title: Marilyn Monroe

text: "Let's Make Love" no tuvo éxito tras su lanzamiento en septiembre de 1960. Crowther la describió como «bastante desordenada» y «carente...del viejo dinamismo de Monroe», y Hedda Hopper calificó la película como «la película más vulgar [de Monroe] jamás realizada». Truman Capote presionó para que Monroe interpretara a Holly Golightly en una adaptación cinematográfica de "Breakfast at Tiffany's", pero el papel fue para Audrey Hepburn ya que sus productores temían que ella complicara la producción. Durante este período, la salud y el estado emocional de Monroe se fueron deteriorando notablemente. Por las noches, para combatir su insomnio, llamaba con frecuencia por teléfono al Dr. Ralph Greenson, su psiquiatra y psicoanalista. También visitó a otros médicos cuando él creía que era necesario.


title: Marilyn Monroe

text: La última película que Monroe completó fue "The Misfits", de John Huston, que Miller había escrito para darle un papel dramático. Interpretó a una mujer recientemente divorciada que se hace amiga de tres vaqueros envejecidos, interpretados por Clark Gable, Eli Wallach y Montgomery Clift. El rodaje en el desierto de Nevada entre julio y noviembre de 1960 fue nuevamente difícil. El matrimonio de Monroe y Miller efectivamente terminó, y comenzó una nueva relación con la fotógrafa de plató Inge Morath.  A Monroe le disgustaba que hubiera basado su papel en parte en su vida y lo consideraba inferior a los roles masculinos. También luchó con el hábito de Miller de reescribir escenas la noche antes de la filmación. Su salud también empeoraba: le dolían los cálculos biliares y su adicción a las drogas era tan severa que por lo general tenía que maquillarse mientras aún dormía bajo la influencia de barbitúricos. El estado anímico de Monroe no era bueno: faltaba con frecuencia al rodaje y tenía dificultades para poder concentrarse. En agosto, la filmación se detuvo para que ella pasara una semana en un hospital de desintoxicación. Los periódicos informaron de que la actriz estaba cerca de la muerte, pero no revelaron las causas de su internamiento. Tras su ingreso hospitalario, Monroe regresó a Nevada y terminó de filmar la película. A pesar de sus problemas, Huston declaró que cuando Monroe estaba actuando, «no estaba fingiendo una emoción. Era real. Ella iría a lo más profundo de sí misma, la encontraría y la haría consciente».


title: Marilyn Monroe

text: Monroe y Miller se separaron después de terminar la filmación y ella obtuvo el divorcio mexicano en enero de 1961. "The Misfits" se estrenó el mes siguiente, fracasando en la taquilla. Sus críticas fueron variadas, con "Variety" quejándose del desarrollo de personajes frecuentemente «entrecortado», y Bosley Crowther llamando a Monroe «completamente en blanco e insondable» y afirmando que «desafortunadamente para la estructura de la película, todo gira en su contra». Ha recibido críticas más favorables en el siglo XXI. Geoff Andrew del "British Film Institute" lo ha calificado de clásico, el académico de Huston, Tony Tracy ha descrito la actuación de Monroe como «la interpretación más madura de su carrera», y Geoffrey McNab de "The Independent" la ha elogiado por ser «extraordinaria» al retratar el «poder de empatía» del personaje. Durante los siguientes meses, la adicción de Monroe a los fármacos y al alcohol la llevaron nuevamente al borde de la muerte. Monroe fue la siguiente en protagonizar una adaptación televisiva de "Rain" de W. Somerset Maugham para "NBC", pero el proyecto fracasó porque la cadena no quería contratar a su director elegido, Lee Strasberg. En lugar de trabajar, pasó los primeros seis meses de 1961 preocupada por problemas de salud. Se sometió a una colecistectomía y una cirugía para su endometriosis, y pasó cuatro semanas hospitalizada por depresión. Fue ayudada por su exmarido Joe DiMaggio, con quien reavivó una amistad, y salió con su amigo, Frank Sinatra, por varios meses. Monroe también se mudó permanentemente a California en 1961, comprando una casa en 12305 Fifth Helena Drive en Brentwood, Los Ángeles a principios de 1962.


title: Marilyn Monroe

text: Monroe volvió al ojo público en la primavera de 1962. Recibió un Globo de Oro a la «Película Favorita Mundial» y comenzó a rodar una película para Fox, "Something's Got to Give", una nueva versión de "Mi mujer favorita" (1940). Iba a ser coproducida por MMP, dirigida por George Cukor y coprotagonizada por Dean Martin y Cyd Charisse. Días antes de que comenzara la filmación, Monroe contrajo sinusitis. A pesar del consejo médico de posponer la producción, Fox la inició como estaba previsto a finales de abril.


title: Marilyn Monroe

text: Monroe estuvo demasiado enferma para trabajar durante la mayor parte de las siguientes seis semanas, pero a pesar de las confirmaciones de varios médicos, el estudio la presionó alegando públicamente que estaba fingiendo. El 19 de mayo, se tomó un descanso para cantar «Feliz cumpleaños, Sr. Presidente» en el escenario de la celebración del cumpleaños anticipado del presidente John F. Kennedy en el Madison Square Garden de Nueva York. Llamó la atención con su disfraz: un vestido ceñido de color beige cubierto de pedrería, que la hacía parecer desnuda. El viaje de Monroe a Nueva York causó aún más irritación a los ejecutivos de Fox, que querían que ella lo cancelara.


title: Marilyn Monroe

text: A continuación, Monroe filmó una escena para "Something's Got to Give" en la que nadaba desnuda en una piscina. Para generar publicidad anticipada, se invitó a la prensa a realizar fotografías; estos se publicaron más tarde en "Life". Esta fue la primera vez que una estrella importante posó desnuda en el apogeo de su carrera. Cuando estuvo nuevamente de baja por enfermedad durante varios días, Fox decidió que no podía permitirse que otra película se retrasara cuando ya estaba luchando con los crecientes costos de "Cleopatra" (1963). El 7 de junio, Fox despidió a Monroe y la demandó por $750.000 en daños. Fue reemplazada por Lee Remick, pero después de que Martin se negó a hacer la película con alguien que no fuera Monroe, Fox también lo demandó y cerró la producción. El estudio culpó a Monroe por la desaparición de la película y comenzó a difundir publicidad negativa sobre ella, incluso alegando que tenía un trastorno mental.


title: Marilyn Monroe

text: Fox pronto lamentó su decisión y reabrió las negociaciones con Monroe a finales de junio; un acuerdo sobre un nuevo contrato, que incluye la reanudación de "Something's Got to Give" y un papel protagónico en la comedia negra, "What a Way to Go!" (1964) y la comedia musical "Irma la Douce", se alcanzaron más tarde ese verano. También planeaba protagonizar una película biográfica de Jean Harlow. Para reparar su imagen pública, Monroe participó en varias empresas publicitarias, incluidas entrevistas para "Life" y "Cosmopolitan" y su primera sesión de fotos para "Vogue". Para "Vogue", ella y el fotógrafo Bert Stern colaboraron en dos series de fotografías, una editorial de moda estándar y otra de ella posando desnuda, que se publicaron póstumamente con el título "La Última Sesión".


title: Marilyn Monroe

text: Durante sus últimos meses, Monroe vivió en 12305 Fifth Helena Drive en el vecindario Brentwood de Los Ángeles. Su ama de llaves Eunice Murray estaba pasando la noche en la casa la noche del 4 de agosto de 1962. Murray se despertó a las 3:00 a.m. del 5 de agosto y sintió que algo andaba mal. Vio luz debajo de la puerta del dormitorio de Monroe, pero no pudo obtener una respuesta y encontró la puerta cerrada. Murray luego llamó al psiquiatra de Monroe, Ralph Greenson, quien llegó a la casa poco después e irrumpió en el dormitorio a través de una ventana para encontrar a Monroe muerta en su cama. El médico de Monroe, Hyman Engelberg, llegó alrededor de las 3:50 a.m. y la declaró muerta en el lugar.


title: Marilyn Monroe

text: A las 4:55 de la madrugada, el jefe del Departamento de Policía de Los Ángeles, Jack Clemmons, recibió una llamada inquietante. Su interlocutor era el doctor Greenson, psiquiatra, y el mensaje era claro: la actriz había muerto. Clemmons fue el primero en llegar al lugar y advirtió una serie de incongruencias en los testimonios de los dos médicos y el ama de llaves, que se mostraban muy nerviosos y se habían retrasado sospechosamente en avisar a las autoridades. La escena de la muerte parecía alterada, las sábanas estaban cambiadas y limpias y el cuerpo había sido movido. Clemmons notó que, a esa hora, la señora Murray estaba lavando ropa, lo que le causó gran sorpresa. Las livideces del cadáver no coincidían con la postura antinatural en la que yacía el cuerpo. En principio, tampoco había agua ni jarra ni vaso con que hubiera podido ingerir las pastillas, hecho que el oficial de la Policía hizo notar a los médicos. Más tarde, en la escena aparecería muy oportunamente un vaso con la llegada de otros policías y forenses.


title: Marilyn Monroe

text: Monroe murió entre las 8:30 p.m. y 10:30 p.m. el 4 de agosto y el informe de toxicología mostró que la causa de la muerte fue una intoxicación aguda por barbitúricos. Tenía 8 mg% (miligramos por 100 mililitros de solución) de hidrato de cloral y 4,5 mg% de pentobarbital (Nembutal) en la sangre y 13 mg% de pentobarbital en el hígado. Se encontraron frascos de medicamentos vacíos junto a su cama. Se descartó la posibilidad de que Monroe hubiera tenido una sobredosis accidental porque las dosis encontradas en su cuerpo estaban varias veces por encima del límite letal.


title: Marilyn Monroe

text: El Departamento Forense del Condado de Los Ángeles recibió asistencia en su investigación del Equipo de Prevención del Suicidio de Los Ángeles, que tenía conocimientos especializados sobre el suicidio. Los médicos de Monroe declararon que había sido «propensa a miedos severos y depresiones frecuentes» con «cambios de humor abruptos e impredecibles», y que había tenido sobredosis varias veces en el pasado, posiblemente intencionalmente. Debido a estos hechos y a la falta de cualquier indicio de juego sucio, el forense adjunto Thomas Noguchi clasificó su muerte como probable suicidio. Por falta de pruebas, muchos creen que fue asesinada. Sus médicos, Greenson y Engelberg, le recetaban diversos barbitúricos que pudieron acumularse en su organismo hasta alcanzar niveles peligrosos para la vida. Se cree que Marilyn falleció bastantes horas antes de que se diera aviso a las autoridades y que su habitación había sido manipulada y organizada convenientemente antes de la llamada telefónica. La hipótesis del suicidio distraería la atención sobre la posible responsabilidad de sus médicos personales en la muerte y los salvaría de cualquier imputación penal. La repentina muerte de Monroe fue noticia de primera plana en Estados Unidos y Europa. Según Lois Banner, «se dice que la tasa de suicidios en Los Ángeles se duplicó el mes después de su muerte; la tasa de circulación de la mayoría de los periódicos se expandió ese mes», y el "Chicago Tribune" informó que habían recibido cientos de llamadas telefónicas de miembros del público solicitando información sobre su muerte. El artista francés Jean Cocteau comentó que su muerte «debería servir como una terrible lección para todos aquellos, cuya principal ocupación consiste en espiar y atormentar a las estrellas de cine», su ex coprotagonista Laurence Olivier la consideró «la víctima total de la confusión y la sensación». , y el director de "Bus Stop", Joshua Logan, declaró que ella era «una de las personas menos apreciadas del mundo». Su funeral, celebrado en el cementerio el 8 de agosto, fue privado y asistieron solo sus asociados más cercanos. El servicio fue organizado por Joe DiMaggio, la media hermana de Monroe, Berniece Baker Miracle, y la gerente comercial de Monroe, Inez Melson. Cientos de espectadores llenaron las calles alrededor del cementerio. Posteriormente, Monroe fue sepultado en la Cripta No. 24 en el Corredor de los Recuerdos.


