title: Objective-C

text: Ejemplos sin subíndices: id objeto1 = [unVector objectAtIndex:0]; id objeto2 = [unDiccionario objectForKey:@"llave"]; [unVectorMutable replaceObjectAtIndex:0 withObject:objeto3]; [unDiccionarioMutable setObject:objeto4 forKey:@"llave"]; Ejemplos con subíndices: id objeto1 = unVector[0]; id objeto2 = unDiccionario[@"llave"]; unVectorMutable[0] = objeto3; unDiccionarioMutable[@"llave"] = objeto4; Tras la compra de NeXT por parte de Apple, se hicieron varios intentos para asemejar más el lenguaje con respecto a otros lenguajes existentes. Uno de estos intentos fue la introducción de lo que se denominó en su momento "Sintaxis moderna" para Objective-C (en oposición a la existente, sintaxis "clásica"). No había cambios en el comportamiento real, simplemente era una sintaxis alternativa. La invocación a un método se hacía de este modo: objeto = (MiClase.alloc).init; objeto.primeraEtiq ( param1, param2 ); Y pasó a escribirse de este otro modo: objeto = [[MiClase alloc] init]; [objeto primeraEtiq: param1 segundaEtiq: param2]; Similarmente, las declaraciones pasaron de ser así: -(void) primeraEtiq ( int param1, int param2 ); a ser así: -(void) primeraEtiq: (int)param1 segundaEtiq: (int)param2; Esta sintaxis "moderna" no está soportada en dialectos actuales de Objective-C.


title: Objective-C

text: Además de las implementaciones de [[GNU Compiler Collection|GCC]]/[[NeXT]]/[[Apple]], que añadieron varias extensiones a la implementación original de Stepstone, también existe otra implementación [[Software libre y de código abierto|libre y abierta]] de Objective-C llamada Protable Object Compiler. El conjunto de extensiones implementadas por el Portable Object Compiler difiere de las implementaciones GCC/NeXT/Apple; en particular, incluye blocks similares a los de [[Smalltalk]] para Objective-C, mientras que carece de protocolos y categorías, dos características usadas ampliamente en OpenStep y sus derivados. En conjunto, POC representa una etapa vieja, pre-NeXT, de la evolución del lenguaje, simplemente conforme al libro de 1991 de Brad Cox.


title: Objective-C

text: También incluye una librería de tiempo de ejecución llamada ObjectPak, que está basada en la librería original ICPak101 de Cox (que a su vez deriva de la librería de clases Smalltalk-80) y es radicalmente diferente a la de OneStep FoundationKit.


title: Objective-C

text: El sistema PC GEOS usaba un lenguaje de programación conocido como GEOS Objective-C o goc; a pesar de su similar nombre, los dos lenguajes son similares en un concepto global y por el uso de palabras clave precedidas por el signo @.


title: Objective-C

text: La suite de compiladores [[Clang]], parte del proyecto [[LLVM]], implementa Objective-C así como otros lenguajes.[[Categoría:Lenguajes de programación orientada a objetos]] [[Categoría:Lenguajes de programación dinámicamente tipados]] [[Categoría:Software de 1980]]


title: Sistema octal

text: El sistema de numeración posicional cuya base es 8, se llama octal y utiliza los dígitos indio arábigos: 0,1,2,3,4,5,6,7. En informática a veces se utiliza la numeración octal en vez de la hexadecimal. Tiene la ventaja de que no requiere utilizar otros símbolos diferentes de los dígitos. Sin embargo, para trabajar con bytes o conjuntos de ellos, asumiendo que un byte es una palabra de 8 bits, suele ser más cómodo el sistema hexadecimal, por cuanto todo byte así definido es completamente representable por dos dígitos hexadecimales.


title: Sistema octal

text: El sistema de numeración octal es un sistema de numeración en base 8, una base que es potencia exacta de 2 o de la numeración binaria. Esta característica hace que la conversión a binario o viceversa sea bastante simple. El sistema octal usa 8 dígitos (0, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7) y cada dígito tiene el mismo valor que en el sistema de numeración decimal.


title: Sistema octal

text: El teorema fundamental aplicado al sistema octal sería el siguiente:


title: Sistema octal

text: Como el sistema de numeración octal usa la notación posicional entonces para el número 3452,32 tenemos que:  2*8 + 5*8 + 4*8 + 3*8 + 3*8 + 2*8 = 2 + 40 + 4*64 + 3*512 + 3*0,125 + 2*0,015625 = 2 + 40 + 256 + 1536 + 0,375 + 0,03125 = 1834 + 0,40625d


title: Sistema octal

text: Entonces, 3452,32q = 1834,40625d; mejor aún: 3452,32.


title: Sistema octal

text: El sub índice "q" indica número octal, se usa la letra q para evitar confusión entre la letra 'o' y el número 0. En informática, a veces se utiliza la numeración octal en vez de la hexadecimal. Tiene la ventaja de que no requiere utilizar otros símbolos diferentes de los dígitos. Es posible que la numeración octal se usara en el pasado en lugar de la decimal, por ejemplo, para contar los espacios interdigitales o los dedos distintos de los pulgares.


title: Sistema octal

text: Es utilizado como una forma abreviada de representar números binarios que emplean caracteres de seis bits. Cada tres bits (medio carácter) es convertido en un único dígito octal (del griego "oktō" 'ocho').


title: Sistema octal

text: La numeración octal es tan buena como la binaria y la hexadecimal para operar con fracciones, puesto que el único factor primo para sus bases es 2. Todas las fracciones que tengan un denominador distinto de una potencia de 2 tendrán un desarrollo octal periódico.


title: Sistema octal

text: Para poder convertir un número en base decimal a base octal se divide dicho número entre 8, dejando el residuo y dividiendo el cociente sucesivamente entre 8 hasta obtener cociente 0, luego los restos de las divisiones leídos en orden inverso indican el número en octal.


title: Sistema octal

text: Ejemplo:


title: Sistema octal

text: Escribir en octal del número decimal 730


title: Sistema octal

text: 730÷8= 91.25


Sistema octal


title: Sistema octal

text: 8 x 91= 728


title: Sistema octal

text: 730 - 728= 2


title: Sistema octal

text: 2= residuo


title: Sistema octal

text: 91÷8= 11.375


title: Sistema octal

text: 8 x 11= 88


title: Sistema octal

text: 91-88= 3


title: Sistema octal

text: 3= residuo


title: Sistema octal

text: 11÷8= 1


title: Sistema octal

text: 1= cociente


title: Sistema octal

text: 8 x 1= 8


title: Sistema octal

text: 11-8= 3


title: Sistema octal

text: 1÷8= 0


title: Sistema octal

text: 8 x 0 = 0


title: Sistema octal

text: 1 - 0=1


title: Sistema octal

text: 1= residuo


title: Sistema octal

text: octal del número decimal 730= 1332


title: Sistema octal

text: Escribir en octal el número decimal 179


title: Sistema octal

text: 179÷8= 22


title: Sistema octal

text: 22= cociente


title: Sistema octal

text: 8 x 22= 176


title: Sistema octal

text: 179-176= 3


title: Sistema octal

text: 22÷8= 2


Sistema octal


title: Sistema octal

text: 8x2= 16


title: Sistema octal

text: 22-16= 6


title: Sistema octal

text: 6= residuo


title: Sistema octal

text: 2÷8= 0


title: Sistema octal

text: 0= cociente


title: Sistema octal

text: 8x0= 0


title: Sistema octal

text: 2-0= 2


title: Sistema octal

text: 2= residuo


title: Sistema octal

text: El octal del número decimal 179= 263


title: Sistema octal

text: Para pasar de binario a octal, solo hay que agrupar de 3 en 3 los dígitos binarios, así, el número binario 1001010 (74 en decimal), lo agruparíamos como 1 / 001 / 010. como al primer dígito le hacen falta dos números para que se cumpla la regla de 3 en 3 le agregamos 2 ceros, de modo que quedaría


title: Sistema octal

text: después obtenemos el número en decimal de cada uno de los paréntesis de los números en binario con la siguiente fórmula:


title: Sistema octal

text: de derecha a izquierda visualiza un número del 0 al 2 en la parte superior del número binario, para indicar la posición del binario en el paréntesis:


title: Sistema octal

text: 1. (001) posición 0 para el binario 1, posición 1 para el binario 0, posición 2 para el binario 0


title: Sistema octal

text: 2. (001)posición 0 para el binario 1, posición 1 para el binario 0, posición 2 para el binario 0


title: Sistema octal

text: 3. (010)posición 0 para el binario 0, posición 1 para el binario 1, posición 2 para el binario 0


title: Sistema octal

text: Después se multiplica cada número binario por 2 elevado a la posición del número binario y cada resultado se suma:


title: Sistema octal

text: 001= 1


title: Sistema octal

text: 010= 2


title: Sistema octal

text: De modo que el número binario 1001010 en octal es 112.


title: Sentencia (derecho)

text: La sentencia es la resolución judicial que contiene la decisión del juez o el tribunal interviniente sobre el fondo de la cuestión que se le ha encargado juzgar. La sentencia es definitiva cuando es tomada en un juicio (litis) y pone fin a la intervención de ese juez o tribunal en ese juicio. La sentencia definitiva no queda firme o "ejecutoriada", hasta que sea confirmada al finalizar todas las instancias de revisión, mediante los recursos establecidos en la ley de procedimientos aplicable. Para dar por concluido un caso es necesario que exista sentencia definitiva firme. A partir de ese momento se considera que hay "cosa juzgada" y el caso no puede ser reabierto, salvo circunstancias excepcionalísimas (por ejemplo la aparición con vida de la persona que había sido considerada asesinada en un juicio).


title: Sentencia (derecho)

text: En el procedimiento penal, debido a que tiene dos etapas, la primera de investigación y la segunda de juicio, solo puede establecerse la culpabilidad de una persona mediante sentencia definitiva dictada en el juicio, habitualmente oral, una vez que la misma ha quedado firme y que se produzca el "doble conforme", es decir que hayan existido dos sentencias judiciales sucesivas estableciendo la culpabilidad de la persona acusada.


title: Sentencia (derecho)

text: La sentencia declara o reconoce el derecho o razón de una de las partes, obligando a la otra a pasar por tal declaración y cumplirla. En derecho penal, la sentencia absuelve o condena al acusado, imponiéndole en este último caso la pena correspondiente.


title: Sentencia (derecho)

text: Usualmente los medios de comunicación suelen denominar erróneamente como "sentencia", decisiones que no ponen fin a la causa. En esos casos lo correcto es referirse a las mismas como "resolución judicial".


title: Sentencia (derecho)

text: El profesor de derecho procesal de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, Sergio Alfaro Silva, la define así:La sentencia debe reunir los requisitos de tiempo, lugar y forma. Debe dictarse en un periodo de tiempo apto para la realización de los actos del juez o tribunal. La fijación de este plazo varía según el procedimiento de que se trate.


