,5 × 105 centímetros, y "Santa Práxedes", con 101,6 × 82,6 centímetros. Un ejemplo del tamaño de sus obras posteriores es "Muchacha con turbante", de solo 45 × 40 centímetros.


title: Johannes Vermeer

text: En el cuadro "Cristo en casa de Marta y María", pintado hacia 1654-1655, Vermeer retoma una escena del Evangelio de San Lucas: Jesús, estando en el mercado, es invitado a comer a casa de Marta. Mientras Marta prepara la comida, María escucha a Jesús. Marta pregunta a Jesús por qué no conmina a María a que le ayude y Jesús responde: «Marta, Marta, tú andas preocupada y te pierdes en mil cosas: una sola es necesaria. María ha elegido la mejor parte, que no le será quitada.» La historia era un tema tratado con frecuencia en la pintura desde el siglo XVI, porque en ella se reflejaba bien el problema de las buenas obras señalado por los protestantes, que las consideraban una acción superficial y para las apariencias. La composición es sencilla en comparación con otras obras posteriores y en forma de pirámide. Marta, con una cesta de pan en la mano, está situada detrás de Jesús, que está sentado en una silla y cuya cabeza está rodeada de una débil aureola. En primer plano está sentada María en una banqueta, con la cabeza apoyada en la mano. El gesto de María debía indicar reflexión. Como señal de devoción frente a Jesús, no lleva zapatos. El brazo extendido de Jesús señalando a María debía expresar que esta se había decidido por la mejor actividad. Vermeer empleó contrastes de color fuertes entre el blanco del mantel y el rojo del corpiño de María, así como con el azul de la toga de Jesús.