title: Gonzalo Torrente Ballester

text: En 1970 murió su madre, Ángela. Regresó a España y fue destinado al instituto de Orcasitas (Madrid) cuando pidió el reingreso en la enseñanza. En 1971 regresó a Albany temporalmente y terminó la redacción de "La saga/fuga de J. B.", una de las grandes novelas escritas en español en el . Publicó el libro en Destino y en 1972 pasó algún tiempo en Albany. Recibió el premio de la Crítica y el Ciudad de Barcelona por "La saga/fuga de J. B." En 1973 abandonó la docencia en EE.UU. y fue destinado al instituto de La Guía, en Vigo. Inició la columna "Cuadernos de La Romana" en el diario "Informaciones". En 1975 fue elegido miembro de la Real Academia Española (RAE).


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: Se trasladó a Salamanca para impartir clases en el instituto Torres Villarroel. Durante los casi veinticinco años que vivió en Salamanca, congregó a su alrededor la vida cultural de la ciudad universitaria, y era habitual verle en el centenario café literario Novelty, en la Plaza Mayor salmantina, donde ahora existe, en su memoria, una estatua, hecha por su amigo el escultor Fernando Mayoral. Publicó su ensayo "El Quijote como juego", en Guadarrama, y apareció en libro la columna "Cuadernos de La Romana", en Destino. En 1976 sufrió un infarto, pero publicó "Nuevos cuadernos de La Romana", continuación de la columna de "Informaciones", en Destino. En 1977 leyó su discurso de ingreso en la RAE, en la que ocupó el sillón E mayúscula, con el título "Acerca del novelista y de su arte". Fue contestado por Camilo José Cela. Publicó "Fragmentos de Apocalipsis" y salió el primer volumen de un proyecto de "Obra completa" en Destino, que no continuará. En 1978 inició la redacción de relatos para "Las sombras recobradas", libro que publicó en 1979, en Planeta. En 1980 se jubiló de la docencia y recibió el homenaje de la ciudad de Salamanca. En 1981 se alzó el Premio Nacional de Literatura por "La isla de los Jacintos Cortados" e inició la serie de artículos "Cotufas en el golfo", en el diario "ABC". Publicó un "Currículum, en cierto modo", en la revista "Triunfo". Supervisó el guion y la producción de la serie de TV "Los gozos y las sombras", basada en su trilogía. En 1982 recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Letras, "ex aequo" con Miguel Delibes Setién. Sus alumnos del instituto Torres Villarroel le brindaron en 1983 un homenaje, y le regalaron un ejemplar manuscrito por ellos mismos de la primera parte de "El Quijote".


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: En 1982 se emitió en TV la serie "Los gozos y las sombras", que obtuvo un resonante éxito de crítica y público. Publicó "Ensayos críticos", en Destino; "Los cuadernos de un vate vago", en Plaza & Janés, y "Dafne y ensueños", en Destino. En 1983 fue nombrado hijo predilecto de Ferrol y publicó, por fin, "La Princesa Durmiente va a la escuela", en Plaza & Janés. En 1984 fue nombrado hijo adoptivo de Salamanca. Publicó "Quizá nos lleve el viento al infinito", en Plaza & Janés; reimprimió "El Quijote como juego y otros trabajos críticos", en Destino. En 1985 recibió el Premio Miguel de Cervantes de Literatura: fue el primer novelista español que lo consiguió; recibió asimismo el Premio Vitalicio de la Fundación Pedro Barrié de la Maza por el conjunto de su obra. Publicó "La rosa de los vientos", en Destino. En 1986 hizo viajes al extranjero como conferenciante (Holanda, Dinamarca, Argentina...). Publicó "Cotufas en el golfo", en Destino. Se representó por primera vez una versión de una obra de teatro de la que es autor: "¡Oh, Penélope!", basada en su obra "El retorno de Ulises". En 1987 fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Salamanca y publicó: "Yo no soy yo, evidentemente".


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: Se suceden los honores; en 1988 fue nombrado doctor honoris causa por las universidades de Santiago de Compostela y Dijon, y le nombraron Caballero de Honor de las Artes y las Letras de la República de Francia. Ganó el Premio Planeta con "Filomeno, a mi pesar", y publicó "Ifigenia y otros cuentos", en Destino. En 1989 fue operado de cataratas. La Diputación de La Coruña instituyó el Premio de Narrativa Torrente Ballester. Entonces se publicó otro de sus éxitos, "Crónica del rey pasmado", en Planeta, y "Santiago de Rosalía Castro", en la misma editorial. En 1990 recibió el premio Libro de Oro de la Confederación Española de Libreros, y se le concedió la Medalla de Oro al mérito cultural de Santiago de Compostela. Supervisó el guion de la película "El rey pasmado", escrito por su hijo, Gonzalo Torrente Malvido, y Juan Potau. En 1991 publicó "Las islas extraordinarias" en Planeta. Se estrena la película "El rey pasmado", basada en su obra y dirigida por Imanol Uribe; ganó ocho Premios Goya de la Academia del Cine Español. En 1992 viajó a Cuba para inaugurar la Cátedra de Cultura Gallega de la Universidad de La Habana y se reúne con Fidel Castro. Además, fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de La Habana. Se inauguró una plaza con su nombre en La Coruña y publicó "La muerte del decano", en Planeta, y "Torre del Aire", editada por la Diputación de La Coruña, donde recopiló los artículos firmados bajo ese título. En 1993 tuvo lugar una semana de estudios sobre su obra en la Universidad de Vigo. En 1994 recibió el Premio Azorín de novela por "La novela de Pepe Ansúrez", en Planeta, una sátira de los círculos literarios de provincias. En 1995 publicó "La boda de Chon Recalde", en la misma editorial. Recibió al año siguiente el Premio Castilla y León de las Letras. Viajó a Luxemburgo para un encuentro con los traductores de su obra (Claude Bleton, Colin Smith y António Gonçalves). En 1997 visitó la Fundación César Manrique, en Lanzarote, y aprovechó para visitar a José Saramago. Participó en un homenaje a Dámaso Alonso, en Lugo. Ingresó en el hospital durante dos semanas en septiembre a causa de una neumonía. Obtuvo el Premio Rosalía de Castro, que le otorgó el Pen Club gallego. Fue nombrado hijo adoptivo de Santiago de Compostela, Pontevedra, Nigrán (Pontevedra) y Fene (La Coruña). Publicó "Memoria de un inconformista", en Alianza, recopilación de los artículos publicados bajo el título "Amodo", en "Faro de Vigo". Publicó "Los años indecisos" en Planeta. En 1998 ingresa en el hospital en julio y en septiembre. Fue nombrado Caballero de la Orden Santiago de la Espada (Portugal), máxima condecoración a las Artes de la República de Portugal. Se reeditó parte de su obra en la colección Biblioteca de Autor, en Alianza Editorial. En 1999 falleció, el 27 de enero, en Salamanca. Fue enterrado en el cementerio de Serantes, en una ceremonia en la que se pudieron oír las notas de «Negra sombra» interpretadas por Carlos Núñez a la gaita.


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: Torrente Ballester ha reconocido, en más de una ocasión, la influencia fundamental de la narrativa oral gallega de principios del . Cita a marineros que contaban, por ejemplo, una pelea en Hong-Kong. Estas narraciones eran en castellano, aunque con sintaxis gallega.


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: Como narrador, Torrente sobresale por el planteamiento y la resolución profundamente irónicos de sus narraciones. Esta ironía se basa en la percepción de lo real en lo maravilloso y de lo maravilloso en lo real, por lo que se le ha calificado en ocasiones como la respuesta española al realismo mágico hispanoamericano, lo cual Torrente rechazaba.


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: Torrente Ballester, en una entrevista publicada al final de sus días en el rotativo madrileño "El País", afirmaba: «Ninguna novela me dio nunca tanta satisfacción como el ver crecer sano a cada uno de mis hijos». Entre los once nacidos en sus dos matrimonios son personas reconocidas el ya citado novelista Gonzalo Torrente Malvido, el musicólogo especializado en el barroco español y profesor de la Universidad Complutense de Madrid, Álvaro Torrente Sánchez-Guisande (actual presidente de la Fundación Gonzalo Torrente Ballester), el historiador Juan Pablo Torrente Sánchez-Guisande, el periodista Luis Felipe Torrente Sánchez-Guisande y la profesora de la Universidad de los Estudios de Florencia Francisca Ángela Torrente Sánchez-Guisande.


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: Entre 2007 y 2008, las editoriales Punto de Lectura y Alfaguara han reeditado parte de su obra. En concreto, en Punto de Lectura han aparecido diez títulos, entre los que se encuentran sus principales novelas: "La saga/fuga de J. B.", "Don Juan" o "Fragmentos de Apocalipsis". La editorial Alfaguara editó la trilogía "Los gozos y las sombras" en una cuidada edición en un solo volumen.


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: En los últimos años, Santiago Sevilla Vallejo ha dedicado también estudios a la evolución de su poética y a su magisterio en la escritura de ficciones.


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: La Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y la Fundación Gonzalo Torrente Ballester organizó una exposición itinerante con motivo del centenario del escritor que recorrió las siguientes ciudades a lo largo de 2010: Salamanca (febrero–marzo), Ferrol (marzo–abril), Logroño (mayo–junio), Santiago de Compostela (junio–septiembre), Pontevedra (octubre–noviembre). La exposición continuó en otras ciudades españolas, europeas y americanas a lo largo de 2011 en colaboración con el Instituto Cervantes.


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: También fue producido el vídeo documental "GTBxGTB", dirigido por los periodistas Luis Felipe Torrente y Daniel Suberviola.


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: Con motivo del centenario de su nacimiento se reeditaron algunas de sus obras. Destacan, entre otras, la edición facsimilar de "Compostela", libro escrito y publicado en 1948 para conmemorar aquel año "xacobeo" (Fundación Gonzalo Torrente Ballester y Consorcio de Santiago, 2010). La editorial madrileña Salto de Página quiso recuperar la segunda novela del autor, "El golpe de Estado de Guadalupe Limón", publicada por primera vez en 1946. Por otro lado, la editorial Ézaro Ediciones llevó a las librerías una nueva edición de "La boda de Chon Recalde" y de "El cuento de Sirena". Esta última es una pequeña joya ilustrada por la mano del artista gallego Miguelanxo Prado. También fue reeditado por parte de una pequeña editorial ferrolana el relato "Farruquiño". Y la editorial Castalia sacó al mercado, casi cuarenta años después de su publicación, la primera edición crítica de "La saga/fuga de J. B.", a cargo de Carmen Becerra Suárez y Antonio Jesús Gil González.


title: Gonzalo Torrente Ballester

text: Otro de los reconocimientos otorgados a Gonzalo Torrente Ballester en su centenario fue la emisión de un sello oficial de Correos que se puso en circulación el 8 de octubre de 2010 con un valor de 0,34 euros. El sello reproduce un retrato fotográfico del autor realizado en 1988 por su hijo José Miguel Torrente.


title: Villalba de Rioja

text: Villalba de Rioja es un municipio de la comunidad autónoma de La Rioja (España), en la ladera sur de los montes Obarenes. Limita con las provincias de Álava y de Burgos. Dista de Haro 5 km por la LR-401 y también se encuentra en el entorno de Miranda de Ebro, ciudad de la que la separan escasos kilómetros por un camino de montaña.


title: Villalba de Rioja

text: Por el municipio trascurre el arroyo Esperamalo tributario del río Ebro.


title: Villalba de Rioja

text: Del siglo XVI.


title: Villalba de Rioja

text: Conocida en la documentación familiar como "Traspalacio" al estar 130 m. al este de la casa matriz. En la parte más antigua (bodeguilla) de Traspalacio nació Don Pedro del Castillo en 1521 que más tarde fundara la ciudad argentina de Mendoza en el año 1561.


title: Villalba de Rioja

text: Casa Palacio que en su día perteneció a las nobles familias de los condes de Cirac y a los condes de Castillo Fiel.


