title: Arte en España

text: El arco de herradura es el fundamental, ya fue utilizado por el arte romano y procede de Capadocia. Se utiliza por su carácter estético y por sus cualidades constructivas. Esta peraltado un tercio de su radio. Al contrario que el de herradura musulmán, el visigodo presenta una circunferencia exterior que no sigue la interior por lo que se integra perfectamente en el muro.


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text: El presbiterio se eleva sobre escalinatas y se jerarquiza el espacio interior. El crucero se acusa en la planta visigoda. Este tipo de planta cruciforme en un principio era de cruz griega o brazos iguales. La planta de cruz se debe a la importancia del crucero que tiene un papel simbólico y la aparición de salas que tienen un carácter litúrgico.


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text: La planta basilical empieza a utilizarse menos frente a la cruciforme y si esta perdura aparece con crucero (San Juan de Baños, San Pedro de la Nave...). en todos los casos la cabecera es rectangular interior y exteriormente.


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text: Encima de la cabecera existe un recinto abovedado que es una pequeña cámara que sirve para guardar los elementos litúrgicos. Todas las iglesias están orientadas hacia Jerusalén iluminándose la cabecera mediante ventanas. Se marca el espacio interior hacia el este. Las cabeceras a ambos lados del ábside suelen contar con dos cámaras laterales llamadas prótesis y diaconicón.


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text: Para la cobertura de estas naves se usan bóvedas de cañón sobre todo para la nave central, para el resto de la iglesia se utiliza techumbre plana de madera. Así en la cubierta se utiliza distinto modelo si es la principal o las laterales. Las bóvedas se utilizan en capillas con naves cortas y cámaras laterales y estas son de piedra o ladrillo. También aparecen cúpulas semiesféricas por influencia bizantina como en San Fructuoso de Montelius.


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text: En cuanto a los capiteles son de orden corintio pero bastante esquemáticos, compuestos por hojas macizas o pencas y en la parte superior hay volutas difuminadas. En el muro se abren pocos y pequeños vanos. Los exteriores de estas iglesias no presentan decoración y en los pocos vanos que aparecen se utilizan celosías de piedra.


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text: En la fachada principal aparecen espadañas y lo normal es que en la puerta principal aparezca un arco de herradura típica del arte español. Durante este periodo se gesta la liturgia hispánica y que influyen en la configuración del espacio interior. Esta liturgia hispánica se mantendrá en vigor hasta la implantación de la liturgia romana en el s. XI que requeriría una organización diferente.


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text: Aparece el iconostasio que divide la parte norte y sur. Ante esta barrera se sitúan los fieles según su condición de hombres o mujeres que ocupan espacios diferenciados. Detrás del iconostasio esta el espacio dedicado a los iniciados o coro de los clérigos. Están comunicados coro y altar.


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text: La decoración está en los capiteles, en las zonas medias de los muros, tanto en el interior y en el exterior, ausencia de escultura exenta, la temática está vinculada a la órbita religiosa y todos tienen función complementaria como ornamentación de la arquitectura. Las fuentes de inspiración son: contemporánea con otros pueblos del entorno que suele ser abstracto o vegetal, y figurativo o naturalista relacionados con la tradición romana y el mundo bizantino.


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text: Los mejores ejemplos vienen del taller de Mérida que siguen la tradición romana anterior, como son pilastras ornamentales. Los motivos decorativos más utilizados son las aves, uvas y hojas de acanto.


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text: Se da en el s. VIII. No se sabe si es original de España. Aparece el tema del diluvio y los cuerpos aparecen diseminados con cierta intención de perspectiva. Los colores son convencionales y las figuras están desarrolladas de una forma naturalista.


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text: Se da en Asturias, que es un foco de resistencia frente a la invasión musulmana, este arte nace en el núcleo pastoril y aislado que no tiene nada que ver con el arte mozárabe. Asturias resistió a los musulmanes y los astures crearon una cultura propia caracterizada por el aislamiento, que viene condicionado por el mar y las montañas. Podemos distinguir tres periodos:La primera etapa se conocen las iglesias de Santillanes de Pravia y más tarde la Cámara Santa de Oviedo y San Julián de los Prados. Predominan elementos visigodos puesto que en un principio este arte se consideraba heredero de lo precedente y quería restablecer la monarquía hispánica.


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text: La segunda etapa destacan el palacio de Santa María del Naranco, San Miguel de Lillo y Santa Cristina de Lena. Es la etapa de la revolución dentro de la arquitectura. Los edificios se conciben con una mayor altura imponiéndose la verticalidad. Van a parecer bóvedas de cañón sustentadas por arcos fajones o perpiñanos, que están dispuestos transversalmente al eje de la nave y que sustenta la bóveda de cañón. Estos arcos se corresponden con estribos o contrafuertes. Los ábsides son rectangulares y siguen la tradición visigoda pero se diferencian en que aquí no están separados. Las ventanas son geminadas incluso tripartitas y se mantienen en ellas las celosías del arte visigodo. Los edificios se construyen en mampostería. En los muros aparecen arquerías ciegas que tienen una función decorativa y constructiva.


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text: En la tercera etapa el reino astur se ensanchó llegando hasta Galicia, León y el norte de Castilla. Se inicia la fase de repoblación y destacan San Salvador de Valdediós y San Adriano de Tuñón. Aquí el estilo asturiano se entremezcla con el arte mozárabe y atisba algunos elementos románicos.


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text: El arte es resultado de unas iniciativas regias y el arte de la corte de Oviedo es una continuidad del arte de Toledo. Los siglos VIII, IX y X son claves en la línea fronteriza entre el poder cristiano y el musulmán. El siglo VIII es el de resistencia, de formación de los primeros núcleos frente al poder musulmán del resto de la Península. El siglo IX es el de la expansión hacia el sur y consigue repoblar la meseta del Duero. El siglo X se produce una recuperación musulmana del territorio que coincide con Almanzor y Abderramán III.


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text: El arte asturiano está financiado y programado por la corona y se utiliza como propaganda, pretende que a los ojos del observador le cree sensación de continuidad con lo visigodo como ver a Asturias como la continuadora de la nación de Hispania.


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text: Este arte se desarrolló alrededor de la Corte y de las capitales que tuvo el reino:La segunda etapa o etapa ramiriense se inicia a mitad del s. IX con Ramiro I que manda construir numerosas obras y levanta una serie de tipologías arquitectónicas novedosas como Santa María del Naranco y San Miguel de Lillo. La primera sería levantada junto a una residencia palaciega mandada constrir por Ramiro I en la falda de los montes del Naranco.


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text: Alfonso II amuralla Oviedo y levanta la Foncada (residencia palaciega). Las iglesias siguen la tradición anterior y son de planta basilical de 3 o 1 nave y como en época visigoda el crucero aparece pero no sobresale. Aparece una cabecera tripartita correspondiente con cada una de las 3 naves. En general la planta pone de manifiesto que es un espacio dividido en compartimentos. Aparece el iconostasio continuando la liturgia de los visigodos que se hace de espaldas a los fieles lo que condiciona el espacio interior. El presbiterio está escondido por el iconostasio. En los ángulos se usan piedras más trabajadas y regulares. Los arcos siguen siendo de piedra. Para los suelos se usa cal y mármol. Para los soportes se usan pilares que pueden ser cuadrangulares o rectangulares, en estos pilares no aparece apenas decoración y cuando se utilizan columnas se usa fuste liso o con decoración sogueada. Los capiteles son cúbicos y la basa aparece decorada. Los arcos son de medio punto o peraltados, en su parte frontal presentan decoración policromática.


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text: En la etapa final aparece el arco de herradura por influencia mozárabe distinto del visigodo en el que su intradós y extradós no son paralelos.


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text: Las cubiertas son de madera para el grueso de la nave y en la cabecera la bóveda de cañón. El peso de la bóveda de cañón se distribuye por los arcos fajones que se corresponden con el exterior con contrafuertes que nacieron con una idea constructiva pero luego se usaron como decoración aumentando su número y perdiendo sus cualidades.


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text: El aspecto de los edificios presenta un exterior poco decorado, en contraposición con un interior ricamente decorado. Son edificios muy divididos en el interior con iconostasio, arcos ciegos en la cabecera y pinturas que ocultan la pobreza de los materiales. En el exterior se desarrollan edificios más esbeltos que se aproximan a la proporción 3 por 1 del gótico. El arte visigodo seguía la proporción romana de 1.


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text: La planta del asturiano es más alta y menos ancha. En las cabeceras aparecen pequeñas cámaras parecidas a las visigodas situadas a la capilla principal por encima del altar y se usaban para guardar objetos litúrgicos. En los pies se sitúa el panteón y sobre este en la parte alta una tribuna a modo de coro.


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text: De la orfebrería asturiana han quedado representaciones de los siglos VIII y IX y la muestra más importante son las cruces votivas como la Cruz de los Ángeles del 808, fue una donación de Alfonso II para la cámara santa, es una cruz con los brazos iguales que incorpora piedras preciosas y está recubierta por un hilo de oro.


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text: Es la obra cumbre de la orfebrería de la época, fue mandada por Alfonso III, responde a una técnica carolingia con adornos de filigrana hechos en oro. Está hecha en un armazón de madera recubierto de oro y piedras preciosas.


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text: Es una caja que donó el rey Fruela II. Se utilizan esmaltes y también incrustaciones de otro tipo de piedras y para los remaches de oro utilizan una decoración vegetal.


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text: La arquitectura del X está sometida a un fuerte influjo musulmán. La España cristiana había ensanchado sus dominios y estos nuevos territorios eran repoblados con mozárabes (cristianos que habían vivido en zona musulmana).


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text: A principios del siglo X se acuñó el término mozárabe dando nombre al arte cristiano del siglo X, también son mozárabes los cristianos que se quedaron viviendo en territorio musulmán. Con posterioridad José Camón Aznar establece algunas modificaciones con respecto a la definición anterior. Introduce dos vertientes: el arte mozárabe auténtico de cristianos, y la zona de repoblación de cristianos en la zona del Duero.


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text: Esta arquitectura se extiende por el norte de España y Portugal y por el sur de Francia. En el año 900 el reino leonés alcanza la frontera del Duero, en 50 años ha ocupado este territorio por encima de sus posibilidades administrativas y tiene que llevar a cabo un proceso de colonización llevado a cabo sobre todo por monasterios. La organización político-administrativa nueva conllevó el traslado de la capital de Oviedo a León teniendo que levantar nuevos recintos defensivos.


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text: Se produce una arquitectura nueva con base monástica, las iglesias se levantan en piedra pero el grueso del monasterio se hace en mampostería. Se sigue una línea estricta. La escultura es reducida y será un elemento secundario dentro del arte, esta escultura apareció en el iconostasio y en los capiteles de las columnas.


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text: En el exterior aparecerá un elemento característico que son los modillones de lóbulo que son unas ménsulas que tienen una función decorativa. Estos modillones se sitúan bajo el tejado y parece que están sujetando el tejado.


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text: La pintura se desarrolla por tipos monásticos y aparecerá fundamentalmente en los libros conocidos como "beatos".


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text: En el siglo X los mozárabes tendrán prohibido hacer propaganda de su fe de manera que se les prohibirá hacer nuevas iglesias, por lo general se tuvieron que contentar con las iglesias anteriores (visigodas) incluso estos edificios tenían que compartirlos con la liturgia de las mezquitas y en el ámbito rural se desarrollaban construcciones de nueva planta como en Ronda donde se pudieron levantar edificios rupestres excavados en la roca. Especialmente en el sur peninsular. Estas iglesias trataban de emular las iglesias exentas y trataban de seguir los elementos constructivos como los arcos de herradura.


