title: Claes Oldenburg

text: En Estados Unidos este arte nació como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista, además trajo consigo el regreso de la ironía y la parodia para compensar el simbolismo personal que se encontraba en el expresionismo abstracto; a mediados de los años 50 nace en el Reino Unido, en este caso el origen de este arte fue la imaginación paradójica de la cultura popular americana. Sin embargo, el Pop Art también es conocido como la continuación de algunos aspectos del expresionismo abstracto como la creencia en las posibilidades de hacer arte en obras de grandes proporciones. Pablo Picasso y Marcel Duchamp son algunos de los artistas considerados como los precursores del movimiento pop.


title: Claes Oldenburg

text: Las fuentes del pop se inspiran con la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.


title: Claes Oldenburg

text: La producción de masas y el consumismo, proporcionaron los iconos que se utilizarán en la obra de los llamados “artistas pop”. Las pautas de un estilo mecanizado y de series reproducidas por el espectador contemporáneo las marca la experiencia cotidiana. Este es un arte de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. El tamaño de las obras es cada vez más espectacular, los motivos pasan a un primer plano o también se multiplican a lo largo de toda la superficie; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo firme un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad.


title: Claes Oldenburg

text: La temática estaba reducida principalmente a los artículos de consumo comercial tales como: latas de sopa (Warhol), flores, revólveres, etc. El artista dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie.


title: Claes Oldenburg

text: Se podía repetir y reproducir hasta el infinito cualquier cosa, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de las bases de este estilo. El retrato, como sucedió en épocas anteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes deseaban poder tener su propia visión pop. Tuvieron la oportunidad de ponerse delante de Andy Warhol: Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Grace Kelly... para que dejasen constancia de su paso por la modernidad.


title: Claes Oldenburg

text: La mayoría de las obras son de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop hace énfasis sobre todo en las actitudes que conducen a él. Por otro lado, el arte pop y las historietas o cómics están relacionados. Son multitud de autores los que basan sus obras de Pop Art en historietas. Algunos de ellos son Roy Lichtenstein con “Good Morning, Darling”. A lo largo de los años también ocurriría lo contrario, el Pop Art influenciará a numerosos escritores de historietas.


title: Claes Oldenburg

text: Respecto a España, este arte estaba principalmente relacionado con el llamado “nuevo figurativismo”. El Equipo Crónica, formado por Rafael Solbes y Manolo Valdés, entre otros, trabajó y llevó muy de cerca este planteamiento. Por último, Japón es el lugar donde este arte es único, muchos de los artistas Pop utilizaron el anime como inspiración, además de otro estilo artístico japonés. Takashi Murakami es el artista más conocido y sus obras están dedicadas para el público juvenil. Las obra más conocida del Pop Art es: “Latas de sopa Campbell” de Andy Warhol.


title: Claes Oldenburg

text: En 1962 tuvo un gran cambio a la hora de reconstruir sus objetos y empezó a realizar obras con formas no estables rellenas de estopa y a su vez hacía sus obras gigantes. Estas obras modificaban la forma que nosotros tenemos entendida.


title: Claes Oldenburg

text: En 1974 creó "The Home" en la que comenzó una versión de objetos ordinarios que fueron configurados colosalmente. En 1976 construyó una escultura de 45 pies de alto en el centro de Philadelphia.


title: Claes Oldenburg

text: Algunas de sus obras más importantes son:


title: Claes Oldenburg

text: A partir de 1976, Claes Oldenburg colabora con Coosje Van Brunggen en proyectos de gran escala aplicados a ingeniería urbana y que constituyen un verdadero alarde de ingenio e ironía. Oldenburg y Coosje van Bruggen trabajaron por primera vez juntos en la reconstrucción y la reubicación del alto de pie 41 Trowel (1971-76; originalmente situado en Sonsbeek Park de Arnhem, Países Bajos) localizado actualmente en el Museo Kröller-Müller en Otterlo (Gelderland, Países Bajos). Oldenburg y van Bruggen se casaron en 1977 y han continuado su colaboración artística durante más de 25 años. Ambos ciudadanos estadounidenses, el trabajo de Oldenburg y de van Bruggen refleja una sensibilidad creativa que está influenciada por sus países de origen, por sus historias educativas y profesionales, y por sus personalidades.


title: Claes Oldenburg

text: En mayo de 2002, Oldenburg y van Bruggen instalan cuatro esculturas a gran escala en el jardín del ático del Metropolitan Museum of Art, titulado Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen on the Roof (Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen en el Tejado). Más tarde, ese mismo verano, después de anunciar que habían adquirido "la más grande colección de dibujos de Oldenburg en el mundo", el Museo Whitney de arte estadounidense presentó dos colecciones consecutivas de obras de los artistas. Claes Oldenburg Drawings (1959-1977) fue la exposición más grande desde 1977 dedicada a las primeras obras de Oldenburg , con la exposición de Coosje van Bruggen Drawings (1992-1998) presentando varias obras de colaboración a gran escala.


title: Claes Oldenburg

text: El equipo artístico tiene ejecutado más de 40 esculturas permanentemente situados en escala arquitectónica a lo largo de los Estados Unidos, Europa y Japón, incluyendo "Spoonbridge" y "Cherry- Cuchara y cereza" (1988), "Minneapolis Mixtos" (Matchcover- Cerillas) (1992), Barcelona; "Volantes" (1994), Kansas City; "Saw- Serrucho" (1996), Tokio; "Needle, Thread and Knot" (Aguja, hilo y Nudo) (2000), Milán; y más recientemente, el cono de 40 metros de altura (2001) encima de la Galería de Neumarkt en Colonia, Alemania. Su colaboración también ha abarcado pequeño parques y esculturas de jardín además de instalaciones interiores.


title: Claes Oldenburg

text: El trabajo de Oldenburg y de van Bruggen puede encontrarse en numerosas colecciones públicas, incluyendo: el Instituto de Arte de Chicago (Chicago, USA), la Fundación Chinati (Marfa, Texas, USA), el Museo de Arte de Dallas (Texas, USA), el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas (Washington, USA), el Museo de Israel (Jerusalén, Israel), Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia, España), el Museo de Arte de Basilea (Suiza), el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (California, USA), el Museo Moderno (Estocolmo, Suecia), el Centro Pompidou (París, Francia), el MoMA (Nueva York, USA), la Galería Nacional de Arte (Washington, USA), el Museo de Arte Moderno de San Francisco (California, USA), el Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York, USA), el Museo Urbano (Ámsterdam, Holanda) la Galería Tate (Londres, R.Unido), el Walker Art Center (Mineápolis, USA) y el Museo Whitney de Arte Estadounidense (Nueva York, USA).


title: Claes Oldenburg

text: Oldenburg y van Bruggen actualmente viven y trabajan en el centro de Manhattan, en California y en una finca con siglos de antigüedad en el Valle de Loire, Francia, cuyo entorno natural y cultural han favorecido la inspiración de los artistas.


title: Claes Oldenburg

text: En la primera fase del artista se inclinó por la utilización de materiales blandos y baratos con los que hacía una imitación de objetos cotidianos. Con la utilización de este tipo de material negaba una de las premisas de la escultura convencional, que tiende al empleo de materiales duros. También con la utilización de estos materiales se va modificando su forma inicial tan solo con que el espectador ejerza una pequeña presión, este hecho deja claro que el autor quiere que el espectador toque su obra para que le de diferentes formas. Pronto comenzó a utilizar escayola para sus obras.


title: Claes Oldenburg

text: Lo primero que te impresiona de la escultura de este artista en concreto son las dimensiones de las esculturas que ha realizado, además de lo grandes que pueden llega a ser, muchas de ellas tienen capacidades interactivas. Una de sus primeras esculturas interactivas fue una escultura blanda de una barra de labios, llamada Lipstick (Ascending) on Catepillar Tracks que terminaba por desinflarse a no ser que alguna persona le metiera aire. Esta escultura se rediseñó con una forma de aluminio más sólida, colocándola de forma vertical encima de las ruedas de un tanque. Lipstick se encuentra actualmente en el patio del Morse College, en la Universidad de Yale, en Connecticut. Esta escultura fue encargada por Stuart Wrede y estudiantes de la Escuela de Arquitectura de Yale.


title: Claes Oldenburg

text: Entre los años 1960-1965 realizó algunos happenings, uno de los más destacados que llevó a cabo fue Autobodys (Los Ángeles, 1964), que incluyó automóviles, multitud de gente y cubos de hielo, en el cual los asistentes quedaban implicados y se hacían partícipes. También en el año 1961 abrió una tienda en Nueva York dedicada a vender reproducciones de hamburguesas, pasteles, etc. Otra obra de grandes dimensiones fue "Pinza para la ropa", que fue encargada en mayo de 1974 por Jack Wolgin, esta figura se encuentra en Filadelfia y tiene casi 14 metros de altura. Este con otro ejemplo como puede ser "Balancín-Herramienta" (1984), una herramienta de jardinero de más de 5 metros de altura, la cual está pintada con colores vivos y alegres. Con estos ejemplos entre otros se ve el gusto del autor por crear réplicas de objetos cotidianos que utilizamos en nuestra vida cotidiana. Otros obras de este autor son "Máquina de escribir blanda", "Ratón geométrico", "Cuchara-puente" y "cereza", entre otras.


title: Claes Oldenburg

text: Además de proyectos independientes, en ocasión contribuye a proyectos arquitectónicos, en particular para la sede principal de la agencia de publicidad Chiat/Day en el distrito de Venice, en Los Ángeles, California. La entrada principal está formada por un par de binoculares gigantes.


title: Claes Oldenburg

text: En 1989 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén y en 1995 obtuvo el Premio Schock, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de Artes Visuales.


title: Paul Nash

text: Paul Nash (Londres, 11 de mayo de 1889-Dorset, 11 de julio de 1946) fue un pintor inglés, famoso por sus cuadros de guerra y sus paisajes, algunos de los cuales muestran la influencia de los surrealistas y del artista italiano Giorgio de Chirico.


title: Paul Nash

text: Nacido en Londres el 11 de mayo de 1889, estudió en la Escuela politécnica de Chelsea, en «London County Council School» y en la «Slade School of Art».  En 1912 expuso en la galería Carfax. Consolidó su reputación tras su servicio durante la primera guerra mundial. En el periodo de entreguerras se vinculó con el mundo de la vanguardia, exponiendo con los surrealistas en Londres (1936) y París (1938). Aunque muy enfermo, durante la segunda guerra mundial volvió a producir importantes trabajos como cronista de guerra, antes de su fallecimiento el 11 de julio de 1946 en Boscombe, Hampshire.


title: Paul Nash

text: En la primera parte de su carrera Nash adoptó un estilo conservador influido sobre todo por la tradición paisajista inglesa. Durante la I Guerra Mundial su trabajo se concentró en la representación deformada del paisaje del frente de guerra, que hizo en numerosos cuadros de gran tamaño.


title: Paul Nash

text: Su obra más creativa la llevó a cabo a finales de la década de 1920. En «Equivalents for the megaliths» (1935, Tate Gallery, Londres), por ejemplo, transformó los megalitos prehistóricos de Wiltshire en misteriosas formas geométricas, imprimiéndoles una calidad surrealista que le acercan a la obra de De Chirico.


title: Paul Nash

text: El logro de Nash fue combinar la tradición paisajista inglesa con los movimientos de vanguardia europeos. Ocupa un lugar destacado, al ser uno de los fundadores del grupo vanguardista Unit One en 1933, en el que colaboró con artistas de la talla de Henry Moore, Barbara Hepworth y Ben Nicholson.