title: Villalba de Rioja

text: Existe un monumento levantado a la memoria del malogrado ciclista Álvaro Fernández. En él se pueden leer unos versos de María Piedad Mendizábal: ""Si algún día tenéis suerte de pasear por mi Rioja...""


title: Villalba de Rioja

text: El rollo está situado en la plaza Ciudad de Mendoza.


title: Villalba de Rioja

text: En el coto de caza de Villalba de Rioja se puede encontrar multitud de especies. Se practica la caza de la codorniz, la perdiz, el conejo, la liebre, la malbiz, la paloma. Respecto a la caza mayor destaca la caza del jabalí y la caza del corzo.


title: Villalba de Rioja

text: El municipio, que tiene una superficie de 8,96 km², cuenta según el padrón municipal para del INE con habitantes y una densidad de  hab./km².


title: Villalba de Rioja

text: Hasta 1910 se denominaba Villalba.


title: Villalba de Rioja

text: El concepto de deuda viva contempla solo las deudas con cajas y bancos relativas a créditos financieros, valores de renta fija y préstamos o créditos transferidos a terceros, excluyéndose, por tanto, la deuda comercial.


title: Villalba de Rioja

text: La deuda viva municipal por habitante en 2014 ascendía a 1.586,77 €.


title: Milonga (música)

text: La milonga es un género musical folclórico rioplatense, típico de Argentina, Uruguay y Rio Grande do Sul. El género proviene de la cultura gauchesca. En compás binario, pero a menudo con un acompañamiento de guitarra en 6/8. Se presenta en dos modalidades. Por un lado, la milonga campera, pampeana o surera (perteneciente a la llamada música surera o sureña), la cual es la forma original de la milonga. Por otro lado, la milonga ciudadana, un estilo musical posterior. Su primera grabación fue "Un Bailongo", compuesto y escrito por el afroargentino José Ricardo, cantado por Carlos Gardel y su música ejecutada por Guillermo Barbieri y el mismo José Ricardo. Nueve años más tarde, en 1931 Sebastián Piana compone "Milonga sentimental", la primera milonga ciudadana que tuvo gran difusión.


title: Milonga (música)

text: «Milonga» significaba en el lenguaje quimbundu, afincado en Brasil, «palabra», y por extensión «palabrerío», término muy apropiado para definir a la payada. Hay que aclarar que quimbunda era el lenguaje de los pueblos «Bundas», con el que se conocía a algunas tribus africanas de Angola, vieja colonia portuguesa de la costa occidental del continente africano. Abundaron los esclavos traídos de esas tierras, y que hablaban el quimbunda (lenguaje bantú), entre la población negra de Brasil, de Argentina y de Uruguay.


title: Milonga (música)

text: El historiador porteño Hugo Corradi aportó un dato importante. Corradi escribió: «...luego de que Justo José de Urquiza hubiera derrotado a Juan Manuel de Rosas en Caseros el 3 de febrero de 1852, los soldados brasileños que formaban el Ejército Grande de aquel, sorprendieron a los porteños (más bien, a los mazorqueros apostados en el campamento y cárcel de los Santos Lugares de Rosas, actual Partido de San Martín) cantando esas guajiras ya acriolladas y en son de burla o crítica. Entonces, dichos soldados señalaron que estos (los mazorqueros porteños) entonaban ‘milongas’». Así que, para los brasileños, esos largos versos cantados sobre una misma melodía que se repetía hasta el final eran un palabrerío, quizás inentendible para ellos. En cuanto a esto, dijo Roberto Selles: «Lo cierto es que la denominación quedó y a tal punto que los mismos lugareños pasaron a llamar milongas a las guajiras acriolladas que entonaban...».


title: Milonga (música)

text: El origen de la milonga (milonga campera) se suele discutir. Se sabe, sin embargo, que contiene elementos afro en su constitución rítmica e influencias de danzas criollas y europeas llegadas a Buenos Aires y Montevideo a través de varias vías, principalmente de Perú, España, Brasil y Cuba. Se daba en aquella época el fenómeno que se conoce como "de ida y vuelta" ya que los géneros viajaban de América a Europa y viceversa sufriendo transformaciones y adaptaciones en cada región.


title: Milonga (música)

text: Tiene semejanzas con otros ritmos como la chamarrita, el choro, el candombe y la habanera. Se presume que aportó elementos al tango, que luego tomó la forma original de la milonga como subgénero propio.


title: Milonga (música)

text: La milonga campera integra la expresión campesina de la pampa, de viejo arraigo, inicialmente cantada, aunque luego tuvo coreografía. Fue adaptada para incluirse en obras teatrales por fines de 1880. Hasta llegar a esto, la milonga tuvo un proceso largo.


title: Milonga (música)

text: En España, aproximadamente en el siglo XII, se ha detectado lo que podría ser el más antiguo antecedente de la milonga. En ese entonces, y en esas tierras, figuraba el compás alterno (6/8-3/4, es decir un ritmo constantemente cambiante), todo esto en la versión de Arcos de la Frontera del conocido “Romance de Gerineldo”. Géneros musicales posteriores de compás alternativo fueron la zarabanda (s.XVI) y su inmediata evolución, la tirana (s.XVIII).


title: Milonga (música)

text: La tonadilla escénica –antecedente de la zarzuela- llevó el género musical denominado “tirana” a Cuba, donde evolucionó y adquirió características locales propias, además de un nuevo nombre: “guajira” (término que en Cuba significa «campesina»). En los viajes de ida y vuelta entre Cuba y España, la “tirana” convertida en “guajira” volvió a territorio español, más precisamente a Andalucía (zona donde se hallaba el principal puerto español de la época, el Puerto de Palos). Allí la guajira se aflamencó y esa variante de guajira fue la que llegó a Buenos Aires.


title: Milonga (música)

text: Se estima que, aproximadamente, el arribo de la guajira aflamencada a Buenos Aires podría haber tenido lugar entre 1822 y 1830. En cuanto a lo musical, esta época se podría describir con la siguiente frase de José Antonio Wilde (médico del ejército argentino –quien estuvo en la Batalla de Caseros- y escritor: “…del cielo, décima y triste habíamos pasado por grado a las canciones españolas muy graciosas y de un estilo especial”.


title: Milonga (música)

text: Este parentesco musical, también se podría apoyar en la similitud que hallaron Roberto Selles y Marcelo Oliveri entre la milonga pampeana y la guajira flamenca, la primera vez que oyeron una de estas últimas. A su vez, estas personas se dieron cuenta más tarde (tal y como escribió Roberto Selles en su libro “"Historia de la milonga"” (2004), que el español José María Salaverría ya había escrito en “"Tierra Argentina"” (1910), lo siguiente: “Las milongas se parecen a las guajiras de Cuba”.


title: Milonga (música)

text: Podría representar otra prueba de esta, posible, genealogía musical la antigua milonga pampeana campera (anónima) llamada “La paloma indiana”, recogida y grabada por el folklorista argentino Mario Pardo. En esa grabación se advierte notoriamente este posible origen de la milonga. Además, se sabe que esa canción es una guajira convertida en milonga.


title: Milonga (música)

text: Por otro lado, la milonga más antigua (la cual no se denominó así en su momento) de la que hay registro data de poco antes de la Batalla de Caseros (1852). La misma habla del inminente arribo de Urquiza a Buenos Aires, y es conocida como "Milonga Rosista", la cual dice:


title: Milonga (música)

text: Esta letra y la melodía existente, fueron extraídas de trabajos de la musicóloga Violeta Hemsy de Gainza, a quien se la comunicó la reconocida Adela Olivieri de Garrocha.


title: Milonga (música)

text: El nuevo género musical llegado a la región pampeana, la “guajira acriollada" o "milonga antigua", no tardó en hacerse popular. De hecho, para 1854 era tan popular que, según Josué Teófilo Wilkes y Blanco: “…había pasado la época de cielitos y medias cañas. La milonga vino a suplantarlos…”. Prueba de la popularidad de dicho género musical es que, ya para 1860, “...los cantores de milongas parecían multiplicarse en la República Argentina”, refirió Sañudo Autrán citado por Vicente Gesualdo. Sin embargo, pese a la popularidad de este ritmo musical, parece ser que para los habitantes de la región donde se desarrollaron estos hechos (parte de la región pampeana argentina), el inconveniente fue reproducir el ritmo de 6/8-/4 (al cual estaban acostumbrados los guitarristas flamencos, pero no los guitarristas de mencionada tierra). La solución, según parece, fue interpretar dicho ritmo en un tiempo de 2/4 en vez de en un 6/8. Esto lo afirmó Josué Teofilo Wilkes y Blanco, y agregó que ese cambio se habría efectuado durante el decenio 1870-1880. De esta manera, la “guajira aflamencada” se había acriollado y adaptado con características propias de la zona, y así podría haber nacido la típica “milonga pampeana”.


title: Milonga (música)

text: En algún momento, a los músicos de algún conjunto se les habría ocurrido tocar la milonga pampeana campera en alguna ‘milonga’ (en este caso, ‘milonga’ refiere al lugar donde se iba a bailar a finales del Siglo XIX, como refleja en algunos versos del Martín Fierro). Cuando la milonga (que había nacido como canción bajo una melodía poco variable) se tornó bailable, los intérpretes decidieron (al estar no ya sujetos a la letra) estilizarla, y dieron así rienda suelta a su inventiva musical. A este tipo de milonga, principalmente instrumental (no a la cantable –que era la “milonga campera pampeana”– la cual continuó su curso independientemente), también se la solía llamar tango –aunque fueran “tangos-milongas antiguos”–.


title: Milonga (música)

text: Ya en el transcurso de las décadas 1880-1890, y en ese proceso de dar rienda suelta a la inventiva musical de ese género (el tango-milonga antiguo), los pianistas comenzaron a llevar a la milonga o “tango-milonga antiguo”, descrita anteriormente, al pentagrama. Hay que decir, que este ritmo se fue mezclando con el ritmo que estaba en pleno auge, el tango procedente del tango andaluz (aunque con influencias también de otros géneros musicales: (habanera, candombe, mazurca, vals, etc.). Todos estos ritmos, se fueron mezclando y evolucionando hasta dar lugar a lo que actualmente se conoce, simplemente, como “tango”. Con esto se puede comprender que la milonga campera dejó rastros en el tango. A partir de esto, más tarde se crearía la "milonga ciudadana".


title: Milonga (música)

text: Pese a la aparición de la milonga estilizada (la que era llevada al pentagrama con arreglos para piano), y posteriormente la milonga ciudadana, los intérpretes de los suburbios y los de la campaña continuaron con los ritmos tradicionales de milonga, la milonga pampeana campera.


title: Milonga (música)

text: Por su parte, el considerado mejor payador de todos los tiempos, el afroargentino Gabino Ezeiza, fue quien introdujo el ritmo de milonga a la payada. El mismo Gabino, afirmó que la milonga (campera) proviene del candombe, el cual se formó a partir de viejos ritmos africanos. Hay que saber que Gabino Ezeiza era afroporteño nacido en San Telmo (un barrio de esclavos), y que vivió en una época en la que había un número considerable de afrodescendientes negros en la zona del actual Gran Buenos Aires; y que además, su maestro en la iniciación de la payada, Pancho Luna, también era afroporteño.


title: Milonga (música)

text: En un reportaje al payador argentino Nemesio Trejo, hecho por Jaime Olombrada, y que fuera publicado en el periódico "La Opinión" de Avellaneda (Pcia de Buenos Aires, Argentina) el 15 de abril de 1916, Trejo cuenta: Teniendo en cuenta lo dicho por Ezeiza, además de que los esclavizados en Argentina fueron "carne de cañón" en las guerras (desde las guerras de Independencia hasta la Guerra de la Triple Alianza), y que Rosas simpatizaba con los afroargentinos y viceversa (compartían lugares a la hora de festejar los carnavales); es muy probable que entre esos lugareños que entonaban "guajiras acriolladas" o "milongas primitivas" (de quienes se habían burlado los brasileños del Ejército Grande de Justo José de Urquiza) hubiera afroargentinos, quienes le darían su toque propio a la milonga, influidos por el toque candombe porteño. Además, ha habido grandes payadores afroargentinos; amén del ficticio moreno del Martín Fierro. También fueron famosos los payadores y poetas Gabino Ezeiza (1858-1916) e Higinio Cazón. Por todo esto, es posible que la milonga calara fuerte entre los afroargentinos, y que ellos ayudaran a su difusión (tal y como lo hizo Gabino Ezeiza con su innovación de payar en ritmo de milonga), y a su evolución progresiva hasta que la milonga campera quedara completamente definida, como se la conoce en la actualidad. Otro importante payador afroargentino fue "el Negro" Juan José García.


