title: Ellsworth Kelly

text: También coincidió con Carmen Herrera, Haywood Bill Rivers, Zao Wou-Ki, Wols, Van Velde, Poliakoff, Maria Helena Viera da Silva y los españoles Palazuelo, Canogar y Sempere. La experiencia de artistas visitantes como Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti y Georges Vantongerloo en sus estudios fue transformadora.


title: Ellsworth Kelly

text: Después de estar en el extranjero durante seis años, el francés de Kelly todavía era pobre y solo había vendido una pintura. En 1953 fue expulsado de su estudio y regresó a América al año siguiente. Después de leer una reseña de una exhibición de Ad Reinhardt, un artista cuyo trabajo sentía relacionado con su trabajo, se había interesado en él. A su regreso a Nueva York, encontró que el mundo del arte era "muy difícil". Aunque Kelly ahora se considera un innovador esencial y un contribuyente al movimiento artístico estadounidense, para muchos fue difícil encontrar la conexión entre el arte de Kelly y las tendencias estilísticas dominantes.


title: Ellsworth Kelly

text: En mayo de 1956, Kelly tuvo su primera exposición en Nueva York en la galería de Betty Parsons. Su arte era considerado más europeo de lo que era popular en Nueva York en ese momento. Expuso nuevamente en su galería en el otoño de 1957. Tres de sus piezas: "Atlantic, Bar y Painting in Three Panels", fueron seleccionadas y mostradas en la exhibición del Museo Whitney de Arte Norteamericano, ""Young America 1957"". Sus piezas fueron consideradas radicalmente diferentes de las otras veintinueve obras de artistas. La pintura en tres paneles, por ejemplo, fue particularmente destacada; en ese momento, los críticos lo cuestionaron al crear una obra a partir de tres lienzos. Por ejemplo, Michael Plante ha dicho que, en la mayoría de los casos, las piezas de paneles múltiples de Kelly estaban apretadas debido a las restricciones de instalación, lo que redujo la interacción entre las piezas y la arquitectura de la sala.


title: Ellsworth Kelly

text: Finalmente, Kelly se mudó de Coenties Slip, donde a veces compartía un estudio con su amiga artista Agnes Martin, en el noveno piso del gran estudio / cooperativa Hotel des Artistes en 27 West 67th Street.


title: Ellsworth Kelly

text: Kelly dejó la ciudad de Nueva York para dirigirse a Spencertown en 1970 y su compañero, el fotógrafo Jack Shear, se unió a él allí en 1984. Desde 2001 hasta su muerte, Kelly trabajó en un estudio de 20.000 pies cuadrados en Spencertown reconfigurado y ampliado por el arquitecto Richard Gluckman. Kelly y Shear se mudaron en 2005 a la residencia que compartieron hasta la muerte del pintor, una casa colonial revestida de madera construida alrededor de 1815. Shear es el director de la Fundación Ellsworth Kelly.


title: Ellsworth Kelly

text: En 2014, Kelly organizó una exhibición de dibujos de Matisse en el Mount Holyoke College Art Museum en South Hadley, Massachusetts. En 2015 fue el comisario de la exposición ""Monet / Kelly"" en el Clark Art Institute.


title: Ellsworth Kelly

text: Kelly murió en Spencertown, Nueva York el 27 de diciembre de 2015, a los 92 años.


title: Ellsworth Kelly

text: Mientras estuvo en París, Kelly continuó pintando la figura, pero en mayo de 1949 realizó sus primeras pinturas abstractas. Al observar cómo se dispersaba la luz en la superficie del agua, pintó "Seine" (1950), hecho de rectángulos blancos y negros dispuestos al azar. En 1951 comenzó una serie de ocho collages titulados "Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII". Los creó utilizando hojas de papel numeradas; cada uno referido a un color, uno de dieciocho tonos diferentes que colocará en una cuadrícula de 40 pulgadas por 40 pulgadas. En cada uno de los ocho collages empleó un proceso diferente.


title: Ellsworth Kelly

text: Muchas de sus pinturas de la década de 1950 consisten simplemente en una única mancha abstracta y muy definida de un color brillante sobre fondo neutro. El descubrimiento de Kelly en 1952 del trabajo tardío de Monet le infundió una nueva libertad de expresión pictórica: comenzó a trabajar en formatos extremadamente grandes y exploró los conceptos de serialidad y pinturas monocromáticas. Como pintor trabajó desde entonces en un modo exclusivamente abstracto. A fines de la década de 1950, su pintura destacaba la forma y las masas planas (a menudo asumiendo formatos no rectilíneos). Su trabajo de este período también proporcionó un puente útil desde la vanguardia de la abstracción geométrica estadounidense de los años 1930 y principios de los 40 hasta el minimalismo y el arte reductivo de mediados de los 60 y 70. La pintura en relieve de Kelly, "Blue Tablet" (1962), por ejemplo, se incluyó en la exposición seminal de 1963, "Hacia una nueva abstracción", en el Museo Judío.


title: Ellsworth Kelly

text: Durante la década de 1960 comenzó a trabajar con lienzos de ángulo irregular y realizó algunas obras que se hallan entre las primeras de formato irregular, en las que el lienzo se extiende sobre un marco tridimensional para crear la forma deseada. "Yellow Piece" (1966), el primer lienzo con forma del artista, representa la ruptura fundamental de Kelly con el soporte rectangular y su redefinición de la relación figura / fondo de la pintura. Con sus esquinas curvas y un color único que lo abarca todo, el lienzo en sí mismo se convierte en la composición, transformando el muro detrás de él en el fondo de la imagen.


title: Ellsworth Kelly

text: En la década de 1970, añadió formas curvas a su repertorio. "Green White" (1968) marca el debut del triángulo en la obra de Kelly, una forma que es recurrente a lo largo de su carrera; la pintura se compone de dos lienzos monocromáticos con formas distintas, que se instalan uno encima del otro: un trapecio verde a gran escala invertido se coloca verticalmente sobre un triángulo blanco más pequeño, formando una nueva composición geométrica.


title: Ellsworth Kelly

text: Después de dejar la ciudad de Nueva York para dirigirse a Spencertown en 1970, alquiló un antiguo teatro en la cercana ciudad de Chatham, lo que le permitió trabajar en un estudio más espacioso que el que había ocupado anteriormente. Después de trabajar allí durante un año, Kelly se embarcó en una serie de 14 pinturas que se convertirían en la "Serie Chatham". Cada obra toma la forma de una ele invertida, y está hecha de dos lienzos unidos, cada lienzo es un monocromo de un color diferente. Las obras varían en proporción y paleta de una a otra y prestó cuidadosa atención al tamaño de cada panel y al color seleccionado para lograr el equilibrio y el contraste entre los dos.


title: Ellsworth Kelly

text: Una serie más grande de doce obras que Kelly comenzó en 1972 y no se completó hasta 1983, "Gray" se concibió originalmente como una declaración contra la guerra y está desprovista de color. En 1979 usó curvas en pinturas de dos colores hechas de paneles separados.


title: Ellsworth Kelly

text: En pinturas posteriores, Kelly destiló su paleta e introdujo nuevas formas. En cada trabajo, comenzó con un lienzo rectangular que pintó cuidadosamente con muchas capas de pintura blanca; y un lienzo con forma, en su mayoría pintado de negro, se coloca en la parte superior.


title: Ellsworth Kelly

text: En referencia a su propio trabajo, Kelly dijo en una entrevista en 1996: "Creo que lo que todos queremos del arte es una sensación de fijeza, una sensación de oposición al caos de la vida cotidiana. Esto es una ilusión, por supuesto, pero sigues intentando congelar el mundo como si pudieras hacer que dure para siempre. En cierto sentido, lo que he intentado capturar es la realidad del flujo, para mantener el arte en una situación abierta e incompleta, para llegar al éxtasis de ver."


title: Ellsworth Kelly

text: Kelly comentó: "Me di cuenta de que no quería componer fotografías ... Quería encontrarlas. Sentí que mi visión era elegir cosas en el mundo y presentarlas. Para mí, la investigación de la percepción era de gran interés. Ahí estaba. había mucho que ver, y todo me parecía fantástico".


title: Ellsworth Kelly

text: Las obras más conocidas de su último periodo son sus paneles pintados, que consisten en la unión de varios lienzos que en alguna ocasión han llegado a 64; cada lienzo está pintado de un color intenso y diferente, que crea un todo vibrante de cuidado equilibrio.


title: Ellsworth Kelly

text: Kelly presentó dibujos de plantas y flores a partir de finales de la década de 1940. "Ailanthus" (1948) es el primer dibujo de una planta que ejecutó en Boston, "Hyacinth" (1949) fue el primero que hizo cuando estaba en París. A partir de 1949, mientras vivía en París (e influenciado en esta elección de tema por Henri Matisse y Jean Arp), comenzó a dibujar formas simples de plantas y algas marinas. Los estudios de plantas son, en su mayor parte, dibujos de contorno de hojas, tallos y flores hechos con trazos limpios de lápiz o bolígrafo y centrados en la página.


title: Ellsworth Kelly

text: Emprendió la producción de grabados a mediados de la década de 1960, cuando produjo su "Suite" de veintisiete litografías (1964–66) con Maeght Éditeur en París. Fue entonces cuando creó su primer grupo de litografías de plantas. A partir de 1970, colaboró principalmente con Gemini G.E.L .. Su serie inicial de 28 litografías de transferencia, titulada "Suite of Plant Lithographs", marcó el comienzo de un corpus que crecería hasta 72 impresiones e innumerables dibujos de follajes.


title: Ellsworth Kelly

text: En 1971, completó cuatro ediciones de grabados y una edición del múltiple "Concorde" "reflejado" en Gemini G.E.L. Su "Púrpura / rojo / gris / naranja" (1988), con dieciocho pies de largo, puede ser la litografía de una sola hoja más grande jamás realizada. Sus recientes ediciones, "The River, States of the River y River II", reflejan la fascinación por el agua que Kelly poseía desde sus primeros días en París. En 1975, Kelly fue el primer artista en exhibir para la serie MATRIX del Museo de Arte del Wadsworth Atheneum. La exhibición mostró la serie de dibujos de Kelly, "Corn Stalk" y dos de sus esculturas de acero de 1974.


title: Ellsworth Kelly

text: Aunque Kelly es mejor conocido por sus pinturas, también trabajó en escultura a lo largo de su carrera. En 1958, Kelly concibió una de sus primeras esculturas de madera, "Concorde Relief I" (1958), un relieve de pared en olmo a escala modesta, que explora el juego visual y el equilibrio entre dos formas rectangulares superpuestas. Realizó 30 esculturas en madera a lo largo de su carrera. A partir de 1959, creó esculturas plegadas independientes. La serie Rocker comenzó en 1959 después de la conversación casual de Kelly con Agnes Martin, quien vivía debajo de él en Coenties Slip en el Bajo Manhattan. Jugando con la tapa de papel de una taza de café para llevar, Kelly cortó y dobló una sección del objeto redondo, que luego puso sobre la mesa y se balanceó de un lado a otro. Poco después, construyó su primera escultura "Pony". El título se refiere al caballo de juguete de un niño con soportes oscilantes curvados.