title: Kenneth Noland

text: Kenneth Noland (Asheville, 10 de abril de 1924 - 5 de enero de 2010) fue un pintor abstracto estadounidense, uno de los más importantes cultivadores del estilo "color field". También, en los años cincuenta practicó el expresionismo abstracto y en los sesenta el minimalismo.


title: Kenneth Noland

text: Entre 1946 y 1948, Noland asistió a clases del Black Mountain College. Se identifica como un expresionista abstracto. Amigo de Morris Louis, ambos adoptaron la técnica de Helen Frankenthaler que dejaba que la pintura acrílica chorrease sobre la tela.


title: Kenneth Noland

text: Trabaja con pintura acrílica aplicada directamente sobre el lienzo, con lo que crea obras en las que los brillantes colores yuxtapuestos producen un sentido de vibración óptica.


title: Kenneth Noland

text: Sus principales temas son círculos concéntricos, galones, rombos y largas listas paralelas, dejando a menudo grandes espacios de lienzo en blanco como parte integrante de la composición.


title: Kenneth Noland

text: Se interesa por la adaptación de las zonas de color a los límites del marco del cuadro.


title: Kenneth Noland

text: En cuanto a los formatos de sus obras, destacan los diagonales y los enormes lienzos rectangulares a base de franjas de color superpuestas.


title: Isamu Noguchi

text: Isamu Noguchi (野口 勇) (17 de noviembre de 1904 - Los Ángeles, 30 de diciembre de 1988) fue un escultor y diseñador estadounidense-japonés.


title: Isamu Noguchi

text: Fue hijo del poeta japonés Yone Noguchi y la escritora norteamericana Léonie Gilmour, pasó su infancia en Japón y a partir de su adolescencia en Norte América. Empezó los estudios de medicina en la Universidad de Columbia, estudiando paralelamente cursos sobre escultura, se diplomó en "La Porte High School" de Indiana en 1922. Dos años más tarde amplio sus estudios en Nueva York con Onorio Ruotolo en la escuela "Leonardo da Vinci Art School".


title: Isamu Noguchi

text: En París estudió en la Académie de la Grande Chaumière. Entre 1927 y 1928 trabajó en el estudio parisino del escultor rumano Constantin Brancusi. De ahí viajó y estudió en Inglaterra, China y México.


title: Isamu Noguchi

text: En 1938 ganó el concurso nacional para decorar el pabellón de la agencia Associated Press en el Rockefeller Center de Nueva York con una enorme escultura de acero inoxidable.


title: Isamu Noguchi

text: A partir de 1935 realizó diversos decorados para escenarios teatrales y colaboró con una veintena de obras en la coreografía de Martha Graham entre 1944 y 1988.


title: Isamu Noguchi

text: Después de 1950 sus proyectos más ambiciosos iban destinados a espacios al aire libre, diseñados según los principios estéticos de los jardines japoneses, en los que grandes esculturas abstractas se disponen en lugares predeterminados para lograr un equilibrio entre ellas, los espacios o jardines que las integran y la arquitectura que las rodea.


title: Isamu Noguchi

text: Ejemplos destacados son el "jardín de la Paz" (1956-1958, sede de la UNESCO, París), el "jardín del Agua" (1964-1965, Chase Manhattan Bank Plaza, Nueva York), el "jardín Billy Rose Art" (1965, Jerusalén) y la plaza del distrito japonés de Los Ángeles.


title: Isamu Noguchi

text: Además, a lo largo de toda su carrera también diseñó muebles de interior, como por ejemplo las lámparas Akari.


title: Isamu Noguchi

text: Las obras de Noguchi se caracterizan por sus formas abstractas perfectamente pulimentadas, en las que combina la sutileza típica oriental con la más refinada sofisticación del arte occidental. Utiliza un estilo bioformista.pueden observar parte de su vida en la cinta cinematrogradica Leonie (Japanese: レオニー, Hepburn: Reonī) is a 2010 Japanese film directed by Hisako Matsui and starring Emily Mortimer and Shido Nakamura.


title: Sidney Nolan

text: Sidney Robert Nolan, OM (Melbourne, Australia; 22 de abril de 1917-Londres, Inglaterra; 28 de noviembre de 1992) fue un pintor australiano, artista de gran versatilidad, que desarrolló una innovadora línea iconográfica inspirada a menudo en la historia y las viejas tradiciones de su Australia natal. Pasó una gran parte de su vida en Gran Bretaña.


title: Sidney Nolan

text: Realizó sus estudios artísticos en su ciudad natal a mediados de la década de 1930.


title: Sidney Nolan

text: A través de reproducciones de sus obras, entró en contacto con algunos artistas de vanguardia, principalmente dadaístas y surrealistas. También conoció a John Reed, líder de un innovador grupo de artistas de Melbourne, con el que fundó en 1938 la Contemporary Art Society.


title: Sidney Nolan

text: Tras su primera exposición individual del año 1940 en Melbourne, la reputación artística de Nolan se vio muy incrementada. Realizó su primera exposición en Londres en 1951, ciudad en la que se estableció desde aquel momento.


title: Sidney Nolan

text: Tras una primera etapa de formas plenamente abstractas, Nolan desarrolló un estilo figurativo brillante, colorista y deliberadamente ingenuo. Su interés se centró principalmente en representar el desértico y yermo paisaje australiano, como en Carron Plains (1948, Museo de Arte de Nueva Gales del Sur, Sídney), así como también en los cuentos y las historias de carácter romántico.


title: Sidney Nolan

text: En las décadas siguientes se dedicó a pintar otros temas, desde los exploradores antárticos hasta los paisajes chinos, utilizando una gran variedad de técnicas. Además de realizar numerosos grabados y dibujos, Nolan fue un escenógrafo teatral de gran éxito, especialmente para la Royal Opera House de Londres.


title: Sidney Nolan

text: Pese a que la mayor parte de la carrera artística de Nolan tuvo lugar en un momento en que la pintura figurativa no estaba de moda, sus originales imágenes y su estilo simple y expresivo tuvieron una gran acogida popular. Es, según algunos historiadores, el artista australiano más significativo del siglo XX.


title: Emil Nolde

text: Emil Nolde (Burkal, 7 de agosto de 1867 - Seebüll, Nordfriesland, 15 de abril de 1956) fue uno de los más destacados pintores expresionistas alemanes. Su verdadero nombre era Hans Emil Hansen. Estuvo muy influido por Vincent van Gogh, Edward Munch, y James Ensor.


title: Emil Nolde

text: Fue un declarado antisemita —denunció el supuesto «dominio judío en todas las artes»— y militó en el Partido Nazi —en 1933 fue invitado de honor de Himmler—, aunque su obra fue incluida en la exposición del "arte degenerado" montada por los nazis en Múnich en 1937 —pero no en la gira que se realizó por toda Alemania en 1939—.


title: Emil Nolde

text: Hans Emil Hansen cambió su nombre por el de su localidad natal ("Nolde von Buhrkall"), hoy en día Burkal, localidad fronteriza que entonces era parte de Alemania, en el "land" norteño de Schleswig-Holstein, pero que actualmente, tras un referéndum celebrado en 1920, es parte de Dinamarca. Tras esto Nolde recibió y mantuvo siempre su nacionalidad danesa, si bien culturalmente era alemán. De familia campesina, trabajó como aprendiz en una fábrica de muebles mientras estudiaba por la noche en la Escuela de Artes y Oficios de Karlsruhe. Tras recorrer varias ciudades y realizar varios trabajos, su formación e interés artístico le llevaron como profesor de arte en San Galo (Suiza) en 1892. Seis años después se trasladó a Múnich donde se formó en diversas instituciones empeñado intensamente en dedicarse a su carrera de pintor.


title: Emil Nolde

text: En 1899 se mudó a París y estudió en la Academia Julian.


title: Emil Nolde

text: Posteriormente acabaría mudándose a Copenhague, cerca de su región natal. En la capital danesa se casó en 1902 con Ada Vistrup.


title: Emil Nolde

text: Algunas de las características de la pintura de Nolde son su fuerte cromatismo y la sencillez de las obras, sin grandes detalles y con rostros que parecen más máscaras que retratos cuando trata la figura humana. En ocasiones también se decanta por obras monocromáticas y la transmisión general de sus obras con presencia humana no busca el reflejo de virtudes ni de belleza, sino más bien lo contrario.


title: Emil Nolde

text: Como acuarelista, es considerando un virtuoso de la técnica.


title: Emil Nolde

text: Emil Nolde tuvo un abierto conflicto con el pintor impresionista Max Liebermann, responsable directo de su exclusión en una importante exposición de la Secesión Berlinesa.


title: Emil Nolde

text: Fue miembro del grupo expresionista Die Brücke, si bien lo abandono pronto debido a las diferencias con el resto de los componentes del grupo, mucho más jóvenes que él.


title: Emil Nolde

text: Debido a su antisemitismo e ideología cercana al nazismo, tras la llegada de Hilter al poder no tuvo problemas para seguir trabajando, pero sus obras fueron calificadas como "arte degenerado". «Nolde quiso ser un gran artista del régimen [nazi], pero en el nazismo había visiones radicalmente contrapuestas sobre su creación. Para unos era el pionero del nuevo arte alemán que iba a sustituir al impresionismo francés, el creador de una nueva introspección incardinada en la tradición gótica y nórdica. Pero para los más reaccionarios su arte, especialmente sus pinturas religiosas, era símbolo de degeneración. Se acabaron imponiendo estos últimos, pese a lo cual Nolde siempre sería nazi». Sus obras fueron incluidas en la exposición sobre el "arte degenerado" que montaron los nazis en Múnich en 1937, pero Nolde consiguió que fueran retiradas de la exposición itinerante que recorrió toda Alemania dos años después. Sin embargo, en 1941, en plena Segunda Guerra Mundial —que Nolde llamaba la "guerra de los judíos"—, la Cámara de Bellas Artes del Reich lo expulsó de su seno por lo que a partir de entonces no pudo exponer ni vender sus cuadros.


title: Emil Nolde

text: Al acabar la Segunda Guerra Mundial se presentó como un represaliado por el nazismo y tras su muerte en 1956 la Fundación Nolde ayudó a construir esa imagen idealizada publicando las memorias del pintor de las que fueron excluidos los pasajes antisemitas. Una exposición celebrada en Berlín en 2019 recuperó su antisemitismo y su nazismo. A raíz de ello la canciller alemana Angela Merkel devolvió los dos cuadros de Nolde que decoraban el edificio de la cancillería.


title: Emil Nolde

text: Su obra se encuentra en multitud de museos, entre ellosː


title: Ben Nicholson

text: Ben Nicholson (10 de abril de 1894 - 6 de febrero de 1982). Pintor y escultor inglés nacido en Denham, Buckinghamshire. Su padre, sir William Nicholson, fue un famoso retratista, cartelista y escenógrafo.


title: Ben Nicholson

text: Ben Nicholson hijo de los pintores Sir William Nicholson y Mabel Pryde, era hermano de la artista Nancy Nicholson, el arquitecto Christopher Nicholson y Anthony Nicholson. Su abuela materna Barbara Pryde (de soltera Lauder) era sobrina de los famosos hermanos artistas Robert Scott Lauder y James Eckford Lauder. La familia se mudó a Londres en 1896. Nicholson fue educado en la Tyttenhangar Lodge Preparatory School, Seaford, en Heddon Court, Hampstead y luego como interno en la Escuela Gresham, Holt, Norfolk.


title: Ben Nicholson

text: Se formó como artista en Londres en la Slade School of Fine Art entre 1910 y 1911, donde fue contemporáneo de Paul Nash, Stanley Spencer, Mark Gertler y Edward Wadsworth. Según Nash, con quien formó una estrecha amistad, Nicholson pasó más tiempo durante su año en Slade jugando al billar que pintando o dibujando, ya que la formalidad abstracta del tapete verde y las relaciones constantemente cambiantes de las bolas eran, afirmó más tarde, de más atractivo para su sentido estético.