title: Milonga (música)

text: En 1886 "El Mundo Artístico" de Buenos Aires daba cuenta de la popularidad de este género en ambas orillas del Río de la Plata: Una curiosidad de la milonga campera, es que coexistió con la habanera, pero reinó en ambientes sociales muy humildes. A su vez, en la última etapa de su desarrollo, se la solía llevar al pentagrama de la misma manera en que las habaneras eran escritas en el pentagrama, quizás por eso se la habría llamado "la habanera de los pobres".


title: Milonga (música)

text: Alfredo Zitarrosa fue el máximo expositor del género milonga en Uruguay, así como Atahualpa Yupanqui, Argentino Luna, José Larralde o Alberto Merlo, Suma Paz, lo han sido en la República Argentina.


title: Milonga (música)

text: Es un estilo cuya primera grabación fue "Un Bailongo", compuesto y escrito por el afroargentino José Ricardo, cantado por Carlos Gardel y su música ejecutada por Guillermo Barbieri y el mismo José Ricardo. Nueve años más tarde, en 1931 Sebastián Piana compone "Milonga sentimental", la primera milonga ciudadana que tuvo gran difusión. milonga ciudadana apareció como un subgénero del tango, al ser creada en 1931 por Sebastián Piana (música) y Homero Manzi (letra) con "Milonga sentimental". Esta variante del tango, y a su vez variante lejana de la milonga campera, fue llamada por Piana como "milonga" y es lo que hoy en día se conoce como "milonga ciudadana", la cual es más rápida que la milonga campera.


title: Milonga (música)

text: Como se lee en el subapartado "milonga campera", hubo un ritmo de milonga campera que fue llevado al pentagrama por varios pianistas a finales del siglo XIX. Esas “huellas” o “rastros” dejados por ese tipo de milonga en el tango, fueron reavivados en 1922 por José "el negro" Ricardo en su canción "un bailongo" y en 1931 por Sebastián Piana en su canción “Milonga sentimental”. Esta forma de milonga creada, la milonga ciudadana, fue más tarde adaptada por Juan D’Arienzo a la llamada "orquesta típica". De este modo fue como se originó lo que se conoce como milonga ciudadana, la cual se arraigó fuertemente en la ciudad, y de ahí su nombre completo. Todo esto, incrementó la confusión de no pocos historiadores, desconocedores de los primeros "milongueros", que eran payadores o recitadores que usaban el ritmo de milonga para recitar-cantar en aquella época. Pese a todo esto, los intérpretes de los suburbios y los de la campaña continuaron con los ritmos tradicionales de milonga, la milonga pampeana campera.


title: Milonga (música)

text: Aunque tanto la milonga como el tango están en compás de 2/4 o 4/4, las 8 figuras musicales de la milonga están distribuidas en 3 + 3 + 2 en cambio el tango posee un ritmo más «cuadrado».


title: Milonga (música)

text: A partir de 1931, con la aparición de una nueva forma de tipo ciudadano ligada al tango, su forma original se denominó "milonga campera o surera" en tanto que la nueva modalidad recibió la denominación de "milonga ciudadana". A su vez, dentro de estas dos variantes hay varias subvariantes.


title: Milonga (música)

text: Por todo lo descrito en los 2 anteriores subapartados, se puede entender por qué hay varias subvariantes de la milonga. Son ejemplos de tal diversidad las milongas ciudadanas, bien en cuartetas: “Milonga del 900” y “Corrales viejos”, en décimas: “Milonga burrera, “Un baile a beneficio”, o bien en su característica de orquesta típica: “Nocturna”, “Taquito militar”, “La trampera”, etc. A su vez, existe la denominada milonga–candombe, subgénero híbrido creado a principios del decenio de 1940 por Sebastián Piana, son ejemplos de este: “Pena mulata”, “Papá Baltasar”; todas estas aceleradas. Y por otro lado son ejemplo de milongas camperas (lentas): "Milonga Triste" (Piana y Manzi) y “Los ejes de mi carreta”; de milongas camperas (algo aceleradas): “Tata no quiere”, y de milongas rápidas: “Fogonera”.


title: Milonga (música)

text: Además de las clases de milongas argentinas, todas las anteriormente mencionadas, también existen milongas con diferentes ritmos y velocidades en Uruguay, y en el estado brasileño de Río Grande do Sul. Incluso en Andalucía, existen “milongas” bajo la denominación de “milonga flamenca”, la cual es una adaptación de la milonga argentina llevada a esas tierras a fines del siglo XIX por Pepa de Oro y su hermana. Estas hermanas trabajaron con el “cantaor” Juan Junquera durante algún tiempo en Argentina, donde conocieron dicho ritmo. Luego lo dieron a conocer en España (donde la milonga se adaptó), tal y como apuntaron los reconocidos estudiosos del flamenco Romualdo Molina y Miguel Espín, y el famoso profesor y “cantaor” Alfredo Arrebola, entre otros.


title: Milonga (música)

text: El escritor argentino Jorge Luis Borges criticó en algún momento el tango y prefirió la milonga, que no trasmite la melancolía del primero. Borges es autor de la letra de la milonga (ciudadana) ""Jacinto Chiclana"", en la que le evoca a un guapo (corajudo) cuchillero, que solía poner su habilidad para pelear con el cuchillo al servicio de caudillos políticos.


title: Milonga (música)

text: La milonga está emparentada con el tango, candombe, y la habanera. Además, la milonga pampeana ha dado lugar, junto con el kaani, a la aparición "al natural" del típico ritmo patagónico de la chorrilera o chorrillero, desarrollada entre los lugareños de la Patagonia andina de Argentina.


title: Milonga (música)

text: También existe una antigua variante uruguaya, aparentemente exclusiva de la ciudad de Montevideo, llamada milongón.


title: Luciano Berio

text: Luciano Berio (Imperia, 24 de octubre de 1925 - Roma, 27 de mayo de 2003) fue un compositor italiano modernista y uno de los principales representantes de la vanguardia musical europea. Es reconocido por su trabajo en la música experimental, particularmente su "Sinfonía" para orquesta, y también fue un pionero en la música electrónica.


title: Luciano Berio

text: Luciano Berio nació en Oneglia(hoy día llamado Borgo d'Oneglia, un pequeño pueblo a 3 km al norte de la ciudad de Imperia). Recibió sus primeras clases de piano de su padre y su abuelo que eran organistas. Durante la Segunda Guerra Mundial fue reclutado por el ejército, pero en su primer día de servicio fue herido en una mano mientras aprendía a usar la pistola. Después de un tiempo en un hospital militar, escapó y se integró a la lucha en grupos antinazis.


title: Luciano Berio

text: Después de la guerra, Berio estudió en el Conservatorio de Milán con Giulio Cesare Paribeni y Giorgio Federico Ghedini. Abandonó los estudios de piano debido a la herida en su mano y se concentró en la composición. En 1947 se estrenó en público uno de sus primeros trabajos, una suite para piano.


title: Luciano Berio

text: Berio se ganó la vida durante ese tiempo acompañando clases de canto. Así conoció a su primera mujer, la mezzo-soprano estadounidense Cathy Berberian con quien contraería matrimonio en 1950, poco después de graduarse (se divorciaron en 1964). Berio escribió numerosas piezas en las que explotaba la única y versátil voz de su esposa.


title: Luciano Berio

text: En 1951 viajó a los Estados Unidos para estudiar con Luigi Dallapiccola en Tanglewood, quien le despertó interés por el serialismo. Posteriormente acudió a los «Internationale Ferienkurse für Neue Musik» («Cursos Internacionales de Verano de Música Contemporánea») de Darmstadt, donde conoció a Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, György Ligeti y Mauricio Kagel. Comenzó a interesarse en la música electrónica, fundando con Bruno Maderna, en 1955, el Studio di Fonologia, un estudio de música electrónica en Milán. Invitó a varios compositores significativos a trabajar allí, como Henri Pousseur y John Cage. También creó una publicación sobre música electrónica, "Incontri Musicali".


title: Luciano Berio

text: En 1960, Berio volvió a Tanglewood, esta vez como compositor residente, y en 1962, invitado por Darius Milhaud, ingresó como profesor en el Mills College en Oakland, California. En 1965 comenzó a impartir clases en el Juilliard School y allí fundó el Juilliard Ensemble, un grupo dedicado a interpretar música contemporánea. En ese mismo año, Berio se casó por segunda vez, esta vez con la notoria filósofa Susan Oyama (de quien se divorció en 1971). Entre sus estudiantes se encontraban Louis Andriessen, Steve Reich, Luca Francesconi y Phil Lesh (de la banda Grateful Dead).


title: Luciano Berio

text: Durante todo este tiempo, Berio estuvo constantemente componiendo y forjándose su reputación, ganando el Premio Italia en 1966 por "Laborintus II". Su labor como compositor quedó consolidada cuando su "Sinfonía" fue estrenada en 1968.


title: Luciano Berio

text: En 1972, Berio regresó a Italia. Desde 1974 hasta 1980 fue director de la sección de electroacústica del IRCAM en París, y en 1977 contrajo matrimonio por tercera vez, ahora con la musicóloga Talia Pecker. En 1987 creó Tempo Reale en Florencia, un centro con intenciones similares al IRCAM. Le dio clase en esta ciudad a la compositora Karen Tanaka


title: Luciano Berio

text: En el año 1989 le fue concedido el Premio Ernst Siemens, en 1991 el Premio de la Fundación Wolf de las Artes y en 1994 se convirtió en Distinguido Compositor Residente en la Universidad Harvard, manteniendo este cargo hasta el 2000. En el año 1996 le fue concedido el Praemium Imperiale y, en el año 2000, fue nombrado presidente y superintendente de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma. Continuó componiendo hasta el final de su vida. Luciano Berio falleció en el 2003 en un hospital de Roma.


title: Luciano Berio

text: Las obras electrónicas de Berio datan en su mayor parte de su estancia en el Studio di Fonologia de Milán. Uno de los más influyentes trabajos que produjo allí fue "Thema (Omaggio a Joyce)" (1958), basado en una lectura de su primera esposa Cathy Berberian de la novela de James Joyce "Ulises". En un trabajo posterior, "Visage" (1961) Berio creó un lenguaje emotivo sobre la base de cortes y modificaciones de una grabación de la voz de Cathy Berberian.


title: Luciano Berio

text: En 1968, Berio completa "O King", un trabajo del que existen dos versiones: una para voz, flauta, clarinete, violín, violonchelo y piano, y otra para ocho voces y orquesta. Esta pieza está creada en memoria de Martin Luther King, que fue asesinado poco antes de componerla. En ella, las voces entonan primero las vocales y después las consonantes, para después todas juntas enlazar su nombre en los últimos compases.


title: Luciano Berio

text: La versión orquestal de "O King" fue integrada, poco después de terminada, en la que quizá sea la composición más famosa de Berio, la "Sinfonía" (1968-69), para orquesta y ocho voces amplificadas (un doble cuarteto vocal con micrófonos). En esta obra las voces no son utilizadas en la forma tradicional; no solo hacen el típico canto entonado, sino que las voces recitan, susurran y gritan palabras de Claude Lévi-Strauss (cuya obra "Le cru et le cuit" proporciona gran parte del texto), Samuel Beckett (de su novela "El innombrable"), instrucciones de partituras de Gustav Mahler y otros textos. La obra es uno de los paradigmas de la técnica de collage y una de las más populares de Berio.