title: Sentencia (derecho)

text: Respecto de la forma, las sentencias generalmente se componen de tres secciones:


title: Sentencia (derecho)

text: Por otro lado, las sentencias deben ser congruentes, es decir, deben resolver acerca de todas las cuestiones que hayan sido objeto de debate en el proceso. El fallo no debe contener más, ni algo distinto, de lo pedido por las partes. Cuando se trata de sentencias penales, la congruencia significa que debe mediar una relación entre la sentencia y la acción penal ejercitada. Por ejemplo, si una persona es acusada de homicidio, el juez no puede condenarle por robo (para ello haría falta aplicar otro procedimiento), ya que está limitado por los hechos alegados. Sin embargo, podría realizar una calificación jurídica diversa de la hecha por las partes, por ejemplo, en el mismo caso, condenar por asesinato o parricidio y no por homicidio.


title: Sentencia (derecho)

text: Puede clasificarse la incongruencia en la sentencia por: 1) Falta de exhaustividad, omitiéndose el pronunciamiento sobre un tema debido. 2) Incongruencia ultrapetitum, concediéndose más de lo pretendido por el actor. 3) Incongruencia extrapetitum, concediéndose otra cosa y no lo pedido.


title: Sentencia (derecho)

text: Los elementos de la estructura de una sentencia son preámbulo, resultando, considerando y puntos resolutivos. En las sentencias españolas su estructura es encabezamiento (nombre de las partes y sus datos, identificación de procurador y abogado, objeto del juicio, fecha, lugar y tribunal, jueces o magistrados, así como el ponente si es tribunal colegiado), antecedentes de hecho (en párrafos separados y numerados, exponiéndose las peticiones de las partes, los hechos en que las funden y las pruebas que se hubieran propuesto y practicado -hechos probados-), fundamentos de derecho (en párrafos separados y numerados, donde se apreciará el derecho que funda las pretensiones, con cita de las leyes o doctrina aplicables) y, finalmente, el fallo (que es la parte dispositiva, donde se resuelve el pleito).


title: Sentencia (derecho)

text: La redacción de la sentencia corresponde al juez que la haya dictado (si se trata de un órgano jurisdiccional unipersonal) o a uno de sus miembros, si se trata de un órgano colegiado (en este caso, previa deliberación y votación de la sentencia por parte de los miembros del tribunal).


title: Sentencia (derecho)

text: Una vez firmada la sentencia por el juez o por todos los miembros del tribunal, se da a conocer mediante lectura en audiencia pública o mediante notificación por escrito a las partes.


title: Sentencia (derecho)

text: En el Estado de derecho todas las sentencias pueden ser impugnadas, invocando los defectos en que podría haber incurrido. Para impugnar una sentencia se utilizan los recursos procesales. El recurso más habitual es el recurso de apelación ante un tribunal de segunda instancia, admitido en la mayoría de los casos, con excepciones como casos de bajo monto. Recursos menos habituales son los de nulidad, en casos de incumplimientos de la ley insalvables durante el procedimiento, y los que cuestionan la constitucionalidad de la sentencia.


title: Sentencia (derecho)

text: Mientras queden recursos pendientes la sentencia no puede ser ejecutada.


title: Sentencia (derecho)

text: Cuando una sentencia es confirmada y no quedan más instancias, ni recursos, se considera que la sentencia ha quedado "firme" o "ejecutoriada". Una vez firme una sentencia definitiva, pasa al estado de cosa juzgada, que significa que el mismo caso no puede ser juzgado nuevamente.


title: Sentencia (derecho)

text: La ejecución de la sentencia es la puesta en marcha fácticamente de lo decidido en el fallo. Corresponde normalmente al juez, que es el que controla cómo se ejecuta la misma, pero con intervención de los operadores de justicia y órganos de la Administración, concretamente, El Ministerio Público, que es la que realmente usando sus facultades hace cumplir el fallo del juez, y el consiguiente control de la ejecución del mismo por parte de este.


title: Atom Egoyan

text: Atom Egoyan () (n. 19 de julio de 1960) es un director de cine canadiense y de origen armenio. Algunos temas recurrentes de su trabajo son la alienación y la soledad, que trata mediante personajes cuyas interacciones están mediadas por la tecnología, la burocracia u otras estructuras de poder. Algunas de sus películas siguen estructuras sin linealidad cronológica, en las cuales los acontecimientos se organizan de manera no secuencial con el fin de provocar reacciones emocionales en el espectador ocultando la clave de la historia. Su primera película, "Next of Kin", data de 1984. Algunas cintas notables de su carrera son "Exotica", "The Sweet Hereafter", "Ararat" y "Where the Truth Lies".


title: Atom Egoyan

text: Este cineasta armenio-canadiense inició su carrera con "Next of Kin", de 1984, película que plantea la suplantación de una personalidad a través de la mentira. "Family Viewing", de 1987, su segundo largometraje, sigue el camino ya trazado en su ópera prima: la familia como núcleo reductor y representativo de la sociedad. "Speaking Parts" (1989), según palabras del propio Egoyan, se mueve «en el terreno de la memoria y el deseo».


title: Atom Egoyan

text: En la década siguiente se estrenó "El liquidador", de 1991, su película más compleja, que muestra la esencia emocional de unos personajes que hacen de sus trabajos una desasosegante catarsis vital de consecuencias inútiles. Tras rodar "Gross Misconduct" en 1992 para la televisión, vuelve al cine con "Calendar" 1993, travesía al interior de las relaciones entre un fotógrafo canadiense-armenio (encargado de confeccionar un calendario con las fotografías de doce antiguas iglesias de Armenia), su mujer y el guía que los acompaña. Pero será con "Exótica", en 1994, cuando llegue su consagración como autor de un extraordinario y muy personal estilo. Su definitiva proyección internacional se debe a su siguiente película, titulada "The Sweet Hereafter", de 1997, una fábula que investiga el sentimiento de culpa de los miembros de una comunidad rural que han perdido a sus hijos tras el hundimiento del autobús escolar en un lago. "El viaje de Felicia", de 1999, es, con diferencia, su película más accesible, menos hermética, pero no por ello menos arriesgada que las anteriores.


title: Atom Egoyan

text: Por su parte, "Ararat", de 2002, busca recrear el genocidio armenio perpetrado por la autoridad turco-otomana de los años 1910 mediante una historia dentro de otra historia. En 2005, el autor dirigió "Where the Truth Lies", un drama sobre una muerte acaecida en 1957 tras la que dos queridos y exitosos presentadores de una Teletón se separan definitivamente, completando el cuadro una reportera que investiga los hechos algunas décadas después. La cinta tuvo como protagonistas a Kevin Bacon y Colin Firth.


title: Atom Egoyan

text: Tras varios años sin actividad se ha especulado sobre una posible remasterización de la antigua pero popular serie "Life with Derek", a cargo de Egoyan.


title: The Pillow Book

text: The Pillow Book es una película de carácter iniciático dirigida por Peter Greenaway en 1996, cuyo título hace referencia a la costumbre japonesa de guardar en las almohadas, que eran de cerámica o de madera huecas, los diarios íntimos. Nagiko -narradora y protagonista- va contando su proceso de aprendizaje, proceso que se simboliza en el paso de ser soporte de escritura a convertirse ella misma en "pincel"; y que tiene, como etapas intermedias, el conocimiento del amor, de la muerte y de la venganza.


title: The Pillow Book

text: En cuanto a la forma, de estructura circular, sigue presente la constante necesidad de Greenaway de romper con el lenguaje cinematográfico tradicional. En este caso, la ruptura se realiza por medio de la yuxtaposición simultánea de imágenes –recurso de clara filiación nipona, perceptible no sólo en su lengua, sino también en su literatura (téngase en cuenta que la composición poética nipona más popular es el haiku, uno de cuyos principios es la contraposición de impresiones)-. Esta técnica tiene como función completar o adelantar lo que ocurre/se dice o va a suceder.


title: The Pillow Book

text: Hacia la mitad de la película, se hace una cita del "Makura no Sōshi" que, en cierto modo, la resume:


title: The Pillow Book

text: La protagonista es Nagiko, una niña cuya familia valora la etiqueta y sutileza de la literatura y la pintura. Cada cumpleaños su padre, que es calígrafo, le dibuja en la cara una bendición tradicional. Pero la familia es pobre y el padre va pagando su deuda a un editor con favores homosexuales. Casada con el hijo adoptivo de aquel, el matrimonio es un fracaso y el marido quema la biblioteca de Nagiko. La muchacha se escapa a Tokio y se convierte en una modelo de éxito. Los recuerdos familiares son muy fuertes y debe encontrar su equivalente adulto insistiendo para que sus amantes le den placer escribiendo sobre su cuerpo. Sin embargo, la insuficiencia de éstos ya en el terreno de la caligrafía, ya en el sexual hacen que Nagiko sólo pueda tener momentos de éxtasis, pero no una relación duradera. Persuadida por Hoki, un fotógrafo joven que está desesperadamente enamorado de ella, intenta publicar un texto, pero es rechazado por el mismo editor que humilló a su padre. Al saber que el editor tiene como compañero a Jerome, Nagiko decide seducirlo. Sin embargo, las cosas no suceden como ella lo había planeado, porque se enamora del inglés.


title: The Pillow Book

text: Jerome sugiere a Nagiko que escriba de nuevo el libro pero ahora sobre su cuerpo y que él lo presentará al editor para su publicación. Nagiko cubre a su amante con un texto que anuncia poéticamente un plan con otros doce más, donde el cuerpo y la palabra se consideran indivisibles.


title: The Pillow Book

text: El editor no permite que el inglés le abandone y Nagiko es testigo de los encuentros sexuales de ambos. Furiosa, seduce a otro amante ocasional que le provee de piel para escribir. Cuando se entera, el inglés siente celos e incitado por Hoki,intenta fingir su muerte con una catalepsia inducida por pastillas que termina en un suicidio involuntario.


title: The Pillow Book

text: En honor a su aflicción y amor, Nagiko pasa un día y una noche escribiendo un apasionado poema erótico en el cuerpo sobre el amante (Libro VI: Libro del enamorado). Tras el entierro de Jerome, Nagiko quema su lujoso apartamento de Tokio, abandona la ciudad y vuelve a la casa de sus padres muertos.


title: The Pillow Book

text: Hoki cuenta al editor que la muchacha ha escrito un texto sobre el cuerpo de Jerome. El editor lo exhuma en secreto, lo despelleja y manda encuadernar el poema. Nagiko, que ha quedado embarazada de Jerome, se entera de lo sucedido y toma la determinación de llevar a cabo su antiguo plan. Al principio el editor interpreta de una forma errónea su intención, terminando por comprender que los muchachos enviados a su casa son un trato para lograr un entierro decente del «libro-almohada» de la piel de Jerome. Finalmente, el decimotercer y último texto llega bellamente caligrafiado en la piel de un joven aprendiz de sumo. Es el Libro de la muerte. El editor toma conciencia de su fin, entrega el libro-almohada y permite que el joven sea su ejecutor.


title: The Pillow Book

text: La piel caligrafiada es devuelta finalmente a Nagiko, quien se hace tatuar el texto en su propio cuerpo, y lo entierra en la maceta de un bonsái.


title: The Pillow Book

text: La película finaliza con Nagiko escribiendo una felicitación sobre el rostro de su hija y reconociendo que ahora sí está preparada para escribir un diario.


title: Makura no Sōshi

text: Por otro lado, hay secciones que son verdaderos catálogos de nombres de plantas, de pájaros, de flores, que dan lugar también a listas de "cosas acongojantes", "cosas que dan vergüenza", "cosas tranquilizadoras".