title: Ellsworth Kelly

text: En 1973, Kelly comenzó a hacer regularmente esculturas al aire libre a gran escala. Kelly abandonó las superficies pintadas, en lugar de eso eligió acero sin barnizar, aluminio o bronce, a menudo en configuraciones similares a tótems como "Curve XXIII" (1981). Mientras que las formas totémicas de sus esculturas independientes pueden medir hasta 15 pies de altura, sus relieves de pared pueden abarcar más de 14 pies de ancho. La escultura de Kelly "se basa en su adhesión a la simplicidad absoluta y la claridad de la forma".


title: Ellsworth Kelly

text: En los años 80, durante este período de su tiempo en Spencertown, el artista dedicó por primera vez tanta energía a sus esculturas como a sus pinturas, y en el proceso acabóproduciendo más del sesenta por ciento de sus 140 esculturas en total.


title: Ellsworth Kelly

text: Kelly creó sus piezas usando una sucesión de ideas en varias formas. Podría haber comenzado con un dibujo, mejorado el dibujo para crear una impresión, haber tomado la impresión y creado una pieza independiente, que luego se convirtió en una escultura. Sus esculturas están destinadas a ser completamente simples y se pueden ver rápidamente, a menudo solo con una mirada. El espectador observa superficies lisas y planas que están aisladas del espacio que las rodea. Esta sensación de simplicidad y minimalismo hace que sea difícil distinguir la diferencia entre el primer plano y el fondo. "Blue Disc" se incluyó en la exposición seminal de 1966 en el Museo Judío de Nueva York, titulada "Primeras estructuras", junto a otros artistas mucho más jóvenes que empezaron a trabajar con formas mínimas.


title: Ellsworth Kelly

text: William Rubin señaló que "el desarrollo de Kelly había sido dirigido de manera resuelta hacia el interior: ni era una reacción al expresionismo abstracto ni el resultado de un diálogo con sus contemporáneos". Muchas de sus pinturas consisten en un solo color (generalmente brillante), con algunos lienzos que son de forma irregular, a veces llamados "lienzos con forma". La calidad de la línea vista en sus pinturas y en la forma de sus lienzos con formas es muy sutil e implica perfección. Esto se demuestra en su artículo "Block Island Study" (1959).


title: Ellsworth Kelly

text: La experiencia de Kelly en el ejército ha sido sugerida como una fuente de la seriedad de sus trabajos. Mientras estuvo en el ejército, Kelly estuvo expuesta e influido por el camuflaje con el que trabajó su batallón específico. Esto le enseñó mucho sobre el uso de la forma y la sombra, así como la construcción y deconstrucción de lo visible. Fue fundamental para su educación temprana como artista. Ralph Coburn, un amigo de Kelly de Boston, le presentó la técnica del dibujo automático durante su visita a París. Kelly abrazó esta técnica de hacer una imagen sin mirar la hoja de papel. Estas técnicas ayudaron a Kelly a aflojar su estilo de dibujo y ampliaron su aceptación de lo que él creía que era arte. Durante su último año en París, Kelly estuvo enfermo y también sufrió depresión; Sims pensó que eso influyó en su uso predominante del blanco y negro durante ese período.


title: Ellsworth Kelly

text: La admiración de Kelly por Henri Matisse y Pablo Picasso es evidente en su trabajo. Se entrenó para ver las cosas de varias maneras y trabajar en diferentes medios debido a su inspiración. Piet Mondrian influyó en las formas no objetivas que usó tanto en sus pinturas como en sus esculturas. Kelly fue influenciado por primera vez por el arte y la arquitectura de las épocas románica y bizantina mientras estudiaba en París. Su introducción al surrealismo y al neoplasticismo influyó en su trabajo y lo llevó a probar la abstracción de formas geométricas.


title: Ellsworth Kelly

text: En 1957, el Museo Whitney de Arte Americano compró una pintura, "Atlantic", que mostraba dos arcos blancos en forma de ola contra negro sólido; fue la primera compra del museo de la obra de Kelly. Hoy en día, su obra se encuentra en muchas colecciones públicas, incluidas las del Centro Pompidou, París, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, el Gobernador Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection, Albany, NY y la Tate Modern, Londres. En 1999, el Museo de Arte Moderno de San Francisco anunció que había comprado 22 obras, pinturas, relieves y esculturas, de Ellsworth Kelly. Han sido valorados en más de 20 millones de dólares. En 2003, la Colección Menil recibió la obra de Kelly "Tablet", 188 trabajos enmarcados en papel, incluidos bocetos, dibujos preparatorios y collages. Entre los coleccionistas privados notables se incluyen, entre otros, Eli Broad y Gwyneth Paltrow.


title: Ellsworth Kelly

text: Barcelona alberga algunas esculturas de Kelly. En el año 1987 se instaló un monolito de Kelly en la rampa de acceso al Parque de la Creueta del Coll. La base de la pieza de acero corten, denominada Tótem, resulta más pequeña que la parte superior. En el mismo año, en el barrio barcelonés de la Sagrera, se acondicionaron la plaza del General Moragues junto al puente de Bac de Roda con dos piezas de Kelly: un monolito y un diedro. El monolito, de 15 m de altura y de acero inoxidable, destaca por sus líneas verticales con una ligera curva mientras que el diedro de acero cotten tiene forma de aleta.Kelly también recibió numerosos títulos honoríficos, entre otros del Bard College (1996), Annandale-on-Hudson, Nueva York; [65] el Royal College of Art, Londres (1997); la Harvard University, Cambridge (2003); y el Williams College (2005).


title: Ellsworth Kelly

text: La marchante Betty Parsons le ofreció por primera vez una exposición individual en 1956. En 1965, después de casi una década con Parsons, comenzó a exponer con la Galería Sidney Janis. En los años 70 y 80, su trabajo fue manejado conjuntamente por Leo Castelli y Blum Helman en Nueva York. En 1992, se unió a la Galería Matthew Marks, de Nueva York y Los Ángeles, y a la Galería Anthony d'Offay en Londres. La fachada de la galería de Los Ángeles de Marks se inspiró en el "Study for Black and White Panels", un collage que hizo mientras vivía en París en 1954, y una pintura, "Black Over White". [67] Desde 1964 produjo grabados y esculturas en Gemini G.E.L. en Los Ángeles y Tyler Graphics Ltd cerca de la ciudad de Nueva York.


title: Ellsworth Kelly

text: En 2014, la pintura de "Red Curve" (1982) se vendió en una subasta por 4,5 millones de dólares en Christie's, Nueva York. El récord de subasta para una obra de Ellsworth Kelly fue establecido por la pintura de 13 partes "Spectrum VI" (1969), que se vendió por 5,2 millones de dólares en Sotheby's, New York, el 14 de noviembre de 2007.


title: Willem de Kooning

text: Willem de Kooning (Róterdam, 24 de abril de 1904-Long Island, 19 de marzo de 1997) fue un pintor neerlandés nacionalizado estadounidense, exponente en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, de la action painting o pintura gestual, pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still; más tarde, de Kooning experimentó con nuevos movimientos artísticos como la escultura y la performance.


title: Willem de Kooning

text: Los padres del pintor, Leendert de Kooning y Cornelia Nobel, se divorciaron cuando tenía unos cinco años de edad, y fue criado por su madre y un padrastro. En 1916 entró como aprendiz en una firma de artistas y decoradores comerciales, y, por la misma época, asistió a clases nocturnas en la Academia de Róterdam de Bellas Artes, donde estudió durante ocho años. En 1920 entró a trabajar con el director artístico de unos grandes almacenes. En 1926 emigró clandestinamente a los Estados Unidos, en el barco británico SS "Shelly", hasta Newport, Virginia. De ahí fue hasta Boston, de Boston a Rhode Island y de allí, en barco, a Nueva Jersey.


title: Willem de Kooning

text: Al final se estableció en Hoboken, Nueva Jersey, donde se ganó la vida como pintor de casas. En 1927 se trasladó a un estudio en Manhattan y se vio influido por el artista y crítico John D. Graham y el pintor Arshile Gorky. Gorky fue uno de sus amigos íntimos.


title: Willem de Kooning

text: Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de París y mexicanas. A principios de los años treinta estaba explorando la abstracción, usando formas biomorfas y simples composiciones geométricas, una oposición de elementos formales dispares que prevalece en su trabajo a lo largo de su carrera. Estas primeras obras tienen gran afinidad con las de sus amigos Graham y Gorky y reflejan el impacto que en estos jóvenes artistas tuvieron los españoles Pablo Picasso y Joan Miró, ambos habían conseguido composiciones poderosamente expresivas a través de formas biomórficas.


title: Willem de Kooning

text: En octubre de 1935 de Kooning empezó a trabajar para la Works Progress Administration, un nuevo proyecto de arte del gobierno federal. Fue contratado por este programa hasta julio de 1937, cuando se despidió al igual que su compañero Santiago Martínez Delgado, debido a su estatuto de extranjero. Este período de unos dos años le dio al artista, que se había mantenido a lo largo de la Gran Depresión gracias a trabajos comerciales, la primera oportunidad de dedicarse plenamente al trabajo creativo. Varios murales que diseñó nunca se realizaron.


title: Willem de Kooning

text: En 1938, probablemente por influencia de Gorky, de Kooning se embarcó en una serie de figuras masculinas, incluyendo "Two Men Standing", "Man", y "Seated Figure" (Classic Male), al tiempo que simultáneamente hacía una serie más purista de abstracciones líricamente coloreadas, tales como "Pink Landscape" y "Elegy".


title: Willem de Kooning

text: En 1938 conoció a Elaine Marie Fried, luego famosa como Elaine de Kooning, con quien se casó en 1943 y que fue también una artista significativa.


title: Willem de Kooning

text: Durante los años 1940 se fue identificando cada vez más con el expresionista abstracto, movimiento del que se convirtió en uno de sus líderes a mediados de los años 1950. Conforme evolucionaba su trabajo, los colores intensos y las líneas elegantes de las abstracciones comenzaron a volverse trabajos más figurativos, y la coincidencia de figuras y abstracciones continuaron hasta bien entrados los cuarenta.


title: Willem de Kooning

text: Este período incluye las representaciones bastante geométricas de "Woman" y"Standing Man", junto a numerosas abstracciones sin título cuyas formas biomórficas cada vez sugerían más la presencia de figuras, desarrollando un tipo de representación semifigurativa-semiabstracta.


title: Willem de Kooning

text: Alrededor de 1945 las dos tendencias parecieron fusionarse perfectamente en "Pink Angels". En 1946, demasiado pobre para comprar pigmentos de artista, se volvió al blanco y negro en mezclas caseras para pintar una serie de grandes abstracciones; de estas obras, "Light in August" (c. 1946) y "Black Friday" (1948) son esencialmente negras con elementos blancos, mientras que "Zurich" (1947) y "Mailbox" (1947/48) son blancas con negro. Realizó su primera exposición individual, que consistía en composiciones en blanco y negro, en la Charles Egan Gallery de Nueva York en 1948.


title: Willem de Kooning

text: A partir de entonces se convirtió en una figura sobresaliente de la vanguardia artística. Su trabajo se orienta hacia las abstracciones complejas, agitadas, tales como "Asheville" (1948/49), "Attic" (1949), y "Excavation" (1950; Art Institute, Chicago), que reintrodujeron el color y parecían resumir con firme decisión los problemas de composición por libre asociación con la que había luchado durante años.