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text: Son iglesias orientadas al este. Presentan cabecera tripartita, iconostasio, bóveda de arista, arcos de herradura aunque no cumplen una función tectónica.


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text: Es la ilustración de códices y libros religiosos. Los ejemplos más antiguos son del s. X. Estos artesanos mozárabes extendieron la costumbre miniaturista por el centro y el norte. Además de la influencia visigoda agregan la influencia árabe.


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text: No hay una gran variedad de textos y dibujos y las imágenes se repiten constantemente. Los libros más ilustrados son las Biblias y se dedica especial atención al tema del Apocalipsis, estos libros son los denominados beatos.


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text: Varias etapas podrían distinguirse en el arte andalusí: la del califato (s. VIII–X), la de los reinos de Taifas (s. XI–XII), la de almorávides y almohades (s. XII–XV) y la del reino nazarí de Granada, que perduró hasta 1492. El arte emiral y califal son ejemplos señeros la mezquita (Catedral hoy en día) de Córdoba y el complejo urbanístico de Medina Azahara. De estos modelos irradia la arquitectura hispanoárabe y se desarrolla haciéndose más compleja en la época del arte taifa. En La Aljafería de Zaragoza los arcos se hacen mixtilíneos y polilobulados, los materiales son más pobres y la apariencia excede a la capacidad funcional del espacio interior. Estas características influyen en el islam magrebí y regresan con las invasiones bereberes a la Península, donde se muestran sobre todo en manifestaciones arquitectónicas almohades, visibles en el cuerpo inferior de la Giralda (alminar de la antigua mezquita aljama) y en la fortaleza albarrana de la Torre del Oro. La filigrana del estuco se densifica en La Alhambra de los reyes nazaríes, con la proliferación del ataurique de cúpulas falsas de mocárabes.


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text: Los musulmanes no crearon nuevas soluciones artísticas sino que adaptan las empleadas por persas y bizantinos pero a diferencia de estos lograron hacer un arte universal como sucedió con el griego y su difusión con el romano. Los árabes hacen una labor parecida a la de los romanos de difusión y extensión de las formas artísticas. Esta difusión se extiende desde Córdoba a la India.


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text: El mérito principal no está en su creación sino en comprender y extender lo creado. Así vemos como parten de experiencias artísticas anteriores y evolucionan sobre ellas. Lo mismo ocurre en el resto de manifestaciones culturales como la filosofía.


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text: Desde el punto de vista artístico en la arquitectura árabe se pueden distinguir el omeya (650-750) y el abassida (750-1238). Existen otros periodos turcos que son una prolongación de estas influencias tártaras, indias y chinas. Todos estos estilos encuentran su eco en España aunque con cierto retraso con respecto al etilo original. En España la clasificación de los estilos arquitectónicos responden a: el periodo cordobés (VIII-X), el periodo taifa y africano (almorávide y almohade: XI- XIII) y el periodo granadino (XIII-XV).


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text: Se crea una cohesión religiosa en España hacen profesión de fe religiosa, oraciones 5 veces al día, limosna como sistema fiscal, ayuno en el Ramadán, la peregrinación a lugares santos, etc. El arte se interesa por el desarrollo de una serie de edificios: palacios para el poder político y mezquitas para el poder religioso, donde tiene lugar la oración del viernes. Se trata de un arte ecléctico que hace uso de todo tipo de materiales, plantas y elementos decorativos, que proceden del mundo romano cristiano, paleocristiano y persa, retoma estos elementos.


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text: Rechaza la escultura y la representación de seres vivos y por otra parte utiliza la escritura monumental. Las tipologías de edificios son: mezquita hipóstila que será con una techumbre sustentada por varias columnas, estas mezquitas tienen dos zonas diferenciadas: patio porticado ("sham") y sala de oración ("haram"). También existe el "mirab" que es la capilla donde se coloca el imán para dirigir la oración y aquí se guarda el ejemplar del Corán. El "mimbar" es donde se sitúan las autoridades y equivale a las tribunas de occidente. El "sabat" es una especie de camino que permitía el acceso diferenciado de las autoridades en la mezquita.


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text: La localización de los edificios árabes: la parte norte no conserva edificios árabes, luego el arte árabe influirá en los reinos de la península y origina el estilo mudéjar. El edificio más representativo del arte califal es la mezquita (ahora Catedral) de Córdoba.


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text: Aquí se pueden ver los elementos característicos del arte califal. Se inicia en el siglo VIII y termina en el IX pero luego se hacen reformas. Es una arquitectura orgánica, en continuo crecimiento que es la clave de la arquitectura musulmana.


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text: Los árabes emplearon el arco de herradura, con policromía rojo y blanco, menos en la parte superior que usan el arco de medio punto para sustentar la techumbre, la utilización de este arco de herradura al principio se inspira en la arquitectura visigoda y las columnas son lisas sin fuste decorado y algunas fueron utilizadas de edificios anteriores. Los capiteles presentan una decoración vegetal muy tosca y están inspirados en los corintios clásicos. Hay ménsulas de modillones de rollo, esto es una supervivencia de la arquitectura anterior como el solar donde se edificó la mezquita era San Vicente. La velocidad con que Abderraman terminó la obra no se puede entender sino consideramos que los elementos eran de un edificio anterior que tenía 5 naves y las convierte en 11 más cortas, retocando algunos elementos decorativos y añadiendo el mirab.


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text: Existen dos tipos de arco de herradura: el visigodo y el islámico. La diferencia está en que en el visigodo se observa en su peralte con intradós y extradós concéntricos que en este arco califal se descentran y el extradós deja de ser paralelo, solamente en las primeras dovelas es paralelo y veremos como se va ensanchando.


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text: Otra novedad es la decoración de los arcos, mediante colores distintos o mediante el alternado de dovelas con relieve, este tipo de relieve se llama ataurique que son formas vegetales con un efecto ornamental. Las enjutas se decoran con círculos de ataurique. Hay que considerar que aunque aparentemente las dovelas están dispuestas radialmente solo las dovelas serán radiales desde la mitad del arco para arriba y paralelas desde la línea de impostas hasta el final del arco. Esta disposición se llaman dovelas enjarjadas, las que están por debajo de la línea de imposta y van encajadas con el muro.


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text: Otra solución será el coronamiento del edificio y la utilización de un nuevo tipo de cúpula de nervios gruesos. Será una bóveda de crucería pero los nervios no se cruzan en el centro dejando el espacio central vacío. Harán bóvedas de arista y de cañón.


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text: La cúpula califal será la más usada y se empezó a usar en tiempos de Alhakén II y en la mitad del X tuvo una gran difusión. Los precedentes aparecen en Mesopotamia y en el Kurdistán.


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text: Al Hakam II hizo 4 de estas bóvedas que ocupan la parte central del tramo de su ampliación y otras tres la "mabsura", en una de ellas los espacios centrales se decoran con un sentido de horror vacui que les hace cubrir todo de decoración. Esta profusión de la decoración es propia de la sensibilidad árabe. Para sustentar esta bóveda aparecen bóvedas decoradas con gallones que permiten el paso desde la figura circular al cuadrado mediante las trompas.


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text: El Mirab de Alhakén II es el definitivo y se localiza en el muro fronterizo sur y era el lugar destinado a capilla. Tiene el clásico arco de herradura aunque en su época era preferido el de medio punto lobulado que aparece como decoración en el friso, siempre aparecen en número impar. La costumbre se irá complicando y concluirá en los arcos decorativos granadinos. Quiso poner de relieve la magnificencia del lugar, recubre las jambas con mármol y los arcos con ataurique. Posteriormente recubre el resto de la fachada con mosaico de vidrio de origen bizantino. La torre no es la original porque los cristianos la revistieron con formas renacentistas y solo mantiene el interior. En la fachada hay arcos de herradura y un pequeño templete en el interior. Se introduce el sebka como decoración.


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text: En el XIII se crea el reino de Granada que engloba a las actuales provincias de Málaga, Granada, Almería y Jaén, se da del s. XII al s. XV. Lo más característico es la Alhambra de Granada.


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text: La empezó a construir Mihamer I sobre una fortaleza existente de unas colinas de Granada. Por el color rojizo del ladrillo recibe el nombre de Alhambra. El núcleo principal no se construye hasta el s. XIV por Yusuf I. Alrededor de esta parte central se desarrollan patios y cámaras, centrado en el patio de la Alberca o de Arrayanes. La vegetación es un elemento arquitectónico más, lo único eterno y duradero es Ala y por eso se levanta con elementos perecederos para no durar eternamente y no rivalizar con Ala. Se consigue el ideal musulmán de paraíso terrenal. Materiales pobres, rica decoración con yeso y mocárabes. No se representa la figura humana por la religión y se recubre con decoración vegetal y epigráfica de textos del Islam. Al fondo del patio estaría el salón del trono o Comores. A la derecha otro patio que es el de los leones, construido por Mohamed V con una fuente central sostenida por leones, está rodeado por arquerías con columnas con efecto escenográfico y sensación de monasterio, a los lados del patio está la sala de los aberienajes y de las dos hermanas. También hay habitaciones, baños, estancias y zonas de recreo. Con la construcción del patio se buscaba no dejar impasible al visitante.


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text: El arte mudéjar es la producción artística de los musulmanes a servicios de los cristianos. Al avanzar la reconquista los musulmanes se someten a la administración cristiana, en el norte los cristianos no contaban con artesanos y se ven obligados a contratar a musulmanes y recurren a alarifes para levantar sus obras. La técnica musulmana avalada por siglos se ponía a servicio de los cristianos. Utilizan sus ideas y caprichos estéticos. El nombre de mudéjar se alterna con el de morisco y fue Amador de los Ríos quien acuñó el término mudéjar que se utiliza para nombrar al producto mixto de los moros y cristianos. No se trata de un producto original sino una simbiosis de sistemas constructivos y decorativos. En esta mezcla de estilos es donde reside la originalidad y no en utilizar nuevas formas constructivas.


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text: El estilo mudéjar no es uniforme en toda la Península sino que es muy variado. Elementos mudéjares se encuentran repartidos por toda la península y se dan variedades locales. No hay casi elementos mudéjares en la zona de Cantabria y Pirineos y abunda en Toledo y valle del Ebro. Esta localización se va a entender teniendo en cuenta la cronología del avance cristiano. Hasta el s. XII no se puede hablar de arte mudéjar pues los cristianos solo tenían reinos en el norte y en torno al valle del Duero. Solo con las conquistas de Fernando I y Alfonso VI de Castilla y con la ocupación del valle del Tajo y Toledo se ponen en contacto el pueblo islámico y cristiano.


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text: Los constructores emigraron de una forma voluntaria durante los s. IX y s. X y durante la época mudéjar empiezan a trabajar para los cristianos en el s. XII y continúan haciéndolo hasta el s. XVI viendo forzados a hacerlo. Estos constructores musulmanes se van a ver absorbidos por la cultura cristiana más fuerte.


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text: El románico es un arte religioso, feudal y aristocrático. Los clérigos tienen los mismos intereses que la nobleza y desde los monasterios se establecerá el arte románico.


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text: Del s. V al s. X se desarrolla en España estilos prerrománicos (visigodos, mozárabes, astures). A partir del s. XI va a aparecer el románico como representación del feudalismo. Las iglesias de esta época son un hito en la arquitectura de todos los tiempos.