title: Ben Nicholson

text: Nicholson se casó tres veces. Su primer matrimonio fue con la pintora Winifred Roberts; tuvo lugar el 5 de noviembre de 1920 en la iglesia de St. Martin-in-the-Fields, en Londres. Nicholson y Winifred tuvieron tres hijos: un hijo, Jake, en junio de 1927; una hija, Kate (que luego también se convirtió en pintora), en julio de 1929; y un hijo, Andrew, en septiembre de 1931. Se divorciaron en 1938. Su segundo matrimonio fue con la artista Barbara Hepworth el 17 de noviembre de 1938 en la Oficina de Registro de Hampstead. Nicholson y Hepworth tuvieron trillizos, dos hijas, Sarah y Rachel, y un hijo, Simon, en 1934. Se divorciaron en 1951. El tercer y último matrimonio fue con Felicitas Vogler, una fotógrafa alemana. Se casaron en julio de 1957 y se divorciaron en 1977. Su primer trabajo notable fue después de una reunión con el dramaturgo JM Barrie en vacaciones en Rustington, Sussex, en 1904. Como resultado de esta reunión, Barrie utiliza un dibujo de Nicholson como la base para un cartel para su obra "Peter Pan"; su padre William diseñó algunos de los decorados y trajes.


title: Ben Nicholson

text: Nicholson fue eximido del servicio militar de la Primera Guerra Mundial debido al asma. Viajó a Nueva York en 1917 para una operación de amígdalas, a continuación, visitó otras ciudades de Estados Unidos, volviendo a Gran Bretaña en 1918. Antes de su regreso, la madre de Nicholson murió en julio de la gripe española y su hermano Anthony Nicholson murió en acción.


title: Ben Nicholson

text: De 1920 a 1933 estuvo casado con la pintora Winifred Nicholson y vivió en Londres. Después de la primera exposición de Nicholson de obras figurativas en Londres en 1922, su obra comenzó a estar influida por el cubismo sintético y más tarde por el estilo primitivo de Rousseau. En 1926 se convirtió en presidente de la Sociedad Siete y Cinco.


title: Ben Nicholson

text: En Londres, Nicholson conoció a los escultores Barbara Hepworth (con la que estuvo casado desde 1938 hasta 1951) y Henry Moore. En las visitas a París conoció a Mondrian, cuyo trabajo en el estilo neoplástico influyó en él para llevarlo a una dirección abstracta, y Picasso, cuyo cubismo también encontraría su camino en su trabajo. Su don, sin embargo, fue la capacidad de incorporar estas tendencias europeas en un nuevo estilo que era reconocidamente suyo. Visitó por primera vez St. Ives, Cornualles, en 1928 con su colega pintor Christopher Wood, donde conoció al pescador y pintor Alfred Wallis. En París en 1933 hizo su primer relieve en madera, "White Relief", que contenía solo ángulos rectos y círculos. Después llevó a cabo una serie de bajorrelieves de formas geométricas elementales pintados de blanco o en tonos grises, como por ejemplo "Relieve blanco" (1935, Tate Gallery, Londres) y "Relieve pintado" (1939, Museo de Arte Moderno, Nueva York).


title: Ben Nicholson

text: En 1937 fue uno de los editores de "Circle", una influyente monografía sobre el constructivismo. Él creía que el arte abstracto debería ser disfrutado por el público en general, como lo muestra el "Nicholson Wall", un mural que creó para el jardín de Sutton Place en Guildford, Surrey. Nicholson se mudó a St Ives en 1939 y vivió en Trezion, Salubrious Place, durante 19 años. En 1943 se unió a la Sociedad de Artistas de St. Ives.


title: Ben Nicholson

text: Ganó el prestigioso Premio Carnegie en 1952 y en 1955 se exhibió una exposición retrospectiva de su obra en la Tate Gallery de Londres. En 1956 ganó el primer premio internacional de pintura Guggenheim y en 1957 el premio internacional de pintura en la Bienal de Arte de Sao Paulo.


title: Ben Nicholson

text: Nicholson se casó con la fotógrafa Felicitas Vogler en 1957 y se mudó a Castagnola, Suiza, en 1958. En 1968 recibió la Orden del Mérito Británica (OM). En 1971 se separó de Vogler y se mudó a Cambridge. En 1977 se divorciaron.


title: Ben Nicholson

text: El último hogar de Nicholson fue en Pilgrim's Lane, Hampstead. Murió allí el 6 de febrero de 1982 y fue cremado en Golders Green Crematorium el 12 de febrero de 1982.


title: Ben Nicholson

text: Algunas de las obras de Nicholson se puede ver en la Tate Gallery, la Tate St Ives, la Galería de Arte Kettle Yard en Cambridge, el Hepworth Wakefield, y el Centro de Artes Pier en Stromness, Orkney. El 1 de noviembre de 2011 se fijó un récord de subasta para este artista de 1.650.500 dólares en Christie's, de Nueva York, para el S"eptiembre del 53" (Baleares), un óleo y lápiz sobre lienzo. Su pintura "Fiddle and Spanish Guitar", en óleo y grava en masonite, se vendió por 3.313.000 de euros por Christie's en París el 27 de septiembre de 2012.


title: Barnett Newman

text: Barnett Newman (29 de enero de 1905 - 4 de julio de 1970) fue un pintor estadounidense al que se relaciona con el expresionismo abstracto y un destacado exponente de la "pintura de campos de color".


title: Barnett Newman

text: Newman nació en Nueva York, hijo de inmigrantes judíos de Polonia. Estudió filosofía en el "City College of New York" y trabajó en el negocio de su padre realizando ropa. Desde los años 1930 pintó cuadros, que se dice que eran de estilo expresionista, pero con el tiempo destruyó todas estas obras.


title: Barnett Newman

text: Barnett Newman trabajó primero como escritor y crítico; organizó exposiciones y escribió catálogos. Sólo más tarde se convirtió en un miembro del "Uptown Group".


title: Barnett Newman

text: Barnett Newman escribió prefacios a catálogos de exposiciones y críticas y a finales de 1940 se convirtió en un artista que exponía en la Galería Betty Parsons. Su primera exposición individual tuvo lugar en el año 1948. Poco después, Barnett Newman comentó en una de las sesiones de artistas de Studio 35: «Estamos en proceso de hacer el mundo sea, hasta cierto punto, a nuestra imagen y semejanza.» Utilizando sus habilidades como escritor, Newman luchó intensamente a cada paso para reforzar su imagen renovada como artista y promocionar su obra.


title: Barnett Newman

text: Un ejemplo es su carta de 9 de abril de 1955 a Sidney Janis, en la que dice:


title: Barnett Newman

text: En los años 1940 trabajó primero en un estilo surrealista antes de desarrollar su estilo maduro. Este se caracteriza por sencillas composiciones en las que una amplia área de color -un campo de color- es traspasado por una o dos finas líneas verticales, a las que Newman llamaba «zip» (cremallera).


title: Barnett Newman

text: En sus primeras obras de la década de 1940, Newman intentó desligarse de las influencias contemporáneas; sus disposiciones de líneas verticales y horizontales y formas circulares se conciben como representaciones de superficies y vacíos.


title: Barnett Newman

text: En las primeras obras que presentan "zips", los campos de color son variados, pero más tarde los colores son puros y lisos. El propio Newman consideró que alcanzó plenamente su estilo maduro con la serie de "Onement", a partir de 1948. "Onement I" (Colección Newman, Nueva York), se reduce a un lienzo de sólido color roto por una única banda vertical ("zip") en contraste, una composición que volvería a utilizar. Estas bandas de color verticales adquieren un relieve intenso, crean una tensión, un dramatismo sobre el lienzo que atrapa al espectador, a la vez que divide en dos campos de color análogos la composición rectangular. Con las bandas definen la estructura espacial de la pintura, mientras que al mismo tiempo dividen y unifican la composición.


title: Barnett Newman

text: Esa línea vertical se mantuvo como un rasgo constante en la obra de Newman a lo largo de su vida. En algunas pinturas de los años 1950, como "The Wild", que mide 244 cm de alto por 5 cm de ancho, la línea vertical es lo que ocupa toda la obra.


title: Barnett Newman

text: Aunque las pinturas de Newman parecen ser puramente abstractas, y muchas de ellas carecieron en origen de título, los nombres que les puso más tarde dan pistas sobre los temas específicos a los que se refieren, a menudo con un tema judío. Dos pinturas de principios de los años cincuenta, por ejemplo, se llaman "Adam (Adán)" y "Eve (Eva)" (véase Adán y Eva), y hay también un "Uriel" (1954) y un "Abraham" (1949), una pintura muy oscura, que además de ser el nombre de un patriarca bíblico, era también el nombre del padre de Newman, fallecido en 1947.


title: Barnett Newman

text: La serie "Estaciones de la Cruz", de pinturas en blanco y negro (1958-64), comenzaron poco después de que Newman se hubiera recuperado de un ataque al corazón, y es usualmente considerada la cumbre de sus logros artísticos. La serie se subtitula «Lema sabachthani» («¿Por qué me has abandonado?»), palabras que se atribuyen a Jesucristo en la cruz. Newman vio que estas palabras tenían un significado universal en su propia época. La serie también se ha visto como un monumento conmemorativo a las víctimas del holocausto.


title: Barnett Newman

text: Newman también explotó el impacto que causaba el tamaño de los cuadros, rebasando el campo de visión del espectador. Ejemplo de ello son sus obras tardías, como la serie "Who's Afraid of Red, Yellow and Blue (Quién teme al rojo, amarillo y azul)", en la que se usan colores vibrantes y puros en lienzos de gran tamaño. "Anna's Light (La luz de Ana)" (1968), titulado así en memoria de su madre, fallecida en 1965, es su obra más grande, 28 pies (853 cm) de ancho por 9 de alto (274 cm). Newman también trabajó en "shaped canvases" (lienzos con forma diferente a la rectangular), con obras como "Chartres" (1969), por ejemplo, en forma triangular. El gran tamaño de los lienzos y las formas variadas son un rasgo específico de la «Nueva Abstracción» estadounidense, de manera que «la forma del soporte determina la estructura interna de la obra»; y puede verse no sólo en Newman, sino también en otros pintores como Frank Stella o Kenneth Noland.


title: Barnett Newman

text: Estas últimas pinturas se ejecutaron con pintura acrílica más que con el óleo de las obras anteriores.


title: Barnett Newman

text: Al igual que otros artistas de esta tendencia, sus obras tienen un contenido místico y espiritual, hasta el punto de que a veces se ha llamado a su estilo «abstracción mística».


title: Barnett Newman

text: Newman murió en Nueva York de un ataque al corazón.


title: Barnett Newman

text: Asimismo, Newman hizo unas pocas esculturas que son esencialmente "zips" tridimensionales. Al final de su vida, regresó a la escultura, haciendo un pequeño número de piezas elegantes en acero. "Broken Obelisk (Obelisco Roto)" (1968) es la más monumental y conocida de sus esculturas; representa un obelisco invertido cuya punta se sostiene en equilibrio sobre la cúspide de una pirámide.


title: Barnett Newman

text: Newman igualmente hizo una serie de litografías, "18 Cantos" (1963-64) en la que pretende evocar la música. También hizo un número limitado de aguafuertes.