title: Marilyn Monroe

text: En las décadas siguientes, se han introducido varias teorías de conspiración, incluido el asesinato y la sobredosis accidental, para contradecir el suicidio como causa de la muerte de Monroe. La especulación de que Monroe había sido asesinada ganó la atención generalizada por primera vez con la publicación de "Marilyn: A Biography" de Norman Mailer en 1973, y en los años siguientes se generalizó lo suficiente como para que el fiscal de distrito del condado de Los Ángeles, John Van de Kamp, llevara a cabo una «investigación de umbral» en 1982 para ver si debía abrirse una investigación penal. No se encontró evidencia de juego sucio.


title: Marilyn Monroe

text: Eunice Murray, su ama de llaves, quien fue recomendada por el doctor Greenson para trabajar con Marilyn, fue entrevistada veintitrés años después y confirmó que aquella noche no conseguía dormir. Según su versión, se levantó y observó que las luces de la habitación de Monroe estaban encendidas, se encontró con la puerta cerrada con llave por dentro, por lo que tuvo que salir de la casa para observar por la ventana de la habitación a la mujer, desnuda y sin vida sobre la cama. De inmediato, telefoneó al doctor Greenson que llegaría en compañía de Engelberg hacia la medianoche o el inicio de la madrugada. Lo que hicieron los médicos y el ama de llaves horas antes de avisar a la policía se desconoce. Según Greenson, estuvieron tratando de dar aviso primero a la Fox.


title: Marilyn Monroe

text: La década de 1940 fue el apogeo de las actrices que eran percibidas como duras e inteligentes, tales como Katharine Hepburn y Barbara Stanwyck, que habían atraído a un público dominado por mujeres durante los años de la guerra. 20th Century-Fox quería que Monroe fuera una estrella de la nueva década que atrajera hombres a los cines, y la veían como un reemplazo para la ya anciana Betty Grable, su «rubia bomba» más popular de la década de 1940. Según el estudioso del cine Richard Dyer, la imagen de estrella para Monroe fue diseñada principalmente hacía la «mirada masculina». Desde el principio, Monroe jugó un papel importante en la creación de su imagen pública, y hacia el final de su carrera ejerció un control casi total sobre ella. Ideó muchas de sus estrategias publicitarias, cultivó amistades con columnistas de chismes como Sidney Skolsky y Louella Parsons, y controló el uso de sus imágenes. Además de Grable, a menudo se le comparaba con otra rubia icónica, la estrella de cine de los años 30 Jean Harlow. La comparación fue motivada en parte por Monroe, quien nombró a Harlow como su ídola de la infancia, quería interpretarla en una película biográfica e incluso contrató al estilista de Harlow para teñir su cabello.


title: Marilyn Monroe

text: La personalidad de Monroe dentro de la pantalla se centró en su cabello rubio y los estereotipos asociados con él, especialmente la estupidez, la ingenuidad, la disponibilidad sexual y la artificialidad. A menudo hacía una voz entrecortada e infantil en sus películas, y en las entrevistas daba la impresión de que todo lo que decía era «completamente inocente y sin cálculo», parodiándose a sí misma con frases de doble sentido que llegaron a conocerse como «Monroeísmos». Por ejemplo, cuando le preguntaron qué tenía (que ropa llevaba puesta) en una sesión de fotos que se tomo desnuda en 1949, ella respondió: «Tenía la radio encendida». En sus películas, Monroe solía interpretar a «la niña», que se define únicamente por su género. Sus papeles eran casi siempre de coristas, secretarias o modelos; ocupaciones donde «la mujer se exhibe, para el placer de los hombres». Monroe comenzó su carrera como modelo pin-up y se destacó por su figura de reloj de arena. A menudo se le posicionaba de manera específica en escenas de películas para que su silueta curvilínea estuviera en exhibición y, con frecuencia, posaba como una pin-up en fotografías publicitarias. Su distintivo andar con balanceo de caderas también llamó la atención sobre su cuerpo y le valió el sobrenombre de «la chica del andar horizontal». Monroe a menudo vestía de blanco para enfatizar su «rubiosidad» y llamaba la atención con atuendos reveladores que mostraban su figura. Sus trucos publicitarios a menudo giraban en torno a que su ropa fuera sorprendentemente reveladora o incluso teniendo desnudez accidental con malfuncionamientos de vestuario, como cuando un tirante de su vestido se le caía del hombro durante una conferencia de prensa. En historias de la prensa, Monroe fue retratada como la encarnación del sueño americano, una niña que había pasado de una infancia miserable al estrellato de Hollywood. Historias sobre su tiempo con familias adoptivas y en orfelinato fueron exageradas e incluso parcialmente inventadas. El estudioso del cine Thomas Harris escribió que sus raíces de clase trabajadora y la falta de familia la hacían parecer más disponible sexualmente, «la compañera de juegos ideal», en contraste con su contemporánea, Grace Kelly, quien también fue promocionada como una atractiva rubia, pero debido a su origen de clase alta fue vista como una actriz sofisticada, inalcanzable para la mayoría de los espectadores masculinos.


title: Marilyn Monroe

text: Marilyn Monroe tenía varias facetas muy marcadas en su personalidad. Era una mujer que prodigaba una gran feminidad y vulnerabilidad, glamour y seducción muy estudiados, muy consciente de sus dones y sexualmente muy atractiva. En la sociedad de su época, a veces la gente pensaba que era menos inteligente de lo que realmente era; para ella era muy importante lo que opinaban las personas más cercanas. Desarrolló una personalidad neurótica, depresiva y obsesiva que revelaba carencias de afecto en su niñez y primera juventud que afectaban a su trabajo en el plató: llegaba tarde a los rodajes, manifestaba ataques de pánico o bien, conductas impulsivas súbitas.


title: Marilyn Monroe

text: Aunque la personalidad de Monroe en la pantalla como una rubia tonta pero sexualmente atractiva era un acto cuidadosamente elaborado; el público y los críticos de cine creían que era su verdadera personalidad. Esto se convirtió en un obstáculo cuando quería desempeñar otro tipo de roles o ser respetada como empresaria. La académica Sarah Churchwell estudió narrativas sobre Monroe y ha declarado:El mayor mito es que ella era tonta. La segunda es que era frágil. La tercera es que no pudo actuar. Ella estaba lejos de ser tonta, aunque no tenía una educación formal, y era muy sensible al respecto. Pero en verdad era muy inteligente—y muy dura. Tenía que ser ambas cosas para vencer al sistema de estudios de Hollywood en la década de 1950.[...] La rubia tonta era un papel—¡era actriz, por el amor de Dios! Una actriz tan buena que ahora nadie cree que ella fuera otra cosa que lo que retrató en la pantalla.La biógrafa Lois Banner escribe que Monroe a menudo parodiaba sutilmente su condición de símbolo sexual en sus películas y apariciones públicas, y que «el personaje de 'Marilyn Monroe' que creó era un arquetipo brillante, que se interpone entre Mae West y Madonna en la tradición de Estafadores de género del siglo XX». La propia Monroe declaró que West influyó en ella, aprendiendo «algunos trucos de ella: esa impresión de reírse o burlarse de su propia sexualidadl». Estudió comedia en clases impartidas por la mimo y bailarina Lotte Goslar, famosa por sus cómicas representaciones teatrales, y Goslar también la instruyó en escenarios de filmación. En "Gentlemen Prefer Blondes", una de las películas en las que interpretó a una rubia tonta arquetípica, Monroe tenía la frase «Puedo ser inteligente cuando es importante, pero a la mayoría de los hombres no les gusta» agregada a las líneas de su personaje. Según Dyer, Monroe se convirtió en «virtualmente un nombre familiar para el sexo» en la década de 1950 y «su imagen debe situarse en el flujo de ideas sobre la moralidad y la sexualidad que caracterizaron la década de los cincuenta en Estados Unidos», como las ideas freudianas sobre el sexo, el Informe Kinsey (1953) y "The Feminine Mystique" (1963) de Betty Friedan. Al parecer vulnerable e inconsciente de su atractivo sexual, Monroe fue el primer símbolo sexual en presentar el sexo como algo natural y sin peligro, en contraste con las "femme fatales" de la década de 1940. Spoto también la describe como la encarnación del «ideal de pos-guerra de la chica americana, suave, transparentemente necesitada, adoradora de los hombres, ingenua, ofreciendo sexo sin exigencias», que se repite en la afirmación de Molly Haskell de que «ella era la ficción de los años cincuenta, la mentira de que una mujer no tenía necesidades sexuales, que ella estaba allí para satisfacer o mejorar las necesidades de un hombre». Norman Mailer, contemporáneo de Monroe, escribió que «Marilyn sugirió que el sexo podría ser difícil y peligroso con los demás, pero helado con ella», mientras que Groucho Marx la caracterizó como «Mae West, Theda Bara y Bo Peep, todo en uno». Según Haskell, debido a su condición de símbolo sexual, Monroe era menos popular entre las mujeres que entre los hombres, ya que «no podían identificarse con ella y no la apoyaban», aunque esto cambiaría después de su muerte.


title: Marilyn Monroe

text: Dyer también ha argumentado que el cabello rubio de Monroe se convirtió en su característica definitoria porque la hizo «racialmente inequívoca» y exclusivamente blanca justo cuando comenzaba el movimiento de derechos civiles, y que debería ser vista como emblemática del racismo en la cultura popular del siglo XX. Banner estuvo de acuerdo en que puede no ser una coincidencia que Monroe lanzara una tendencia de actrices rubias platino durante el movimiento por los derechos civiles, pero también ha criticado a Dyer, señalando que en su vida privada altamente publicitada, Monroe se asoció con personas que eran vistas como «etnias blancas», como Joe DiMaggio (italoamericano) y Arthur Miller (judío). Según Banner, a veces desafió las normas raciales predominantes en sus fotografías publicitarias; por ejemplo, en una imagen presentada en "Look" en 1951, se la mostró con ropa reveladora mientras practicaba con el entrenador de canto afroamericano, Phil Moore. Monroe fue percibida como una estrella específicamente estadounidense, «una institución nacional tan conocida como los hot dogs, la tarta de manzana o el béisbol» según "Photoplay". Banner la llama el símbolo del populuxe, una estrella cuya imagen pública alegre y glamorosa «ayudó a la nación a lidiar con su paranoia en la década de 1950 sobre la Guerra Fría, la bomba atómica y la Unión Soviética comunista totalitaria». La historiadora Fiona Handyside escribe que el público femenino francés asoció la blancura/rubia con la modernidad y la limpieza estadounidenses, por lo que Monroe llegó a simbolizar una mujer moderna y «liberada» cuya vida transcurre en la esfera pública. La historiadora de cine Laura Mulvey ha escrito sobre ella como un respaldo a la cultura de consumo estadounidense:Si Estados Unidos exportara la democracia del glamour a la Europa empobrecida de la posguerra, las películas podrían ser su escaparate...Marilyn Monroe, con todos sus atributos estadounidenses y su sexualidad aerodinámica, llegó a personificar en una sola imagen esta compleja interfaz de lo económico, lo político y lo erótico. A mediados de la década de 1950, representaba una marca de glamour sin clases, disponible para cualquiera que usara cosméticos, medias de nailon y peróxido estadounidenses.


title: Marilyn Monroe

text: Twentieth Century-Fox se benefició aún más de la popularidad de Monroe al cultivar varias actrices parecidas, como Jayne Mansfield y Sheree North. Otros estudios también intentaron crear sus propios Monroes: Universal Pictures con Mamie Van Doren, Columbia Pictures con Kim Novak, y The Rank Organization con Diana Dors.