title: Willem de Kooning

text: Dio clases en los cursos de verano del Black Mountain College de Carolina del Norte con John Cage, Buckminster Fuller y Josef Albers, y en la Escuela de Yale de Arte en 1950/51. Viajó a Roma y San Francisco.


title: Willem de Kooning

text: De Kooning había pintado mujeres con regularidad a principios de los años cuarenta, y de nuevo entre 1947 y 1949. Los formas biomórficas de sus primeras abstracciones pueden interpretarse como símbolos femeninos. Pero no fue hasta 1950 que empezó a explorar el tema de las mujeres de forma exclusiva. Es la época de su mayor creatividad artística. En verano de ese año comienza la que sería su serie más célebre, cuyo tema eran las mujeres. Comenzó con "Woman I (Mujer I)" (Museo de Arte Moderno de Nueva York), que pasó por innumerables metamorfosis antes de que fuera terminado en 1952. En el mismo museo se encuentra "Woman II" (1952).


title: Willem de Kooning

text: Concebía el arte como "acción unida a la energía y al movimiento corporal" (Christa von Lengerke), como algo en lo que se trabaja con una intensa concentración dirigida exclusivamente al acto creativo sin predeterminarse su resultado. Kooning empleaba pinceladas mordaces y violentas, con espesas capas de óleo. Esta "action painting" produce una pintura abstracta y vigorosa, de gran densidad y muy intensos desde el punto de vista cromático. Hacía una pintura "representativa y gestual a la vez, algo parecida, salvando las distancias, a la del español Antonio Saura", según Juan Antonio Ramírez.


title: Willem de Kooning

text: Las distintas pinturas de mujeres se mostraron en la galería neoyorquina de Sidney Janis en 1953 y causaron sensación por su descarnada técnica y porque eran figurativas cuando la mayor parte de sus compañeros expresionistas estaban pintando abstracciones. Las composiciones son planas, impetuosas, reflejando una figura degradada de mujer. El pigmento, aplicado salvajemente, y el uso de colores que parecían vomitados sobre el cuadro se combinaban para revelar una mujer que reflejaba demasiado bien algunos de los más extendidos miedos sexuales del hombre moderno. Amplias sonrisas, dientes brillantes, pechos desmesurados más grandes que las cabezas, y bamboleantes, grandes ojos vacíos, muslos opulentos, parecen representar las más oscuras percepciones freudianas. Se trataría de "una representación simbólica de la mujer como madre nutricia, depredadora y abusiva, una mujer de boca inmensa y mirada implacable, imagen fantasmagórica de la mujer devoradora de hombres" (Carrassat-Marcadé).


title: Willem de Kooning

text: También mostró algunas pinturas que parecían volver a las obras primitivas mesopotámicas y acádicas, con los ojos enormes, casi "que lo ven todo".


title: Willem de Kooning

text: Durante más de diez años, de Kooning se dedicó a pintar a este tipo de mujer, una exagerada caricatura, "un travestido del concepto de feminidad idealizado por los medios y los clichés" (Lengerke). Las pinturas "Woman" de la II hasta la VI (1952-53) son todas variaciones sobre el mismo tema, así como "Woman and Bicycle" (1953; Whitney Museum of American Art, Nueva York) y "Two Women in the Country" (1954). La deliberada vulgaridad de estas pinturas recuerda a la serie "Corps de Dame" (1950), del pintor francés Jean Dubuffet, no menos cruda, en la que lo femenino, formado por una rica topografía de colores terrosos, se relacionan más directamente con símbolos universales.


title: Willem de Kooning

text: En 1955, no obstante, de Kooning parece haber vuelto a este aspecto simbólico de la mujer, como sugiere el título de su "Woman as Landscape", en que la figura vertical parece casi absorbida por el paisaje abstracto. Siguieron luego una serie de paisajes tales como "Police Gazette, Gotham News, Backyard on Tenth Street, Parc Rosenberg, Suburb in Havana, Door to the River", y "Rosy-Fingered Dawn at Louse Point", que muestra una evolución desde la complejidad colorista a una simplicitad pictórica.


title: Willem de Kooning

text: Sobre 1963, el año que se instaló de forma permanente en un estudio de Springs, Long Island, de Kooning volvió a representar mujeres en pinturas como "Pastorale" y "Clam Diggers". Reexploró el tema a mediados de los años sesenta en pinturas que fueron controvertidas como sus tempranas mujeres. En estas obras, que se han interpretado como ataques satíricos a la anatomía femenina, de Kooning pintó con extravagante lubricidad.


title: Willem de Kooning

text: Vuelve cierto lirismo con sus últimas obras, tales como "Whose Name Was Writ in Water" y "Untitled III"; en ellas brillas las luces y los reflejos en el agua. A partir de 1970, inducido por Henry Moore, comienza a realizar grandes esculturas. Durante sus últimos años se inclinó cada vez más por la realización de esculturas de barro.


title: Willem de Kooning

text: El 14 de septiembre de 1964 el presidente Lyndon Johnson le concedió la Medalla Presidencial de la Libertad, en 1984 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann y en 1986 fue galardonado con la medalla de las Artes del congreso estadounidense.


title: Willem de Kooning

text: Se le diagnosticó Alzheimer en los años 1980 y un tribunal lo declaró incapaz de administrar su patrimonio, por lo que quedó bajo la tutela de su hija desde 1989. Como el estilo de su últimas obras era muy distinto, la cotización de las antiguas ascendió vertiginosamente; en las subastas de Sotheby's "Pink Lady" (1944) alcanzó 3,6 millones de dólares en 1987 y "Interchanged" (1955, también llamado "Interchange") 20,6 millones en 1989 (este último lo adquirió el coleccionista japonés Shigeki Kameyama). Su esposa Elaine murió de cáncer de pulmón a los setenta años, en 1989. El 19 de marzo de 1997 falleció en su casa-estudio de Long Island, lugar que le recordaba la luz de su Holanda natal.


title: Willem de Kooning

text: Se ha debatido mucho sobre la relevancia y significado de sus últimas pinturas, que se hicieron claras, casi gráficas, aunque seguían aludiendo a las líneas biomorfas de sus primeras obras. Algunos dicen que su estado mental e intentos de recuperarse de una vida de alcoholismo lo habían incapacitado para consumar la maestría que apuntaban sus obras tempranas, mientras que otros ven en sus últimas obras el precedente de los pintores de los años 1990 de líneas claras, y con una relación directa con artistas contemporáneos tales como Brice Marden. Otros que conocieron a de Kooning personalmente señalan que sus últimas pinturas se las quitaron y las vendieron antes de que pudiera acabarlas.


title: Willem de Kooning

text: Willem de Kooning tuvo la posibilidad inédita de ser el mejor pintor cotizado en vida. Transformó radicalmente el arte norteamericano después dela Segunda Guerra Mundial y contribuyó a crear a Nueva York como el epicentro de las vanguardias artísticas del siglo XX.


title: Willem de Kooning

text: Mark Stevens y Annalyn Swan escribieron la primera biografía del artista, "de Kooning: An American Master", por la que la pareja recibió el Premio Pulitzer de biografía; el libro lo publicó Knopf a finales de 2004.


title: Willem de Kooning

text: Willem de Kooning ha inspirado a la banda galesa Manic Street Preachers tres canciones: "Interiors (Song for Willem de Kooning)", "His Last Painting" (sobre su batalla con el Alzheimer), y la canción "Door to the River" (que recibe su título de una pintura).


title: Willem de Kooning

text: En el largometraje de 2000 Pollock fue interpretado por Val Kilmer.


title: Willem de Kooning

text: El precio de sus obras, mientras tanto, ha continuado en ascenso. El récord lo tiene, de momento, "Interchanged" (1955), por el que el gestor de fondos estadounidense Kenneth Griffin pagó en febrero de 2016 unos 300 millones de dólares. El magnate ha cedido al Instituto de Arte de Chicago para ser expuesto tanto este cuadro como "Number 17A" del también expresionista abstracto Jackson Pollock, adquirido en la misma ocasión en unos 200 millones.


title: František Kupka

text: František Kupka (Opočno, Bohemia oriental, 23 de septiembre de 1871 - Puteaux, Francia, 24 de junio de 1957) fue un pintor y artista gráfico checo considerado como uno de los pioneros y cofundador de las primeras etapas del arte abstracto y cubismo órfico (orfismo). Las obras abstractas de Kupka surgieron de una base de realismo, pero más tarde evolucionaron hasta el arte abstracto puro.


title: František Kupka

text: František Kupka nació en Opočno, Bohemia oriental (hoy República Checa). Desde 1889 hasta 1892, estudió en la Academia de Arte de Praga. En esta época pintó temas históricos y patrióticos. Posteriormente, entró en la Akademie der Bildenden Künste de Viena, Austria, donde se concentró en temas simbólicos y alegóricos. Expuso en el Kunstverein, Viena, en 1894. Su implicación con la teosofía y la filosofía oriental data de este periodo. Para la primavera del año 1896, Kupka se había establecido en París; allí acudió a la Académie Julian brevemente y luego estudió con Jean-Pierre Laurens en la École des Beaux-Arts. Kupka trabajó como ilustrador de libros y carteles, durante estos primeros años en París, siendo conocido por sus dibujos satíricos para periódicos y revistas como "L'Assiette au Beurre". En 1906, se estableció en Puteaux, un suburbio de París, y ese mismo año expuso por primera vez en el "Salon d’Automne".


title: František Kupka

text: Sus primeras obras artísticas muestran una preocupación inusual, a menudo poco realista, por el color y por una distorsión expresiva.


title: František Kupka

text: Kupka quedó profundamente impresionado por el primer Manifiesto futurista, publicado en 1909 en Le Figaro. La pintura de Kupka del año 1909 "«Teclado de piano / Lago»" marcó una ruptura en su estilo representativo; su obra fue haciéndose progresivamente abstracta alrededor de 1910–1911, reflejando sus teorías de movimiento, color, y la relación entre la música y la pintura (orfismo).


title: František Kupka

text: Desde 1911 a 1912, al mismo tiempo que el pintor francés Robert Delaunay, Kupka realizó sus primeros trabajos completamente abstractos, como "Amorfa: fuga de dos colores" (1912, Galería Nacional de Praga), que consiste en formas circulares coloreadas y líneas organizadas en una disposición rítmica. En 1911, acudió a reuniones del grupo Puteaux. Al año siguiente, expuso en el "Salon des Indépendants" en la Sala Cubista, aunque no quería ser identificado con ningún movimiento.


title: František Kupka

text: "Creación en las Artes Plásticas", libro que Kupka acabó en 1913, fue publicado en Praga en 1923.


title: František Kupka

text: Continuó experimentando dentro de la abstracción, y agrupó su obra artística en cinco categorías: círculos, verticales, verticales y diagonales, triángulos y diagonales. En 1931, fue miembro fundador de Abstraction-Création. En 1936, su obra fue incluida en la exposición «Cubism and Abstract Art» (Cubismo y Arte Abstracto) en el MoMA de Nueva York, y en una importante muestra con otro excelente pintor checo, Alfons Mucha, en el Jeu de Paume de París.


title: František Kupka

text: Una retrospectiva de su obra tuvo lugar en la Galerie Mánes de Praga en 1946. El mismo año, Kupka participó en el Salon des réalités nouvelles, donde siguió exponiendo con regularidad hasta su muerte. Durante los primeros años de la década de los cincuenta, obtuvo reconocimiento general y tuvo varias exposiciones individuales en Nueva York. No obstante, no fue un pintor tan influyente como otros del movimiento abstracto, por lo que no recibió el reconocimiento que se merecía hasta después de su muerte.