title: Luciano Berio

text: "A-Ronne" (1974) es un collage similar pero más directamente enfocado en la voz. Originalmente fue escrito como un programa de radio para cinco actores y en 1975 fue reelaborado para ocho vocalistas y una parte para teclado opcional. Esta obra es una de las numerosas colaboraciones con el poeta Edoardo Sanguineti, quien dio a esta pieza un texto lleno de citas cuyas fuentes incluyen a la Biblia, T. S. Eliot o Karl Marx.


title: Luciano Berio

text: Otro ejemplo de la influencia de Sanguineti es la amplia obra "Coro", para orquesta, voces solistas y un gran coro, cuyos integrantes son emparejados con instrumentos de la orquesta. La obra durante un poco más de una hora, y explora un número de temas vinculados a la música folclórica de una variedad de regiones: Chile, Norteamérica, África. Temas recurrentes son la expresión del amor y la pasión; el dolor de ser separados de los que amamos; la muerte de una esposa o esposo. Una línea repetida es "venid y ved la sangre en las calles", una referencia al poema de Pablo Neruda "Explico algunas cosas", escrito en el contexto del comienzo de la Guerra civil española.


title: Luciano Berio

text: Entre otras composiciones de Berio se encuentran "Circles" (1960) y "Recital I (for Cathy)" (1972), todas escritas para Berberian, y varias obras teatrales, como la ópera "Un re in ascolto", con la singular colaboración de su compatriota Italo Calvino.


title: Luciano Berio

text: Berio también produjo obras en las que no se cita otros trabajos. Quizá la más conocida sea la serie de trabajos para instrumentos solistas bajo el nombre de "Sequenza"; la primera, "Sequenza I" fue realizada en 1958 para flauta. La última, "Sequenza XIV" (2002) fue compuesta para violonchelo solo. Berio afirma que estas obras están escritas para "el único tipo de virtuoso que es aceptable hoy en día, sensible e inteligente" y agrega que debe poseer "los más altos niveles de virtuosismo técnico e intelectual". Los trabajos exploran de lleno las posibilidades de cada instrumento.  Las distintas Sequenza son: Berio ha adaptado sus propias composiciones: la serie "Sequenze" (Secuencias) dio lugar a una serie de trabajos llamada "Chemins" (Caminos), cada uno de ellos basado en uno de "Sequenza". Por ejemplo, "Chemins II" (1967) toma la "Sequenza VI" del mismo año para viola y la adapta para solo de viola y otros nueve instrumentos. "Chemins II" es así mismo transformada en "Chemins III" (1968) añadiendo una orquesta, y también existe "Chemins IIb", una versión de "Chemins II" sin solo de viola pero con un conjunto más amplio, y "Chemins IIc", que añade un solo de clarinete bajo a "Chemins IIb". Las "Sequenze" también han dado luz a otras nuevas obras con otros títulos: "Corale" (1981), por ejemplo, está basado en la "Sequenza VIII".


title: Luciano Berio

text: Además de sus propias obras y adaptaciones, Berio es conocido por realizar numerosos arreglos de obras de otros compositores, tales como Claudio Monteverdi, Henry Purcell, Johannes Brahms, Gustav Mahler y Kurt Weill. Para su primera mujer escribió "Folk Songs" (1964) una colección de arreglos de canciones populares y folclóricas. También escribió un final para la ópera de Giacomo Puccini "Turandot" (estrenada en Santa Cruz de Tenerife (Islas Canarias) - España el 26 de enero de 2002 y ese mismo año en Ámsterdam y Salzburgo); y en "Rendering" (1989) tomó los pocos bosquejos que Franz Schubert hizo para su "Sinfonía No. 10", y los terminó añadiendo música derivada de otras obras de Schubert.


title: Luciano Berio

text: De hecho, la (música) es una parte vital de las obras "creativas" de Berio. En "Two Interviews", Berio expresa que lo que un curso de Escuela en transcripción debería buscar, no es solamente mirando a Franz Liszt, Ígor Stravinski, Johann Sebastian Bach, él mismo y otros, sino extender a la composición lo que es la transcripción de uno mismo. En este punto, Berio rechaza y abandona la noción de "collage", prefiriendo tomar la posición de "transcriptor", arguyendo que "collage" implica un cierto abandono arbitrario al cuidadoso control de su ejecución altamente intelectual, que se da especialmente en su "Sinfonía", prefiriendo más sus otras obras "desconstructivas". Entonces, cada cita evoca cuidadosamente el contexto de la obra original, creando una red abierta, pero abierta a referentes altamente específicos y una vigorosamente definida, si re-generativa, relación significante-significado. "No estoy interesado en "collages", y sólo echó mano de ellos sólo cuando lo hago con mis hijos: entonces son un ejercicio de relativizar y "descontextualizar" imágenes, un ejercicio elemental cuyo saludable cinismo no debería hacer daño a nadie" dice Berio a la entrevistadora Rossana Dalmonte, en la que se lee como intenta distanciarse de la imagen caótica que muchos descuidados analistas de segunda mano tienen de él.


title: Luciano Berio

text: Tal vez, la mayor contribución que hizo Berio a la Segunda Guerra Mundial fue la música no serial experimental, que corrió alrededor de su música, y con un compromiso hacia el mundo más amplio de la teoría crítica (personificado por su amistad de por vida con el lingüista y teórico crítico Umberto Eco) a través de sus composiciones. Las obras de Berio, a menudo son actos de análisis: análisis de los mitos de forma deliberada, historias, componentes de las propias palabras, sus composiciones, o preexistentes obras musicales.En otras palabras no es solo una composición de "collage" que transmite significado; es la composición particular del componente de "imagen- sonido" la que transmite significado, incluso con un contenido extramusical. La técnica del "collage", se asocia con un proceso menos neutral y más un proceso consciente, Joycean procesa el análisis con la composición como una forma de transcripción analítica de los cuales Sinfonía y Los Chemins son los ejemplos más destacados. Berio a menudo ofrece a sus compositores una forma académica o un discurso cultural en sí mismo y no como una mera pensamiento para ellos.


title: Luciano Berio

text: Entre otras composiciones de Berio destacan Circles (1960), Sequenza III (1966), y Considerando I (por Cathy) (1972), todas ellas escritas para Berberian, y una serie de obras de teatro como Un rey escucha, una colaboración con Italo Calvino, entre los más conocidos.


title: Luciano Berio

text: "El enfoque fundamental central" de Berio, es con la voz, el piano, la flauta y las cuerdas. Escribió muchas obras notables para piano, que varían de las piezas solistas de concierto (puntos en la curva de encontrar, concierto para dos pianos y Coro, que tiene una columna vertebral fuerte de material armónico y melódico enteramente basado en la parte de piano ).


title: Luciano Berio

text: Entre sus obras menos conocidas, Berio hace uso de una polifonía muy distinguible pero única para Berio que desarrolla una variedad de formas. Esto ocurre en varias obras, pero lo más reconocible se encuentra en composiciones para pequeñas combinaciones. Como por ejemplo: para los sonidos de flauta, arpa, clarinete, chelo, violín y electrónicos; Agnus, durante tres clarinetes y voces; Tempi concertanti para flauta y cuatro grupos instrumentales, Línea, para marimba, vibráfono y dos pianos; y Chemins IV, para cuerdas once y oboe, así como " Canticum novissimi Testamenti " para 8 voces, 4 clarinetes y cuarteto de saxofones.


title: Luciano Berio

text: Probablemente la contribución más destacada al mundo de la música experimental no serial de la postguerra, que se refleja en muchas sus composiciones, es su asociación con un amplio mundo de la teoría crítica (epitomizada por su larga amistad con el lingüista y crítico teórico Umberto Eco) en su música. Las obras de Berio son entonces actos analíticos: mitos deliberadamente analizados, historias, los componentes de las palabras mismas, u obras musicales preexistentes. En otras palabras, no es solo en la composición del "collage" en la que convergen los significados, es la particular composición del componente "sonido-imagen" que converge en un significado, incluso significado extra-musical. La técnica del "collage" que está asociado a él, entonces, antes que un proceso neutral es un proceso consciente, joyceano de análisis-por-composición, una forma de transcripción analítica de las que la "Sinfonía" y los "Chemins" son los ejemplos más pruritos. Entonces, Berio ofrece sus composiciones como formas de discurso académico o cultural más que un "mero" forraje para ellos.


title: The Beatles

text: The Beatles (), conocida en el mundo hispano como los Beatles, fue una banda de "rock" británica activa durante la década de 1960, y  ampliamente reconocida como la más exitosa comercialmente, la más influyente y la más elogiada por la crítica en la historia de la música popular y de la música "rock". Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). Enraizada en el "skiffle", la música "beat" y el "rock and roll" de los años 1950, su sonido incorporaría a menudo elementos de la música clásica y del pop, entre otros, de forma innovadora en sus canciones; la banda posteriormente llegaría a trabajar con un extenso rango de estilos musicales, yendo de estilos tan diversos como las baladas y la música de India, hasta la psicodelia y el "hard rock" por mencionar algunos. Sumergiéndose en la experimentación sus obras resultaron ser pioneras y precursoras de muchos generos musicales posteriores. La naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la «beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas. Llegando a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas y vaguardistas extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales del Siglo XX y aún con influencia en el Siglo XXI.


title: The Beatles

text: Liderados por la dupla Lennon-McCartney, construirían su reputación en la escena underground de Liverpool y Hamburgo sobre un período de tres años a partir de 1960, inicialmente con Stuart Sutcliffe en el bajo. El trío central de Lennon, McCartney y Harrison, juntos desde 1958 como parte de The Quarry Men, tocarían junto a múltiples baterías (incluido Pete Best) antes de pedirle a Richard Starkey, mejor conocido como Ringo Starr que se les uniera en 1962. Establecidos como un grupo profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su representante, y con su potencial musical mejorado por la creatividad del productor George Martin, lograrían el éxito comercial en el Reino Unido a finales de 1962 con su primer sencillo, «Love Me Do». A partir de ahí, irían adquiriendo popularidad internacional a lo largo de los siguientes años, en los cuales harían un extenso número de giras hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente a la grabación en el estudio hasta su disolución oficial en 1970. Después, todos sus integrantes se embarcaron en exitosas carreras independientes de diversa duración. Lennon sería asesinado, por Mark David Chapman, a las afueras de su casa de Nueva York en 1980, y Harrison fallecería de cáncer en 2001. McCartney y Starr, los dos miembros sobrevivientes, aún permanecen musicalmente activos.


title: The Beatles

text: Durante sus años de estudio crearon algunos de sus mejores materiales, incluyendo el álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (1967), considerado por expertos como una obra maestra. Cinco décadas después de su separación, la música que crearon continúa siendo popular. Se mantienen como el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes en esta posición que cualquier otra agrupación musical. De acuerdo con las certificaciones de la RIAA, han vendido más discos en los Estados Unidos que cualquier otro artista. Fueron galardonados con siete premios Grammy, y recibieron un total de quince premios Ivor Novello de parte de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors. En 2004, la revista "Rolling Stone" los clasificó en el número uno en su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos». De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto ayudaron a definir tanto la cultura popular como la contracultura. En 2010, el canal de televisión especializado en música VH1 los clasificó en el número uno en su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos». También fueron colocados en el puesto número 1 por el sitio de Internet "Acclaimed Music" en su lista «The Top 1000 Artists of All Time». Figuran, asimismo, en la primera posición como los más grandes artistas de todos los tiempos de las listas Hot 100 y "Billboard" 200 en la clasificación de "Billboard" de 2015.


title: The Beatles

text: A los dieciséis años de edad, John Lennon, influido fuertemente por el estallido mundial del rock and roll y la "locura del "skiffle"" desencadenada por Lonnie Donegan, creó el grupo de estilo "skiffle" con el nombre de The Quarry Men, junto con algunos compañeros del colegio, en la segunda mitad de 1956.


title: The Beatles

text: El "skiffle" estalló en Gran Bretaña a comienzos de 1956, a partir del lanzamiento del disco «Rock Island Line» de Lonnie Donegan. Se trató de un movimiento social y musical estrictamente británico que tomó el nombre de "locura del "skiffle"" ("skiffle craze"), que fue adoptado como propio por millones de adolescentes que por primera vez surgían como grupo social con identidad propia. En 1956 y 1957 se crearon más de cincuenta mil bandas de "skiffle" integradas por adolescentes.