title: Marilyn Monroe

text: Según "The Guide to United States Popular Culture", «como ícono de la cultura popular estadounidense, los pocos rivales en popularidad de Monroe incluyen a Elvis Presley y Mickey Mouse...ninguna otra estrella ha inspirado una gama tan amplia de emociones—desde la lujuria hasta la piedad, desde la envidia hasta el remordimiento». La historiadora del arte Gail Levin declaró que Monroe pudo haber sido «la persona más fotografiada del siglo XX», y The American Film Institute la nombró la en la historia del cine estadounidense. El Instituto Smithsoniano la ha incluido en su lista de los «100 estadounidenses más importantes de todos los tiempos», y tanto "Variety" como VH1 la han colocado entre los diez primeros en su ranking de los mayores íconos de la cultura popular del siglo XX. Se han escrito cientos de libros sobre Monroe. Ha sido objeto de películas, obras de teatro, óperas y canciones, y ha influido en artistas y animadores como Andy Warhol y Madonna. Ella también sigue siendo una marca valiosa: su imagen y nombre han sido autorizados para cientos de productos, y ha aparecido en la publicidad de marcas como Max Factor, Chanel, Mercedes-Benz y Absolut Vodka.


title: Marilyn Monroe

text: La popularidad duradera de Monroe está vinculada a su imagen pública conflictiva. Por un lado, sigue siendo un símbolo sexual, un icono de la belleza y una de las estrellas más famosas del Cine clásico de Hollywood. Por otro, también es recordada por su convulsa vida privada, su inestable infancia, la lucha por el respeto profesional, así como su muerte y las teorías conspirativas que la rodearon. Ha sido escrita por académicos y periodistas interesados en el género y el feminismo; estos escritores incluyen Gloria Steinem, Jacqueline Rose, Molly Haskell, Sarah Churchwell, y Lois Banner. Algunos, como Steinem, la han visto como una víctima del sistema de estudio. Otros, como Haskell, Rose, y Churchwell, han enfatizado en cambio el papel proactivo de Monroe en su carrera y su participación en la creación de su personalidad pública. Debido al contraste entre su estrellato y su convulsa vida privada, Monroe está estrechamente vinculada a discusiones más amplias sobre fenómenos modernos como los medios de comunicación, la fama y la cultura de consumo. Según la académica Susanne Hamscha, Monroe ha continuado siendo relevante para las discusiones en curso sobre sociedad moderna, y ella «nunca está completamente sinterizada en un tiempo o lugar» sino que se ha convertido en «una superficie sobre la cual las narrativas de la cultura estadounidense pueden (re) construirse», y «funciona como un tipo cultural que puede ser reproducido, transformado, traducido a nuevos contextos y representado por otras personas». De manera similar, Banner ha llamado a Monroe el «cambiaformas eterno» que es recreado por «cada generación, incluso cada individuo...según sus propias especificaciones».


title: Marilyn Monroe

text: Monroe sigue siendo un ícono cultural, pero los críticos están divididos sobre su legado como actriz. David Thomson calificó su trabajo como «insustancial» y Pauline Kael escribió que no podía actuar, sino que «usó su falta de habilidades de actriz para divertir al público. Tenía el ingenio, la grosería o la desesperación de convertir la tarta de queso en actuación—y viceversa; ella hizo lo que otros tenían el 'buen gusto' de no hacer». En contraste, Peter Bradshaw escribió que Monroe era una comediante talentosa que «comprendió cómo la comedia logró sus efectos», y Roger Ebert escribió que «las excentricidades y neurosis de Monroe en los sets se hicieron notorias, pero los estudios la aguantaron mucho después de que cualquier otra actriz hubiera sido excluida porque lo que volvieron a mostrar en la pantalla fue mágico». De manera similar, Jonathan Rosenbaum afirmó que «ella subvirtió sutilmente el contenido sexista de su material» y que «la dificultad que tienen algunas personas para discernir la inteligencia de Monroe como actriz parece estar enraizada en la ideología de una era regresiva, cuando se suponía que las mujeres súper femeninas no debían ser inteligentes».


title: Marilyn Monroe

text: Monroe ha sido representada por numerosos artistas plásticos


title: Marilyn Monroe

text: Principales proyectos de la carrera de Monroe:


title: Marilyn Monroe

text: Aunque tenía una gran carrera comenzada desde 1945 ha 1962, Monroe solo recibió 15 nominaciones desde 1951. Su primer premio fue un Premio Henrietta; una categoría discontinuada de los Premios Globo de Oro; como Mejor personalidad joven de taquilla. Posteriormente desde 1952 a 1954 recibió solo premios de revistas como "Photoplay" y "Look", exceptuando por 1953 donde volvió a ganar el premio Henrietta esta vez en la categoría de Película mundial favorita: mujer. Su primera nominación en los premio BAFTA fue en 1956 por "The Seven Year Itch" como Mejor actriz extranjera; dos años después volvió a ser nominada por última vez por el proyecto "The Prince and the Showgirl" en la misma categoría. Seguidamente en 1956 recibió su primera nominación en los premios principales de los Globo de Oro por "Bus Stop" en la categoría de ; ganando el premio en la misma categoría en 1960 por "Some Like It Hot". En 1958 ganó el premio David de Donatello como Mejor actriz extranjera, misma categoría por la que ganó el Premio Crystal Star en 1959; año en donde quedó en cuarto lugar en los Premio Laurel como Mejor actuación de comedia femenina. En 1960, quedó en segundo lugar en el premio Laurel por "Some Like It Hot" en la misma categoría. Su último premio antes de morir fue el Premio Henrietta en la categoría de Película mundial favorita: mujer. En 1999, el American Film Institute clasificó a Monroe en sexto lugar en su . «Diamonds Are a Girl's Best Friend» también ocupó el puesto 12 en la lista de las . Desde 1960, Monroe ha tenido una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.


title: Jim Morrison

text: James Douglas "Jim" Morrison (Melbourne, Florida; 8 de diciembre de 1943-París, Francia; 3 de julio de 1971) fue un cantautor y poeta estadounidense, célebre por ser el vocalista de la mítica banda de "rock" The Doors. Debido a sus canciones, personalidad y actuaciones, es considerado por críticos y admiradores como uno de los cantantes más representativos e influyentes de la historia del "rock", y, debido a las circunstancias dramáticas que rodean su vida y muerte, en la última parte del siglo XX, fue uno de los iconos de rebeldía en la cultura popular, representando la brecha generacional y la contracultura juvenil.


title: Jim Morrison

text: Fue también muy conocido por improvisar pasajes de poesía de palabra hablada mientras la banda tocaba en vivo. Morrison se ubicó en el número 47 en la lista de "Rolling Stone" de los «100 mejores cantantes de todos los tiempos», y el número 22 en los «50 mejores cantantes de "rock"» de la revista "Classic Rock". Ray Manzarek dijo que Morrison «personificó la rebelión de la contracultura "hippie"». Morrison es referido a veces por otros apodos, como «"The Lizard King"» («"El rey lagarto"»).


title: Jim Morrison

text: En su vida posterior, Morrison desarrolló una dependencia al alcohol. Murió a la edad de 27 años en París; se alega que pudo haber muerto de una sobredosis de heroína, pero como no se realizó autopsia, se discute la causa exacta de su muerte. La tumba de Morrison se encuentra en el cementerio del Père-Lachaise en el este de París.


title: Jim Morrison

text: Morrison nació en Melbourne (Florida) el 8 de diciembre de 1943. Sus padres fueron George Stephen Morrison, un militar estadounidense (almirante del primer navío nuclear) de ascendencia escocesa e inglesa, y Clara Virginia Clarke, de origen irlandés. Tuvo dos hermanos: Anne y Andy Morrison.


title: Jim Morrison

text: Desde niño, y por la profesión de su padre, su familia se trasladó a varias ciudades de Estados Unidos, por lo que vivió en diversas bases militares (a los catorce años de edad ya había tenido siete hogares).


title: Jim Morrison

text: Según se cree, este tipo de vida sin apego a lugares o personas caló profundamente en su forma de ser. Escribía poesía, pintaba algo y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía.


title: Jim Morrison

text: Estudió en la Universidad Estatal de Florida y después cine en la UCLA, en Los Ángeles, formando parte de la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola, quien, años después, utilizaría el tema «The End» como banda sonora de introducción para "Apocalypse Now", película ambientada en la guerra de Vietnam.


title: Jim Morrison

text: Decidió centrarse en lo que consideró siempre su verdadera vocación: la poesía. Con esa intención se trasladó a Venice Beach en Los Ángeles, California, viviendo en la azotea de un edificio o en las casas de algunas mujeres.


title: Jim Morrison

text: Esta fue una época de descubrimientos para Jim Morrison. Por un lado, el acercamiento a las drogas psicodélicas que tanto le fascinaban, como el peyote, la marihuana y el LSD (según se dice, su favorita), cortesía de autores como Baudelaire y Aldous Huxley, y por otro, el nacimiento de la cultura hippie que florecía por doquier y de la que vivió rodeado. A pesar de sus innumerables amantes, siempre estuvo al lado de Pamela Courson, que le perdonó sus infidelidades. Jim Morrison decía de ella que era su alma gemela, su amor cósmico.  Su visión del mundo estaba algo alejada de cuestiones hippies fundamentales, como el acercamiento al espíritu a través de la meditación, el vegetarianismo o la astrología. Leía textos complejos para la mayoría. Uno de sus profesores relató a sus biógrafos que solía acudir a la Biblioteca del Congreso para comprobar si existían algunos de los libros que decía haber leído.


title: Jim Morrison

text: Con intención de difundir su poesía, Morrison enseñó un par de trabajos que podían ser musicalizados. Ray Manzarek pidió que le cantara alguno y, sobre la arena de Venice, tímidamente, entonó los primeros versos de «Moonlight Drive». Al escucharlo, Manzarek quedó sorprendido por su talento y le pidió que formaran una banda de rock, lo que Jim aceptó "para ganar un millón de dólares", como ya siendo famosos comentarían. Después de varios cambios en los integrantes del grupo, terminaron formando The Doors: Ray Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra y John Densmore en la batería (estos dos últimos procedentes del grupo "The Psychedelic Rangers"), además de la voz de Jim Morrison.


title: Jim Morrison

text: El nombre que escogieron procede del título del ensayo "Las puertas de la percepción", de Aldous Huxley, sobre la mescalina, inspirado a su vez en la cita de William Blake que dice: "Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito" ("If the doors of perception were cleansed every thing would appear to man as it is, infinite").


title: Jim Morrison

text: Después de dar muchos conciertos en locales de Los Ángeles, consiguieron un contrato para tocar en el bar conocido como "Whisky a Go Go". Noche tras noche tocaban sus canciones más populares, entre las que se encontraba una larga canción compuesta a base de improvisaciones denominada «The End». Morrison añadía o quitaba de ella versos a placer, dependiendo de su estado de humor. Un día, después de haber consumido grandes cantidades de alcohol, marihuana y LSD, tuvo que ser llevado por sus compañeros casi a rastras hacia el bar y, de alguna forma, lograron hacerlo cantar. Al llegar a la interpretación de «The End», tal como hacía siempre, comenzó a improvisar sobre la música, pero aquel momento habría de terminar formando parte no solo de la leyenda de The Doors sino del imaginario roquero en general. Morrison compuso en directo una breve y original versión de la tragedia "Edipo rey", de Sófocles, en la que Edipo, por azar del destino, termina matando a su padre y desposándose con Yocasta, su madre.


title: Jim Morrison

text: En la versión grabada para su primer álbum, esta última frase será sustituida por un grito de Morrison. En cualquier caso, para el dueño del local, aquello fue demasiado y los echó mientras, según se cuenta, todo el público gritaba de emoción. Paul A. Rothchild, productor y por aquel entonces dueño de la empresa discográfica Elektra Records, se encontraba allí aquella noche y siguió al grupo hasta la puerta trasera, donde les expresó su admiración y les propuso grabar un disco cuanto antes.


title: Jim Morrison

text: En 1967 el grupo publicó su primer álbum, llamado simplemente "The Doors". Fue con el sencillo «Light My Fire», escrito íntegramente por Robbie Krieger, con el que el grupo se mantuvo varias semanas a la cabeza de popularidad en la revista "Billboard" durante el famoso verano del amor de 1967.


title: Jim Morrison

text: Cabe resaltar el acusado cambio que experimentó Morrison hasta convertirse en la estrella del grupo The Doors. Durante su infancia y adolescencia tuvo muchos problemas de personalidad, que hicieron que fuera una persona muy insegura.


