title: Domenico Ghirlandaio

text: En las "Exequias de santa Fina" dispone en la escena una serie de retratos muy humanizados y verosímiles, que fueron su característica más apreciada por los ricos mecenas florentinos, sus posteriores comitentes. La misma poesía que lleva a las más extremas consecuencias las enseñanzas de Masaccio encuentra aquí cotas insuperables, sobre todo en la escena de la santa moribunda y en la de su funeral, mientras que aparecen casi como obras accesorias las escenas que representan los milagros de la santa.


title: Domenico Ghirlandaio

text: En San Gimignano conoció a Sebastiano Mainardi, que se convirtió en su colaborador y se casó, algunos años después, con la hermana de Domenico, convirtiéndose así en su cuñado. Después de la empresa de santa Fina, Ghirlandaio fue llamado a la Badia di Passignano, donde pintó una "Última cena" (1476), que fue el primero de una serie de tres, realizados poco después en Florencia.


title: Domenico Ghirlandaio

text: En el año 1475 Ghirlandaio, con su hermano David, se debía encontrar en Roma, trabajando en la Biblioteca Vaticana, donde está documentado, si bien los frescos se han perdido. En los círculos romanos fue acogido por los banqueros florentinos allí residentes, entre los que sobresalían los Tornabuoni, en particular Giovanni, jefe de la filial local del Banco Médicis y tesorero de Sixto IV. Para él, en el año 1477, pintó al fresco dos "Historias de san Juan Bautista" y dos "Historias de María" para la capilla fúnebre de su mujer, Francesca Pitti, fallecida por parto en aquel año, en Santa Maria sopra Minerva. Los frescos se han perdido. En Roma hizo también los dos retratos de Giovanna Tornabuoni, mujer de Lorenzo, hijo de Giovanni, también fallecida prematuramente. En 1480, de vuelta en Florencia, se casó con Costanza di Bartolomeo Nucci, de la que, en 1483 tuvo un hijo, Ridolfo, después apreciado pintor en la primera mitad del "Cinquecento". En total se casó dos veces, la segunda con Antonia di ser Paolo Paoli en fecha no precisada, y tuvieron nueve hijos.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Los Vespucci le encargaron pintar un "San Jerónimo" al fresco para la iglesia de Ognissanti, en Florencia, que hace pareja con el "San Agustín" de Botticelli, en general considerada una obra ligeramente anterior (alrededor del año 1480). Ghirlandaio creó una figura serena y convencional, presentando al protagonista, más que al santo, las naturalezas muertas de los objetos ordenadamente expuestos sobre el escritorio y sobre las baldas. Domenico se inspiró probablemente en modelos nórdicos, como pueden ser el "San Jerónimo en el estudio" de Jan van Eyck que se encontraba quizás en las colecciones de Lorenzo el Magnífico.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Típico de los monasterios florentinos era el embellecimiento del refectorio con un gran fresco con la Última cena. A Ghirlandaio le hicieron este tipo de encargos a menudo en pocos años, después del "Cenacolo della Badia di Passignano" (1476), para seguir con el "Cenacolo di Ognissanti" (1480) y el "Cenacolo di San Marco" (1486). Si el primero es a menudo rígido en la caja perspectivística de la estancia de la Última Cena, derivada del ejemplo del "Cenacolo di Sant'Apollonia" de Andrea del Castagno (alrededor del año 1450), en los dos posteriores, de aspecto muy similar, la escena está ambientada en una airosa logia que recalca la forma de las aberturas. Judas, como es tradicional, está separado del grupo de los otros doce, encontrándose sentado en el lado opuesto de la mesa de espaldas, a la derecha de Jesús y Juan.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Entre 1481 y 1485 trabajó en los frescos de la Sala del Reloj ("Sala dell'Orologio", también conocida como la sala de los Lirios) del Palacio Vecchio. También pintó la "Apoteosis de San Zenobio", una obra "metafísica" con muchas estructuras arquitectónicas, medallones con héroes de la antigua Roma y otros detalles seculares, que crean una perspectiva sorprendente de gran dignidad arquitectónica.


title: Domenico Ghirlandaio

text: En el año 1481, a sugerencia de Lorenzo el Magnífico, un grupo de artistas florentinos fue llamado a Roma por el papa Sixto IV para ejecutar los frescos del grandioso proyecto de la Capilla Sixtina, sellando la reconciliación del papa con Florencia y los Médicis. Con Ghirlandaio partieron Sandro Botticelli, Cosimo Rosselli y el Perugino, entonces florentino de adopción, que quizá se encontraba ya en Roma. Cada artista iba acompañado por un amplio número de ayudantes, entre los que había algunos posteriormente afirmados por sí mismos como Luca Signorelli, el Pinturicchio, Filippino Lippi, Piero di Cosimo. El tema de los frescos era una celebración del papado a través de las "Historias de Moisés" y las "Historias de Cristo", puestas en paralelismo para subrayar la continuidad del mensaje divino que de la ley judaica viene recuperado en la figura de Cristo y de esto transmitida a Pedro y de ahí a sus sucesores los pontífices. La empresa, por lo que se refiere al primer grupo de pintores, fue llevada a término rápidamente, en el año 1482.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Ghirlandaio desarrolló un fresco que cuenta con bien pocos rivales en su temática: "Vocación de los Apóstoles", obra de excelente factura y muy interesante por su metódica definición, la cual, sin embargo, padece un pobre colorido. El paisaje del fondo, en particular, es claramente superior a cualquier otro de los que podemos encontrar en las obras de la Capilla Brancacci, realizados por Masaccio y sus colaboradores, y que por cierto fueron atentamente estudiados por el Ghirlandaio. También le corresponde la "Resurrección", esta última muy dañada ya en los tiempos de Vasari y a continuación repintada a finales del siglo XVI. Es insegura, por su parte, la atribución del "Paso del mar Rojo", aunque es más probable que fuera ejecutado por Cosimo Rosselli o Biagio d'Antonio. Aunque se sabe que creó otras obras en Roma, desde hace siglos se consideran perdidas para la historia.


title: Domenico Ghirlandaio

text: La "Vocación" es una obra de excelente factura, donde el artista usó una solemnidad que a continuación no se encuentra en su obra. La impostación, el ropaje y los colores de algunos personajes recuerdan la escena del "Pago del tributo" de Masaccio en la capilla Brancacci, obra cardinal del primer Renacimiento florentino que también Ghirlandaio tuvo oportunidad de estudiar, siempre según Vasari. De Roma, Ghirlandaio llevó consigo numerosos dibujos y estudios de monumentos antiguos, que fueron a menudo usados como repertorio para las obras posteriores.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Es entonces cuando regresa a Florencia, y emprende en la iglesia de la Santa Trinidad y en Santa Maria Novella las obras que van a confirmar su fama.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Los frescos de la "Capilla Sassetti" en la iglesia de la Santa Trinidad fueron un encargo del donante y banquero Francesco Sassetti, el poderoso administrador de la rama de la banca Médicis en Génova, un cargo posteriormente desempeñado por Giovanni Tornabuoni, el futuro mecenas de Ghirlandaio. En la capilla, Ghirlandaio pintó seis episodios de la vida de San Francisco junto con algunos temas ligados a la profecía en el ámbito pagano de la venida de Cristo, datados en 1485. Los tres episodios principales son: "San Francisco recibiendo del papa Honorio III la aprobación de la regla de su orden", "La muerte y exequias de san Francisco" y "La resurrección por intercesión del santo de un niño de la familia Spini", que había muerto al caer desde una ventana. En el primer trabajo hay un retrato de Lorenzo de Médicis y en el tercero un autorretrato del pintor, el cual introdujo también en una de las obras de Santa María Novella y en la "Adoración de los Magos" en el Hospital de Los Inocentes. El retablo de la capilla Sassetti, "La Adoración de los Pastores", se encuentra ahora expuesta en la Galería de la Academia de Florencia.


title: Domenico Ghirlandaio

text: El ciclo de frescos de la capilla Sassetti toma su esquema compositivo de la capilla Brancacci, con las diversas escenas subdivididas en dos planos superpuestos y delimitados por pilastras acanaladas, con una aplicación rigurosa de la perspectiva. El espacio, racional y civil, muestra escenas de la vida cotidiana florentina, armonizada con las escenas sagradas en primer plano. Los personajes contemporáneos, retratados con precisión en su dignidad y refinamiento, llegan a ser los protagonistas del vivaz relato. Entre las diversas influencias se pueden distinguir las citaciones arqueológicas, lo minucioso de los detalles de estilo flamenco y la tradición florentina de Giotto en adelante.


title: Domenico Ghirlandaio

text: La vena narrativa es rica y fecunda y, aunque sea casi extraña al "pathos" evocado, privilegia la armonía lineal, el uso de colores luminosos y serenos, la atmósfera serena.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Inmediatamente después de haber terminado esta obra, se le solicitó que renovara los frescos del coro de Santa Maria Novella. Este coro era parte de la capilla de la familia Ricci, pero las familias Tornabuoni y Tornaquinci, ahora mucho más ricas que aquella, se hicieron cargo de los costos de la restauración con algunas condiciones, como el tener que conservar los escudos de los Ricci, lo cual dio lugar a lo que algunos historiadores describieron como divertidos litigios. Los frescos de la Capilla Tornabuoni, por Ghirlandaio y varios ayudantes, están dispuestos en cuatro ciclos a lo largo de tres paredes, siendo los temas principales las vidas de la Virgen y de Juan el Bautista. Añadido a su interés artístico, estas obras son particularmente interesantes por los numerosos retratos, los cuales cuentan con un valor histórico intrínseco debido al conocimiento iconográfico de los personajes, además de su valor técnico por la especial capacitación del Ghirlandaio para el retrato. Hay al menos veintiún retratos de miembros de la familia Tornabuoni y Tornaquinci; en el "Ángel que se aparece a Zacarías" encontramos los retratos de Poliziano, Marsilio Ficino y otros; en la "Anunciación de Ana e Isabel" se puede reconocer a la bella Giovanna Tornabuoni (identificada incorrectamente por Giorgio Vasari como Ginebra de Benci, famosa por el retrato que le hizo Leonardo da Vinci (National Gallery de Washington); en el "Prendimiento de Joaquín en el Templo" aparecen retratados Mainardi y Baldovinetti (algunos historiadores del arte han considerado que la segunda figura podría ser el padre del Ghirlandaio). La capilla Tornabuoni fue terminada en 1490; el retablo fue probablemente ejecutado con la ayuda de los hermanos de Domenico Davide y Benedetto; la ventana pintada era un dibujo del propio Domenico.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Se relaciona con dichos frescos, el "Retrato de Giovanna Tornabuoni" (1488), del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, único ejemplo de Ghirlandaio en España.


title: Domenico Ghirlandaio

text: La Capilla Ricci fue reabierta y completada en 1490; la tabla del altar, ahora retirada de la Capilla, fue probablemente pintada por Ghirlandaio con la ayuda de sus hermanos David y Benedicto, pintores también aunque no a su altura, estando la ventana ejecutada directamente por Domenico. De1491 es el fresco dedicado a la "Natividad de María" en Santa María Novella.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Otros trabajos notables son un retablo ejecutado al temple con la "Virgen adorada por los santos Zenobio, Justo y otros", pintada en la iglesia de San Justo, y considerada una notable obra maestra, conservada actualmente en la Galería de los Uffizi. "Cristo en la Gloria con Romualdo y otros santos" de la abadía de Volterra, la "Adoración de los Magos" de 1488 en la iglesia de los Inocentes (posiblemente su mejor creación) y finalmente "La Visitación" conservada en el Museo del Louvre y que es probablemente su última obra, de 1491.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Ghirlandaio no se dedicó demasiado al desnudo; una de las obras de este tipo, el "Vulcano y sus ayudantes que forjan los Rayos", fue pintado para el "Spedaletto" y Lorenzo II de Médicis, pero, como tantas otras citadas por el Vasari, está ahora perdida. Dos de sus retratos se conservan en la National Gallery de Londres. Existen también algunos mosaicos producidos antes de 1491, de los cuales el más célebre es la "Anunciación" expuesta sobre una de las entradas de la catedral de Florencia.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Domenico Ghirlandaio murió de "fiebre pestilente" el 11 de enero de 1494, y fue sepultado en la iglesia de Santa María Novella. El día y mes de su nacimiento se desconocen, pero se dice que murió a principios de enero de su año 45º. A lo largo de su vida se casó dos veces y dejó seis hijos, de los cuales tres fueron varones. Uno de ellos, Ridolfo continuó con el taller paterno y se convirtió en un destacado pintor. Tuvo una larga y honorable línea de descendencia, que llegó hasta el siglo XVII, cuando el último miembro de su linaje abrazó la vida monástica. Es probable que Domenico muriera en la pobreza, y todos los datos que se conocen de su vida parecen indicar que fue un hombre gentil, honorable, concienzudo y de notable diligencia.