title: The Beatles

text: El "skiffle" era una modalidad barata y sencilla de tocar música, con instrumentos caseros y acústicos (guitarras, tablas de lavar y dedales, bajos de cofre de té o "(tea-chest bass)", tapas de ollas, kazoos fabricados con peines y papel, palos de escoba, etc.) que se adaptaba perfectamente a la pobreza de posguerra en Gran Bretaña, permitiendo que decenas de miles de jóvenes trabajadores se volcaran a la música en una especie de "rock and roll sin electricidad". También masificó entre los jóvenes la guitarra, un instrumento que hasta ese momento había estado prácticamente ausente de la música popular británica.


title: The Beatles

text: The Quarry Men formó además parte de un amplio movimiento musical originado en Liverpool, conocido como música beat, o Merseybeat, caracterizada por la diversidad de influencias musicales que caracteriza a esa ciudad, y la sincronización rítmica de la batería, el bajo y la guitarra rítmica. Lennon, Eric Griffiths, Pete Shotton, Len Garry, Colin Hanton y Rod Davis integraron la primera formación estable, con Nigel Walley oficiando de representante.


title: The Beatles

text: Poco tiempo después, el 6 de julio del mismo año (1957), Paul McCartney, que por entonces tenía quince años, conoció a Lennon en una fiesta en la que este tocaba con The Quarry Men y se unió a la misma como guitarrista y cantante. Entre diciembre de 1957 y enero de 1958, McCartney invitó a su amigo George Harrison, el cual, con catorce años, se unió como el guitarrista líder de la formación.


title: The Beatles

text: La pertenencia de clase de los tres futuros beatles se evidenciaba en la vivienda, la educación y el empleo de sus familias. John Lennon había nacido en una sencilla casa "adosada" ("terraced house") alquilada, con sus abuelos, hasta que se fue a vivir con su tía Mimi en una casa de clase media llamada Mendips, en Woolton, pero que una de sus dos habitaciones debían ser alquiladas a estudiantes para poder sostenerla, razón por la cual debía dormir en el comedor. John aprobó el examen de más de once años ("Eleven Plus Examination"), que le permitía acceder al primer tramo de la educación secundaria, pero fue reprobado en el crucial examen de nivel cero ("0-level exam"), cerrándole las puertas a la universidad. Había sido educado por su tía para no utilizar el dialecto scouse que caracteriza a los sectores populares de Liverpool.


title: The Beatles

text: Paul McCartney nació en una casa propiedad del Estado ("council house") sin inodoro en el baño (letrina compartida afuera) en el alejado suburbio de Speke, de mala fama entre la clase media, pero en 1955 la madre de Paul había conseguido que el municipio le asignara una casa mejor con inodoro en el baño, en el suburbio de Allerton, debido a su trabajo de enfermera. Al igual que John había aprobado el examen de más once y su madre insistía para que no hablara dialecto scouse.


title: The Beatles

text: George Harrison también había nacido en una muy sencilla casa adosada del Estado ("council house"), sin inodoro en el baño (letrina compartida afuera), en el suburbio de Wavertree. Su padre era conductor de autobús y su madre empleada de comercio. En 1950 su familia se mudó a otra casa del Estado en el suburbio de Speke, donde fue vecino de McCartney. Al igual que John y Paul había aprobado el examen de más once, siendo compañero de colegio de este último. George, al igual que luego lo haría Ringo Starr, hablaba con un fuerte acento scouse. La tía Mimi se refería a él como "ese roñoso de Speke" ("that scruff from Speke"). Poco a poco los Quarry Men, empujados por Lennon, McCartney y Harrison, fueron abandonando el "skiffle", para orientarse decididamente hacia el rock and roll, a la vez que comenzaron a interpretar temas propios, algo completamente inusual en la música pop de ese momento. El 12 de julio de 1958 The Quarry Men realizó una grabación histórica de un único disco simple, interpretando «That'll Be the Day» de su admirado Buddy Holly y sorprendentemente, una de las primeras canciones compuestas por McCartney, «In Spite of All the Danger».


title: The Beatles

text: Tres días después, la madre de John Lennon, Julia, falleció trágicamente en un accidente de auto, lo que llevó a John a la tristeza. El hecho produjo un "impasse" en la banda, y acercó espiritualmente a John y Paul, que también había perdido a su madre dos años antes. Ambas circunstancias y una seria enfermedad de Nigel Walley, a cargo de la representación, provocaron que la banda quedara reducida a un trío de guitarras, con Harrison en la guitarra solista, y Lennon y McCartney en las guitarras rítmicas, aunque en los hechos la banda se encontraba virtualmente disuelta.


title: The Beatles

text: En 1959 George Harrison logró reunir nuevamente a The Quarry Man, con Ken Brown como cuarto guitarrista, para tocar en The Casbah Coffee Club, un improvisado sótano musical para adolescentes recién abierto por Mona Best, madre de quien al año siguiente se convertiría en el primer baterista de Los Beatles.


title: The Beatles

text: Para entonces Lennon y McCartney habían comenzado también a frecuentar los clubes musicales de la comunidad negra de Liverpool, la más antigua de Gran Bretaña, donde tomaron contacto y fueron influenciados por los músicos y ritmos de origen africano, especialmente caribeños. Entre esos músicos se destacó el músico inmigrante trinitense Lord Woodbine, denominado a veces como el "sexto beatle" o el "beatle negro", quien fue el primer cantante de calypso de Gran Bretaña y el primero en organizar una banda de tambores metálicos. Woodbine y la comunidad musical afro-liverpulense influyeron en la apertura de Los Beatles hacia la diversidad de ritmos negros, la práctica de tocar temas propios, la inclusión de un baterista, las actuaciones en Hamburgo, la solidaridad con los inmigrantes y el rechazo del racismo. La primera canción de Lennon se tituló «Calypso Rock». Nociones artísticas como "Rubber Soul", y canciones como "Get back" y "Ob-La-Di, Ob-La-Da", están directamente relacionadas con la influencia en la música de Los Beatles proveniente de la comunidad negra de Liverpool. El video de «Early Days» (2014), de Paul McCartney, reconstruye la historia adolescente de John y Paul, pero representándolos como dos jóvenes negros del sur de Estados Unidos.


title: The Beatles

text: En ese ambiente se relacionaron con Allan Williams, propietario del Club Jacaranda, quien se convirtió en mánager del grupo. En octubre de 1959, con el nombre de Johnny and the Moondogs, Lennon, McCartney y Harrison participaron en las audiciones realizadas en Liverpool, para el programa televisivo de nuevos talentos, que dirigía el conductor Carroll Levis. Clasifican para la serie final, realizada el 15 de noviembre en Mánchester, pero resultaron eliminados por un "aplausómetro". En dicha competencia se destacó finalizando en segundo lugar Rory Storm and the Hurricanes, con Ringo Starr como baterista. Lennon, McCartney, Harrison, Starr y Rory Storm, mantendrán en los años siguientes una relación de amistad y cercanía musical, compartiendo el escenario en la segunda etapa de Los Beatles en Hamburgo.


title: The Beatles

text: Los Quarry Men grabaron en 1958 un disco simple, con un tema de Buddy Holly, «That'll Be the Day» y una canción original titulada «In Spite of All the Danger», compuesta por McCartney pero acreditada también a Harrison. Ambos temas están cantados por Lennon, desempeñándose Colin Hanton en la batería. Existe también una grabación casera que registra una parte de la actuación de la formación inicial de la banda, en la célebre fiesta organizada por la Iglesia de San Pedro el 6 de julio de 1957, cuando John y Paul se conocieron. En 1995, algunos miembros históricos de Los Quarry Men, refundaron la banda, con el fin de difundir el estilo "skiffle" original, lanzando también algunos álbumes.


title: The Beatles

text: En la primera mitad de 1960 aparecería el nombre definitivo de la banda. The Quarry Men había mostrado ser un nombre precario, siendo reemplazado por otros nombres como «Johnny and the Moondogs» (literalmente Johnny y los Perros Lunares, pero más precisamente Johnny y los Perros que Aúllan a la Luna). La versión tradicional sobre el surgimiento del famoso nombre sostiene que la iniciativa partió de Stuart Sutcliffe, íntimo amigo y compañero de habitación de John Lennon que en enero de 1960 se había unido al grupo como bajista. Siempre según la versión tradicional, Sutcliffe y Lennon se encontraban solos cuando empezaron a pensar nombres para la banda, a partir de la admiración que sentían por Buddy Holly, cuyo grupo se llamaba The Crickets («Los Grillos»). Luego de pasar por diferentes tipos de insectos, Sutcliffe propuso «The Beetles» («Los Escarabajos»), y Lennon por su parte, aportó un decisivo juego de palabras, cambiando la sílaba "beet", por "beat", que en inglés suenan igual, en referencia al movimiento beat liverpulense que integraba la banda.


title: The Beatles

text: El 6 de julio de 1961, John Lennon escribió una biografía humorística para el primer número del periódico "Mersey Beat", de su amigo Bill Harry. Allí John dice:


title: The Beatles

text: Décadas después surgieron dos versiones alternativas sobre el origen del nombre The Beatles. La primera proviene de George Harrison que sostuvo que fue tomada de la película "The Wild One" (El Salvaje), protagonizada por Marlon Brando, aunque la versión es discutible porque dicha película estuvo prohibida en Gran Bretaña hasta 1968. La segunda versión pertenece al poeta Royston Ellis, amigo de la banda y perteneciente al movimiento beat. Según Ellis, una noche de junio de 1960, se encontraba pasando el rato con Lennon y Sutcliffe, cuando surgió la cuestión del nuevo nombre de la banda. John entonces le respondió que se llamaría "The Beetles", deletreando la palabra con dos "E", significando Los Escarabajos". Ellis, que pertenecía al movimiento beat y se identificaba con los beatniks, propuso entonces el célebre cambio de la letra "E", por la letra "A". Ellis relató también que ese día él había cocinado un pollo que se prendió fuego, hecho que habría dado origen al relato de John Lennon, sobre el "hombre que apareció sobre un pastel flameante" para darles el nombre de la banda.


title: The Beatles

text: Durante la primera mitad de 1960, el grupo alternó diferentes versiones del nombre, como «The Beetles», «The Silver Beetles», «The Beatals», «The Silver Beets», «The Silver Beatles» y «Long John and the Silver Beetles». Finalmente, en agosto se decantaron por «The Beatles».


title: The Beatles

text: Con la defección de Brown y la dificultad de no tener baterista, el mánager no oficial del grupo, Allan Williams y Lord Woodbine, organizaron una serie de presentaciones en Hamburgo, como banda musical oficial de uno de los tantos "night clubs" existentes en esa ciudad portuaria de Alemania. En total Los Beatles realizarían cinco series de actuaciones en Hamburgo, entre 1960 y 1962. En un recital realizado allí en 1966, John Lennon se referiría a la importancia de Hamburgo en la formación de Los Beatles diciendo: "Yo nací en Liverpool, pero crecí en Hamburgo".


title: The Beatles

text: Con urgencia reclutaron como baterista a Pete Best, a quien conocían del Casbah; su madre, Mona Best, acababa de comprarle una batería, que aún no dominaba. El quinteto se fue cuatro días más tarde a Hamburgo después de que Bruno Koschmider, dueño de varios clubes en aquella ciudad, les contratara para que tuvieran estancia allí durante 48 noches. «Hamburgo, en aquellos días, no tenía clubes de "rock 'n' roll". Había clubes de striptease», cuenta el biógrafo Philip Norman.


title: The Beatles

text: Los Beatles llegaron a Hamburgo en agosto de 1960. Por entonces, Harrison era aún menor de edad con 17 años y había obtenido el permiso de residencia en Hamburgo mintiendo a las autoridades alemanas sobre su verdadera edad. Inicialmente ubicados en el Indra Club para que actuasen allí, Koschmider los trasladaría en octubre al Kaiserkeller después de que el Indra fuese cerrado debido a las quejas que recibía por el ruido del local. Para soportar las largas jornadas de actuación, que llegaban a superar las ocho horas, usaron estimulantes como el Preludin.