title: Makura no Sōshi

text: Como señalara André Beaujard, único traductor al francés de la obra, a Sei Shonagon le gusta evocar los sentimientos más fugitivos, la evanescencia de las cosas. Busca la palabra justa con un estilo elegante que no excluye una expresión vigorosa.


title: Makura no Sōshi

text: Por su parte, Octavio Paz, admirado ante la belleza y la transparencia de su prosa, descubre en ella "un mundo milagrosamente suspendido en sí mismo, cercano y remoto a un tiempo, como encerrado en una esfera de cristal."


title: Sei Shōnagon

text: Sei Shōnagon (清少納言, h. 968-entre 1000 y 1025) fue una escritora japonesa que vivió en el siglo X, durante la Era Heian, conocida por su diario "Makura no Sōshi" ("El libro de la almohada").


title: Sei Shōnagon

text: Su vida es poco conocida. Se discute cuál era su nombre real, aunque la opinión más extendida es que se llamó "Kiyohara Nagiko". Su sobrenombre está formado por la combinación de un título protocolario ("Shōnagon", tercer subsecretario de Estado) y un apellido familiar ("Sei" es la pronunciación china del carácter con que se escribe la primera parte del apellido de la autora, "Kiyohara", que significa "campo puro").


title: Sei Shōnagon

text: Era hija del poeta Kiyohara no Motosuke. Gracias a la destacada situación de su padre, logró convertirse en dama de compañía de la emperatriz consorte Fujiwara no Sadako, esposa predilecta del emperador Ichijō. Presumiblemente se casó o convivió con Tachibana no Norimitsu, con el que tuvo un hijo, Tachibana no Norinaga. También se desposó con Fujiwara no Muneyo y de esta unión tuvo una hija, Koma no Myobu. Por otra parte, se le atribuyeron numerosos amantes.


title: Sei Shōnagon

text: Pasó la mayor parte de su vida en Heian-kyo, actual Kyoto. Hasta el final de su vida vivió errante, manteniéndose gracias a las limosnas, entre la isla de Shikoku y los alrededores de la capital. Su obra más importante, "Makura no Sōshi" ("El libro de la almohada"), era su diario personal, el cual era costumbre que se guardara bajo la cabecera de la cama (de ahí el nombre). "El libro de la almohada" está compuesto por una serie de listas en las que la autora enumera elementos de la realidad cotidiana, como por ejemplo, cosas que emocionan, cosas que producen una sensación de suciedad, cosas que no pueden compararse, etc. Jorge Luis Borges seleccionó, anotó y tradujo esta obra con ayuda de María Kodama.


title: Sei Shōnagon

text: Además del "Makura no Sōshi", compuso la colección de poemas "Sei Shonagon-shu". Es, también, una de las poetisas que parecen en el "Ogura Hyakunin Isshu", juego de cartas tradicional en el que son fundamentales la memoria y los conocimientos poéticos de los participantes.


title: Historia del cine

text: La historia del cine como espectáculo comenzó en París el 28 de diciembre de 1895.


title: Historia del cine

text: Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde sus inicios con el cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluidas las convenciones del género, y han surgido así distintos géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, con lo que se desarrollaron distintos movimientos cinematográficos.


title: Historia del cine

text: La idea de capturar, crear y reproducir el movimiento por medios mecánicos es muy antigua, y existieron antecedentes tales como la cámara oscura, el taumatropo, la linterna mágica o el fusil fotográfico. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del siglo XIX. Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el Quinetoscopio creado en su laboratorio por William Dickson, el cual , solo permitía funciones muy limitadas.


title: Historia del cine

text: Inspirándose en este e integrando diversos inventos y descubrimientos de la época, como el rollo de fotos de Eastman, los hermanos Lumière (hijos del fotógrafo Antoine Lumière) crearon el cinematógrafo: este dispositivo que desarrollaron permitía la toma, proyección y hasta el copiado de imágenes en movimiento, así como el espectáculo público derivado de la exhibición del funcionamiento del aparato.


title: Historia del cine

text: La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895 en París y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerda aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica (propiedad de los mismos Lumière), y la de un tren (en la estación de La Ciotat) que parecía abalanzarse sobre los espectadores; ante estas imágenes las personas reaccionaron con un instintivo pavor, creyendo que el tren los atropellaría. La función de las primeras "películas" era mayormente documental, con el agregado del movimiento. Tiempo después lograron el primer filme argumental de la historia, "El regador regado". Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero el puntapié inicial para realizar historias y experimentar recursos narrativos visuales fue cuando el ilusionista Georges Méliès usó en un primer momento el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, pero luego los desarrollaría en el cine, creando rudimentarios —pero eficaces— efectos especiales. Los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía y fue así como en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples y, tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator (ver cine mudo). Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficción, históricas o de época); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro. También en la época se produjeron los primeros juicios en torno a los derechos de autor de las adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría con el tiempo a la creación de las franquicias cinematográficas basadas en personajes o sagas.


title: Historia del cine

text: El 28 de diciembre de 1895 se realiza la primera proyección cinematográfica abierta al público. Ya se habían realizado anteriormente proyecciones consideradas como experimentos delante de varios científicos. Ambos hermanos consideran al cine como un simple experimento que no tiene futuro.


title: Historia del cine

text: Negocian con varios propietarios para encontrar una sala de proyección. Tras varios rechazos, escogen el Salón Indio del Gran Café del Boulevard que esta ubicado en París, un pequeño café de pocos metros cuadrados. Seleccionaron este café ya que, según ellos, si el público era relativamente mínimo y la proyección era un fracaso, esta pasaría desapercibida.


title: Historia del cine

text: Esta primera proyección es un éxito y marca el nacimiento oficial del cine como se conoce hoy en día. Esa noche, por solo un franco, cualquier persona interesada pudo asistir a la primera proyección cinematográfica de la historia.Antes de encontrar la sala de proyección del Salón Indio del Gran Café del Boulevard fueron rechazados por numerosas salas como el museo "Grévin" y "las Folies-Bergères" que no confiaban en un invento del que nadie había escuchado hablar. Se realiza una primera sesión por la tarde reservada para algunos invitados especiales pero en la cual ningún periodista atiende. Al día siguiente, nadie habla del nuevo invento en los periódicos.


title: Historia del cine

text: Esa misma noche se abre la sala al público que, por solo un franco, puede asistir a la sesión. La sala puede contener hasta cien espectadores aunque únicamente entran treinta y cinco personas, intrigadas por el cartel anunciando el cinematógrafo. Entran sin ninguna expectativa pensando encontrar frente a ellos luces de feria. Sin embargo, al encenderse el proyector, el público queda asombrado. Las paredes parecen cobrar vida y las imágenes que, hasta ahora habían permanecido estáticas, empiezan a moverse. A pesar de que se trata de escenas de la vida cotidiana, el público queda totalmente impresionado.


title: Historia del cine

text: Poco a poco fue corriendo la voz y se empieza a hablar del dispositivo que proyecta un espectáculo nunca visto hasta ahora. El segundo día se llenó la sala. Los días siguientes se puede ver una larga fila delante del Salón Indio del Gran Café del Boulevard. Tras varias sesiones, tienen que aumentar el número de proyecciones a más de diez por día. La gente lucha por poder entrar y asistir al espectáculo. El número de representaciones va en aumento y los hermanos Lumières acaban vendiendo hasta 2500 billetes por día.


title: Historia del cine

text: El cinematógrafo tiene un éxito tan grande que numerosas personas se interesaron por él. El museo "Grévin" y las "Folies Bergères", dos de las salas que los había rechazado para la primera proyección, ofrecieron veinte mil francos uno y más de cincuenta mil el otro para comprarlo. George Méliès, uno de los primeros espectadores del 28 de diciembre de 1895 que se convertirá en el pionero de los efectos especiales en el cine, también se ofrece a pagar más de diez mil francos. Se dice que los hermanos Lumières no aceptaron, convencidos de que su invento no tenía ningún futuro y que no podía traer nada más que la ruina.


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text: Sin embargo, eso no les impide aprovechar su éxito y abrir una sala de mayores dimensiones para seguir con sus proyecciones. Su fama llega más allá de Europa y alcanza América que, hasta ahora, solo conocía el Quinetoscopio de Edison. El cinematógrafo en seguida lo supera y conquista al público americano tanto como lo había hecho en Europa.


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text: Un año más tarde los hermanos Lumières ya han realizado más de 500 películas que tienen tanto éxito como las primeras. Realizan “Llegada de un tren a la estación”, película que asustará por primera vez al público. Se cuenta que gran parte del público salió aterrorizado de su asiento al ver una locomotora acercándose hacia ellos que parecía salir de los límites de la pantalla.


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text: El cine se vuelve un arte popular que atrae tanto a niños como adultos en las ferias y salas de proyecciones. Cada vez más personas se dedican a grabar eventos de la vida cotidiana en forma de documental.


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text: Sin embargo, un evento trágico le hará perder parte de la popularidad que había ganado. El 4 de mayo de 1897, en una sala cinematográfica, se produce el enorme incendio dramático en el "Bazar de la Charité." Los hermanos Lumières reaccionan a esa tragedia creando un sistema de enfriamiento para evitar que se caliente la película. A pesar de eso, el cinematógrafo seguirá triunfando y tendrá un gran éxito en la exposición universal de París en 1900 en la que se realizan proyecciones delante de 80.000 personas simultáneamente.


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text: Si bien durante el inicio del cine se tomó como cierta y concreta la teoría de que podemos percibir movimiento aparente a partir de una sucesión de fotografías fijas que se alojan en nuestra retina (véase persistencia de la visión o persistencia de las impresiones retinianas), varias teorías de la percepción descubiertas durante los inicios de la escuela de la Gestalt y otras posteriores relativas a la psicología de la percepción contradicen dicha teoría. Según Max Wertheimer hay varios efectos que pueden producir apariencia de movimiento. La propagación de la teoría de la persistencia retiniana como única explicación del funcionamiento del cine es un error que está demostrado por Miguel Ángel Martín Pascual. Según su artículo el movimiento aparente no sucede directamente en el ojo sino en un veloz y complejo proceso que se produce entre la percepción visual directa, la memoria y la capacidad de interpretación de la imagen.


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text: Además de Edison, los hermanos Lumière y Méliès, hubo otros pioneros en la historia del cine como:En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el inglés, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos.


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text: Viendo las perspectivas de este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no solo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como localizaciones, y la cercanía con la frontera de México, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del mundo.


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text: La mayor parte de los estudios fueron a Hollywood (Fox, Universal, Paramount, controlados por Darryl F. Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn, ...), y miraban al cinematógrafo más como un negocio que como un arte. Lucharon entre sí con tesón, y a veces, para competir mejor, se fusionaron: así nacieron 20th Century Fox (de la antigua Fox) y Metro-Goldwyn-Mayer (unión de los estudios de Samuel Goldwyn con Louis B. Mayer) Estos estudios buscaron controlar íntegramente la producción fílmica. Así, no solo financiaban las películas, sino que controlaban a los medios de distribución, a través de cadenas de salas destinadas a exhibir nada más que sus propias películas. También contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a sueldo, bajo contratos leoninos; fue incluso común la práctica de prestarse directores y actores entre sí, en un pasando y pasando, sin que ni unos ni otros tuvieran nada que decir al respecto, amarrados como estaban por sus contratos. Esto marcó la aparición del "star-system", el sistema de estrellas, en el cual las estrellas del cine eran promocionadas en serie, igual que cualquier otro producto comercial. Únicamente Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford se rebelaron contra esto, pudiendo hacerlo por su gran éxito comercial, y la salida que encontraron fue crear un nuevo estudio para ellos solos: United Artists.