title: Domenico Ghirlandaio

text: El valor artístico del Ghirlandaio puede considerarse superior a todos sus precursores y contemporáneos, conformando junto con Giotto, Masaccio, Filippo Lippi y Botticelli el elenco de los más grandes pintores italianos del Renacimiento. Su esquema compositivo es grandioso y decorativo, como corresponde con la experimentación clásica y contenida del siglo XV. Su claroscuro, en el sentido de sombreado realista y reflejo de las tres dimensiones, estaba razonablemente avanzada, como lo era su técnica de la perspectiva, que él dibujaba en una escala muy elaborada, simplemente a ojo, sin uso de sofisticadas matemáticas. El uso de los colores es más discutible, pero semejante valoración se aplica menos a los frescos y más a los cuadros a la témpera, que aparecen a menudo demasiado brillantes, y crudamente iluminadas. Sus frescos eran ejecutados completamente en "buon fresco" que, en terminología artística italiana, se refiere a que se abstiene de hacer añadidos en temple. Utilizó exclusivamente estas dos técnicas, y nunca la pintura al óleo.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Una cierta dureza de los contornos, similar a la de los personajes de las esculturas de bronce podría indicar un formación inicial en el campo de este tipo de esculturas. Fue el primero en introducir en el arte florentino la mezcla de arte sacro y profano que ya se practicaba previamente en Siena. Sus dibujos de las figuras de Cristo, la Virgen y los ángeles no son los de más alto nivel; un defecto en sus dibujos que se suele resaltar a menudo es la excesiva fineza de las manos y pies. Una de sus máximas era: pintar se corresponde con dibujar. Ghirlandaio fue un maestro nunca satisfecho, y expresó en cierta ocasión el deseo de tener todos los lienzos de muralla de Florencia para cubrirlos de pinturas. Decía a sus asistentes en el taller que no rechazaran ningún encargo que les ofrecieran, aunque fuese para decorar un armario de señora, e incluso llegó a ejecutar personalmente trabajos de esa índole a pesar del descontento de sus aprendices. No fue sin embargo una persona ávida de dinero, como lo prueba la anécdota de la rapidez con la que renunció a un contrato extra referente a los frescos de la Capilla Ricci, ofrecido por el rico Tornabuoni.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Según Vasari, Ghirlandaio fue el primero en eliminar de sus pinturas el uso de los dorados, representando de modo realista cualquier objeto de los que convencionalmente se pintaban así; se pueden reseñar algunas importantes excepciones, como por ejemplo la luminosidad del paisaje en la "Adoración de los Magos", expuesta actualmente en la Academia de Florencia, y que obtuvo mediante la utilización del oro.


title: Domenico Ghirlandaio

text: Muchos de sus dibujos y estudios son de notable vigor gráfico y pueden contemplarse en la Galería de los Uffici. Uno de los grandes méritos de Ghirlandaio es el de haber iniciado en el arte a Miguel Ángel, el cual sin embargo no permaneció mucho tiempo en su taller. Francesco Granacci es otro entre sus alumnos mejor conocidos.


title: Ghirlandaio

text: Ghirlandaio fue el nombre adoptado por una familia renacentista de pintores florentinos llamada originalmente Bigordi, descendiente de Tommaso Bigordi (o Curradi), orfebre, que se ganó el apodo familiar, según la tradición, debido a la producción de guirnaldas ("ghirlande") plateadas para ornar la cabeza de las nobles florentinas:


title: Ridolfo Ghirlandaio

text: Ridolfo Ghirlandaio (Florencia, 1483 - 1561) fue un pintor renacentista italiano. Hijo de Domenico Ghirlandaio, fue discípulo del pintor florentino Piero di Cosimo y de sus tíos Davide y Benedetto.


title: Ridolfo Ghirlandaio

text: Educado como pintor por su tío Davide, ya que su padre había muerto cuando el todavía era un niño, su estilo se forjó dentro de la rama más conservadora de la escuela florentina. Le influyeron sucesivamente Piero di Cosimo y el joven Fra Bartolomeo, después, Leonardo da Vinci, aunque superficialmente y, sobre todo, Rafael, que fue amigo suyo. El influjo del de Urbino le dio a su arte una cierta flexibilidad y gracia superpuesta a sus raíces más severas. Fue un excelente retratista, como muestra su obra "Retrato de un caballero de la casa Capponi" que se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España).


title: Ridolfo Ghirlandaio

text: A partir de 1512, la influencia de Fra Bartolomeo se hace patente. Ghirlandaio la integra con solvencia, aunque hacia 1520 se empieza a observar un anquilosamiento en su arte, formalmente lograda pero hueca de sentimiento y creatividad. A duras penas logrará mantener el eficaz realismo descriptivo heredado de sus mayores, y muy levemente y a desgana, adoptará alguna novedad de corte manierista.


title: Ridolfo Ghirlandaio

text: Tal vez por su longevidad, con el tiempo Ridolfo representó el estilo más inmovilista dentro de la pintura florentina, reacio a los cambios que operaron los nuevos artistas de tendencia Manierista. Siguió aferrado a los patrones del arte renacentista, tan bien representados por su padre Domenico.


title: Ridolfo Ghirlandaio

text: A su muerte se hizo cargo de su taller su alumno más aventajado, Michele Tosini, más conocido como Michele di Ridolfo del Ghirlandaio. Este mantendrá los patrones heredados del taller, pero solo durante cierto tiempo. Hacia 1540 se sumergirá totalmente en la corriente manierista.


title: Juan Gris

text: José Victoriano González-Pérez, más conocido como Juan Gris (Madrid, 23 de marzo de 1887-Boulogne-sur-Seine, 11 de mayo de 1927), fue un pintor e ilustrador español que desarrolló su actividad principalmente en París. Es considerado uno de los maestros del cubismo.


title: Juan Gris

text: Nace en Madrid en 1887, en el seno de una familia bien situada, lo que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media. El lugar donde nació ocupa ahora el emplazamiento del Hotel Europa, en la calle del Carmen número 4. En este puede observarse su placa conmemorativa de nacimiento.Entre 1904 y 1906 estudia en la Escuela de artes y Manufacturas de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como "Blanco y Negro" y "Madrid Cómico", además de ilustrar el contenido y cubiertas de obras literarias como "Alma América" de José Santos Chocano, "Canciones del camino" de Francisco Villaespesa y "Alma. Museo. Cantares" de Manuel Machado. Su estilo en estos años recuerda a Toulouse-Lautrec y los pintores modernistas catalanes.


title: Juan Gris

text: En 1906, para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París, donde conoce a Pablo Picasso, Fernand Léger y Georges Braque. Vivía en un hostal, en el "Bateau-Lavoir" de Montmartre durante unos diez años.


title: Juan Gris

text: En sus primeros años parisinos subsiste dibujando para publicaciones como "L'Assiette au Beurre", "Le Cri de Paris", "Le Témoin" y "Charivari".


title: Juan Gris

text: Sus primeros intentos como pintor en el cubismo son en el año de 1910, cuando fue dejando gradualmente las labores de ilustración, aunque en los museos españoles existen pocos ejemplos de esta fase. El Museo Thyssen-Bornemisza posee un dibujo de 1911 que sorprende por su radicalidad.


title: Juan Gris

text: En 1912 Juan Gris da claramente el salto al cubismo con varias pinturas presentadas en el Salón des Indépendents de París. El verano de 1913 lo pasó en Céret, donde empezó a trabajar la técnica del "papier collé": recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al cubismo.Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artístico como en lo personal. Picasso fue evolucionando hacia un arte figurativo de gusto clasicista, en sintonía con la "vuelta al orden" que emprendieron muchos otros artistas como André Derain. Mientras, Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave más colorista. Esta última etapa ha sido habitualmente subestimada por comparación con el cubismo analítico, pero ha recobrado estimación en fechas recientes y fue motivo de una antológica en el Museo Reina Sofía en 2005.


title: Juan Gris

text: En sus últimos años Juan Gris diseñó escenografías para dos montajes de ballet de Diaghilev.


title: Juan Gris

text: Falleció en Boulogne-sur-Seine el 11 de mayo de 1927.


title: Juan Gris

text: Al igual que otros cubistas y que el arte moderno en general, Juan Gris tuvo escaso predicamento en los circuitos culturales españoles mientras vivió. Todavía décadas después de su muerte, su producción tenía escasísima presencia en los museos públicos.


title: Juan Gris

text: A partir de la década de 1980 diversos museos y colecciones emprendieron la adquisición de pinturas suyas, gracias a lo cual actualmente existen varios conjuntos importantes. Hay que destacar el muestrario del Museo Reina Sofía (19 pinturas), al que se han sumado en depósito, gracias a un acuerdo suscrito en 2016, cinco obras más de Gris y un grupo de obras cubistas reunido por la fundación de la compañía Telefónica. Poseen también obras de Gris el Museo Thyssen-Bornemisza y la Academia de San Fernando, entre otras instituciones.


title: Henri Matisse

text: Henri Émile Benoît Matisse (Le Cateau-Cambrésis, -Niza, ) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su empleo original y fluido del dibujo.


title: Henri Matisse

text: Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, es reconocido ampliamente, junto con Pablo Picasso, como uno de los grandes artistas del . Al inicio de su carrera, se le identificó con el fovismo y para los años 1920 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno. Durante su trayectoria, supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas.


title: Henri Matisse

text: Nació en una pequeña localidad al norte de Francia, en el seno de una familia dedicada al comercio, específicamente de droguería y semillas. En 1887, se trasladó a París para estudiar leyes, al tiempo que trabaja como administrativo en la corte de Le Cateau-Cambrésis.


title: Henri Matisse

text: Comenzó a pintar en 1889, cuando convaleciente de una apendicitis su madre le llevó elementos para pintar. Dijo de este momento de su vida que descubrió «una especie de paraíso». Y a partir de entonces decidió convertirse en artista plástico, a pesar de que esto decepcionó profundamente a su padre. En París asistió a cursos en la Académie Julian y en 1892 ingresó en la École des Beaux-Arts, donde recibió clases en el taller del pintor simbolista Gustave Moreau, y donde coincidió con Rouault, Camoin y Marquet, además de relacionarse también con el artista Dufy, discípulo de Pierre Bonnard.


title: Henri Matisse

text: Al comienzo de su trayectoria artística, practicó el dibujo del natural en un estilo más bien tradicional, como se aprecia en "El tejedor bretón", y realizó copias en el Louvre. Más adelante pasó a pintar luminosos paisajes de Córcega y de la Costa Azul, dejándose llevar por los aires impresionistas de la época, y practicó esporádicamente el divisionismo. En esta etapa tuvo como discípulo y gran amigo al pintor japonés Yoshio Aoyama (el cual ha dejado en la historia del arte el término de «azul Aoyama»).


title: Henri Matisse

text: Como estudiante de arte, su pintor más admirado fue Chardin, realizando copias de las cuatro piezas del Louvre.


title: Henri Matisse

text: El 31 de agosto de 1894 nació su hija Marguerite, cuya madre, Caroline Joblaud, había sido una de sus modelos. El 8 de enero de 1898, Matisse se casó con Amélie Parayre, con quien tuvo dos hijos, Jean en 1899 y Pierre en 1900, nacidos en Toulouse, donde los Matisse vivían cerca de los padres de Amélie. Los Matisse criaron a los tres niños. En 1896 expuso cuatro lienzos en la Société Nationale des Beaux Arts con notable éxito. Muchas de las pinturas entre 1898 y 1901 recurren al divisionismo, técnica que adopta después de leer un escrito de Paul Signac, "D'Eugène Delacroix au Néo-impressionisme".