title: František Kupka

text: Entre 1919 y 1938 Kupka fue apoyado financieramente por su buen amigo, el coleccionista de arte y empresario industrial Jindřich Waldes quien acumuló una significativa colección de su arte. Kupka murió en Puteaux, Francia, el 24 de junio de 1957.


title: František Kupka

text: Kupka tenía un fuerte interés en teoría del color; alrededor de 1910 comenzó a desarrollar sus propias ruedas de color, adaptando un formato que previamente habían explorado Sir Isaac Newton y Hermann von Helmholtz. Esta obra a su vez llevó a Kupka a ejecutar una serie de cuadros que llamó "«Discos de Newton»" (1911-1912). Kupka estaba interesado en liberar los colores de asociaciones descriptivas. Su obra en esta área se cree que influyó a otros artistas como Robert Delaunay.Obras en la colección Peggy Guggenheim, Nueva York:


title: Maximiliano

text: Maximiliano hace referencia a varios artículos:


title: Adriaen van Ostade

text: Adriaen van Ostade (1610-1685) fue un pintor y grabador neerlandés, nacido y fallecido en Haarlem. Fue bautizado como Adriaen Hendricx el 10 de diciembre de 1610 y se le enterró el 2 de mayo de 1685.


title: Adriaen van Ostade

text: Fue el hijo mayor de Jan Hendricx Ostade, un tejedor de la ciudad de Ostade cerca de Eindhoven. Aunque Adriaen y su hermano Isaak nacieron en Haarlem, adoptaron el apellido «van Ostade» como pintores. Isaak van Ostade fue considerado más hábil que su hermano, aunque falleció muy joven.


title: Adriaen van Ostade

text: Según Arnold Houbraken, Adriaen se formó, a partir de 1627, con el artista neerlandés Frans Hals, maestro en aquella época de Adriaen Brouwer y Jan Miense Molenaer. Sin embargo, los expertos consideran que su estilo no delata influencias de Hals. Sí recibió más tarde la influencia de Rembrandt.


title: Adriaen van Ostade

text: A los veintiséis años de edad se unió a la compañía cívica de Haarlem, y a los veintiocho se casó. Su mujer murió en 1640, y volvió a casarse rápidamente, con una dama que gozaba de buena posición económica. De nuevo enviudó en 1666, heredando la fortuna de su mujer y de su suegro. En 1662 consiguió el mayor honor de su profesión al obtener la presidencia de la guilda de San Lucas, gremio de pintores en Haarlem.


title: Adriaen van Ostade

text: Parece ser que pudo ser el maestro del pintor de género Jan Steen.


title: Adriaen van Ostade

text: Van Ostade se especializó en escenas de género, en un estilo vivo y vigoroso, lleno de sutiles efectos de luces y sombras. Es conocido sobre todo por sus escenas de taberna, que recuerdan un poco el mundo de Brueghel. Aparecen en sus obras campesinos bebiendo y fumando, músicos ambulantes, fiestas campesinas y pintorescos personajes de los pueblos. Se trata de una temática cercana a la de sus contemporáneos, David Teniers el Joven y Adriaen Brouwer. La diferencia entre Teniers y Ostade radica en la diferente condición de las clases campesinas entre Brabante Septentrional y Holanda y en la atmósfera y los alojamientos propios de cada región. Brabante tiene más sol y comodidad; Teniers, por lo tanto, es plateado y brillante, y las figuras de sus cuadros son bellos ejemplares de su cultura. Holanda, en los alrededores de Haarlem, parece haber padecido grandemente la guerra; el aire es húmedo y brumoso, y las personas que Ostade pinta son bajas y desfavorecidas, marcadas con el sello de la adversidad, tanto en sus rasgos como en sus ropajes.


title: Adriaen van Ostade

text: Brouwer, que pintó a los campesinos holandeses en sus pasiones y entretenimientos, estaba más cercano al estilo de Frans Hals, pero son obras del mismo tipo que las de Ostade.


title: Adriaen van Ostade

text: Realizó 50 grabados sobre la vida campesina, más como afición que con fines comerciales, pues él apenas imprimió ejemplares de ellos. Las planchas serían difundidas mediante abundantes ediciones en los dos siglos siguientes.


title: Adriaen van Ostade

text: Sus primeras obras están repletas de personajes pendencieros y obscenos, pintados con cierta rapidez en espacios oscuros. Ostade tendió a la misma exageración y agitación que Brouwer, aunque se distinguiera de su rival gracias a un uso más general de la luz y la sombra, especialmente, una mayor concentración de luz en una superficie pequeña, en contraste con una mayor expansión de penumbra (por ejemplo en "Barbero extrayendo un diente"). La crudeza de sus cuadros le hicieron llegar incluso a la caricatura. La grandeza de Ostade reside en cuán a menudo capta el lado poético de la clase campesina, a pesar de su vulgaridad. Iluminó con la luz mágica de un brillo solar sus bastos deportes, sus peleas, incluso las modalidades más tranquilas de entretenimiento y cubrió sus ruinosas cabañas con una alegre vegetación.


title: Adriaen van Ostade

text: Alrededor de 1638 o 1640, la influencia de Rembrandt hizo que su estilo cambiara rápidamente, con escenas de tono más cálido y locales más decentes. Aparecen escenas al aire libre y retratos costumbristas. Pintó la "Anunciación" del Museo de Brunswick: ángeles, apareciendo en el cielo a los bárbaros holandeses medio dormidos en medio de su ganado, ovejas, y perros en frente de una cabaña, recuerdan a un tema similar de Rembrandt, quien efectivamente iluminó los grupos principales mediante rayos lanzados a la tierra desde un cielo tenebroso. Ostade, sin embargo, no consiguió aquí dar una fuerza y expresión dramáticas; sus pastores carecen de emoción, sin las cualidades que por lo general hacen atractivos a sus temas habituales.


title: Adriaen van Ostade

text: En 1642 pintó un cuadro que se conserva en el Louvre, que se creyó erróneamente un retrato del pintor y su familia. Hay una madre que atiende a su hijo, que está en la cuna. Su marido se sienta cerca, junto a una gran chimenea. Es una vivienda rural en tinieblas, levemente iluminada por un rayo de sol. Podría pensarse que el pintor intentó representar una Natividad; pero no hay nada santo en los alrededores, nada atractivo, de hecho, excepto la maravillosa transparencia rembrandtesca, el tono marronáceo, y el admirable detallismo. Ostade estaba más cómodo con un efecto similar aplicado al incidente común de la "Matanza del cerdo", una de las obras maestras de 1643, y que en el pasado estuvo en la colección Gsell de Viena.


title: Adriaen van Ostade

text: Esta tendencia se intensificó hacia 1650, de manera que en su producción posterior muestra escenas más refinadas: interiores más detallados y menos personajes, vistos más de cerca.


title: Adriaen van Ostade

text: En otras obras de años anteriores y posteriores, regresó a temas que le eran familiares, en los que su poder de observación le hacían un maestro. No parece haber vuelto a ilustraciones de los Evangelios hasta 1667, cuando produjo una admirable "Natividad" que sólo se ve superada en composición y colorido por la obra de Rembrandt "La familia del carpintero" del Louvre, o el "Carpintero con hijos", en la galería de Cassel. Casi innumerables son los temas más familiares a los que dedicó su pincel durante este intervalo: desde pequeñas figuras individuales, representando a fumadores o bebedores, hasta alegorías de los cinco sentidos (Museo del Hermitage y galería de Brunswick), retratos de medio cuerpo de pescaderos y panaderos, luchas campesinas, escenas de juego, jugadores itinerantes y curanderos, y jugadores de bolos al aire libre.


title: Adriaen van Ostade

text: Entre sus obras destacan "Concierto rústico con flauta y violín" (1638) en el Museo del Prado, y "Bebedor en un interior", de su época más refinada, en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.


title: Adriaen van Ostade

text: Las firmas de Ostade varían según los diferentes períodos, pero las primeras dos letras generalmente se entrelazan. Hasta 1635, Ostade escribe su apellido Ostaden, como puede verse en "El gaitero" de 1635 en el Museo Liechtenstein de Viena. Más tarde, usa una «s» larga (f), y ocasionalmente firma con letras mayúsculas.


title: Adriaen van Ostade

text: Se considera que sus discípulos principales fueron su hermano Isaac y Jan Steen; otros alumnos que pueden mencionarse son Cornelis Bega, Cornelis Dusart y Richard Brakenburg.


title: Adriaen van Ostade

text: Su producción es amplísima. Le han sido atribuidas, además, copias e imitaciones debidas a otros autores.


title: Adriaen van Ostade

text: Smith fija en 385 el número de pinturas de Ostade, pero Hofstede de Groot (1910) habla de más de 900. A su muerte, la reserva de cuadros sin vender era de más de 200. Sus planchas para grabados se subastaron con las pinturas. Cincuenta planchas, la mayor parte de las cuales datan de 1647–1648, fueron vendidas en 1686. 220 pinturas suyas se encuentran en colecciones públicas y privadas, mientras que diecisiete están firmadas con el nombre pero no datadas.


title: Adriaen van Ostade

text: Los precios que Ostade recibía se desconocen; pero las pinturas que valían 40 libras en 1750 valían 1.000 un siglo después, y el Conde de Dudley pagó 4.120 por un interior doméstico en 1876.


title: Legolas

text: Legolas (en sindarin, «hoja verde») es uno de los personajes principales de la novela "El Señor de los Anillos", escrita por J. R. R. Tolkien. Es un elfo sinda, hijo de Thranduil, el rey de los elfos silvanos del Bosque Negro. Sus principales acciones se desarrollan durante la Guerra del Anillo y después de esta.


title: Legolas

text: Formó parte de la llamada Comunidad del Anillo, cuyo objetivo era la destrucción del Anillo Único de Sauron. Durante estos acontecimientos, Legolas desarrolló gran amistad con Aragorn, el que llegaría a ser coronado como rey Elessar, y con Gimli el enano. De esta forma, Legolas personificó la reconciliación de elfos y enanos, dos pueblos enemistados desde las Guerras de Beleriand por las matanzas cometidas por la posesión de uno de los Silmarils.


title: Legolas

text: En estos acontecimientos, Legolas sobresalió como guerrero, por su gran fuerza y resistencia. También mostró dotes diplomáticas y un alto sentido de la honestidad y lealtad.


title: Legolas

text: Tras la Guerra del Anillo, se trasladó junto con mucha de su gente a los bosques de Ithilien, donde fundó un principado elfo; pero, atraído por el mar, cuando Aragorn murió en 121 de la Cuarta Edad, armó un barco y (junto con Gimli el enano) puso rumbo a las Tierras Imperecederas, en el continente de Aman.


title: Legolas

text: Legolas era un elfo alto, hermoso y de ojos azules brillantes y agudos, siempre vestido de castaño y verde, un excelente arquero y de una vista prodigiosa y penetrante que le permitía ver a grandes distancias, cosa que para el común de los mortales era imposible, superando incluso la de muchos elfos. Caminaba con pasos ágiles y sus pies prácticamente no tocaban el suelo. Parecía no dormir, simplemente descansaba con los ojos semicerrados con sus pensamientos perdidos en cosas bellas. Para la lucha siempre iba acompañado de un arco y un cuchillo blanco.