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text: Durante los primeros treinta años las películas fueron completamente mudas. Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto, aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del tema entendieran la película.


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text: Mientras tanto, el cine seguía otros caminos en Europa. Allí, el sentido del negocio se basó en el monopolio del celuloide. Surgieron grandes empresas cinematográficas que, con Francia a la cabeza, dominaron el mercado mundial hasta la Gran Guerra, en que su hegemonía fue reemplazada por la de la industria estadounidense. Hasta 1914, Europa, con productoras como la Gaumont, la Pathé o la Itala films, dominaron los mercados internacionales. Así, el cine cómico francés, con André Deed y Max Linder o el colossal italiano, con grandes escenografías y participación de extras, en películas como "" (1912) o "Cabiria" (1914) fueron la escuela donde aprendieron Charles Chaplin y el cine cómico norteamericano o David W. Griffith que asumió los presupuestos del "peplum" en "Judith de Betulia" o "Intolerancia". Más tarde Europa sufrió una patente decadencia debido a la Primera Guerra Mundial, que marcó la pérdida de la preponderancia internacional de su cine.


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text: Aun así, tras la guerra se crearon obras maestras que iban a hacer escuela. En estos años el movimiento más importante fue el Expresionismo, cuyo punto de partida suele fijarse con la película "El gabinete del doctor Caligari" (1919), y cuya estética extraña y alienada respondía a los miedos de la Europa de postguerra, seguida después por "Nosferatu, el vampiro" (1922). También, en paralelo al movimiento surrealista en pintura y literatura, surgió un cine surrealista, cuyo exponente más célebre es "Un perro andaluz" dirigida por Luis Buñuel.


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text: Por su parte el cine nórdico contaba con las figuras de Victor Sjöström y Mauritz Stiller en Suecia y Finlandia respectivamente.


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text: En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran casi todos interiores, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como el plano y contraplano, el mover la cámara ─como por ejemplo el "travelling"─ o utilizarla en ángulo picado o contrapicado, pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes históricos rodados en Italia en la década de los años diez ("" o "Cabiria").


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text: Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con "El nacimiento de una nación" e "Intolerancia", cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En la Unión Soviética, otro tanto realiza Sergéi Eisenstein, con películas clave como "El acorazado Potemkin" u "Octubre", entre otras; a Eisenstein se le debe el llamado montaje de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.


title: Historia del cine

text: El cine, como manifestación artística, cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas estéticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine. En algunos casos, supone la ruptura con los estilos anteriores, sobre todo del cine clásico de Hollywood y, en otros casos, suponen un desarrollo de los estilos predecesores. El cine de vanguardia supone una ruptura en la narrativa del cine convencional. Junto con la literatura y el arte dominaron el primer tercio del siglo XX. Las corrientes vanguardistas cuestionan los modos tradicionales de producción, difusión, exhibición y consumo de los objetos artísticos; y recurren a cuestiones relativas a la modernidad.


title: Historia del cine

text: En cuanto al cine, se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista. En primer lugar, se encuentra el cine impresionista, representado por Abel Gance y René Clair. En segundo lugar está el cine surrealista francés y el cine abstracto alemán. Por último, se halla el cine independiente o documental.


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text: Junto a estos movimientos ligados a las vanguardias históricas de principios del existen otras manifestaciones cinematográficas, entre las que cabe destacar:


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text: Durante épocas de grandes enfrentamientos políticos y militares el cine fue utilizado como fuerte herramienta de propagación de ideologías y propuestas de acción. Los regímenes totalitarios de todo el hicieron un gran uso del montaje y las técnicas del cine para la propaganda. Así, la Unión Soviética fomentó un tipo de cine que remarcaba el poder del pueblo como imagen dignificadora y potenciadora de la patria soviética. Se realizaron varias producciones relativas a la Revolución de 1917, y en contra de la antigua burguesía zarista. También en contra de las invasiones alemanas durante la Segunda Guerra Mundial (por ejemplo, "Alexander Nevsky", de Serguéi Eisenstein). En Italia, el régimen fascista de Mussolini ordenó a los estudios Cinecittà crear una serie de películas fastuosas, en la tradición del "colossal" italiano de la década de 1910, que sirvieran para ensalzar la antigua grandeza romana, de la que Mussolini se sentía heredero; el representante más fiel de este cine fascista es probablemente el "", rodado en 1937. En Alemania, si bien no hubo un fuerte control sobre el cine, sí se rodaron numerosos documentales ensalzando a los nazis, como por ejemplo "El triunfo de la voluntad" de Leni Riefenstahl; varios cineastas contrarios al régimen, por su parte, prefirieron marchar al exilio, como por ejemplo Fritz Lang.


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text: El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte, el cine mudo es aquel que no posee sonido, y consiste únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro, los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood, y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario.


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text: Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la misma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposición Universal de París de 1900.


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text: Según la publicación "Where Else but Pittsburgh", la primera película de cine épica se llamó Fotodrama de la Creación, y aunque apareció 15 años antes de que se produjeran otras películas sonoras, ofreció una combinación de películas cinematográficas y fotografías sincronizadas con un discurso grabado. Se dividía en cuatro partes, duraba un total de ocho horas y la vieron aproximadamente 8 millones de personas.


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text: Esta producción estaba compuesta de diapositivas fotográficas y película cinematográfica, acompañadas de discos fonográficos de discursos y música. El "Anuario De Los Testigos De Jehova" de 1979 aseguró: «Hubo que pintar a mano todas las diapositivas y películas de color. El foto-drama duraba ocho horas, y, en cuatro partes, llevaba a los auditorios desde la creación, a través de la historia humana, y hasta la culminación del propósito de Jehová para la Tierra y el género humano al fin del reinado milenario de Jesucristo». Fue una producción de la entonces llamada Asociación Internacional de los Estudiantes de la Biblia y hoy llamada Testigos de Jehová. Todos los asientos eran gratis y jamás se hacía una colecta. Además, esta producción de color y sonido repleta de hechos bíblicos, científicos e históricos entró en la escena años antes de que las películas cinematográficas comerciales de color y de largometraje acompañadas de diálogo grabado y música fueran vistas por los auditorios en general hasta principios de la década de 1920.


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text: En 1918, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. Pero el invento definitivo surgió en 1923, el Phonofilm, creado por el ingeniero Lee de Forest, quien resolvió los problemas de sincronización y amplificación de sonido, ya que lo grababa encima de la misma película; así, rodó 18 cortos para promover la técnica, entre ellos uno de 11 minutos de Concha Piquer, que se considera la primera película sonora en español. No obstante, por falta de financiamiento el invento se postergó hasta 1925, año en que la compañía Western Electric apostó por él.


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text: En 1927, los estudios Warner Bros se encontraban en una situación financiera delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido Vitaphone, sistema en el cual la banda sonora estaba presente en discos sincronizados con la proyección. Se incorporó por primera vez en una producción comercial titulada "Don Juan" (1926) de Alan Crosland, así como en otra de sus películas, "Old San Francisco" (1927). En ésta incorporó por primera vez ruidos y efectos sonoros. Sin embargo, la película sonora más exitosa fue "El cantante de jazz" (1927) en la que Al Jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «Ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.


title: Historia del cine

text: La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad, quedó relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética frente a la mayor importancia del diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto, surgieron nuevos actores en su reemplazo. Dos películas que retratan esta transición del cine mudo al sonoro son el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952) y también la película "El artista" (2011), esta última con el estilo de una película muda en blanco y negro.


title: Historia del cine

text: Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin, con "Tiempos modernos" (1936). Y, sin embargo, a partir de 1940 comenzó a realizar películas con sonido, la primera de las cuales fue "El gran dictador". Así mismo, Sergei Eisenstein, Vsévolod Pudovkin y manifestaron en 1928 por escrito su negativa al cine sonoro.


title: Historia del cine

text: El cine sonoro hizo desaparecer la función que cumplía el conjunto musical al acompañar el visionado del cine mudo. El silencio cobra importancia como nuevo elemento dramático desconocido por el cine mudo. Se introduce el concepto de banda sonora.


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text: Anteriormente se creía que el año 1909, en el teatro Palace-Varieté de Londres, se proyectaron por primera vez películas en color (el principal problema era que la técnica creada por George Smith (Kinemacolor), sólo utilizaba dos colores: el verde y el rojo -los cuales se mezclaban de manera aditiva-). Pero en realidad, fue en 1901 cuando se creó la primera película en color de la historia. Sin título, fue dirigida por el fotógrafo Edward Turner y su mecenas Frederick Marshall Lee. La manera en que la realizaron fue, rodar las escenas en blanco y negro, para después añadir filtros verdes, rojos y azules. Finalmente se creaba uniendo el metraje original y los filtros en un proyector especial.


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text: Posteriormente, en 1916, llegó el technicolor (procedimiento tricromático (verde, rojo, azul)). Su uso exigía una triple impresión fotográfica, incorporación de filtros cromáticos y unas cámaras de enormes dimensiones). La primera pieza audiovisual que se realizó completamente con esta técnica fue el corto de Walt Disney "Flowers and Trees", dirigida por Burt Gillett 1932. Sin embargo, el primer largometraje que se realizará con esta técnica será la por película "La feria de las vanidades" (1935), de Rouben Mamoulian. Posteriormente, el technicolor se extendió sobre todo en el ámbito musical como "El mago de Oz" o "Cantando bajo la lluvia", en películas de la época como "Robin de los bosques" o en la animación, "Blancanieves y los siete enanitos".


title: Historia del cine

text: La industrialización del cine hizo nacer también las llamadas "convenciones de género", y por ende, los géneros cinematográficos propiamente dichos.


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text: El primer cine era documental: escenas de obreros saliendo de las fábricas y cosas así. Pero el cine documental en cuanto tal, recién vino a nacer en 1922, con el filme "Nanuk, el esquimal". Aunque nunca demasiado popular, de tarde en tarde se rodarían algunos, como por ejemplo "El mundo sumergido", de Jacques Cousteau


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text: El cine histórico y bíblico, por su parte, caminarían de la mano, en la búsqueda de la espectacularidad. Desde antiguo se habían rodado películas sobre la vida de Cristo (por ejemplo, "Del pesebre a la cruz" (1912). Sin embargo, el cineasta que le dio verdadera carta de naturaleza al cine histórico o bíblico fue Cecil B. DeMille, con hitos como "Los diez mandamientos" (la versión original de 1923 y el "remake" de 1956), "Rey de reyes" (1927) o "Cleopatra" (1934). Otro clásico de época es "Lo que el viento se llevó", estrenada tras varias peripecias en 1939.