title: Henri Matisse

text: Con el comienzo del siglo, lideró junto con André Derain un grupo conocido como fovismo. Un movimiento efímero que celebró tres exposiciones. La primera de ellas fue en el Salón de otoño de 1905.


title: Henri Matisse

text: La primera muestra individual la realizó en la galería Ambroise Vollard en 1904, año en el que pinta su trabajo divisionista más importante, "Luxe, Calme et Volupté", con poco éxito. El uso del color se había hecho más pronunciado, por influencias de Signac y Henri Edmond Cross. En 1905, los artistas del fovismo exponen en el Salon d'Automne. Las pinturas expresan emoción con colores salvajes y disonantes. El crítico de arte Louis Vauxcelles dijo: «Donatello au milieu des fauves!» (‘Donatello entre bestias salvajes’), refiriéndose a una escultura de tipo renacentista que estaba en el salón donde se celebraba la exposición.


title: Henri Matisse

text: Mostró "Ventana abierta, Collioure" ("La fenêtre ouverte") (óleo de 55,3 cm x 46 cm; 1905) y "Mujer con sombrero" ("Femme au chapeau") (óleo de 79,4 cm × 59,7 cm; 1905). La muestra en general y el material de Matisse en particular resultaron un escándalo para la época y fueron objeto de una crítica muy agresiva.


title: Henri Matisse

text: En algunas de sus figuras pintadas hacia fin de siglo está presente la influencia de Cézanne, pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y pintó a la manera fauve: supresión de detalles y tendencia a la simplificación, con lo que obtuvo cuadros impregnados de paz y armonía, como "Lujo, calma y voluptuosidad" o "El marinero de la gorra". Mediante zonas de color diferenciadas, tradujo la forma de los objetos y el espacio existente entre ellos, además de introducir arabescos y crear un ritmo característico en sus cuadros, como en "Las alfombras rojas". Su uso del color fue de una gran sensualidad, aunque siempre muy controlada por una metódica organización estructural. Como él mismo declaró: «Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón». Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad de cuadros como "La habitación roja" (o "Armonía en rojo") o "Naturaleza muerta con berenjenas", en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano ("Taller en rojo").


title: Henri Matisse

text: En 1910 viajó a España; en Madrid visitó el Museo del Prado y su estancia en Granada y Sevilla contribuyó a acercarle a la estética oriental.


title: Henri Matisse

text: En 1912 y 1913 viajó a Marruecos, donde la luz le inspiró cuadros sobre paisajes mediterráneos de gran colorido, como "Los marroquíes". Actualmente, la habitación que ocupó Matisse en estos viajes en el Hotel Villa de France, de Tánger, puede ser visitada y rentada.


title: Henri Matisse

text: Hacia 1916 se inició un periodo en el que se percibe la influencia del movimiento cubista, de creciente importancia, que se traduce en un concepto más geométrico de las formas y una simplificación aún mayor, como en "El pintor y su modelo".


title: Henri Matisse

text: Hacia 1917 se instaló en Niza, conoció a Renoir, y su estilo se hizo más sutil. Produjo en este periodo algunas de sus obras más célebres, como "Ventana en Niza" y la serie de las "Odaliscas", donde queda claramente plasmado el gusto de Matisse por la ornamentación y el uso de arabescos. En los años siguientes viajó por Europa y Tahití, donde concibió la obra en gran formato "La danza".


title: Henri Matisse

text: Hacia la década de 1940, el colorido de sus telas se tornó más atrevido, como en "La blusa rumana" y en el "Gran interior rojo", antecedentes de los gouaches que realizó a finales de los años 1940, en los que cortaba y pegaba papeles coloreados. Es famosa en esta técnica su serie "Jazz", de 1943-1946.


title: Henri Matisse

text: En 1950 decoró la capilla del Rosario de las dominicas de Vence, la obra que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas. En 1951, a través de su amistad con Monique Bourgeois, -una artista que en 1944 decidió hacerse monja dominica- Matisse le prometió que se ocuparía de realizar una capilla de tejado azul y blanco coronada con una cruz de hierro forjado. Además de la capilla, realizó un Vía Crucis -realizado en un único conjunto, compuestas de siluetas en negro-, y se ocupó del mobiliario, las vestimentas litúrgicas, una figura de santo Domingo, un fresco de la Virgen y el Niño, las vidrieras.


title: Henri Matisse

text: Realizó así mismo un gran número de dibujos a pluma e ilustraciones para escritores como Mallarmé y Joyce. En cuanto a sus grabados, el número de piezas alcanza las quinientas, entre litografías, aguafuertes y xilografías. También esculpió en bronce y colaboró escribiendo artículos para distintas revistas especializadas.


title: Henri Matisse

text: En 1963 se abrió en Niza el Museo Matisse, que reúne una parte de su obra.


title: Henri Matisse

text: A diferencia de la variedad que es posible encontrar en la obra de algunos de sus contemporáneos como Picasso, la búsqueda de Matisse se centró en el equilibrio entre color y forma. Esto se puede ver desde el primer cuadro que le abre camino en la escena artística, "Lujo, calma y voluptuosidad" de 1904, el cual está rodeado de simplicidad y frescura, al mismo tiempo que denota una reflexión profunda.


title: Henri Matisse

text: En 1908, en su escrito "Notas de un pintor" (Notes d'un peintre) Matisse subraya su interés en el color al decir que hay que proteger su intensidad a través del orden. Años más tarde, habla de una "belleza" propia de los colores la cual se debe preservar; es un asunto, dice, de construcción y de organización que busque mantener la "bella frescura de los colores" intacta."Ce qui conte le plus dans la couleur, ce sont des rapports. Grâce à eux, et à eux seuls, un dessin peut être intensément coloré, sans qu'il soit besoin d'y mettre de la couleur". (Lo que es más importante con el color son las relaciones. Gracias a ellas, y solo a ellas, un dibujo puede tener un color intenso sin necesidad de que haya color).


title: Henri Matisse

text: Como todos los artistas que se identifican con este movimiento, Matisse busca liberar al color de la referencia a los objetos, logrando así su máxima expresividad. Su obra durante este breve periodo (1905-1907) se caracteriza así por enfrentar tonos puros para así resaltar los planos. Al igual que el resto de los miembros del fovismo, el paisaje y el retrato son los géneros más abordados, como puede constatarse en sus obras "Vista de Collioure" (Vue de Collioure) (1905), "Mujer con sombrero" (1905) o "La gitana" (La Gitane) (1906).


title: Henri Matisse

text: A pesar de tratarse de un periodo de tan solo un año en el que el artista realiza dos viajes a Marruecos, esta etapa es considerada como fundamental en el desarrollo de Matisse, tanto por la producción resultante así como por la influencia continua que significó en su obra. Su importancia es tal que ha sido motivo de estudios y exposiciones como la titulada "Matisse in Morocco": "The Paintings and Drawings 1912-1913," exhibida entre junio y septiembre de1990 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), siendo resultado del trabajo entre esta institución, la Galerìa Nacional de Arte de Washington, D.C., el Museo Pushkin de Moscú y el Museo Hermitage de San Petersburgo (entonces Leningrado).


title: Henri Matisse

text: El país y las condiciones privilegiadas en las que trabaja contrastan con las que había acostumbrado hasta el momento el artista, lo que resulta en alrededor de 20 cuadros, además de diversos bosquejos y dibujos. A pesar de que sus otros viajes al extranjero le permiten apreciar espacios y tipos de luz diferentes que enriquecen su práctica en general, las estancias en Marruecos son importantes por la cantidad y ambición de la obra que produce.


title: Henri Matisse

text: El primero de estos viajes sucede de enero a febrero de 1912, el segundo de octubre de 1912 a febrero de 1913. Durante el primero, permanece confinado en su cuarto del hotel Villa de France, en Tánger, debido a una intensa lluvia que dura un mes. El resultado de este primer periodo marroquí merece atención por ser una condensación de las sensaciones de un artista extraordinario, cuya búsqueda estética es resultado de un descubrimiento personal. “En Tánger trabajé siempre con la mirada puesta en el mismo objetivo, es decir, en el fondo, la búsqueda de mí mismo a través de motivos diversos” (Jack Cowart, “Carnets de croquis et dessins marocains de Matisse : la recherche de soi-même à travers des motifs divers”, p. 101).Previo a Marruecos, Matisse ya había viajado a Argelia en 1906, durante una etapa de transición de su obra. Gracias a este viaje y su investigación de otras tradiciones artísticas como la egipcia, la griega, la asiática, la precolombina y la africana, desde 1907, Apollinaire subrayaba la combinación de todas éstas junto con las evidentes raíces europeas en el trabajo de Matisse. Sin embargo, hasta antes de su estancia en Marruecos, el interés de Matisse en el arte dicho “primitivo” se centraba en su espíritu y no en su estilo.


title: Henri Matisse

text: Como se puede suponer, las obras producidas en Marruecos muestran escenas y elementos de este país del Magreb como "La palma" (La palme) (1912) (cuyo título original era Mañana de marzo en Tánger), "Zorah en amarillo" (Zorah en jaune) (1912), "La marroquí" (La Marocaine) (1912-1913) o "Puerta de la alcazaba" (Porte de la Casbah) (1912-1913). Sin embargo, pintó también un par de cuadros que capturan imágenes posibles en cualquier otro lugar, como las dos naturalezas muertas "Cesta de naranjas" (Corbeile d’oranges) (1912) y "El florero de iris" (Le Vase d’iris) (1912), primera obra hecha durante su primer viaje. La disposición de este cuadro, con sus flores delante de un espejo, hecho probablemente cuando la lluvia confinó al artista a su habitación de hotel, anuncia obras similares de naturalezas muertas frente a espejos como las que haría más tarde en Niza.


title: Henri Matisse

text: Un acierto de Matisse en los cuadros que realizó de escenas exteriores de Marruecos es la forma en que recrea la luz a partir de capas de veladura de pigmentos finos, transparentes y translúcidos. Uno de los mejores ejemplos de lo anterior puede ser observado en "Sobre la terraza" (Sur la terrasse) (1912-1913). En esta obra Zorah, la modelo favorita del artista en ese viaje, está sentada sobre la terraza del burdel donde trabajaba. La luz entra por la derecha y la línea del cielo en el borde superior contrasta con las zonas de luz y sombra del interior, el cual es de una gran variedad de tonalidades de azul que rodean a la modelo, sonriente y totalmente vestida, con un velo que le cubre el cabello.


title: Henri Matisse

text: Luego de las dos estancias marroquíes, la experiencia acompaña a Matisse y a su obra de una u otra forma por el resto de su vida. Su influencia se ve, por ejemplo, en el trabajo de collage en papel que realiza al final de su vida. Por ejemplo, es posible ver una presencia de Marruecos en la "Zulma", collage de 1950 que hace pensar en su modelo Zorah.


title: Henri Matisse

text: Durante los primeros años de su vida en Niza, la influencia marroquí es quizá mucho más clara y explícita a través de odaliscas y sus vestidos exóticos delante de decorados evidentemente marroquíes. Ejemplos de lo anterior lo tenemos en los cuadros "Almuerzo oriental" (Déjeuner oriental) (1917) y "Odalisca y taburete" (Odalisque et Tabouret) (1928).


title: Henri Matisse

text: Matisse pasó los últimos años de su vida produciendo desde una silla. En 1941, tras un cáncer de colon y una serie de operaciones quirúrgicas, la fragilidad general que experimenta lo obliga a pasar sus días con el apoyo de una silla de ruedas, desde donde se las ingenia para continuar con lo que llamaba "pintura con tijeras". Se tratan así de collages (también referidos como "cut-outs" en inglés o "gouaches découpées" en francés) hechos con recortes de hojas de papel blanco pintadas con gouache. Sobre todo en las obras de grandes dimensiones, Matisse daba las instrucciones sobre los colores a utilizar por sus asistentes -al frente de los cuales estaba Lydia Delectorskaya-, para luego él mismo recortarlos y dejar que su equipo los pegaran con alfileres al soporte final.