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text: Esta arquitectura nace en España y tiene su primer foco creador en el Imperio de Carlomagno, la reforma de Cluny a principios del s. X es el factor determinante de la arquitectura. Sus obras son iglesias y monasterios de proporciones descomunales hasta la fecha. Los monasterios están en lugares separados y se establecen como baluartes de defensa en España había una economía autárquica, cerrada, al ir transcurriendo el X se establece una economía sin relación con otros mercados. La sensación de progreso no se da hasta la Alta Edad Media. Todo lo que se produce está dirigido por lo divino y la iglesia, con visión cósmica y moral. Este espíritu se da en el estilo románico a partir del s. X. Este florecimiento de una nueva cultura es inseparable de la iglesia medieval.


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text: Forma arquitecturas pesadas, macizas. Es el reflejo de una nueva demanda social y estas formas y en general toda la sociedad está determinada por la religión como consecuencia de la sacralización de la sociedad.


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text: El arte fue considerado como un algo estético y no como una creación del culto. El románico es formalista. La pintura y escultura solo se concibe como elementos complementarios de la arquitectura. Toda la representación cumple una función ornamental dentro de la iglesia y constituye una manifestación de lo sagrado. La iglesia románica es de mayor dimensión que la necesaria para la población. Esta mayor dimensión no se debe a satisfacer una necesidad humana sino para satisfacer a Dios. Debe ser estudiado como el suelo y espacio que el hombre atribuye a Dios. Se olvidan las proporciones humanas del clasicismo. Es el primer estilo universalizado en occidente desde la caída del Imperio Romano. Se extiende por toda Europa y es la manifestación del cristianismo medieval. En España tiene contacto con el musulmán, apareciendo ejemplos como el mudéjar. El románico es abundante al Norte del Duero y Ebro ya que las regiones meridionales estuvieron bajo dominio musulmán.


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text: Se establecen dos corrientes dentro del románico en España, una de los antiguos se da en Cataluña durante el X, XI y XII, con influencias de Milán, Bérgamo, Pavía y Brescia. Otra viene del sur de Francia. En Cataluña se levantan iglesias para los altos clérigos y nobles feudales. La otra corriente del románico se infiltra en España por el camino de Santiago y comienza a aparecer en el s. XI. Va a determinar el estilo riojano, galaico y asturiano del XI y XII. Este papel arquitectónico es más evolucionado que lo lombardo y va a ser los clérigos benedictinos los que lo introducen. El primero es impulsado por los lombardos y el segundo por los cluniacenses. Se introducen dos estilos destacados en menos de un siglo de diferencia. Se diferencian en algunos detalles pero en el fondo tienen el mismo concepto.


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text: El primer estilo se desarrolla en Cataluña fundamentalmente en la periferia de los Pirineos, la tipología es lo más importante en la iglesia románica donde aparecen elementos característicos y recurrentes constituyendo el prototipo de iglesia románica. En plata puede aparecer una basílica de tres a cinco naves en la que se le pueden añadir capillas semicirculares, cabecera y crucero. Se orienta al Este (hacia Jerusalén). Va a aparecer la nave de crucero que sobresale en planta. En el cabecero se abren 2, 4 o 6 capillas semicirculares visibles en el exterior que están realizadas en piedra. Otra característica del románico es la prolongación de las naves que se unen por la cabecera mediante la girola lo que va a permitir que sean iglesias de peregrinación. El campanario tiene sección cuadrada y gran altura y no está dentro del edificio sino que aparece a los pies o en la cabecera.


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text: La otra tipología clave son los monasterios con un eje central , que es un patio, que tiene forma cuadrada y en l aparte que da al patio tiene un arquería y un deambulatorio destinado a los monjes. Este claustro tiene dos pisos, el segundo con arquerías y con las celdas para los monjes. Las dependencias internas tienen usos múltiples. Aparecen bóvedas de cañón y techumbres planas. Se confía en el espesor de los muros para sostener las bóvedas de cañón, otro elemento característico es la columna, olvidando la proporción clásica, es una columna muy gruesa y con fuste cilíndrico. Aparece también un pilar cruciforme que nace debido a las necesidades de la cubierta románica al sustentar la techumbre plana de madera por arcos transversales y al descansar esta sobre arquerías, es necesario multiplicar los apoyos del pilar cuadrado y se crea el de cruz, al que se le irá añadiendo columnas adosadas. Se irá complicando según la demanda de la nueva cubierta. Aparece la trompa, las cubiertas serán bóvedas de cañón y las cúpulas en el cimborio, que es la torre sobre el crucero. El arco más destacado es el de mediopunto y la bóveda de cañón y arista, donde se cruzan dos arcos de medio punto. La bóveda de cañón se usa para la nave central y la de arista o la de cuarto de cañón para las laterales.


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text: La bóveda de cañón de la nave central está sustentada por arcos fajones. También aparecen arcos formeros en paralelo a la nave central, y estos arcos fajones y formeros cuando sujetan la nave de crucero se llaman torales. Estos arcos fajones cuando son apuntados se les llaman arcos diafragma. Estos arcos fajones descansan sobre pilares o fuertes columnas con fuste liso.


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text: En el crucero donde se cruza el transepto con la nave mayor aparece el cimborrio que es una bóveda semiesférica que transmite sus fuerzas de una forma circular a otra cuadrada mediante trompas o pechinas. A veces en el cimborrio aparece un templete con una cúpula horadada de vanos denominado linterna.


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text: En el exterior lo problemático es consolidar la solidez del exterior y utiliza estribos que además de sustentar dan un aspecto ornamental. Al utilizar esta gran bóveda de calón en la nave central los estribos se ven insuficientes y se colocan bóvedas semicirculares en los lados para permitir el paso a los muros y estribos de forma más graduada. Este sistema con la utilización de bóvedas de medio cañón también aparece en el ábside que está rodeado de capillas con bóvedas de medio cañón llamadas horno. También aparece el muro compuesto conformado por arquerías ciegas corridas que atenúan la presión del muro circular y aparecen en la cabecera de todos los ábsides. Otro elemento característico es la portada multiplicándose los arcos de medio punto que obliga a multiplicar los elementos sustentantes. Los arcos de medio punto se corresponden con columnas lo que produce un abocinamiento, que tiene decoración vegetal o de forma humana. Aparece el tímpano decorado con relieves con temas geométricos o figurativos. Si en el espacio vacío que hay en el arco es muy grande se coloca una columna en el medio denominada parteluz.


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text: En los s. XII y XIII hay un estilo de transición entre el gótico y románico, no existen edificios de estilo puro ya que necesita dos o más siglos para su conclusión. Esto puede suponer una dificultad para comprender la obra y también es difícil datar entre el XII y XIII. El edificio medieval no se concibe de manera estática sino que el modelo se modifica a lo largo del tiempo. El arquitecto que proyecta, hace y concluye la obra no es el mismo y el edificio es un ensamblamiento de diversos estilos. La arquitectura está inserta en la trama urbana. Las iglesias en planta no se destacaran de las casas pero si en alzado, en la puerta no tienen jardín como en el renacimiento. En esta época había problemas económicos para realizar las obras y por esto se tardaba mucho en construirlas, además en algunos casos se tenía que recurrir a limosnas.


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text: Con el gótico cambia la situación teniendo enormes arquitectos. Los muros sufren cambios, pasan de gruesos a perforarse para colocar cristaleras. Los edificios aumentan su elevación. En el románico la proporción era de 1 de base por 2 de altura, en el gótico será de 1 de base por 3 de altura. Hay nuevas soluciones técnicas y constructivas. El peso de la bóveda no tiene porque descansar sobre el muro sino que las líneas de fuerza de la cubierta se pueden dirigir a unos puntos concretos que coinciden con los estribos y pilares externos. Aparecen nervios y cada vez serán más. Aparece la bóveda para transmitir el peso al suelo mediante arbotantes.


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text: Estas soluciones no constituyen una innovación de la historia del arte. Se llegan a soluciones técnicas para aligerar el peso del muro materiales más ligeros. El gótico es continuación del románico y se produce un periodo de transición de estilo imperfecto que nos permite ver la evolución hasta el gótico. El germen de la evolución del gótico está en su cubierta que demanda soluciones interiores y exteriores que permiten intentar las nuevas formas del edificio y usa el arco ojival que permite más elevación de la construcción con menos presión lateral que el de medio punto por la reforma del cister este arco ojival es conocido y tiene una gran difusión. Se produce la bóveda de crucería que tiene más altura que la románica de arista.


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text: En el gótico las líneas de fuerza están en los nervios de crucería y entre estos hay suplementos realizados en piedra ligera o ladrillo con función tectónica, se concluiría con un soporte lateral que transmite a los nervios que a su vez la transmiten verticalmente al suelo. Los arcos ojivales se cruzarían produciendo bóvedas sexpartitas, estrelladas o de abanico. En los pilares se parte del cruciforme románico y a partir del s. XI se complica su estructura con columnas adosada, con esto se sujeta la bóveda de crucería y se multiplican los nervios de la bóveda que coinciden con las columnas. Aparecen el baquetón que coincide con el pilar de arriba abajo y posteriormente no llega al suelo. Esto condiciona la base de los pilares que van a tener una correspondencia con los nervios de la bóveda y en la base están las molduras. Esta complicación estilística determinó que desapareciese el capitel sustentado por una franja decorativa, como una moldura característica del pilar gótico. En el s. XIV y XV estas molduras se multiplicarán formando un pilar estrellado.


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text: Algo característico es la portada, se utiliza el arco ojival aunque hay ejemplos con arcos de medio punto decorativos. El abocinamiento continúa empleándose con más profundidad. En la decoración se prefiere lo vegetal o geométrico y también aparece lo humano (esculturas) mucho más estilizado que en el románico. Otro elemento es la hoja de cardo o cardina. A diferencia de la espiritualidad del románico las esculturas góticas son más naturalistas, y se distancian del románico.


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text: Lo más característico va a ser la catedral con tres naves, rosetón en la fachada y el tímpano se divide en tantas partes como naves. El crucero sobresale en planta, tiene girola y capillas absidiales en la girola. En la fachada principal hay torres. Destacan los arbotantes y las gárgolas. Los ss. XIII, XIV y XV va generando pilares esbeltos y las bóvedas de crucería pasan a ser estrelladas. Aparecen las grandes vidrieras y los flamígeros.


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text: En escultura se abandonan los temas de terror y son más humanos y realistas inspirados en nuevos temas también religiosos. Ya no se ve la Virgen María como trono de dios es mucho más humana, enseña a su hijo. Hay escultura adosada a portadas y capiteles, en retablos donde se compagina escultura con pintura. También esta la escultura funeraria, exenta o adosada, el mayor lujo de los enterramientos es cuando se dan debajo del cimborrio y también cuanto más cerca del altar.


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text: El término Renacimiento tradicionalmente ha englobado varios estilos que ahora ya podemos considerar independientes como el gótico hispano-flamenco o final. El plateresco solo es un arte que trabaja en la decoración, no un estilo independiente. El arte renacentista español es un híbrido de mucho estilos que no seguirá al clasicismo italiano. Es un siglo de indefinición en el arte. El arte clásico estaba imbuido por el antropocentrismo, por tanto, el renacimiento se identificaba con esa forma de pensar e imitaba ese arte. En España hubo condiciones favorables para el desarrollo del renacimiento pero aún existía mucho conservadurismo por parte de la iglesia y la nobleza que mantenían el gótico. Un ejemplo sería el colegio de Santa Cruz de Valladolid, en clave gótico y con elementos renacentistas. A esta mezcolanza se le llamaría protorrenacimiento español.


