title: Hans Holbein el Joven

text: Hans Holbein murió entre el 7 de octubre y el 29 de noviembre de 1543 a los 45 años de edad. Karel van Mander afirmó a principios del siglo XVII que murió por la peste. Wilson considera la teoría con precaución, puesto que los amigos de Holbein acudieron a su lecho de muerte; y Peter Claussen sugiere que murió por una infección. Describiéndose a sí mismo como "servidor de la majestad del rey", Holbein había hecho su testamento el 7 de octubre en su casa de Aldgate. El orfebre Juan de Amberes y unos pocos vecinos alemanes firmaron como testigos. Holbein puede haber tenido cierta prisa, pues no fue testigo del testamento un abogado. El 29 de noviembre, Juan de Amberes, el protagonista de varios retratos de Holbein, legalmente emprendió la administración de los últimos deseos del artista. Presumiblemente pagó las deudas de Holbein, adoptó medidas para el cuidado de los dos hijos del pintor, y vendió y dispersó sus efectos, incluyendo muchos dibujos preliminares que han sobrevivido. El lugar de la tumba de Holbein se desconoce y puede que nunca se marcase.


title: Hans Holbein el Joven

text: Holbein alcanzó una gran fama gracias a sus retratos realistas de personas y grupos, el detallismo de la piel, el pelo, los ropajes y la ornamentación, así como el talento para representar con exactitud cada una de las diferentes texturas, que no disminuían ni iban en detrimento de las características esenciales y de dignidad de sus retratados. Tal fue el realismo de su obra que su influencia sobrepasó los límites de la pintura. La pintura del "Cristo Sepultado" causó gran influencia en el escritor ruso Fëdor Dostoyevsky, tanto así que lo inspiró en su novela "El Idiota".


title: Hans Holbein el Joven

text: Holbein también realizó miniaturas y contribuyó al gran arte renacentista de la pintura sobre vidrio con numerosos dibujos.


title: Edward Hopper

text: Edward Hopper (Nyack, 22 de julio de 1882 - Nueva York, 15 de mayo de 1967) fue un pintor estadounidense, célebre sobre todo por sus retratos de la soledad en la vida estadounidense contemporánea. Se le considera uno de los pintores de la escuela Ashcan, que a través de Arshile Gorky llevó al expresionismo abstracto posterior a la Segunda Guerra Mundial.


title: Edward Hopper

text: Nacido en Nyack, una pequeña ciudad a orillas del río Hudson en una familia burguesa, Hopper entró en 1900 en la "New York School of Art". En ese instituto coincidirá con otros futuros protagonistas del arte estadounidense de principios de los años cincuenta: Guy Pène du Bois, Rockwell Kent, Eugene Speicher y George Bellows.


title: Edward Hopper

text: Sin embargo, los contactos que resultaron fundamentales para su formación y para su desarrollo como pintor son tres de los profesores de la escuela: William Merrit Chase, que lo animó a estudiar y a copiar lo que veía en los museos; Kenneth H. Miller, que lo educó en el gusto por una pintura nítida y limpia, organizada en una composición espacial ordenada y Robert Henri, que contribuyó a liberar el arte de la época del peso de las normas académicas, ofreciendo de ese modo un ejemplo activo al joven Hopper. Tras conseguir su título, Hopper obtuvo su primer trabajo como ilustrador publicitario en la "C. Phillips & Company".


title: Edward Hopper

text: En 1906, viajó a Europa por primera vez. En París, experimentó con un lenguaje formal cercano al de los impresionistas. Después, en 1907, viajó a Londres, Berlín y Bruselas. El estilo personal e inconfundible de Hopper, formado por elecciones expresivas precisas, comenzó a forjarse en 1909, durante una segunda estancia en París de seis meses, llegando también a pintar en Saint-Germain y Fontainebleau.


title: Edward Hopper

text: Su pintura se caracteriza por un peculiar y rebuscado juego entre las luces y las sombras, por la descripción de los interiores, que aprende en Degas y que perfecciona en su tercer y último viaje al extranjero en 1910 a París y a España, y por el tema central de la soledad. Mientras en Europa se consolidaban el "fauvismo", el cubismo y el arte abstracto, Hopper se siente más atraído por Manet, Pissarro, Monet, Sisley, Courbet, Daumier, Toulouse-Lautrec y por un pintor español anterior a todos los mencionados: Goya, cuyas obras ve en el Museo del Prado.


title: Edward Hopper

text: Regresó definitivamente a los Estados Unidos, donde se estableció y permaneció hasta su muerte. En esos momentos Hopper abandona las nostalgias europeas que le habían influido hasta entonces y empieza a elaborar temas en relación con la vida cotidiana estadounidense, modelando y adaptando su estilo a la vida cotidiana. Entre los temas que aborda, abundan sobre todo las representaciones de imágenes urbanas de Nueva York y de los acantilados y playas de la cercana Nueva Inglaterra.


title: Edward Hopper

text: En 1918 se convirtió en uno de los primeros integrantes del Whitney Studio Club, el centro más dinámico para los artistas independientes de la época. Entre 1915 y 1923 abandonó temporalmente la pintura, dedicándose a nuevas formas expresivas como el grabado, usando la punta seca y el aguafuerte, con los que obtuvo numerosos premios y reconocimientos, incluso alguno de la prestigiosa "National Academy".


title: Edward Hopper

text: El éxito conseguido con una exposición de acuarelas (1923) y otra de lienzos (1924) hicieron de Hopper el autor de referencia de los realistas que pintaban "escenas estadounidenses". Como es por ejemplo Habitación en Nueva York. Su evocadora vocación artística evolucionó hacia un fuerte realismo, que resulta ser la síntesis de la visión figurativa unida al sentimiento poético que Hopper percibe en sus objetos.


title: Edward Hopper

text: A través de imágenes urbanas o rurales, inmersas en el silencio, en un espacio real y metafísico a la vez, Hopper consigue proyectar en el espectador un sentimiento de alejamiento del tema y del ambiente en el que está fuertemente inmerso, por medio de una esmerada composición geométrica del lienzo, por un sofisticado juego de luces, frías, cortantes e intencionadamente «artificiales», y por una extraordinaria síntesis de los detalles. La escena aparece casi siempre desierta; en sus cuadros casi nunca encontramos más de una figura humana, y cuando hay más de uno lo que destaca es la alienación de los temas y la imposibilidad de comunicación resultante, que agudiza la soledad. Algunos ejemplos de este tipo de obras son "Nighthawks" o "Despacho en una ciudad pequeña" (1953).


title: Edward Hopper

text: En 1933 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le consagró la primera retrospectiva, y el Whitney Museum la segunda, en 1950.


title: Edward Hopper

text: Para 1923, la lenta subida de Hopper finalmente produjo un gran avance. Se reencontró con Josephine Nivison, artista y exalumna de Robert Henri, durante un viaje de pintura de verano en Gloucester, Massachusetts. Eran opuestos: ella era baja, abierta, gregaria, sociable y liberal, mientras que él era alto, reservado, tímido, callado, introspectivo y conservador. Se casaron un año después. Ella comentó: "A veces hablar con Eddie es como tirar una piedra en un pozo, excepto que no golpea cuando toca el fondo". Ella subordinó su carrera a la de él y compartió su estilo de vida solitario. El resto de sus vidas giraron en torno a su apartamento libre en la ciudad y sus veranos en South Truro en Cape Cod. Ella manejó su carrera y sus entrevistas, fue su modelo principal y su compañera de vida.


title: Edward Hopper

text: Con la ayuda de Nivison, seis de las acuarelas Gloucester de Hopper fueron admitidas en una exhibición en el Museo de Brooklyn en 1923. Una de ellas, The Mansard Roof, fue comprada por el museo para su colección permanente por la suma de 100 dólares. Los críticos generalmente deliraron sobre su trabajo; uno dijo: "¡Qué vitalidad, fuerza y franqueza! Observe lo que se puede hacer con el tema más hogareño". Hopper vendió todas sus acuarelas en una exposición individual al año siguiente y finalmente decidió dejar atrás la ilustración.


title: Edward Hopper

text: El artista había demostrado su habilidad para transferir su atracción por la arquitectura parisina a la arquitectura urbana y rural estadounidense. Según la curadora del Museo de Bellas Artes de Boston, Carol Troyen, "a Hopper realmente le gustó la forma en que estas casas, con sus torres y torres y porches y techos de mansarda y adornos proyectan sombras maravillosas. Siempre dijo que su cosa favorita era pintar la luz del sol al lado de una casa."


title: Edward Hopper

text: A los cuarenta y uno, Hopper recibió más reconocimiento por su trabajo. Continuó albergando amargura por su carrera, luego rechazó apariciones y premios. Con su estabilidad financiera asegurada por ventas constantes, Hopper viviría una vida simple y estable y continuaría creando arte en su estilo personal durante cuatro décadas más.


title: Edward Hopper

text: Su Two on the Aisle (1927) se vendió por un récord personal de 1,500 dólares, lo que le permitió a Hopper comprar un automóvil, que solía hacer excursiones a áreas remotas de Nueva Inglaterra. En 1929, produjo Chop Suey y Railroad Sunset. Al año siguiente, el mecenas de arte Stephen Clark donó House by the Railroad (1925) al Museo de Arte Moderno, la primera pintura al óleo que adquirió para su colección. Hopper pintó su último autorretrato al óleo alrededor de 1930. Aunque Josephine posó para muchas de sus pinturas, se sentó para un solo retrato formal al óleo de su marido; Jo Painting (1936).


title: Edward Hopper

text: A Hopper le fue mejor que a muchos otros artistas durante la Gran Depresión. Su estatura aumentó notablemente en 1931 cuando los principales museos, incluido el Museo Whitney de Arte Estadounidense y el Museo Metropolitano de Arte, pagaron miles de dólares por sus obras. Vendió 30 pinturas ese año, incluidas 13 acuarelas. Al año siguiente participó en el primer Whitney Annual, y continuó exhibiendo en cada anual en el museo por el resto de su vida. En 1933, el Museo de Arte Moderno le dio a Hopper su primera retrospectiva a gran escala.


title: Edward Hopper

text: En 1930, los Hoppers alquilaron una cabaña en South Truro, en Cape Cod. Regresaron todos los veranos por el resto de sus vidas, y construyeron una casa de verano allí en 1934. Desde allí, viajarían en automóvil a otras áreas cuando Hopper necesitaba buscar material fresco para pintar. En los veranos de 1937 y 1938, la pareja pasó largas temporadas en Wagon Wheels Farm en South Royalton, Vermont, donde Hopper pintó una serie de acuarelas a lo largo del Río Blanco. Estas escenas son atípicas entre las obras maduras de Hopper, ya que la mayoría son paisajes "puros", desprovistos de arquitectura o figuras humanas. First Branch of the White River (1938), ahora en el Museo de Bellas Artes de Boston, es el más conocido de los paisajes de Hopper en Vermont.


title: Edward Hopper

text: Hopper fue muy productivo durante la década de 1930 y principios de 1940, produciendo entre muchas obras importantes New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) y Morning in a City (1944). A finales de la década de 1940, sin embargo, sufrió un período de relativa inactividad. Admitió: "Ojalá pudiera pintar más. Me canso de leer e ir al cine". Durante las siguientes dos décadas, su salud vaciló y tuvo varias cirugías de próstata y otros problemas médicos. Pero, en la década de 1950 y principios de la década de 1960, creó varias obras importantes más, incluida la First Row Orchestra (1951); tanto como Morning Sun y Hotel by a Railroad, ambos en 1952; e Intermission en 1963.


title: Edward Hopper

text: Hopper murió en su estudio cerca de Washington Square Park en la ciudad de Nueva York el 15 de mayo de 1967. Fue enterrado dos días más tarde en la parcela de su familia en el Oak Hill Cementery en Nyack, Nueva York, el lugar donde nació. Su mujer falleció diez meses más tarde y fue enterrada junto a él.