title: Henri Matisse

text: Además del colorido de las piezas, que contrasta con el contexto internacional de la Segunda Guerra y la situación personal del artista, los temas representados en los collages son igualmente joviales. Alrededor de la escena o personaje(s) central(es), destacan muchas veces figuras dinámicas e igualmente coloridas que recuerdan formas de la naturaleza como corales, algas marinas o estrellas. Uno de los mejores ejemplos de esta etapa es "Jazz," libro ilustrado con tema circense que realiza en pleno conflicto bélico pero publicado hasta 1947. ""


title: Henri Matisse

text: La obra de Matisse está repartida en distintas colecciones públicas y privadas alrededor del mundo, principalmente en el museo que lleva su nombre.


title: Henri Matisse

text: Fundado en 1963 y catalogado como museo nacional, este recinto ubicado en Niza alberga la colección del artista donada por sus herederos al gobierno de esta ciudad de la Costa Azul francesa.


title: Henri Matisse

text: Además de las obras de Matisse, posee más de 130 objetos que pertenecían a su taller como mobiliario, textiles, utensilios diversos. En cuanto a la obra de arte realizada por Matisse, el museo cuenta con 31 pinturas, 236 dbujos, 218 grabados, 38 collages al gouache, 57 esculturas y 14 libros ilustrados que dan cuenta de todos sus periodos de producción. En 2012, la familia del artista hizo una donación adicional de 400 fragmentos de papel pintados al gouache que nunca fueron utilizados por Matisse.


title: Henri Matisse

text: El fondo correspondiente a la escultura es el más grande de un museo en Europa y contiene casi todas las obras hechas con esta técnica por el artista.


title: Henri Matisse

text: Cuenta también con un fondo de fotografías que captan a Matisse en distintos momentos de su vida y realizadas por fotógrafos de renombre como Herni Cartier-Bresson.


title: Henri Matisse

text: Algunos de sus principales trabajos pertenecen al acervo del Hermitage, en San Petersburgo, Rusia, incluido "La danza" (1910), uno de sus obras más emblemáticas y reconocibles. Este recinto también alberga cuadros de la estancia del artista en Marruecos, pintados entre 1912 y 1913, así como retratos del periodo de 1909 a 1913, y algunos realizados en las décadas de 1920, 1930 y 1940.


title: Henri Matisse

text: La colección del Museo Nacional de Arte Moderno de Francia que alberga el Centro Pompidou incluye obra de las principales etapas de producción de Matisse. En total, se tratan de 245 piezas entre dibujos, esculturas, grabados y pinturas. Cinco de estas piezas fueron adquiridas en 2001 y correspondían a la colección de Marie Matisse (1914-1999), viuda de Jean Matisse, hijo mayor del artista.


title: Henri Matisse

text: El MoMA alberga cerca de 20 obras de Matisse, entre pintura, dibujos, grabados, esculturas y cerámicas pintadas.


title: Henri Matisse

text: El Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York tiene obras de Matisse como parte de su colección Sergei Shchukin, célebre coleccionista ruso que se convirtió en uno de los principales mecenas de Matisse.


title: Jan van Eyck

text: Jan van Eyck [ˈjɑn vɑn ˈɛik] (o Johannes de Eyck, Maaseik, c.1390-Brujas, 9 de julio de 1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas. Está considerado como uno de los mejores pintores del norte de Europa del siglo XV y el más célebre de los Primitivos flamencos. Robert Campin, que trabajó en Tournai y los hermanos Van Eyck en Flandes, fueron las figuras de transición desde el gótico internacional a la llamada escuela flamenca. El estilo flamenco que se dio en los Países Bajos en el siglo XV se ha considerado tradicionalmente como la última fase de la pintura gótica. Otra corriente lo enmarca en lo que se ha dado en llamar prerrenacimiento. A este estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el Renacimiento nórdico de Europa, también se le llama "Ars nova".


title: Jan van Eyck

text: Jan van Eyck pertenecía a una familia de pintores. A menudo se ha relacionado con el pintor Hubert van Eyck, al que se considera su hermano, debido a que se cree que ambos provenían de la misma ciudad, Maaseik. En documentos de la corte borgoñona se menciona a otro hermano, Lambert van Eyck y se tiene la teoría de que pudo haber sido pintor y también que fue quien supervisó el cierre del taller de Jan van Eyck en Brujas. Otro pintor significativo, y bastante más joven, que trabajó en el sur de Francia, Barthélemy van Eyck, se cree que era un pariente suyo.


title: Jan van Eyck

text: Se desconoce la fecha del nacimiento de Van Eyck. Una tradición que se remonta a Lucas de Heere (1559) y Marcus Van Vaernewijck (1568) fija el lugar de nacimiento de Jan van Eyck en Maaseik, cerca de Maastricht, en la provincia de Limburgo, a orillas del río Mosa y perteneciente a la diócesis de Lieja. Nada se sabe sobre su formación como artista, ni siquiera si fue en Francia o en su tierra natal. Probablemente su formación fue en el campo de la miniatura, de la cual aprendió el amor por los detalles diminutos y por la técnica refinada, que se refleja incluso en las obras pictóricas. Se ha apuntado la posibilidad de que se formase en París, pero lo cierto es que no hay pruebas que lo acrediten.


title: Jan van Eyck

text: El documento más antiguo que existe de él es de la corte de Juan III de Baviera, príncipe-obispo de Lieja, conde de Holanda y de Zelandia, en La Haya, donde se hicieron pagos a Jan van Eyck entre octubre de 1422 y septiembre de 1424 como pintor de corte, con el rango cortesano de ayuda de cámara, y primero uno y luego dos asistentes. Esto sugiere una fecha de nacimiento en el año 1395, como muy tarde, y de hecho posiblemente antes. La edad que aparenta en su posible autorretrato sugiere a la mayor parte de los estudiosos una fecha más temprana que 1395.


title: Jan van Eyck

text: Sus primeros pasos artísticos se dieron en el mundo de la miniatura, en la época dominada por la tradición tardogótica francesa. De este primer período sólo quedan las miniaturas del "Libro de Horas de Turín". Su datación y comitente no quedan claros. Se ha apuntado la posibilidad de que lo encargara el duque Guillermo IV de Baviera antes de 1417. Sin embargo, generalmente se entiende que fueron ejecutadas en La Haya para el conde de Holanda, Juan de Baviera entre 1422 y 1424. La mayor parte de las miniaturas que contenía fueron destruidas por el fuego en 1904, aunque existen fotografías, pero otra parte del manuscrito se conserva en el Museo civico d'arte antica de Turín. En los mejores folios del libro miniado, atribuidos por Hulin de Loo al «maestro G» (posiblemente, Jan van Eyck), las figuras están ya plenamente integradas en un espacio realista, con una luz que unifica la representación y delinea con gran precisión y detalles diminutos la sala y las ocupaciones de los personajes. Queda claro que Van Eyck se planteaba, como Masaccio, el problema de la realidad: pero mientras el italiano hacía una síntesis que acogía la sola esencia de las cosas, preocupándose de colocarla en un espacio con perspectiva unitaria y racional, el flamenco procedía en lugar de ello analizando con lucidez y atención los singulares objetos como se presentan ante nuestros sentidos.


title: Jan van Eyck

text: No se sabe exactamente si estas miniaturas las hizo Jan o su hermano Hubert, como ocurre con otras obras de esta época. La autoría de obras de Van Eyck anteriores a 1426, fecha en que murió su hermano Hubert, se discute y la atribución a Hubert o a Jan es delicada. Esto ocurre con las "Tres Marías ante el sepulcro" del Museo Boymans van Beuningen, que se suele atribuir a Hubert por lo arcaico de la composición. Parece que es obra de Hubert van Eyck una "Crucifixión" de la Gemäldegalerie de Berlín, y hasta se llegó a dudar de si el Tríptico de Dresde es obra de Jan o de Hubert. La tabla central de este tríptico representa a la "Virgen entronizada con el Niño" y en los paneles laterales se encuentran San Miguel con el donante a la izquierda y Santa Catalina a la derecha; el marco es aún el original y sobre la cara externa de los portillos se puede ver una "Anunciación" pintada con grisalla.


title: Jan van Eyck

text: Hubert murió el 18 de septiembre de 1426, y Jan prosiguió con la gran obra de la pintura flamenca de principios del siglo XV, el Políptico de Gante, que acabó en 1432. Fue un encargo de Jodocus Vijdts y su esposa Isabel Borluut. Está formado por numerosas tablas. Cuando se cierra presenta la Anunciación. Cuando está abierto aparece, en la parte superior, lo que se llama la Déesis, esto es, Jesucristo en el centro como Pantocrátor y a los lados la Virgen María y San Juan Evangelista, mientras que a la izquierda se encuentran los "Ángeles cantores y Adán" y a la derecha los "Ángeles músicos y Eva". Debajo se encuentra un gran panel con el tema del Cordero Místico en prados verdes, y se acercaban a adorarlo diversos grupos sociales. A los lados se encuentran los "Caballeros de Cristo y de Jueces íntegros" (a la izquierda) y los "Eremitas y los peregrinos" (a la derecha). También se incluía alegorías de virtudes, la Justicia, la Fortaleza, la Prudencia y la Templanza. En esta obra se pueden apreciar algunos de los caracteres típicos de la pintura de Van Eyck: naturalismo analítico, uso de colores luminosos, cuidado por la representación del paisaje y gran lirismo, todos elementos que se representan incluso en las pinturas ejecutadas a pocos años de distancia del "Políptico de Gante".


title: Jan van Eyck

text: Comenzado en algún momento antes de 1426 y terminado, al menos en parte, para el año 1432, este políptico se considera que representa «la conquista final de la realidad en el Norte», que se diferencia de las grandes obras del Primer Renacimiento en la Italia en virtud de su deseo de privarse de la idealización clásica a favor de una observación fiel de la naturaleza. Se encuentra en su ubicación original, la catedral de San Bavón en Gante, Bélgica. Ha tenido una historia turbulenta, sobreviviendo a los alzamientos iconoclastas del siglo XVI, la Revolución Francesa, gustos cambiantes que llevaron a su diseminación, y más recientemente el saqueo de los nazis. Cuando la Segunda Guerra Mundial acabó fue recuperado en una mina de sal. No menos turbulenta fue la historia de la interpretación de esta obra. Una cuarteta de versos alejandrinos en latín, copia de la original que figuraba en este retablo, oculta bajo la pintura y descubierta por medio de rayos X, afirma que Hubert comenzó la obra y la culminó Jan: Hubert van Eyck "maior quo nemo repertus" (más grande que cualquier otro) comenzó el retablo, pero Jan van Eyck – llamándose a sí mismo "arte secundus" (segundo mejor en el arte) – lo acabó. Según esta inscripción, el Políptico de Gante es el resultado del esfuerzo colaborador de Jan van Eyck y su hermano Hubert. La interpretación tradicional es que Jan reunió los paneles que Hubert tenía comenzados antes de su muerte en 1426, y añadió otros nuevos de su propia creación, ensamblándolos todos juntos. La cuestión de quién pintó qué, «¿Jan o Hubert?» se ha convertido en una cuestión mítica entre los historiadores del arte. La crítica parece hoy inclinada a atribuir a Hubert la concepción y en parte la ejecución de la tabla con la Adoración y de las tres tablas superiores, mientras que todo el resto lo ejecutaría Jan que trabajó en ella de manera alterna, de ahí la falta de homogeneidad entre diversos compartimentos, que para ser apreciado por completo deben ser analizados singularmente. Pero hay algunos que se cuestionan, incluso, la validez de la inscripción, y de ahí la implicación de Hubert van Eyck en la obra. Hacia 1930, Emil Renders incluso sostuvo que «Hubert van Eyck» era una total ficción inventada por los humanistas de Gante en el siglo XVI. Más recientemente, Lotte Brand Philip (1971) ha propuesto que la inscripción en el Políptico de Gante ha sido malinterpretada, y que Hubert era (en latín) el «fictor», no el «pictor», de la obra. Ella interpreta esto en el sentido de que Jan van Eyck pintó todo el retablo, mientras que su hermano Hubert creó el marco escultórico.