title: Barnett Newman

text: Hay que mencionar, por último, sus escritos teóricos, que aparecieron en su mayor parte en la revista «Tiger's Eye»:


title: Barnett Newman

text: A Newman se le clasifica, generalmente, dentro del expresionismo abstracto, considerando que trabajaba en Nueva York en los años 1950, y se relacionó con otros artistas del grupo y desarrolló un estilo abstracto que poco o nada debía al arte europeo. No obstante, su rechazo de la pincelada expresiva empleada por otros expresionistas abstractos como Clyfford Still y Mark Rothko, y su uso de zonas de color liso, permiten ver en él a un precursor de la «abstracción post pictórica» y las obras minimalistas de artistas como Frank Stella. Igualmente se ha hablado de él como representante de la "colorfield painting", o pintura de los campos de color, una subcorriente del expresionismo abstracto en la que destacaría igualmente Rothko.


title: Barnett Newman

text: Newman no fue muy apreciado en vida, siendo ignorado en favor de personajes más pintorescos como Jackson Pollock. El influyente crítico Clement Greenberg escribió sobre él con entusiasmo, pero no fue hasta el final de su vida cuando empezó a ser tomado realmente en serio. Fue, sin embargo, una influencia importante sobre muchos jóvenes artistas, en particular de expresionismo abstracto.


title: Alberto Giacometti

text: Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 10 de octubre de 1901-Coira, Suiza, 11 de enero de 1966) fue un escultor y pintor suizo.


title: Alberto Giacometti

text: Giacometti nació en Borgonovo, Val Bregaglia, en Suiza, cerca de la frontera italiana, donde creció en un ambiente de artistas. Su padre, Giovanni Giacometti, había sido pintor impresionista, mientras que su padrino, Cuno Amiet, fue fauvista.


title: Alberto Giacometti

text: Tras terminar la enseñanza secundaria, se trasladó a Ginebra para cursar estudios de pintura, dibujo y escultura en la "Escuela de Bellas Artes" y a París, en 1922, para estudiar en la "Académie de la Grande Chaumière" en Montparnasse bajo la tutela de un asociado de Rodin, el escultor Antoine Bourdelle. Fue allí donde Giacometti experimentó con el cubismo. Sin embargo, le atrajo más el movimiento surrealista y hacia 1927, después de que su hermano Diego se convirtiera en su ayudante, Alberto había empezado a mostrar sus primeras esculturas surrealistas en el "Salón de las Tullerías". Poco tiempo después, ya era considerado uno de los escultores surrealistas más importantes de la época.


title: Alberto Giacometti

text: Viviendo en una zona tan creativa como "Montparnasse," empezó a asociarse con artistas como Joan Miró, Max Ernst y Pablo Picasso, además de escritores como Samuel Beckett, Jean-Paul Sartre, Paul Éluard y André Breton, para el que escribió y dibujó en su publicación "Le surréalisme au Service de la Révolution". Entre 1935 y 1940, Giacometti concentró su escultura en la cabeza humana, centrándose principalmente en la mirada. Esto fue seguido por una nueva y exclusiva fase artística en la que sus estatuas comenzaron a estirarse, alargando sus extremidades. En esta época realizó una visita a España, a pesar de encontrarse en plena guerra civil.


title: Alberto Giacometti

text: Durante la Segunda Guerra Mundial vivió en Ginebra, donde conoció a "Annette Arm". En 1946, ambos regresaron a París, donde contrajeron matrimonio en 1949. El matrimonio pareció tener un buen efecto en él ya que le siguió el periodo probablemente más productivo de su carrera. Fue su mujer la que le brindó la oportunidad de estar constantemente en contacto con otro cuerpo humano. Otros modelos habían encontrado que el posar para él no era un trabajo fácil, pero Annette le ayudó enormemente, soportando pacientemente sesiones que durarían horas hasta que Giacometti lograse lo que buscaba.


title: Alberto Giacometti

text: Poco más tarde se organizó una exposición de su trabajo en la "galería Maeght" de París y en la "galería Pierre Matisse" de Nueva York, para cuyo catálogo su amigo Jean-Paul Sartre escribió la introducción. Perfeccionista, Giacometti estaba obsesionado con crear sus esculturas exactamente como las veía a través de su exclusivo punto de vista de la realidad.


title: Alberto Giacometti

text: En 1954, recibió el encargo de diseñar un medallón con la imagen de Henri Matisse, por lo que creó numerosos dibujos durante los últimos meses de vida del pintor. En 1962 recibió el gran "premio de escultura" en la Bienal de Venecia, lo que le llevó a convertirse en una celebridad internacional.


title: Alberto Giacometti

text: El 3 de febrero de 2010, su escultura "El hombre que camina I" ('L'Homme qui marche I') fue subastada en Londres por 65 millones de libras (74,2 millones de euros, 104,3 millones de dólares), superando así el récord mundial de una obra de arte vendida en una subasta ese momento, según la casa que se ocupó de la puja: Sotheby's.


title: Alberto Giacometti

text: Es una escultura construida como una jaula abierta de barras de hierro en cuyo interior se encuentra una esfera con una hendidura y colgada de una cuerda que roza, con un vaivén, la arista afilada de una pieza semirrecostada en forma de media luna o de gajo de naranja. Existen dos versiones, una realizada en madera y otra en escayola.


title: Alberto Giacometti

text: Esta obra inaugura la incursión de Alberto Giacometti en el universo del objeto surrealista. Su descubrimiento causa un pequeño cataclismo en el seno de dicha corriente artística. Será André Breton quien la descubrirá en la galería Pierre Loeb de París, y su posterior compra será la responsable de la amistad entre ambos. La obra llega en un momento de inflexión de la poética surrealista, que evoluciona desde la exploración del universo interior, en los años veinte (los sueños, la locura, las experiencias hipnóticas) hasta el descubrimiento del universo real o inventado de los objetos, hacia 1930. En uno de los primeros números de la revista "El surrealismo al servicio de la Revolución," en 1931, Giacometti daba cuenta del magnetismo inquietante con que le hechizaban los objetos: "“Todas las cosas… las que están cerca, y lejos, todas las que han pasado y las futuras, las que se mueven, mi amigas, cambian (se pasa junto a ellas, se apartan), otras se acercan, suben, descienden, patos en el agua, aquí y allá, en el espacio, suben y bajan…”"


title: Alberto Giacometti

text: En el curso de los años 30, Giacometti insiste en el hecho de que la escultura que realizaba no tenía las huellas de su manipulación, ni de su impronta física, ni de sus cálculos estéticos y formales. "“Desde hace años”," escribe en 1933, "“realizo solamente aquellas esculturas que se ofrecen a mi espíritu ya perfectamente terminadas”. “La realización es solo un trabajo material que, para mí, en todos los casos, no presenta ninguna dificultad. Es casi aburrido. Se tiene en la cabeza y se necesita verla realizada, pero la realización en sí misma es molesta. ¡Si se pudiera hacer realizar por otros sería todavía más satisfactorio! ”"Es por eso que hablaba de sus obras como de “proyecciones” que quería ver realizadas, pero que no quería fabricar él mismo.


title: Alberto Giacometti

text: Sin embargo, el aspecto más innovador es la puesta en juego del movimiento real en la obra plástica, hasta entonces estática. Esto se debe al hecho de que la bola puede, efectivamente, hacerse oscilar como un péndulo, lo que determina una percepción del trabajo en su forma física concreta y objetiva y no como forma plástica. Según el propio autor: "“A pesar de mis esfuerzos, en aquellos tiempos no conseguía realmente tolerar una escultura que se limitase a dar ilusión de movimiento (una pierna que avanza, un brazo levantado, una cabeza que mira de lado). El movimiento podía concebirlo solamente si era real y efectivo, es más, quería dar la sensación de poderlo provocar.”" El movimiento es real, y por lo tanto, el medio temporal en el que se inscribe es el tiempo real de la experiencia, despojado de todos los límites y, por definición, incompleto. Este recorrido del movimiento real y al mismo tiempo textual es una función del significado del surrealismo en cuanto que se instala simultáneamente en los márgenes del mundo y en su interior, comparte las condiciones temporales, pero se forma bajo la presión de una necesidad interior.


title: Alberto Giacometti

text: Al poner la bola y la medialuna en el volumen cúbico de una jaula, Giacometti puede jugar con sus dos registros espaciales. Produce así una ambivalencia: confina el objeto en el campo escénico restringido de la jaula, imprimiendo al mismo tiempo un movimiento real; lo inscribe en el espacio del mundo, separándolo de las cosas que lo circundan. La jaula le permite afirmar la particularidad de esta situación y transformar el conjunto en una especie de esfera de cristal impenetrable, fluctuante en el interior del mundo real. Parte del espacio real y, al mismo tiempo, se separa de él, la bola suspendida y la medialuna abren una fisura en la superficie continua de la realidad. Esta escultura captura una experiencia que tenemos, a veces, estando despiertos, experiencia de discontinuidad que se insinúa entre las diferentes partes del mundo.


title: Alberto Giacometti

text: Esta obra, además, tiene una poderosa capacidad de evocación erótica que se encierra en esa jaula de hierro, en la que el aliciente táctil y pendular es un elemento central, aunque inconsciente. Recluida en un armazón transparente, que acentúa la impresión de aislamiento, la puesta en marcha del objeto produce una violenta emoción que se asocia inmediatamente con la irritante sensación de un deseo incumplido, representando todas las frustraciones del dispositivo amoroso, aunque los elementos masculino y femenino son intercambiables. La descripción de Dalí era muy elocuente: "“Una bola de madera horadada por un hueco femenino y suspendida por una fina cuerda de violín pende sobre una media luna cuya arista roza ligeramente la cavidad. El espectador se encuentra instintivamente empujado a hacer deslizar la bola sobre la arista; deslizamiento que, sin embargo, la largura de la cuerda no permite efectuar más que a medias”."


title: Alberto Giacometti

text: Es inevitable asociar "Bola suspendida" con un recuerdo infantil del propio Giacometti, a propósito de una gran piedra perforada que se hallaba en los alrededores de su pueblo, un “monolito de color dorado”, que le atraía magnéticamente y cuyo agujero, “hostil y amenazante”, se abría en su base a una húmeda gruta en la que apenas si cabía el pequeño Alberto tumbado. Como él mismo contaba de adulto, la idea de esta abertura se le hacía intolerable y atractiva al tiempo, y ocupó su atención y sus juegos durante varios veranos.


title: Kazimir Malévich

text: Kazimir Severínovich Malévich (en ruso, Казими́р Севери́нович Мале́вич , Kiev - 15 de mayo de 1935, Leningrado) fue un pintor ruso de origen polaco, creador del suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo XX. En el otoño de 1930, el NKVD interrogó a Kazimir Malévich en Leningrado. Se lo acusa de espionaje polaco y se le amenaza con la ejecución. Permaneció en prisión tres meses.


title: Kazimir Malévich

text: Su padre era un supervisor en refinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar constantemente. En Parjómovka (raión de Krasnokutsk de Járkov), Kazimir completa los cinco años de Escuela de Agricultura; le gusta el campo y aprende por sí mismo a pintar los paisajes y los campesinos que le rodean. En Konotop (óblast de Sumy) se dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra. A mediados de los años noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev.


title: Kazimir Malévich

text: En 1886, la familia se traslada a Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. Hablaba ucraniano y polaco y le resultaba difícil entender el ruso. A través de reproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Iliá Repin, dos pintores naturalistas pertenecientes a un grupo conocido como "Peredvízhniki".


title: Kazimir Malévich

text: Empieza a pensar que su misión como artista es representar la naturaleza lo más objetivamente posible. Entre los empleados del ferrocarril, encuentra algunos aficionados y amantes del arte con los que forma una asociación y un estudio cooperativo. Allí oye hablar de las Escuelas de San Petersburgo y Moscú. Siente la necesidad de formarse académicamente y va a Moscú en 1904. Su trabajo, en esta época, siempre pintura del natural, se hace cada vez más impresionista. Fue un período relativamente largo y estable, en el que su atención se centra en los estudios de paisajes, con composiciones sólidas, a pesar de la fragmentación, "En conjunto, estos trabajos producen una impresión estática y extraña, lo que sería más adelante el contenido típico de Malévich, la expresión de sus ideas esenciales".