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text: En la década de 1930 surgen también, estrechamente hermanados, el cine de gánsteres y el cine negro. Hitos claves del cine gansteril fueron el "Scarface" de 1932 o "Hampa dorada", y un director clave fue Howard Hawks. Su éxito se explica por la dosis de crítica social que dichos filmes envolvían, sobre la situación posterior a la Gran Depresión de 1929. Además, fueron campo de experimentos formales con la iluminación, con fuerte influencia de los cineastas europeos herederos del Expresionismo, muchos de los cuales habían llegado a Hollywood huyendo del Tercer Reich, por ese entonces ascendente. Quizás el actor más asociado con el género es Humphrey Bogart, con clásicos como "Casablanca", "El halcón maltés" o "El sueño eterno".


title: Historia del cine

text: El cine fantástico y de ciencia ficción había también experimentado su propio desarrollo, paralelo a un elemento que le era indispensable: el desarrollo de los efectos especiales. Ya Georges Méliès había diseñado una curiosa fantasía llamada "Viaje a la Luna", vagamente basada en la novela de Julio Verne. La gran película del cine mudo de ciencia ficción fue "Metrópolis", de Fritz Lang (1927), la cual marcó estéticamente a muchos cineastas posteriores, pero que en su tiempo fue un fracaso de taquilla, costoso para los cánones de la época, y que por lo tanto, relegó a la ciencia ficción fílmica al plano de mero entretenimiento, sin mayor trascendencia intelectual, estigma que pesaría sobre el género hasta "" (1968). En la década de 1930, coincidiendo con la Gran Depresión y el Nazismo, se puso de moda el cine de terror, con clásicos como "Dracula" (con Béla Lugosi, dirigida por Tod Browning, en 1931), o "Frankenstein" de James Whale, con Boris Karloff (1931). Con éstos y otros filmes, los Estudios Universal crearon la imagen moderna de los clásicos monstruos de la literatura de terror.


title: Historia del cine

text: La llegada del sonido permitió también el desarrollo de la comedia musical, género harto más amable, incluso de evasión, en donde primaba el peso de los números musicales y canciones por sobre la historia, y que fue el vehículo de lucimiento para diversos bailarines. Los más importantes fueron la dupla conformada por Ginger Rogers y Fred Astaire. El gran clásico del género es "Cantando bajo la lluvia" (1952).


title: Historia del cine

text: Un género típico de los Estados Unidos que se desarrolló en aquellos años fue el Western, en particular gracias al trabajo de cineastas como John Ford. El gran actor de westerns de la época fue John Wayne. El género fue muy exitoso en Estados Unidos, por construir una mitología fílmica de carácter nacionalista.


title: Historia del cine

text: Su importancia tuvieron también los filmes de aventuras y de capa y espada. Muy exitoso en ese tiempo fue el cine de piratas. Quizás el más recordado héroe posterior a Douglas Fairbanks sea Errol Flynn ("Capitán Blood", 1935), quien más o menos tomó su relevo en la década de 1930.


title: Historia del cine

text: En cuanto a la comedia, su edad de oro comenzó con los Keystone Cops, los alocados cortos con policías de Mack Sennett, que inventaron el concepto de gag, incluyendo uno clásico: lanzarle pasteles de crema a la cara de la gente. Pero el primer gran personaje cómico fue el vagabundo sin nombre que Charles Chaplin interpretara en numerosos cortos, y más tarde en largometrajes como "The Kid" (1921) o en "Luces de la ciudad" (1927). Otro cómico importante fue Buster Keaton. Más tarde llegaron El gordo y el flaco, Los Tres Chiflados y Jerry Lewis.


title: Historia del cine

text: El cine de animación fue experimentado desde los comienzos del cine mismo. Desde 1889 Émile Reynaud trabajó en este campo, y presentó en 1892 su serie de cortos "Pantomimes Lumineuses"; Stuart Blackton creó en 1906 "Humorous Phases of Funny Faces", una animación realizada en un pizarrón; el Stop Motion fue descubierto por Segundo de Chomón ("La casa encantada", de 1906 o 1907) y por Émile Cohl ("La carrera de las calabazas", de 1908), quien además trabajaba mezclando actores y dibujos.


title: Historia del cine

text: Y, aunque el primer largometraje animado fue "El apóstol" (1917), producida en Argentina por Quirino Cristiani, quien impulsó definitivamente la industria del cine de animación fue Walt Disney, con los largometrajes "Blancanieves y los siete enanitos" (1937) y "Fantasía" (1940).


title: Historia del cine

text: Posiblemente la cúspide de las posibilidades del cine de la época, en términos de lenguaje cinematográfico, haya sido alcanzada por el filme "Ciudadano Kane", de Orson Welles, en 1941. Película polémica en su época, ha sido reconocida en retrospectiva como uno de los grandes hitos fílmicos de todos los tiempos, y sumó todos los experimentos conceptuales de la época, cerró caminos y abrió otros, razón por la cual figura regularmente como una de las mejores películas de todos los tiempos, en listados y reseñas críticas.


title: Historia del cine

text: Siendo el cine el único multimedia de la época, y estando su producción bien controlada por los grandes estudios, se desarrolló todo un mecanismo de producción industrial de películas. Así, se programaba no la exhibición de una película pura, sino de verdaderos rotativos que ofrecían, por el mismo precio, una serial y dos películas. A la película principal se sumaba una de menor costo, y producción barata y apresurada, que por su condición de relleno, pasó a ser llamada serie B. Posteriormente la serie B evolucionaría hasta ser un género por derecho propio, pero en aquel tiempo, iba adosada al cine normal.


title: Historia del cine

text: Las llamadas seriales dominicales eran historias dirigidas al público infantil o juvenil, y que por ende, ofrecían historias de vaqueros, de aventuras o de ciencia ficción. Constaban de una docena de capítulos, de algunos minutos de extensión cada uno, y terminaban en "cliffhangers" que obligaban al espectador a acudir al cine el domingo siguiente, para saber cómo el protagonista saldría del peligro de muerte. Historias dominicales de matinée como por ejemplo "Flash Gordon contra el universo" no solo le dieron carta de naturaleza en el cine a personajes por entonces recientes como Flash Gordon, Superman o Batman, sino que son la evidente fuente de inspiración para hitos fílmicos posteriores como Star Wars o Indiana Jones.


title: Historia del cine

text: En la época comenzó también la relación entre el negocio del cine y el de la música. Personajes tan disímiles como Mario Lanza, Frank Sinatra, Marlene Dietrich, Jorge Negrete o Carmen Miranda, por mencionar unos pocos ejemplos casi al azar, desarrollaron carreras paralelas como cantantes y actores, con éxito variable según la época y el país.


title: Historia del cine

text: Para la historia del cine de cada país o cada cultura (geográficamente) o en lengua no inglesa, véase:


title: Historia del cine

text: Para la Segunda Guerra Mundial, la maquinaria productiva de Hollywood estaba tan bien engrasada, que muchos estudios pudieron prestar activos servicios creando filmes más o menos propagandísticos de apoyo a los Aliados, y en contra del Eje. Pero una vez terminada la conflagración, Hollywood experimentó problemas.


title: Historia del cine

text: En primer lugar, hubo juicios contra los estudios por el monopolio que ejercían. En 1948, los tribunales de justicia les obligaron a desprenderse de las cadenas de cine, debiendo limitarse a la producción de las películas, perdiendo la distribución. Al mismo tiempo, los artistas, cada vez más célebres, empezaron a rebelarse contra las imposiciones de los estudios. Olivia de Havilland llevó su contrato a juicio, y tras un largo tiempo litigando, ganó. Con esto, el control que los estudios ejercían sobre actores y directores se resquebrajó.


title: Historia del cine

text: Para colmo, Hollywood debió afrontar un nuevo enemigo: la popularización de la televisión. Las series de televisión barrieron con las series de matinée, y los noticiarios televisivos reemplazaron a los cinematográficos. En un tiempo, se pensó que la televisión acabaría con el cine.


title: Historia del cine

text: Hollywood respondió reforzando los aspectos en los cuales la televisión no podía competir, concretamente la espectacularidad. Así, el género épico experimentó un nuevo auge, con filmes como "El manto sagrado", "Sinuhé el egipcio" o "Ben-Hur". Todos ellos se beneficiaron de avances técnicos como la pantalla panorámica, gracias a innovaciones como el cinerama o el cinemascope.


title: Historia del cine

text: En esta época se estandarizó el cine en color. Technicolor ya había nacido en el año 1917, aunque en un proceso más rudimentario que solo utilizaba dos colores, que evolucionó a lo largo de los años 20 y primeros 30, hasta que en 1934 se estrenó la primera película con una escena de acción real en Technicolor de tres colores, El gato y el violín. Poco después Becky Sharp (1935) sería el primer largometraje íntegramente rodado en color. A pesar de todo ello, las complicaciones de rodar en color (se requería el triple de luz que con el sistema en blanco y negro y cámaras tres veces más grandes y pesadas) hizo que el cine en blanco y negro siguiera predominando una década y media más. Con la evolución y simplificación de Technicolor así como la aparición de otras compañías de cine en color como Eastmancolor entre otras que estimularon la competencia, el cine en blanco y negro quedó relegado a películas de bajo presupuesto o en las que era necesario por razones exclusivamente artísticas.


title: Historia del cine

text: Mientras Hollywood luchaba por superar la crisis, en el resto del mundo se imponían nuevas ideas fílmicas. Impregnados del espíritu de las vanguardias artísticas de la primera mitad del XX, en Europa comenzó la experimentación formal, que llevó a la creación de nuevas formas fílmicas.


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text: La primera de ellas, en la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial, fue el Neorrealismo. Nació en Italia, como reacción al cine fascista del régimen de Mussolini, y buscaba la máxima naturalidad, con actores no profesionales, iluminación natural, etcétera, y con un cine de fuerte crítica social. Se considera inaugurado el género con "Roma, ciudad abierta" (1945), aunque suele considerarse como su mayor representante el "Ladri di biciclette" de Vittorio de Sica (1948). El neorrealismo se agotó pronto, pero muchos cineastas formados o desarrollados en este, siguieron rodando después (Federico Fellini, Luchino Visconti, Roberto Rossellini, etcétera).


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text: Esta tendencia hacia un cine más realista y menos espectacular fue recogida en otros lugares de Europa. En Francia, François Truffaut le dio el definitivo empuje a la nouvelle vague, con filmes como "Los cuatrocientos golpes"; los cineastas se agruparon en torno a la revista Cahiers du Cinéma, que utilizaron como vehículo de sus ideas sobre el cine. Destaca, aparte de Truffaut, J. L. Godard ("Al final de la escapada"). Este fenómeno encontró paralelo en el "free cinema" inglés, y después se proyectó en Latinoamérica, muy en particular en el "cinema novo" de Brasil, con filmes como "Dios y el diablo en la tierra del sol".


title: Historia del cine

text: Gran parte de la actividad intelectual en torno al cine se desarrollaba no en los estudios de productores, sino en los foros, en donde se proyectaban filmes, y se discutía sobre ellos entre el público interesado. "Cahiers du Cinéma" definió su propio cine como un cine de autor, o sea del director, frente al cine hollywoodense, el cual era considerado cine de productor, y por ende, reivindicaba la mirada artística y personal del director, por encima de las exigencias comerciales. Esto le abrió las puertas a cineastas con propuestas tan personales como Ingmar Bergman ("El séptimo sello"), Luis Buñuel ("Los olvidados", "Viridiana", "Bella de día"), Stanley Kubrick ("" o "La naranja mecánica"), Pier Paolo Pasolini ("Salò o los 120 días de Sodoma"), Werner Herzog ("Aguirre, la cólera de Dios "), o Andréi Tarkovski ("Stalker"), por ejemplo, además de allanar el camino para cineastas no europeos, como por ejemplo el japonés Akira Kurosawa ("Rashōmon"). También hubo filmes que trataron géneros considerados como típicamente hollywoodenses y los plantearon en sus propios términos, como por ejemplo "Barbarella" (la ciencia ficción), "Los paraguas de Cherburgo" (la comedia musical), "El Evangelio según San Mateo" (el cine bíblico) o "El bueno, el feo y el malo" (el western).