title: Jan van Eyck

text: Tras la muerte de Juan III de Baviera, en enero de 1425 se reencontró en Flandes con su hermano, Hubert van Eyck, igualmente pintor. Entró entonces al servicio del poderoso e influyente príncipe Valois, Felipe el Bueno, duque de Borgoña el 19 de mayo de 1425, como pintor y "valet de chambre", es decir, ayuda de cámara, con un salario anual fijo que inicialmente fue de 100 libras. Fue su pintor oficial hasta su muerte. El centro artístico de los duques de Borgoña, que habían sido París y Dijon, pasó con Felipe el Bueno a Flandes y Brabante. Felipe no tuvo una capital fija y movía la corte entre diversos palacios, principalmente en las ciudades de Bruselas, Brujas o Lille. En esta última localidad vivió Van Eyck aparentemente entre 1426 y 1429.


title: Jan van Eyck

text: Una serie de documentos registran sus actividades al servicio de Felipe. Es evidente que gozaba de gran prestigio y muy buenas relaciones con el duque, y por ello se le habrían encargado viajes "secretos", de carácter diplomático. El 26 de agosto de 1426, el pintor recibió pago para emprender, en nombre del duque, un peregrinaje y un lejano viaje secreto y, de nuevo, el 27 de octubre del mismo año por «ciertos lejanos viajes secretos». De nuevo en julio y agosto de 1427 recibe la remuneración correspondiente, según parece, a una misión diplomática en el extranjero. Esto atestigua que durante los años 1426 y 1427, Van Eyck habría hecho, al menos, dos viajes lejanos. El destino de esos viajes aún hoy en día se desconoce. Se ha especulado con la idea de que algunos de esos pagos se refieran a su posible participación en una embajada a Valencia, en 1426, aunque falta la certeza. Se trataba de pedir a Alfonso V de Aragón la mano de su sobrina Isabel de Urgel para Felipe el Bueno. La presencia de Van Eyck parece verosímil si se considera el interés que su obra despertó en Alfonso V, quien poseyó tres pinturas de Van Eyck, entre ellas un "San Jorge y el dragón" adquirido en Brujas, y al hecho de que, entre 1431 y 1436, el rey le envió a Lluís Dalmau, su pintor de cámara, a perfeccionar en Flandes sus conocimientos de la pintura al óleo. La "Virgen dels Consellers" de Lluís Dalmau (h. 1445, Barcelona, MNAC) evoca indudablemente al Políptico de Gante.


title: Jan van Eyck

text: El 18 de octubre de 1427, Van Eyck, de vuelta a los Países Bajos, fue invitado a un vino de honor por el magistrado de Tournai. Aún estaba en Tournai el 23 de marzo de 1428. Las negociaciones de Valencia fracasaron y Felipe el Bueno envió una embajada a Lisboa (Portugal) a pedir en matrimonio a la infanta Isabel, la hija de Juan I. Un documento de la época confirma que Van Eyck formaba parte de la embajada. De los supuestos viajes de Van EycK es este el único del que se tiene información detallada, tanto del motivo como del destino gracias al relato que de él hizo a su regreso el rey de armas de Flandes, conservado en un documento titulado "Copie du verbal du voyage de Portugal qui se feist de par feu monseignueur le bon duc Phelippe de Bourgoingue", del que existe una segunda copia en castellano con lusitanismos. La embajada partió de Sluys el 19 de octubre de 1428 y no regresó hasta el 25 de diciembre del año siguiente. En Portugal los embajadores fueron recibidos por Juan I en Avis el 13 de enero de 1429. La presencia en la embajada de Van Eyck y la razón para ello queda atestiguada en el citado documento:


title: Jan van Eyck

text: En enero de 1429, en el castillo de Avis, ejecutó dos retratos de la princesa, actualmente perdidos. Estaban concluidos el 11 de febrero cuando partieron cuatro correos hacia Flandes, dos por mar y dos por tierra, con información de lo tratado acerca del concierto matrimonial y «la figura de la dicha dama hecha en pintura». Mientras esperaban respuesta, tres de los embajadores y sus séquitos con otros familiares y gentilhombres entre los que es posible que figurase Van Eyck visitaron Santiago de Compostela, y de allí marcharon a entrevistarse con el duque de Arjona, el rey de Castilla, Juan II, con quien se encontrarían probablemente en Ávila o en Madrid, y el rey de Granada, Muhammed VIII. La presencia del pintor en la península ibérica podría haber contribuido a despertar en ella el interés por el arte flamenco, pero también ayudaría a explicar la presencia en la obra de Van Eyck de elementos decorativos en azulejos y alfombras de inspiración orientalizante, nazarí o valenciana.  Estos viajes le permitieron reconocer nuevas luminosidades, cielos y atmósferas diáfanas e incluso notar nuevas vegetaciones. En el "Políptico de Gante" aparecen, como parte del paisaje de la paradisíaca Nueva Jerusalén, figuradas con precisión casi de naturalista especies mediterráneas.


title: Jan van Eyck

text: No quedan las obras que le encargasen el conde de Holanda primero y el duque de Borgoña después. De hecho, las obras de Van Eyck que se le atribuyen sin dudar, debidamente firmadas y datadas, pertenecen todas a la última década de su vida y, además, no son encargo de aquellos nobles sino de comerciantes, altos funcionarios y clérigos a título particular. Parece que después del 1429 se instaló en Brujas, donde adquirió una casa en el año 1431; aproximadamente en la misma época, se casó con una tal Margarita, de la que se ignora su procedencia. Tuvieron un hijo en 1434 y luego otro quizás en 1435. El duque los gratificó con un regalo y fue el padrino de uno de los hijos. Parece que trabajó en el año 1433 en el palacio de Coudenberg en Bruselas. Como pintor y ayuda de cámara del duque, Jan van Eyck estaba excepcionalmente bien pagado. Su salario anual era bastante alto cuando fue contratado por vez primera, pero se le dobló dos veces en los primeros años y a menudo recibió suplementos por encargos especiales. Sólo su salario ya hace de Jan van Eyck una figura excepcional entre los primitivos flamencos, puesto que la mayor parte de ellos dependían de encargos para ganarse el sustento. En 1434-1435, el magistrado de la ciudad de Brujas retribuyó a Van Eyck por la policromía de seis estatuas y su baldaquino en la fachada del Ayuntamiento. La visita que el magistrado había hecho el 17 de julio de 1432 a su taller se refería quizá a este encargo. Un indicativo de que el arte y la persona de Van Eyck eran extraordinariamente considerados es un incidente administrativo ocurrido en septiembre de 1434: la cámara de cuentas de Lille rechazó pagar a Van Eyck; el 13 de marzo de 1435, el duque intervino personalmente a favor de su pintor, reprendiendo a sus tesoreros por no pagarle su salario, argumentando que Van Eyck los abandonaría y que no sería capaz de encontrar a nadie que igualase su «arte y ciencia». En esta época siguió haciendo viajes por encargo del duque, estando en Hesdin en 1431-1432 y en Lille en el año 1432.


title: Jan van Eyck

text: El 20 de agosto de 1436, fue remunerado por «ciertos viajes lejanos en tierras extranjeras». Se trata probablemente de una misión en tierras no cristianas, relacionada con los proyectos de cruzada de Felipe el Bueno, quizá un viaje por Bizancio o Jerusalén. No puede excluirse que Van Eyck haya tenido que hacer reconocimientos de caminos y territorios y reflejarlos en un plano.


title: Jan van Eyck

text: Al período 1432-1439, viviendo ya en Brujas, pertenecen las pinturas datadas que se consideran indudablemente como de Jan van Eyck. Hay algunas obras de atribución incierta que se imputan más a su taller, como ocurre con un "San Jerónimo en su estudio" que se cree que realizó en todo, o en parte, el taller. También a ese taller se atribuye "La Fuente de la Gracia y triunfo de la Iglesia sobre la Sinagoga" del Museo del Prado, procedente del Monasterio de El Parral, cuya fecha de ejecución se discute, oscilando entre los años 1430 y 1455. Una segunda obra de Van Eyck y el taller se relaciona directamente con España y testimonia el temprano aprecio que su pintura alcanzó en la península: el "Díptico de la Crucifixión y el Juicio Final", comprado a un convento próximo a Madrid (o a Burgos) a mediados del siglo XIX por el príncipe D. P. Tatistcheff cuando era embajador en España. A su muerte, Jan Van Eyck dejó inacabada la "Virgen de Nicolás Van Maelbecke" (colección privada, Gran Bretaña), que estaba destinada a la iglesia de San Martín en Ypres.


title: Jan van Eyck

text: Según una cuenta para los funerales en la iglesia de San Donaciano en Brujas, cuenta cerrada el 23 de junio de 1441, murió poco antes de esa fecha. En calidad de miembro de la «familia» ducal, fue inhumado en el claustro anejo a esta iglesia; en 1442, por intervención de su hermano Lambert, su tumba fue transferida al interior de la iglesia. La lápida en el centro de la cual estaban grabadas las armas de la corporación de los pintores desapareció en 1800 con la destrucción de la iglesia (cf. El dibujo de P. De Molo hacia 1785). Un epitafio en cobre de principios del siglo XVI desapareció durante las guerras de religión. Se puso un nuevo epitafio, en madera pintada, en 1768; desapareció desde 1782. Lucas de Heere y Marcus Van Vaernewijck precisan que Van Eyck murió joven.


title: Jan van Eyck

text: El 22 de julio de 1441, por lo tanto después de su muerte, el duque pagó aún, a la viuda, una parte de sus ingresos anuales y, cuando su hija Lievine entró al convento de Santa Inés en Maaseik, en 1449-1450, le asignó una gratificación. No se conserva prácticamente nada de los encargos que Van Eyck realizó para Felipe el Bueno. Trabajó en la decoración de las residencias de Hesdin (1431 o 1432), de Bruselas (1433), y de Lille (1434). Generalmente, se relaciona con estos trabajos una pintura con una fiesta de caza en la corte de Felipe el Bueno, copia del segundo cuarto del siglo XVI de una obra perdida de evidente carácter eyckiano. Hacia 1460, cuando, en su "Tratado de arquitectura", Filarete trataba de la ornamentación de los palacios, menciona el nombre de Jan van Eyck. Había pintado, sin duda, retratos del duque y su familia. Muchos retratos grabados del siglo XVII mencionan a Van Eyck como "Inventor", lo cual puede ser una pista. Un dibujo del siglo XVIII, que pertenece a una colección privada alemana, lleva una inscripción según la cual se trataría del retrato de la infanta Isabel realizado en Portugal. En 1456, Bartolomeo Facio describe un «mappa mundi» realizado por Jan van Eyck para Felipe el Bueno. Era muy meticuloso y permitía medir las distancias. Es posible que fallase a la hora de identificar un mapa del mundo firmado en el Prinsenhof de Gante. No se excluye que el duque haya encargado a Jan van Eyck obras decorativas de carácter heráldico.


title: Jan van Eyck

text: Dejando a un lado su obra más conocida, el Políptico de Gante, la obra de Jan van Eyck está formada sobre todo por representaciones de Virgen María y de retratos.


title: Jan van Eyck

text: Una de las principales tablas de Van Eyck es su "Virgen en una iglesia" (h. 1438), conservada en la Gemäldegalerie de Berlín, que evoca un interior iluminado con una luz preciosa e inmaterial que suscitó gran admiración; hubo dos copias de esta obra, que se deben a Gossaert y el conocido como Maestro de 1499. La Virgen María protagoniza dos notables paneles conmemorativos: la "Virgen del Canciller Rolin" que se encuentra en el Louvre de París y la "Virgen del canónigo Van der Paele" que se conserva en el Museo Groeninge de Brujas. La "Virgen del canciller Rolin" fue ejecutada entre 1434 y 1435, y muchos la relacionan con la paz de Arrás estipulada en el año 1435. Fue un encargo del canciller del duque de Borgoña y tenía como destino su capilla en la catedral de Autun. La escena se desarrolla en el interior de un ambiente cerrado pero con una amplia arcada en el fondo que crea un complejo juego de luces y de sombras. Las dos figuras principales, la Virgen y el donante, están perfectamente equilibradas y dispuestas una frente a la otra; la ropa del canciller en adoración está decorado con preciosos bordados, mientras que el Niño tiene en la mano una cruz luminosa y la Virgen está vestida con un largo ropaje rojo sobre el que están recamadas en letras de oro los pasos del oficio matutino recitado durante la misa celebrada delante del canciller.