title: The Beatles

text: Durante su estadía en Hamburgo, Sutcliffe inició un romance con Astrid Kirchherr, una joven fotógrafa y diseñadora alemana que les hizo sus primeras fotos profesionales y diseñó para Sutcliffe el corte de pelo que, luego de ser adoptado por el resto del grupo, definió la imagen beatle que se volvería mundialmente famosa dos años después.


title: The Beatles

text: En noviembre aceptaron la oferta de actuar en el Top Ten Club, rompiendo así el contrato que tenían con Koschmider. Despechado por la decisión de Los Beatles, Koschmider informó a las autoridades que Harrison era menor de edad, lo que condujo a que el músico fuera deportado en noviembre de ese año. Una semana más tarde, McCartney y Best fueron deportados también por ocasionar un incendio cuando le prendieron fuego a un preservativo colgado de un clavo en su habitación. Lennon regresó a Liverpool a mediados de diciembre. Sutcliffe por su parte, permaneció en Hamburgo con su novia alemana, Astrid Kirchherr, durante otro mes. La banda parecía desarmada.


title: The Beatles

text: De vuelta en Liverpool, el 17 de diciembre de 1960, volvieron a tocar en el Casbah de Mona Best, ya como The Beatles y con su hijo como baterista de la banda. Con la experiencia adquirida en Hamburgo y con la creencia general de que eran alemanes, Los Beatles se constituyeron de inmediato en la banda favorita de los adolescentes locales, apareciendo las primeras escena de histeria colectiva que llevaría el nombre de beatlemanía. El 27 de diciembre explotaron en el Consejo Municipal de Litherland, un suburbio de Liverpool:


title: The Beatles

text: Sin Sutcliffe -que pocos meses después formalizaría su alejamiento del grupo- y como cuarteto, Paul McCartney comenzó en ese momento a asumir la ejecución del bajo. El 9 de febrero de 1961 Los Beatles tocaron por primera vez en The Cavern, "night club" ubicado en la calle Mathew, en pleno centro de Liverpool, que se volvería su hogar simbólico. Existe una única filmación de Los Beatles en The Cavern, realizada el 22 de agosto de 1962, interpretando un "cover" de «Some Other Guy», con Pete Best aún en la batería, pocos días antes de ser reemplazado por Ringo Starr.


title: The Beatles

text: En abril de 1961 Los Beatles iniciaron una segunda serie de actuaciones en Hamburgo durante tres meses, tocando en el Top Ten Club. Contratados por Bert Kaempfert y bajo el nombre de "The Beat Brothers", grabaron varias canciones como banda de apoyo del cantante Tony Sheridan, entre ellas «My Bonnie», que fue editada como simple y alcanzó el número 32 en la lista "Musikmarkt". A comienzos de 1962 las canciones grabadas con Sheridan fueron lanzadas en el álbum "My Bonnie", que incluye dos temas interpretados exclusivamente por Los Beatles: «Ain't She Sweet», cantada por John y el instrumental «Beatle Bop» (luego retitulado como «Cry For a Shadow»).


title: The Beatles

text: En noviembre de 1961, Brian Epstein, dueño de una tienda de discos local y columnista de música, se entusiasmó con la banda después de oírlos en el Cavern Club, donde tocaban al mediodía. De inmediato, Epstein se propuso ser su representante, hecho que se formalizaría a mediados de enero de 1962. Simultáneamente, Kaempfert acordó liberarlos del contrato discográfico alemán. Antes de ello, Epstein logró que la compañía discográfica Decca Studios les realizara una prueba conocida como la audición de Decca, que se concretó el 1 de enero de 1962, en la que grabaron 15 temas, entre ellos tres de autoría de Lennon y McCartney («Like Dreamers Do», «Hello Little Girl» y «Love of the Loved»). Decca sin embargo decidió no editar la grabación con el comentario «los grupos de guitarra están en pleno declive, señor Epstein», que era la opinión general de la industria discográfica en ese momento. Esta decisión es considerada uno de los mayores errores en la historia de la música popular. Para entonces, en Liverpool se volvía cada vez más popular el movimiento conocido como "Merseybeat", es decir la "música beat de Mersey", refiriéndose a la región norteña en la que se encuentra la ciudad.


title: The Beatles

text: El 10 de abril de 1962 partieron para una nueva temporada en Hamburgo, para tocar 42 días en el Star-Club. Ese mismo día recibieron la trágica noticia de que Sutcliffe había muerto a causa de una hemorragia cerebral.


title: The Beatles

text: Mientras actuaban en Hamburgo, y tras ser rechazados por los principales sellos discográficos británicos, Brian Epstein logró que el productor George Martin del sello Parlophone, una pequeña subsidiaria de EMI Records, aceptara realizar una prueba a la banda.


title: The Beatles

text: La banda tuvo su primera sesión de grabación en Londres, bajo la dirección de Martin, en los EMI Studios el 6 de junio de 1962, registrándose cuatro temas: «Besame Mucho», «Love Me Do», «P.S. I Love You» y «Ask Me Why», estos últimos tres de Lennon-McCartney. Las cintas originales de aquella grabación fueron destruidas por rutina, pero al menos fueron preservadas dos grabaciones monoaurales. De allí fueron tomados los dos primeros temas, que fueron incluidos en "Anthology 1".


title: The Beatles

text: A Martin no le convenció la habilidad con la que tocaba la batería Pete Best, sugiriéndole privadamente a Epstein que lo cambiasen por un batería de sesión en el estudio.


title: The Beatles

text: Finalmente, Best fue remplazado por Ringo Starr. Starr, que dejó a Rory Storm and the Hurricanes para unirse a The Beatles, ya había actuado con ellos en algunas ocasiones, sobre todo cuando Best estaba enfermo. Sin embargo, Martin ya había contratado al batería de sesión Andy White para la siguiente sesión de grabación, y White tocó la batería en «Love Me Do» y «P.S. I Love You». Lanzado en octubre, «Love Me Do» alcanzó el número diecisiete en la lista británica "Record Retailer". Posteriormente, en el mes de noviembre comenzaron a grabar lo que sería su segundo sencillo, «Please Please Me». Hicieron su debut en la televisión al emitirse una actuación suya en directo en el programa regional "People and Places", de la Granada Television.


title: The Beatles

text: Concluyeron su quinta y última temporada de Hamburgo el 31 de diciembre de 1962. Varias interpretaciones en vivo de la misma fueron grabadas en un aparato casero y lanzadas como álbum en 1977 bajo el título de "Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962". En las versiones británica y estadounidense del álbum se incluyeron 30 canciones, pero solo dos temas de Lennon-McCartney: «I Saw Her Standing There» y «Ask Me Why». Entre los "covers" se incluyen varias canciones incluidas en los álbumes de Los Beatles, como «Roll Over Beethoven», «Twist and Shout», «Mr. Moonlight» y «A Taste of Honey». El álbum incluye también la versión del bolero «Bésame Mucho» que Los Beatles hacían en sus años iniciales.


title: The Beatles

text: En ese momento acordaron que los cuatro contribuirían como vocalistas dentro del grupo, aunque el rango restringido de Starr hizo que rara vez fuese el líder vocal. Lennon y McCartney establecieron una asociación para componer canciones; al comprobar que aumentaba el éxito del grupo, la celebrada colaboración entre ellos limitó las oportunidades de Harrison de ser vocalista principal. A comienzos de 1963 se fundó la empresa Northern Songs para comercializar las canciones de Los Beatles; la operación ha sido cuestionada como abusiva, otorgando una baja participación de la pareja Lennon-McCartney y una participación marginal de Harrison y Starr. Harrison compuso una canción crítica de aquella operación titulada «Only a Northern Song», incluida en el álbum «Yellow Submarine».


title: The Beatles

text: Epstein, sintiendo el potencial comercial que tenían, los alentó a que adoptasen una actitud más profesional. Lennon rememoró lo que el representante les dijo: «Miren, si ustedes realmente desean conseguir uno de esos lugares grandes, van a tener que cambiar, dejar de comer en el escenario, dejar de maldecir, dejar de fumar». Lennon dijo: «Solíamos vestir como nos gustaba, dentro y fuera del escenario. Epstein nos decía que los pantalones vaqueros no eran especialmente elegantes y que deberíamos considerar la posibilidad de usar pantalones más adecuados. Nos dejó tener nuestro propio sentido de individualidad [...] tuvimos que elegir entre obedecerle o seguir comiendo pollo en el escenario».


title: The Beatles

text: Después del moderado éxito de «Love Me Do», «Please Please Me» recibió una acogida más enfática, alcanzando el número dos en el "Record Retailer" en enero de 1963 después de su lanzamiento. Martin originalmente tenía previsto grabar el disco debut de The Beatles en vivo en el Cavern Club. Finalmente esta idea fue cambiada, y se eligió crear un álbum «en vivo» de una sola sesión en los EMI Studios. Diez canciones fueron grabadas para "Please Please Me", acompañadas en el álbum por los cuatro temas que ya habían sido publicados en los dos sencillos. Recordando la «urgencia que tenían por publicar su álbum de debut, y dándose la paliza para grabar "Please Please Me" en un solo día», un crítico de "Allmusic" comentaba: «Décadas después de su lanzamiento, el álbum todavía suena fresco, precisamente a causa de su origen tan intenso». Lennon dijo que apenas se estrujaron la cabeza a la hora de componer las canciones en aquel tiempo; él y McCartney estaban «simplemente escribiendo canciones a lo Everly Brothers, al estilo de Buddy Holly, canciones pop sin tener más complicaciones que eso: crear un sonido. Y las palabras eran casi irrelevantes».


title: The Beatles

text: Lanzado en marzo de 1963, el álbum alcanzó el número uno en las listas británicas. El tercer sencillo que publicaron, «From Me to You», fue lanzado en abril y también alcanzó la cima de las listas de éxitos. A partir de ese momento se inició una racha casi ininterrumpida de diecisiete sencillos editados por The Beatles, que alcanzaron el número uno en las listas británicas, incluyendo todos los que se publicaron en los siguientes seis años, a excepción de uno. Lanzado en agosto, el cuarto sencillo, «She Loves You», alcanzó el récord de mayor número de copias vendidas en el Reino Unido hasta ese momento, vendiendo cerca de 750 mil copias en menos de cuatro semanas. Se convirtió en su primer sencillo en vender un millón de copias, y siguió teniendo el récord en el Reino Unido hasta 1978, cuando fue superada por «Mull of Kintyre», interpretada por McCartney y su grupo posterior a la separación de The Beatles, Wings. La popularidad de su música les proporcionó una creciente atención de la prensa, a la que ellos respondieron con una descarada e irreverente actitud, que acabó por apartarse de los rasgos característicos de las figuras más importantes de la música pop y que, incluso, inspiró mayores intereses.


title: The Beatles

text: El icónico logotipo de The Beatles con la letra «T» alargada hacia abajo hizo su debut en 1963, cuando fue utilizado por primera vez al frente de la batería de Starr, que Epstein y Starr compraron en una tienda de Londres. Durante la primera mitad del año llevaron a cabo tres giras en el Reino Unido: una de cuatro semanas que comenzó en febrero y otras dos de tres semanas durante marzo y mayo a junio. A medida que su popularidad se extendió, apareció una adulación desenfrenada hacia ellos, también llamada «Beatlemanía». Aunque no se anunciaron como los cabecillas de gira, los otros artistas que participaron fueron Tommy Roe, Chris Montez y Roy Orbison, artistas estadounidenses que habían establecido una gran popularidad en el Reino Unido. Las actuaciones en todas partes, tanto en la gira como en los espectáculos fuera del Reino Unido, fueron recibidas con un entusiasmo desenfrenado por los fanáticos que no paraban de gritar. La policía se vio obligada a usar agua a alta presión con mangueras para poder controlar a las multitudes, y hubo debates en el Parlamento sobre los miles de policías que ponían en riesgo sus vidas para protegerlos. A finales de octubre, una gira de cinco días por Suecia se convirtió en la primera visita que hicieron al extranjero desde sus días en Hamburgo. De regreso al Reino Unido fueron recibidos en el aeropuerto de Heathrow bajo una intensa lluvia por miles de fanáticos. Además, asistieron cincuenta periodistas y fotógrafos y un equipo de cámaras de la televisión de la BBC. Al día siguiente, The Beatles comenzaron otra gira por el Reino Unido, prevista para seis semanas. Pero en esta ocasión, fueron, indiscutiblemente, el grupo principal.