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text: La ironía es que muchos actores y actrices de estos movimientos, con el tiempo se convirtieron en estrellas tan rutilantes como las hollywoodenses: fue el caso de Brigitte Bardot, Catherine Deneuve, Isabelle Adjani, Jean-Paul Belmondo, etcétera. Parte de su encanto radicaba en que se permitían muchas libertades sexuales que las estrellas de Estados Unidos no podían o no querían por la censura imperante en Hollywood.


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text: Tampoco desapareció en Europa el cine comercial. El despliegue de colosalismo por parte de Hollywood encontró respuesta en el desarrollo del peplum primero, y cuando este se agotó, en el spaghetti western. Fuera de Europa también hubo otras manifestaciones fílmicas que se hicieron prontamente comerciales, como por ejemplo el cine de artes marciales procedente de Hong Kong. Todas estas productoras trabajaban artesanalmente, y no podían competir con la alta calidad técnica de Hollywood, por lo que se esforzaron en la cantidad, redefiniendo así el cine de serie B.


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text: Todos estos cambios en el cine, que seguían de cerca a la sociedad, iban a golpear al cine de Estados Unidos. Así es como en las décadas de 1960 y 1970 se formaron una serie de nuevos cineastas, que redefinieron la noción de cine hollywoodense. A pesar de sus muy dispares temáticas y preocupaciones, o quizás por eso mismo, todos tenían en común el privilegiar una mirada personal o autoral de sus películas, por sobre el cine comercial. Se suele considerar como el pionero de este movimiento a John Cassavetes, junto a otros nombres como Shirley Clarke, Barbara Loden, Paul Morrissey, Elaine May, Mark Rappaport y Robert Kramer. Directores como Woody Allen, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman o Peter Bogdanovich también contribuyeron a ese paso del cine americano, pero siempre más amparados por la industria y sin alcanzar los extremos de marginalidad que caracterizaron al grupo de Cassavetes.


title: Historia del cine

text: Los nombres de Steven Spielberg y George Lucas son asociados con frecuencia al cine comercial que imperó desde la década de 1980 en adelante, pero no siempre se recuerda que en sus inicios, eran cineastas independientes cuyas propuestas ("American Graffiti" en el caso de Lucas, o "Tiburón" en el de Spielberg) eran consideradas como excéntricas.


title: Historia del cine

text: También prendió con fuerza, en la serie B, el cine exploitation, en respuesta al cine de bajo presupuesto que llegaba desde el extranjero. El género más autóctono en la serie B estadounidense de la época fue el Blaxploitation, que trataba historias de pandillas y maleantes negros, con altas dosis de violencia y sexo para la censura de la época.


title: Historia del cine

text: Marcado en parte por los sucesos de la década de 1970 (Watergate, Vietnam, el fin del movimiento hippie), el cine de ese tiempo se había vuelto más oscuro, con filmes legendarios como "El padrino", "Apocalypse Now" o "Cabaret", por mencionar ejemplos concretos. En cuanto a películas de simple entretenimiento, se pusieron de moda las de catástrofes, como por ejemplo "Aeropuerto" y "El coloso en llamas", con el productor Irwin Allen explotando el género hasta el agotamiento.


title: Historia del cine

text: Sin embargo, en 1977, el cineasta George Lucas, con su película "", cambió esto para siempre. Lucas hizo un trato con Fox, que los ejecutivos del estudio consideraron muy ventajoso, por el cual la Fox se llevaba las ganancias por la película, y Lucas por la mercadotecnia; por los resultados posteriores, mucho mejores para Lucas que para la Fox, los estudios entendieron que las películas podían ser explotadas económicamente de manera mucho más amplia que hasta la fecha. Surgió así el concepto moderno de blockbuster, una película que se vende como "estreno de la temporada", que supondrá un gran golpe de taquilla, y que será el vehículo principal para la venta de una extensa mercadotecnia, a través de la concesión de una franquicia sobre la película y sus personajes, a jugueterías que venderán figuras con el personaje, cadenas de comida rápida que harán promociones, etcétera. Algunos de estas primeras películas explotadas con mayor o menor habilidad como modernos blockbuster fueron "Close Encounters of the Third Kind" de Steven Spielberg o "" de Richard Donner; en 1981 George Lucas y Steven Spielberg unieron fuerzas para una nueva franquicia, la de Indiana Jones.


title: Historia del cine

text: El concepto de la película como una franquicia desarrolló también el concepto de secuela. Existían algunas previamente ("The Godfather Part II", "La novia de Frankenstein", etcétera), e incluso una franquicia fílmica como James Bond había acumulado la respetable cantidad de una decena de entregas, pero con secuelas como "Superman II", "Rocky II" o "", el pensar las películas como eventos con posible continuación para explotar la franquicia dejó de ser algo excepcional, para pasar a ser la norma. Por otro lado el cine se hizo más liviano, perdiendo profundidad temática.


title: Historia del cine

text: A medida que las películas de Hollywood se hacían cada vez más grandes en forma, y más escasas de contenido, el cine de otras regiones fue reaccionando a su vez. Así, se profundizó la grieta entre el llamado cine comercial, cuya principal factoría siguió siendo Estados Unidos, y el cine arte, elaborado en mayor abundancia en otras regiones del mundo. Esto se debió a varias razones. Por una parte, el cine comercial se hizo cada vez más caro de producir, y por ende, menos productoras podían incursionar en él (fundamentalmente de Estados Unidos); aunque esta tendencia se revirtió en parte con el auge de la computación, como lo prueban filmes europeos comerciales como los manufacturados por Luc Besson ("Nikita", "El quinto elemento"), por ejemplo. En segundo lugar, realizar películas con contenido artístico se transformó para los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos. De todas maneras, esta línea divisoria, muy marcada en las décadas de 1980 y 1990, se fue diluyendo entrado el siglo XXI, porque las nuevas posibilidades de los efectos especiales por computadora y el cine digital permitieron abaratar los costos de las películas comerciales. Además, el cine arte nunca desapareció por completo de Estados Unidos, como lo prueba un cineasta como David Lynch ("Terciopelo azul", "Twin Peaks"), el cual, de todas maneras, para muchas de sus películas debió recurrir a capitales europeos.


title: Historia del cine

text: Esta línea divisoria se observó en particular en el ámbito de los premios. Las películas "comerciales" aspiraban a ganar principalmente el Óscar, mientras que aquellas realizadas con vocación de "cine arte" tendían a buscar reconocimiento en Cannes, Berlín, o Venecia. Aunque esto sigue sin ser una regla absoluta, ya que hubo películas "comerciales" que buscaron reconocimiento artístico en Cannes (por ejemplo, "Shakespeare in Love"), y cineastas "artísticos" que buscaron publicidad en Hollywood (por ejemplo, Pedro Almodóvar).


title: Historia del cine

text: El movimiento más importante relacionado con el cine europeo de la época fue el movimiento Dogma 95. Planteándose como reacción al cine comercial, postulaban un cine naturalista, sin efectos de sonido ni banda sonora, con actuaciones más bien espontáneas, y filmadas con iluminación natural. Esto fue posible en buena medida gracias a la aparición de la cámara digital. Ideológicamente, Dogma 95 se inscribía en la línea intelectual de la crítica a la burguesía, tan cara al cine europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Nada de esto era nuevo, porque en su tiempo, el Neorrealismo había adoptado presupuestos muy parecidos, y por análogas razones. Y por similares motivos también, Dogma 95 tuvo una muy corta vida, y sus cultores volvieron lentamente a los usos del cine de siempre, aunque los cineastas formados a su alero ejercieron una marcada influencia cultural. El más conocido de ellos es Lars von Trier quien, de todos modos, después se desmarcó del movimiento.


title: Historia del cine

text: Mención aparte merece el surgimiento de Bollywood en la India. Ya en 1913 se había fundado un estudio dirigido por Dadahaseb Phalké, que produjo unas treinta películas en diez años. Sin embargo, fue con "Alam Ara" (1931), la primera película sonora de la India, la que marcó un antes y un después, al crear una de las más características tradiciones de Bollywood: el peso de los números musicales dentro de los filmes. A partir de entonces se diseminaron por la India varios centros de producción que se especializaron: cine histórico y superproducciones en Bombay, dramas románticos en Poona, fantasía en Calcuta. La barrera idiomática en un subcontinente con centenares de lenguas hizo que el cine occidental apenas llegara a dichas tierras, pero la gran población le permitió a este mercado cinematográfico ser prácticamente autosuficiente, de modo que Bollywood creció de manera paralela y autónoma al cine hollywoodense, europeo o soviético, desarrollando sus propios códigos y cánones, a veces sumamente extraños para el espectador occidental, pero que le confieren un sabor único dentro de la cinematografía mundial.


title: Historia del cine

text: Para cierto sector de la crítica, el cine ingresó hacia la década de 1980 en el postmodernismo. De ahí que se hablara del agotamiento de las vanguardias, de la imposición del concepto de simultaneidad por sobre el de continuidad, del reciclaje de viejos materiales. Hitos de este cine posmoderno serían filmes como "Blade Runner" (1982) o "Pulp Fiction" (1994), filmes armados a partir de la recreación de viejos códigos fílmicos y literarios que han perdido vigencia como tales, como por ejemplo el cine negro o el pulp. Contribuye a esta impresión, la dilución que las películas han ido experimentando debido al fenómeno del blockbuster, en el cual éstas se venden como parte de un gran paquete promocional de otros productos relacionados, como por ejemplo la banda sonora, la novela o el videojuego de la película. Estos ensamblajes multimedia han sido particularmente visibles en fenómenos como "The Blair Witch Project" o "The Matrix", que buscaban ser no solo películas, sino experiencias totales que abarcaran también Internet. Se considera al "cine postmoderno" como una categoría nueva de cine o no, el caso es que la experiencia de ver un filme a finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI, era radicalmente diferente a la de las generaciones anteriores.


title: Historia del cine

text: La generalización de las tecnologías relacionadas con el ordenador cambió al cine para siempre. Los antiguos efectos especiales a base de maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante computadoras. La primera película con efectos digitales fue "Tron" (1982), pero desde ahí el desarrollo fue fulminante, hasta el punto que en 1995 la compañía Pixar pudo realizar el primer largometraje íntegramente realizado por computadora ("Toy Story"), y en 2004, la película "Sky Captain y el mundo del mañana" era completamente virtual, siendo reales solo los actores protagonistas, quienes rodaron íntegramente frente a una pantalla azul. Un paso muy simbólico lo dieron los Estudios Disney, cuando después del fracaso de su filme en animación tradicional "Home on the Range", cerraron esta división y se concentraron en el mercado de la animación por computadora.