title: Edward Hopper

text: Su mujer legó su colección conjunta de más de tres mil obras al Museo Whitney de Arte Estadounidense. Otras obras significativas de Hopper se encuentran en el Museum of Modern Art en Nueva York, el centro de arte Des Moines y el Art Institute of Chicago.


title: Edward Hopper

text: Siempre reticente a la hora de hablar sobre sí mismo y su obra, Hopper simplemente dijo: "La respuesta completa está en el lienzo." Hopper era estoico y fatalista — un hombre silencioso e introvertido con un amable sentido del humor y de conducta franca. Hopper se sentía atraído por un simbolismo emblemático y anti-narrativo, que "pintaba breves momentos de configuración, saturados de sugestión". Sus espacios silenciosos e intranquilos encuentros "nos tocan donde más vulnerables somos", y tienen "una sugestión de melancolía, siendo esa melancolía representada". Su sentido del color le delató como un pintor puro. cuando él "transformaba lo puritano en purista, en sus silenciosos lienzos en los que las manchas y las bendiciones se equilibran". Según el crítico Lloyd Goodrich, él era "un pintor eminentemente nativo, quien más que nadie estaba captando más la calidad de América en sus lienzos".


title: Edward Hopper

text: Conservador en política y asuntos sociales (Hopper afirmó, por ejemplo, que “las vidas de los artistas deberían ser escritas por personas muy cercanas a ellos”) aceptaba las cosas tal y como eran y mostraba una ausencia de idealismo. Culto y sofisticado, fue un hombre bien leído, y muchos de sus cuadros muestran personas leyendo. Él fue por lo general buena compañía y no le perturbaba el silencio, aunque era a menudo taciturno, gruñón o desinteresado. Siempre serio sobre su arte y el ajeno, y cuando le preguntaban respondía francamente.


title: Edward Hopper

text: A pesar de que Hopper reclamó que él no introdujo significados psicológicos en sus pinturas, él estaba profundamente interesado en Freud y el poder del inconsciente. Escribió en 1939, “Tanto de cada obra de arte es la expresión del subconsciente que me parece que la mayoría de las cualidades importantes están colocadas inconscientemente, y pocas de importancia por el intelecto consciente.”


title: Edward Hopper

text: Mayormente conocido por sus pinturas al óleo, Hopper comenzó a ganar reconocimiento por sus acuarelas y además produjo algunos grabados comercialmente exitosos. Adicionalmente, sus cuadernos contienen bocetos a lápiz y bolígrafo de alta calidad, que no fueron hechos para ser vistos por el público.


title: Edward Hopper

text: Hopper prestaba particular atención al diseño geográfico y la cuidadosa localización de figuras humanas en equilibrio con el entorno. Él fue un artista lento y metódico; escribió, “Toma un largo tiempo que una idea llegue. Después tengo que pensar en ella durante largo rato. No comienzo a pintar hasta que lo tengo todo solucionado en mi mente. Está todo bien cuando finalmente me acerco al caballete”. A menudo hacía bocetos previos para elaborar sus cuidadosamente calculadas composiciones. Él y su mujer mantenían un detallado libro con sus obras con notas como “cara triste de mujer apagada” o .


title: Edward Hopper

text: Para “New York Movie” (1939), Hopper demuestra su minuciosa preparación con más de 53 bocetos del interior del teatro y de la figura de la acomodadora pensativa.


title: Edward Hopper

text: Su efectivo uso de la luz y la sombra para crear un estado anímico es central en los métodos de Hopper. La brillante luz solar (como emblema de la introsprección o la revelación), y las sombras que arroja también juegan roles simbólicamente poderosos en las pinturas de Hopper como “Early Sunday Morning” (1930), “Summertime” (1943), “Seven A.M.” (1948) y “Sun in Empty Room” (1963). Su uso de efectos de luz y la sombra se han comparado con la cinematografía del cine noir.


title: Thomas Gainsborough

text: Thomas Gainsborough (Sudbury, bautizado el 14 de mayo de 1727-Londres, 2 de agosto de 1788) fue un pintor de paisajes y retratista inglés.


title: Thomas Gainsborough

text: Fue académico y uno de los fundadores de la Royal Academy of Arts. Es notoria su rivalidad con "sir" Joshua Reynolds, el primer presidente de la Academia.


title: Thomas Gainsborough

text: Thomas Gainsborough nació en Sudbury, Suffolk, un extenso condado al este de Inglaterra. Fue el hijo menor de John Gainsborough, un tejedor y creador de objetos de lana, y la hermana del reverendo Humphry Burroughs. A los trece años de edad impresionó a su padre con sus habilidades con el lápiz de manera que le permitió ir a Londres para estudiar arte en 1740. En Londres primero se formó con el grabador francés Hubert François Gravelot pero al final se relacionó con William Hogarth y su escuela. Más tarde estudió pintura con Francis Hayman, pintor de temas históricos. Ayudó a Hayman en la decoración de los palcos superiores en los Jardines de Vauxhall, y contribuyó a la decoración de lo que hoy es la Fundación Thomas Coram para Niños.


title: Thomas Gainsborough

text: A través de Gravelot, (que había sido discípulo del gran pintor francés Antoine Watteau) recibió la influencia de este y, más adelante, la de artistas de la escuela flamenca y del pintor barroco Anthony van Dyck.


title: Thomas Gainsborough

text: En 1746, Gainsborough se casó con Margaret Burr, hija ilegítima de Henry Scudamore, tercer duque de Beaufort, quien estableció una anualidad de doscientas libras para la pareja. La obra del artista, por entonces formada principalmente por pinturas de paisaje, no se vendía muy bien. Regresó a Sudbury en 1748-1749 y se concentró en la pintura de retratos.


title: Thomas Gainsborough

text: En 1752, él y su familia, que ahora incluía dos hijas, se trasladó a Ipswich. Aumentaron los encargos de retratos personales, pero su clientela estaba formada principalmente por comerciantes y caballeros locales. Tenía que tomar prestado con la anualidad de su esposa como garantía.


title: Thomas Gainsborough

text: Entre 1759 y 1774 vivió en Bath, balneario costero de moda, donde pintó numerosos retratos ("La mujer de azul") y paisajes. En Bath vivió en el número 17 de The Circus. Allí, estudió los retratos de van Dyck y al final fue capaz de atraer a una clientela elegante. En 1761, empezó a enviar trabajos a la exposición de la Society of Arts en Londres (hoy la Real Sociedad para el fomento de las Artes, de la que fue uno de sus primeros miembros); y desde 1769 en adelante, presentó obras a las exposiciones anuales de la Royal Academy. Seleccionó retratos de clientes bien conocidos para llamar la atención. Estas exposiciones le ayudaron a obtener reputación nacional, y fue invitado a convertirse en uno de los miembros fundadores de la Royal Academy en 1769. Su relación con la academia, sin embargo, no fue sencilla y dejó de exponer sus pinturas allí en el año 1773.


title: Thomas Gainsborough

text: En 1774, Gainsborough y su familia se trasladaron a Londres para vivir en Schomberg House, Pall Mall. En 1777, de nuevo empezó a exponer sus pinturas en la Royal Academy, incluyendo retratos de celebridades contemporáneas, como el duque y la duquesa de Cumberland. Continuaron celebrándose exposiciones suyas durante los siguientes seis años.


title: Thomas Gainsborough

text: En 1780, pintó los retratos del rey Jorge III y el de la reina consorte, Carlota Sofía. Después recibió muchos encargos reales. Esto le proporcionó cierta influencia en la Academia y le permitió imponer la forma en el que deseaba que se expusiera su obra. Sin embargo, en 1783, se llevó sus pinturas de la próxima exposición y las llevó a Schomberg House.


title: Thomas Gainsborough

text: En 1784, el pintor real Allan Ramsay murió y el rey se vio obligado a dar el trabajo al rival de Gainsborough y presidente de la Academia, Joshua Reynolds. Gainsborough siguió siendo, no obstante, un pintor favorito de la familia real. Por expreso deseo suyo, fue enterrado en la iglesia de St. Anne, Kew, donde la familia rezaba habitualmente.


title: Thomas Gainsborough

text: En sus últimos años, Gainsborough a menudo pintó paisajes ordinarios, relativamente sencillos. Con Richard Wilson, fue uno de los creadores de la escuela paisajista británica del siglo XVIII.


title: Thomas Gainsborough

text: Fue el pintor favorito de la aristocracia británica y logró una gran fortuna con sus retratos. Murió de cáncer el 2 de agosto de 1788 en Londres, a los sesenta y un años de edad y está enterrado en la iglesia de St. Anne, Kew, Surrey (ubicada en Kew Green). Está enterrado junto a Francis Bauer, el famoso ilustrador botánico. En el año 2011, en proceso estaba una iniciativa para pagar los costes de la restauración de su tumba.


title: Thomas Gainsborough

text: Gainsborough destacó por la rapidez con la que aplicaba su pintura, y trabajó más a partir de sus observaciones de la naturaleza (y la naturaleza humana) que de ninguna aplicación de las reglas académicas. La sensibilidad poética de sus pinturas hicieron que Constable dijera, «Mirándolas, encontramos lágrimas en nuestros ojos y no sabemos qué las provoca». Él mismo dijo, «Estoy harto de retratos, y estoy deseando coger mi "viol-da-gam" y marcharme a alguna dulce aldea, donde pueda pintar paisajes y disfrutas del último tramo de la vida en la tranquilidad y la facilidad». El parecido de sus paisajes se muestra en la forma en que él fundía las figuras de los retratos con las escenas detrás de ellos. Su obra posterior se caracterizó por una paleta ligera y pinceladas económicas y fáciles.


title: Thomas Gainsborough

text: En una de sus técnicas, sumergía una esponja al extremo de una vara en la acuarela para frotarla sobre el papel sin definir ninguna forma. Posteriormente, al terminar la obra, estas manchas tomaban formas reconocibles. Gainsborough las llamaba "sus estropajos".


title: Thomas Gainsborough

text: Sus obras más famosas, como el "Retrato de la señora Graham"; "Mary y Margaret: Las hijas del pintor"; "William Hallett y su esposa Elizabeth, de soltera Stephen", conocida como "El paseo matutino"; y "Muchacha de cottage con perro y jarro", muestran la individualidad única de sus protagonistas.


title: Thomas Gainsborough

text: El único ayudante conocido de Gainsborough' fue su sobrino, Gainsborough Dupont. En su último año de vida colaboró con John Hoppner pintando un retrato de cuerpo entero de Charlotte, condesa de Talbot. Realizó más de 500 obras, de las que 230 son retratos. Se caracterizan por la noble y refinada elegancia de las figuras, el encanto poético y los colores fríos, principalmente verdes y azules, de pincelada suelta, delgada y larga en su trazo.


title: Thomas Gainsborough

text: Sus obras están imbuidas de melancolía poética, efecto logrado a través de una luz muy tenue, clara reminiscencia de los paisajes flamencos del siglo XVII que tanto le influyeron.


title: Thomas Gainsborough

text: Muchas veces ambientó las figuras de sus retratos al aire libre; así el de "El Señor y la Señora Andrews" (c. 1750, National Gallery de Londres, Inglaterra) muestra las figuras en un paisaje y es uno de los primeros ejemplos de la capacidad de Gainsborough para fusionar dos géneros distintos creando una obra armoniosa.


title: Thomas Gainsborough

text: Lo mismo puede decirse del "Retrato de las hermanas Linley" (1772, Dulwich Picture Gallery) en el que los cálidos colores otoñales del bosque se funden con los colores de los vestidos de las hermanas de tal forma que los rostros parecen emerger del escenario que les rodea.


title: Thomas Gainsborough

text: Se ha llegado a afirmar que esta relación entre los seres humanos y la naturaleza deriva de la obra literaria de Henry Mackenzie, que describe al "hombre de sentimientos", y de Jean-Jacques Rousseau, que describía un amor apasionado por la naturaleza y cuyas ideas serían adoptadas y puestas en práctica con fervor por los poetas y pintores románticos. Gainsborough pintó también paisajes sin figuras, sobre todo bosques o campos abiertos y agrestes, entre los que destacan "Bosque de Cornard" (1748), "El abrevadero" (c. 1777), y "La carreta del mercado" (1786), todos ellos en la National Gallery de Londres.