title: Legolas

text: En el 3018 TE, fue enviado por su padre al Concilio de Elrond en Rivendel a llevar la información de la huida de Gollum de su prisión en el Bosque Negro por un descuido de su guardia, y por la acción de una hueste de orcos que atacó a los elfos, buscando la distracción; que fue aprovechada por Gollum para escapar. Esto suponía un peligro ya que el fugitivo podía dar cuenta de la existencia del Anillo a Sauron; puesto que ese ardid había sido planeado por alguien más inteligente. Cuando el Concilio decidió que lo mejor era arrojar el anillo a los fuegos del Orodruin, Legolas se convirtió en miembro de la Comunidad del Anillo en representación del pueblo de los Elfos.


title: Legolas

text: Muy pronto se manifestarían las habilidades naturales de este elfo, cuyo nombre no viene precedido de historia de grandes hazañas anteriores. En el ascenso por el Paso del Cuerno Rojo, al momento de desatarse la gran tormenta de nieve que bloqueó el paso. Legolas fue el único que pudo traspasar ese bloqueo pues su caminar era tan ligero que iba sobre la nieve, y no parecía afectarle el frío. Las noticias que trajo fueron alentadoras puesto que más adelante casi no había nieve acumulada. Pero cuando la Compañía siguió el rumbo marcado por el elfo, un derrumbe hizo imposible el paso. Allí les quedó en claro a todos que no fue por casualidad, sino por obra del odio del cruel Caradhras; obligándolos a retroceder y buscar el camino más temido por Gandalf, las Minas de Moria.


title: Legolas

text: Posteriormente, en Acebeda, se vio su calidad de arquero cuando agotó las flechas disparando certeros dardos contra los lobos, El arco de Legolas cantaba, y la última flecha mató a un Jefe Lobo; a la mañana siguiente recuperó todas las flechas pues los cadáveres de los lobos habían desaparecido.


title: Legolas

text: A pesar de haber nacido y vivido en las amplias cavernas del Bosque Negro, en donde se asentaba su reino, Legolas amaba la naturaleza, el aire libre y sobre todo los bosques. Es decir, como todo buen Elfo, tenía una relación simbiótica con el ambiente, puesto que este era el destino preparado por Eru para todos los de su raza. Por ello no nos tendría que extrañar su disconformidad con la idea de Gandalf de cruzar al este de las Montañas Nubladas por Khazad-dûm. Además siempre estaba presente la desconfianza entre los Enanos y los Elfos, y a esa altura del viaje la relación con Gimli no se había afianzado, e incluso estuvieron a punto de discutir sobre la responsabilidad de la ruptura de relaciones, luego de los sucesos de Eregion. Como sea, no quedaba otro camino que el de la Mina y todos se vieron obligados a emprenderlo; y Legolas no se amilanó, más aún tuvo una destacada participación en los episodios dentro de Moria. Sólo la aparición del Balrog le infundió terror, pues el Balrog es el mayor enemigo de los elfos, "tan sólo superado por aquel que habita en Mordor", según sus propias palabras.


title: Legolas

text: La tristeza y la pena lo embargó, como a todos, con la muerte de Gandalf; solo la visión del Bosque de Lothlórien, cercano, le alegró un poco el corazón. Haldir les dio refugio en uno de los flets. Haldir ya tenía noticias del viaje de Frodo y por eso los ayudó. A la mañana siguiente condujo a la Compañía hacia Caras Galadhon al encuentro con Galadriel y Celeborn. El conflicto entre los Enanos y los Elfos apareció nuevamente cuando entraron al territorio de Lothlórien, Haldir le solicitó a Gimli que se vendara los ojos, a lo que el enano se negó rotundamente. Fue tal la magnitud de la discusión que para zanjar diferencias todos los miembros de la compañía tuvieron que vendarse los ojos incluido Legolas. Claro que al elfo no le gustó para nada esa decisión, pero Aragorn lo llamó al orden.


title: Legolas

text: Al llegar a Caras Galadhon, los primeros en encontrarse con Galadriel y Celeborn fueron Frodo y Legolas, luego llegaron los otros y el rey y la reina los saludaron uno por uno. Durante el tiempo que estuvieron en Lothlórien, Legolas no estuvo junto al resto de la Compañía, pasó mucho tiempo hablando con los Galadhrim y visitando distintos lugares del élfico bosque; e incluso llevó, en varias oportunidades, al enano en sus recorridas; esto le sorprendió a muchos, pero marcó el inicio de esa amistad duradera y profunda entre ellos. La despedida del Bosque Dorado entristeció a todos a pesar de los consejos de Celeborn y los regalos de la Dama: a Legolas le regaló un arco más largo que el que acostumbraban a usar los Elfos Silvanos. La Compañía partió con el corazón desolado, ninguno volvería a ver Lórien.


title: Legolas

text: En el viaje por el Anduin, río abajo, Legolas divisó en el cielo un águila que sobrevolaba el horizonte dirigiéndose al norte, sin saber que se trataba de Gwaihir que llevaba a Gandalf a Lothlórien luego de su enfrentamiento con el Balrog. En las cercanías de los rápidos de Sarn Gebir, fueron recibidos por flechas lanzadas por orcos, desde la orilla oriental del río. Desesperadamente remaron para alcanzar la otra orilla y alejarse de las flechas. Cuando llegaron a la orilla opuesta, Legolas salto a tierra con su arco tensado, buscando un blanco y sus ojos divisaron una criatura alada que oscureció el cielo por un momento y se lanzó contra ellos; el elfo disparó un certero flechazo que derribo a la criatura, se trataba de una de las cabalgaduras de los Nazgûl cuyo jinete guiaba la acción de los Orcos.


title: Legolas

text: El viaje siguió por la mañana y luego de sortear los rápidos trasladando por tierra las embarcaciones, llegaron a Parth Galen en donde se produjo la disolución de la Compañía. Legolas no presenció la muerte de Boromir, había ido con Gimli en busca de Frodo y en el camino lucharon contra muchos Orcos, tanto que al Elfo se le agotaron las flechas. Al oír el cuerno de Boromir se dirigieron hasta el Sitial de la Vista, encontrándose con Aragorn abrazando el cadáver del hombre de Gondor. Decidieron que enterrarlo les iba a llevar mucho tiempo, y Merry y Pippin corrían peligro de muerte; por lo que lo llevaron hasta las orillas del río y lo pusieron en una de las barcas con sus atavíos y lo dejaron ir corriente abajo.


title: Legolas

text: Tras la muerte de Boromir, Legolas siguió con Gimli y con Aragorn en una desesperada persecución de la hueste de orcos que habían capturado a Merry y a Pippin. Antes de partir el elfo había descubierto que las flechas que había recogido de los orcos en Amon Hen, no pertenecían solamente a orcos de Mordor sino también a Uruk-hai de Saruman, por lo que dedujeron que llevaban a los hobbits a Isengard. Las habilidades del elfo en esta carrera contra el tiempo fueron de gran importancia, su vista le permitía ver los movimientos de los orcos a grandes distancias y calcular el tiempo que les llevaban; no se cansaba nunca de la carrera y cuando por razones de agotamiento de los otros, descansaban, Legolas no dormía se quedaba atento y vigilante y era el primero en iniciar la marcha incitando a los otros. Descubrió los cadáveres de los orcos muertos en la refriega por las cosas que había dejado Pippin. Volvió a ver el águila en el cielo y a la tropa de orcos corriendo hacia el suroeste. Se dio cuenta de que una fuerza maligna levantaba "una barrera invisible" delante de ellos, como si no quisiera que les dieran alcance a los orcos. Cuatro días duró la persecución; y en esa mañana, los penetrantes ojos de Legolas, (a cinco leguas de distancia) descubrieron a los Jinetes de Rohan que se acercaban hacia ellos.


title: Legolas

text: El encuentro con Éomer no fue del todo feliz, en un principio, puesto que Legolas, demostrando la naciente amistad con Gimli, casi abate al Capitán de los Rohirrim, cuando este pronunció palabras sobre el enano que lo molestaron.


title: Legolas

text: Después de recibir las noticias de este sobre la muerte de los Orcos, siguieron hacia el Bosque de Fangorn montados en caballos prestados por Éomer, Legolas iba con Gimli en la grupa de Arod; caballos que perdieron en los lindes del Bosque y aunque al elfo le llamó la atención de que los caballos no parecían haber sido espantados, pensaron que la aparición de una extraña figura en los bosques había sido la responsable de la huida de los animales; a pesar de ello, los tres cazadores siguieron buscando rastros de los hobbits y por ello penetraron en el Bosque. La impresión que causó en Legolas el bosque de Fangorn fue tal que se creyó transportado a un pasado tan lejano que lo hacía sentirse joven; más aún tranquilizó a Gimli, cuando el enano sintió miedo del bosque; le dijo que no había mal en él, "solo cólera y vigilancia".


title: Legolas

text: El reencuentro con Gandalf fue una de las cosas que más felicidad causó en todos. La flecha que el elfo tenía preparada para él voló por los aires envuelta en llamas y cuando le cayó la capucha, Legolas lo reconoció gritando su nombre élfico. Luego de recibir noticias sobre los hobbit por parte del mago, Legolas se enteró por boca de este de la existencia de Bárbol. Gandalf fue también portador de mensajes de la Dama Galadriel para todos, y a Legolas le mandó el siguiente mensaje: "Legolas mucho tiempo bajo el árbol en alegría has vivido. ¡Ten cuidado del Mar! Si escuchas en la orilla la voz de la gaviota, nunca más descansará tu corazón en el bosque"..."


title: Legolas

text: Se dirigieron a Edoras y de allí, con una importante hueste de Rohirrim al Abismo de Helm para luchar en la Batalla de Cuernavilla. En la batalla Legolas luchó valientemente al lado de Aragorn y Gimli y con el enano hicieron una especie de competencia de cuantos Orcos había matado cada uno, ganándole el enano por un orco, 42 a 41. Lo que más lo perturbó de la batalla fue cuando vio que el paisaje había cambiado, allí donde estaba el Valle del Bajo, cubierto de hierbas; se alzaba un bosque que en el día anterior no estaba. y vio como el ejército de Orcos y Dunledinos era aniquilado por los árboles cuando estos pretendían refugiarse bajo su sombra; empujados por el triple avance de Gandalf, con los hombres de Erkenbrand; de Éomer y Gimli, con las huestes salidas de Aglarond; y de Théoden y Aragorn con los hombres de Cuernavilla. Era un fenómeno que ni el mismo elfo tenía explicación para ello, y todos pensaron que se trataba de un sortilegio del Mago, pero este les explicó, que se trataba de la hueste de Ucornos enviada por Bárbol.


title: Legolas

text: En la mañana siguiente una pequeña hueste encabezada por Théoden y Gandalf, además de Éomer Gimli y Legolas, se dirigieron a Isengard, y al pasar por el bosque el elfo se sintió maravillado con el ejército de árboles, sentía su cólera contra los orcos, sentía sus vidas y sus pensamientos fluyendo en el ambiente, y trató de reconfortar a Gimli que tenía miedo, y supo que procedían del Bosque de Fangorn; y frente a ellos el elfo y el enano hicieron juramento de acompañarse a conocer el Bosque del Ent y Aglarond. Mayor fue su sorpresa y alegría cuando vio a los Ents que conducían a esos Ucornos, quiso volverse pero Gandalf se lo impidió. Y contempló admirado a aquellas criaturas y vio como se comunicaban unos a otros, ahuecando las manos y lanzando sonidos guturales y se sintió de nuevo niño.