title: Historia del cine

text: Internet supuso también un desafío mayúsculo para los grandes estudios, debido a que el brutal crecimiento de la capacidad de almacenaje en discos duros y portátiles (CD-ROM y DVD entre otros) llevó a que por primera vez se pudiera reproducir de manera virtualmente ilimitada una película íntegra, sin pérdida significativa de calidad. El siguiente paso vino con el surgimiento de las redes P2P ("peer to peer"), que permiten intercambiar información de todo tipo sin un servidor central, y que muchos usuarios empezaron a emplear para descargar películas gratuitamente desde la red, compartiendolas entre ellos.


title: Historia del cine

text: Todo lo anterior abrió un intenso debate, que aún no termina, en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet. Los grandes estudios se quejan de las pérdidas que este intercambio origina, y los usuarios por su parte contraatacan esgrimiendo el principio de democracia en la red. Esta democratización, por su parte, ha llevado a que muchos realizadores independientes hayan optado por el cine digital, grabando sus películas y editandolas por ordenador, para luego colocarlas en sitios de intercambio de información, como por ejemplo YouTube o Vimeo, este último muy utilizado por cineastas independientes. También se ha simplificado el proceso de convocatoria a festivales de cine, con lo cual el cine independiente, realizado al margen de los grandes estudios, se ha visto fuertemente potenciado. Todo lo anterior ha llevado a una fuerte democratización del cine. Todas estas tendencias son incipientes, y aún es demasiado pronto para determinar cómo será el nuevo mercado del cine que emergerá en un futuro cercano.


title: Historia del cine

text: También Internet ha servido para la difusión del cine clásico. Una colección de películas de dominio público se encuentran en el Internet Archive, una completa base de datos para la preservación de la historia del cine. Prelinger Archives contenía, en 2005, 1.969 películas, todas ellas de libre uso, ya sea personal o comercial.


title: Historia del cine

text: Las modernas técnicas de producción digitales, asociadas a internet, han propiciado lo que se conoce como "cine unipersonal" o "solo filmmaking", es decir, películas hechas casi íntegramente por una sola persona, circunstancia que se puede dar sobre todo en el cine de animación. Ejemplos como "Killer Bean Forever", de Jeff Lew, con una producción que emplea a en torno a seis personas, o "La ruta de los elefantes", de Pedro Alonso Pablos, hecha íntegramente por él mismo con ayuda de una actriz de doblaje, comienzan a proliferar.


title: Historia del cine

text: El 2 de febrero de 2000, en París, Philippe Binant realizó la primera proyección pública de cine digital de Europa, fundada sobre la aplicación de un MEMS (DLP CINEMA) desarrollado por Texas Instrumentos.


title: Historia del cine

text: Con la rápida difusión del digital y la proliferación de formatos, el Digital Cinema Iniciativas (DCI), trabajando junto con miembros del comité SMPTE de protocolos, publicó un sistema de especificaciones que han adoptado las mayores productoras estadounidenses. Resumiendo, los protocolos indican que las imágenes sean codificadas con el estándar ISO/IEC 15444-1 "JPEG2000" (.jp2) y que se use el espacio de color CIE XYZ a 12 bits por componentes codificado en una gama de 1/2.6; que para el audio se utilice el formato “Broadcast Wave” (.wav) a 24 bits; también hablan del cifrado y otros detalles técnicos.


title: La Orotava

text: La Orotava es un municipio perteneciente a la provincia de Santa Cruz de Tenerife, en la isla de Tenerife (Canarias, España). La capital municipal está localizada en la Villa de La Orotava, situada a unos 360 m s. n. m..


title: La Orotava

text: El casco histórico de La Orotava fue declarado Conjunto Histórico Artístico Nacional en 1976 y se encuentra incluido en el Inventario de Protección del Patrimonio Cultural Europeo como "Conjunto Monumental".


title: La Orotava

text: Además, es destacable que gran parte del parque nacional del Teide (declarado Patrimonio de la Humanidad en 2007) se encuentra dentro de su término municipal. La Orotava es también el municipio más alto de España y con mayor desnivel, su término municipal llega desde el nivel del mar, hasta los 3.718 metros del pico Teide (el pico más alto de España). Junto con los municipios vecinos de Los Realejos y Puerto de la Cruz forma el Área metropolitana del Valle de La Orotava con 108.721 habitantes (2019).


title: La Orotava

text: No se sabe con claridad de dónde proviene el nombre de la población, pero la gran mayoría de investigadores sostienen que podría deberse a la situación de esta en la época de los guanches, que llamaban a la zona "Arautaba" o "Arautápala". Desde el punto de vista estrictamente lingüístico, hay quien sostiene que la voz "Orotava" pertenece a un estado muy avanzado de deformación castellanizada del correspondiente primario amazig. Pero el origen amazig de la lengua guanche sólo es una teoría basada en hipótesis cuyas premisas no se sostienen, del mismo modo que tampoco ha demostrado nadie el vínculo entre los guanches y los pueblos amaziges o bereberes. Los defensores de estas hipótesis tratan de defenderlas contando, por ejemplo, que entre las poblaciones touaregs del Ahaggar, Sahara Central, encontramos el sustantivo "arrau (pl:arrauen)"="niño"(sexo masculino). Y añaden que para complementar la voz guanche es preciso apuntar al verbo "aba"="no haber, no existir". O por ejemplo mencionan también el dialecto tachelhit del Sous y Anti-Atlas, donde parece ser que se documenta la forma plural "arrau"="niños". Según esta hipótesis, la evolución fonética podría ser: "arrauttaba<>arautaba<>arautava<>araotaba<>araotava<>arotava<> aorotava<>orotava. Pero, como se dijo antes, las premisas que se usan para establecer los vínculos entre el guanche y esas otras lenguas carecen de rigor suficiente, por lo que estas teorías no se deben tener en cuenta.


title: La Orotava

text: La variante "araotava" es la que se cita con mayor frecuencia en las Datas suponiendo esta forma aproximadamente el 65% del total estudiado de aquellas. El 35% restante se reparte entre las demás destacándose entre ellas la de "araotaba". Como podremos observar más adelante, en casi todas las Datas de repartimientos de tierras aparece grafiado "...del Araotaba o...del Araotava", a nuestro criterio en clara referencia a algún lugar concreto generador del topónimo que frecuentemente alude a las "aguas del Araotava".


title: La Orotava

text: Se puede señalar que los últimos términos mencionados se citan en las Datas desde el 17/4/1500 hasta el 19/3/1522, lo que demostraría la pervivencia cronológica del vocablo guanche primigenio en la memoria colectiva del pueblo, y por ende de la lengua autóctona. Efectivamente, el mismo Adelantado Alonso Fernández de Lugo continuaría incluyéndolo en las Datas, lo que revela su autenticidad aunque posteriormente se haya elegido el más castellanizado de Orotava, debido precisamente al fuerte proceso aculturizador que generó numerosos topónimos derivados de originales isleños.


title: La Orotava

text: El antiguo escudo de la villa desapareció tras un incendio que destruyó el edificio del Ayuntamiento a finales del siglo , sin que quedase rastro de su configuración.


title: La Orotava

text: La configuración moderna del escudo fue otorgada por el rey Alfonso XIII por Real Decreto de fecha 15 de febrero de 1905, siendo su descripción heráldica la siguiente: «De oro, un drago en su color. Bordura de gules, con cuatro manzanas de oro. Al timbre, corona real abierta. Como soportes, dos dragones de sinople».


title: La Orotava

text: El escudo representa al Jardín de las Hespérides que, en la antigüedad, se creía ubicado en Canarias. Por ello, a ambos lados del escudo se representan dos dragones de sinople alados con cola en punta y sus patas apoyadas en los flancos, a semejanza de los custodios del Jardín, y que podrían simbolizar además las dos laderas que limitan el Valle a este y oeste. En campo de oro, se representa el colosal drago que existió en La Orotava dentro de la propiedad de la familia Franchy y Alfaro hasta el siglo en que fue abatido durante una tormenta. En bordura de gules, cuatro manzanas de oro situadas respectivamente en centro del Jefe, en ambos flancos y en centro de la punta, que representan los cuatro pueblos que existían en el valle de La Orotava en el momento de la creación del escudo: La Orotava, Puerto de la Cruz, Realejo Alto y Realejo Bajo.


title: La Orotava

text: La Bandera Oficial de la Villa de La Orotava, en procedimiento iniciado por el Excmo. Ayuntamiento, una vez cumplido con todo el procedimiento legal, de exposición pública y aprobación de la Comisión Heráldica de la Comunidad Autónoma de Canarias, fue aprobada por Orden de 2 de agosto de 2013 de la Consejería de Presidencia, Justicia e Igualdad del Gobierno de Canarias (BOC de 9 de agosto de 2013).


title: La Orotava

text: Su descripción es la siguiente: «Paño blanco rectangular de tafetán, raso o fibra sintética, cuya longitud es de 2:3 (una vez y media más largo que ancho)». En medio del paño debe situarse el escudo de armas como carga cuya descripción es la siguiente: «De oro, un drago en su color. Bordura de gules con cuatro manzanas de oro, una en el eje, otra en la punta y una a cada lado. Dos dragones de sinople linguados en gules como soportes. Al timbre, corona real abierta».


title: La Orotava

text: Está situado en el norte de la isla, ocupando gran parte del valle de La Orotava y la parte central de la isla, hecho que lo hace limitar con muchos de los municipios de la isla: Santa Úrsula, Puerto de la Cruz, Los Realejos, San Juan de la Rambla, La Guancha, Icod de los Vinos, Santiago del Teide, Guía de Isora, Adeje, Vilaflor de Chasna, Granadilla de Abona, Arico, Fasnia, Güímar y Arafo.


title: La Orotava

text: Tiene una extensión de 207,31 km², siendo el municipio de mayor extensión tanto de la isla como de la provincia de Santa Cruz de Tenerife.


title: La Orotava

text: La altitud de su término municipal va desde el nivel del mar hasta los 3718 m s. n. m. de la cima del Teide, lo que lo convierte en el municipio que alcanza mayor altura de España.


title: La Orotava

text: El término municipal se encuentra surcado de barrancos, siendo los de mayor entidad el barranco del Pino, límite con Santa Úrsula; el barranco de Llarena, el barranco de Araujo, el barranco Martiánez y el barranco Cerrudo, estos dos últimos desembocan en Puerto de la Cruz.


title: La Orotava

text: Existen también densas extensiones de pinar con sotobosque de fayas y brezos, pinares de repoblación, que dan paso al matorral de alta montaña. El gran interés del parque nacional del Teide reside en su flora, que cuenta con 139 plantas superiores catalogadas, de las cuales 50 son endémicas de Canarias. Algunas de estas joyas naturales son el tajinaste rojo, el rosal del guanche o la violeta del Teide, que tiene el honor de ser la que florece a mayor altitud de todo el territorio nacional. Se localizan también la retama del Teide, el tajinaste azul, hierba pajonera, rosalillo de cumbre y cardo de plata. En el núcleo urbano hasta 2020 se localizaba una palmera protegida como árbol monumental.