title: The Beatles

text: "Please Please Me" estaba todavía en lo más alto de las listas. Se mantuvo en esa posición durante treinta semanas, sólo para ser desplazado por "With The Beatles", que se colocó en el primer lugar durante veintiún semanas. Haciendo mayor uso de las técnicas de producción que usaron en el LP predecesor, el álbum fue grabado entre julio y octubre. "With The Beatles" es descrito por Allmusic como «una secuela al más alto nivel que mejora al original mediante el desarrollo de un tono propio y la adición de profundidad». En un cambio de lo que hasta entonces había sido la práctica habitual, el álbum fue lanzado a fines de noviembre antes del inminente sencillo «I Want to Hold Your Hand», excluyendo a esta canción con el fin de maximizar las ventas del sencillo homónimo. "With The Beatles" llamó la atención del crítico musical de "The Times" William Mann, que fue tan lejos como para sugerir que Lennon y McCartney eran «los compositores ingleses más destacados de 1963». El periódico publicó una serie de artículos en los que Mann ofreció un análisis detallado de la música de The Beatles, lo cual les otorgó una mayor respetabilidad. "With The Beatles" se convirtió en el segundo álbum en la historia del Reino Unido en vender un millón de copias, una cifra que solo fue alcanzada previamente por la banda sonora de la película estadounidense "South Pacific", de 1958.


title: The Beatles

text: Los lanzamientos de The Beatles en los Estados Unidos inicialmente se retrasaron por casi un año, cuando Capitol Records, filial americana de EMI, se negó a lanzar los sencillos «Please Please Me» y «From Me to You». Las negociaciones con sellos independientes de Estados Unidos llevaron a la publicación de algunos sencillos, pero los problemas de regalías y las burlas hacia el peinado «moptop» de los integrantes plantearon nuevos obstáculos. Una vez que Capitol comenzó a editar el material en Estados Unidos, en lugar de lanzar los LP en su configuración original, compilaron sus distintas grabaciones en diferentes álbumes, y publicaron canciones en sencillos de su preferencia. El éxito definitivo en América llegó cuando se emitió un reportaje sobre la Beatlemanía británica, provocando gran aclamación entre el público norteamericano, lo que llevó a Capitol a lanzar «I Want to Hold Your Hand» en diciembre de 1963. El primer viaje que realizaron a Estados Unidos estaba preparado para unas semanas después.


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text: Cuando abandonaron el Reino Unido el 7 de febrero de 1964, unos cuatro mil aficionados reunidos en Heathrow comenzaron a saludar y gritar cuando la aeronave despegó. «I Want to Hold Your Hand» había vendido 2,6 millones de copias en los Estados Unidos durante las dos semanas anteriores, pero aún sentían cierta incertidumbre sobre el recibimiento que tendrían a su llegada. Al llegar al recién rebautizado Aeropuerto Internacional John F. Kennedy fueron recibidos por otra multitud vociferante, estimada en alrededor de tres mil personas. Su primera aparición estadounidense la llevaron a cabo en el programa "The Ed Sullivan Show" el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por aproximadamente 74 millones de espectadores —casi la mitad de la población del país por entonces—. A la mañana siguiente un periódico escribió que The Beatles «no podían llevar la misma musiquilla cruzando el Atlántico», pero un día después de su presentación debut en Estados Unidos, por primera vez la Beatlemanía se hizo ver en el Washington Coliseum. De vuelta a Nueva York el día siguiente, se presentaron con otra gran acogida en el Carnegie Hall. Después de una semana aparecieron en el "Ed Sullivan Show" por segunda vez, antes de regresar al Reino Unido el 22 de febrero. Durante la semana del 4 de abril habían logrado situar doce de sus canciones en el "Billboard" Hot 100, incluyendo los cinco primeros lugares. Esa misma semana, un tercer LP estadounidense se unió a los otros dos que ya estaban en circulación. Los tres llegaron a los primeros lugares en la lista estadounidense de álbumes. El éxito que habían obtenido en los Estados Unidos provocó la denominada invasión británica: la llegada de una serie de nuevas formaciones musicales británicas que lograron ser populares en Estados Unidos después de la llegada de The Beatles. El peinado del cuarteto, inusualmente largo para ese tiempo, continuó siendo objeto de escarnio de muchos adultos, pero ampliamente adoptado como emblema cultural de la juventud floreciente.


title: The Beatles

text: En junio de 1964 realizaron una gira internacional durante la cual la banda actuó en treinta y dos conciertos en solo diecinueve días. Los lugares de actuación fueron en Dinamarca, Hong Kong, Australia y Nueva Zelanda, y en todos ellos fueron recibidos con gran entusiasmo. Starr se encontró hospitalizado después de una amigdalectomía durante la primera mitad de la gira, y Jimmy Nicol fue el encargado de tocar la batería durante su ausencia. En agosto volvieron a visitar Estados Unidos, con una gira de treinta conciertos en veintitrés ciudades. Generando una aclamación inmensa una vez más, la gira atrajo entre diez y veinte mil aficionados en todos los conciertos. Sin embargo, su música apenas era audible. El sistema de amplificación en ese momento era modesto en comparación a los equipos modernos posteriores, y los pequeños amplificadores Vox que usaban tenían dificultades para competir con el alto volumen del sonido generado por los gritos de los fanáticos. Obligados a aceptar que ni ellos ni su público pudieran escuchar los detalles de sus actuaciones, la banda comenzó a aburrirse cada vez más de la rutina de los conciertos y las giras.


title: The Beatles

text: Al final de la gira de agosto, estando en Nueva York, les presentaron a Bob Dylan por iniciativa del periodista Al Aronowitz. Cuando lo visitaron en su suite del hotel, Dylan los inició en el consumo de cannabis. El historiador musical Jonathan Gould señaló la importancia musical y cultural de esta reunión, ya que los respectivos fanáticos de los músicos eran «percibidos como habitantes de dos mundos culturalmente separados»: el público general de Dylan eran «chicos de la universidad con inclinaciones artísticas o intelectuales, un idealismo político y social naciente, y un estilo ligeramente bohemio» en contraste con la audiencia de The Beatles que eran unos «verdaderos 'adolescentes'—chicos de secundaria o primaria, cuyas vidas estaban totalmente envueltas en la comercializada cultura popular de la televisión, radio, discos de música pop, revistas, y la moda adolescente. Fueron vistos como idólatras, no como idealistas». Seis meses después de la reunión, «Lennon habría de hacer grabaciones en donde imitaría abiertamente el tono nasal de Dylan —de estilo frágil— y su personalidad vocal introspectiva». Al cabo de un año, Dylan «procedería —con la ayuda de un grupo de cinco personas y una guitarra eléctrica Fender Stratocaster— a sacudirse su fama de autor folk auténtico que permanentemente llevaba a sus espaldas»; «se habrán evaporado casi las diferencias entre el público del "folk" y el "rock"»; y la audiencia de The Beatles «mostraría signos de crecimiento intelectual».


title: The Beatles

text: La falta de interés de la compañía discográfica Capitol Records durante 1963 no pasó desapercibida para la competencia, de manera que United Artists Records alentó a su división de cine United Artists a ofrecerles un contrato cinematográfico con la esperanza de poder llegar a un acuerdo discográfico con ellos. Dirigida por Richard Lester, "A Hard Day's Night" los involucró durante un periodo de tres semanas entre marzo y abril de 1964 para el rodaje de la película. El estreno de la película tuvo lugar en Londres y Nueva York en julio y agosto, respectivamente, y fue un éxito internacional. Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las películas más célebres de la historia en su género. Según Allmusic, la banda sonora de la película, "A Hard Day's Night", hizo que se les viese como «una verdadera banda cohesionada. Todas las influencias dispares de sus dos primeros álbumes se habían fundido esta vez de forma brillante, alegre y original, llena de sonidos de guitarras». Este «sonido de guitarra» fue principalmente producto de Harrison y su guitarra eléctrica de 12 cuerdas Rickenbacker.


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text: Su cuarto álbum de estudio, "Beatles for Sale", vio el comienzo de un serio conflicto entre el comercialismo y la creatividad. Grabado entre agosto y octubre de 1964, se tuvo la intención de continuar con el formato establecido en "A Hard Day's Night", que a diferencia de los primeros dos LP, este incluía únicamente composiciones originales de ellos. Reconociendo el desafío que planteaba el dar constantes conciertos por todo el mundo, sus esfuerzos de componer nuevas canciones fueron en vano. Finalmente, fueron incluidas seis versiones en su nuevo álbum de estudio. Lanzado a principios de diciembre, sus ocho canciones originales destacaron por la creciente madurez que mostraba el material producido por la asociación Lennon-McCartney. En abril de 1965, estando Lennon y Harrison cenando por invitación en casa de su dentista, consumieron LSD que este último había añadido en sus cafés. Posteriormente, ambos músicos experimentaron deliberadamente con esta droga, uniéndose a ellos Starr en una ocasión. McCartney se mostró al principio renuente a probarla, pero finalmente lo hizo en 1966, y más tarde se convirtió en el primero en hablar públicamente sobre ello. La controversia surgió en junio de 1965, cuando la Reina Isabel II los designó como miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Los propuso el Primer Ministro Harold Wilson, el que fuera antes miembro del Parlamento por Huyton, distrito de Liverpool. El nombramiento —en ese tiempo concedido fundamentalmente a veteranos de guerra y a líderes civiles— provocó que algunos receptores del MBE protestasen devolviendo la insignia.


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text: El julio de 1965 The Beatles dieron sus dos únicos conciertos en España, en Madrid y Barcelona, como parte de una gira de diez conciertos por toda Europa. No era la primera vez que visitaban España: John y Brian Epstein habían estado de vacaciones en 1963 en Torremolinos., mientras que Paul, George y Ringo optaron por Tenerife. Son famosas las escenas emitidas en el No-Do en el Hotel Gran Meliá Fénix, donde las Bodegas Domecq organizaron una cata de vino de Jerez y los chicos pudieron firmar unos barriles. El concierto de Madrid se realizó en Las Ventas, el 2 de junio de 1965 a las 20:30. La presentación corrió a cargo del ya famoso Torrebruno. Los teloneros fueron un elenco de grupos y cantantes nacionales que llenaron la primera parte del concierto: Los Pekenikes, Beatchics, Freddie Davis, Juan Cano, Michel, The Modern 4, The Rustik' y Trinidad Steel Band (con Phil Trim, que se renombraron luego a los exitosos The Pop Tops). Al día siguiente tocaron en La Monumental de Barcelona.


title: The Beatles

text: La segunda película de The Beatles, "Help!", de nuevo dirigida por Lester, fue estrenada en julio de 1965. Descrita principalmente como «una parodia de las películas de James Bond», el filme fue recibido tibiamente por la crítica y por ellos mismos. McCartney comentó: «"Help!" era estupenda, pero no fue nuestra película, éramos como una especie de estrellas invitadas. Fue divertido, pero básicamente, como idea para una película, estuvo un poco errada». Su banda sonora, el quinto álbum de estudio de la agrupación, contenía material original con solo dos canciones versionadas. Lennon era el cantante y compositor dominante en ella, incluyendo los dos sencillos extraídos del álbum: «Help!» y «Ticket to Ride». En "Help!" se les vio con una mayor utilización de doblajes vocales y la incorporación de instrumentos clásicos en sus arreglos, especialmente el cuarteto de cuerdas de la balada «Yesterday». Compuesta por McCartney, «Yesterday» posee el récord de ser la canción más versionada de la historia de la música. La pista de cierre del LP, «Dizzy Miss Lizzy», se convirtió en el último tema que versionaron e incluyeron en un álbum. Con la excepción del álbum "Let It Be", que contenía la canción popular tradicional de Liverpool «Maggie Mae», todos sus discos posteriores incluyeron sólo material original.