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text: Esto implicó una libertad en el artista (que no se organizaba en gremios) que estaba protegido por el mecenas, a la vez, se dio una exaltación de la gloria del mecenas. Otro precepto es el coleccionismo que implica una predilección por buscar la belleza. El mecenazgo llegó a España por la Corona de Aragón (reino de Nápoles) y por la diplomacia nobiliaria con Italia y la Santa Sede. El arte está al servicio del poder coincide con el comienzo de las monarquías autoritarias en detrimento de los señores feudales. Se da un sentido neoplatónico que es el culto a la belleza que emana de Dios.


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text: Los artistas españoles serán muy influenciados del arte italiano. A finales del s. XIV se encuentran los libros de Vitrubio, serán los cánones de construcción en el renacimiento. El codex Valencianus es un tratado de arquitectura basado en Vitrubio, será el que más influyó en España. Se encuentra la Domus Aurea de Nerón que dará el concepto de grutesco al renacimiento. Antes de la llegada a España del Renacimiento se dio un movimiento protorrenacentista y más tarde llegaría el renacimento a manos de la familia de los Mendoza.


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text: Algunos atisbos del renacimiento llegaron a edificios como el hospital de Santiago de Compostela, el colegio de Santa Cruz de Valladolid (de origen gótico pero de decoración renacentista); la fachada de la Universidad de Salamanca (arquitectónicamente protorrenacentista y de decoración plateresca) y la sala capitular de la Catedral de Toledo (de estilo Cisneros).


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text: A su vez en la época de Isabel I de Castilla se produjo una reforma urbanística y sanitaria que se tradujo en la construcción de hospitales y otros edificios al servicio de los súbditos con la pretensión modernizar las antiguas ciudades medievales. Destacan el Hospital de Santiago de Compostela, el de Granada y el hospital de Santa Cruz de Toledo.


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text: El renacimiento llega a España a manos de la familia de Mendoza que se hallaba en Guadalajara. Gonzálo Yáñez de Mendoza, que es un humanista inserto en el arte gótico, manda construir el Colegio de San Gregorio de Valladolid.


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text: La llegada del emperador traumatiza a la sociedad española. Hombre de gran sensibilidad con preceptos como Erasmo de Róterdam o Adriano de Utrecht. Influirá decisivamente en la plástica española. Doble perspectiva del emperador, obsesión de la universitas y España como centro de todo y otra visión como hombre de arte y letras.


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text: Carlos I hará una renovación del lenguaje artístico en esta segunda mitad del siglo, traerá múltiples autores de Italia. Desde los años 40 del siglo XVI la política arquitectónica se delega en Felipe II, príncipe de momento. Para crear la nueva imagen de ciudad acorde con el emperador y el humanismo se decide a modificar los alcázares medievales. Preocupación por la renovación de la vivienda del emperador.


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text: En 1537 nombra a Alonso de Covarrubias y Luis de Vega arquitectos de las obras reales. Ellos van a remodelar los alcázares de Sevilla, cambian el patio enormemente. La gran obra se lleva a cabo en Granada, la casa del César en occidente.


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text: A pesar de la gran figura de Goya, la pintura española del siglo XIX se caracterizó por la continuidad del academicismo (Vicente López, los Madrazo), siendo la pintura de historia el género más reconocido institucionalmente, y su mayor premio, la estancia en la Academia de España en Roma.


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text: En la segunda mitad del siglo XIX, los pintores Mariano Fortuny o Joaquín Sorolla se acercaron a la ruptura impresionista, mientras que en escultura, destaca Mariano Benlliure. En arquitectura, tras estilos historicistas como el neomudéjar, es el eclecticismo quien preside el cambio de siglo y el modernismo catalán quien realiza las aportaciones más avanzadas, especialmente a través de Gaudí. En el urbanismo, hay que mencionar el Plan Cerdá y la Ciudad Lineal. El primer tercio del siglo XX ha sido denominado Edad de Plata de las letras y ciencias españolas, aunque los artistas más reconocidos, como Pablo Ruiz Picasso, Julio González, Juan Gris, Joan Miró y Salvador Dalí, produjeron su obra en el París de las vanguardias. En el propio país triunfaron Julio Romero de Torres o Ignacio Zuloaga y la arquitectura recibió el impacto del movimiento moderno a través del GATEPAC.


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text: En la posguerra, los tebeos se convierten en el medio más popular del país. Un vena satírica puede rastrearse tanto en la Escuela Bruguera, como en las películas firmadas por Berlanga, mientras que otros cineastas como Buñuel trabajan en el exilio. En un terreno más vanguardista, hay que mencionar a los artistas Chillida, Pablo Serrano, Sáenz de Oíza o Tàpies, mientras que en el oficial triunfa una arquitectura neoherreriana (Valle de los Caídos) y películas históricas como las de CIFESA. Antonio Gades recupera el baile flamenco.


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text: La muerte de Franco acabó con la censura, y dio lugar a un crecimiento cultural explosivo en algunas artes, especialmente en las audiovisuales y gráficas, como el cómic y el diseño, con fenómenos como el de Pedro Almodóvar, y el "destape". Por otra parte, etiquetas como "arte conceptual", "postmodernidad" o "deconstrucción" se han extendido a todo tipo de medios: Instalaciones, videoarte, ciberarte e incluso la gastronomía (Ferran Adrià). Gozan, igual que el cine, de un gran apoyo, tanto público como privado (ARCO, Guggenheim Bilbao, Premios Goya, etc.). Arquitectos como Santiago Calatrava y bailarines como Nacho Duato alcanzan proyección internacional, y se imponen nuevas formas de ocio, como los videojuegos. La Unesco ha incluido como bienes del Patrimonio de la Humanidad las siguientes obras y conjuntos histórico-artísticos españoles, ordenados por el año de su declaración como tales:


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text: La sustitución en el trono de España de la dinastía de los Habsburgo por la de los Borbones, con la llegada de Felipe V fue un factor determinante para que entraran las corrientes artísticas extranjeras y se produjera el cambio de gusto en las artes españolas. Los artistas llamados para trabajar en los palacios reales, franceses e italianos principalmente, trajeron a España las manifestaciones artísticas del clasicismo francés y del barroco clasicista italiano, mientras los artistas españoles estaban inmersos en un barroco nacional que pervivirá aún hasta finales del siglo.


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text: Otro hecho decisivo para la introducción del estilo artístico importado fue el incendio, en 1734, del antiguo Alcázar de Madrid, residencia de los Austrias. Felipe V solicitó la presencia en Madrid del arquitecto Filippo Juvara (1678-1736) para que hiciera los planos de la nueva residencia real. Con Juvara primero y, tras su muerte en 1736, con Giovanni Battista Sacchetti (1690-1764) llegó el barroco clasicista italiano. En la obra de Palacio se formaron muchos de los futuros arquitectos españoles y muchos escultores y pintores trabajaron en su decoración.


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text: En cualquier caso, son los reyes los que sustentan esta renovación artística, sirviéndose de una institución, la "Academia de Bellas Artes de San Fernando", que promueve a la vez que ejerce el control sobre las artes. Poco a poco se instaura el reformismo ilustrado contando para sus proyectos renovadores con la ayuda de notables ilustrados españoles como Aranda, Campomanes, Floridablanca, Jovellanos o Antonio Ponz.


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text: La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando nació oficialmente en 1752 gracias a los deseos del rey Fernando VI. La Junta Preparatoria de la Academia, constituida algunos años antes, ya mostraba en su composición la presencia de artistas extranjeros que trabajaban en las obras reales, como su principal promotor y presidente, el escultor Giovanni Domenico Olivieri o algunos de sus directores como el escultor Antoine Dumanché, el pintor Louis-Michel van Loo y el arquitecto Giovanni Battista Sacchetti. A ellos, sin embargo, se agregaron inmediatamente artistas españoles, como Felipe de Castro, director de la sección de escultura desde su fundación, con una formación clásica adquirida en Roma que lo distanciaba del barroco tardío practicado por los anteriores. La orientación de la Academia, confiada siempre su dirección a los artistas, estuvo marcada desde el comienzo por el rey quien, con un concepto ilustrado de la función del arte, deseaba la renovación y el control de la producción artística para que sirviera de ornato y enaltecimiento a la Corona. A imagen de la Academia madrileña surgieron las del resto de España.


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text: Con la llegada al trono de Carlos III en 1760 la función dirigente del rey y de la Academia se manifestó de forma más clara. El nuevo monarca había apoyado en Nápoles las excavaciones de las ciudades de Herculano y Pompeya, siendo conocido su entusiasmo por la arquitectura y las demás artes, su interés por el pasado clásico y su apoyo a la edición de las "Antigüedades de Herculano". En 1783 publicó una Real Orden por la que se declaraban libres las profesiones de las Nobles Artes de Dibujo, Pintura, Escultura, Arquitectura y Grabado, pudiéndose ejercer desde entonces sin necesidad de formar parte de un gremio. Con ello la Academia se convertía en la única instancia autorizada para expedir títulos o racionalizar el aprendizaje de las artes, controlando la orientación de la producción artística, a la que se contribuía con pensionados en Roma para los alumnos destacados.


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text: El proceso de introducción en España de las corrientes neoclásicas tiene en común con el resto de Europa el profundo análisis que se hace de las fuentes del clasicismo, el interés por la arqueología, el estudio de la tratadística, la crítica de la tradición y el rechazo del último barroco. Aunque el desarrollo del Neoclasicismo en las tres artes no fue coincidente en el tiempo, puede decirse que tiene sus primeras manifestaciones durante el reinado de Fernando VI (1746-1759), florece bajo Carlos III (1759-1788) y Carlos IV (1788-1808) y prosigue todavía, tras la Guerra de la Independencia, con Fernando VII (1808- 1833), si bien ya conviviendo con otras corrientes más novedosas.


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text: Fue en la arquitectura donde antes se apreció el impulso renovador, con la mano obra del Palacio Real de Madrid, de donde surgieron los arquitectos más notables de la segunda mitad del siglo XVIII. En este ambiente primero, en la Academia de Bellas Artes de San Fernando después, se revisaron las concepciones arquitectónicas, coincidiendo todos, a pesar de los diferentes postulados existentes, en el desprecio hacia el Barroco castizo, motejado despectivamente de "churrigueresco", al que se quería asociar con la ignorancia y el mal gusto populares.


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text: Desde el proyecto ilustrado, la arquitectura no debía limitarse a intervenciones puntuales, sino que era parte de un todo que tenía la misión de conseguir un marco adecuado para la vida de los ciudadanos. Así, las ciudades debían mejorar sus servicios de alcantarillado, acometida de aguas, adecentamiento de calles con iluminación y empedrado, hospitales, jardines, cementerios, etc. En resumen, había gran interés por dotar a las poblaciones de un aspecto más noble y lujoso que pudiera reflejar la grandeza del soberano y el bienestar de sus súbditos. También era preciso mejorar la infraestructura de caminos, para comunicar con facilidad las diferentes zonas y agilizar así el comercio y la industria. La fundación de nuevas poblaciones sirvió para colonizar zonas escasamente pobladas y controlar de esta manera el territorio. También se impulsan las obras hidráulicas, como canales y acueductos, para facilitar el transporte y la distribución del agua necesaria para el riego de los campos y para el consumo.