title: Thomas Gainsborough

text: Otros de sus retratos importantes son "Sara Buxton" (1776-1777, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España), "El médico Isaac Henrique Sequeira" (Museo del Prado, Madrid), "La familia Baillie" (1784), La esposa de William St Quintín (1767-1768), "El paseo matinal" (1785-1786) y "La señora Siddons" (1785), estos últimos en la National Gallery londinense. De la señora Siddons también existe un famoso retrato, "La señora Siddons" en su papel de musa trágica (1784) de Joshua Reynolds, retratista contemporáneo de Gainsborough.


title: Thomas Gainsborough

text: Destacan también "Perdita Robinson" (1781, Colección Wallace, Londres), "El honorable Francis Duncombe" (c. 1777, Colección Frick, Nueva York), "La señora Tenant" (1786-1787, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), "La condesa Howe" (Kenwood House, Londres) y hay muchos en colecciones privadas, entre los que se incluye "El joven azul" (c. 1779, Colección Huntington, San Marino, California, Estados Unidos).


title: Thomas Gainsborough

text: También realizó numerosos dibujos y grabados al aguafuerte. El artista trabajó igualmente la litofanía, un sistema de "proyección" de imágenes a través de pantallas de cera recubierta de porcelana a través de la cual se filtraba la luz.


title: Théodore Géricault

text: Jean-Louis André Théodore Géricault, conocido como Théodore Géricault (Ruan, 26 de septiembre de 1791-París, 26 de enero de 1824), fue un pintor francés, una de las principales figuras pioneras de la pintura romántica. Estudió con el pintor académico Pierre-Narcisse Guérin, también maestro de Delacroix. Rechazó el neoclasicismo imperante, estudió a Rubens y comenzó a pintar directamente del modelo, sin dibujos preparatorios. En Italia estudió en 1816-1818 a Miguel Ángel y el barroco. Su comentada "Balsa de la Medusa" combinaba el diseño barroco, el realismo romántico y los sentimientos no controlados. Admiraba a Bonington y a Constable y estuvo en Inglaterra en 1820-1822, exponiendo su Balsa y sus pinturas de caballos. Su carrera, aunque corta, fue muy influyente, especialmente por sus temas modernos, su ejecución libre y la representación del movimiento romántico. El tema del caballo es un tema central de su trabajo, al principio y especialmente al final de su vida. En particular, copió las obras de George Stubbs y Ward, e hizo numerosas litografías de caballos y escenas callejeras de la vida londinense.


title: Théodore Géricault

text: Jean-Louis André Théodore Géricault, nacido en Ruan el 26 de septiembre de 1791 en una familia acomodada, era hijo del abogado Jorge Nicolás Géricault y de su esposa Luisa-Juana-María Caruel. Así, nunca tuvo que pintar por necesidad económica, excepto en sus últimos años debido a varias malas inversiones. No se sabe con certeza la fecha en que la familia Géricault se trasladó a París; sin embargo, está probado que el joven Théodore siguió los estudios de segunda enseñanza en el Liceo Louis-le-Grand de la capital francesa. En 1808, ya había tomado la decisión de consagrarse por entero a la pintura, e ingresó como alumno en el estudio de Carle Vernet (en donde conoce a su hijo Horace y a Pierre-Narcisse Guérin), atraído, probablemente, por las pinturas de caballos de aquel pintor.


title: Théodore Géricault

text: Fue muy precoz, en efecto, la pasión de Géricault por los caballos, los cuales acabarían por convertirse en una de las imágenes más frecuentes y uno de los símbolos más significativos de su arte. En 1810, lo encontramos inscrito entre los discípulos de Pierre Guérni, pintor neoclásico, seguidor de David. Es de suponer que quería someterse a una disciplina más severa que la impuesta por el caprichoso Vernet, y que, consciente de su vocación por una pintura muy alejada de las frías reglas del academicismo, deseaba someter su talento a una especie de prueba. En efecto, sus obras de esos años revelan la autonomía de su inspiración y la originalidad de sus preferencias culturales con respecto a la enseñanza neoclásica: lo demuestra su interés por Rubens; la investigación del amplio campo pictórico de los siglos y (desde Rafael hasta Tiziano y Caravaggio), efectuada por medio de una brillante serie de copias, y asimismo, la copia en el Louvre de diversos relieves de sarcófagos de la antigüedad tardía.


title: Théodore Géricault

text: Su primera gran obra, "Oficial de cazadores a la carga", exhibida en el Salón de París de 1812, revela la influencia del estilo de Rubens y su interés en la representación de un asunto contemporáneo. Este éxito de juventud, ambicioso y monumental, fue seguido de un cambio de dirección: durante los siguientes años Géricault produjo una serie de pequeños estudios de caballos y caballeros. Exhibió el "Coracero herido" en el Salón de 1814, una obra más elaborada y peor recibida. En los siguientes dos años pasó por un estudio autoimpuesto de construcción y composición de figuras, mientras evidenciaba una predilección personal por el drama y la fuerza expresiva.Tras fracasar en el concurso del gran Premio de Roma, decidió viajar a Italia por su cuenta. Quedó muy impresionado ante los pintores del Renacimiento italiano, en especial por Miguel Ángel, así como ante el flamenco Rubens. Este viaje a Florencia y Roma (1816-1817) fue provocado en parte por el deseo de huir del escándalo provocado por una relación romántica con su tía Alexandrine, seis años mayor que él, a quien dejó embarazada. En 1818 nació su hijo Georges-Hyppolyte, declarado al nacer «hijo de Suzanne y padre desconocido». A la muerte del pintor, el niño fue reconocido por el padre del artista Georges-Nicolas.


title: Théodore Géricault

text: Este viaje a Italia hizo nacer su fascinación por Miguel Ángel. La propia Roma le inspiró la preparación de un lienzo monumental, la "Carrera de los caballos Barberi", una obra de composición épica y tema abstracto que prometía ser «totalmente sin paralelo en su época». Al final, Géricault nunca acabó la pintura, y regresó a Francia.


title: Théodore Géricault

text: Por ese tiempo fue contactado por el Coronel Ambrosio Cramer, militar de origen francés que luchaba en la Guerra de la Independencia Argentina. Luego de haber servido con el General San Martín en Chile fue edecán del General Manuel Belgrano en el Ejército del Norte. En París le encargó a Teodoro Gericault las conocidas litografías de ambos patriotas.


title: Théodore Géricault

text: Desde los inicios de su carrera, Géricault demostró cualidades que le distinguen claramente de los pintores neoclásicos de la escuela de Jacques-Louis David: en efecto, prefirió tratar temas de la vida cotidiana, elevándolos a la categoría de hechos heroicos. Mostrando la desesperación y el sufrimiento de la gente, pasa pronto a ser el pintor romántico más representativo, pero por independencia de estilo y carácter poco dócil, Géricault se mantuvo al margen de los grandes encargos oficiales, un género que sí sedujo a Delacroix.


title: Théodore Géricault

text: Géricault realizó entre 1821 y 1824, una serie de pinturas teniendo como modelos a locos o maníacos, pintando del natural una serie de personas que eran tratadas en el asilo del psiquiatra Jean-Étienne Esquirol. A través de esta serie pretendía recabar un repertorio de expresiones de la locura.


title: Théodore Géricault

text: En repetidas ocasiones se cayó de su caballo y se rompió la espalda en agosto de 1823. Queda postrado en cama y los médicos le diagnostican tuberculosis osteoarticular. Géricault pasó sus últimos años postrado en el lecho sin poder acometer pinturas de gran formato, aunque produjo diversas litografías con ayuda del artesano Eugène Lami. Muere el 26 de enero de 1824, tras una larga agonía oficialmente debida a esta caída de su caballo pero más probablemente a una enfermedad venérea, que hizo decir al filósofo y crítico de arte Élie Faure que ""Géricault murió por haber hecho demasiado el amor"". Su figura esculpida en bronce, sujetando la paleta y el pincel, se recuesta sobre una reproducción de la Balsa de la Medusa en bajorrelieve en su tumba en el cementerio de Pere Lachaise, en París.


title: Jan van Goyen

text: Jan Josephszoon van Goyen (Leiden, 13 de enero de 1596-La Haya, 27 de abril de 1656) fue un pintor paisajista neerlandés del Barroco.


title: Jan van Goyen

text: Jan van Goyen era hijo de un zapatero y comenzó como aprendiz en Leiden, la ciudad de su nacimiento. Al igual que muchos pintores neerlandeses de su tiempo, Jan van Goyen estudió arte en la ciudad de Haarlem con el gran pintor Esaias van de Velde.


title: Jan van Goyen

text: Pintó muchos de los canales en La Haya y sus alrededores, así como los pueblos que rodean los campos de Delft, Róterdam, Leiden y Gouda. Otros pintores de paisaje neerlandeses populares de los siglos XVI y XVII fueron Jacob van Ruisdael, Aelbert Cuyp, Hendrick Avercamp, Ludolf Backhuysen, Meindert Hobbema y Aert van der Neer.


title: Jan van Goyen

text: Jan van Goyen fue famoso por su influencia en los pintores paisajistas de su siglo. Su calidad tonal era una característica que muchos imitaban.


title: Jan van Goyen

text: Se han catalogado más de mil obras de su mano, entre ellas: "Paisaje con dos robles" (1641, Rijksmuseum, Ámsterdam, Países Bajos) y "Paisaje invernal con figuras en el hielo" (1643, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid), además de otras tres pertenecientes a la Colección Carmen Thyssen, algunas de ellas expuestas en el precitado museo.


title: Bauhaus (desambiguación)

text: Bauhaus puede referirse a:


title: Lenguas celtas

text: Lenguas celtas o célticas es el nombre por el que se conoce a un grupo de idiomas pertenecientes a la familia indoeuropea, entre los que se incluyen:


title: Lenguas celtas

text: Las lenguas celtas derivan de un conjunto de dialectos del protoindoeuropeo que históricamente ocupan una posición intermedia dentro de la familia indoeuropea, pues hicieron su aparición después de las lenguas anatolias (2000 a. C.), el griego (1400 a. C.), las lenguas índicas (1000 a. C.), las lenguas iranias (700 a. C.) y las lenguas itálicas (600 a. C.), pero antes de las lenguas germanas (siglo I d. C.), las lenguas eslavas (siglo IV), el armenio (siglo V), el tocario (siglo VII), las lenguas bálticas (siglo XV) y el idioma albanés (siglo XVI).


title: Lenguas celtas

text: Sus hablantes eran los pueblos celtas, una serie de tribus y clanes de la Europa Central y Occidental que compartían unas características culturales similares: creencias religiosas, estructura social, estilos artísticos, sistemas de producción, y sobre todo una lengua común, o más bien una serie de dialectos inteligibles entre sí. Utilizaron diversos nombres para denominarse a sí mismos:


title: Lenguas celtas

text: Aunque se encuentran esparcidas diversas alusiones a los celtas en Hecateo de Mileto, Heródoto y Aristóteles, la primera referencia a este pueblo se halla en la "Ora Maritima" de Avieno, procónsul en África en el 336 d. C., quien se basó en un original griego del siglo VI a. C. Los romanos los llamaban "galli" (pronunciado "gal-li").


title: Lenguas celtas

text: Existen varias hipótesis respecto a la aparición de las lenguas celtas, de las cuales varias son mutuamente excluyentes. Estas hipótesis han afectado a la clasificación filogenética de las lenguas celtas: algunos autores clasifican las lenguas célticas insulares como una unidad frente a las lenguas célticas continentales. Otra clasificación propugna la existencia de una relación galo-britónica de un origen más arcaico, frente al goidélico, el idioma celtíbero y el idioma lepóntico.