title: Jim Morrison

text: Su mayor influencia, como cantante y en cuanto al medio escénico, fue Elvis Presley, a quien no conoció ni vio en concierto pero de quien conocía prácticamente todo su repertorio, especialmente lo producido en la discográfica SUN, como "Mystery Train", que interpretó muchas veces en sus conciertos en vivo. Su mayor obstáculo para unirse al grupo fue que sufría pánico escénico. En los primeros conciertos incluso cantaba dando la espalda al público.


title: Jim Morrison

text: Fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas que se convirtió en un experto en el tema, interesándose por el chamanismo, dada su estrecha relación con el peyote.


title: Jim Morrison

text: Su actitud provocadora en escena, perturbando el orden público, hizo que sus conciertos fueran prohibidos en varias ciudades de los Estados Unidos.


title: Jim Morrison

text: The Doors obtuvieron reconocimiento nacional después de firmar con Elektra Records en 1967. El sencillo «Light My Fire» ("Enciende mi fuego") permaneció tres semanas en el número uno de la lista Billboard Hot 100 entre julio y agosto de 1967. Esto era algo muy diferente de las experiencias anteriores de The Doors, abriendo shows para Simon and Garfunkel y tocando en escuelas secundarias en Connecticut. Más tarde The Doors se presentaron en el "Show de Ed Sullivan", un popular programa nocturno dominical por televisión en donde también se presentaron The Beatles y Elvis Presley en Estados Unidos. Ed Sullivan pidió dos canciones de The Doors para el show: «People Are Strange» y «Light My Fire». Sullivan insistió en su censura para que The Doors cambiaran los coros de la canción «Light My Fire», de "Girl we couldn't get much higher" a "Girl we couldn't get much better" ("Chica, no podríamos estar más drogados" por "Chica, no podríamos estar mejor") para los televidentes. Esto fue entendido y percibido como una referencia relacionada con las drogas en los coros originales. Las sesiones de grabación para el tercer álbum en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos al aire libre, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fanes y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo.


title: Jim Morrison

text: La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, "Waiting for the Sun", cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir obras nuevas. Este se volvió su primer LP #1, y el sencillo «Hello, I Love You» fue su segundo, y último sencillo #1 en los Estados Unidos. El álbum también incluye la canción «The Unknown Soldier», del cual dirigieron otro videoclip, y «Not to Touch the Earth», extraído de su legendaria pieza conceptual, "Celebration of the Lizard", aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Esta pieza musical fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de grandes éxitos, y en su disco "Absolutely Live".


title: Jim Morrison

text: El 9 de diciembre de 1967, The Doors dio un concierto infame en el New Haven Arena de New Haven, Connecticut, que terminó abruptamente cuando Morrison fue detenido por la policía local. Morrison se convirtió así en el primer artista de rock en ser arrestado en el escenario durante un concierto.


title: Jim Morrison

text: Morrison mantenía un encuentro sexual con una chica detrás del escenario en una cabina de ducha del baño antes del inicio del concierto, cuando un oficial de policía se encontró con ellos. Sin darse cuenta de que él era el cantante principal de la banda a punto de actuar, el funcionario avisó a Morrison y a la chica de salir, a lo que Morrison respondió: "Cómetelo".


title: Jim Morrison

text: El policía sacó un frasco de gas pimienta y advirtió al cantante: "La última oportunidad de que te largues de aquí, este lugar es solo para The Doors", a lo que Jim respondió: "Yo soy The Doors". La chica corrió y Morrison fue atacado, pero Manzarek relata en su libro que tanto Jim como la chica fueron gaseados, y que el concierto se retrasó por una hora mientras Jim se recuperaba. El policía finalmente se disculpó con Jim y le dijo: "Creí que solo eras un chico", a lo que Jim contestó con sarcasmo: "¿Solo un chico? ¿eh?".


title: Jim Morrison

text: A mitad de la primera serie de temas, Morrison hizo un discurso a la audiencia, describiendo lo que había sucedido, mientras tocaban «Five to One»; título que se refiere a que por cada adulto hay cinco jóvenes. Jim relataba lo que hacía con una chica detrás del escenario. "Les contaré algo que me sucedió hace una hora. Me divertía con una chica, cuando llegó uno de esos cerdos vestidos de azul", burlándose del policía que lo había agredido. "Ese cerdo me roció los ojos", dijo Jim mientras el público se agitaba, y continuó relatando lo que le habían hecho mientras se burlaba de los policías diciendo: "¡Sí! esos cerdos vestidos de azul, con su sombrero", a lo cual los policías que estaban enfrente del escenario se volteaban uno por uno para ver a Jim. El concierto finalizó cuando Morrison fue arrastrado fuera del escenario por la policía, llevado a una comisaría local, fotografiado y fichado por cargos de incitar a un motín, indecencia y obscenidad pública. Los cargos contra Morrison, así como aquellos contra tres periodistas también detenidos en el incidente (Mike Zwerin, Yvonne Chabrier y Tim Page), se retiraron varias semanas más tarde por falta de pruebas.


title: Jim Morrison

text: Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en Nueva York, The Doors realizó su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el teatro The Roundhouse.


title: Jim Morrison

text: Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado "The Doors Are Open", sacado varios años después a la venta en vídeo. La banda tocó algunos conciertos más en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes.


title: Jim Morrison

text: El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso sencillo, «Touch Me» (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el N.º 3 en los Estados Unidos.


title: Jim Morrison

text: Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, desembocando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión "Rock is Dead", a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison.


title: Jim Morrison

text: El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fanes estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono:


title: Jim Morrison

text: Después de unos minutos Morrison cambió el tono:


title: Jim Morrison

text: La grabación se acerca a su final con las siguientes palabras: El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: "Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial americano. Mis ojos se han abierto un poco".


title: Jim Morrison

text: Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: ""Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío... y a eso le puse fin en una gloriosa tarde"."


title: Jim Morrison

text: Aunque Morrison recibía gran parte de la atención, incluyendo su imagen en las carátulas de los discos, para él era categórico que todos los miembros de la banda debían recibir igual reconocimiento. Antes de un concierto en el cual el animador anunció el grupo como "Jim Morrison y The Doors", Morrison se negó a aparecer hasta que se anunciara al grupo de nuevo como "The Doors".


title: Jim Morrison

text: Mientras Morrison nunca se sintió cerca de su familia real, era extremadamente protector con los miembros de su banda. Según se dice, una vez le dijo a Ray Manzarek que nunca se sentía cómodo en una situación social a menos que este u otro miembro de la banda estuvieran con él. De algún modo veía a The Doors como su familia de reemplazo.


title: Jim Morrison

text: Sistemáticamente rechazó cada oportunidad de grabar un álbum como solista que se le ofrecía.


title: Jim Morrison

text: En sus últimos dos años de vida, Jim Morrison redujo su uso de drogas psicodélicas y empezó a beber excesivamente, lo que afectó pronto su rendimiento en el estudio. Aparentemente para escapar de la imagen del "Rey Lagarto", que lo había dominado, Morrison se dejó crecer una abundante barba, obligando a Elektra a usar fotos tomadas anteriormente en su carrera para la carátula de "Absolutely Live", lanzado en 1970.


title: Jim Morrison

text: El álbum presenta actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el "Aquarius Theatre" e incluye una versión completa de "The Celebration of the Lizard".


title: Jim Morrison

text: La única aparición pública de este tiempo fue en un especial televisivo de la PBS grabado en abril, y transmitido el mes siguiente. El grupo tocó canciones del siguiente álbum, "The Soft Parade", incluyendo una espléndida versión de la pista con el mismo nombre.


title: Jim Morrison

text: El grupo continuó con su gira en el Chicago Auditorium Theater el 14 de junio, y tocó dos fechas en el "The Aquarius Theatre" en Hollywood el 21 y 22 de julio, ambas lanzadas más tarde en CD. Fueron un nuevo tipo de conciertos de The Doors, donde el énfasis estaba puesto en la banda y la gente pasándolo bien.


title: Jim Morrison

text: El barbudo Morrison usaba ropa más holgada y guiaba la banda hacia una dirección más "blues", con canciones como «Build Me A Woman», «I Will Never Be Untrue», y «Who Do You Love». Todavía su voz no perdía su poder, y la banda podía deslumbrar con sus presentaciones de «When the Music's Over» y «Celebration of the Lizard».


title: Jim Morrison

text: El 10 de agosto de 1970, comienza el juicio por exhibicionismo de Jim Morrison en Miami. El juez , político republicano, fue quien llevó a cabo el proceso, las peticiones de defensa del artista fueron denegadas y los testigos suprimidos del caso.


title: Jim Morrison

text: Los testigos de la fiscalía aseguraron haber visto a Morrison exhibiendo sus genitales, sin embargo, no existieron pruebas certeras.


title: Jim Morrison

text: En 1971, ante el riesgo de ser condenado a prisión, decidió abandonar la música y radicarse en París, dedicado por completo a su mayor inclinación: la poesía.


title: Jim Morrison

text: Es importante hacer notar que Morrison abandonó la carrera musical en su momento de mayor popularidad, cuando The Doors estaba convirtiéndose en el único grupo norteamericano (además de los Beach Boys) que competía con éxito con las grandes bandas inglesas como The Beatles o The Rolling Stones.


title: Jim Morrison

text: Con su nombre completo, James Douglas Morrison, ya había publicado dos pequeños libros de poemas, "The Lords" ("Los Señores") y "The New Creatures" ("Las Nuevas Criaturas"), así como el opúsculo "An American Prayer" ("Una oración americana") y "Ode to L.A." ("Oda a Los Ángeles"), poema repartido entre los seguidores del grupo en un concierto.


title: Jim Morrison

text: Morrison comenzó a escribir en serio durante su adolescencia. En la UCLA estudió los campos relacionados con el teatro, el cine y la cinematografía. Autopublicó dos volúmenes separados de su poesía en 1969, titulada "Los Señores / Notas sobre la visión y Las nuevas criaturas". "Los Señores" se compone principalmente de una breve descripción de los lugares, las personas, los acontecimientos y pensamientos de Morrison sobre el cine. "Las nuevas criaturas" son versos más poéticos en la estructura, la sensación y la apariencia.


title: Jim Morrison

text: Estos dos libros fueron luego combinados en un solo volumen titulado "Los señores y las nuevas criaturas". Estas fueron las únicas obras publicadas en vida de Morrison. Morrison se hizo amigo del poeta beat Michael McClure, quien escribió el epílogo de la biografía de Morrison escrita por Danny Sugerman, "Aquí nadie sale vivo". McClure y Morrison supuestamente colaboraron en varios proyectos de cine que nunca llegaron a realizarse, incluyendo una versión cinematográfica de la controvertida obra de McClure "The Beard", en la que Morrison habría interpretado a Billy the Kid.


title: Jim Morrison

text: Después de su muerte, se publicaron otros dos volúmenes de la poesía de Morrison. El contenido de los libros fue seleccionado y organizado por el fotógrafo Frank Lisciandro, amigo de Morrison, y los padres de su novia Pamela Courson, que eran los dueños de los derechos de su poesía.


title: Jim Morrison

text: Los escritos perdidos de Jim Morrison aparecieron en "Wilderness Volumen I", y, en su lanzamiento en 1988, se convirtió al instante en superventas en la lista de "The New York Times". El Volumen II, "La Noche Americana", lanzado en 1990, también fue un éxito. Morrison grabó su propia poesía en un estudio de sonido profesional en dos ocasiones distintas. La primera fue en marzo de 1969 en Los Ángeles, y la segunda el 8 de diciembre de 1970.


title: Jim Morrison

text: Esta última sesión de grabación, a la que asistieron amigos personales de Morrison, incluyó una variedad de piezas de boceto. Algunos de los segmentos de la sesión de 1969 se publicaron en el álbum "bootleg" "The Lost Paris Tapes" y más tarde fueron utilizados como parte del álbum "Doors An American Prayer", publicado en 1978.


title: Jim Morrison

text: El álbum alcanzó el número 54 en las listas de música. Alguna poesía grabada en una sesión en diciembre de 1970 permanece inédita hasta hoy y está en posesión de la familia Courson. Más conocida, pero rara vez vista, es la obra cinematográfica de Morrison, "", un proyecto que se inició en 1969.