title: Jan van Eyck

text: Las arcadas dejan asomar una vista de una ciudad fluvial reproducida en todos sus detalles: los edificios, las calles e incluso los minúsculos habitantes. Este detallismo descriptivo en la composición contribuía a su visión de dentro y era considerada como la solución ideal para combinar la representación de un interior con el paisaje exterior que se abre al fondo.


title: Jan van Eyck

text: La "Virgen del canónigo Van der Paele" es la tabla más grande de las de Jan van Eyck, después del "Políptico de Gante". De sus otras pinturas religiosas, destaca la "Anunciación" de Washington D. C.. Del año 1433 es la "Virgen con Niño", llamada "de Ince Hall". Al último período de actividad del pintor ha de referirse la "Virgen de la fuente" (obra firmada y datada en el año 1439, custodiada en el Museo Nacional de Amberes) y la que es conocida como la "Virgen de Lucca".


title: Jan van Eyck

text: En todas estas obras se representa a la Virgen de una manera idealizada y poética, que contrasta con el realismo en la representación de los donantes.


title: Jan van Eyck

text: A Jan van Eyck se le considera el fundador del retrato occidental. Sus modelos casi siempre están representados en busto; la cara, vistos tres cuartos, se vuelve hacia la izquierda, y los ojos fijan a menudo al espectador, lo que constituía en la época una innovación radical. Su obra maestra dentro de este género, y una de las cumbres de la pintura flamenca, es el "Retrato de los esposos Arnolfini" (1434). Representa el momento de la boda, en un interior flamenco, de un rico negociante establecido en Brujas, Giovanni Arnolfini, y su esposa. Se trata de una de las más frecuentemente analizadas por los historiadores de arte. Van Eyck inscribió en el muro posterior (pictórico) "Johannes de Eyck fuit hic 1434" («Jan van Eyck estuvo aquí», 1434), por encima de un espejo circular convexo en el cual aparecen vagamente reflejados dos personajes, quizá los dos testigos, uno de los cuales sería el propio Van Eyck. Aunque no es exactamente el sistema de juego especular que luego utilizará Velázquez en "Las Meninas", existe en el cuadro de Van Eyck un interesante precedente, que es, entre otras cosas, una búsqueda de la superación que la bidimensionalidad del cuadro impone a la representación de los espacios. Se puede entonces ver en esta obra un verdadero certificado de matrimonio. Van Eyck refuerza una «integración» del espectador dentro del espacio virtual representado en su obra. Como en casi todas las obras de Van Eyck, en ésta abundan las alegorías y las simbologías. Pero en años recientes se han cuestionada varias ideas populares al respecto. Por ejemplo, que no se pintó como un certificado de matrimonio, o la documentación de un compromiso, como originalmente sugirió Erwin Panofsky. Aunque la mujer parece estar embarazada, el gesto de la mano de levantar el vestido aparece en representaciones contemporáneas de las santas vírgenes (incluyendo el "Tríptico de Dresde" del propio Van Eyck y una pieza de taller, la "Virgen" de la Colección Frick); sin embargo, el tipo de cuerpo, y la moda que acentuaba ese tipo corporal, puede enfatizar el potencial reproductor de las mujeres. Documentos recientemente descubiertos indican que la esposa de Giovanni Arnolfini murió antes del año 1434, junto con detalles en la imagen, sugieren que la mujer retratada había muerto (quizás como resultado de un parto) antes o durante el proceso de realización de la pintura. En este retrato destaca la profundidad psicológica alcanzada a la hora de retratar a la pareja, así como el detalle por la ambientación minuciosa y cuidada. Se considera uno de los primeros retratos burgueses, género que tendría un extraordinario desarrollo.


title: Jan van Eyck

text: Van Eyck pintó una serie de retratos excepcionalmente evocadores e inquietantes. Reclamaban su trabajo como retratista por la exactitud a la hora de reflejar los modelos. Entre ellos está el de su esposa, Margarita (Brujas, Museo Groeninge), y lo que se cree que es su autorretrato, "Retrato de un hombre", a menudo titulado erróneamente como "Retrato de un hombre con turbante rojo", pues lo que le cubre la cabeza es un capirón. Tiene su firma y fecha de ejecución (21 de octubre de 1433) y el lema flamenco que se ha hecho famoso: «Als ich kan», que significa «como puedo», que aparentemente es una frase modesta («hago lo que puedo»), pero en realidad puede ser falsa modestia («hago esto porque puedo»). El fondo oscuro exalta el rostro del hombre que tiene un enorme turbante sobre su cabeza, sobre el que recae inevitablemente la mirada del espectador que admira la sorprendente habilidad para representar los pliegues del paño a través del contraste entre las luces y las sombras.


title: Jan van Eyck

text: Aun con dudas, parece que sí es de Jan van Eyck un díptico que representa la «Crucifixión» y el «Juicio Final», que se conserva en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que lo data hacia el año 1440. Quizá formaban parte de un políptico más amplio desmembrado o bien es sólo un díptico. El espacio de la "Crucifixión" está organizado según un punto de vista realzado que aumenta la sensación de profundidad; a los pies de la cruz se reúne una gran cantidad de personajes entre los que se ven soldados y dignatarios de la corte retratados con impasible distancia, contraponiéndose a la desesperación de la Virgen arrodillada en primer plano y envuelta en una larga vestidura azul celeste que deja descubierto mostrando el rostro. El sentido de dramatismo está acentuado por la posición del ladrón sobre la derecha representado con el cuerpo doblado sobre la cruz, como en un intento extremo de liberarse de las cuerdas, mientras que el cielo plomizo anuncia la inminente muerte de Cristo; la ciudad que se ve sobre el fondo, con sus numerosos edificios que recuerdan las construcciones flamencas de su época, representa la Nueva Jerusalén.


title: Jan van Eyck

text: La tabla con el "Juicio Final" en cambio, está construida según un modelo de derivaciones medievales, con una disposición en tres planos y con las figuras de grandeza diversa según su grado de importancia; en lo alto se encuentra Cristo rodeado por ángeles que portan los instrumentos de la Pasión, por la Virgen y San Juan y bajo los doce apóstoles con santos y beatos a los lados. En la parte inferior de la pintura se cven los muertos que emergen de la tierra y del mar en atención del juicio con el arcángel Miguel que queda por encima del esqueleto de la Muerte representado con alas de murciélago usadas para delimitar el espacio de los infiernos donde los condenados son lanzados para alimentar a terribles monstruos que rompen los cuerpos en pedazos.


title: Jan van Eyck

text: La tabla contiene también inscripciones destinadas a la correcta interpretación de las imágenes, confiriendo una función de erudición a la obra que quizá estaba destinada a una persona instruida, que era capaz por ello de leerla y de comprender su significado.


title: Jan van Eyck

text: Aunque los hermanos van Eyck inauguran realmente el renacimiento nórdico, se han de tener en cuenta como antecedentes que les han influido los miniaturistas Gebroeders van Limburg, el escultor Claus Sluter, y, aún más directamente al pintor Melchior Broederlam. Jan van Eyck es tan importante para la pintura al norte de los Alpes como Masaccio para el arte italiano. Hay un error común, que se remonta al siglo XVI, las "Vite" del artista y biógrafo toscano Giorgio Vasari, que Jan van Eyck inventó la pintura al óleo. Sin embargo, el óleo como técnica para pintar tallas de madera y otros objetos es muy anterior, y Teófilo (¿Roger de Helmarshausen?) da claras instrucciones para pintura basada en el óleo en su tratado "Diversarum Artium schedula sive de diversis artibus" (1125). También documenta la difusión de esta técnica en Flandes desde el siglo XIV el llamado "Manuscrito de Estrasburgo". Pero sí es verdad que los hermanos Van Eyck estuvieron entre los primeros pintores flamencos que lo usaron para pinturas sobre tabla muy detalladas. Fueron ellos quienes lograron nuevos y destacados efectos a través del uso de veladuras, la técnica de pintar con finas capas de pintura húmeda sobre capas previas completamente secas, y otras técnicas. Jan van Eyck aumentó la proporción de aceite transparente en la mezcla, lo que le permitía superponer varias veladuras, de manera que lograba mayor luminosidad y colores intensos. El aglutinante utilizado por Van Eyck tenía como base aceite secante y de otro elemento que volvía el aglutinante consistente, lo que era una de las dificultades encontradas por los usuarios de la pintura al óleo posteriores. Llevó la técnica de la pintura al óleo y el realismo de los detalles (destacadamente la representación de las materias) en una cumbre nunca alcanzada antes que él, la técnica flamenca permitiendo también la claridad de estos. Estas capas de óleo se aplicaban sobre un soporte que consta de una tabla de madera (generalmente de haya) pulida y pintada de blanco, con lo que se logra una reflexión de la luz con el consecuente brillo de la pintura y una sugestión de profundidad. Van Eyck se atrevió con estos métodos a intentar lo que luego se llamaría "trompe d'œil" o trampantojo. Por la temprana maestría de Van Eyck en la técnica al óleo, se le conoce tradicionalmente como el «padre de la pintura al óleo».


title: Jan van Eyck

text: Se trata de un artista que tenía conciencia de su propia importancia, siendo uno de los primeros artistas flamencos que firmó y dató sus pinturas en los marcos, entonces considerados una parte integral de la obra (los dos a menudo se pintaban juntos).


title: Jan van Eyck

text: Esta habilidad con el óleo le permitía reflejar de una manera naturalista la realidad. Además, era minucioso y sus obras, generalmente de pequeño tamaño, tienen una extraordinario detalle propio del mundo de la miniatura. Inmediatos antecedentes que influyen en Van Eyck serían los excelentes miniaturista hermanos Limbourg, así como el escultor Claus Sluter: la forma de representar los pliegues de las telas que Sluter hace en piedra es prácticamente la misma forma con que van Eyck pinta los pliegues de las telas. También se menciona como predecesor de los Van Eyck el poco conocido pero valioso pintor Melchior Broederlam.


title: Jan van Eyck

text: Pero, aunque esta minuciosidad recuerde tanto a la iluminación, hay rasgos que hacen ver en él claramente anticipo del Renacimiento. Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del espacio tridimensional (véase Perspectiva). Las figuras humanas se enmarcan en un espacio naturalista. En lo que atiene a la búsqueda de los efectos tridimensionales Van Eyck no recurre tanto a la perspectiva con un punto de fuga, sino que logra dar cierta impresión de tridimensionalidad mediante la técnica de las veladuras.


title: Jan van Eyck

text: Busca una coherencia óptica 'correcta' a través del empirismo que refleje fielmente aquello que el artista ve con sus propios ojos. Crea así tras una ‘observación perfecta’ interiores realistas y reconocibles, y paisajes y ciudades minuciosamente compuestas, permitiendo una ¨especie de ósmosis entre interior y exterior¨ que dota de profundidad y realismo a la obra. Panofsky reconoce esta característica, junto con el exhaustivo trabajo de la luz, la forma de delimitar el espacio interior de la obra y la atención a los detalles compositivos, el “gran secreto de la obra Eyckiana: la comprensión simultánea y, en cierto sentido, la reconciliación de los , el infinitesimalmente pequeño y el infinitamente grande.”


title: Jan van Eyck

text: Los paisajes se representan con detalle después de haber sido detenidamente observados. Y aparece en Jan van Eyck, como se ve en el "Retrato del matrimonio Arnolfini ", una representación fiel y leal de un interior burgués con sus objetos cotidianos. También es muy detallista y minucioso cuando representa las joyas y los tejidos de sus modelos. Inaugura el retrato moderno que procura reflejar fielmente al modelo.  El tratamiento que Van Eyck da a la luz, merced a su dominio de la técnica al óleo, hace bastante correcta la siguiente opinión del crítico Stirling: «Van Eyck redescubre la verdad entrevista en la pintura helenística, pero luego olvidada, según la cual las sombras se encuentran incluso en las claridades, y la luz en todas partes, incluso en las sombras».


title: Jan van Eyck

text: Por otra parte resulta interesante observar una constante en la obra de Van Eyck: además de una muy estudiada espacialidad, las figuras humanas (o de aspecto humano) por él representadas tienen una actitud impasible y tendente a la monumentalidad (una ligera excepción a tal impasibilidad se encuentra en la tabla de los «ángeles cantores», o al San Jorge, perteneciente al "Políptico de Gante").