title: La Orotava

text: En su fauna las especies más importantes del Parque son los invertebrados. Se encuentran catalogados más de 700 especies de insectos, de las que el 50% son endémicas de la zona. Existen algunas especies de reptiles (como el lagarto tizón) y aves (alimoche, gavilán, cernícalo, milano real). Los mamíferos son escasos, destacando el muflón, el conejo y 5 especies de murciélagos.


title: La Orotava

text: Modelos geológicos y geomecánicos explican la formación de los valles de La Orotava y Güímar (Tenerife)


title: La Orotava

text: Científicos del Instituto Volcanológico de Canarias (Involcan) y del Instituto Geológico y Minero de España (IGME) han investigado por primera vez las caracterizaciones geológicas y geomecánicas de la sucesión de macizos rocosos volcánicos afectados por los mega-deslizamientos de tierra que originaron los valles de Güímar y La Orotava, un trabajo científico cuyos resultados se han publicado recientemente en la revista científica internacional 'Journal of Volcanology & Geothermal Research.


title: La Orotava

text: El municipio de La Orotava cuenta con numerosos espacios naturales protegidos, destacando el Parque nacional del Teide —del que posee gran parte de su superficie— y el Monumento Natural del Teide. Cuenta además con la Reserva Natural Integral de Pinoleris, el Paisaje Protegido de La Resbala y parte del de Costa de Acentejo y del Parque natural de la Corona Forestal.


title: La Orotava

text: Todos estos espacios, a excepción del paisaje protegido de Costa de Acentejo, se incluyen además en la Red Natura 2000 como Zonas Especiales de Conservación y Zonas de Especial Protección para las Aves.


title: La Orotava

text: El municipio posee además el Monte de Utilidad Pública denominado «Mamio, Leres y Monteverde».


title: La Orotava

text: En La Orotava, los guanches habitaban principalmente en las zonas costeras y en las inmediaciones de los barrancos más grandes y las laderas del Valle. En estos lugares encontraban fácilmente los alimentos y medios para su subsistencia. Para los guanches el pico del Teide, situado en este municipio, era un lugar de culto.


title: La Orotava

text: La derrota de los guerreros del Menceyato de Taoro, último bastión de los aborígenes, supuso el fin de la contienda, aunque continuasen luchando algunos guanches (denominados "alzados") en los lugares menos accesibles.


title: La Orotava

text: La Orotava obtuvo del rey Felipe IV el título de villa exenta el 28 de noviembre de 1648 con alcalde mayor propio, ya que hasta esta fecha dependía de La Laguna.


title: La Orotava

text: En 1905 el rey Alfonso XIII otorga el título de «Muy Noble y Leal Villa».


title: La Orotava

text: A 1 de enero de 2013 La Orotava tenía un total de 41.255 habitantes, ocupando el 6º puesto en número de habitantes tanto de la isla de Tenerife como de la provincia de Santa Cruz de Tenerife.


title: La Orotava

text: La población relativa era de 199 hab./km².


title: La Orotava

text: El municipio se rige por su ayuntamiento, formado por veintiún concejales.


title: Puerto de la Cruz

text: Puerto de la Cruz es un municipio y ciudad perteneciente a la provincia de Santa Cruz de Tenerife, en la isla de Tenerife, en Canarias.


title: Puerto de la Cruz

text: Puerto de la Cruz fue el lugar donde comenzó el turismo en Canarias. En el año 1886 en este pequeño puerto del valle de La Orotava se estableció el primer sanatorio del archipiélago para acoger a los turistas enfermos. Fue además el primer centro turístico español de ámbito europeo. Junto con los municipios vecinos de Los Realejos y La Orotava forma el Área metropolitana del Valle de La Orotava con 108.721 habitantes (2019).


title: Puerto de la Cruz

text: Fue denominado en origen como Puerto de la Orotava, por ser el principal punto de embarque del referido valle, aunque ya desde finales del siglo se le denominaba también como Puerto de la Cruz, por haber plantado los nuevos colonos en el recién construido muelle una cruz.


title: Puerto de la Cruz

text: Sus habitantes son conocidos como portuenses, y en algunos casos se les generaliza como «ranilleros», pero originalmente este gentilicio pertenecía solamente a los del barrio de la Ranilla dentro del mismo pueblo y de fuerte tradición pesquera.


title: Puerto de la Cruz

text: El escudo heráldico del municipio fue aprobado por Decreto de 4 de junio de 1964.


title: Puerto de la Cruz

text: «De oro, dragón de sinople, linguado de gules, superado de cruz latina de gules. Campaña de azur con tres fajas ondeadas de plata, cargadas de una llave de sable. Al timbre, corona real abierta.»


title: Puerto de la Cruz

text: Aunque no cuenta con bandera municipal aprobada, el ayuntamiento utiliza de manera oficiosa una enseña blanca con el escudo heráldico al centro.


title: Puerto de la Cruz

text: Se sitúa en el norte de la isla de Tenerife, en el valle de La Orotava, limitando con los municipios de Los Realejos y La Orotava.


title: Puerto de la Cruz

text: Tiene una extensión de 8,73 km², siendo el municipio más pequeño de la comunidad autónoma de Canarias.


title: Puerto de la Cruz

text: El casco urbano se encuentra a 9 metros sobre el nivel del mar, estando el punto de mayor altura del municipio al pie de la Montaña de los Frailes, junto a la carretera de La Montaña.


title: Puerto de la Cruz

text: La elevación más destacada del municipio es el cono volcánico conocido como Montaña de la Horca o de Las Arenas, con 239 metros de altitud.


title: Puerto de la Cruz

text: Los principales cauces que atraviesan el municipio son los de los barrancos de Llarena, de Araujo, de Martiánez y de San Felipe.


title: Puerto de la Cruz

text: Puerto de la Cruz disfruta de un clima semiárido cálido (Clasificación climática de Köppen: BSh) cercano al clima tropical de estación seca y húmeda. La temperatura media anual es de .


title: Puerto de la Cruz

text: Prácticamente la totalidad de la vegetación natural del municipio ha desaparecido por las construcciones y actividades humanas. No obstante, en los acantilados costeros que se extienden desde la desembocadura del barranco de Llarena hasta la Ladera de la Fuente de Martiánez se conservan comunidades típicas canarias, como son los matorrales de tomillo marino "Frankenia ericifolia" y lechuga de mar "Astydamia latifolia", comunidades rupícolas formadas por pasteles de risco "Aeonium tabulaeforme" y cerrajas "Sonchus radicatus", así como matorrales de incienso "Artemisia thuscula" y vinagreras "Rumex lunaria".


title: Puerto de la Cruz

text: En los cauces de los barrancos se desarrollan comunidades de especies nitrófilas, zarzales de "Rubus ulmifolius" y cañaverales de "Arundo donax". Por su parte, en las laderas ubicadas por encima del Loro Parque se localiza un pequeño tabaibal amargo de "Euphorbia lamarckii", mientras que en torno a la Montaña de la Horca crecen comunidades de rabo gato "Pennisetum setaceum", así como plantaciones de pinos y eucaliptos en su ladera occidental.


title: Puerto de la Cruz

text: El territorio que conforma el moderno término municipal se encuentra habitado desde época guanche, tal y como demuestran los yacimientos arqueológicos encontrados.


title: Puerto de la Cruz

text: Esta zona pertenecía al reino o "menceyato" de Taoro, localizándose los principales asentamientos en las cuevas naturales de los Riscos de Martiánez. En esta zona se localizan también necrópolis y lugares de culto constituidos por conjuntos ceremoniales de cazoletas y canales excavados en la roca.


title: Puerto de la Cruz

text: Los orígenes de la ciudad se remontan a principios del siglo , pues ya en 1502 existía actividad portuaria en el litoral portuense, si bien el núcleo de población dependía de La Orotava.


title: Puerto de la Cruz

text: En su origen fue un poblado de pescadores que fue creciendo a medida que se incrementaba el comercio local. El comercio del azúcar dio paso al del vino, estableciéndose su auge de exportación en la segunda mitad del siglo , propiciando un proceso de desarrollo social y económico.


title: Puerto de la Cruz

text: En 1603 se decide señalar un lugar concreto en el Puerto de la Cruz donde levantar una iglesia y su correspondiente plaza.


title: Puerto de la Cruz

text: A mediados del siglo los vecinos comenzaron a manifestar su voluntad de constituirse en un lugar diferenciado, recibiendo la Real Provisión de Felipe IV el 3 de mayo de 1651, lo que les facultaba para nombrar alcalde pedáneo.


title: Puerto de la Cruz

text: Puerto de la Cruz se convirtió en el puerto más importante de la isla cuando una erupción volcánica destruyó el de Garachico en 1706. Durante los últimos años del siglo y principios del , el comercio de Canarias tanto de exportación como de importación -a excepción del comercio que venía de las Indias Occidentales españolas y de Sudamérica-, puede decirse que estaba concentrado en el Puerto de La Orotava. Si bien es verdad que Santa Cruz de Tenerife era la población principal en aquel tiempo, ya que conservaba el gobierno militar y financiero, toda casa mercantil estaba relacionada con La Orotava. Este proveía a las Islas de artículos de manufactura extranjera.


title: Puerto de la Cruz

text: Hasta 1772 perteneció al municipio de La Orotava, siendo en ese año cuando se procedió a la elección de una junta municipal elegida por los vecinos.


title: Puerto de la Cruz

text: El historiador tinerfeño José de Viera y Clavijo describe el lugar a finales del siglo de la siguiente manera:


title: Puerto de la Cruz

text: En 1808 se obtiene una autonomía municipal plena, cambiándose en ese momento el nombre al moderno de Puerto de la Cruz.


title: Puerto de la Cruz

text: Entre 1812 y 1815 el Puerto de La Orotava alcanzó una gran actividad comercial, embarcando importantes cantidades anuales hacia Gran Bretaña y otros lugares.


title: Puerto de la Cruz

text: El valle de La Orotava atrajo a numerosos científicos y artistas ilustrados europeos durante el siglo , fecha en la que se produjo el denominado «descubrimiento científico» de Canarias. Notables visitantes como Sabin Berthelot, Olivia Stone, Philip Barker Webb, Christen Smith, Leopold von Buch o Elizabeth Murray entre otros, fueron los primeros que tomaron rumbo a las islas con interés científico. A partir de aquí, las bondades naturales y climáticas del Valle de La Orotava fueron realmente conocidas en Europa. Además, se ensalzaron las cualidades de muchos de los productos agrícolas de la zona norte de Tenerife, como es el caso del vino, ya nombrado por William Shakespeare en el siglo XVI a través de sus personajes y descripciones literarias.


title: Puerto de la Cruz

text: Precisamente a estas razones, el turismo comienza a tener un peso importante en la economía local a finales del . Fue en aquellos años cuando se construyó el Gran Hotel Taoro y comenzaron a remodelarse antiguas casas familiares, como Marquesa o Monopol, para transformarlas en los primeros centros hoteleros de la ciudad. Finalmente, la auténtica explosión turística llegó en la década de 1950, cuando la ciudad comenzó su transformación para convertirse en referente turístico de la isla y todo el archipiélago. Hecho que desencadenará a su vez una explosión urbanística con serias afecciones al entorno natural, tanto costero como agropecuario.