title: Jim Morrison

text: Morrison financió el largometraje y formó su propia compañía de producción con el fin de mantener un control completo del proyecto. Paul Ferrara, Frank Lisciandro y Babe Colina colaboraron en él. Morrison interpretó el personaje principal, un autoestopista asesino y ladrón de coches. Morrison le pidió a su amigo, el compositor y pianista Fred Myrow, el seleccionar la banda sonora para la película.


title: Jim Morrison

text: Los primeros años de vida de Morrison fueron una existencia nómada típica de las familias de militares. Jerry Hopkins entrevistó al hermano de Morrison, Andy, quien explicó que sus padres decidieron no usar el castigo físico como azotes a sus hijos. En su lugar, ellos inculcaban disciplina e imponían castigo por la tradición militar consistente en gritar y reprender a los niños hasta que fueran reducidos a las lágrimas y reconocieran sus faltas. Una vez que Morrison se graduó en la UCLA, rompió todo contacto con su familia. Cuando la música de Morrison ascendió a la cima de las listas (en 1967) él no había estado en comunicación con su familia durante más de un año y falsamente decía que sus padres y hermanos estaban muertos (o, como había sido ampliamente malinformado, que era hijo único).


title: Jim Morrison

text: Esta desinformación fue publicada como parte de los materiales distribuidos con el álbum debut de The Doors. George Morrison no apoyaba la elección de carrera de su hijo en la música. Un día, un conocido suyo trajo un disco que él creía que tenía a Jim en la portada. El disco era el disco debut homónimo de The Doors. El joven puso el disco para el padre y la familia Morrison. Tras escuchar la grabación, el padre de Morrison le escribió una carta diciéndole que "renuncies a cualquier idea de cantar o a alguna conexión con un grupo de música debido a lo que considero que es una total falta de talento en esta dirección". En una carta a la Oficina de Libertad Condicional del Distrito de la Florida de fecha 2 de octubre de 1970, el padre de Morrison reconoció el fracaso de las comunicaciones familiares como resultado de una discusión sobre su evaluación del talento musical de su hijo. Dijo que él no podía culpar a su hijo por ser reacio a iniciar el contacto y que estaba orgulloso de él, sin embargo.


title: Jim Morrison

text: Morrison conoció a su compañera sentimental de muchos años, Pamela Courson (1946-1974), antes de tener fama y fortuna, y ella le animó a desarrollar su poesía. A veces, Courson utilizaba el apellido "Morrison", con su aparente consentimiento o, al menos, falta de preocupación. Tras la muerte por sobredosis de Courson el 25 de abril de 1974, el tribunal testamentario de California decidió que ella y Morrison tenían lo que se calificaba como un matrimonio de derecho consuetudinario. La relación de Morrison y Courson era tormentosa, con frecuentes fuertes discusiones y períodos de separación. El biógrafo Danny Sugerman conjeturó que parte de sus dificultades pueden haber provenido de un conflicto entre sus respectivos compromisos para una relación abierta y las consecuencias de vivir en una relación así.


title: Jim Morrison

text: En 1970, Morrison participó en una ceremonia pagana celta con la crítica de rock y escritora de ciencia ficción/fantasía Patricia Kennealy. Ante testigos, uno de ellos un ministro presbiteriano, la pareja firmó un documento declarándose casados, pero ninguno de los documentos necesarios para un matrimonio legal fue presentado al estado. Kennealy discute sus experiencias con Morrison en su autobiografía "Strange Days: My Life With and Without Jim Morrison" y en una entrevista registrada en el libro "Rock Wives".


title: Jim Morrison

text: Morrison también tuvo presuntamente sexo regularmente con fanes ("groupies") como Josephine Karcz quien escribió una novela sobre su noche juntos, y numerosas aventuras cortas con mujeres conectadas con el negocio de la música o los medios impresos. Entre ellas figuran Nico, la cantante asociada con The Velvet Underground, una relación intermitente con Gloria Stavers de la revista "16 Magazine" así como un supuesto encuentro íntimo inducido por el alcohol con Janis Joplin. David Crosby dijo muchos años después que Morrison había tratado mal a Joplin en una fiesta en la casa del animador televisivo John Davidson mientras Davidson estaba fuera de la ciudad. Ella supuestamente lo atacó con una botella de licor delante de testigos, y así terminó su único encuentro. Al momento de su muerte había al menos tres acciones de paternidad pendientes contra él, aunque ninguna demanda fue hecha contra sus bienes por cualquiera de los supuestos reclamantes de paternidad.


title: Jim Morrison

text: La mañana del 3 de julio de 1971 Pamela Courson lo encontró muerto en la bañera de su piso del barrio de Le Marais en París, Francia, donde vivían juntos (aunque existen muchas otras versiones sobre su muerte, incluyendo la idea de un suicidio y de un asesinato). Se declaró que murió por un paro cardíaco, según su acta de defunción.


title: Jim Morrison

text: Existen personas que ponen en duda la versión oficial, afirmando que las circunstancias fueron algo extrañas. Se dijo que el padre de Jim sacó el cuerpo de su hijo del cementerio para llevarlo a Estados Unidos, pero fuentes del Père Lachaise, el famoso cementerio donde fue enterrado, aseguran que nadie se puede llevar un cuerpo sin que la administración lo sepa. Incluso se puso en duda el hecho mismo de su muerte. Otras versiones afirman que sufrió una sobredosis de heroína (a la que no era aficionado) en los lavabos del club nocturno parisino Rock 'n' Roll Circus y fue posteriormente trasladado a su casa.


title: Jim Morrison

text: Es indudable que había sido consumidor habitual de varios tipos de drogas (LSD, cannabis y peyote) y, según se dice, siempre defendió el uso de estas sustancias psicoactivas. Sin embargo, no es probable que consumiera heroína, principalmente porque tenía diagnosticada una fobia a las agujas. De hecho, cuando sorprendió a su novia Pamela inyectándose, fue en busca del proveedor, conocido de ambos, para darle una paliza.


title: Jim Morrison

text: Se dice que la cocaína también era droga de su predilección por su efecto "acelerador". No obstante, sobre todo utilizó las drogas propuestas por la comunidad hippie para alcanzar estados de equilibrio y paz, además de alcohol en abundancia.


title: Jim Morrison

text: Ray Manzarek, teclista de The Doors, declaró: Jim Morrison murió a los 27 años al igual que otros famosos músicos como Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Kurt Cobain y Amy Winehouse (Club de los 27). Su epitafio está escrito en griego antiguo (""ΚΑΤΑ ΤΟΝ ΔΑΙΜΟΝΑ ΕΑΥΤΟΥ"") que se traduce como "fiel a su propio espíritu" (o "de acuerdo con su propio demonio"). Su tumba ha sido objeto de vandalismo en numerosas ocasiones e, incluso, fue robado un busto en mármol del artista colocado sobre la lápida.


title: Jim Morrison

text: Marianne Faithfull reveló a la revista británica "Mojo" en agosto de 2014 que Jean de Breteuil, supuestamente, facilitó heroína de alta pureza a Jim Morrison, siendo así responsable de su muerte.


title: Jim Morrison

text: Su mayor influencia, de adolescente y como cantante y en cuanto al medio escénico, fue Elvis Presley, a quien no conoció, ni vio en concierto, pero de quien conocía prácticamente todo su repertorio, especialmente lo producido por Presley en la discográfica SUN, como fue «Mystery Train», la cual interpretó muchas veces en sus conciertos en directo.


title: Jim Morrison

text: Otra de sus influencias musicales fue Frank Sinatra, de quien trató de imitar su voz barítono.


title: Jim Morrison

text: Otra influencia vital para la vida y obra literaria de Jim Morrison fueron los poetas Wallace Stevens, Charles Baudelaire y Arthur Rimbaud.


title: Jim Morrison

text: Morrison después conoció y se hizo amigo de Michael McClure, un conocido poeta. McClure había disfrutado con las letras de Morrison, pero fue aún más impresionado por su poesía y lo alentó a seguir desarrollando su oficio.


title: Jim Morrison

text: Morrison estaba especialmente atraído por los mitos y religiones de las culturas de los nativos americanos. Mientras aún estaba en la escuela, su familia se mudó a Nuevo México, donde conoce algunos de los lugares y objetos importantes para las culturas indígenas del suroeste americano.


title: Jim Morrison

text: Estos intereses parecen ser la fuente de muchas referencias a criaturas y lugares tales como lagartos, serpientes, desiertos y lagos "antiguos" que aparecen en sus canciones y poesías. Su interpretación de las prácticas de los chamanes nativos americanos se tradujo en partes de la rutina musical de Morrison, especialmente en su interpretación de la Danza de los Espíritus, y una canción en su álbum de poesía posterior, la canción "Ghost".


title: Jim Morrison

text: Respecto a la influencia literaria en Jim Morrison, destacan ciertos escritores. Morrison fue muy cercano a los poetas rebeldes franceses, tales como Paul Verlaine o Arthur Rimbaud. La canción «Wild Child», de su álbum "The Soft Parade", está supuestamente dedicada a este último, debido a un verso que finaliza la canción: "Remember when we were in África?" ("¿Recuerdas cuando estábamos en África?"), que haría mención al paso de Rimbaud por este continente. Otros escritores franceses, como Louis-Ferdinand Céline, dejaron su huella en el cantante. La canción «End of the Night» estaría vinculada al libro de Céline "Viaje al fin de la noche".


title: Jim Morrison

text: Morrison era, y sigue siendo, uno de los más populares e influyentes cantautores de la historia del rock. El catálogo de The Doors se ha convertido en una fuente básica para las radios de rock clásico. Hasta el día de hoy Morrison es ampliamente considerado como el prototipo de estrella del rock: hosco, sexy, escandaloso y misterioso. Los pantalones de cuero que le gustaba usar tanto en el escenario como fuera se convirtieron en estereotipo de ropa de estrella de rock.


title: Jim Morrison

text: En 2011, la revista "Rolling Stone" colocó a Jim Morrison en el quinto lugar de la lista de los mejores cantantes de todos los tiempos. La banda Iggy & The Stooges dijo que se formaron después de que el cantante Iggy Pop se inspirara en Morrison mientras asistía a un concierto de The Doors en Ann Arbor, Míchigan. Una de las canciones más populares de Iggy Pop, «The Passenger», se dice que está basada en uno de los poemas de Morrison.


title: Jim Morrison

text: Después de la muerte de Morrison, Iggy fue considerado como un sustituto del cantante de The Doors. Los Doors supervivientes le dieron algunas de las pertenencias de Morrison y lo contrataron como vocalista para una serie de shows.


title: Jim Morrison

text: Wallace Fowlie, profesor emérito de literatura francesa en la Universidad de Duke, escribió sobre Rimbaud y Jim Morrison en el libro "El rebelde como poeta, una memoria". Fowlie relata su sorpresa al recibir una carta de un fan de Morrison quien, en 1968, le dio las gracias por su última traducción de los versos de Arthur Rimbaud al inglés. "Yo no leo francés fácilmente", escribió, "... el libro viaja conmigo". Fowlie fue a dar conferencias en numerosas universidades comparando la vida, la filosofía y la poesía de Morrison y Rimbaud.


title: Jim Morrison

text: Layne Staley, el fallecido vocalista de Alice in Chains, Scott Weiland, el también fallecido vocalista de Stone Temple Pilots y Velvet Revolver, Julian Casablancas de The Strokes, James LaBrie de Dream Theater, así como de Scott Stapp de Creed, todos han afirmado que Morrison supuso su mayor influencia e inspiración.