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text: El 15 de agosto, en su tercera visita a Estados Unidos, llevaron a cabo el concierto en el Shea Stadium de Nueva York, ante una multitud de 55 600 personas. Otros nueve conciertos le siguieron en otras ciudades de Estados Unidos, también con gran éxito. Hacia el final de la gira, el 27 de agosto de 1965, visitaron a Elvis Presley en su mansión de Bel-Air. En la sala de Elvis tocaron y discutieron sobre el negocio de la música e intercambiaron anécdotas personales. En septiembre de 1965 se estrenó una serie estadounidense de dibujos animados de The Beatles, transmitida los sábados por la mañana en la televisión que los tenía como protagonistas. La serie se hacía eco del humor de la película "A Hard Day's Night". Los episodios originales, aunque producidos hasta 1967, siguieron apareciendo durante dos años más, hasta 1969.


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text: "Rubber Soul", lanzado a principios de diciembre, fue aclamado por la crítica como un gran paso en la madurez y la complejidad de su música. El biógrafo y crítico musical Ian MacDonald comentó que con "Rubber Soul", The Beatles «recuperaron la dirección que habían comenzado a perder durante las últimas etapas con su trabajo en "Beatles for Sale"». Después de que en "Help!" incursionasen en el mundo de la música clásica con cuerdas y flautas, la introducción en "Rubber Soul" de un sitar en «Norwegian Wood (This Bird Has Flown)» marcó un avance más allá de los límites tradicionales de la música "rock". Además, también demostró que Lennon y McCartney estaban menos complementados en sus composiciones, cada vez más diferentes entre sí (aunque seguían compartiendo crédito oficial). Su alcance temático estuvo en plena expansión, englobando los aspectos más complejos del romance y otro tipo de preocupaciones en sus canciones. Como sus letras se hicieron más ingeniosas, los fanáticos comenzaron a estudiarlas para encontrar su verdadero significado. Se especuló que «Norwegian Wood» podría referirse al cannabis. En 2003, la revista "Rolling Stone" clasificó a "Rubber Soul" en el puesto número 5 de «», y el álbum es descrito por Allmusic como «uno de los discos clásicos en el género musical de "folk rock"». De acuerdo con Lennon y McCartney, sin embargo, este fue «sólo un álbum más». El ingeniero Norman Smith vio claros signos de los crecientes conflictos que tenían durante las sesiones de "Rubber Soul"; Smith dijo más tarde que «el enfrentamiento entre John y Paul se hacía cada vez más evidente» y «en lo que se refiere a Paul, George no podía hacer nada bien».


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text: En junio de 1966 salió a la venta "Yesterday and Today", un álbum creado por Capitol Records para el mercado estadounidense. El disco causó gran impacto por su portada, al retratarlos vestidos de carniceros rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Una popular historia, aunque apócrifa, fue que la foto de la portada habría que entenderla como una respuesta satírica al modo que empleó Capitol en masacrar los álbumes originales del grupo. Ante la controversia y escándalo que la portada de este álbum despertó, decidieron cambiarla por una nueva más convencional. Una copia original sin censura fue subastada en 10 500 dólares en diciembre de 2005. Durante una gira por Filipinas, un mes después de que saliera a la venta "Yesterday and Today", fueron invitados a un desayuno en el Palacio Presidencial por parte de la primera dama del país, Imelda Marcos. Cuando se presentó la invitación, Epstein la rechazó cortésmente en nombre del grupo, ya que nunca había sido su política el aceptar este tipo de invitaciones oficiales. The Beatles se dieron cuenta pronto de que el régimen de Marcos no estaba acostumbrado a tomar un «no» por respuesta. Como resultado de esto, tuvieron que escapar del país a causa de los disturbios que se habían ocasionado.


title: The Beatles

text: Al poco tiempo, a punto de comenzar la tercera gira por Estados Unidos, se encontraron con la reacción furibunda de algunos de los religiosos y conservadores de aquel país, debido a un comentario que Lennon había hecho el marzo pasado: en una entrevista con la periodista británica Maureen Cleave, opinó que la religión cristiana estaba por entonces en franco declive, y que The Beatles eran en ese momento más populares que Jesucristo. El comentario pasó prácticamente desapercibido en Inglaterra, pero cuando la revista "Datebook" la publicó en Estados Unidos, se creó una gran controversia entre los grupos religiosos del sur de Estados Unidos. Al mismo tiempo, ocasionó también que en Sudáfrica el gobierno prohibiera la publicación de grabaciones de The Beatles, acta que se extendió hasta 1971. Epstein criticó públicamente a "Datebook", diciendo que habían interpretado las palabras de Lennon fuera de contexto. Finalmente, Lennon tuvo que disculparse públicamente por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago el 11 de agosto de 1966.


title: The Beatles

text: "Rubber Soul" había marcado un gran paso hacia adelante en la música de The Beatles; "Revolver", lanzado en agosto de 1966, una semana antes de su última gira, marcaría otro paso más para el grupo. Pitchfork lo identifica como «el sonido de una banda que estaba creciendo con suprema confianza en sí misma» y «la redefinición de lo que cabía esperar de la música popular». En "Revolver" se destacan las sofisticadas composiciones y un repertorio muy amplio de estilos musicales, que van desde innovadores arreglos de cuerda clásica hasta el rock psicodélico. Abandonando la típica fotografía que hasta ese momento era norma, la portada del álbum —diseñada por Klaus Voormann, un amigo que conocían desde sus días en Hamburgo— consistió ahora en un «collage artístico en blanco y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo de Aubrey Beardsley». El álbum fue precedido por el sencillo «Paperback Writer», con «Rain» en la cara B del disco. The Beatles rodaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, que están considerados como «auténticos primeros videos musicales de entre los que se rodaron en aquella época», y que fueron transmitidos en los programas "Top of the Pops" y "The Ed Sullivan Show".


title: The Beatles

text: Uno de los temas más experimentales de "Revolver" fue «Tomorrow Never Knows», cuya letra fue inspirada por el libro "", de Timothy Leary. En la creación de la canción se vieron involucradas ocho pletinas distribuidas por el edificio de estudio de grabación, cada una manejada por un ingeniero o un miembro de la banda, que variaba aleatoriamente el movimiento del bucle de una cinta. «Eleanor Rigby», de McCartney, contiene un uso prominente de un octeto de cuerda en la canción; el tema ha sido descrito como «un verdadero híbrido musical, ya que no es reconocible algún estilo o género concreto en la canción». Harrison se estaba desarrollando como compositor, y tres de sus composiciones habían ganado lugar en el álbum. En 2003, "Rolling Stone" situó a "Revolver" como «el tercer mejor álbum de todos los tiempos». En la gira que siguió en Estados Unidos, The Beatles no tocaron ninguna de las canciones del álbum. The Beatles dieron su último concierto en vivo el 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco. Marcó el final de un período de cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 1400 apariciones en conciertos a nivel internacional.


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text: En menos de siete meses, después de grabar "Revolver", volvieron a los estudios de grabación de EMI el 24 de noviembre de 1966 para empezar a grabar su octavo álbum, "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". Emerick recordó: «The Beatles insistieron en que todo en el "Sgt. Pepper" tenía que ser diferente. Teníamos instalados micrófonos dentro de las campanas de los instrumentos de metal, y los auriculares se convirtieron en micrófonos unidos a los violines. Solíamos usar gigantes osciladores primitivos para variar la velocidad del sonido de los instrumentos y la voz, y teníamos cintas cortadas en pedazos y pegadas de nuevo aleatoriamente y al revés». Algunas partes de «A Day in the Life» requirieron una orquesta de cuarenta personas. Cerca de 700 horas de tiempo de estudio se dedicaron a las sesiones. Primero se produjo el sencillo independiente de doble lado A «Strawberry Fields Forever»/«Penny Lane» en febrero de 1967; el "Sgt. Pepper" le siguió en junio. La complejidad de las grabaciones musicales, creadas usando sólo tecnología de grabación a cuatro pistas, asombró a artistas contemporáneos que buscaban superar a The Beatles. Para el líder de The Beach Boys, Brian Wilson, en medio de una crisis personal y dificultades para completar su ambicioso álbum "Smile", el oír «Strawberry Fields» fue un duro golpe y pronto abandonó todos los intentos de competir con The Beatles. El "Sgt. Peppers" recibió la aclamación de la crítica. En 2003, la revista "Rolling Stone" lo situó como el mejor álbum de todos los tiempos, y es ampliamente considerado como una obra maestra. Jonathan Gould lo describe como


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text: "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" es probablemente el álbum más famoso por su portada en la historia de la música popular. Fue uno de los primeros en su género en incluir las letras de las canciones en su funda. Esas letras fueron objeto de intenso análisis; los fanáticos especularon, por ejemplo, que el «célebre Señor K.» en «Being for the Benefit of Mr. Kite!» de hecho podría ser el escritor de ficción surrealista Franz Kafka. El crítico literario norteamericano y profesor de inglés Richard Poirier escribió un ensayo, "Aprender de The Beatles", en el que señalaba que sus estudiantes estaban «escuchando la música del cuarteto con tal grado de compromiso, que él, como maestro de literatura, sólo podía envidiarles». Poirier ha identificado lo que él llamó las «alusiones mixtas» del material musical: «Siempre es poco prudente asumir que solo están haciendo una sola cosa o que se están expresando en un único estilo [...] un solo tipo de sentimiento acerca de un tema no es suficiente [...] tiene que existir a menudo cualquier sentimiento inducido dentro del contexto de las alternativas aparentemente contradictorias». McCartney dijo en ese momento: «Nosotros escribimos canciones. Sabemos lo que queremos decir en ellas. Pero en una semana alguien más dice algo al respecto, y no lo puedes negar [...] Tú pones tu propio significado a tu propio nivel a nuestras canciones». La muy elaborada portada del "Sgt. Pepper's" ocasionó gran interés y un estudio profundo sobre ella. Los bigotes que en esta época llevaban los miembros del grupo se convirtieron rápidamente en un sello distintivo del estilo hippie. El historiador cultural Jonathan Harris describió «el coloreado intenso y paródico de los uniformes militares» usados por The Beatles en el disco como una visualización cómplice en contra de la autoridad y el sistema.


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text: El 25 de junio interpretaron su nuevo sencillo, «All You Need is Love», para los televidentes de todo el mundo a través de "Our World", el primer programa transmitido vía satélite para todo el mundo. Su aparición en medio del Verano del Amor hizo que lo adoptasen como himno del flower power. Dos meses después sufrieron una pérdida que lanzó su carrera al caos. Después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi, viajaron a Bangor (Gales) para retirarse a la meditación trascendental. Durante el retiro, el asistente de Epstein, Peter Brown, llamó para informarles de que Epstein había muerto. El médico forense dictaminó que su muerte fue ocasionada por una sobredosis accidental de anfetaminas, pero también se rumoreó de que se había descubierto una nota de suicidio entre sus posesiones. Epstein se había encontrado en un estado emocional frágil, tanto por cuestiones personales como por el estado de su relación de trabajo con The Beatles. Le preocupaba que no fueran a renovar su contrato de gestión con él, que expiraba en octubre, basado en el descontento que tenían con su supervisión en los asuntos de negocios. Se expresaron dudas concretas sobre Seltaeb, la empresa que manejaba los derechos de comercialización de The Beatles en los Estados Unidos. La muerte de Epstein los dejó desorientados y temerosos por su futuro. Poco después, Lennon dijo: «No tuve ningún concepto erróneo acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa que no fuera tocar música, y tenía miedo». Recapitulando, comprendió que la muerte de Epstein sería el comienzo del fin del grupo: «Sabía que estábamos en apuros [...] Entonces pensé, estamos jodidos a partir de este momento».