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text: Dentro de estas empresas ilustradas está la colonización de Sierra Morena y Nueva Andalucía con la fundación de poblaciones como La Carolina, La Carlota, Almuradiel, etc. a lo largo del camino Real de Andalucía, o la creación por intereses militares de las nuevas poblaciones costeras de Ferrol o de la Isla del León (San Fernando). También es importante destacar la construcción de canales, como el de Castilla o el Imperial de Aragón, que se consideraban un medio importante para el riego y el transporte. Todas estas obras se realizaron con el trabajo de los arquitectos pero, sobre todo, de ingenieros militares.


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text: Desde la Academia se acomete la tarea de buscar un modelo ideal para la arquitectura. Se trata de revisar y criticar toda la tratadística anterior, desde Vignola a Palladio o Serlio, intentando ir directamente a las fuentes del pasado con viajes para conocer las ruinas, catalogarlas y estudiarlas, a fin de sacar unas conclusiones de validez universal. Diego de Villanueva (1715-1774), director de Arquitectura de la Academia, publicó en 1766 en Valencia la "Colección de diferentes papeles críticos sobre todas las partes de la Arquitectura", donde muestra conocer las teorías racionalistas de Laugier o Algarotti entonces de moda en Europa. Entre su obra construida resalta por su sentido simbólico la reforma del Palacio Goyeneche en la calle de Alcalá de Madrid, para sede de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (1773), reforma que consistió en mutilar la fachada barroca ricamente ornamentada que años antes había construido José Benito Churriguera.


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text: También en estos años sobresale el arquitecto Ventura Rodríguez (1718-1785), notable por la cantidad de obras que construye y por el control que sobre la arquitectura de toda España ejerció desde la Academia y desde el Consejo de Castilla. Obra suya es la remodelación de la Basílica del Pilar de Zaragoza, con la construcción de una capilla exenta para el culto de la Virgen dentro del gran templo. La capilla está pensada como un enorme baldaquino construido en mármoles de colores y bronces muy en la línea del último barroco romano que había aprendido en la obra del Palacio Real de Madrid. Es también autor del convento de los Agustinos Filipinos de Valladolid (1759 y sig.) que, aunque al exterior trae recuerdos escurialenses, tiene en su planta ecos de la obra de Juvara en Turín. De un clasicismo más riguroso son los planos de la fachada de la catedral de Pamplona (1783), telón tras el que se oculta el primitivo edificio gótico. A él pertenecen también los diseños arquitectónicos de las fuentes monumentales del Salón del Prado.


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text: Con la llegada de Francesco Sabatini (1721-1797), que llegó de Nápoles con Carlos III con la misión de atender la política reformista del rey en el campo de la arquitectura, Ventura Rodríguez se vio relegado en el favor real. Sabatini trazó la escalera principal del Palacio Real de Madrid (h. 1761) e intervino en la edificación de obras monumentales para Madrid, representativas del poder real, como la Puerta de Alcalá (1764-1776), que conmemoraba la entrada de Carlos III en la capital, el edificio de la Real Casa de la Aduana de Madrid (1761-1769), hoy Ministerio de Hacienda, en la calle de Alcalá, y el Hospital General (1781), actual Museo Reina Sofía, iniciado por Rodríguez, todo dentro del diseño racionalizado del Barroco clasicista que había conocido en Nápoles. La actividad de Sabatini cubrió el campo de la arquitectura civil y de la ingeniería militar; dirigió numerosas obras en toda España, desde la catedral de Lérida a la fábrica de armas de Toledo o el trazado de la nueva población de San Carlos en la Isla del León (Cádiz).


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text: Después de unos años de enorme labor crítica y teórica desde la Academia, comenzó a trabajar una nueva generación de arquitectos cuya figura más representativa es Juan de Villanueva (1739- 1811), hermano del ya citado Diego. Es el arquitecto que mejor refleja la consecución y codificación de un auténtico lenguaje neoclásico, a la vez que su trabajo como arquitecto real le convierte en el traductor de los gustos del rey. Fue autor, en el Real Sitio de El Escorial, de las casas de Oficios frente al monasterio y también de las Casitas de Arriba y de Abajo, edificaciones de aspecto totalmente clasicista. Incluidas en el programa cultural de corte ilustrado del gobierno de Carlos III están tres de las obras más emblemáticas de Villanueva: el Museo del Prado, el Jardín Botánico y el Observatorio Astronómico. El hoy Museo del Prado estaba pensado como Academia de Ciencias o Gabinete de Historia Natural y se inició en 1785; su arquitectura de formas clásicas perfectamente depuradas, integrada por volúmenes independientes conectados entre sí, es una muestra del modo neoclásico de combinar formas puras. Coetáneo de Villanueva fue Ignacio Haan (1758-1810) que destacó por sus obras en Toledo bajo el mecenazgo ilustrado del Cardenal Lorenzana; es autor del edificio de la Universidad (1792) con un patio con columnas jónicas y estructura adintelada, un verdadero manifiesto del Neoclasicismo.


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text: El País Vasco fue un foco admirable de la arquitectura clasicista. Justo Antonio de Olaguíbel (1752-1718) edificó la Plaza Nueva de Vitoria, con la que recoge una tradición española de plaza mayor porticada de austeros y uniformes elementos, modelo que tendrá después continuidad en Bilbao, con la Plaza del Príncipe, y en San Sebastián, con la Plaza de la Constitución, levantada por Pedro Manuel de Ugartemendía.


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text: Por los contactos con el exterior, a través de los textos teóricos que se han ido traduciendo y por los viajes de los arquitectos a Roma o París, hacia 1790 la arquitectura española vive un momento semejante al de otros países europeos. Isidro González Velázquez (1764-1840), discípulo de Villanueva, crea en la Casita del Labrador del Real Sitio de Aranjuez (1794), con la colaboración en la decoración del Gabinete de Platino de los arquitectos de Napoleón Percier y Fontaine, una obra que aúna la racionalidad, el gusto por la antigüedad y las modas francesas. Por el contrario Silvestre Pérez (1767-1825), más en la línea de los arquitectos visionarios, basa toda su arquitectura en el empleo de volúmenes puros e independientes, como en la parroquia de Motrico (1798) o en la de Mugardos en La Coruña (1804).


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text: La escultura Neoclásica tuvo un desarrollo particular y menos visible que en otras artes. En ella pesó poderosamente la tradición imaginera, con obras en madera policromada, que había sido habitual en las costumbres devocionales de los españoles, por lo que apenas existía una escultura monumental que no estuviera ligada a las necesidades religiosas. Por ello los primeros indicios de cambio se encaminan hacia el Barroco francés que traen los escultores cortesanos.


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text: Desde la Academia, artistas como Francisco Gutiérrez (1727-1782) o Manuel Álvarez de la Peña (1727-1797) crearon esculturas en materiales nobles, en muchos casos destinadas al ornato urbano. Gutiérrez es autor de la Fuente de Cibeles (1780-86) y colabora en la parte escultórica de la Puerta de Alcalá, ambas en Madrid. Álvarez esculpió la Fuente de Apolo o de las Cuatro Estaciones y Juan Pascual de Mena (1707-1784), un precursor de las nuevas tendencias, la Fuente de Neptuno, ambas en el Paseo del Prado de Madrid.


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text: Pero la imaginería no desapareció y los escultores, aprovechando las enseñanzas de la Academia, llegaron a hacer una escultura policromada de gran calidad. Un ejemplo es José Esteve (1741-1802), formado en la Academia de San Carlos de Valencia, autor de bellísimas imágenes como la "Inmaculada" de la catedral de Valencia. Con Esteve colaboró José Ginés (1768-1822) en la elaboración del "Belén del Príncipe" (Palacio Real y Academia de San Fernando), un género aún habitual.


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text: Con Juan Adán (1741-1816), que se formó en la Academia de Zaragoza y estuvo pensionado en Roma, se produce el paso definitivo al Neoclasicismo. Nombrado en 1795 escultor de cámara, realiza los retratos de Carlos IV y María Luisa de Parma (1797, Palacio Real); tienen la ampulosidad de los retratos de aparato pero con la severidad en los rostros de la estatuaria romana. Suya es la "Venus" de la Alameda de Osuna, una interpretación realmente fiel de los modelos romanos.


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text: El cordobés José Álvarez Cubero (1768-1827) es un ejemplo del Neoclasicismo español que, aunque había recibido una educación inicial en el Barroco, luego compite en Roma por la clientela con escultores como Canova. Fue escultor de cámara de Fernando VII y su célebre grupo "La defensa de Zaragoza" es muy representativo de este Neoclasicismo hispano que debe tanto a la estatuaria clásica como a la lección de Canova.


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text: En Cataluña, las enseñanzas del clasicismo de la escuela de la Lonja de Barcelona, se manifiestan en el escultor Damià Campeny (1771-1855); su "Lucrecia muerta" (1804, Lonja de Barcelona) tiene toda la serenidad de la escultura clásica pero algunos atisbos de melancolía romántica. La escultura neoclásica tuvo un largo epílogo en la obra de Antonio Solá (1787-1861), autor de "Venus y Cupido" (1830, Museo de Arte de Cataluña) y del grupo de "Daoiz y Velarde" (1830, Madrid, Plaza del dos de mayo), un uso convencional del clasicismo para retratar a los héroes románticos.


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text: En Canarias destacó la personalidad de Fernando Estévez (1788-1854), máximo representante del clasicismo en el Archipiélago canario. Su obra está formada principalmente la escultura religiosa, aunque también realizó composiciones pictóricas, fue un hábil urbanista y diseñó monumentos conmemorativos. Admirador de Canova y defensor de todo lo que significara progreso, desempeñó el cargo de Catedrático de Dibujo en la Academia de Bellas Artes de Canarias. Es conocido por haber realizado la imagen de Nuestra Señora de Candelaria (1827), Patrona de Canarias y la magnífica talla del "Nazareno" (1840) de Santa Cruz de La Palma.


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text: Los monarcas Felipe V y Fernando VI habían llamado a pintores franceses e italianos, como Louis Michel van Loo, Jacopo Amigoni o Corrado Giaquinto, que iniciaron la decoración del Palacio Real. Más tarde Giambattista Tiépolo, el gran fresquista veneciano, adornó tres de las bóvedas de la real morada con su pintura decorativa y colorista.


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text: Pero la regeneración de la pintura española se produjo con la venida a España en 1761, llamado por Carlos III, del artista bohemio Anton Raphael Mengs. Su llegada trastocó el orden hasta entonces existente porque sus orientaciones fueron seguidas fielmente por el Rey, que le concedió todos los honores imaginables ejerciendo desde la Academia, como pintor y como teórico, una auténtica "dictadura" artística que influyó en la formación de los pintores españoles. Mengs realizó decoraciones para algunas de las bóvedas del Palacio, predominando en todas ellas un dibujo preciso y una falta de expresividad; en "El triunfo de la Aurora" o "La apoteosis de Adriano", la calculada simplicidad de composición recuerda "El Parnaso" que pintó en la villa Albani de Roma. Colaboró con él en el Palacio Real Mariano Salvador Maella (1739-1819), que también hizo decoraciones para los palacios de Aranjuez, El Pardo y El Escorial; su estilo distante y su colorido algo estridente no le impidieron hacer espléndidos retratos como el de Carlos III (1785) con colores fríos y barnices acharolados. José Vergara Gimeno (1726-1799), fundador de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia (1768), es en la ciudad del Turia la figura más importante en la introducción de los postulados neoclásicos.