title: Jim Morrison

text: Tanto Stone Temple Pilots como Velvet Revolver han versionado «Roadhouse Blues» de The Doors. Weiland también ocupó el lugar de Morrison para llevar a cabo «Break On Through (To The Other Side)» con el resto de los miembros de The Doors. Stapp tomó el lugar de Morrison en «Light My Fire», «Riders on the Storm» y «Roadhouse Blues» en el programa "VH1 Storytellers". Creed realizó su versión de «Roadhouse Blues» con Robby Krieger para el Festival de Woodstock de 1999. El libro "The Doors: por las puertas restantes" cita al íntimo amigo de Morrison, Frank Lisciandro, diciendo que muchas personas tomaron un comentario de Morrison de que estaba interesado en la rebelión, el desorden y el caos "en el sentido de que él era un anarquista, revolucionario o, peor aún, un  nihilista". Casi nadie se dio cuenta de que Jim estaba reafirmando a Rimbaud y a los poetas surrealistas. Considerando el de Jim "Bird Of Prey" se puede escuchar toda la canción "Sunset" de Fatboy Slim.


title: Jim Morrison

text: En uno de los videoclips de la banda de rock Bon Jovi aparece la tumba de Morrison. La banda de rock argentina Divididos creó una versión de la canción «Light My Fire». El luchador profesional John Hennigan tiene como personaje el nombre de John Morrison, inspirado por Jim Morrison, y el nombre de su movimiento final, "Moonlight Drive", fue tomado de una canción de The Doors. La banda Radiohead menciona a Jim Morrison en su canción «Anyone Can Play Guitar», declarando: "Quiero ser, quiero ser, quiero ser Jim Morrison".


title: Jim Morrison

text: La cantante y compositora Lana Del Rey menciona a Jim Morrison en la canción «Gods & Monsters», la cual hace referencia a un estilo de vida libertino y salvaje. En la canción ella canta: "Nadie se llevará mi alma lejos / Estoy viviendo como Jim Morrison". En el 2012 realizó una versión de la canción «Roadhouse Blues», y declaró que es para ella una de sus más grandes inspiraciones.


title: Jim Morrison

text: Alice Cooper en las notas del álbum "Killer" dijo que la canción «Desperado» trata acerca de Jim Morrison. Los pantalones de cuero de Bono de U2 en «The Fly», personaje del "Achtung Baby" y el posterior "Zoo TV Tour", se inspiran en Jim Morrison. En su álbum de 2008 "The Hawk Is Howling", la banda de post-rock Mogwai titula la canción de apertura «I'm Jim Morrison, I'm Dead».


title: Jim Morrison

text: La canción «The Irony of Dying on Your Birthday» de la banda Senses Fail presenta las frases: "Quiero morir como Jim Morrison / A f ***** g rockstar / Quiero morir como Dios en la portada de "Time" / Sólo un parpadeo y se ha ido / Así que el bebé vierta un poco de fama en mi vaso".


title: Jim Morrison

text: En junio de 2013, un análisis de fósiles descubrió los de un lagarto, uno de los más grandes jamás conocidos, que vivía en Birmania, y se le dio el nombre científico de "Barbaturex morrisoni" en honor a Morrison. "Se trata de un lagarto grande, y él era el 'Rey Lagarto', por lo que sencillamente encaja", dijo Jason Head, paleontólogo en la Universidad de Nebraska-Lincoln.


title: Jim Morrison

text: Val Kilmer dio vida al cantante en la película sobre The Doors dirigida por Oliver Stone en 1991. Además ha aparecido como personaje en:Los siguientes documentales incluyen a Morrison:


title: Viggo Mortensen

text: Viggo Peter Mortensen (Nueva York, 20 de octubre de 1958) es un actor y director de cine estadounidense de ascendencia danesa. Por sus interpretaciones ha sido nominado en tres ocasiones a los Premios Óscar, en cuatro a los Premios Globo de Oro y una vez a los premios Goya. También ejerce como poeta, músico, fotógrafo y pintor.


title: Viggo Mortensen

text: Viggo nació en el Lower East Side de Manhattan, el 20 de octubre de 1958. Su padre es danés y su madre estadounidense —su abuelo materno era de Nueva Escocia (Canadá) y su abuela materna de Nueva Inglaterra (Estados Unidos)—. La pareja se había conocido en Noruega y se casaron en los Países Bajos, en una ceremonia luterana. A pesar de que en Dinamarca su familia paterna era ganadera, su padre se dedicó a los negocios y, con la esperanza de hacer fortuna, en 1960 se trasladó con su familia (Viggo tiene dos hermanos más jóvenes) a América del Sur. La familia se desplazaría a Buenos Aires, en Argentina, pasando a menudo las vacaciones de vuelta en Dinamarca, en la granja familiar Mortensen. La familia se asentó finalmente en Argentina, en donde Mortensen vivió hasta los once años, en la provincia del Chaco, Buenos Aires y Córdoba. Cuando tenía seis o siete años, Viggo comenzó a escribir sus primeros «cuentitos cortos». Allí aprendió el castellano con acento rioplatense. Tras el divorcio de sus padres, regresó a Nueva York con su madre y sus dos hermanos. Allí se graduó en Política y Español, en la Universidad de Saint Lawrence, en 1980.


title: Viggo Mortensen

text: Tras dos años en los que vivió en Dinamarca sin haber decidido aún su carrera profesional, regresó a Manhattan para finalmente estudiar interpretación en el Warren Robertson's Theatre Workshop. Dedicó unos cuantos años al teatro, primero en Nueva York y más tarde en Los Ángeles, donde gracias a su interpretación en la obra "Bent" recibió el Dramalogue Critics' Award.


title: Viggo Mortensen

text: Comenzó su carrera cinematográfica con su interpretación de un granjero "amish" en la película "Witness" ("Testigo en peligro", en Hispanoamérica; "Único testigo", en España, ), donde aparecía junto a Harrison Ford. Gracias a este y a sus siguientes proyectos fue haciéndose un lugar en el mundo del cine: así se lo pudo ver en películas como "Extraño vínculo de sangre" ("The Indian Runner"), dirigida y escrita por Sean Penn; "Atrapado por su pasado" ("Carlito's Way"), de Brian De Palma, y "Marea roja" ("Crimson Tide"), dirigida por Tony Scott y protagonizada por Denzel Washington y Gene Hackman.


title: Viggo Mortensen

text: Poco a poco, su cara comenzó a volverse más familiar entre el público debido a sus papeles en películas junto a actores de la talla de Michael Douglas y Gwyneth Paltrow, en "Un crimen perfecto"; a Demi Moore, en "La teniente O'Neil" ("G. I. Jane"), o a Nicole Kidman, en "Retrato de una dama" ("The Portrait of a Lady"). En 1995, rodó en España el "thriller" "Gimlet" junto a Ángela Molina, y en 1997, la película "La pistola de mi hermano", del escritor y director Ray Loriga.


title: Viggo Mortensen

text: Pero no fue sino hasta 1997 cuando le llegó su gran oportunidad al recibir la oferta del realizador neozelandés Peter Jackson para trabajar en el proyecto que cambiaría el destino de su carrera profesional. A pesar de que Mortensen al principio dudó en aceptar el papel de Aragorn en la trilogía cinematográfica de "El Señor de los Anillos", su hijo, un fiel seguidor de la obra de J. R. R. Tolkien, lo convenció para que participara en ella. Durante los dos años de rodaje, se involucró tanto con el personaje que ayudó a diseñar el traje que llevaría puesto en la película y le tomó tanto cariño al caballo con el que trabajó y que montaba en sus horas libres, que terminó por comprarlo. El estreno mundial de "", el 19 de diciembre de 2001, marcó un antes y un después en la historia del cine y mantuvo a millones de espectadores en vilo año tras año, hasta que el 17 de diciembre de 2003 se estrenó la última entrega de la trilogía de Tolkien. Obtuvo un gran reconocimiento por parte de la crítica y un entusiasta acogimiento de los seguidores del libro, ya que representaba fielmente el perfil del personaje.


title: Viggo Mortensen

text: Tras su consagración en el estrellato con "El Señor de los Anillos", consiguió su primer papel como actor protagonista en la película "", de Joe Johnston, basada en la historia real del jinete Frank T. Hopkins. También se encariñó y compró el caballo que montó en esta película. Posteriormente obtuvo otro papel protagonista en la película de David Cronenberg "A History of Violence", junto a Maria Bello, Ed Harris y William Hurt, entre otros.


title: Viggo Mortensen

text: Durante 2006, rodó en España "Alatriste", de Agustín Díaz Yanes, que relata las aventuras del Capitán Alatriste, personaje literario creado por el periodista murciano Arturo Pérez-Reverte. En ella, vuelve a repetir como protagonista, ahora en un papel en castellano, aunque para adaptar su notorio acento argentino tuvo que practicar en los pueblos de la montaña leonesa, concretamente en el valle del Curueño, donde estuvo perfeccionando su habla a través del contacto con los lugareños. Por su vinculación con León y su provincia, llevando su nombre por todo el mundo, tanto el Ayuntamiento de la capital como la Diputación Provincial quisieron reconocer sus méritos concediéndole las Medallas de Oro de la Provincia y de la Ciudad de León. Ambos galardones, máximas distinciones concedidas por sendas instituciones, fueron recogidas por el actor en un acto que tuvo lugar en León el 13 de octubre de 2006.


title: Viggo Mortensen

text: En su trabajo del 2007, "Promesas del Este", también del director David Cronenberg, Viggo encarna el papel de un mafioso ruso cuyo camino se cruza con el de una mujer inocente (Naomi Watts) que, de forma accidental, indaga en el pasado de una joven, para luego descubrir que esta estaba relacionada con la mafia rusa. En el 2008, se estrenan sus trabajos "Appaloosa" y "Good", y en el estrena con gran éxito "La carretera". En el 2010, colaboró nuevamente con David Cronenberg en la película "Un método peligroso" (estrenada en 2011), adaptación al cine de la obra de teatro de 2002 de Christopher Hampton titulada "The Talking Cure". Su argumento pivota alrededor de las relaciones profesionales y afectivas surgidas entre Sabina Spielrein (Keira Knightley), Carl Gustav Jung (Michael Fassbender) y Sigmund Freud. Mortensen interpretó el papel de Freud reemplazando a Christoph Waltz, quien no pudo participar por problemas de agenda. Con esto se desmintieron los rumores acerca de su supuesta retirada del mundo del cine.


title: Viggo Mortensen

text: En 2011 Mortensen protagonizó su primer filme argentino, el "thriller" "Todos tenemos un plan", dirigido por Ana Piterbarg y producido por Mariela Besuievski, Vanessa Ragone, Gerardo Herrero y Axel Kuschevatzky. La película se estrenó al año siguiente. Además, volvió al teatro, interpretando en Madrid la obra de Ariel Dorfman "Purgatorio".


title: Viggo Mortensen

text: Se le puede calificar como un artista polifacético, ya que, además de trabajar como actor, también se dedica al mundo de la poesía, la fotografía, la música y la pintura. Es dueño de la editorial Perceval Press, en la cual ha publicado sus libros de poesía y fotografía. Una de sus historias más populares es "Coincidence of Memory". En el terreno musical, se dedica al jazz y ha incluido en algunos de sus discos fragmentos en los que él mismo lee su poesía. También figuró en la , pues compuso la música de «Aragorn's Coronation» y cantó los versos escritos por Tolkien. En lo que respecta al mundo de la pintura, se dedica al arte abstracto, pues ha incluido en algunas ocasiones fragmentos de sus poemas. Sus obras han sido expuestas en varias galerías de arte en todo el mundo. Incluso, en la película "Un crimen perfecto" aparecen algunos de sus cuadros en el estudio de David Shaw, el artista al que da vida.


title: Viggo Mortensen

text: En 2012 también protagonizó la película "On the Road", una adaptación al cine de la novela de Jack Kerouac del mismo nombre, dirigida por Walter Salles. La historia está basada en los años que Kerouac pasó viajando por América en la década de 1940 junto a su amigo Neal Cassady y otras figuras, como William S. Burroughs y Allen Ginsberg. La película se proyectó y seleccionó para competir por la Palma de Oro en el .


title: Viggo Mortensen

text: En 2016 fue protagonista de la película Capitán Fantástico, centrada en un padre de familia que ha criado a sus seis hijos alejado de la civilización moderna. Por esta película recibió su segunda nominación al Oscar.