title: Jan van Eyck

text: Van Eyck es calificado de pintor naturalista. Tal afirmación es bastante cierta, viéndose corroborada en la representación de Adán y Eva, desnudos, en la parte superior del "Políptico de Gante", retratados sin idealizaciones y sin demasiadas censuras: Van Eyck les ha pintado casi todos sus pelos. Es de este modo que ha acercado lo religioso a la vida cotidiana en una humilde majestad y belleza. Constituyen los primeros desnudos de la pintura de Europa septentrional.


title: Jan van Eyck

text: En su fuente temprana más sustancial sobre él, una biografía del año 1454 realizada por el humanista genovés Bartolomeo Facio ("De viris illustribus"), Jan van Eyck fue llamado «el pintor puntero» de su época. Facio lo coloca entre los mejores artistas de principios del siglo XV, junto con Rogier van der Weyden, Gentile da Fabriano, y Pisanello. Es particularmente interesante que Facio muestre tanto entusiasmo por los pintores flamencos como por los italianos. Este texto también arroja luz sobre aspectos de la producción de Jan van Eyck que hoy se han perdido, citando una escena de baño así como un mapa del mundo que Van Eyck pintó para Felipe el Bueno. Facio también documentó a Van Eyck como un hombre ilustrado, y que estaba versado en los clásicos, particularmente en los escritos de Plinio el Viejo sobre pintura. Esto lo apoyan los documentos de una inscripción del "Arte de amar" de Ovidio que estaba en el marco original, hoy perdido, del "Matrimonio Arnolfini", y por las muchas inscripciones en latín sobre sus pinturas, usando el alfabeto romano, entonces reservado a hombres cultos; también escribe frases en otros idiomas, como el griego o el neerlandés. Jan van Eyck posiblemente tuvo algún conocimiento de latín debido a sus muchas misiones en el extranjero por encargo del duque.


title: Jan van Eyck

text: La asombrosa habilidad técnica de Van Eyck y la precisión en los detalles, reproducidos cuidadosamente, fueron muy admiradas por sus contemporáneos. La obra de Van Eyck ha sido abundantemente copiada por los pintores y los iluminadores. Sus compatriotas todavía le seguían considerando el rey de los pintores en el siglo XVI. De este modo ejerció enorme influencia en el arte flamenco y europeo en general. Se considera como su principal discípulo a Petrus Cristus, aunque no se sabe si formó o no parte de su taller. Entre sus directos herederos podemos mencionar a Gérard David , Hugo van der Goes y Konrad Witz, e incluso en Hans Memling, Martin Schongauer, o (aunque ya sea netamente renacentista) el Mabuse. También se vieron influidos por él los italianos como Antonello da Messina y Colantonio. Van der Weyden sigue su estilo realista, si bien añadiendo un mayor dramatismo.


title: Jan van Eyck

text: Su renombre internacional, por otro lado, se certifica en la historiografía italiana del siglo XV, donde se encuentra información sobre Van Eyck, relatada, entre otros, por Ciriaco d'Ancona, Facio, Filarete y Giovanni Santi. Fue el único maestro nórdico de la época cuya fama y prestigio se mantuvieron en los siglos siguientes, al punto de surgir el mito de que había sido el creador de la pintura al óleo.Se atribuyen también a Jan van Eyck una serie de dibujos conservados en gabinetes de dibujo, entre ellos:


title: Mabuse

text: Jan Gossaert, también conocido como Janin Gosart y por los sobrenombres Mabuse, El Mabuse y Jan Mabuse (Maubeuge, h. 1478 - Amberes, 1532), fue un pintor flamenco que es tenido por uno de los primeros que trajo a Flandes las recetas del Renacimiento italiano y más en concreto el romanismo.  Nació en Maubeuge (hoy en Francia); el nombre de su ciudad natal –escrito como Mabuse– le ha servido de apodo, siendo de este modo más conocido que por su auténtico nombre y apellido: Jan Gossaert ("Gossart" según muchos autores franceses).


title: Mabuse

text: Adoptó el apellido de Mabuse por su lugar de nacimiento, Maubeuge (Mabuse en neerlandés). Se inscribió como Jennyn van Hennegouwe cuando se matriculó en la Guilda de San Lucas en Amberes en 1503. Nada se sabe de sus primeros años, pero se cree que pasó su juventud en la frontera francesa más que a orillas del Escalda. Sin la sutileza o la energía de Van der Weyden, tenía en común con el gran maestro de Tournai y Bruselas, el que sus composiciones se ambientasen normalmente en fondos arquitectónicos.


title: Mabuse

text: Pintó para varias cortes en diversas ciudades de los Países Bajos e Italia, y de esta forma conoció de primera mano los estudios que sobre anatomía, perspectiva y motivos clásicos se hacían por entonces.


title: Mabuse

text: Pero aunque en sus primeros cuadros depende de los maestros de la frontera con Francia, también confiesa su admiración por los grandes pintores que dieron lustre por primera vez a Amberes. En "La Adoración de los Reyes Magos", gran pintura de retablo que pasó del Castillo de Howard a la National Gallery de Londres en 1911, junta unas treinta figuras en un fondo arquitectónico, variados en detalle, de formas macizas y ornamentos a la moda. Sorprende con sus trajes pomposos y los llamativos contrastes de tono. Sus figuras, como piezas sobre un tablero de ajedrez, son a menudo rígidas y convencionales. El paisaje que se muestra a través de las columnatas está adornado con torres y agujas en la moda detallista de Van der Weyden. Combina en una mezcla curiosa y no sin habilidad el sentimiento de Memling, la brillantez y característicos contrastes de color para colorear los relieves, los pliegues de los mantos propios de Van der Weyden, y el marcado, aunque socrático, moldeado del rostro destacado en las obras de Quentin Massys.


title: Mabuse

text: Después de residir durante algunos años en Amberes, Mabuse entró al servicio de Felipe de Borgoña (1464-1524), bastardo de Felipe el Bueno, en aquella época Señor de Somerdyk y almirante de Zelanda. Ya había destacado por un famoso cuadro, un "Descendimiento de la Cruz", con 50 figuras, en el altar mayor del monasterio de San Miguel de Tongerloo. Felipe de Borgoña ordenó a Mabuse que ejecutara una réplica para la iglesia de Middelburg; y se dio tanto valor a este cuadro que Durero, de viaje en Flandes en esas fechas, se desplazó a Middelburg en 1521 expresamente para verlo. En 1568 el retablo sería destruido por el fuego.


title: Mabuse

text: En 1508 Mabuse acompañó a Felipe de Borgoña en su misión italiana ante el Papa, y gracias a ello se produjo una importante revolución en el arte de los Países Bajos. Parece que Mabuse estudió en Italia principalmente las frías y pulidas obras de la escuela leonardesca. No sólo trajo a casa un estilo nuevo, sino que también introdujo la moda de viajar a Italia. Y desde entonces hasta la época de Rubens y Van Dyck se consideró apropiado que todos los pintores flamencos visitaran la península itálica. Los flamencos injertaron manierismos italianos en sus propias obras; y algunos críticos opinan que el cruce fue tan desafortunado que durante un siglo el arte flamenco perdió todo rastro de originalidad.


title: Mabuse

text: En el verano de 1509 Felipe regresó a los Países Bajos y, retirándose a su sede de Suytburg en Zelanda, se dedicó a planear decoraciones para su castillo y encargar cuadros de Mabuse y de Jacopo de'Barbari. Estando en constante comunicación con la corte de Margarita de Austria en Malinas, dio a los artistas que empleó grandes oportunidades de promoción. Barbari fue nombrado pintor de corte de la regente, mientras que Mabuse recibió encargos menos importantes. Según los documentos, Mabuse pintó un retrato de Leonor de Austria, y otras piezas menores, para Carlos V en 1516.


title: Mabuse

text: Los únicos cuadros de esta época que firmó fueron "Neptuno y Anfítrite" de 1516, en Berlín, y la "Virgen", con un retrato de Jean Carondelet de 1517, en el Louvre. En ambos se ve claramente que Vasari hablaba de oídas cuando menciona el progreso que hizo Mabuse en el verdadero método de producir cuadros llenos de figuras mitológicas desnudas y poéticas. Es difícil encontrar nada más opuesto a lo italiano que Anfítrite, salvo acaso su pareja Neptuno. En obras posteriores del mismo tema, la "Adán y Eva" de Hampton Court, o su más débil réplica en Berlín y "Venus y Amor" (Museos reales de Bellas Artes de Bélgica), Bruselas), se observa más desnudez, combinada con un realismo que resulta rudo comparado con lo que se hacía en Italia.


title: Mabuse

text: Felizmente, Mabuse era capaz de logros mayores. Su "San Lucas pintando a la Virgen" en Praga, con una variante en el Kunsthistorisches Museum de Viena, la Virgen de la colección Baring en Londres y las numerosas versiones de "La burla de Cristo" (Gante y Amberes), todas ellas prueban que el viajar había dejado inalteradas muchas cualidades fundamentales de Mabuse. Sus figuras aún conservan un carácter pétreo; su arquitectura es rica y variada, y sus tonos son fuertes. Sin embargo, los brillantes contrastes de matices chillones se reemplazan por grises más sobrios; y una fría bruma, el esfumado de los milaneses, domina las superficies. Normalmente este rasgo tiende a ser molesto, pero cuando aparece poco, el maestro muestra una brillante paleta combinada con una superficie suave y unos perfiles incisivos. De esta manera logra cuadros como las "Vírgenes" de Múnich y Viena (1527), una joven pesando piezas de oro (Berlín), y los retratos de los niños del rey de Dinamarca en Hampton Court.


title: Mabuse

text: Se considera que fue en torno a 1528 cuando Mabuse acabó los retratos de los tres hijos del rey Cristián II de Dinamarca: Juan, Dorotea y Cristina, que pasaron a formar parte de la colección de Enrique VIII. Estos retratos son idénticos a los de tres niños en Hampton Court, que durante mucho tiempo se conocieron y se copiaron como retratos del príncipe Arturo, príncipe Enrique y princesa Margarita de Inglaterra. Una de las copias en Wilton, inscritas con el nombre falsificado de Hans Holbein y la fecha falsa de 1495, ha sido a menudo citado como una prueba de que Mabuse fue a Inglaterra en el reinado de Enrique VII; pero la afirmación no se sostiene.


title: Mabuse

text: Cuando estos retratos se hicieron, Mabuse vivía en Middelburg. Pero a intervalos vivió en otros lugares. Cuando Felipe de Borgoña se convirtió en obispo de Utrecht, y se asentó en el castillo de Durstuede, en 1517, estaba acompañado por Mabuse, quien ayudó a decorar el nuevo palacio de su señor. A la muerte de Felipe, en 1524, Mabuse diseñó y erigió su tumba en la iglesia de Wijk bij Duurstede. Finalmente se retiró a Middelburg, donde entró al servicio del hermano de Felipe, Adolfo, señor de Veeren.


title: Mabuse

text: La biografía de Karel van Mander acusa a Mabuse de estar habitualmente borracho; pero esto debe de ser una exageración o totalmente falso. Van Mander parece más atinado al describir la espléndida apariencia del artista cuando, vestido con brocado dorado, acompañó a Lucas von Leyden en un viaje de placer por Gante, Malinas y Amberes en 1527. Las obras de Mabuse son las de un artista trabajador y paciente; el gran número de cuadros que se conservan demuestra con hechos que era productivo y que no perdía el tiempo como un libertino. El matrimonio de su hija con el pintor Henry van der Heyden de Lovaina prueba que tenía un hogar, y que no vivía habitualmente en las tabernas, como sugiere Van Mander. Su muerte en Amberes está registrada en un retrato grabado de Jerome Cock.


title: Mabuse

text: Combinó elementos propios del renacimiento italiano (claroscuros, perspectiva, motivos clásicos del paganismo grecorromano), con la vivacidad y precisión técnica de la pintura flamenca, haciendo así una particular síntesis con el Renacimiento nórdico. Sin embargo, tal fusión es menos lograda que la alcanzada por Durero, y su resultado es más efectista y ornamental que convincente, en cuanto a perspectiva y composición. La ejecución exquisita, con múltiples veladuras, se explica por la clientela selecta, de la nobleza, que le encargó obras. Al contrario que la mayoría de los autores de su época, no acostumbraba a vender sus obras en el mercado abierto, sino para unos pocos clientes, por lo que mantienen una alta calidad y grado de acabado.