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text: Muchos pintores trabajaron como cartonistas para la Fábrica de Tapices que Mengs dirigía, como los hermanos Bayeu, José del Castillo o Francisco de Goya. Para los tapices Mengs prefirió los temas costumbristas o de cacería muchas veces relacionados con la pintura neerlandesa, y alentó un costumbrismo de raíz castiza con escenas de género. José del Castillo destacó con sus primorosas escenas de caza como las que adornan la pieza del Príncipe en el palacio de El Escorial. Los Bayeu cultivaron el fresco, sobre todo Francisco (1734-1795) que colaboró en la decoración de la basílica del Pilar de Zaragoza y en el oratorio del Palacio Real de Aranjuez (1791); Ramón, menos brillante, se especializó en los cartones para tapices que resolvió con una técnica suelta y precisa. También trabajó en la Fábrica de Tapices Francisco de Goya (1746-1828), yerno de Francisco Bayeu, pero su obra por su amplitud y su variedad desborda los estrechos límites del Neoclasicismo y merece un estudio más amplio.


title: Neoclasicismo en España

text: Después de la Guerra de la Independencia emergen otros pintores más jóvenes que siguen el Neoclasicismo ortodoxo, para luego pasar hacia estilos más eclécticos. Entre ellos destacan José Aparicio (1773-1838), José de Madrazo (1781-1859) y Juan Antonio Ribera (1779-1860), que aprendieron en Roma el estilo internacional y miraron con admiración al gran Jacques-Louis David, pero que luego evolucionaron y ocuparon un puesto importante en el arte español. Sus obras muestran el perfecto conocimiento del mundo clásico, el equilibrio entre color y dibujo en sus composiciones, pero también una capacidad para adaptarse al arte burgués que impondrá el Romanticismo.


title: Neoclasicismo en España

text: Las críticas contra los excesos barrocos en el ámbito literario surgieron durante la segunda década del siglo XVIII y se fueron acrecentando con el paso de los años. A la vez, se perfiló un nuevo ideal que rechazaba la literatura recreativa y de ficción, proponiendo una literatura verosímil, racional y didáctica. Mientras se acusaba a Luis de Góngora de ser el principal artífice de la destrucción de la poesía, se valorizaban las obras de Garcilaso y de sus seguidores, consideradas como un modelo de claridad, orden y armonía. Géneros literarios como el ensayo o el género epistolar cobraron nuevo impulso en esta época, a la vez que se renovaban otros, como el teatro. Algunos de los autores que protagonizaron esta época en España fueron José Cadalso, Benito Jerónimo Feijoo y Leandro Fernández de Moratín. Se respeta a las normas clásicas como la métrica, rima y ritmo.Se relatan hechos reales.Tuvo que tener un fin didáctico, por eso surgen las fábulas; surgen también el espíritu crítico y científico. A


title: Claude Perrault

text: Claude Perrault (París, 25 de septiembre de 1613 - ibíd., 9 de octubre de 1688) fue un célebre arquitecto, físico, mecánico, médico y naturalista francés, miembro de la Academia de Ciencias. Fue hermano del escritor Charles Perrault, autor de cuentos tan célebres como "Caperucita roja", "La Cenicienta" o "La bella durmiente".


title: Claude Perrault

text: Sus obras arquitectónicas más notables son: columnata del Louvre; capilla de Nuestra Señora de Navona, en la iglesia de los Mínimos; traducción de los diez libros de arquitectura de Vitruvio al francés; disposición de las cinco especies de columnas, según el método de los antiguos. Entre 1673 y 1677 construyó para Colbert el castillo de Sceaux. El Observatorio de París también es obra suya. De igual manera traduce de “De architectura libri decem” al francés. "Les dix livres d¨architecture de Vitruve, corrigez et traduits nouvellement en Français", en 1673 (Los Diez libros de arquitectura de Vitruvio, corregidos y traducidos nuevamente al francés.)


title: Claude Perrault

text: El Castillo Sceaux y el Parque Sceaux están situados en Sceaux, en el departamento de Hauts-de-Seine (Francia). Claude Perrault, Le Brun, Le Nôtre... los artífices de esta espléndida mansión y de su parque, propiedad de Colbert, el célebre intendente de finanzas de Luis XIV, rivalizan entre sí por su prestigio. El castillo, destruido y posteriormente reconstruido en el siglo XIX, es hoy en día el Museo de Ile-de-France, una verdadera mina de informaciones sobre el "domaine", las cerámicas, las residencias reales desaparecidas y sobre los paisajes de la región desde el siglo XVII.


title: Claude Perrault

text: La creación de la Real Academia de Arquitectura en 1671 tuvo por principal objetivo la elaboración de una doctrina global de arquitectura que permitiera explicar la eclosión de la arquitectura francesa bajo Luis XIV (reinado 1643-1715) y, sobre todo, preservar la línea general y su tradición. El debate doctrinal giraba en torno al texto de Vitruvio, Los diez libros de arquitectura, único tratado de arquitectura de la Antigüedad que perduraría hasta esa fecha pero que debía ser analizado más a fondo debido a los puntos oscuros y enigmáticos todavía sin resolver. Claude Perrault recibe el encargo de una nueva traducción del texto de Vitruvio, y un riguroso comentario del mismo “que reafirmó su prestigio intelectual” a partir de 1666 aproximadamente. Pero el resultado no corresponde en absoluto con lo esperado por la Academia.


title: Claude Perrault

text: “Sus teorías radicales que anunciaron el nacimiento del racionalismo francés y que formaron parte del entramado de ideas de la Ilustración europea”.


title: Claude Perrault

text: En cuanto a sus obras científicas destacan: "Ensayo de física" y "La Mecánica de los animales". La obra naturalista de Perrault se encuadra en la filosofía cartesiana, muy extendida en la época según la cual, los animales podían ser considerados como máquinas y sus órganos como las piezas cuyo engranaje explicaba las funciones vitales. No obstante, Perrault era un cristiano convencido, y se negó a aceptar que tal maquinaria pudiera ponerse en marcha en ausencia de un alma que le imprimiera movimiento.


title: Pablo Pernicharo

text: Pablo Pernicharo (?-1760) fue un pintor español del siglo XVIII, natural de Zaragoza.


title: Pablo Pernicharo

text: Marchó a Madrid, donde fue discípulo de Michel-Ange Houasse. Obtuvo de Felipe V una pensión para ir a estudiar a Roma donde ingresó en la Academia de San Lucas. Completó allí su formación copiando obras de Rafael de Urbino y estudiando el arte de la antigüedad. De regreso a Madrid fue nombrado pintor de cámara y, al constituirse oficialmente la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en 1752, teniente director de pintura, pasando un año después al cargo de director, empleo que desempeñó hasta su muerte, ocurrida en Madrid en 1760.


title: Pablo Pernicharo

text: Ceán Bermúdez, de quien proceden los anteriores datos biográficos, destacó entre sus obras "La muerte de Abel", cuadro pintado para la sala de juntas de la Academia y conservado en ella, fechado en 1754, y "San Elías y san Eliseo" a la entrada de la capilla de Santa Teresa en el convento de carmelitas de San Hermenegildo, actual parroquia de San José de Madrid, donde se conserva, si bien Ceán, por error, lo localizaba en el convento de Santa Teresa, equivocando también el asunto, que es el "Sacrificio de Elías y los profetas de Baal", lienzo firmado con precisión «Paulus Pernicharo. Catho Reg. Pic. Faciebat Matriti Ann. 1743». El motivo de "San Elías y san Eliseo", situado frente a este, corresponde por el contrario a Juan Bautista Peña, con quien Pernicharo compartió también la pintura de algunos santos de medio cuerpo para las capillas de la iglesia del Colegio Imperial, actual Colegiata de San Isidro de Madrid. Se han perdido el resto de las obras citadas por Ceán, quien valoraba en su pintura la corrección del dibujo a la vez que acusaba cierta pesadez, con la que perdía gracia en las figuras y brillantez en el color.


title: Pablo Pernicharo

text: Entre sus discípulos en Madrid, antes del establecimiento de la Academia, se menciona al extremeño Juan Eusebio Estrada.


title: Perin del Vaga

text: Perin del Vaga (Florencia, 1501 - Roma, 14 o 20 de octubre de 1547) fue un pintor italiano del siglo XVI, cuyo verdadero nombre era Pietro Bonaccorsi.


title: Perin del Vaga

text: Su primera formación la realizó en Florencia en el taller de Ridolfo Ghirlandaio, donde conoció a un pintor llamado Vaga, del que recibirá su sobrenombre.


title: Perin del Vaga

text: En 1517, aproximadamente, se traslada a Roma, donde entra a trabajar en el taller de Rafael, participando en la decoración de las Logias Vaticanas, siendo ayudante de Giovanni da Udine en los frescos de la Sala de los Pontífices. Individualmente realiza la decoración de la sala del Palacio Baldassini, en la que reelabora modelos de Rafael, Peruzzi y Giulio Romano, con un original estilo caracterizado por la gracia, la fluidez y la artificiosidad.


title: Perin del Vaga

text: Entre 1522 y 1523 se encuentra nuevamente en Florencia, donde hace amistad con Rosso Fiorentino, con quien realiza un cartón muy elogiado: "Los diez mil mártires", hoy desaparecido.


title: Perin del Vaga

text: Tras el Saco de Roma (1527) que trastocó la actividad económica y artística de la ciudad, tuvo que buscar otra urbe para trabajar, y aceptó entrar al servicio de Andrea Doria para realizar la decoración del Palacio Fassolo en Génova, punto de referencia fundamental para los posteriores desarrollos de la pintura local en los palacios de la nobleza, donde realiza los temas de "Los Triunfos", "Los Héroes, "La Caída de los gigantes" o "El naufragio de Eneas". De este periodo genovés son también numerosas tablas de altar y cartones para tapices.


title: Perin del Vaga

text: En 1538 regresa a Roma, donde realiza importantes encargos para la corte papal, como la decoración de la Sala Paulina o las estancias del Castillo Sant'Angelo, así como la Estancia del Sello del Palacio Apostólico Vaticano. En estas obras abandona el frío y arqueológico estilo asumido en su periodo genovés, creando escenas más enérgicas y llenas de figuras inspiradas en Miguel Ángel.


title: Perin del Vaga

text: La riqueza de su cultura la elegancia del dibujo y el ritmo inquieto de sus composiciones hacen de él una de las figuras más importantes del Manierismo, con gran número de seguidores en Roma y en Génova.


title: Perilo

text: Perilo (siglo VIII a. C.). Fue un escultor ateniense que vivió alrededor del 770 a. C. Se asegura que construyó y regaló a Falaris, tirano de Agrigento, un toro de bronce destinado a quemar en su interior a los reos sentenciados a pena capital. Según él, los gemidos lanzados por la víctima debían producir desde el interior del toro ardiente un sonido semejante al mugido del animal verdadero. Falaris, dice la tradición, mandó hacer la primera prueba arrojando en el interior del toro a Perilo. Esta leyenda se considera generalmente como falsa.


title: Silvestre Pérez y Martínez

text: Silvestre Pérez y Martínez (Épila, Zaragoza, 1767-Madrid, 1825) fue un arquitecto español de carácter y formación neoclásica.