title: Viggo Mortensen

text: En 2018 actuó en la película Green Book, donde interpreta a Tony Lip, el guardaespaldas de un pianista afrodescendiente (Mahershala Ali) durante una gira por el sur de Estados Unidos. La película ganó el Oscar a Mejor Película y Mortensen, su tercera nominación como actor.


title: Viggo Mortensen

text: En 2020 fue galardonado con el Premio Donostia en honor a su trayectoria profesional. Asimismo, presentó su debut directorial con "", un drama sobre un padre que comienza a padecer síntomas de demencia.


title: Viggo Mortensen

text: Mortensen estuvo casado durante diez años (de 1987 a 1997) con la música y artista estadounidense Exene Cervenka, cantante del grupo punk X, con quien tuvo a su hijo Henry Blake en 1988. Tras el divorcio de la pareja, la custodia de su único hijo quedó compartida. En el 2009, los medios difundieron su relación con la actriz española Ariadna Gil, compañera de reparto en "Alatriste" y en "Appaloosa".


title: Viggo Mortensen

text: Mortensen habla cuatro idiomas: español, inglés, francés y danés. También afirma ser capaz de mantener una conversación en italiano, sueco o noruego, y en alguna ocasión ha hablado en público en árabe y en catalán.


title: Viggo Mortensen

text: Pertenece a la Iglesia evangélica luterana en Estados Unidos.


title: Viggo Mortensen

text: Durante su infancia en Argentina, Viggo se volvió hincha del Club Atlético San Lorenzo de Almagro, por lo que, según el propio actor, no se pierde ninguno de los partidos por televisión y asiste al estadio de este club cada vez que visita Argentina. Es llamado cariñosamente «Guido» Mortensen por los fanáticos del club, luego de que el ídolo «azulgrana» (apodo con el que se conoce al club argentino), Héctor "Bambino" Veira, así lo bautizara durante una entrevista televisiva. Mortensen fue nombrado embajador azulgrana por el club San Lorenzo. En la celebración de la institución centenaria, año 2008, Viggo confesó que su mayor orgullo es ser hincha de San Lorenzo.


title: Viggo Mortensen

text: Habitualmente puede vérselo llevando consigo algún objeto relacionado con el equipo, ya sea una pulsera, un colgante o cualquier otro elemento que combine los colores rojo y azul. En el programa de Mario Pergolini en radio Vorterix, Viggo Mortensen confesó que durante el rodaje de la trilogía de "El Señor de los Anillos" usó durante muchas escenas debajo del vestuario de las películas la camiseta de Beto Acosta, exjugador de San Lorenzo. Además, en esa misma entrevista, confesó que manipuló a los diseñadores de vestuario para que parte del suyo tuviera los colores azul y grana. En la fiesta posterior a la ceremonia de de los premios Óscar, se pudo fotografiar al actor, junto a Cate Blanchett, con la camiseta del equipo argentino; como así también con David Cronenberg, cuando presentaban "Promesas del Este", y en muchas otras variadas ocasiones.


title: Viggo Mortensen

text: Viggo ha mostrado su apoyo al proceso independentista catalán en varias ocasiones. Inicialmente, se mostró a favor del mismo firmando un manifiesto titulado ""Let Catalans vote!"" que se hizo público en 2014, antes de la consulta soberanista y que, en aquel entonces, fue suscrito por veintiséis personalidades internacionales. Posteriormente, en mayo del 2018, se hizo socio formal de la asociación catalana Òmnium Cultural. En la actualidad, está a favor del referéndum para decidir si Cataluña y el País Vasco se independiza o sigue perteneciendo a España, pero no se ha manifestado oficialmente ni a favor ni en contra de votar a favor de la independencia.


title: Viggo Mortensen

text: El actor también ha colaborado con el guitarrista Buckethead.


title: Robert Musil

text: Robert Musil (Klagenfurt, 6 de noviembre de 1880 - Ginebra, 15 de abril de 1942) fue un escritor austríaco, autor de "El hombre sin atributos".


title: Robert Musil

text: Hijo de una familia de la baja nobleza, siendo un niño fue internado en la escuela militar de Eisenstadt (1892 a 1894), de donde pasó al instituto militar para jóvenes oficiales Mährish-Weisskirchen, en Hranice (1894-1897). Abandonó la academia, para ingresar en la escuela superior de Brno, donde se licenció como ingeniero (1898-1901).


title: Robert Musil

text: Su tesis doctoral, que leyó en 1908, trató sobre las teorías del físico Ernst Mach. También hizo estudios de lógica y psicología experimental en la Universidad de Berlín (1903-1908). Enseñó ingeniería mientras escribía su primera novela "Las tribulaciones del estudiante Törless", una dura descripción de la vida de adolescentes en un colegio militar. El éxito de esta obra le animó a dejar la enseñanza y a compaginar su trabajo en Berlín como bibliotecario y editor de la revista "Die neue Rundschau" (1914), con la escritura de dos novelas cortas sobre las relaciones amorosas, "Uniones" (1911).


title: Robert Musil

text: Sirvió en el ejército imperial durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Después fue funcionario civil en la nueva República de Austria, entre 1919 y 1922, antes de dedicarse enteramente a escribir. Publicó un libro de cuentos, "Tres mujeres", en 1924.


title: Robert Musil

text: Salvo dos años más en Berlín (1931–1933), vivió en Viena hasta la anexión de Austria a la Alemania nazi en 1938, momento en el que se exilió en Suiza, en parte por el origen de su mujer Marthe Marcovaldi, con la que se había casado en 1911, en parte por su visceral oposición política e ideológica. Murió en Ginebra, con grandes dificultades económicas, en 1942.


title: Robert Musil

text: En ese último periodo escribió dos volúmenes de "El hombre sin atributos" (1930–1943), a partir de un esbozo de 1905.


title: Robert Musil

text: El director Volker Schlöndorff realizó en 1966 "El joven Törless", adaptación de la novela que 60 años antes había escrito Musil. Era su primera película, tras haber sido asistente de directores como Resnais, Malle y Melville. Esta película recibió el premio FIPRESCI en el Festival de Cannes así como los Premios del Cine Alemán de mejor película, guion y director.


title: Burt Lancaster

text: Burton Stephen Lancaster, más conocido como Burt Lancaster (Nueva York, 2 de noviembre de 1913-Los Ángeles, 20 de octubre de 1994) fue un actor estadounidense, perteneciente al cine clásico de ese país. De fuerte atracción y energía, su apuesta figura fue sinónimo del hombre galán y rudo. Ganador de un premio Óscar y nominado en otras tres ocasiones, su prestigio interpretativo se acrecentó a partir de su colaboración en el cine europeo, especialmente de sus trabajos junto a Luchino Visconti.


title: Burt Lancaster

text: Fue uno de los cinco hijos de James Henry Lancaster, un cartero, y su esposa, Elizabeth Roberts, ama de casa. Creció en el Harlem oriental, el llamado Harlem Español.


title: Burt Lancaster

text: En sus años en el Harlem, Lancaster pasaba muchas horas en la calle, donde desarrolló su interés y su habilidad por el ejercicio físico y la gimnasia. Más tarde, trabajó como acróbata de circo hasta que una lesión le obligó a abandonar la profesión. Durante la Segunda Guerra Mundial, actuó en espectáculos del ejército.


title: Burt Lancaster

text: Aunque al principio la interpretación no le atraía, cuando volvió del servicio militar intentó ser actor y recibió una oferta para un papel en una obra teatral en Broadway. No tuvo éxito, pero un agente de Hollywood se fijó en él y le consiguió, en 1946, su primer papel cinematográfico, para la película "Forajidos", junto a Ava Gardner. En esta ocasión, sí tuvo un éxito considerable, con el resultado de que al año siguiente protagonizaría otras dos películas.


title: Burt Lancaster

text: Lancaster fue un actor autodidacta que se hizo a pulso, intentando superarse en cada una de sus interpretaciones, y que aprovechó su buena apariencia física para abrirse paso en el ambiente hollywoodiense. Al principio, los papeles que interpretó fueron predominantemente personajes de carácter rudo y directos que encajaban bien con su personalidad.


title: Burt Lancaster

text: A partir de entonces, apareció en numerosas producciones, desde dramáticas y de intriga, hasta bélicas y de aventuras. En varias de sus películas de aventuras, que alcanzaron un gran éxito de taquilla, como "El halcón y la flecha" o "El temible burlón", le acompañó en el reparto su amigo de la infancia y compañero del circo Nick Cravat, también un gran acróbata, y que solía representar personajes mudos, posiblemente debido a que su marcado acento de Brooklyn no entonaba demasiado con las épocas en las que se desarrollaban los argumentos de sus películas.


title: Burt Lancaster

text: A mitad de la década de 1950, desafió su propia capacidad de interpretación, y comenzó a aceptar papeles cada vez más exigentes y variados.


title: Burt Lancaster

text: En la mayoría de ellos, el actor autodidacta, obtuvo un gran reconocimiento del público y de los profesionales del medio. De esta forma se convirtió en estrella de cine y uno de los grandes actores clásicos de su tiempo, participando en películas que pasaron a ser clásicos del cine como "De aquí a la eternidad" (1953) del director Fred Zinnemann, "Veracruz" (1954) de Robert Aldrich, "Duelo de titanes" (1957) del director John Sturges, "Elmer Gantry" (1960) del director Richard Brooks, "El gatopardo" (1963) del director Luchino Visconti, entre otras.


title: Burt Lancaster

text: Recibió en 1960 el Óscar al mejor actor principal, por su papel en "Elmer Gantry", por el que también fue galardonado con un "Globo de Oro" y el premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.


title: Burt Lancaster

text: Fue nominado al Óscar al mejor actor por otras tres películas. La primera, "De aquí a la eternidad", en 1953, del director Fred Zinnemann, en la que realiza con Deborah Kerr una escena de beso apasionado, tendidos en bañador en una playa, la cual se consideró muy erótica para los estándares de la época. La segunda fue "El hombre de Alcatraz", en 1962, del director John Frankenheimer, y la tercera "Atlantic City", en 1980, del director Louis Malle.


title: Burt Lancaster

text: En una época más avanzada de su carrera, Lancaster abandonó las películas de acción al hacerse más madura su apariencia y se concentró en interpretar papeles de personajes distinguidos, lo cual aumentó aún más su prestigio. Fue un competidor actoral de Kirk Douglas y Marlon Brando.


title: Burt Lancaster

text: En los años 60 y 70 trabajó en varias producciones europeas con directores como Luchino Visconti o Bernardo Bertolucci. Interesado en papeles exigentes, estuvo dispuesto en más de una ocasión a trabajar por una compensación económica muy por debajo de la habitual si el guion y el director le parecían interesantes. Incluso ayudó a financiar con su propio dinero películas que consideraba de un especial valor artístico.


title: Burt Lancaster

text: También produjo algunas películas del incipiente cine independiente, ayudando a directores como Sydney Pollack o John Frankenheimer a consolidarse en el mundo del cine. Asimismo, apareció en varias películas producidas para la televisión.


title: Burt Lancaster

text: En 1979, sufrió su primer ataque cardíaco mientras rodaba las primeras escenas de "La leyenda de Bill Doolin". A pesar de esto, siguió trabajando durante toda la década de los 80 tanto en el cine como en la televisión.


title: Burt Lancaster

text: En noviembre de 1990, poco después de acabar el rodaje de su última película, sufre un infarto masivo que le deja incapacitado. A partir de ese momento, se aísla socialmente incluso de sus amigos, a quienes no dejaba que lo visiten y solo les permitía el contacto telefónico. Una actriz y amiga suya que deseaba verlo fue rechazada por Lancaster al teléfono con el siguiente mensaje:


title: Burt Lancaster

text: Fue una persona muy celosa de su intimidad. Estuvo casado en tres ocasiones. Su primer matrimonio fue con June Ernst, de 1935 a 1946. Su segundo matrimonio (1946-1969) fue con Norma Anderson, una antigua acróbata como él, quien le dio cuatro hijos y adoptaron otro. Lancaster tuvo fama de mujeriego, lo que provocó el divorcio de Anderson en 1969. Se casó con su tercera esposa, Susan Martin, en 1990 ya en el ocaso de su vida; ella lo acompañaría hasta su muerte. A medida que se fue haciendo mayor, su corazón comenzó a fallar, lo que le impidió seguir desarrollando su actividad profesional con normalidad. A finales de ese mismo año de 1990 sufrió un ataque de apoplejía que lo dejó mudo y tuvo que someterse a una operación a corazón abierto. Más tarde, un segundo ataque cerebral le obligó a usar silla de ruedas, quedando parcialmente paralítico.