title: Lenguas celtas

text: El término celta "(keltoi)" es de origen griego; estos pudieron haberlo tomado prestado de íberos o ligures. Los celtas probablemente se llamaban a sí mismos "*gal-", o sea: galos (derivados: gálata).


title: Lenguas celtas

text: No parece posible discernir etnias propiamente celtas entre los primeros grupos de indoeuropeos que penetraron en la Europa central. Sólo hasta el siglo V a. C., con el surgimiento de la cultura de La Tène es razonablemente seguro identificar a los portadores de esa cultura como hablantes de lenguas celtas. Los primeros pobladores indoeuropeos podrían haber sido los portadores de la cultura de los campos de urnas, que se expandieron rápida y extensamente por Europa hacia el siglo XIII a. C. Los miembros de esta cultura se expandieron descendiendo por la margen derecha del Ródano, ocupando Languedoc, Cataluña y el bajo valle del Ebro. Otra línea de expansión les llevó a Bélgica y el sureste británico. A partir del siglo VIII a. C., otros pueblos presuntamente indoeuropeos (tal vez pre-celtas y pre-ilirios) fueron los portadores de la cultura de Hallstatt (Hierro-I), extendiéndose en esta fase por el interior de la península ibérica (s. VII). En el siglo VI a. C., los pueblos presuntamente indoeuropeos fueron desplazados del noreste ibérico a manos de los íberos, quedando así los celtas de Iberia ( Vasco) aislados del resto de pueblos celtas continentales por los íberos al este y los aquitanos al oeste de los Pirineos.


title: Lenguas celtas

text: Desde el siglo IV a. C., los celtas continentales inauguran la cultura de La Tène, específicamente celta (Hierro II). En esta fase, los celtas acabaron de ocupar el norte y centro de Francia (la Galia), así como la mayor parte de las islas británicas. También se extendieron por los Balcanes, alcanzando incluso una comarca de Asia Menor, que será conocida como Galatia. En esta época se construyen importantes villas fortificadas llamadas "oppidum" (en plural, "oppida"), que funcionan como centros comerciales y políticos. Es también en este período cuando el druidismo, descendiente de los antiguos cultos megalíticos de Gran Bretaña e Irlanda, se introduce entre los celtas de las islas, pasando posteriormente al continente.


title: Lenguas celtas

text: A partir de los siglos II y III a. C. algunos autores clásicos ofrecen datos concretos sobre la historia de los pueblos celtas. Los romanos usaron el término "galli" para referirse a varios pueblos celtas, entre los cuales estarían los galos, los gálatas, o regiones como la Galia. Sin embargo, aunque los romanos se refirieran a las tribus por sus nombres individuales ("aedui", "belgae", "helvetti", "boii"...), sí reconocen ciertas características culturales comunes entre estas. La unidad lingüística de estos pueblos es puesta de manifiesto por Tácito al percibir la similitud entre las lenguas britónicas y las galas. San Jerónimo dejó constancia en sus escritos de que la lengua de los gálatas le resultaba parecida al dialecto galo de Tréveris.


title: Lenguas celtas

text: Los pueblos celtas se expandieron entre los siglos VIII y V a. C. desde su núcleo original centroeuropeo hacia otras regiones, ocupando el norte y centro de Francia (la Galia), el valle del Po en el norte de Italia, la península ibérica, así como la mayor parte de las islas británicas. También se extendieron por los Balcanes, alcanzando incluso una comarca de Asia Menor, que será conocida como Galatia.


title: Lenguas celtas

text: En todas estas migraciones su lengua les acompañó allá donde fueran; en el siglo I a. C. se extendían por gran parte de Europa, desde la actual Turquía (Galacia) hasta Portugal. Sin embargo, las lenguas célticas encontraron refugio a la romanización en el extremo noroccidental de Europa, en las islas británicas. A partir del siglo II a. C., los celtas acusan la creciente presión militar de los germanos por el norte y, algo después, la de los romanos por el sur. En pocas décadas «toda la Galia está ocupada», excepto Irlanda. De todas formas, la presencia romana en Gran Bretaña fue también de escasa duración, lo que permitió a las lenguas celtas de esta isla (galés) sobrevivir y, más tarde, regresar al continente (Bretaña francesa). Todavía en el siglo VII, los celtas llevaron a cabo su quizá última expansión: los escotos irlandeses invadieron Caledonia y le cambiaron el nombre por el de Escocia.


title: Lenguas celtas

text: Si bien en la Antigüedad fueron habladas ampliamente en Europa occidental en el primer milenio a. C., las lenguas celtas han experimentado un declive gradual desde los tiempos romanos, bien reemplazadas primero por el latín y luego por las lenguas romances en Francia, Portugal, Italia y España, bien desplazadas y sustituidas por otras ramas como la germana en las islas Británicas y Europa Central o la eslava en los Balcanes, o bien por la disipación e integración del pueblo celta y de sus lenguas dentro de nuevas realidades históricas. A pesar de estos hechos, hubo pequeñas islas lingüísticas que sobrevivieron bastante tiempo a este influjo, hallándose testimonios de gálatas hablantes de lengua celta en el siglo IV d. C.


title: Lenguas celtas

text: Las lenguas celtas mantuvieron mayor vigor en las islas británicas. Allí las lenguas nativas gaélicas y britónicas mantuvieron su hegemonía hasta la Edad Media, siendo la lengua predominante en el Reino de Escocia y en los condados y reinos irlandeses y galeses. Su declive en Gran Bretaña comenzó con las invasiones anglosajonas, quedando reducida su presencia tras la Muralla de Offa a Gales y al Reino de Escocia. Unos siglos más tarde, también empezaron a perder peso y presencia las lenguas célticas en estas regiones y en Irlanda debido principalmente la pérdida de independencia política y cultural, así como por el aislamiento económico, en detrimento del entonces pujante Reino de Inglaterra en el siglo XVI, si bien este proceso se dio de manera lenta y constante desde siglos atrás. La lengua hablada en la isla de Man se vería muy influenciada por aportes nórdicos, fruto de las sucesivas invasiones vikingas.


title: Lenguas celtas

text: El origen del bretón, si bien se podría pensar fácilmente debido a su situación geográfica que es un reducto de la lengua gala hablada en época prerromana en la actual Francia, se remonta a migraciones de británicos (principalmente de las zonas de Cornualles y Gales) en el siglo V d. C. que huían de las invasiones anglosajonas a Gran Bretaña, estableciéndose tras cruzar el canal de la Mancha en la costa de Armórica, la actual Bretaña. Algunos de estos britanos llegaron incluso a la península ibérica, concretamente al norte de la Gallaecia, región histórica que incluía la Galicia actual y buena parte de Asturias y el norte de Portugal, donde fundaron el obispado de Britonia, al frente del cual estaría el célebre obispo Mailoc, mencionado en los concilios galaicos de Lugo y de Braga en el siglo VI de nuestra era.


title: Lenguas celtas

text: Pese a su lento declive, hoy día aún sobrevivien cuatro lenguas de la rama céltica, limitadas a pequeñas regiones de Europa: el irlandés o gaélico irlandés en Irlanda, el gaélico escocés en Escocia (nombre que lleva a la confusión con el también llamado escocés, idioma germánico), el galés en Gales y el bretón en Bretaña. Asimismo, hasta el siglo XVIII en Cornualles se hablaba el idioma córnico, de gran semejanza con el bretón y el galés. Hasta principios del siglo XX en la isla de Man se hablaba el idioma manés. También, fruto de la emigración, hay pequeñas colonias de hablantes de lengua celta en la Patagonia argentina y en algunas partes de Canadá.


title: Lenguas celtas

text: Sin embargo, en mayor o en menor medida pero en la mayoría de los casos muy reducido, generalmente las lenguas posteriormente habladas en regiones de lengua celta mantienen un sustrato céltico en su vocabulario, como pueden ser el español, el francés, el portugués,  el gallego,  el asturiano, el inglés o el alemán.


title: Lenguas celtas

text: Los textos de las lenguas célticas continentales no son abundantes y la mayoría son pequeñas inscripciones, monedas, glosas y nombres. Los textos conservados más antiguos (siglo III a. C. al siglo I d. C.,) están escritos en galo y en celtíbero. El texto más extenso escrito en galo es el Calendario de Coligny (del siglo II d. C.), que contiene 60 palabras escritas en caracteres latinos. Los textos más extensos en celtibérico son los cuatro bronces de Botorrita. En concreto, el bronce III, en escritura celtibérica, es el texto más largo conservado en cualquier lengua celta antigua. Además, se han encontrado numerosas inscripciones en piedra o en bronce, tanto en escritura celtibérica como latina, cuya datación abarca desde el siglo III a. C. hasta el siglo I d. C.. En el norte de Italia han sido encontradas inscripciones anteriores al siglo I en lepóntico, usando una variante del alfabeto etrusco.


title: Lenguas celtas

text: Datada a partir del siglo II, las lenguas célticas insulares disponen de una extensa y variada literatura, siendo de las más antiguas de Europa. Escrita originalmente en monumentos pétreos en escritura ogham en Gales y, principalmente, en Irlanda desde el siglo IV hasta el VI d. C., posteriormente se redactaron manuscritos en irlandés durante la Edad Media, como el "Ciclo de Ulster" o los "Anales de los cuatro maestros".


title: Lenguas celtas

text: Ya en el siglo XX, se destacan dos escritores en irlandés, Michael Hartnett y el premio Nobel Seamus Heaney. También existe desde la Edad Media literatura en bretón, escocés y en galés, en algunos casos manteniéndose viva hasta hoy en día.


title: Lenguas celtas

text: Las lenguas celtas pertenecen a la rama occidental de la familia indoeuropea, y dentro de ésta al grupo de las lenguas centum. Las celtas pueden estar estrachamente emparentadas con las lenguas itálicas según un cierto número de cognados únicos y algunas similitudes morfológicas. Dicha familia más amplia se ha denominado italo-celta. El estudio de las lenguas celtas antiguas se ha basado ocasionalmente en conjeturas debido a la falta de fuentes primarias. La clasificación interna de las lenguas célticas se puede hacer desde dos puntos de vista: geográfico y lingüístico.


title: Lenguas celtas

text: La subdivisión geográfica de estas lenguas nos lleva a clasificarlas en dos grupos:Respecto al ivérnico o paleoirlandés no se tiene clara su filiación britónica o goidélica.


title: Lenguas celtas

text: La división de las lenguas célticas por un criterio lingüístico las separa en dos grupos: lenguas célticas P, o grupo-P, y lenguas célticas Q, o grupo-Q. La diferencia entre unas y otras radica en cómo evolucionó el sonido "*kw", que se transformó en "*p" en algunos y en "*k" en otros.


title: Lenguas celtas

text: Diversos estudios afirman que las lenguas celtas Q derivarían de las primeras oleadas culturales de la cultura de Hallstatt celta de entre los siglos VIII y VI a. C., que se extendieron por el centro y noroeste de Europa hasta la península ibérica. El supuesto idioma común de estos pueblos, que luego se bifurcaría, conservaba muchos de los rasgos del indoeuropeo original, entre ellos la ya mencionada conservación del sonido "*kw". Incluso, se habla de un subgrupo italo-céltico para referirse a estas lenguas, por su supuesta similitud con las lenguas itálicas.


title: Lenguas celtas

text: Asimismo, las lenguas celtas P provendrían de una segunda oleada cultural celta igualmente proveniente de Centroeuropa, pero con unos patrones culturales diferentes marcados por la cultura de La Tène, y que ocuparon Europa Central y occidental desde la isla de Gran Bretaña, a través del norte de Italia, hasta del valle del Danubio y el norte de Anatolia (Turquía). El principal rasgo de estas lenguas, como se dijo ya, consiste en la sustitución del sonido "*kw" por el sonido "*p".


title: Lenguas celtas

text: Esta teoría se apoya, además de las teorías lingüísticas, en el hecho geográfico de que los pueblos que conservaron las lenguas celtas-Q se encuentran en los extremos occidentales de Europa, Irlanda, Escocia y la península ibérica, como si estos hubiesen sido desplazados hacia el oeste por otras migraciones, mientras que las celtas-P ocupan el centro de Europa y del área de la cultura celta.