title: Silvestre Pérez y Martínez

text: Educado por Agustín Sanz desde 1777 a 1781, discípulo de Ventura Rodríguez desde 1781 a 1785, su posterior estancia en Roma como pensionado (1791-1796) coincide con la difusión de ideas francesas y con la crisis del modo clásico —especialmente en lo concerniente al vitruvianismo—, pues eran reveladoras las cuestiones a las que llevaba el nuevo conocimiento arqueológico del mundo griego. Su investigación en Roma se centra en realizar planos de las ruinas romanas, con la intención de definir el espacio de los antiguos, y aprovechar este aprendizaje, fuera de alardes decorativos y centrado en cuestiones espaciales que aplicaría en sus composiciones posteriores.


title: Silvestre Pérez y Martínez

text: Formuló una serie de ejercicios, que llamó "construcciones mínimas", en los que se puede observar la sacralización de temas anteriormente profanos, como el de la biblioteca. Estas interferencias son también palpables en la arquitectura construida. Por ejemplo, en la iglesia de Motrico (1789), traduce la idea de templo clásico a la parroquia cristiana y años después, en 1807, en la iglesia de Santa María de la Asunción (Bermeo) (que quedó inacabada en 1820) Pérez consigue diferenciar claramente el templo barroco del clásico, gracias a que la fachada no se convierte en una transposición del retablo, sino de la planta. Aunque estas dos iglesias pertenezcan al ámbito vasco, Pérez tiene una fructífera actividad en los años intermedios. En la Academia, aparte de su labor docente, es secretario de la comisión de arquitectura a partir de 1800 y realiza simultáneamente una actividad como urbanista y arquitecto, que llena de sugerencias su obra. En el País Vasco traza el proyecto de Nuevo Bilbao o Puerto de la Paz (1807).


title: Silvestre Pérez y Martínez

text: Parte de su destacada labor coincidió con la ocupación francesa. Como arquitecto del rey José Bonaparte, realizó el arco del triunfo en la Puerta de Toledo de Madrid, una obra de carácter conmemorativo en la que se aprecia su gusto por la arquitectura romana.


title: Silvestre Pérez y Martínez

text: En 1810 fue nombrado arquitecto municipal de Madrid y planeó algunos ambiciosos proyectos que hubieran supuesto una gran reforma de parte de la ciudad, como un viaducto que salvaba la pendiente de la calle Segovia con el que se trataba de unir el Palacio Real con la iglesia de San Francisco el Grande y de este modo conseguir una imagen de la ciudad como fachada áulica hacia el río. El nuevo sentido que adquiriría representaría la unión de los poderes ejecutivo y legislativo (la iglesia de San Francisco era la sede de las Cortes en ese momento), siendo una alternativa al eje del Paseo del Prado. Pero las limitaciones económicas impidieron que la obra se llevase a cabo y forzaron a Silvestre Pérez a circunscribirse a proyectos más modestos, como la traza de la plaza de Santa Ana (1810), en la que planteaba ya el tema urbano del espacio ajardinado, y la de San Miguel (1811).


title: Silvestre Pérez y Martínez

text: Una vez que José Bonaparte huyó de España, la colaboración con su régimen le obligó a seguir sus pasos y se exilió en el país vecino. Este hecho marcó su carrera. A comienzos del reinado de Fernando VII volvió, ya exculpado de su posición afrancesada, y se incorporó al panorama artístico español, aunque fue postergado en favor de arquitectos menos creativos pero más fieles políticamente. En el País Vasco realizó el Teatro de Vitoria, el antiguo Ayuntamiento de San Sebastián y otros proyectos que no se materializarían, como los de la Plaza Nueva o el Ayuntamiento de Bilbao. En Sevilla haría un informe sobre ciertos problemas estructurales del templo del Sagrario, así como la traza del puente que uniría Triana con la ciudad, para sustituir el puente de barcas existente.


title: Hiperrealismo

text: El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a la fotografía. El hiperrealismo es considerado un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados. El término se aplica a un movimiento y estilo de arte independiente que surge en Estados Unidos y Europa a finales de 1960 y a principios de 1970.


title: Hiperrealismo

text: El término "hiperrealismo" es también aplicable a la escultura y los cómics (Luis García, Alex Ross, etc).


title: Hiperrealismo

text: En la década de 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.


title: Hiperrealismo

text: Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo: "La Imagen fotográfica" y "22 Realistas", ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close o Richard Estes desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.


title: Hiperrealismo

text: Otros artistas estadounidenses de esta tendencia son Don Eddy, John Salt, Ralph Goings, Robert Cottingham, John Kacere, Paul Staiger, Richard McLean, Malcolm Morley y John de Andrea.


title: Hiperrealismo

text: Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia. A esto se le suma la exactitud en los detalles. Al utilizar en el proceso de la realidad al cuadro, lo que queda roto y manipulado dos veces (tanto en el cuadro como en la fotografía), diferenciando así, al realismo tradicional del fotorrealismo.


title: Hiperrealismo

text: Es gracias a este tipo de arte que nace el Hiperrealismo.


title: Hiperrealismo

text: El hiperrealismo actual se fundó en los principios estéticos del fotorrealismo. El pintor estadounidense Denis Peterson, cuyas obras pioneras son universalmente vistas como una rama del fotorrealismo, utilizó por primera vez el término "hiperrealismo" para aplicar al nuevo movimiento y su grupo desidente de artistas.


title: Hiperrealismo

text: Graham Thompson escribió: "Una demostración de cómo la fotografía se asimiló al mundo del arte es el éxito de la pintura fotorrealista a finales de los años 1960 y principios de los 70. También se llama super realismo o hiperrealismo y pintores como Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack y Chuck Close trabajaron a menudo de fotografías para crear pinturas que parecían ser fotografías".


title: Hiperrealismo

text: Sin embargo, el hiperrealismo se contrasta con el enfoque literal encontrado en las pinturas fotorrealistas tradicionales de finales del siglo XX. Los pintores y escultores hiperrealistas utilizan imágenes fotográficas como fuente de referencia para crear una representación más definitiva y detallada, que a menudo, a diferencia del fotorrealismo, es narrativa y emotiva en sus representaciones. Los pintores fotorrealistas estrictos tendían a imitar las imágenes fotográficas, omitiendo o abstrayendo ciertos detalles finitos para mantener un diseño pictórico consistente en general. A menudo omitieron la emoción humana, el valor político y los elementos narrativos. Desde que evolucionó desde el Arte Pop, el estilo fotorrealista de la pintura fue singularmente ajustado, preciso y agudamente mecánico, con énfasis en las imágenes mundanas y cotidianas.


title: Hiperrealismo

text: El hiperrealismo, aunque fotográfico en esencia, a menudo implica un enfoque más suave, mucho más complejo en el tema representado, presentándolo como un objeto vivo, tangible. Estos objetos y escenas en las pinturas y esculturas del hiperrealismo se detallan meticulosamente para crear la ilusión de una realidad no vista en la foto original. Esto no quiere decir que sean surrealistas, ya que la ilusión es una representación convincente de la realidad (simulada). Las texturas, las superficies, los efectos de iluminación y las sombras aparecen más claras y más claras que la foto de referencia o incluso el propio sujeto.


title: Hiperrealismo

text: Con respecto a la escultura hiperrealista estadounidense hay que destacar a Duane Hanson, que reproduce a tamaño natural personajes sacados de las clases trabajadoras, y a Segal que emplea la misma técnica que Hanson: vaciado de yeso de los modelos, relleno de los moldes con fibra de vidrio y poliéster, ensamblaje de las partes y pintado en color carne; la pieza se termina vistiéndola con ropas usadas. John de Andrea esculpe desnudos de un hiperrealismo tan acusado que parecen personas reales, al igual que Nancy Graves hace con sus esculturas de camellos.


title: Hiperrealismo

text: En el caso español, algunas de las figuras más relevantes del hiperrealismo serían los pintores Antonio López, Eduardo Naranjo o Gregorio Palomo.


title: Hiperrealismo

text: En el mercado del arte actual, las figuras más consolidadas por su trayectoria son el chileno Claudio Bravo, quien mediante sus bodegones, dibujos y, especialmente, su serie de pinturas de telas, paquetes y papeles, ha logrado reinventar el hiperrealismo, dándole una condición casi metafísica; y el argentino Enrique Sobisch, radicado y fallecido en Madrid, cuyas obras, de gran perfección artística, compiten con la instantánea fotográfica.


title: Fovismo

text: El fovismo, también conocido como fauvismo (del francés "fauvisme," de "fauve ‘"fiera’ e -"ismo," ‘movimiento, tendencia, carácter’), fue un movimiento pictórico originado en Francia, alrededor de 1904 a 1908. Luego se expandió a otros países, en años posteriores. Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede de la expresión "les fauves" ‘las fieras’, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en la Sala VII de la tercera exposición del Salón de Otoño, en el Gran Palacio de París, en 1905. Lo usó por primera vez en su crítica de arte publicada en el periódico "Gil Blas," el 17 de octubre de 1905, en un artículo dedicado al salón artístico.


title: Fovismo

text: Fue un movimiento sincrético donde se usaban e incluían características de movimientos artísticos próximos, en su espíritu de transformación de volver a la pureza de los recursos, de no ser sumisos ante la herencia pictórica, el grupo quería ir más allá de lo logrado en la pintura, razón por la cual fueron vanguardistas.


title: Fovismo

text: Con distinción y separación, algunos consideran como el precursor o el líder de este movimiento a Henri Matisse. Por otra parte, Guillaume Apollinaire le atribuye la invención del fauvismo a Henri Matisse y André Derain. Otra posición afirma la existencia de ""un triángulo esencial del fauvismo"" compuesto por Matisse, Derain y Maurice de Vlaminck,y que, al debilitarse esa unión, se desvaneció progresivamente el movimiento. Otro enfoque menciona a tres artistas como creadores del fauvismo.


title: Fovismo

text: Hay dos versiones sobre el origen del calificativo hacia el grupo de artistas y sus obras:


title: Fovismo

text: El primero de estos supuestos proviene de la mención "les fauves" ‘las fieras’ al conjunto de obras expuestas en la sala número VII durante la celebración del Salón de Otoño de 1905, donde se presentaron numerosas obras y aparecieron problemas a la hora de clasificar y hacer una categorización de algunas de ellas con nociones de arte ya establecidas o aceptadas. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento con los impresionistas cuando una serie de pinturas fueron calificadas de «"incoherentes"», y sus autores, excluidos del salón por expresarse de un modo intenso y diferente. Las palabras "les fauves" fueron parte de una crítica de arte publicada en el periódico "Gil Blas," el 17 de octubre de 1905, por Louis Vauxcelles, sobre las obras presentadas en la sala VII:


title: Fovismo

text: La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista del escultor Albert Marque (no confundir con el pintor Albert Marquet). El artista había presentado dos esculturas: un torso de un niño en bronce y un retrato de Marthe Lebasque, un busto de mármol. Con una sensibilidad que recuerda el estilo italiano, menciona Matisse en otro relato, sobre el busto infantil. Este cuenta que en el momento de entrada del crítico de arte Louis Vauxelles a la sala, él exclamó: "iVaya, Donatello entre las fieras!" ["Donatello au milieu des Fauves"] . Después de esto, los autores de las obras dieron importancia, a la frase:"Donatello chez les fauves..." (en español, Donatello entre fieras...) publicada al final del apartado de la crítica, para la Sala VII en el periódico Gil Blas o el relato mencionado por Matisse sobre lo sucedido. El grupo terminó adoptando el distintivo, como etiqueta a sus obras y su colectivo. John Elderfield menciona estas dos afirmaciones: la publicación en el periódico y la anécdota dicha por Matisse sobre la frase. Este origen se toma como cierto desde muchos años en la historia del arte.