title: Legolas

text: Conoció a Bárbol, el ent más viejo, una de las maravillas de los tiempos antiguos, cuando llegaron a Isengard. Pero previamente, el reencuentro con Merry y Pippin le llenó el corazón de alegría y estos le contaron muchas de las maravillas del Bosque y la forma en como los Ents destruyeron el poder de Saruman, cercándolo y encerrándolo en Orthanc. Frente al decano de los Ents, Legolas le solicitó humildemente que lo dejara visitar con un amigo el bosque de Fangorn. A Bárbol no le gustó la idea de que fuera el enano, pero Legolas lo convenció diciéndole que Gimli era su mejor amigo y que su hacha no estaba hecha para cortar árboles.


title: Legolas

text: De vuelta en Rohan y después del error de Pippin de escrutar el Palantir de Orthanc, recibieron a Halbarad y los Montaraces del Norte que les traían mensajes de Elrond y Galadriel. Por lo que Aragorn decidió separarse junto a Gimli y a Legolas, más los montaraces; para intentar el Sendero de los Muertos, puesto que el dúnadan escrutó el Palantir y se reveló ante Sauron y vio que un peligro inesperado acechaba Gondor. En el camino Aragorn reveló sus planes a Legolas y a Gimli y estos aceptaron acompañarlo. Los tres atravesaron los Senderos de los Muertos, el que menos temor tuvo en esa travesía, fue Legolas porque no le temía a los muertos; pero no pudo evitar, más de una vez, que lo sobrecogieran algunas visiones, y más de una vez debió utilizar todo su arte élfico para contener a los aterrorizados caballos que se negaban a recibir órdenes. Cuando traspusieron la horrible senda y llegaron al valle del Morthond, el elfo, mirando hacia atrás vio y anunció que el Ejército de los Muertos los seguía.


title: Legolas

text: La idea de Aragorn era llegar a Pelargir, sorprender al enemigo que acechaba la ciudad, y tomar los barcos Corsarios con la ayuda de los muertos, convocados ante la Piedra de Erech, para llegar en auxilio de Minas Tirith navegando por el río Anduin. Tiempo después el elfo habría de contar a sus amigos de la Comunidad esa travesía. Lo cierto es que cumplieron el objetivo, derrotaron y tomaron los barcos de los Haradrim; en la batalla conducida por Aragorn, Los Muertos cumplieron con su promesa y el futuro rey los liberó de su carga. Legolas quedó admirado de Aragorn: y se dirigieron al norte por el «Río Grande» cuando ya había comenzado el sitio de Gondor y llegaron justo a tiempo para participar en la Batalla de los Campos del Pelennor y contribuir a dar vuelta el resultado adverso, que hasta ese entonces había tomado la batalla.


title: Legolas

text: Tras la batalla de los Campos del Pelennor y en un momento de descanso, mientras los capitanes decidían el rumbo de las acciones; Legolas y Gimli se dedicaron a recorrer la ciudad; observando la belleza fría de Minas Tirith, cada uno decidió hacer su aporte luego de la guerra del anillo para embellecer la ciudad. Legolas prometió árboles nuevos y pájaros del Bosque Negro. En su recorrida se encontraron con el Príncipe Imrahil que iba a reunirse con los demás capitanes y reconoció en el príncipe la sangre élfica del pueblo de Dol Amroth. Se encontraron con Merry y Pippin en Las Casas de Curación y de nuevo se pusieron al día con los acontecimientos sucedidos tras la última separación.


title: Legolas

text: Luego de unos días de preparativos los capitanes decidieron, en un concilio en la carpa de Aragorn, marchar con un ejército hasta la Puerta Negra de Mordor y presentarle batalla allí al señor oscuro; nuevamente Legolas y Gimli cabalgarían al lado de Aragorn. En el camino el elfo quedó tan maravillado por la belleza de Ithilien, que decidió que, luego de finalizada la guerra y con Aragorn reinando; se vendría a vivir, con un grupo de sus hermanos a esa tierra. Participó, luchando valientemente, de la Batalla de la Puerta Negra como segundo al mando de una hueste conducida por Imrahil.


title: Legolas

text: Después de la Guerra del Anillo y de la coronación de Aragorn, Legolas y Gimli marcharon con la compañía gris que viajó a los funerales de Théoden, para luego seguir hacia Fangorn. En un alto en Cuernavilla visitaron juntos las Cavernas Centellantes, lo prometido a Gimli. De allí, el elfo, volvió demudado de asombro por la belleza inconmensurable de estas.


title: Legolas

text: Cuando Elessar Telcontar (Aragorn) murió a los 210 años, emprendieron su viaje hacia Aman (Gimli, Frodo y Legolas), donde termina su historia y no se sabe más de ellos.


title: Legolas

text: En la trilogía cinematográfica de "El Señor de los Anillos", dirigida por Peter Jackson, el papel de Legolas es interpretado por Orlando Bloom, quien además repite papel en las segunda y tercera películas de la trilogía de "El hobbit".


title: George Inness

text: George Inness (Newburgh, Nueva York, 1825 - Bridge of Allan, Escocia, 1894) fue un pintor estadounidense de paisajes que evolucionó desde el romanticismo de la Escuela del río Hudson hacia los planteamientos estéticos de la Escuela de Barbizon, fruto de sus frecuentes viajes a Europa y su admiración por la obra de Claudio Lorena.


title: George Inness

text: Se inició en la pintura de la mano de John Jesse Barker, pintor ambulante de paso por Newark. En 1841 se trasladó a la ciudad de Nueva York donde amplió su formación con el pintor francés Régis François Gignoux, alumno de Paul Delaroche, e hizo sus primeras exposiciones, en la National Academy of Design en 1844 y al año siguiente en la American Art Union.


title: George Inness

text: Realizó su primer viaje a Europa en 1851, viajando por Italia durante un año, y su segundo periplo europeo en 1853, visitando Holanda y Francia, donde entró en contacto con la obra de Théodore Rousseau, lo que le llevaría a abandonar el énfasis literario y la rigidez en favor del estilo de los pintores de Barbizón. Su débil salud le obligó a limitar su espíritu viajero, instalándose en 1861 en Medfield, a las afueras de Boston, y en 1864 en Eagleswood, donde entró en contacto con la mística del escritor sueco Emanuel Swedenborg a través del pintor William Page.


title: George Inness

text: Tras participar en la creación de la Society of American Artists y ya plenamente reconocido viajó de nuevo a Italia en 1870, donde residió cuatro años, y tras una breve temporada en Francia regresó a América. En 1878 instaló su estudio en una granja en Montclair (Nueva Jersey), aunque siguió viajando por el país (cataratas del Niágara, Virginia y California). Falleció en 1894 durante un viaje por Escocia.


title: George Inness

text: Tuvo continuador en su hijo George Innes Jun (1854-1926), que escribió la biografía de su padre en "Vida, arte y cartas de George Inness", publicada en 1917.


title: George Inness

text: Siguiendo la obra de pintores como Thomas Cole y Asher Durand, Innes evolucionó desde la detallada pintura romántica de la naturaleza de la escuela del río Hudson –como se percibe en "El valle de Lackawanna" (1856, Galería Nacional de Arte)–, hacia la obra de John Constable y los pintores de Barbizon, en ejemplos como las acuarelas pintadas en su última estancia romana.


title: Frans Hals

text: Frans Hals (Amberes, 1582 o 1583-Haarlem, 26 de agosto de 1666) fue un pintor neerlandés perteneciente a la escuela barroca holandesa. Es uno de los grandes maestros en el arte del retrato. Despierta gran admiración por la brillantez en la representación de la luz y la libertad en el manejo de los pinceles, con una pincelada rápida y suelta precedente del impresionismo.


title: Frans Hals

text: La escasez de documentos y la ausencia total de escritos personales de Frans Hals hacen que su personalidad y su vida permanezcan un poco en la oscuridad.  Hay varias fechas hipotéticas sobre su nacimiento, que pudo ser hacia 1582-1583, deducidas de la edad que sus biógrafos calculan que tendría cuando murió, aunque con seguridad nació en la ciudad flamenca de Amberes. Era hijo de Franchois Fransz Hals von Mechelen (1542-1610), un comerciante de telas y su segunda esposa Adriaentje van Geertenryck. Como muchos, tras la caída de la ciudad en 1584-85, la familia la abandonó, trasladándose a Haarlem. Ya en 1591 fue bautizado allí su hermano Dirck, que también se dedicaría a la pintura.


title: Frans Hals

text: Después de la caída de Amberes a manos de las tropas españolas en la Guerra de los Ochenta Años, que supuso la fragmentación de Flandes, su familia se instaló en Haarlem, en la zona norte, de donde su padres eran originarios. En dicha ciudad vivió Hals toda su vida. La biografía del pintor corre en paralelo con la independencia de los Países Bajos de la monarquía española.


title: Frans Hals

text: Los estudios más recientes han desterrado la idea que sobre el pintor se tenía desde antiguo sobre una vida libertina y un incorregible vicio por el alcohol, basándose en adornadas anécdotas sin evidencia que las documente de sus primeros biógrafos. Hals y su hermano pertenecían a la asociación literaria "De Wijngaertranken" (“Los bebedores de vino”) y a la milicia cívica de San Jorge, y era también miembro de la cámara de rectores y presidente desde 1644 del gremio de pintores de Haarlem. La rectitud y puritanismo de estas sociedades no encaja con que Hals tuviera malas costumbres y vicios conocidos.


title: Frans Hals

text: Entró el joven artista en el taller del pintor flamenco Karel van Mander (1548–1606), que también recaló allí huyendo del empuje español en la zona. La academia de este maestro dedicaba su estudio a una técnica manierista. Pero a finales del siglo XVI, debido a la influencia de la pintura italiana, surge un arte de cierta inspiración clasicista que se dejará traslucir en las obras del primer Hals. Por ello, no se nota la influencia de Van Mander en este período.


title: Frans Hals

text: Su emancipación laboral se produce cuando alcanzó cierta madurez artística. Coincide con su ingreso en la "Sint-Lucasgilde", la guilda de San Lucas en 1610, célebre gremio de artistas de Haarlem con sucursales en Amberes, Utrecht, Delft y Leiden. La obra más antigua de Frans Hals, cuya autoría se conoce con seguridad, es el retrato de "Jacobus Zaffius" (1611; Museo Frans Hals de Haarlem).


title: Frans Hals

text: Es en 1610 también cuando contrae matrimonio con Anneke Hermansz, también creyéndose antiguamente que esta unión no fue feliz pues algunos historiadores habían documentado que Hals tuvo que comparecer ante los tribunales por malos tratos a su primera mujer. Como ha señalado el biógrafo Seymour Slive, se debió a confundirlo con otro residente de la ciudad de nombre similar. De hecho, para cuando los cargos fueron presentados, el Frans Hals pintor ni siquiera tenía esposa, pues Anneke había fallecido en mayo de 1615 poco después del nacimiento de su tercer hijo. En 1617, tras un viaje fugaz a Amberes (quizá para ponerse en contacto con Rubens), se casó con Lysbeth Reyniers, la joven hija de un pescadero que había contratado para cuidar de sus niños, porque ella ya estaba embarazada de ocho meses. Hals fue un padre devoto y tuvieron ocho hijos.