title: Lenguas celtas

text: En las lenguas pertenecientes a este primer grupo el sonido labiovelar indoeuropeo /*k/ se reduce a /p/. A este grupo pertenecerían las lenguas británicas, el lepóntico, el gálata y la mayor parte del galo.


title: Lenguas celtas

text: En cambio, en las lenguas de este segundo grupo, el sonido /*k/ indoeuropeo se mantuvo durante la época antigua, deslabializándose en /k/ más tardíamente. Dentro de este grupo quedarían englobadas las lenguas goidélicas (irlandés, gaélico escocés y manés) y el celtíbero.


title: Lenguas celtas

text: Por ejemplo, la raíz verbal protocelta "*kwrin-" (‘comprar’) es "pryn-" en galés pero "cren-" en irlandés. Consecuentemente, en este esquema, goidélico es celta-Q y el britónico y galo celta-P.


title: Lenguas celtas

text: En un principio se consideró que las únicas lenguas celtas-Q eran las de la rama goidélica, mientras que las de la rama británica, junto con el galo, constituirían el grupo de lenguas celtas-P. Un ejemplo de esta hipótesis es el de la raíz verbal protocelta "*kwrin-" («comprar»), que es "pryn-" en galés pero "cren-" en irlandés.


title: Lenguas celtas

text: El descubrimiento de que el celtíbero retenía el sonido "*kw" llevó a que este fuese considerado como parte del grupo celta-Q. Sin embargo, al no ser este un lenguaje insular no se le podía considerar goidélico, hecho que llevó a algunos autores a considerar la división celta-P/celta-Q como superficial y explicable en término de contactos externos, y, aunque hay argumentos válidos y convincentes en favor de ambas hipótesis, la hipótesis del sistema insular-continental ha ganado mayor aceptación.


title: Lenguas celtas

text: A favor de la división geográfica se pueden apuntar algunas innovaciones compartidas entre los componentes del grupo continental, tales como preposiciones infleccionadas, el orden de las palabras en una frase, y la nasalización de [m] a [β], fenómeno extremadamente raro.


title: Lenguas celtas

text: No hay sugerencia de que haya habido un ancestro común entre ellos y el Proto Céltico: más bien se considera que la rama celtíbera fue la primera en separarse y que desde ella se habrían originado el galo y el celta insular. Sin embargo, hay diferencias adicionales entre los dos subgrupos que hacen conveniente su retención por lo menos de manera provisional. Por ejemplo, en el grupo goidélico los sonidos *"an, am" se han transformado en una "é" vocal desnalizada y con enlargamiento antes de un fricativo. Por ejemplo, el antiguo irlandés "éc" («muerte»), "écath" («anzuelo»), "dét" («diente»), "cét" («cien») comparado con el galés "angau", "angad", "dant" y "cant".


title: Lenguas celtas

text: No obstante, el debate no está cerrado, pues los proponentes de cada bando disputan la certitud y utilidad de uno y otro esquema. En términos modernos, y dado que el celta continental no tiene descendientes hablados, celta-Q se utiliza como equivalente de goidélico y celta-P de britónico.


title: Lenguas celtas

text: Uno de los rasgos característicos respecto de otras ramas indoeuropeas de las lenguas célticas es la pérdida del fonema /p/; esto es, por ejemplo, que palabras con /p/ en posición inicial o media en latín, griego o sánscrito, pasan a prescindir de ella en las lenguas celtas. Así, "porcus", en latín «cerdo», «puerco», en gaélico es "orc"; "plenus", en latín «lleno», en galés es "llawn" y en bretón "leun"; "platys", en griego «ancho», en galés es "lydan" y en bretón "ledan".


title: Lenguas celtas

text: Como ya se mencionó anteriormente, dentro de la familia celta, en las lenguas goidélicas se conserva el sonido labiovelar indoeuropeo /*k-/ (posteriormente escrito /c/), mientras que en las britónicas se convirtió en /p/ posteriormente a la caída general de la /p/ primitiva del celta antiguo. Por ejemplo, "cuig", en irlandés «cinco», se dice "pump" en galés. Además, también difieren en otros aspectos fonéticos.


title: Lenguas celtas

text: La pronunciación de estas lenguas tiende a ser muy complicada, pues la escritura no suele coincidir con la pronunciación y las consonantes al inicio de las palabras varían según el último fonema de la palabra precedente. De este modo, "fuil", es en irlandés «sangre», y "ar bhfuil" es «nuestra sangre». En galés "tad" es «padre», en tanto "fy nhad" es «mi padre», y "ei thad" y "y dad" son «su padre (de él)» y «su padre (de ella)» respectivamente. El mecanismo de las mutaciones, que en cierto número de casos modifican, en posición inicial, siete de las consonantes del alfabeto, en estas lenguas como se ha explicado parece no haber entrado en uso hasta después del siglo V.


title: Lenguas celtas

text: El vocalismo de las lenguas célticas conserva las vocales cortas indoeuropeas /-i/, /e/, /a/, /o/, /u-/ y las vocales largas /-i:/, /a:/, /u:-/. Sin embargo, la /e:/ del indoeuropeo se transforma en /i:/; así, "verus", en latín «verdad», es en galés y bretón "gwir"; el latín "rex" «rey», era "rix" en galo. Además, la /o:/ del indoeuropeo pasa a /a:/; Latín "cōrnu", «cuerno celta», "cārnos".


title: Lenguas celtas

text: También permanecen las semivocales /w/ y /j/ en el céltico común, conservándose en el galés.


title: Lenguas celtas

text: También desarrolló las sonoras /l/ y /r/ en /li/ y /ri/, y el cambio de la labiovelar /gw/ en /b/. La /m/ al final de palabra se tiende a convertir en /n/ excepto en el galo, lepóntico y celtibérico. Al igual que en otras lenguas indoeuropeas la /s/ tuvo un alófono en /z/.


title: Lenguas celtas

text: Las lenguas célticas tenían en principio los tres casos de género del indoeuropeo, masculino, femenino y neutro, pero el género neutro se pierde a partir del irlandés medio, manteniéndose mínimamente en las lenguas britónicas. Los números son tres: singular, plural y dual.


title: Lenguas celtas

text: Al igual que las demás lenguas indoeuropeas, las célticas forman los nombres a partir de los verbos, en vez de a partir de los participios presentes (como hace el inglés). Otra propiedad de éstas es que las oraciones siempre tienen verbo y que la acción se expresa por medio de la pasiva impersonal.


title: Lenguas celtas

text: El orden de los elementos de la oración varía de una lengua a otra: en las insulares suele ser verbo-sujeto-predicado, si bien en el irlandés antiguo y en el córnico sollía ser sujeto-verbo-predicado; sin embargo en las continentales el orden solía ser sujeto-verbo-predicado. Por ejemplo, en galés "Collodd Sion ddwy bunt" significaría literalmente «perdió Sion dos libras», y "coch mawr" «autobús rojo grande» («un gran autobús rojo»), anteponiendo el nombre a los adjetivos.


title: Lenguas celtas

text: La siguiente tabla muestra los numerales del uno al diez en los grupos celtas más conocidos: Q-celta insular (goidélico), P-celta insular (britónico) y celta continental.


title: Thomas Cole

text: Thomas Cole (Bolton le Moors, Lancashire, Inglaterra, 1 de febrero de 1801-Catskill, Nueva York, 11 de febrero de 1848) fue un pintor estadounidense de origen británico, fundador de la Escuela del río Hudson. Establecido en Nueva York en 1825, empezó a pintar paisajes de la zona del río Hudson, con el objetivo de lograr «un estilo elevado de paisaje» en el que el mensaje moral fuese equivalente al de la pintura de historia. Pintó también temas bíblicos.


title: Thomas Cole

text: Comenzó su carrera artística como xilógrafo. En 1819 emigró a Estados Unidos con sus padres y continuó trabajando como grabador. En 1823 comenzó a estudiar en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en (Filadelfia) y a pintar paisajes. También elaboraba retratos para ganarse la vida.


title: Thomas Cole

text: Dos años después se trasladó a Catskill, en el estado de Nueva York, sobre el río Hudson. Pronto adquirió fama por sus paisajes de tono alegórico y romántico, que están considerados como las primeras pinturas paisajísticas importantes de su país. Se centró en los paisajes de la ribera del río Hudson, así como en las montañas de Catskill y las Montañas Blancas de New Hampshire. Estas obras tuvieron un notable éxito y se vendieron con rapidez en Nueva York, Baltimore y Hartford, gracias también a la ayuda del prominente pintor de historia John Trumbull, quien vio sus cuadros en un escaparate y los recomendó a sus amigos.


title: Thomas Cole

text: Cole tomaba apuntes al aire libre y luego elaboraba sus obras en el taller. Concebía el paisaje como un escenario de contenido simbólico, que expresaba ideas espirituales y filosóficas, en consonancia con el paisajismo de corte romántico que se practicaba por entonces en Europa. En su obra se percibe una concepción trinitaria: arte, religión y naturaleza forman un conjunto estructurado y armónico. Así, aunque algunos de sus paisajes son plenamente naturalistas (como Cascadas de Kaaterskill, 1826), en otros sirven de escenario para desplegar un mensaje de contenido simbólico, como en su serie "El viaje de la vida" (1840), formado por cuatro lienzos que representan la infancia, la juventud, la madurez y la vejez.


title: Thomas Cole

text: Entre 1829 y 1832 y 1841 y 1842 viajó por Europa, donde estudió el arte europeo y recibió la influencia de los pintores ingleses Joseph Mallord William Turner y John Martin. Su mayor estancia fue en Florencia, donde se alojó con Horatio Greenough. Fue en este viaje donde comenzó sus obras de sentido histórico o alegórico, como sus series "El curso del imperio" (1836, New York Historical Society) y "El viaje de la vida" (1840, Munson-William-Proctor Institute, Utica).


title: Thomas Cole

text: Debido a su fama, atrajo a un grupo de paisajistas estadounidenses que luego llegarían a ser conocidos como la Escuela del río Hudson: Asher Brown Durand, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Jasper Francis Cropsey, etc. Esta escuela se dedicó a la exaltación del paisaje americano, al que identificaban como el nuevo Edén, con predilección por una naturaleza salvaje y grandilocuente, a menudo con efectos lumínicos y atmosféricos de carácter dramático. Esta escuela fue la primera de carácter nacional en Estados Unidos y, aunque en sus raíces hay alguna influencia del paisajismo europeo, sus soluciones son modernas y originales, lo que supuso el punto de arranque de la pintura estadounidense autóctona. Su obra influyó también en el llamado luminismo americano.


title: François Clouet

text: François Clouet (Tours, "ca." 1510 -París, 1572) fue un pintor francés del Renacimiento. Aunque se conoce muy poco de su vida y de su obra, se sabe que sucedió a su padre, Jean Clouet, como pintor oficial de la corte.


title: François Clouet

text: Es reconocida su maestría en el uso del lápiz, que heredó de su padre, la cual le sirvió para captar con gran habilidad la carga psicológica de los personajes que retrató.


title: François Clouet

text: Sus trabajos para Francisco I no están documentados antes de los funerales de este último, que estuvieron organizados por el propio Clouet.


title: François Clouet

text: Tan solo firmó tres cuadros, entre los que se cuentan el "Retrato del Boticatio Pierre Quthe" (1562, Louvre, París) y la famosa "Dama en el baño" (Diana de Poitiers; 1571, National Gallery of Art, Washington).


title: François Clouet

text: Sin embargo, realizó los prototipos de diversos retratos oficiales de la corte, como los de Enrique II, Carlos IX o Margarita de Valois.


title: François Clouet

text: Se le atribuyen unos 50 dibujos, pero hay que considerar que, en general, los trabajos artísticos de esa época eran sobre todo el resultado de un trabajo en equipo.


title: François Clouet

text: En el caso de Clouet, su taller estaba particularmente dedicado a la producción de series de retratos, objetos muy a la moda destinados a la aristocracia.