title: Kazimir Malévich

text: En "Muchacha con flor" de 1903 se advierte un acercamiento al estilo de Pierre Bonnard. En esta etapa impresionista, Malévich reinterpreta la descomposición y la saca hacia la superficie de la tela, concentrándose en el plano pictórico, lo cual le posibilita el desarrollo de otros sistemas; de hecho, todos los artistas rusos pasaron por una etapa impresionista cuando ya este movimiento había pasado en Francia, aportándole entonces elementos y hallazgos de las últimas tendencias.


title: Kazimir Malévich

text: A su llegada a Moscú, visita la "Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura". En la primavera de 1905 vuelve a Kursk y sigue pintando del natural: su trabajo adquiere una calidad neoimpresionista.


title: Kazimir Malévich

text: Vuelve a Moscú en otoño y toma parte en la Batalla de las Barricadas. Su primera exposición tiene lugar en 1907, cuando participa con dos dibujos en la XIV Muestra de la Asociación de Artistas de Moscú; entre los participantes se encuentran Natalia Goncharova, Wassily Kandinsky y Mijaíl Lariónov.


title: Kazimir Malévich

text: En 1907, tiene lugar la exposición "Vellocino de Oro", en la que se incluye una importante aportación de arte francés (Pierre Bonnard, Georges Braque, Paul Cézanne, André Derain, Paul Gauguin, Albert Gleizes, Henri Matisse, etc) y del español Pablo Picasso, que Malévich ve por primera vez.


title: Kazimir Malévich

text: En 1908, se advierte en su obra un interés creciente por los iconos rusos y el arte popular del "lubok". "Bañistas", este mismo año, aporta al estilo impresionista algunos elementos del estilo moderno, y en los autorretratos de finales de la década Malévich evidencia las influencias del Fauvismo y el Expresionismo; sin embargo, es el Neoprimitivismo el estilo moderno que más le influye, un estilo en el que retrata campesinos trabajando en los campos o en las iglesias, con formas densas y sólidas, en actitudes estáticas, casi congeladas, en donde descubre una nueva forma de construir el cuadro solo a través del volumen. En 1909, se casa con Sofía Rafalóvich. Un año más tarde participa en una serie de exposiciones organizadas por Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova, como "Sota de Diamantes". En 1911 muestra en el Primer Salón de Moscú tres series de obras (amarillo, blanco y rojo) en las que intenta integrar sus experimentos con el color en un nuevo sistema. En abril participa en la tercera exposición del grupo de San Petersburgo "Soyuz molodyozhi (Unión Joven)", junto con Natalia Goncharova, Mijaíl Lariónov y Vladímir Tatlin. 1911 es también el año de su época cubista (Retrato de Kliun), de un cubismo ortodoxo cercano al del Braque y Picasso. En 1912 pinta "El afilador de cuchillos", donde combina sus método personal con los del futurismo.


title: Kazimir Malévich

text: A finales de 1912, participa en una exposición internacional donde muestra "Mujer con cubos y niño". Participa también en la V exposición de la "Unión Joven" de San Petersburgo con obras como "En el campo" y "Retrato de Kliun". En diciembre sale a la luz el manifiesto "Bofetada al gusto público", de Vladímir Mayakovski y Velimir Jlébnikov, donde afirman el derecho del poeta a crear nuevas palabras utilizando arbitrariamente vocablos, formas y fragmentos; en ese mismo mes diseña los decorados de la ópera "Victoria sobre el sol" de Mijaíl Matiushin y Alekséi Kruchónyj; los figurines contenían muchos de los esquemas compositivos del futuro Suprematismo. También son de 1913 algunas de sus obras cubofuturistas.


title: Kazimir Malévich

text: En 1914, Tommaso Marinetti, el creador del "Manifiesto Futurista italiano", visita Moscú; en febrero, Malévich y Morgunov hacen una demostración futurista. En ese mismo año participa con varias obras en el "Salón de los Independientes de" París. El año siguiente participa en el exposición "Tranvía V": Primera Exposición Futurista en Petrogrado con "Mujer en el tranvía" y "Caballero en Moscú".


title: Kazimir Malévich

text: 1915 es el año del nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar su propio trabajo en una segunda exposición llamada Última Exposición Futurista: 0,10. En esta exposición realizada en Petrogrado y donde abandona el futurismo, cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso "Cuadrado negro", que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna.


title: Kazimir Malévich

text: Publica un pequeño folleto que titula "Desde el cubismo al suprematismo en arte, el nuevo realismo en pintura, hacia la absoluta creación", en donde explica el significado de su nuevo trabajo; al año siguiente edita un nuevo folleto titulado "Desde el cubismo y el futurismo al suprematismo, el nuevo realismo pictórico".


title: Kazimir Malévich

text: Con el suprematismo, Malévich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano puro, el cuadrado, el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que podría expresar "un sistema completo de construcción del mundo" (Malévich).


title: Kazimir Malévich

text: Se plantea con el Suprematismo, la tarea ingente de recodificar el mundo, ""Malévich dominó las condiciones de la existencia humana, de modo que pudo operar con un lenguaje cósmico para afirmar el orden global y las leyes generales del universo"". El sistema fue construido en toda su complejidad. Malévich escribió:" "Las claves del Suprematismo me están llevando a descubrir cosas fuera del conocimiento. Mis nuevos cuadros no sólo pertenecen al mundo"". ""Cuadrado negro no sólo retó a un público que había perdido interés por las innovaciones artísticas, sino que hablaba como una forma nueva de búsqueda de Dios, el símbolo de una nueva religión"" (Sarabiánov).


title: Kazimir Malévich

text: En 1916, continúa con sus actividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Iván Puní, otro suprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo, el Futurismo y el Suprematismo, así como una demostración de cómo el dibujo del natural es la base del Cubofuturismo.


title: Kazimir Malévich

text: En 1917, es elegido jefe del Departamento de Arte de los Soldados del Soviet delegados en Moscú. En los primeros días de la Revolución de Octubre es nombrado por el consejo supervisor de las colecciones del Kremlin. Sigue exponiendo su obra suprematista con la "Sota de Diamantes" y se opone a los tradicionalistas, quienes se enfrentan a los artistas de vanguardia que apoyan la revolución.


title: Kazimir Malévich

text: En 1918, es llevado a Petrogrado para dirigir uno de los Estudios de los Talleres Libres del Estado; diseña los decorados para la gran obra de Vladímir Mayakovski "Misteria Bouff", dedicada a la revolución y representada en Petrogrado.


title: Kazimir Malévich

text: En 1919, Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova se salen de la asociación "Sota de Diamantes", debido a la excesiva atención que se le presta al arte occidental en detrimento de las innovaciones rusas; organizan su propia exposición con varios simpatizantes, la titulan "La Cola de Burro" y participan, entre otros, Malévich, Tatlin y el recién llegado Marc Chagall. En esta muestra, Malévich presenta un gran grupo de obras neoprimitivistas, con la vida campesina y la naturaleza como tema central. Traba amistad con Mijaíl Matiushin, que está tratando de organizar una colaboración entre la "Sota de Diamantes" y la "Unión Joven".


title: Kazimir Malévich

text: Ese mismo año (1919), participa en la Conferencia sobre los Museos, donde se decide establecer los Museos de Cultura Artística, museos solo para el arte de vanguardia; participa en la X Exposición Anual en Moscú con dieciséis obras suprematistas, entre ellas, las serie de cuadros blanco sobre blanco que son contestadas por Aleksandr Ródchenko con la serie de negro sobre negro. En junio termina su largo ensayo teórico Sobre el nuevo sistema de Arte. En septiembre, por sugerencia de El Lissitzky, acude a trabajar a la Escuela de Arte de Vítebsk, donde trata de introducir un nuevo concepto de educación artística, en el que todas las formas del arte se basen en el Suprematismo y se integren en un sistema universal. En diciembre de 1919 tiene lugar la primera retrospectiva de su obra en la XVI Exposición Nacional de Moscú.


title: Kazimir Malévich

text: En 1920, pone en práctica en una obra sus ideas sobre la colectivización del Arte y la enseñanza en Vítebsk, que titula con el nombre de "UNOVÍS" (Utverdíteli nóvogo iskusstva - Forjadores del arte nuevo); también es el año de finalización del Suprematismo. Algún tiempo antes, Malévich había trasladado el énfasis creativo a la investigación teórica.


title: Kazimir Malévich

text: En 1921, surgen diferencias en torno al método y trata de instaurarlo en Moscú, donde choca con las ideas del Constructivismo y, especialmente, con Vladímir Tatlin. El año siguiente, completa su texto "Suprematismo, el mundo como No-objetividad" y participa en una exposición colectiva en Berlín con obras cubistas y suprematistas. La exposición viajará más tarde al Stedelijk Museum de Ámsterdam.


title: Kazimir Malévich

text: En 1923, comienza sus investigaciones sobre una arquitectura suprematista en diversos dibujos y apuntes, y es nombrado director del nuevo departamento de investigación del Museo de Cultura Artística. Ese año muere su segunda mujer pero continúa viviendo en su dacha de Nemchínovka, cerca de Moscú. En el verano de 1923 participa en la XIV Bienal de Venecia con un "Cuadrado negro", un "Círculo negro" y una "Cruz negra".


title: Kazimir Malévich

text: En 1925, asume la dirección del departamento de investigación dejado por Tatlin, y realiza modelos en madera de su arquitectura suprematista a los que denomina arjitektons. Se casa por tercera vez. En 1926, el departamento del Museo cierra, y él termina su texto "Introducción a la teoría del elemento adicional en pintura", que no llegará a publicarse. En 1927 viaja a Polonia y a Berlín; en abril visita la Escuela de la Bauhaus de Dessau y conoce a Gropius y a Moholy-Nagy, quien se encarga de conseguir publicar en Alemania algunos de sus escritos, entre ellos «Die gegenstandslose Welt» (El mundo sin objetos); a través de la asociación de los arquitectos progresistas de Berlín, realiza una exposición en el Grosse Berliner Kunstausstellung. Planea la idea de rodar una película suprematista con Hans Richter. A su vuelta de Alemania continúa trabajando en el Instituto Estatal para la Historia del Arte en Leningrado.


title: Kazimir Malévich

text: En 1929, los historiadores del Instituto, que no están de acuerdo con sus ideas, se las arreglan para echarlo, pero es solicitado para trabajar dos semanas y media por mes en el Instituto de Arte de Kiev. En ese mismo año se organiza una retrospectiva de su obra en la galería Tretiakov de Moscú que viaja después a Kiev y participa en algunas colectivas en Berlín y Viena. En el otoño de 1930, el NKVD interrogó a Kazimir Malévich en Leningrado y dijo que su nacionalidad era ucraniana. Se lo acusa de espionaje polaco, se le amenaza con la ejecución. La historiadora del arte ruso logró acceder al caso criminal del artista y descubrió que Malévich se hacía llamar ucraniano (había nacido en Ucrania, en donde es considerado un artista ucraniano). Permaneció durante tres meses en prisión.


title: Kazimir Malévich

text: En 1932, se le concede un laboratorio para experimentar en el Museo Estatal Ruso. Su trabajo es ampliamente representado en la exposición Quince Años de Arte Ruso y su obra vuelve a finales de los años veinte a la figuración (Hombre y Caballo).