title: Burt Lancaster

text: Falleció en 1994, en su casa de Los Ángeles, de un infarto de miocardio. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.


title: Burt Lancaster

text: Fue un defensor de minorías y apoyó económicamente la creación de grupos liberales, lo que hizo crecer el rumor de su posible militancia comunista cuando se opuso al macartismo. Más tarde en su vida fue un opositor a la guerra de Vietnam. Siendo defensor de los derechos de los homosexuales, se incorporó a la lucha contra el sida en 1985, cuando su amigo Rock Hudson contrajo la enfermedad.


title: Burt Lancaster

text: Algunos biógrafos recientes aseguran que Lancaster era bisexual, y mantuvo relaciones sentimentales tanto con hombres como con mujeres.


title: Burt Lancaster

text: Según el testimonio de Kate Buford en su libro "", Lancaster ya famoso demostró lealtad a su familia y a sus amigos del pasado, conservando hasta el final de sus días a sus antiguos amigos de la infancia del East Harlem.


title: Burt Lancaster

text: Además, actuó en aproximadamente una docena de producciones para la televisión entre 1974 y 1991. El dibujante de cómics Enrique Villagrán, quien firmaba bajo el pseudónimo de "Gómez Sierra", se inspiró en el rostro de Burt Lancaster para la creación estética del personaje de "Mike Nolan", un mecánico inglés y uno de los protagonistas principales de la serie de historietas Los aventureros, escrita por Robin Wood y Armando Fernández para la editorial Columba en los 70s y 80s.


title: Burt Lancaster

text: El disco de Hombres G La_cagaste…_Burt_Lancaster esta nombrado en su persona.


title: Paul Landowski

text: Paul-Maximilien Landowski (1 de junio de 1875 - 31 de marzo de 1961) fue un escultor francés de origen polaco. Director de la Academia de Roma desde 1933 a 1937. de la Academia de Bellas Artes de Francia en la sección de Escultura en el periodo de 1926 a 1961.


title: Paul Landowski

text: Es nieto, por parte de madre, del célebre violinista y compositor Henri Vieuxtemps. Se casó en primeras nupcias con Geneviève Nénot (1897-1911), hija de Henri Paul Nénot, tuvo dos hijos, la pintora Nadine Landowski-Chabannes (1908-1943) y Max Jean Landowski (1911-1943), que murió durante la 2ª Guerra Mundial. Inconsolable viudo, se casó con Amélie Cruppi, hija del político Jean Cruppi. También es el padre de Marcel Landowski (1915 - 1999) y de la pianista y pintora Francoise Landowski-Caillet (1917 - 2007).


title: Paul Landowski

text: Tras los estudios de secundaria en el Liceo Rollin , se dedicó a la versificación dramática. Durante 1898, en las clases preparatorias a las grandes escuelas , descubrió a través de Henri Barbusse la filosofía humanista, que marcó toda su obra. Al año siguiente, siguió, paralelamente a sus estudios, los cursos del retratista Jules Lefebvre en la Académie Julian. Se convirtió en un experto en anatomía siguiendo habitualmente las disecciones de la Escuela de Medicina de París y dibujando las planchas pedagógicas del profesor Faraboeuf. Muestra gran pasión por el boxeo.


title: Paul Landowski

text: Fue admitido el año 1895 para estudiar Bellas Artes. Alumno de Louis-Ernest Barrias, ganó el Premio de Roma en 1900 con "David combatiente". Permaneció en la Academia de Francia en Roma hasta 1906. Tras el regreso de su estancia en la Villa Medici , se estableció , seguido por arquitectos, artistas y mecenas en la rue Moisson-Desroches (actual rue Max Blondat )de Boulogne Billancourt. Todo lo que queda de su estudio es un pequeño museo construido después de su muerte en un rincón del jardín.


title: Paul Landowski

text: Recibió la Croix de Guerre en el Somme durante la Primera Guerra Mundial. Realizó tras la guerra más de 80 monumentos a los fallecidos entre ellos el de Les Fantômes. Fue el artífice de las imágenes del Héroe humanista, se convirtió en el escultor pseudo-oficial de la Francia pacifista posterior a la guerra y recibió encargos para grandes monumentos de París (la estatua de Santa Genoveva sobre el puente de la Tournelle, las fuentes de la Porte de Saint Cloud, la tumba del mariscal Foch) y en el extranjero (Cristo del Corcobado)


title: Paul Landowski

text: En 1928 participó en los concursos de arte de los Juegos Olímpicos de Ámsterdam, obteniendo la medalla de oro en el concurso de escultura por la estatua titulada "El boxeador- Le Boxeur".


title: Paul Landowski

text: Fue director de la Academia Francesa en Roma desde 1933 a 1937. En 1939, fue nombrado director de la Escuela de Bellas Artes de París, donde trabajó en la implantación de una reforma basada en su concepción de la docencia del arte como reunión de la arquitectura, la escultura y la pintura.


title: Paul Landowski

text: En noviembre de 1941, realizó junto a Paul Belmondo y André Derain el famoso «viaje a Berlín» (lo que se llamaría en Francia Groupe Collaboration), visitando toda la Alemania de Weimar, como otros muchos artistas franceses en respuesta a la invitación de Otto Abetz a colaborar en el plano intelectual en el proyecto de Goebbels de hacer emerger una nueva Europa. Como director de la ENSB-A y como antiguo amigo íntimo de Otto Abetz, cuando no era todavía éste defensor del nacismo, Landowski medió en la liberación de sus alumnos presos en Alemania durante la debacle. En el curso del proceso de depuración ( del que salió indemne, explicó que actuó en su cargo con el fin de ayudar al rescate de los prisioneros franceses, donando sus honorarios a los fondos de los presos y con la esperanza de la liberación de los jóvenes artistas . Añade que -aunque no todas - lamenta sus acciones, reconociendo así haber sido engañado.


title: Paul Landowski

text: A su muerte, dejó dos obras literarias, publicada en vida la primera: ""Peut-on enseigner les Beaux-Arts?"" (¿Es posible la enseñanza de las Bellas Artes?), y la otra, en parte, póstuma, su "Diario", un fascinante testimonio personal acerca de la profesión de escultor desde la Primera Guerra Mundial hasta el final de su vida.


title: Paul Landowski

text: Paul Landowski era comandante de la Legión de Honor. Collège Paul-Landowski, situado en el 94 de la rue Escudier en Boulogne-Billancourt. Arquitecto: G. Merlet, 1981.


title: Irving Langmuir

text: Irving Langmuir (Brooklyn, Nueva York, 31 de enero de 1881 – Woods Hole, Massachusetts, 16 de agosto de 1957) fue un ingeniero metalúrgico, físico y químico estadounidense conocido por su trabajo en distintos campos de la química y galardonado con el del año 1932 «por sus investigaciones en la química de superficie».


title: Irving Langmuir

text: Estudió Física y Química en la Universidad de Columbia, donde se licenció en 1903 en ingeniería metalúrgica, y posteriormente en la Universidad de Göttingen, donde se doctoró bajo la supervisión de Walther Hermann Nernst en 1906.


title: Irving Langmuir

text: En 1912 contrajo matrimonio con Marion Mersereau, con quien tuvo dos hijos, Barbara y Kenneth.


title: Irving Langmuir

text: Desde 1932 hasta su jubilación en 1950, fue director adjunto del laboratorio de investigación de la General Electric Company.


title: Irving Langmuir

text: Inició sus investigaciones en 1914 en el desarrollo de las lámparas de tungsteno, descubriendo la alta luminosidad del filamento de este elemento químico rodeado de un gas inerte como el argón. Este fue un paso muy importante en el desarrollo de la bombilla eléctrica convencional de filamento, ya superada por las llamadas bombillas de bajo consumo.


title: Irving Langmuir

text: También trabajó en la obtención de vacíos, ideando la bomba de condensación de mercurio, al observar cómo los electrones emitidos por un cátodo incandescente en un recinto que se encuentra a una presión muy baja, se mantienen alrededor del cátodo formando una nube electrónica. Pudo comprobar cómo la carga negativa de los electrones impedía el flujo de corriente eléctrica, por lo cual inventó el radiotrón y otros dispositivos electrónicos que, unidos al revestimiento de torio de los filamentos emisores, contribuyeron a mejorar la radiodifusión de onda corta.


title: Irving Langmuir

text: Dedujo en 1916 la isoterma de adsorción que ahora lleva su nombre (ecuación de Langmuir) en sus investigaciones sobre la cinética de las reacciones gaseosas y, más especialmente, de la velocidad de adsorción de las moléculas de los gases a bajas presiones. Asimismo trabajó en el aparato de descarga de electrones y en el soplete de hidrógeno atómico.


title: Irving Langmuir

text: Langmuir y su colega estadounidense Gilbert Lewis desarrollaron una teoría de la interacción química y la valencia basada en la estructura del átomo, conocida como teoría de Langmuir-Lewis. La investigación de Langmuir en la física de las nubes le condujo a la estimulación artificial de la condensación.


title: Irving Langmuir

text: Fue galardonado en 1918 con la medalla Hughes, concedida por la Royal Society «por sus investigaciones en física molecular».


title: Irving Langmuir

text: En 1932 fue galardonado con el «por sus investigaciones en la química de superficie».


title: Stan Lee

text: Stanley Martin Lieber (Manhattan, Nueva York; 28 de diciembre de 1922-Los Ángeles, California; 12 de noviembre de 2018), más conocido como Stan Lee, fue un escritor y editor de cómics estadounidense, además de productor y actor ocasional de cine.


title: Stan Lee

text: Es principalmente conocido por haber creado personajes icónicos del mundo del cómic tales como Spider-Man, X-Men, Los 4 Fantásticos, Hulk, Iron Man, Thor, Daredevil, Doctor Strange, Black Panther, Ant-Man y Bruja Escarlata, entre otros muchos superhéroes, casi siempre acompañado de los dibujantes Steve Ditko y Jack Kirby. El trabajo de Stan Lee fue fundamental para expandir Marvel Comics, llevándola de una pequeña casa publicitaria a una gran corporación multimedia. Todavía hoy, los cómics de Marvel se distinguen por indicar siempre «Stan Lee presenta» en los rótulos de presentación. También tuvo un programa televisivo en History Channel en donde buscaba superhumanos «reales».


title: Stan Lee

text: Stanley Martin Lieber nació el 28 de diciembre de 1922 en Manhattan, Nueva York, hijo de Celia y Jack Lieber, un matrimonio de inmigrantes judíos rumanos. Su padre era sastre y tuvo dificultades en su trabajo debido a la Gran Depresión. Stan tenía un hermano menor llamado Larry Lieber. En 2006 dijo haber disfrutado de los libros y películas, especialmente las protagonizadas por Errol Flynn. Estudió en el instituto DeWitt Clinton del Bronx y mientras, ejerció diversos trabajos como recadero, escritor de obituarios y comunicados de prensa, hasta que a finales de 1940, poco después de concluir la escuela secundaria, consiguió un trabajo de ayudante en la editorial Timely Comics (hoy Marvel Comics) entonces propiedad de Martin Goodman. A los 20 años, debutó como guionista con un relato de dos páginas protagonizado por el Capitán América. Su objetivo entonces era convertirse en un escritor a la altura de sus admirados Robert Louis Stevenson, Arthur Conan Doyle o Edgar Rice Burroughs. Queriendo reservar su nombre para futuras novelas, firmó este primer trabajo con el seudónimo «Stan Lee» (que, en inglés, suena muy parecido a «Stanley»). Décadas después, cambió oficialmente su nombre, adoptando el seudónimo por el que era ya universalmente conocido. A veces es llamado también "«Stan the Man»" («Stan el Hombre»).