title: Paul Cézanne

text: Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 19 de enero de 1839-Ib., 22 de octubre de 1906) fue un pintor francés posimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna y cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y hasta 1895 expuso solo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores», que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado solo por algunos impresionistas y al final de su vida por la nueva generación.


title: Paul Cézanne

text: Se inscribió en la Academia Suiza (Académie Suisse), una academia privada en la que trabajaba con modelos del natural y en la que no había exámenes ni lecciones, todo ello para preparar el examen de ingreso en la École des Beaux-Arts. En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, lo que marcó profundamente su evolución artística. Cuando rechazaron su candidatura a la École des Beaux-Arts (Escuela de las Bellas Artes), regresó a Aix y aceptó un empleo en el banco de su padre. Sin embargo, en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura, pasándole su padre una pensión de 125 francos. Reanudó su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Camille Pissarro, pintor mayor que él aunque poco reconocido, que vivía con su numerosa familia en una zona rural a las afueras de París. Cézanne se sintió de inmediato atraído por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo al pintor romántico Eugène Delacroix y entre los artistas más jóvenes a Gustave Courbet y a Édouard Manet, que exponían obras de estilo y temas chocantes para sus contemporáneos. La polémica entre el arte oficial y los nuevos pintores llevó a la creación en 1863 del "Salon des Refusés" (Salón de los Rechazados), donde se mostraban obras no aceptadas por el jurado oficial del Salón de París. El Salón oficial, por su parte, rechazó todas las obras que presentó desde 1864 hasta 1869. En 1864 pasó el verano en Aix-en-Provence, el mismo año en que se celebra una muestra de la obra de Delacroix, lo que permite a Cézanne conocer su pintura en profundidad. 1869 es el año en el que conoce a la modelo Marie-Hortense Fiquet. En 1870 el Salón rechazó su "Retrato de Achille Emperaire", por entender que era inaceptable al no respetar la perspectiva ni la corrección anatómica, juzgándolo «en el límite de lo grotesco».


title: Paul Cézanne

text: Cuando estalló la Guerra franco-prusiana en julio de 1870, Cézanne y Hortense dejaron París para ir a L'Estaque, cerca de Marsella, evitando así el alistamiento. Fue declarado prófugo en enero de 1871, pero la guerra acabó en febrero y la pareja pudo volver a París en verano. En enero del año siguiente, 1872, tuvieron a su hijo Paul en París. Se trasladaron entonces a Auvers-sur-Oise, donde vivió en casa del Dr. Gachet. La madre de Cézanne supo de los acontecimientos familiares, pero no su padre, a quien no se le mencionó la existencia de Hortense por miedo de incurrir en su ira. En Auvers profundiza su amistad con Pissarro, que vivía en Pontoise. Inicialmente, era la relación de un maestro con su alumno, con Pissarro ejerciendo una influencia formativa sobre el artista más joven. Durante mucho tiempo después, Cézanne se describió a sí mismo como el alumno de Pissarro, refiriéndose a él como «Dios Padre» y diciendo «"Todos nosotros provenimos de Pissarro"». Bajo la tutela de Pissarro, en el corto periodo comprendido entre 1872 y 1873, Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural. A lo largo de la siguiente década, sus excursiones para pintar paisajes juntos del natural en Louveciennes y Pontoise, llevaron a una relación de trabajo en colaboración entre iguales. Dejando a Hortense en la región de Marsella, Cézanne se movía entre París y Provenza. Gracias a Pissarro conoció al "tío" Tanguy en París en el año 1873. Se trataba de un comerciante de colores que aceptaba cuadros como pago de los materiales que vendía a los pintores. Aunque parecía tener menos dominio de la técnica que los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado dentro del grupo. Expuso en la primera muestra impresionista celebrada en el estudio del fotógrafo Nadar en 1874, se expusieron "Una moderna Olimpia", "Paisaje de Auvers-sur-Oise" y "La casa del ahorcado". Estas obras fueron objeto de burlas, pero la tercera llegó a venderse (ahora en el Museo de Orsay de París).


title: Paul Cézanne

text: En 1875, llamó la atención del coleccionista Victor Chocquet, cuyos encargos le proporcionaron algo de alivio financiero. Pasó el verano de 1876 en L'Estaque, lo que le dio la oportunidad de pintar dos marinas. No intervino en la segunda muestra impresionista, pero sí en la tercera (1877) celebrada en la calle Pelletier, con dieciséis obras, entre las que se podían encontrar acuarelas, bodegones, paisajes, un cuadro de bañistas y un retrato del coleccionista Chocquet. El éxito comercial de los impresionistas era ya limitado de por sí y dentro de este grupo, las obras de Cézanne tuvieron la acogida más desfavorable. Sus pinturas provocaban hilaridad, indignación y sarcasmo. El crítico Louis Leroy dijo del retrato de Chocquet: «"Esta cabeza que parece tan peculiar, con el color de una bota vieja, impresionaría a [una mujer embarazada] y provocaría la fiebre amarilla en el fruto de su vientre antes de su entrada en el mundo"». Cézanne no volvió a exponer con el grupo.


title: Paul Cézanne

text: Cézanne pasó el año 1878 en el Mediodía francés con Hortense y su hijo. En marzo, su padre descubrió el asunto de Hortense y amenazó con romper con él financieramente pero en septiembre decidió subirle la asignación a 400 francos. En 1879-80 pasó parte del invierno en Melun, aprovechando para pintar el paisaje cubierto de nieve. Entre las obras maestras de este periodo está la vista del "Puente de Maincy". En agosto de 1880 marchó a casa de Zola en Médan, a orillas del Sena, donde conoció a Huysmans y aprovechó para pintar al aire libre. Su padre, debido a la vida que llevaba, dejó de enviarle ayuda. En mayo de 1881 conoció a Gauguin en la casa de Pissarro en Pontoise y en octubre regresó a Aix, donde su padre Louis-Auguste le hizo un estudio en Jas de Bouffan. Estaba en la planta superior y se le proporcionó una gran ventana que permitía la entrada de la luz del norte pero interrumpiendo la línea de los aleros, lo cual aún se aprecia. La familia Cézanne fijó definitivamente su residencia en L'Estaque y a partir de entonces solo en raras ocasiones abandonó Provenza. El traslado refleja una nueva independencia respecto a los impresionistas centrados en París y la preferencia del pintor por el sur, su tierra natal.


title: Paul Cézanne

text: En L'Estaque recibió la visita de Renoir (1882), quien quedó impresionado con la belleza del paisaje. Ese año fue la única vez que pudo exponer en el Salón de París, gracias a la intervención de su amigo y artista Antoine Guillemet, "Retrato de Louis-Auguste Cézanne, padre del artista, leyendo L'Événement" (también conocido como "El padre del artista"), 1866 (National Gallery, Washington). Fue escaso el reconocimiento que obtuvo por la crítica oficial. Por entonces, dejó de trabajar en estrecha relación con Pissarro. Había conocido al pintor Monticelli en Marsella en los años 1860 y entre 1878 y 1884 los dos artistas a menudo pintaron paisajes juntos, recorriendo en una ocasión durante un mes el campo de Aix. En 1883 murió Manet, noticia que afectó a Cézanne. En diciembre se reunieron con él Monet y Renoir en L'Estaque.


title: Paul Cézanne

text: El año 1886 fue crucial: se casó con Hortense y, en octubre, murió su padre. Le dejó en herencia la finca que había adquirido en 1859. Cézanne tenía cuarenta y siete años de edad y por fin consiguió la independencia económica, gracias a la gran herencia que recibió, aunque siguió manteniendo el aislamiento social. Es el año de su ruptura con Émile Zola, después de que este le usara, en gran medida, como modelo para el artista fracasado y trágico Claude Lantier, en "La obra". Cézanne sintió que la novela era indecorosa y una traición por parte de su amigo de la infancia, por lo que rompieron su amistad y no volvieron a verse.


title: Paul Cézanne

text: Para el año 1888 la familia estaba en la anterior mansión, Jas de Bouffan, un sólido edificio y terrenos con edificaciones anejas. Actualmente es propiedad de la ciudad, aunque con menos terreno, y está abierta al público de manera limitada. En 1889 muestra "La casa del ahorcado" en la Exposición Universal. Al año siguiente, expone en Bruselas con Los XX, un grupo de pintores muy activos. No obstante, su periodo idílico en Jas de Bouffan fue solo temporal. Desde 1890 hasta su muerte, se sucedieron acontecimientos perturbadores que le hicieron aislarse más, dedicándose en exclusiva a la pintura. Entre 1887 y 1893, solo recibe la visita de unos pocos iniciados, como los marchantes de arte J. Tanguy y Ambroise Vollard.


title: Paul Cézanne

text: Los problemas comenzaron con el comienzo de la diabetes en 1890, desestabilizando su personalidad hasta el punto de que las relaciones con otros quedaron de nuevo afectadas. Viajó a Suiza, con Hortense y su hijo, quizá esperando restaurar su relación. Cézanne, sin embargo, regresó a vivir a Provenza; Hortense y Paul el joven, a París. Las necesidades financieras obligaron a Hortense a volver a Provenza pero en viviendas separadas. Cézanne se trasladó con su madre y su hermana.


title: Paul Cézanne

text: En 1891 volvió al catolicismo, aunque las imágenes religiosas fueron escasas en su obra tardía. Cézanne sostenía que «Cuando juzgo el arte, cojo mi cuadro y lo pongo junto a un objeto obra de Dios como un árbol o una flor. Si desentona, no es arte».


title: Paul Cézanne

text: En 1895 se celebró su primera exposición individual, organizada por Vollard, con 100 lienzos. Este marchante promocionó la obra de Cézanne con gran éxito durante los años siguientes, logrando que subiera su cotización, como se comprueba al ver los precios de las ventas Duret y Tanguy (1894) y la venta Chocquet de 1899.


title: Paul Cézanne

text: En 1897 murió su madre, lo que le permitió reconciliarse con su mujer. Vendió Jas de Bouffan y alquiló un lugar en Rue Boulegon, donde construyó un estudio. También alquiló una habitación en el Château Noir, cerca de Aix, donde se prepara un pequeño estudio. Pasó una temporada en Le Tholonet, en la ladera de la montaña Sainte-Victoire, haciendo de ella objeto de su pintura, lo mismo que la cantera de Bibémus.


title: Paul Cézanne

text: Sus pinturas se hicieron bien conocidas y buscadas y obtuvo el respeto de una nueva generación de pintores. A pesar del creciente reconocimiento público y éxito financiero, Cézanne prefirió trabajar en el aislamiento artístico, normalmente pintando en Provenza. En 1900 tres de sus lienzos se incluyen en la Exposición Universal y trece en una exposición organizada por Paul Cassirer en Berlín, ocasión en la que el poeta Rainer Maria Rilke vio su obra por vez primera. En 1901 expone en el Salón de los Independientes. Ese mismo año, Maurice Denis presenta su "Homenaje a Cézanne", cuadro en el que puede verse a un grupo de artistas (Redon, Vuillard, Bonnard y Denis) alrededor de un bodegón pintado por Cézanne y que había sido propiedad de Gauguin.


title: Paul Cézanne

text: La relación entre Cézanne y su mujer siguió siendo tormentosa. Necesitaba un lugar en el que estar él solo. En 1901 compró algo de tierra a lo largo del "Chemin des Lauves" («Camino de Lauves»), una carretera aislada en la colina de Lauves, y encargó que le hicieran allí un estudio (el "atelier", actualmente abierto al público), en donde aún puede verse el atrezzo de sus obras, tal como las dejó. Desde allí se ve la montaña Sainte-Victoire. Allí pintó hasta su muerte. Mientras tanto, en 1902, hizo un borrador de testamento excluyendo a su esposa de su herencia y dejándoselo todo a su hijo. Aparentemente la relación estaba de nuevo rota; se dice que ella quemó los recuerdos de su madre.