title: Frans Hals

text: La tradición retratística holandesa alcanza su cumbre con Frans Hals, consiguiendo sacarla del mutismo y retratando sus figuras en movimiento. Su gran aportación vino en 1616, con el retrato colectivo, "Banquete de oficiales de la milicia cívica de San Jorge". Este encargo prueba que el pintor ya había alcanzado cierta reputación como artista. Desde este cuadro, los encargos se hicieron muy habituales tanto de particulares como de instituciones.


title: Frans Hals

text: Aunque la obra de Hals fue muy demandada durante su vida, tuvo graves dificultades financieras, no se sabe si por una vida derrochadora o por tener que mantener una gran familia tras un segundo matrimonio con una mujer humilde. Además de pintar, trabajó como marchante, restaurador de arte y maestro de pintura.


title: Frans Hals

text: A partir de 1640, un nuevo giro en la moda del retrato se observa en los países nórdicos. Empiezan a preferirse retratos con mayor aire de distinción y de nobleza, como los de Antonio Moro o Anthony van Dyck, donde se representan caros ropajes con vivo colorido y pincelada muy detallista. Esto repercutió sensiblemente en los pedidos del retratista neerlandés, que pintaba de manera muy abocetada y con un colorido restringido. A pesar de esto, en los ambientes artísticos oficiales, se sucedían los reconocimientos, como en 1644, en que fue elegido presidente del gremio de San Lucas de Haarlem.


title: Frans Hals

text: Ante esta falta de trabajo, Hals intenta abrir nuevos caminos y funda un taller hacia 1650. Pero la empresa no debió ser afortunada porque en 1652 su economía toca fondo. Sus acreedores lo demandaron en varias ocasiones, y en ese año pagó su deuda con un banquero vendiendo sus pertenencias. El embargo de su patrimonio solo pudo requisar tres colchones, almohadas, un aparador, una mesa y cinco cuadros. La ciudad en reconocimiento le ayudó en sus gastos, proporcionándole vivienda gratuita y aprovisionamiento de combustible.


title: Frans Hals

text: Esta situación le hizo dimitir del cargo directivo del gremio y en 1661, se le exime, debido a su avanzada edad, del pago de la cuota correspondiente. El municipio de Haarlem también le concedió una anualidad de 200 florines en 1664.


title: Frans Hals

text: Frans Hals murió en Haarlem en 1666 y está enterrado en la Catedral de San Bavón de la localidad. Su viuda murió unos años después en un hospital de caridad de la beneficencia local.


title: Frans Hals

text: Se ha creído con ligereza que Hals no tenía una técnica muy depurada y que pintaba apenas sin correcciones o dibujos preparatorios. Pero estudios científicos y técnicos han demostrado que esto no es así. Es cierto que los trabajos menos conocidos fueron apuntados sin correcciones ('alla prima'), pero la mayoría de sus obras fueron creadas a partir de varias capas, como era costumbre en esa época. A veces el esbozo era hecho con tiza o pintaba sobre una capa base gris o rosa, para luego completar el cuadro por fases. Parece como si el maestro normalmente usara los esbozos muy tenuemente. Esto demuestra que Hals utilizaba su virtuosismo desde el inicio del cuadro. La ausencia de líneas delimitadoras o de dibujo preparatorio fue cada vez más usada por el pintor en sus obras de madurez.


title: Frans Hals

text: Frans Hals manifestó durante su vida una tremenda audacia y un gran coraje que empaparon sus propios lienzos. Tenía la capacidad de plasmar la psicología del personaje. A diferencia de otros retratistas contemporáneos, no diferenciaba en su pintura si era por encargo o no. Utilizaba la misma diligencia y precisión en cualquiera de sus obras.


title: Frans Hals

text: "Una inusual manera de pintar que superaba a la de casi cualquiera" escribió su primer biógrafo, Theodorus Schrevelius, en el siglo XVII, sobre su técnica pictórica. En realidad, esta técnica no fue creación original de Hals, ya existía en la pintura italiana barroca, aunque probablemente Hals la tomó de sus contemporáneos flamencos: Rubens y Van Dyck.


title: Frans Hals

text: A comienzos del siglo XVII, ya sorprendía la vitalidad de los retratos de Frans Hals. Schrevelius apuntaba que su obra reflejaba "tal potencia y vida" que el pintor "parecía alcanzar el natural con sus pinceles". Siglos después, Vincent van Gogh escribía a su hermano Theo: "Qué alegría es ver a Frans Hals, qué diferente son sus pinturas -muchas de ellas- donde todo está cuidadosamente alisado del mismo modo".


title: Frans Hals

text: Hals eligió no darle un acabado definido a sus pinturas, como hacían casi todos sus contemporáneos, pues imitaba la vitalidad de sus retratados usando manchas, líneas, gotas, grandes parches de color, que conformaban los detalles.


title: Frans Hals

text: No fue hasta el siglo XIX que esta técnica tuvo seguidores, particularmente en el Impresionismo. Se puede considerar al pintor holandés como un precursor, usando la técnica impresionista en los cuadros de las milicias o los retratos de los regentes del asilo de Haarlem.


title: Frans Hals

text: Del conjunto de su obra por su número destacan los retratos, en los que demuestra una sorprendente habilidad en la captación de gestos y detalles:


title: Frans Hals

text: Según la temática referida en el punto anterior, de la obra de Hals podemos destacar los siguientes cuadros:Casi todos se centraron en la pintura de género y del segundo, al que en el pasado se han atribuido bodegones de calidad y retratos correspondientes al padre, nada se conoce. Algunos de los citados fueron discípulos del taller de Hals. En su estudio "De Groote Schouburgh" (1718-21), Arnold Houbraken menciona a Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade y Dirck van Delen como discípulos. Otros posibles aprendices del taller, además de sus propios hijos, fueron Vincent Laurensz. van der Vinne y Pieter Gerritsz. van Roestraten, casado con Adriaentje Hals. Johannes Cornelisz. Verspronck, retratista de Haarlem y contemporáneo de Hals, posiblemente también estudió con el maestro en algún momento.


title: Hans Holbein el Joven

text: Hans Holbein el Joven ("der Jüngere") (Augsburgo, Sacro Imperio Romano Germánico, ¿1497?-Londres, entre el 7 de octubre y el 29 de noviembre de 1543) fue un pintor, grabador e impresor alemán que se enmarca en el estilo llamado Renacimiento nórdico. Es conocido sobre todo como uno de los maestros del retrato del siglo XVI. También produjo arte religioso, sátira y propaganda reformista, e hizo una significativa contribución a la historia del diseño de libros. Diseñó xilografías, vidrieras y piezas de joyería. Se le llama "el Joven" para diferenciarlo de su padre, Hans Holbein el Viejo, un dotado pintor de la escuela gótica tardía.


title: Hans Holbein el Joven

text: Nacido en Augsburgo, trabajó principalmente en Basilea como artista joven. Al principio pintó murales y obras religiosas y diseños para vidrieras y libros impresos. También pintó ocasionalmente retratos, destacando internacionalmente con retratos del humanista Desiderio Erasmo de Róterdam. Cuando la Reforma alcanzó Basilea, Holbein trabajó para clientes reformados mientras continuaba sirviendo a patrones religiosos tradicionales. Su estilo gótico tardío fue enriquecido por las tendencias artísticas en Italia, Francia y los Países Bajos, así como por el Humanismo renacentista. El resultado fue una combinación estética única en sí misma.


title: Hans Holbein el Joven

text: En busca de trabajo, viajó a Inglaterra en 1526 con una recomendación de Erasmo. Fue bienvenido en el círculo humanista de Tomás Moro, donde rápidamente alcanzó alta reputación. Después de regresar a Basilea durante cuatro años, reemprendió su carrera en Inglaterra en 1532. Esta vez trabajó para las dos fuentes de mecenazgo, Ana Bolena y Thomas Cromwell. En 1535, Enrique VIII lo nombró pintor del rey. En este cargo, produjo no solo retratos y decoraciones festivas, sino también diseños de joyería, platería y otros objetos preciosos. Sus retratos de la familia real y los nobles son un recuerdo vívido de una corte brillante en los años trascendentales en los que el rey Enrique afirmó su supremacía sobre la Iglesia de Inglaterra.


title: Hans Holbein el Joven

text: Su arte fue apreciado desde el principio de su carrera. El poeta y reformador francés Nicolas Bourbon lo llamó «el Apeles de nuestro tiempo», un elogio típico de la época. Holbein también ha sido descrito como un gran «fuera de serie» de la historia del arte, puesto que no fundó ninguna escuela. Después de su muerte, se perdió parte de su obra, pero comenzó a ser coleccionada, y en el siglo XIX, Holbein fue reconocido entre los grandes maestros retratistas. Recientes exposiciones han subrayado asimismo su versatilidad. Dedicó su línea fluida a todo tipo de diseños, desde complicada joyería a monumentales frescos. El arte de Holbein a veces se ha llamado realista, puesto que dibujó y pintó con excepcional precisión. Sus retratos eran famosos en su época por el parecido que lograba; y ahora «se ven» a grandes figuras de la época, como Erasmo o Moro, a través de los ojos de Holbein. Holbein nunca quedaba satisfecho, sin embargo, con la apariencia externa. Incrustaba capas de simbolismo, alusiones y paradojas en su arte, produciendo la interminable fascinación de los estudiosos. El historiador del arte Ellis Waterhouse opina que su retratística «permanece insuperada por la seguridad y la economía de medios, penetración en el personaje y una combinación de riqueza y pureza de estilo».


title: Hans Holbein el Joven

text: Holbein nació en la ciudad libre imperial de Augsburgo durante el invierno de 1497-98. Era el hijo del pintor y dibujante Hans Holbein el Viejo, reconocido artista dentro de la tradición flamenca, notable por sus retratos, cuyo trabajo continuaron tanto él como su hermano mayor Ambrosius. Holbein el Viejo tenía un gran taller en Augsburgo, con muchos encargos, a veces ayudado por su hermano Sigmund, también un pintor.


title: Hans Holbein el Joven

text: Hacia 1515 Holbein el Joven y su hermano se instalaron como pintores oficiales en la ciudad de Basilea, Suiza, un centro de aprendizaje y del comercio de impresión y láminas. Entraron como aprendices en el taller del pintor Hans Herbst, el más destacado de Basilea. Los hermanos encontraron trabajo en Basilea como ilustradores de libros, realizando xilografías y cortes de metal para los impresores.