title: Kazimir Malévich

text: En 1935, participa con cinco retratos en la Primera Muestra de Artistas de Leningrado, que será su última exposición en la Unión Soviética hasta 1962. En 1936, sus obras dejadas como regalos durante su viaje a Alemania son seleccionadas por Alfred H. Barr, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, para ser incluidas en cubismo y arte abstracto. Muere el 15 de mayo de ese año y como homenaje a su contribución al arte, el ayuntamiento de Leningrado costea sus exequias.


title: Man Ray

text: Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890-París, 18 de noviembre de 1976) fue un artista visual estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Trabajó en varios medios pero se consideraba a sí mismo sobre todo pintor. Fue conocido en el mundo artístico sobre todo por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos y moda.  Durante su larga carrera artística, procuró que no se conocieran apenas detalles de su vida o familia, incluso llegando a negar que tuviera otro nombre que no fuera Man Ray.


title: Man Ray

text: Nació como Emmanuel Radnitzky en Filadelfia, Pensilvania el 27 de agosto de 1890 siendo el hijo mayor de un matrimonio de inmigrantes judíos. Tuvo un hermano y dos hermanas menores y su padre era sastre. A principios de 1912 la familia cambió el apellido a Ray para evitar la discriminación y antisemitismo y entonces Emmanuel, familiarmente llamado 'Manny', cambió también su nombre a Man y comenzó a usar Man Ray como nombre.


title: Man Ray

text: Tanto Man como sus hermanos ayudaban a su padre en la sastrería desde niños y su madre completaba los ingresos familiares realizando trabajos de patchwork, colchas hechas de retazos de tela. Man Ray siempre deseó desvincularse de sus orígenes familiares pero claramente la técnica y materiales de sastrería están presentes en su obra desde el principio. Los historiadores del arte notan las similitudes de sus collages con el patchwork. Mason Klein, conservador del Museo Judío de Nueva York, sugiere que el artista pudo ser "el primer artista judío de vanguardia".


title: Man Ray

text: Mostró habilidad artística y técnica desde niño, y mientras iba a la escuela, visitaba frecuentemente museos locales, donde estudió las obras de los antiguos maestros. Tras graduarse en el instituto, se le ofreció una beca para estudiar arquitectura, pero la rechazó decidido a seguir camino como artista. Sus padres quedaron un poco decepcionados con su decisión, pero le ayudaron a convertir en estudio un par de habitaciones en la casa familiar. Durante los siguientes cuatro años buscó trabajo como pintor. En Nueva York trabajó como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asistía a las clases nocturnas de la National Academy of Design. El trabajo superviviente de esta época muestra que seguía el estilo académico del siglo XIX mientras sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.


title: Man Ray

text: En 1914 se casó con Adon Lacroix (Donna Lecoeur, 1887-1975), una poetisa belga. Se separaron en 1919 y se divorciaron formalmente en 1937. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915, con pinturas de influencia cubista. Poco después, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, funda el movimiento dadá neoyorquino.


title: Man Ray

text: En 1918 trabajó con aerógrafos por primera vez sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.). Pero para Ray, tal experimentación no era rival para las salvajes y caóticas calles neoyorquinas: "Dadá no puede vivir en Nueva York. Toda Nueva York es dadá y no tolerará un rival."


title: Man Ray

text: Así, en 1921 se instala en París, donde vivirá hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino. Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía. Sus primeras obras experimentales son los "Rayographs" (rayogramas) de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.


title: Man Ray

text: Cuando el surrealismo se separa del dadá en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.


title: Man Ray

text: Realiza esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp, como "Object to be Destroyed" (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja. Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título del "ready-made" por el de "Objeto de destrucción". En 1957, un grupo de estudiantes destruyeron, en efecto, el metrónomo, pero Man Ray lo reconstruyó en 1963, y lo tituló definitivamente "Objeto indestructible", dándole a la obra un giro conceptual. En el Museo Reina Sofía se encuentra una reproducción a escala gigante de esta obra conservada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.


title: Man Ray

text: Inspirado por su modelo y amante parisina Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, toma la fotografía "Le Violon d'Ingres" (1924).


title: Man Ray

text: En 1929 filma, principalmente en la Villa Noailles, su cortometraje Les Mystères du Château de Dé. En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayogramas. Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como "La estrella de mar" (1927). En 1936 su obra está presente en la exposición 'Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo' del Museo de Arte Moderno de Nueva York.


title: Man Ray

text: En 1940, escapando de la ocupación nazi de París (1940-1944), se instala en Hollywood y en Nueva York. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor. En 1946 se casó con Juliette Browner, en una doble boda junto con la de Max Ernst y Dorothea Tanning.


title: Man Ray

text: La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda. Como pionero del dadá y del surrealismo, su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. «La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte», dirá.


title: Man Ray

text: Regresó a Francia en 1951. En 1963 publicó su "Autobiografía". En 1973, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica. Muere el 18 de noviembre de 1976, en París, a los 86 años. Sus restos descansan en el Cementerio de Montparnasse.


title: John Marin

text: John Marin (1870 - 1953). Pintor estadounidense, considerado como uno de los acuarelistas más importantes de su época.


title: John Marin

text: Nació en Rutherford, Nueva Jersey y de 1899 a 1901 estudió en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania.


title: John Marin

text: En 1905 viajó a Europa donde vivió durante cuatro años. Estudió en París y visitó Roma, Londres y Ámsterdam. Durante ese periodo pintó óleos, acuarelas y grabados.


title: John Marin

text: En 1909 tuvo lugar su primera exposición de acuarelas en 291, la galería de Nueva York propiedad del fotógrafo estadounidense Alfred Stieglitz.


title: John Marin

text: La contribución más importante que Marin aportó a la acuarela fue la de fragmentar y subdividir sus obras en una serie de planos semicubistas pintados con una viva diversidad cromática.


title: John Marin

text: Su obra más conocida es su abundante serie de marinas de Maine, tales como Las islas de Maine (1922, Colección Phillips, ciudad de Washington).


title: John Marin

text: Otros de sus temas principales son los edificios urbanos, como en su obra El sur de Manhattan visto desde el río, n.º 1 (1921, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) y los paisajes.


title: Quinten Massys

text: Quinten Massys (Lovaina, c. 1466 - 1530) fue un pintor flamenco fundador de la escuela de Amberes, cuya obra representa la primera síntesis efectiva entre la tradición flamenca y las ideas del renacimiento italiano.


title: Quinten Massys

text: Parece ser que nació en Lovaina y trabajó en Amberes desde 1491 hasta su muerte. Dirk Bouts fue su principal influencia en su ciudad natal, donde se formó. De su biografía no se sabe demasiado; estuvo casado y tuvo varios hijos que trabajaron tanto con él como en el taller, como son Jan y Cornelys.


title: Quinten Massys

text: Massys cultivó la temática religiosa y el retrato. Las primeras obras, de las cuales no conservamos datos, no se han fechado, pero se le han atribuido imágenes de la Virgen como "La Virgen con el Niño" (Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas) y "" (Museo del Prado, Madrid), mostrando la influencia de los primitivos flamencos en la intensidad del sentimiento religioso, suntuosidad cromática y minuciosidad en el detalle. Sus primeras obras datadas, en 1509 realizó el Tríptico de Santa Ana, en Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas, y en 1511 es su Lamentación de Cristo, actualmente en el Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Amberes, ciudad también donde se inscribió en el Gremio de San Lucas, alrededor de 1491. En ambas obras, que se trata de retablos, encontramos esa clara influencia flamenca primitiva junto a la renacentista italiana que le caracteriza.


title: Quinten Massys

text: En obras posteriores, sobre todo en los retratos y escenas cotidianas, Massys se esfuerza por representar a sus modelos en sus acciones características. Además también se centró en la pintura moralista, junto a los retratos. Este tipo de pintura moralista la presenciamos en su obra El banquero y su mujer (1514, Louvre, París), el conflicto insinuado sutilmente entre avaricia y oración se representa en la pareja que a su vez ilustra la introducción de una nueva nota satírica en sus pinturas. También representado este moralismo pictórico en la Pareja desigual (National Gallery of Art, Washington).


title: Quinten Massys

text: Otros de sus retratos, especialmente el "Retrato de anciano" (1517, Museo Jacquemart-André, París), muestran la influencia de Leonardo da Vinci en sus fisonomías resueltamente honestas, algo grotescas.


title: Quinten Massys

text: De su última etapa, "La duquesa fea" (c.1525, National Gallery, Londres) lleva su estilo satírico a sus últimas consecuencias. John Tenniel lo usó para su retrato de la Duquesa de Alicia en el país de las maravillas. Parece tratarse de una persona con la enfermedad de Paget, aunque a veces se dice que se trata de un retrato metafórico de Margarita de Tirol, condesa de Tirol ("maultasch" es un calificativo aplicado a mujeres de feas costumbres, por sus escándalos maritales). También se piensa que quizá no sea el retrato de una persona real sino una ilustración para la obra de Erasmo de Róterdam El elogio de la locura. De Erasmo hizo un retrato, actualmente en el Palacio Barberini de Roma.


title: Quinten Massys

text: Otras obras destacables son "Los hipócritas" (Palazzo Doria-Pamphili, Roma) y una famosa pintura realizada a dúo con el paisajista Patinir: "Las tentaciones de san Antonio Abad" (Museo del Prado), de formas grotescas, sin olvidar el tríptico del "Descendimiento" del Museo Lázaro Galdiano en cuyas puertas laterales se transcriben textos bíblicos. El Museo de Bellas Artes de Bilbao posee la pintura "Los cambistas", antaño dada por autógrafa de Massys en algunas reseñas pero que ahora se considera obra de un seguidor de Marinus van Reymerswaele.


title: André Masson

text: André Masson (Balagny-sur-Thérain, 4 de enero de 1896 - París, 28 de octubre de 1987), fue un pintor francés asociado al surrealismo y al expresionismo abstracto, nacido en Balagny.


title: André Masson

text: Se destacó por sus collages con materiales innovadores, como la arena y la goma arábiga, que aplicaba sobre los lienzos antes de empezar a pintarlos.


title: André Masson

text: 1903-1911, vive con su familia en Bruselas, donde estudia en la Real Academia de Bellas Artes. Le impresiona mucho la obra de Ensor.


title: André Masson

text: 1912, entra en la Escuela de Bellas Artes y estudia pintura al fresco.


title: André Masson

text: 1914, lee la obra de Friedrich Nietzsche, que ejercerá una poderosa influencia sobre él a lo largo de toda su vida.


title: André Masson

text: 1920, se instala en París y comienza a relacionarse con algunos artistas y escritores, conoce a Max Jacob. En su obra de los primeros años veinte es evidente la influencia de Rodin y Sade, en sus dibujos eróticos y en la acuarelas. Pinta también paisajes, especialmente bosques, naturalezas muertas y figuras agrupadas alrededor de una mesa. Su estilo es entonces cubista.


title: André Masson

text: 1922, el marchante Kahnweiler le ofrece un contrato y Hemingway y Gertrude Stein le compran algunas telas; su estudio de la rue Blomet se convierte en el lugar de reunión de artistas y escritores (Leiris y Artaud entre otros).


title: André Masson

text: 1924, hace su primera exposición individual, orgnizada por Kahnweiler en la galería Simon. Breton admira la exposición; Masson se vuelca de lleno en las técnicas del automatismo surrealista.


title: André Masson

text: 1927, conoce a Giacometti y bajo su supervisión, realiza su primera escultura titulada "Metamorfosis".


title: André Masson

text: 1928, comienza a distanciarse del grupo surrealista de Breton por no sentirse cómodo con la orientación política que el movimiento está siguiendo.