title: Mabuse

text: Destacan obras como su "Autorretrato" (c. 1515-20; Currier Museum of Art, Mánchester, Nuevo Hampshire), "Retrato de Francisco de los Cobos" (Getty Center, Los Ángeles), "La Adoración de los Reyes Magos" (c. 1515-20, National Gallery de Londres), "San Lucas pintando a la Virgen" (c. 1515, Kunsthistorisches Museum de Viena), "Neptuno y Anfitrite" (1516, Gemäldegalerie de Berlín), "La metamorfosis de Hermafrodito y Salmacis" (h. 1520, Museo Boymans Van Beuningen, Róterdam), "San Juan y el Niño Jesús besándose", "Cristo entre la Virgen y San Juan Bautista", "La Virgen con el Niño" (c. 1527, Museo del Prado, Madrid), "La Sagrada Familia" (Museo de Bellas Artes de Bilbao), "Adán y Eva" (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid) y "Dánae" (Múnich, Alte Pinakothek).


title: Mabuse

text: Pintó numerosas versiones de Adán y Eva bajo influencia de Durero así como retratos de personalidades de la época como Juana I de Castilla (Juana la Loca).


title: Giovanni Pannini

text: Giovanni Paolo Pannini (también escrito como Panini) (Piacenza, 17 de junio de 1691 - Roma, 21 de octubre de 1765) fue un pintor, arquitecto y paisajista de la escuela romana, discípulo de Benedetto Luti. Nació en 1691 en Piacenza. En esta ciudad estudió como escenógrafo teatral, hasta que en 1711 se desplazó a Roma, donde comenzó a estudiar dibujo con Benedetto Luti. Alcanzó la fama como decorador de palacios, entre ellos la villa Patrizi (1718–1725) y el Palacio de Carolis (1720). Como pintor, es muy conocido por sus vistas de la ciudad de Roma, en las que se interesó sobre todo por los restos más antiguos de la ciudad. Su trabajo más conocido es el interior del Panteón de Roma y sus "vistas" ("vedute"), pinturas que representan una galería de cuadros que a su vez cada uno es una vista de la ciudad de Roma.


title: Giovanni Pannini

text: En 1719 Pannini fue admitido en la "Congregazione dei Virtuosi al Pantheon". Enseñó en Roma en la "Accademia di San Luca", donde influenció a Jean-Honoré Fragonard.


title: Giovanni Pannini

text: Murió en Roma el 21 de octubre de 1765.


title: Giovanni Pannini

text: Pannini destacó como pintor en su tiempo no solo por ser el primer artista italiano que afrontó con interés la pintura de las ruinas romanas, sino también porque supo aunar en su estilo la herencia de la pintura renacentista italiana con las nuevas tendencias pictóricas que llegaban de Francia. Fue muy productivo y cotizado, razón por la cual existen ejemplos suyos en muchos de los principales museos europeos, como el Prado, o el Thyssen-Bornemisza en Madrid. Aún sin viajar a España se sabe que por encargo Filippo Juvara realizó perspectivas para el Salón de Lacas del Palacio Real de la Granja de San Ildefonso. Pintó escenas bíblicas como la "Expulsión de los Mercaderes del templo", o "Jesús en la piscina probática".


title: Parmigianino

text: Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parma, 11 de enero de 1503 - Casalmaggiore, cerca de Cremona, 24 de agosto de 1540), llamado il Parmigianino (el pequeño parmesano) por su lugar de nacimiento, además de por su reducida estatura y aspecto grácil. Fue un pintor italiano, considerado uno de los primeros y máximos exponentes del manierismo. Fue de los primeros pintores italianos en experimentar con el grabado y en una serie de destacados retratos, consolidó la tendencia en Italia del retrato de tres cuartos (hasta las rodillas) y de cuerpo entero, hasta entonces reservados a la realeza.


title: Parmigianino

text: Fue el octavo hijo del pintor Filippo Mazzola y su esposa Donatella Abbati. Su padre murió en una epidemia de peste cuando él tenía dos años y los niños fueron criados por sus tíos Pier Ilario Filippo y Michele Mazzola, modestos pintores de provincia con los que se formó en su ciudad natal. Continuó su periodo de aprendizaje en contacto directo con Correggio que en ese momento trabajaba en los grandes ciclos de frescos de Parma.


title: Parmigianino

text: Su primera obra es de 1519, "El Bautismo de Cristo". Se dedica además a la decoración de algunas capillas del templo de San Juan Evangelista. Hacia 1523 trabaja en el tocador de Paola de Gonzaga en la "Rocca de los Sanvitale" en Fontanello, donde hace una recreación de la estancia de San Pablo de Correggio.


title: Parmigianino

text: Instalado en Roma, en 1524, conoce la obra de Miguel Ángel y Rafael Sanzio, quienes le influirán decisivamente. En la ciudad se sabe que tomó parte en los encuentros y discusiones que tenían lugar en la casa de Paolo Valdambrini, secretario del Papa Clemente VII, a los que acudía Rosso Fiorentino, Perin del Vaga y Giulio Romano. Entre las obras de este periodo destaca "La visión de San Jerónimo" de 1525, "Desposorios Místicos de Santa Catalina" y el "Retrato de Lorenzo Cybo", del mismo año.


title: Parmigianino

text: Tras el Saqueo de Roma (1527), se instala en Bolonia. Allí encomienda a Antonio da Trento la reproducción de diseños suyos mediante xilografía de "chiaroscuro", que imita las texturas de la acuarela; actualmente se conocen seis planchas, como "Martirio de dos santos" y "La sibila tiburtina y el emperador Augusto". La relación entre el maestro y el grabador no hubo de terminar cordialmente, y este huyó llevándose pertenencias del taller, según las crónicas.


title: Parmigianino

text: Parmigianino retorna posteriormente a su ciudad natal, donde pasó los últimos años de su vida atormentado por los constantes requerimientos del capítulo de la iglesia de la Virgen de la Steccata, que le apremiaba para que finalizase los frescos que le habían sido encargados en 1531.


title: Parmigianino

text: Encarcelado a causa de las deudas, logró huir a Casalmaggiore. Allí mientras que trataba de resolver sus problemas mediante la alquimia, murió desesperado de unas fiebres con sólo 37 años.


title: Parmigianino

text: La importancia de su obra supera ampliamente el hecho de contarse con pocas obras legadas. Entre ellas se encuentran "La conversión de san Pablo" de 1527 y el "Autorretrato ante el espejo" (ambos en el Kunsthistorisches Museum de Viena), "La Virgen de la Rosa" de 1529, "La Virgen del cuello largo" (hacia 1535; Galería de los Uffizi de Florencia), la "Esclava turca" y la "Antea".


title: Parmigianino

text: Su obra y su personalidad se afirman en contacto con el primer manierismo toscano y, a través de las obras de los grandes maestros Rafael y Miguel Ángel, consiguiendo traducir en términos originales los modelos del Renacimiento con una orientación ya plenamente manierista. Para él la función del arte era trasmitir sensaciones exquisitas y excitantes, para lo cual tuvo que crear una necesaria artificiosidad. De Correggio asimilará el clasicismo, convirtiéndolo en manierismo, manteniendo el ilusionismo del primero pero traduciéndolo a modelos más decorativos y una mayor vitalidad de las formas.


title: Parmigianino

text: En los "Esponsales de Santa Catalina", de 1521, hay una rebuscada elegancia en las formas y una composición en la que todas las figuras giran alrededor del pedestal de la Virgen, este cuerpo geométrico se va a repetir deliberadamente en toda la composición, incluso el marco arquitectónico aparece con forma semicilíndrica.


title: Parmigianino

text: "La Visión de San Jerónimo", realizada tras su llegada a Roma y tras conocer las obras de Rafael y Miguel Ángel, es una obra que resume todas esta experiencias. La dimensión de sus personajes y su expansividad formal se inspiran en Miguel Ángel, pero la energía propia de este artista se reduce y se sustituye por la elegancia.


title: Parmigianino

text: Hay grandiosidad en las apariencias y dignidad en la representación del tema, aunque parece haberse evaporado todo sentimiento específicamente cristiano. Esta representación ilustra la actitud de las creencias de la Roma de Clemente VII, virtualmente indiferente a los valores tradicionales de la devoción cristiana, para la cual los símbolos religiosos y el dogma solo poseían una dimensión estética.


title: Parmigianino

text: En sus obras posteriores a su estancia en Roma, mantendrá el aire elegante y en ciertos momentos majestuoso, tendiendo cada vez más a una belleza abstracta y una gracia artificial.


title: Parmigianino

text: El Museo del Prado posee las siguientes obras:El Museo del Patrimonio Municipal de Málaga posee un lienzo de "Santa Margarita, la Virgen, el Niño y otros santos" documentado en el catálogo de Il Parmigianino a través de los trabajos de Ireneo Affó. Este lienzo llegó a Málaga a partir de una donación de W. Newbery para la capilla del Hospital Noble de la misma ciudad.


title: Claes Oldenburg

text: Claes Oldenburg (Estocolmo, Suecia; 28 de enero de 1929) es un escultor, pionero del Pop Art. Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros.


title: Claes Oldenburg

text: Oldenburg nació en Estocolmo (Suecia), hijo de un diplomático sueco. Siendo niño se trasladó con su familia a los Estados Unidos en 1939, primero a Nueva York y después a Chicago donde se graduó en la Latin School de Chicago. Estudió en la Universidad de Yale desde 1946 hasta 1950, después regresó a Chicago donde estudió bajo la dirección de Paul Wieghardt en el Art Institute of Chicago hasta 1954.


title: Claes Oldenburg

text: Mientras desarrollaba su arte, trabajó como periodista en prácticas para el City News Bureau de Chicago. Abrió su propio taller y, en 1953, se naturalizó ciudadano estadounidense. Regresó a Nueva York en 1956. Allí conoció a toda una serie de artistas, incluyendo Jim Dine, Red Grooms, y Allan Kaprow, cuyos Happenings incorporaban aspectos teatrales y proporcionaban una alternativa al expresionismo abstracto que había llegado a dominar la escena artística.


title: Claes Oldenburg

text: Oldenburg vive la consolidación de la sociedad de consumo de finales de los años 50 en EE.UU. y ve cómo a la gente le gusta cada vez más llamar la atención, por eso la época se caracteriza por la opulencia. El mundo estaba empezando a evolucionar muy rápidamente, gracias, en parte, a los medios de comunicación, que hicieron cambiar las bases de las relaciones humanas. Oldenburg y otros artistas, a partir de este pretexto, decidieron usar las innumerables posibilidades de difusión para transmitir mensajes a través de sus obras, ya que si su arte está relacionado con la situación social, resulta más fácil mostrar y entender sus composiciones al público.


title: Claes Oldenburg

text: En 1961 inauguró su primera tienda, llamada "El taller", donde vendía figuras de escayola pintada, normalmente de medidas considerables o de forma natural. Solían ser productos gastronómicos: frutas y utensilios de cocina o domésticos. Al principio solo empleaba materiales blandos y baratos.


title: Claes Oldenburg

text: Después de haber pasado los primeros años de su carrera artística en el Coger East Side, se instaló en Broome Street (Nueva York). Sus obras reúnen todas las características del Pop Art, ya que generalmente, sus creaciones son elaboradas con objetos sencillos y fáciles de conseguir. Pretende que sus obras comuniquen al artista con el público.


title: Claes Oldenburg

text: En 1977, el artista se casó con la también artista Coosje Van Bruggen. Desde entonces, firman las obras juntos, y Coosje asesora y aconseja al artista en sus creaciones. En 1978, fijaron su residencia en Broome Street, donde crearon su propia empresa, después de haber restaurado y arreglado dos edificios de esa calle. Allí, reunieron las obras creadas hasta el momento del artista; las restauraron y las expusieron en diversos sitios de la ciudad. Aun así, Oldenburg sigue manteniendo sus principios artísticos; sigue usando materiales sencillos, creando sus obras de forma industrial, que tienen que ver con bienes cotidianos, etc. Su esposa rebautizó algunas obras de los 60 y 70 de Oldenburg.