title: Paul Cézanne

text: En 1903 culmina el reconocimiento de su obra, apareciendo en diversas exposiciones. Así, el Salón de Otoño expone 33 lienzos suyos. También se incluyen obras de Cézanne en la Secesión vienesa y en la de Berlín.


title: Paul Cézanne

text: Émile Bernard, que ya en 1892 había dedicado un artículo a Cézanne, estuvo trabajando con él durante todo un mes en 1904. Ese mismo año, el Salón de Otoño le dedicó toda una sala, con 30 cuadros y dos dibujos. En 1905 Vollard presentó las acuarelas de Cézanne. Era ya un pintor de prestigio. Se sucedían exposiciones retrospectivas. Muchos pintores jóvenes viajaron hasta Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo durante los últimos años de su vida. Sin embargo, tanto su estilo como sus teorías continúan siendo misteriosas y crípticas; para unos era un pintor primitivo ingenuo y para otros un complicado maestro en los procedimientos técnicos.


title: Paul Cézanne

text: Un día, Cézanne se vio atrapado por una tormenta mientras trabajaba en el campo. Solo después de haber trabajado durante dos horas bajo el aguacero decidió regresar a casa; pero en el camino se desmayó. Lo llevó a casa un conductor que pasaba por allí. Su ama de llaves le frotó los brazos y las piernas para restaurar la circulación; como resultado, recuperó la consciencia. Al día siguiente, pretendía seguir trabajando, pero más tarde se desmayó; el modelo pidió ayuda; le metieron en la cama, en Lauves de donde no volvió a salir. Murió unos pocos días después, el 22 de octubre de 1906, a causa de una neumonía y fue enterrado en el antiguo cementerio en su amada ciudad natal de Aix-en-Provence.


title: Paul Cézanne

text: Después de su muerte, su estudio en Aix se convirtió en un monumento, "Atelier Paul Cézanne", o "les Lauves".


title: Paul Cézanne

text: Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color. Su afirmación «Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos», subraya su deseo de unir la observación de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica. Ello queda en evidencia igualmente con su pretensión de «"revivir a Poussin del natural"» "(Vivifier Poussin sur nature)".


title: Paul Cézanne

text: Son muy características y fácilmente reconocibles sus pinceladas, a menudo repetitivas, sensibles y exploratorias. Estas pequeñas pinceladas y planos de color se conjugaban para formar campos complejos, expresando al mismo tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de la naturaleza observada.


title: Paul Cézanne

text: Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. La obra de madurez de Cézanne muestra el desarrollo de un estilo de pintura solificado, casi arquitectónico. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal.


title: Paul Cézanne

text: Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a sus esencia geométrica:


title: Paul Cézanne

text: Por ejemplo, un tronco de árbol puede concebirse como un cilindro, una cabeza humana como una esfera. Además, la atención concentrada con la que había registrado sus observaciones de la naturaleza dieron como resultado una profunda exploración de la visión binocular, que resulta de dos percepciones visuales simultáneas y ligeramente diferentes, y nos proporciona una percepción de la profundidad y un conocimiento complejo de las relaciones espaciales. Vemos dos puntos de vista simultáneamente; Cézanne empleó este aspecto de la percepción visual en su pintura en grados diferentes. La observación de este hecho, junto con el deseo de Cézanne de capturar la verdad de su propia percepción, a menudo le llevó a presentar los perfiles de formas para al mismo tiempo intentar mostrar los puntos de vista distintivamente diferentes de tanto el ojo izquierdo como el derecho.


title: Paul Cézanne

text: Se han descrito varios periodos en la vida y obra de Cézanne.


title: Paul Cézanne

text: Se trata de un periodo caracterizado por colores oscuros y un intenso uso del negro, con pigmentos espesos, muy empastado. Su obra difiere grandemente de sus anteriores acuarelas y esbozos de la "École Spéciale de dessin" de Aix-en-Provence en 1859, o de sus obras posteriores. A menudo se usan para estas obras los términos antisocial o violento, o también eróticas o macabras. Su temática es la figura en el paisaje y comprende muchas pinturas de grupos de figuras grandes y pesadas en el paisaje, pintadas imaginativamente. A este periodo pertenecen:Cuando Cézanne marchó a L'Estaque en 1870, cambió sus temas para dedicarse principalmente al paisaje. Al instalarse en 1872, en Auvers (Val-d'Oise), comenzó su estrecha relación de trabajo con Pissarro, quien vivía en la cercana Pontoise. Junto con Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y unos pocos pintores más, Pissarro había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre ("en plein air") de forma rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores puros, sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos. Pretendían atrapar de ese modo los efectos lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza. Bajo la influencia de Pissarro, Cézanne comenzó a abandonar las normas académicas y la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba. Sus lienzos se hicieron mucho más brillantes, con colores claros, eligiendo los colores primarios y sus complementarios, además de forzarle a observar atentamente la realidad. Su tema favorito son paisajes. Trabajó a partir de la observación directa y gradualmente desarrolló un estilo de pintura aéreo y ligero.Cuando Cézanne fijó su residencia definitivamente en Provenza, a principios de los años 1880, se independizó de los impresionistas, centrados en París, y demostró su preferencia por el sur, su país natal y su paisaje. El aislamiento y la concentración, así como la singularidad de su búsqueda, podrían señalarse como los responsables de la increíble evolución que sufrió su estilo durante las décadas de 1880 y 1890. El hermano de Hortense tenía una casa desde la que se veía la montaña Sainte-Victoire en Estaque. Una serie de pinturas de esta montaña de 1880-1883 y otras de Gardanne de 1885-1888, a veces son conocidas como el «Periodo constructivo». De 1888 a 1890 se interesó por la figura humana, pintando una serie de cuadros con personajes de la Comedia del arte, pasando, a partir de 1890, a otra serie sobre "Jugadores de cartas", posiblemente inspirado por la obra sobre el mismo tema de Louis Le Nain.


title: Paul Cézanne

text: En 1895 hizo una visita germinal a las canteras de Bibémus y ascendió la montaña Sainte-Victoire. El paisaje laberíntico de las canteras debieron impresionarle particularmente, pues alquiló una cabaña allí en 1897. Se cree que estas formas inspiraron el estilo cubista en embrión. Cézanne se concentró en unos pocos géneros, en los que era hábil por igual: bodegones, retratos (y autorretratos), paisajes y estudios de bañistas (desnudos en el paisaje). Respecto al último, Cézanne se vio obligado a dibujar a partir de su imaginación, debido a la falta de modelos desnudos disponibles. Como sus paisajes, sus retratos se pintaban a partir de lo que era familiar, de manera que no solo su esposa e hijo, sino también campesinos locales, niños, y su marchante, sirvieron de modelos.


title: Paul Cézanne

text: Cézanne continuó pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, pero fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con solo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas. Más adelante los expertos llegarían a afirmar que Cézanne había descubierto un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. Parecía reintroducir una estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos. El propio Cézanne hablaba de modular el color en lugar de modelar el claroscuro de la pintura tradicional. Con ello se refería a que suplantaba las convenciones artificiales de representación (modelar) por un sistema más expresivo (modular) que se hallaba aún más próximo a la naturaleza o, como decía el propio artista, "paralelo a la naturaleza". Para Cézanne la solución a todos los problemas técnicos del impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus compañeros impresionistas.


title: Paul Cézanne

text: Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar plenamente su objetivo, por lo que dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras. Se lamentaba de su fracaso a la hora de representar la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años revelan unas distorsiones curiosas que parecen dictadas por el rigor del sistema de modulación cromática que él mismo impuso sobre sus propias representaciones. Ejemplo de ello son toda la serie de pinturas dedicadas al tema de los y las bañistas.


title: Paul Cézanne

text: Puede decirse que Cézanne crea el puente entre el impresionismo del siglo XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el cubismo.


title: Paul Cézanne

text: Durante muchos años la obra de Cézanne solo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo, entre los que se incluían Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Esta generación posterior aceptó prácticamente todas las rarezas de Cézanne.


title: Paul Cézanne

text: La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño impactó grandemente la dirección que tomó la vanguardia parisina, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo. Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones aún más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma. Hay una frase, atribuida tanto Matisse como a Picasso, según la cual «'Cézanne es el padre de todos nosotros». Matisse admiraba su utilización del color y Picasso desarrolló la estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista.


title: Paul Cézanne

text: Uno de los cuadros de su serie "Los jugadores de cartas" se convirtió en 2012 en la obra de arte vendida públicamente por más dinero, al comprarla la familia real quatarí por más de 250 millones de dólares.


title: Palacio de Schönbrunn

text: El Palacio de Schönbrunn, también conocido como el "Versalles vienés", es uno de los principales edificios históricos y culturales de Austria, desde el siglo XIX ha sido una de las principales atracciones turísticas de la ciudad de Viena y ha aparecido en postales, documentales y diversos filmes cinematográficos. Dentro de la iglesia hay importantes pinturas del pintor Giambattista Pittoni que muestran la educación de María y San Juan Nepomuceno, durante su época fue el pintor más solicitado por todos los tribunales reales europeos.


title: Palacio de Schönbrunn

text: El palacio, junto con sus jardines, fue nombrado Patrimonio de la Humanidad de la Unesco en 1996.


title: Palacio de Schönbrunn

text: En 1559 el emperador Maximiliano II hizo construir un pequeño palacio de caza que sería destruido completamente en el segundo sitio de Viena (1683). A raíz de ello, el emperador Leopoldo I encarga a Johann Bernhard Fischer von Erlach la construcción de un palacio para su hijo José (futuro José I). El arquitecto presenta un plan cuya realización, de una manera muy reducida a sus pretensiones iniciales, comenzaría en el año 1696 y finalizaría entre los años 1699 y 1701, aunque no existe consenso en este punto. De esta primera construcción sólo queda la Capilla de Palacio ("Schlosskapelle") y la Escalera Azul ("Blaue Stiege") con un fresco de Sebastiano Ricci.


title: Palacio de Schönbrunn

text: Carlos VI no mostró especial interés en Schönbrunn, pero será su hija, María Teresa quien convertiría el palacio en residencia veraniega de los Habsburgo; estatus que conservaría hasta el final de la monarquía en 1918. Durante el gobierno de María Teresa se procede además a una ampliación importante del palacio bajo la batuta de Nikolaus von Pacassi, quien ya había trabajado también para la familia imperial en Hofburg. La mayor parte de la decoración interior tiene su origen en esta época y es una de las pocas muestras existentes del llamado "rococó austríaco"


title: Palacio de Schönbrunn

text: Hacia 1765 Johann Ferdinand Hetzendorf von Hohenberg, asume la dirección de los trabajos de construcción del palacio. Su obra más significativa es la Glorieta que completa ópticamente el gran parque palaciego.


title: Palacio de Schönbrunn

text: Entre 1817 y 1819 Johann Aman lleva a cabo una unificación y simplificación de la fachada siguiendo ya claramente los dictados del clasicismo. De esa época es también el color amarillo tan característico de la fachada, que hasta el siglo XX constituiría una de las "marcas" de la monarquía habsburga, pues todos los edificios oficiales estaban pintados con el mismo color.


title: Palacio de Schönbrunn

text: Se puede llegar hasta el Palacio de Schönbrunn con la línea U4 del Metro de Viena. La parada del Palacio es Schönbrunn y la de su zoo Tiergarten (el más antiguo del mundo) es Hietzing. En Hietzing está también la estación de tranvías.


title: Sandro Botticelli

text: Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli (Florencia, 1 de marzo de 1445- ibídem, 17 de mayo de 1510), fue un pintor del "Quattrocento" italiano. Pertenece, a su vez, a la tercera generación cuatrocentista, encabezada por Lorenzo de Médici el "Magnífico" y Angelo Poliziano. Procuraron la libertad de conducirse humanamente, recogida de la antigüedad clásica. Giorgio Vasari narra, en su "Vita" de Botticelli, desde su infancia hasta su muerte. Esta obra pertenece a "Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori". Menos de cien años después, esta etapa, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerada por Giorgio Vasari como una «edad de oro». Esto se debe al esplendor artístico alcanzado en la Florencia de fines del siglo XV.