title: Fovismo

text: El segundo de estos supuestos, el más reciente, es donde Roberta Smith, crítica de arte contemporáneo, la cual escribe actualmente en The New York Times, hace una relación del artista Henri Rousseau con su obra León hambriento atacando a un antílope, esta obra fue expuesta en el Salón de Otoño de 1905 con el grupo de artistas que posteriormente fueron llamados fauvistas. Ella aclara que Rousseau nunca se le ha considerado como fauvista, ni ella lo hace. Sin embargo la temática de violencia o la violencia en la selva o la violencia salvaje del cuadro, pudo haber influido en la elección del calificativo para el grupo y las obras de pintores jóvenes del movimiento. Esta afirmación surge en la exposición Henri Rousseau: Selvas en París donde también se hace la misma afirmación. Esta exhibición fue realizada del 16 de julio al 15 de octubre de 2006, en la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. (en colaboración con el "Tate Modern" o el Museo Nacional Británico de Arte Moderno, la Unión de Museos Nacionales de Francia o "Réunion des Musées Nationaux (RMN)" y el Museo de Orsay. Los curadores de la exposición fueron Frances Morris del Tate Modern, Christopher Green del Courtauld Institute of Art y Claire Frèches-Thory (curador principal del Museo de Orsay).


title: Fovismo

text: El ambiente del París de las vanguardias, donde surgió el fauvismo, lo constituyen muchos elementos variados, y sería una tarea inacabable mencionarlos todos, pero se pueden indicar algunos, para ilustrar: la renovación de la ciudad en la segunda mitad del siglo XIX por Georges-Eugène, el Barón Haussmann y su plan urbanístico, nuevas formas de construcción por ejemplo de hormigón, el avance de dominio del modernismo es el estilo arquitectónico, la construcción con hierro, teniendo la Torre Eiffel como metáfora de construcción moderna. La introducción de la electricidad a la ciudad permitió la apertura del tren metropolitano en 1900 y una mayor movilidad de los pobladores. Las Exposiciones Universales de inicios y antes del siglo XX. Otros procesos tecnológicos en la última década del siglo XIX: el automóvil, el motor diésel, cinematógrafo, el primer cable submarino telefónico entre Francia e Inglaterra, la telegrafía sin cables, el alumbrado eléctrico. etc. Espectáculos masivos, el Tour de Francia en automovilismo y ciclismo. Los avances de la ciencia, con la teoría de la relatividad y radiactividad. La influencia del sicoanálisis con los tres ensayos sobre la sexualidad de Freud. Una relación muy activa, en varios ámbitos del arte, tanto de artistas franceses y residentes extranjeros. La actividad de varios marchantes.


title: Fovismo

text: En 1905, el Salón de Otoño, realizó una exposición de pinturas, esculturas, dibujos, grabados, arquitectura y artes decorativas. En el catálogo de la exposición artística, no se indicó el número de salas en que estaba compuesto el salón, los nombres de los artistas con las obras expuestas fueron ordenados alfabéticamente, en total fueron 1636 obras de 577 artistas. La crítica de arte dedicada al salón artístico de ese año, por Louis Vauxcelles menciona 18 salas, Además se debe tomar en cuenta por otra parte que “solo tres de los seis artistas que agrupaba L'lllustration estaban representados en la famosa Salle VII: Matisse, Derain y Manguin. Con ellos estaban Marquet, Camoin, Vlaminck y algunos otros; Puy estaba en la Salle III con los nabis, mayores que él, Vuillard y Bonnard entre ellos; Rouault estaba en la Salle XVI con algunos realistas de influencia cezaniana, como los clasificó Vauxcelles, que apuntaba el contraste entre su obra y la de Rouault. Valtat estaba en la Salle XV, con los entonces desconocidos Jawlensky y Kandinsky".


title: Fovismo

text: Hay que tomar en cuenta que usó colores brillantes, estuvo en muchos artistas fuera del fauvismo, en el París hacia 1900, el uso del color intenso, lejos de ser un fenómeno exclusivo de los inicios de este movimiento, fue una de las características principales de la vanguardia en la pintura, durante esa época. La obra temprana de los fauves debe estudiarse en este contexto más amplio. El uso de colores intensos por sí mismo, no es característica única para clasificarlo dentro del movimiento fauvista, por otra parte.


title: Fovismo

text: En 1904 Henri Matisse estaba trabajando en la pintura "Lujo, calma y voluptuosidad" la cual expuso en el Salón de los Independientes en 1905, esta obra es considerada como una síntesis del posimpresionismo que fue resultado de un esfuerzo de una búsqueda personal y se convirtió virtualmente en un manifiesto de lo que sería el fauvismo poco después. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleados por Matisse sorprendieron a todos cuando fue expuesto por primera vez, mientras que su desinterés por el acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el Salón de Otoño de 1905. Allí también se expuso el "Retrato de la Señora Matisse" o "" donde se interpretó por críticos como una caricatura a la feminidad y una excentricidad en la pintura de retrato.


title: Fovismo

text: El repudio o la importancia de la crítica convirtió al fovismo en el grupo de vanguardia en París de ese entonces, poco después Maurice de Vlaminck se unió al fovismo de Henri Matisse y André Derain. Como movimiento expresionista, apareció cronológicamente a la vez que el Expresionismo alemán, con una propuesta de protesta contraria al Positivismo, al Naturalismo y al Impresionismo.


title: Fovismo

text: El grupo de artistas de este movimiento no poseían un manifiesto. No se puede hablar de un estilo fauvista, sino cada artista manifestaba un acercamiento en particular dentro del fauvismo, de libre expresión, libertad de moralidad y autonomía de enseñanza-aprendizaje por ejemplo.


title: Fovismo

text: Las influencias pueden ser variadas no solo del arte sino de otros campos ya sean en lo cultural, social, filosófico o literario, ciencia, tecnología, etc.


title: Fovismo

text: Con la filosofía y el arte, sus principales influencias vienen de las ideas de Zola, Nietzsche, Bergson, Croce, Stirner y Huysmans.


title: Fovismo

text: Los maestros Charles Lhuillier, Eugene Carriere y Gustave Moreau, fueron influencia formativa para algunos del grupo de fauves ya que tuvieron formación en el estudio o la academia con estos maestros. El grupo principal de fauves, empezó su formación desde antes del 1900 con tres maestros que constituían, en primer lugar, de Henri Matisse y sus condiscípulos de la época del estudio de Gustave Moreau y de la Academie Carriere: Albert Marquet, Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy y, algo distante de estos, Georges Rouault. En segundo lugar, la denominada «escuela de Chatou», donde André Derain y Maurice Vlaminck compartían un estudio en Chatou desde 1900. Y una tercera agrupación, los últimos en llegar al grupo, desde El Havre fueron Emile Othon Friesz, Raoul Dufy y Georges Braque, ellos tuvieron en común como profesor a Charles Lhuillier en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre. Luego se une al movimiento otros artistas, el neerlandés Kees Van Dongen, que conoció a los demás en los salones y galerías en que todos ellos expusieron.


title: Fovismo

text: Aunque concebían la actividad artística como consecuencia de un impulso vital, su punto de partida fue la resolución de problemas puramente plásticos, como el empleo del color en una doble función plástica y constructiva al mismo tiempo. El maestro del grupo fue Gustave Moreau, en cuya escuela estudiaron Henri Matisse y Georges Henri Rouault, Henri Manguin, Charles Camoin y Jean Puy. Moureau no enseñaba ninguna doctrina sino que forzaba a sus alumnos a pintar con independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento. De la obra de Gauguin aprendieron la libertad en el uso del color, que llevaron al extremo (los colores como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación del temperamento y el instinto personal. También admiraban la capacidad de síntesis y el sentido decorativo de la obra de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión, no composición y orden.


title: Fovismo

text: Como artista Paul Cezanne tuvo influencia para varios artistas del fauvismo. Se ha afirmado que el fin del fauvismo fue por la influencia de Cezanne desde su revalorización a partir de 1907, pero también este artista "fue un componente decisivo del fauvismo desde su principio mismo". Albert E. Elsen realizó un estudio donde relacionó la escultura El siervo de Matisse con su pintura y la influencia de Cezanne. Ver obra de Henri Matisse: El siervo. 1900-1903. Escultura en bronce. 91,77 x 37,8 x 33.02 cm. Museo de Arte Moderno, San Francisco, California, Estados Unidos. En André Derain. En 1904 Charles Camoin visita al artista, en ese año realiza un retrato a Albert Marquet que se parecen a un retrato por Cezanne de su esposa, el cual fue exhibido en el Salón de Otoño de 1904. Ver obra de Charles Camoin: Retrato de Albert Marquet. 1904. Óleo sobre tela. 92 x 72,5 cm. Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou, París, Francia.


title: Fovismo

text: Otro artista que pudo haber influido según André Salmon en una crítica que hizo en 1912 "se preguntaba si el fauvismo habría podido alcanzar la plena manifestación de su color sin la influencia de Redon".


title: Fovismo

text: Con el artista Paul Gauguin, el color plano característico del fauvismo tuvo su influencia. En la obra de Matisse y Derain, por ejemplo este último sentía que la luz meridional aplasta los volúmenes. "Lo que impide encuadrar a Gauguin entre los fauves es que él no construye espacio mediante el color, sino que lo usa como expresión del sentimiento" diría Matisse. En el arte decorativo del artista, en el sentido del color exaltado y decorativo. Las primeras noticias de culturas exóticas provinieron de este artista para los fauves, en el primitivismo evidente en sus pinturas tahitianas con figuras de ídolos y tótems, también las piedras de indios que tanto impresionaban al artista. En el tema de la danza, de Matisse y Derain, hay una reinterpretación de la obra de este artista con lo primitivo. Su interés por la cerámica también fue influencia para los fauves. Los marchantes tienen un papel importante en dar a conocer el movimiento artístico y dar estímulo a nuevas relaciones entre artistas, exposiciones individuales o colectivas, nuevas experiencias pictóricas, visitar países, dar apoyo financiero en bonos por ejemplo, etc. El Ambroise Vollard ayudó y conoció a varios integrantes del grupo, como anécdota, con André Derain le dio apoyo para que fuera a Londres aprovechando el auge que todavía tenía el impresionismo en ese lugar y a la vez realizar unos cuadros por encargo. Por otra parte cede espacio en su galería para la primera exposición individual a Kees Van Dongen y Matisse. El marchante Wilhelm Uhde que albergó en su galería obras de este movimiento. La galerista Berthe Weill (1865 - 1951) fue la que "descubrió a los Fauves antes del Salón de Otoño de 1905" y ser la primera persona distribuidora de obras arte de los artistas: Derain, Braque, Matisse, Dufy entre otros. El arte de África occidental y de la parte septentrional, que llegaron en la década de los 1870s a los museos de Francia, Alemania, Londres y a las colecciones de algunos artistas, incluían máscaras africanas y esculturas negras. De la misma forma máscaras y esculturas de Oceanía. Producto del proceso colonialismo realizado por varios países europeos. Con el arte, el colonialismo y el Norte de África francés se puede hacer una relación de esa influencia.