title: André Masson

text: 1929, rompe con Breton y este critica su obra en el "Segundo Manifiesto Surrealista"; entra a formar parte de un grupo alrededor de la revista "Documentos" de Bataille y pinta en París dos grandes murales para Pierre David-Weil.


title: André Masson

text: 1931, pinta la serie "Masacres" y al año siguiente conoce a Matisse, con quien pasa algún tiempo en Niza.


title: André Masson

text: 1936, algunas de las obras realizadas durante su estancia en España ("Aube a Montserrat" y "Paysage aux prodiges") son reproducidas en la revista "Minotaure" con un texto de Bataille. En ese mismo año renueva su amistad con Breton y el grupo surrealista, participando con catorce obras en la Exposición Internacional del Surrealismo en Londres.


title: André Masson

text: 1937, comienza el segundo periodo surrealista de Masson, caracterizado por la representación de figuras monstruosas influidas por Picasso y Dalí.


title: André Masson

text: 1940, se traslada a Martinica y posteriormente a Nueva York huyendo de la ocupación nazi de Francia. En su obra americana hay huellas de la mitología india y el mundo natural; expone habitualmente y representa una de las más grandes influencias para el desarrollo del expresionismo abstracto.


title: André Masson

text: 1945, retorna a Francia.


title: André Masson

text: 1947, el paisaje pasa a ser el principal tema de su pintura.


title: André Masson

text: 1954, participa en la Bienal de Venecia y recibe el Gran Premio de Pintura.


title: André Masson

text: 1955, tiene lugar su primera retrospectiva en las Leicester Galleries de Londres.


title: André Masson

text: 1964, retrospectiva en la Academia de Arte de Berlín y el Stedelijk Museum.


title: André Masson

text: 1976, retrospectiva del Museo de Arte Moderno de Nueva York.


title: André Masson

text: 1987, muere en París.


title: Haruki Murakami

text: Aunque nació en Kioto, vivió la mayor parte de su juventud en Hyogo. Su padre era hijo de un sacerdote budista y su madre de un comerciante de Osaka. Ambos enseñaban literatura japonesa.


title: Haruki Murakami

text: Desde la juventud Murakami estuvo muy influido por la cultura occidental, en particular, por la música y literatura. Creció leyendo numerosas obras de autores estadounidenses, como Kurt Vonnegut y Richard Brautigan. Son esas influencias occidentales las que a menudo distinguen a Murakami de otros escritores japoneses.


title: Haruki Murakami

text: Estudió literatura y teatro griegos en la Universidad de Waseda (Soudai), donde conoció a su esposa, Yoko. Aunque apenas iba a la universidad, trabajaba en una tienda de discos en Shinjuku (tal como uno de sus personajes principales, Toru Watanabe de "Norwegian Wood") y pasaba mucho tiempo en unos bares de "jazz" en Kabukicho, Shinjuku. Antes de terminar sus estudios, Murakami abrió el bar de "jazz" Peter Cat ('Gato Pedro') en Kokubunji, Tokio, que regentó junto con su esposa desde 1974 hasta 1981. La pareja decidió no tener hijos en parte porque "no tengo la confianza, que la generación de mis padres tuvo después de la guerra, de que el mundo seguiría mejorando". Cabe acotar que el apellido Murakami es un apellido bastante difundido en Japón, originario de varios clanes samuráis.


title: Haruki Murakami

text: En 1986, con el enorme éxito de su novela "Norwegian Wood" ("Tokio blues"), abandonó Japón para vivir en Europa y Estados Unidos, pero regresó a Japón en 1995, tras el terremoto de Kobe y el ataque terrorista de gas sarín que la secta japonesa Verdad Suprema perpetró en el metro de Tokio. Más tarde Murakami escribiría sobre ambos sucesos.


title: Haruki Murakami

text: La ficción de Murakami, que a menudo es tachada en Japón de literatura pop, es humorística y surreal, y al mismo tiempo refleja la soledad y el ansia de amor en un modo que conmueve a lectores tanto orientales como occidentales. Dibuja un mundo de oscilaciones permanentes, entre lo real y lo onírico, entre el gozo y la oscuridad. Cabe destacar la influencia de los autores que ha traducido, como Raymond Carver, F. Scott Fitzgerald o John Irving, a los que considera sus maestros.


title: Haruki Murakami

text: Muchas novelas suyas tienen, además, temas y títulos referidos a una canción particular como "Dance, Dance, Dance" (de The Dells), "Norwegian Wood" (los Beatles), y "South of the Border, West of the Sun" (la primera parte es el título de una canción de Nat King Cole). Esta afición, la música, recorre toda su obra.


title: Haruki Murakami

text: Murakami es aficionado al deporte: participa en maratones y triatlón, aunque no empezó a correr hasta los 33 años. El 23 de junio de 1996 completó su primer ultramaratón, una carrera de 100 kilómetros alrededor del lago Saroma en Hokkaido (Japón). Aborda su relación con el deporte en "De qué hablo cuando hablo de correr" (2008).


title: Haruki Murakami

text: A finales del 2005 Murakami publica la colección de cuentos "Tōkyō Kitanshū", traducido libremente como "Misterios tokiotas". Más tarde editó una antología de relatos llamada "Historias de cumpleaños", que incluye textos de escritores angloparlantes, además de uno suyo preparado especialmente para este libro.


title: Rosario

text: Rosario puede referirse a:Cantón de candelaria.


title: Niels Kaj Jerne

text: Niels K. Jerne FRS (Londres, Inglaterra, 23 de diciembre de 1911 – Castillon du Gard, cerca de Nîmes, Gard, Francia, 7 de octubre de 1994) fue un inmunólogo danés. Estudió medicina en la Universidad de Leiden, Holanda y en la Universidad de Copenhague, Dinamarca, donde obtuvo el doctorado con una tesis sobre características de los anticuerpos. Trabajó alternativamente en Estados Unidos y Dinamarca. Fue director de la sección de inmunología de la OMS en Ginebra. A partir de 1969 fue director del Instituto de Inmunología de Basilea, que le otorgó la calidad de profesor emérito.


title: Niels Kaj Jerne

text: Junto con César Milstein y Georges J.F. Kohler obtuvo el en el año 1984, por sus teorías sobre la especificidad en el desarrollo y control de los sistemas inmunitarios y por el descubrimiento del principio activo de la producción de anticuerpos monoclonales.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La Agencia Europea de Medio Ambiente (AEMA) es una agencia reguladora del Unión Europea. La AEMA se encarga de proporcionar información independiente sobre el medio ambiente, información que sirve de apoyo al ciudadano y a aquellos involucrados en desarrollar, adoptar, aplicar y evaluar las políticas ambientales.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La AEMA se rige por un Consejo de Administración, compuesto por representantes de los gobiernos de sus 33 países miembro, la Comisión Europea y el Parlamento Europeo.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La AEMA fue legalmente establecida mediante un reglamento, el Reglamento (EEC) No. 1210/1990. Este reglamento ha sido objeto de varias modificaciones posteriores en 1999 y fue codificado (refundido en la tradición legislativa española) en 2009. Tras la creación legal de la Agencia, un grupo de expertos puso en marcha la misma, para convertirse en un órgano operativo en 1994, estableciendo su sede en la capital danesa, Copenhague, lugar en el cual todavía opera.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La Agencia cuenta con un Director Ejecutivo, actualmente Hans Bruyninckx, que fue nombrado para un periodo de 5 años que comenzó en julio de 2013, extendido posteriormente por otro periodo, concluyendo su mandato, definitivamente, en 2023 . El Sr. Bruyninckx sustituyó en su puesto a Jacqueline McGlade, que a su vez reemplazó a Domingo Jiménez-Beltrán.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La Agencia tiene en la actualidad 32 miembros de pleno derecho y 6 países colaboradores. La Agencia se asocia con sus países miembros y colaboradores en la denominada Red europea de información y observación del medio ambiente (Eionet). La Agencia actúa como coordinadora de la red, siendo responsable de igual forma de su desarrollo y sus actividades. La red Eionet se estructura mediante los denominados Puntos Focales Nacionales (PFN) y los Grupos de Eionet, que se centran en temas ambientales concretos. Los PFN y los Grupos de Eionet, constituyen una tupida red de contactos que involucran a cerca de 350 instituciones distintas.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La Agencia es, además, miembro activo de la Red de Agencias Europeas de Medio Ambiente, conocida como EPA Network.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: A partir de la década de 1970, los Estados miembros de la Unión Europea empezaron a coordinar sus iniciativas medioambientales, adaptando de forma creciente sus políticas, como resultado del reconocimiento de que los problemas como la contaminación atmosférica o del agua, exigen una actuación coodinada. Finalmente, el reglamento por el que se creó la AEMA fue adoptado por la Comunidad Europea (antecesora de la Unión Europea) en 1990, y entró en vigor en 1993, aunque hasta 1994 no se empezó a trabajar a pleno rendimiento.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: En 2020 la AEMA manifestó que la pandemia de enfermedad por coronavirus, que ha sumido a la Unión Europea en una crisis sin precedentes, tenga un impacto considerable “en los esquemas de producción y consumo, como por ejemplo la reducción de la demanda en materia de transporte, en concreto el tráfico aéreo internacional y los desplazamientos diarios de vehículos privados”. No obstante consideró que para comprender el alcance de los efectos se debe analizar los datos de distintos ámbitos después de la crisis, por lo que tiene previsto evaluar las interrelaciones de los datos y compartir los resultados de estos análisis en el momento oportuno. También ha recordado que la UE aspira a lograr la neutralidad climática a través de “una reducción gradual e irreversible de las emisiones y mediante el establecimiento de objetivos a largo plazo”.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: En este contexto, la propuesta relativa a la Ley Europea del Clima, elemento esencial del Pacto Verde Europeo, eleva las ambiciones de la UE en este ámbito, y prevé cómo se evaluarán periódicamente los avances hacia la neutralidad climática, basándose entre otros en los informes producidos la AEMA.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La AEMA tiene 32 miembros de pleno derecho y 5 países colaboradores. Los países de pleno derecho son lo 27 estados que conforman la Unión Europea así como Islandia, Noruega, Liechtenstein, Suiza y Turquía en virtud de un tratado especial. El reglamento constitutivo de la AEMA permite que su membresía se extienda más allá de aquella de la Unión Europea, siempre y cuando los países no pertenecientes a la UE compartan su preocupación por el medio ambiente.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La Red europea de información y observación del medio ambiente (Eionet) es una red entre la AEMA y sus países miembros y colaboradores. La Agencia tiene la responsabilidad de desarrollar esta red y coordinar sus actividades. Para ello, trabaja muy estrechamente con los Puntos Focales Nacionales (PFN), que suelen ser las agencias nacionales de medio ambiente o los ministerios de medio ambiente de los países miembros.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: Los Puntos Focales Nacionales son responsables de la coordinación de los Grupos de Eionet y, en conjunto, reúnen a cerca de 1000 expertos de más de 350 instituciones nacionales y otros órganos encargados de la información medioambiental.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: Aparte de estos Puntos Focales y Grupos, Eionet incluye en la actualidad ocho Centros Temáticos Europeos sobre:


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La AEMA está regida por un Consejo de Administración y por una Mesa del Consejo. Cuenta además con un Comité científico que actúa como órgano consultivo. El director ejecutivo responde ante el Consejo de administración de la ejecución de los programas y de la gestión cotidiana de la AEMA.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: El plan de trabajo de la AEMA se estructura alrededor de una Estrategia a 2030 y Programas plurianuales de 3 años.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: El Consejo de administración está compuesto por un representante de cada país miembro, dos representantes de la Comisión y dos personalidades científicas nombradas por el Parlamento Europeo. Entre sus cometidos está la aprobación del Programa de trabajo plurianual, de los programas de trabajo anuales y de los informes anuales, así como el nombramiento del Director ejecutivo y de los miembros del Comité científico.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La Mesa está formada por un Presidente, hasta cinco vicepresidentes, un representante de la Comisión y uno de los miembros designado por el Parlamento Europeo. Está facultada para tomar decisiones ejecutivas, necesarias para el funcionamiento eficaz de la Agencia en los periodos intermedios entre las reuniones del Consejo de administración.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: El director ejecutivo es el responsable ante el Consejo de administración de la ejecución de los programas y de la gestión cotidiana de la AEMA. La siguiente tabla incluye aquellas personas que han ocupado el cargo de Director ejecutivo desde la creación de la Agencia.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: Hans Bruyninckx es el director ejecutivo de la Agencia Europea de Medio Ambiente desde el 1 de junio de 2013. El Dr. Bruyninckx nació en Schote (Bélgica) en 1964, cursó estudios de grado y máster en ciencias políticas, dentro de la especialidad de relaciones internacionales, en la Universidad de Amberes y en la Universidad KU Leuven. Además, completó un programa adicional de estudios sobre el desarrollo en la Universidad Católica de Lovaina.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: El Equipo de Dirección consta del Director Ejecutivo y los Jefes de Programa, y se reúne regularmente para gestionar las actividades cotidianas de la AEMA.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: Todo el personal de la agencia debe respetar el "Código de buena conducta administrativa” en sus relaciones con el público, que se complementa con la Política de gestión y prevención de conflictos de interés y la Estrategia anti-fraude.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: El Comité científico asesora al Consejo de administración y al Director ejecutivo. Tiene tres funciones principales:


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La Agencia está estructurada en Programas, existiendo en la actualidad 8 programas cubriendo las siguientes áreas: Los Programas se estructuran a su vez en Grupos.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La Agencia Europea de Medio Ambiente tiene aproxamadamente 250 empleados enn 2022.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: La AEMA publica cada cinco años un informe sobre el estado y perspectivas del medio ambiente en Europa. El último informe de estas características se publicó en 2015.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: El primer informe de estas características, conocido como Informe Dobris y publicado en 1992, incluyó información relativa a 46 países, basándose principalmente en datos obtenidos hasta 1992. Recoge una evaluación del estado del medio ambiente europeo hasta entonces.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: El informe Dobris fue presentado en la tercera conferencia de ministros de medio ambiente del conjunto de los países europeos, que se celebró en Sofía durante el mes de octubre de 1995. En estas conferencias se pretendió establecer principios y políticas para la mejora del medio ambiente, a fin de aunar criterios al respecto y alcanzar en Europa un patrón de desarrollo más sostenible.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: El reglamento constitutivo de la Agencia codifica la obligación de la AEMA de realizar informes de estas características cada 5 años. "Artículo 2(h), Reglamento (CE) No. 401/2009""Para alcanzar el objetivo (...) realizará las siguientes funciones:" "(...) h) publicar cada cinco años un informe sobre la situación, las tendencias y las perspectivas del medio ambiente, acompañado de informes indicativos anuales sobre temas específicos." Desde la creación de la Agencia se han publicado informes en 1995, 1999, 2005, 2010 y 2015.


title: Agencia Europea de Medio Ambiente

text: El informe de 2015 pone de manifiesto que en la región Europea se han hecho avances importantes en la protección del medio ambiente pero, a la vez, importantes retos han de ser enfrentados.""En 2015, Europa se encuentra a medio camino entre el inicio de la política ambiental en los 70 y la visión de la UE para 2050 que afirma que "hemos de vivir bien pero dentro de los límites del Planeta. Bajo esta visión, se encuentra el reconocimiento de que la prosperidad económica de Europa y el bienestar están intrínsecamente relacionados con su medio natural"."Los informes sobre el Estado del Medio Ambiente en Europa, conocidos por SOER en sus siglas en inglés, tienen un importante impacto en los círculos de decisión europeos, tanto a nivel de la Unión como en los países que constituyen su membresía.


title: Banco Central Europeo

text: El Banco Central Europeo (BCE) es el banco central de los países de la Unión Europea que tienen el euro como moneda. Conforma, junto con los bancos centrales de los demás estados de la UE ajenos a la eurozona, el Sistema Europeo de Bancos Centrales. El Banco Central Europeo se creó en junio de 1998 como órgano encargado de la gestión de la política monetaria de la Unión. Tiene su sede en Fráncfort del Meno (Alemania) y está presidido por Christine Lagarde. En la actualidad se encuentra regulado en los artículos 282 a 284 del TFUE. No fue hasta el año 2009 con el Tratado de Lisboa cuando adquirió la condición de Institución de la Unión Europea.


title: Banco Central Europeo

text: El objetivo del Banco Central Europeo es la estabilidad de precios en la zona euro, definida por el Consejo de Gobierno como una inflación (índice de precios al consumo armonizado) cercana, pero inferior, al 2 %. A diferencia de otros organismos como, por ejemplo, la Reserva Federal de los Estados Unidos, el BCE no tiene objetivos tales como el crecimiento económico o el pleno empleo.


title: Banco Central Europeo

text: Las principales tareas del Banco Central Europeo son definir y ejecutar la política monetaria de la zona euro, dirigir las operaciones de cambio de divisas, cuidar de las reservas internacionales del Sistema Europeo de Bancos Centrales y promover el buen funcionamiento de la infraestructura del mercado financiero. Además, tiene el derecho exclusivo de autorizar la emisión de billetes de euro. Los estados miembros pueden emitir monedas de euro, pero la cantidad debe ser autorizada de antemano por el BCE.


title: Banco Central Europeo

text: El Banco Central Europeo también debe cooperar en la Unión Europea y a nivel internacional con organismos y entidades de terceras partes. Por último, contribuye a mantener un sistema financiero estable y a la vigilancia del sector bancario. Esto se pudo observar, por ejemplo, en la intervención del BCE durante la crisis crediticia de 2007, en la que se prestó millones de euros a los bancos para estabilizar el sistema financiero.


title: Banco Central Europeo

text: Aunque el Banco Central Europeo se rige directamente por la legislación de la Unión Europea de rango superior a la legislación mercantil aplicable a las empresas privadas, su puesta en marcha se asemejó a la de una sociedad anónima en el sentido de que el BCE tiene acciones y capital social. Su capital actual es de 10 760 millones de euros, que está en manos de los bancos centrales de los Estados miembros que actúan como accionistas, aunque inicialmente contaba con 5760 millones. La clave (distribución) de la asignación de capital inicial se determinó en 1998 basada en la población de los estados y el PIB, pero esa clave es regulable y ha sido modificada en seis ocasiones. Las acciones del BCE no son transferibles y no pueden utilizarse como garantía.


title: Banco Central Europeo

text: La sede del Banco Central Europeo se encuentra en Fráncfort del Meno, el centro financiero más grande de la zona euro (aunque no de la Unión Europea), y su ubicación en esa ciudad se fijó en el Tratado de Ámsterdam junto con la de otras importantes instituciones y agencias comunitarias. En concreto, el banco ocupó inicialmente como sede física la conocida como Eurotower, hasta que se trasladó a su sede propia en 2015.


title: Banco Central Europeo

text: El Banco Central Europeo es el sucesor de facto del Instituto Monetario Europeo, institución que fue creada al comienzo de la segunda fase o etapa de la Unión Económica y Monetaria de la Unión Europea para manejar los problemas de transición a la nueva moneda por parte de los países que iban a adoptar el euro y para preparar la creación del propio BCE y del Sistema Europeo de Bancos Centrales.


title: Banco Central Europeo

text: El 2 de mayo de 1998, el Consejo Europeo, en su composición de Jefes de Estado y de Gobierno, decidió por unanimidad que once Estados miembros (Bélgica, Alemania, Francia, Irlanda, Italia, España, Luxemburgo, los Países Bajos, Austria, Portugal y Finlandia) cumplían las condiciones necesarias para la adopción de la moneda única, que se llevaría a cabo el 1 de enero de 1999. Dichos países participarían, por tanto, en la tercera fase de la Unión Económica y Monetaria Europea (UEM). Los Jefes de Estado o de Gobierno llegaron asimismo a un acuerdo político con relación a las personas que habrían de recomendarse como miembros del Comité Ejecutivo del BCE. Dos países, aunque pudieron adoptar el Euro como moneda, por referéndum popular, no se incorporaron a la zona Euro: Reino Unido y Dinamarca.


title: Banco Central Europeo

text: Al mismo tiempo, los ministros de Economía de los Estados miembros que han adoptado la moneda única acordaron, junto con los gobernadores de los bancos centrales nacionales de dichos países, la Comisión Europea y el Instituto Monetario Europeo (IME), que los tipos de cambio centrales bilaterales del Sistema Monetario Europeo (SME) de las monedas de los Estados miembros participantes serían utilizados para determinar los tipos de conversión irrevocable del euro.


title: Banco Central Europeo

text: El Instituto Monetario Europeo fue sustituido formalmente por el BCE el 1 de junio de 1998 en virtud del Tratado de la Unión Europea (también denominado Tratado de Maastricht, por la ciudad en la que fue firmado), sin embargo, no hizo uso de sus plenos poderes hasta la introducción del euro el 1 de enero de 1999, dando comienzo a la tercera fase de la UEM. El Banco Central Europeo era la institución final necesaria para esta unión monetaria, tal como se indicó en los informes de la propia UEM, de Pierre Werner y del expresidente de la Comisión Europea Jacques Delors.


title: Banco Central Europeo

text: El primer presidente del BCE fue Wim Duisenberg, que había sido presidente del Banco de los Países Bajos, ministro de Finanzas de dicho país y presidente del Instituto Monetario Europeo. A pesar de esto, el gobierno francés prefería para este cargo a Jean-Claude Trichet, que era gobernador del Banco de Francia; y que finalmente le acabaría sucediendo.


title: Banco Central Europeo

text: También hubo disputas sobre la dirección ejecutiva del BCE ya que el Reino Unido exigió formar parte de ella a pesar de su negativa a unirse a la eurozona y no adoptar el euro. Bajo la presión de Francia, tres puestos en la dirección fueron asignados a los miembros más grandes (Francia, Alemania e Italia), y España reclamó un cargo que acabó consiguiendo. A pesar de este sistema de nombramiento que podría parecer sujeto a las directrices de los estados miembros, la dirección afirmó su independencia desde el principio con su resistencia a las convocatorias de las tasas de interés y futuros candidatos a la misma por parte de los gobiernos.


title: Banco Central Europeo

text: En el momento de la creación del Banco Central Europeo, la zona euro estaba formada por once miembros, a los que se sumaron Grecia en enero de 2001, Eslovenia en enero de 2007, Chipre y Malta en enero de 2008, Eslovaquia en enero de 2009, Estonia en enero de 2011, Letonia en enero de 2014 y Lituania en enero de 2015, ampliando así el alcance del banco y el número de miembros de su consejo de administración.


title: Banco Central Europeo

text: Con la entrada en vigor, el 1 de diciembre de 2009 del Tratado de Lisboa, el Banco Central Europeo obtuvo la condición de institución de la Unión Europea.


title: Banco Central Europeo

text: El objetivo principal del Banco Central Europeo es mantener la estabilidad de precios en la zona euro, es decir, mantener la inflación en niveles bajos con objeto de salvaguardar el valor del euro. El Consejo de Gobierno define la estabilidad de precios como una inflación (medida como Índice de Precios de Consumo Armonizado) de alrededor del 2%. A diferencia de otros organismos como, por ejemplo, la Reserva Federal de los Estados Unidos, el BCE solo tiene ese objetivo principal, con otros objetivos subordinados a él.