title: Sandro Botticelli

text: La reputación póstuma del artista disminuyó notablemente en los siglos siguientes, pero fue recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado exponente máximo de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento. "El nacimiento de Venus" y "La primavera" son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas. Se expusieron por primera vez en la galería de los Uffizi, Florencia, en 1815.


title: Sandro Botticelli

text: Nació en Florencia, en un barrio de trabajadores en el arrabal de Solferino. A esta misma parroquia de Solferino o Todos los Santos pertenecieron los Vespucci, aliados de los Médicis, y de quienes recibiría encargos.


title: Sandro Botticelli

text: Fue el menor de los cuatro hijos del matrimonio formado por Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, de oficio curtidor, y su esposa Smeralda. Cuando nació, su hermano mayor Giovanni tenía 25 años, y se cree que lo adoptó y lo educó. Giovanni tenía el apodo de "Botticello", sin que se sepa si recibió el apodo por su gordura o por gran bebedor; otras fuentes indican que era su hermano Antonio el que tenía este mote. De él deriva el apodo de "Botticelli". En 1458, adquirieron una villa de campo en Careggi, puesto que el negocio de su padre prosperaba. Allí precisamente se instauró la Academia Platónica Florentina. Botticelli recibiría de esta posteriores influencias.


title: Sandro Botticelli

text: La familia entró en contacto con Giovanni di Paolo, para quien Leon Battista Alberti diseñó el palacio Rucellai, el Santo Sepulcro en la capilla Rucellai y la fachada de la iglesia de Santa María Novella. Debido a la importancia de Alberti, Sandro leyó su tratado "De Pictura" (1436) detalladamente. En muchos casos, siguió sus recomendaciones. No se convirtió en aprendiz hasta alcanzar los catorce años de edad, lo que indicaría que recibió una educación más completa que otros artistas del Renacimiento. Según Vasari, fue primero aprendiz de orfebre con su hermano Antonio en 1458. Accediendo a los deseos del niño, el padre lo mandó al taller de Fray Filippo Lippi, en Prato (de 1464 a 1467). De este pintor recibió Botticelli sus mayores influencias: la síntesis entre el nuevo control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos (herencia del estilo del gótico tardío) y un estilo íntimo. Muchas de las primeras obras de Botticelli se han atribuido a su maestro, y aún hoy la autoría sigue siendo incierta. Curiosamente, años después, Botticelli acabó siendo maestro, y teniendo en su taller al hijo de Filippo, Filippino Lippi.


title: Sandro Botticelli

text: En menor medida, resultó influido por la monumentalidad de Masaccio. En 1467 Sandro volvió a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci. De esta época data toda una serie de "Madonnas" influidas por Lippi.


title: Sandro Botticelli

text: Se dice que cayó en la pobreza, y que habría muerto de hambre si no hubiera sido por la diligente ayuda de sus antiguos patrones. Lo cierto es que seguía produciendo obras, si bien en un tono más dramático y con una consciente regresión estilística hacia modelos antiguos, como puede verse en la serie sobre la "Vida de san Cenobio" y la "Natividad mística" (1501), consideradas sus últimas obras.


title: Sandro Botticelli

text: Botticelli creó el tipo "florentino" de mujer. Pero no se conoce amor concreto de Botticelli, ni alusión a excesos sentimentales; tenía «horror al matrimonio». No se casó nunca. Sí parece haber tenido una estrecha relación con Simonetta Vespucci, quien aparece retratada en varias de sus obras y parece que sirvió de inspiración para muchas de las figuras femeninas de los cuadros del artista.


title: Sandro Botticelli

text: Vasari dice que fue un activo "piagnone" (‘llorón’; así eran llamados aquellos que se habían entregado en cuerpo y alma al movimiento purificador de Girolamo Savonarola); sin embargo, pese a lo que dice Vasari, pudo permanecer en Florencia y no le fue confiscado ninguno de sus bienes tras la caída del líder religioso.


title: Sandro Botticelli

text: En 1502 fue anónimamente denunciado de sodomía con uno de sus ayudantes, pero los cargos fueron más tarde desestimados. En 1502-1505 apareció como miembro del comité, con Lorenzo di Credi, que iba a decidir la ubicación del "David" de Miguel Ángel.


title: Sandro Botticelli

text: De 1502 es su famoso escrito relativo a la realización de una especie de periódico conocido como "beceri", de carácter satírico, destinado en su mayor parte a alegrar la lectura de los nobles de la sociedad renacentista. Tal proyecto, sin embargo, quedó en eso, no siendo nunca llevado a término.


title: Sandro Botticelli

text: Murió el 17 de mayo de 1510 y fue sepultado en su parroquia, la iglesia de Ognissanti, en Florencia, para la que había realizado en 1480 una de sus grandes obras, el fresco de "San Agustín". A su muerte, el único heredero verdadero de su arte fue Filippino Lippi, que comparte con él la inquietud presente en sus últimas obras.


title: Sandro Botticelli

text: Para 1470 Botticelli tendría taller propio. Ya entonces su obra se caracteriza por una concepción de la figura como vista en bajorrelieve, pintada con contornos claros, y minimizando los fuertes contrastes de luz y sombra que indicarían formas plenamente modeladas. Para ese mismo año realizó "La Virgen con el Niño y dos ángeles". Es la primera obra de altar que realizó que se conserva. Con esta obra crea una especie de escenario-teatro que muestra el contexto histórico del Renacimiento.


title: Sandro Botticelli

text: Los Médici pronto se dieron cuenta de su talento, y de ellos, recibió numerosos encargos. Pero su cercanía con la familia es anterior. Fue recomendado a Pedro de Cosme de Médici, padre de Lorenzo, por Filippo Lippi. De esta época data el "Retrato de hombre con la medalla de Cosme el Viejo" (1474). Realizó en la casa de los Médici muchas obras para Lorenzo de Médici. En los personajes de la "Adoración de los Magos" (1475), «están retratados Cosme el Viejo, arrodillado ante el Niño, su hijo Pedro de Cosme de Médici abajo en el centro, Juliano de Médici y Lorenzo de Médici en el grupo de la izquierda, a su lado Poliziano y Pico della Mirandola y, en el extremo derecho, mirando al espectador, lo que se considera un autorretrato de Botticelli», según Vasari en su "Vita" de Botticelli. Esta obra, que pintó para la iglesia de Santa María Novella, llamó la atención de los Médicis. Comenzó a trabajar para ellos pintando un estandarte para el torneo de Juliano de Médici (1475), ensalzado por Poliziano en sus "Stanze". Sus contactos repetidos con esta familia fueron sin duda alguna, útiles para garantizarle protección política y crear las condiciones ideales para la producción de sus numerosas obras maestras.


title: Sandro Botticelli

text: Recibió en 1470 un importante encargo: "La fortaleza". Una de las pinturas sobre Virtudes para la Sala del Tribunal de los Mercaderes, para la serie de las Virtudes ejecutadas por Piero Pollaiuolo. Esto indica que para entonces, con unos 30 años de edad, ya debía haber ejecutado obras destacadas. Ese mismo año recibió el encargo de pintar dos pequeñas obras, "Historias de Judit". Esta historia fue una de las más empleadas durante el quattrocento. Giovanni Boccaccio la incluye en su "Historia de las mujeres famosas".


title: Sandro Botticelli

text: En 1472 entró a formar parte de la Compañía de San Lucas, gremio de pintores. En los años siguientes Botticelli se hizo muy famoso, hasta el punto de ser llamado a Pisa para pintar un fresco en su catedral, hoy perdido.


title: Sandro Botticelli

text: Hacia 1474 realizó el "San Sebastián", para decorar una columna de la iglesia florentina de Santa María la Mayor.


title: Sandro Botticelli

text: En 1478 tuvo lugar la conjura de los Pazzi (1478), en la que murió asesinado el hermano de Lorenzo el Magnífico, Juliano de Médici. Sandro pintó al fresco sobre la Puerta de la Aduana los retratos de los conjurados Jacopo, Francesco y Renato de Pazzi y del arzobispo Salviati, ahorcados, fueron borrados en 1494. De esta época datan varios retratos conmemorativos del fallecido Juliano de Médici. Debido a la cercana relación de Lorenzo y Botticelli, este le encargó dos obras de tipo político. Realizó "Palas y el Centauro" para conmemorar el triunfo de la facción Médici sobre la facción Pazzi. Esta pintura es mencionada por Vasari en su vida de Botticelli. Después de estas pinturas políticas Botticelli pasó a Roma para decorar la capilla Sixtina, entonces recién construida. En 1481, el papa Sixto IV llamó a toda una serie de artistas prominentes florentinos y umbríos, entre ellos a Botticelli, para que pintasen frescos en las paredes de la capilla Sixtina.  Según Vasari, Botticelli se encargó de dirigir y coordinar el conjunto de pinturas al fresco de la capilla Sixtina. El programa iconológico era la supremacía del papado. Para realizar la obra, los pintores tuvieron que aceptar unas convenciones representativas comunes a todos, de manera que la obra final resultara homogénea: usaban la misma escala de dimensiones, la misma estructura rítmica y representación paisajística, una sola gama cromática con adornos de oro que hiciera resplandecer las pinturas con la iluminación de las antorchas y las velas. En esta obra común la contribución de Sandro fue moderadamente exitosa, realizando tres recuadros: "Castigo de Core, Datan y Abiram", "Hechos de la vida de Moisés" y "La tentación de Cristo" (1481-1482). Pertenecen a su taller la mayoría de las figuras de pontífices situadas en los nichos. Aunque solo son suyas tres de las historias. Después de su estancia en Roma (1481-1482), Botticelli volvió a Florencia, y continuó con su carrera de pintor cortesano.


title: Sandro Botticelli

text: Tomó afición a la lectura de Dante. «Siendo de mente sofisticada, allí escribió un comentario sobre un pasaje de Dante e ilustró el Infierno que él mismo imprimió, dedicándole mucho tiempo, y esta abstención al trabajo condujo a serios desórdenes en su vida». Así hablaba Vasari del primer Dante impreso (1481) con las decoraciones de Botticelli, no imaginándose que el nuevo arte de la impresión pudiera interesarle a un artista. Botticelli como dibujante ofrece una interpretación personal, que transciende al humanismo.


title: Sandro Botticelli

text: Los cuatro paneles de "La historia de Nastagio degli Onesti" (1483) fueron un encargo de Lorenzo el Magnífico. Estos eran un regalo de boda de Lorenzo para Giannozzo Pucci, con ocasión de su matrimonio con Lucrezia Bini. Narraban la leyenda extraída del "Decamerón" de Giovanni Boccaccio.


title: Sandro Botticelli

text: Entre 1478 y 1486, realiza "Los frescos de la Villa Lemmi". Fueron descubiertos en 1873. Recoge ideas neoplatónicas de Ficino sobre el Amor. A mediados de los años 1480 Botticelli trabajó en un gran ciclo de frescos con Perugino, Ghirlandaio y Filippino Lippi para la villa de Lorenzo el Magnífico cerca de Volterra; además, pintó muchos frescos en iglesias florentinas.


title: Sandro Botticelli

text: En 1491 Botticelli formó parte de un comité para decidir la fachada de la catedral de Florencia.


title: Sandro Botticelli

text: Las últimas obras que hasta ahora se conocen de Botticelli son "Historias de Lucrecia", "Historias de Virginia" y "Vida de San Cenobio" (1500-1504). Las dos primeras estaban, según Giorgio Vasari, destinadas al palacio de Giovanni Vespucci.


title: Sandro Botticelli

text: Basó los temas de sus cuadros alegóricos en el idealismo neoplatonismo de los Médici. Un ejemplo es "La primavera", obra de madurez realizada hacia 1478 para la casa de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, discípulo de Poliziano y Marsilio Ficino, en la ciudad de Florencia. Tiene inspiración clásica. Pero los personajes presentan la reinterpretación propia del pensamiento renacentista.