title: Hans Holbein el Joven

text: En 1515, el predicador y teólogo Oswald Myconius los invitó a añadir dibujos a pluma al margen de una copia del "Elogio de la locura" del erudito humanista Desiderio Erasmo de Róterdam. Los esbozos proporcionan un indicio temprano del ingenio de Holbein y su inclinación humanística. Sus otros trabajos tempranos, incluyendo el retrato doble del alcalde de Basilea Jakob Meyer zum Hasen y su esposa Dorothea, siguen el estilo de su padre.  En 1517, padre e hijo empezaron un proyecto en Lucerna (Suiza), pintar el interior y el exterior de los muros para el comerciante Jakob von Hertenstein. Mientras estaba en Lucerna, Holbein también dibujó cartones para vidrieras. Los archivos de la ciudad muestran que el 10 de diciembre de 1517, le pusieron una multa de cinco libras por pelearse en la calle con un orfebre llamado Caspar, a quien multaron con la misma cantidad. Ese invierno, Holbein probablemente visitó la Italia septentrional, aunque no quedan registros de este viaje. Muchos estudiosos creen que estudió la obra de maestros italianos de frescos, como Andrea Mantegna, antes de regresar a Lucerna. Llenó dos series de paneles en la casa de Hertenstein con copias de obras de Mantegna, incluyendo "Los triunfos del César".


title: Hans Holbein el Joven

text: En 1519, Holbein regresó a Basilea. Su hermano desaparece de los documentos alrededor de esta época, y se cree que murió. Holbein se restableció rápidamente en la ciudad, llevando un taller atareado. Se unió al gremio de pintores y asumió la ciudadanía de Basilea. En 1519 se casó con Elsbeth Schmid, una viuda unos pocos años mayor que él que tenía ya un hijo, Franz, que llevaba el negocio de curtiduría de su fallecido marido. Tuvieron un hijo, Philipp, en su primer año de matrimonio.


title: Hans Holbein el Joven

text: Holbein fue prolífico durante este período en Basilea, que coincidió con la llegada del luteranismo a la ciudad. Holbein pintó en esta época retratos ocasionales, como el de Bonifatius Amerbach (1519), humanista y amigo del pintor. Según el historiador del arte Paul Ganz, el retrato de Amerbach marca un adelanto en su estilo, notablemente en el uso de colores puros. También hizo el doble retrato de Jakob y Dorothea Meyer, un retablo de la Virgen que incluía retratos del donante, su esposa y su hija.


title: Hans Holbein el Joven

text: Asumió un número de grandes proyectos, como los muros exteriores de "La casa de la danza" y la nueva sala municipal de Basilea. Los primeros se conocen por los dibujos preparatorios. Los murales de la cámara del concejo sobreviven en unos pequeños fragmentos mal conservados. Holbein también produjo una serie de pinturas religiosas y diseñó cartones para vidrieras.


title: Hans Holbein el Joven

text: Entre 1523 y 1526 aumentó su actividad como ilustrador, trabajando para el editor Johann Froben. Realizó una serie de 51 dibujos sobre el tema alegórico medieval de la danza macabra ("Danza de la Muerte"), cuya autoría Holbein hubo de encubrir para eludir represalias por sus sarcásticas alusiones a la Iglesia. De dicha serie se conocen varias versiones grabadas, siendo la principal la impresa en Lyon en 1538. Realizó otros grabados: los "Iconos" (ilustraciones del Antiguo Testamento), y la portada para la traducción alemana de la Biblia de Martín Lutero. A través de este medio, Holbein refinó su forma de captar los efectos expresivos y espaciales.


title: Hans Holbein el Joven

text: En 1523, Holbein pintó los primeros retratos del gran estudioso renacentista Erasmo, quien requería parecidos para enviar a sus amigos y admiradores por toda Europa. Estas pinturas hicieron de Holbein un artista internacional. Holbein visitó Francia en 1524, probablemente para buscar trabajo en la corte de Francisco I. Cuando Holbein decidió buscar empleo en Inglaterra en 1526, Erasmo lo recomendó a su amigo el estadista y erudito Tomás Moro. "Las artes se están congelando en esta parte del mundo," escribió, "y él estaba en camino a Inglaterra a recoger algunos ángeles".


title: Hans Holbein el Joven

text: La austeridad preconizada por la Reforma se fue apoderando de la sociedad suiza y disminuyó el mecenazgo artístico, por lo que, a pesar de su prestigio, Holbein se vio obligado a marcharse a Inglaterra en busca de nuevos encargos. Holbein hizo un alto en Amberes, donde compró varios paneles de roble y pudo haber conocido al pintor Quentin Matsys. Llegó a Londres en 1526 con cartas de presentación escritas por Erasmo de Róterdam, entonces ya su amigo y protector, para importantes personajes de la época a los que habría de retratar y entre los que se incluye Tomás Moro. Este le dio la bienvenida a Inglaterra y le encontró una serie de encargos. «Tu pintor, mi muy querido Erasmo», escribió, «es un artista maravilloso». Holbein pintó un famoso retrato de Moro y otro de Moro con su familia. El retrato de grupo, original en su concepción, es conocido solo a partir de un esbozo preparatorio y copias de otra mano. Según el historiador de arte Andreas Beyer, «ofreció un preludio de un género que sólo obtendría una verdadera y generalizada aceptación en la pintura holandesa del siglo XVII». Se conservan también siete estudios de miembros de la familia Moro.


title: Hans Holbein el Joven

text: Durante esta primera estancia en Inglaterra, Holbein trabajó ampliamente para un círculo humanista con lazos a Erasmo. Entre sus encargos estuvo el retrato de William Warham, arzobispo de Canterbury, quien era propietario de un retrato de Holbein de Erasmo. Holbein hizo en 1528 el "Retrato de Nicolas Kratzer", protagonizado por el astrónomo y matemático bávaro Nicholas Kratzer, un tutor de la familia Moro cuyas notas aparecen en el esbozo de Holbein para su retrato de grupo. Aunque Holbein no trabajó para el rey durante esta visita, pinto los retratos de cortesanos como Henry Guildford y su esposa Lady Mary, y de Anne Lovell, recientemente identificado como el tema de "Dama con una ardilla y un estornino". En mayo de 1527, "Master Hans" también pintó un panorama del asedio de Thérouanne para la visita de los embajadores franceses. Con Kratzer, ideó un techo cubierto de signos planetarios, bajo el cual cenaban los visitantes. El cronista Edward Hall describió el espectáculo como que mostraba "toda la Tierra, rodeada por el mar, como un auténtico mapa o carta".


title: Hans Holbein el Joven

text: El 29 de agosto de 1528, Holbein compró una casa en Basilea, en St Johanns-Vorstadt. Presumiblemente regresó a casa para conservar su ciudadanía, puesto que solo le habían autorizado a ausentarse durante dos años. Enriquecido por su éxito en Inglaterra, Holbein compró una segunda casa en la ciudad en 1531.  Durante este período en Basilea, pintó a "La familia del artista", mostrando a Elsbeth, con los dos hijos mayores de la pareja, Philipp y Katherina, evocando imágenes de la Virgen con Niño y san Juan Bautista. El historiador de arte John Rowlands ve esta obra como "uno de los retratos más conmovedores en el arte, de un artista, también, que siempre caracterizó a sus modelos con una compostura contenida".


title: Hans Holbein el Joven

text: Basilea se había convertido en una ciudad turbulenta en la ausencia de Holbein. Los reformadores, inspirados por las ideas de Zwinglio, llevaron a cabo actos iconoclastas y prohibieron las imágenes en las iglesias. En abril de 1529, el librepensador Erasmo se sintió obligado a abandonar su anterior refugio en beneficio de Friburgo de Brisgovia. Los iconoclastas probablemente destruyeron parte de la obra artística religiosa de Holbein, pero se desconocen los detalles. La evidencia sobre las creencias religiosas de Holbein es fragmentaria y nada concluyente. «El lado religioso de sus pinturas siempre ha sido ambiguo», sugiere el historiador del arte John North, «y así permaneció». Según un documento recogido para asegurar que los principales ciudadanos suscribían las nuevas doctrinas: «Master Hans Holbein, el pintor, dice que nosotros debemos estar mejor informados sobre la santa (mesa) antes de acercarnos a ella». En 1530, las autoridades llamaron a Holbein para explicar por qué no había acudido a la comunión reformada. Poco después, sin embargo, fue incluido entre aquellos «que no tienen objeciones serias y desean seguir adelante con otros cristianos».


title: Hans Holbein el Joven

text: Holbein evidentemente conservó el favor bajo el nuevo orden. El concejo reformista le pagó 50 florines y le encargó la ampliación de una obra anterior, "Justicia" (1521-1522), con la que había decorado la sala del conscjo del Ayuntamiento. La ampliación de esta serie de frescos refleja su continuo crecimiento como artista; las nuevas composiciones, menos abigarradas que las ya existentes, logran un impacto de mayor dramatismo que las anteriores. Ellos eligieron ahora temas del Antiguo Testamento en lugar de las previas historias de la historia clásica y alegorías. Los frescos de Holbein de Rehoboam y del encuentro entre Saúl y Samuel estaban más sencillamente dibujados que sus predecesores. Por desgracia, no se conserva intacto ninguno de los muchos grandes frescos que realizó en dicho ayuntamiento, en Inglaterra y en Alemania. Debe juzgarse su belleza partiendo de los bocetos y de las copias que artistas posteriores hicieron de sus frescos.


title: Hans Holbein el Joven

text: Holbein trabajó al mismo tiempo para clientes tradicionales. Su antiguo patrón Jakob Meyer le pagó para añadir figuras y detalles al retablo de familia que había pintado en 1526. El último encargo de Holbein en este período fue la decoración de dos caras de reloj en la puerta de la ciudad en 1531. Los reducidos niveles de mecenazgo en Basilea pueden haber impulsado su decisión de volver a Inglaterra a principios del año 1532.


title: Hans Holbein el Joven

text: En 1532 volvió a instalarse en Londres, donde finalmente consiguió cimentar su carrera como maestro retratista. El entorno político y religioso de Inglaterra estaba cambiando radicalmente. En 1532, Enrique VIII estaba preparándose para repudiar a la reina Catalina de Aragón y casarse con Ana Bolena, desafiando al papa. Entre aquellos que se oponían a las acciones de Enrique estaba el anterior mecenas de Holbein, Tomás Moro, quien dimitió como Lord Canciller en mayo de 1532. Holbein parece que se distanció del entorno humanista de Moro en esta visita, y, según Erasmo, "decepcionó a aquellos le habían amparado". El artista en lugar de ello, encontró el favor dentro de los nuevos círculos radicales de poder de la familia Bolena y Thomas Cromwell. Cromwell se convirtió en secretario del rey en 1534, controlando todos los aspectos del gobierno, incluida la promoción artística. Moro fue ejecutado en 1535, junto con John Fisher, cuyo retrato también había hecho Holbein.


title: Hans Holbein el Joven

text: Los encargos de Holbein en las primeras etapas de su segundo período inglés incluyó retratos de comerciantes luteranos de la Liga Hanseática. Los comerciantes vivían y comerciaban en el Steelyard o "Stalhof", un complejo de almacenes, oficinas y viviendas en la orilla septentrional del Támesis. Holbein alquiló una casa en la cercana Maiden Lane. Hizo el retrato de sus clientes en una amplia variedad de estilos. Su "Retrato del mercader Gisze", protagonizado por Georg Gisze de Danzig, hermano de Tiedemann Giese muestra al comerciante rodeado con símbolos de su comercio, exquisitamente pintados. Su retrato de Derich Berck de Colonia, por otro lado, es clásicamente simple, posiblemente influido por Tiziano. Para la sala de la cofradía del Steelyard, Holbein pintó dos monumentales alegorías, ""El triunfo de la riqueza"" y ""El triunfo de la pobreza"", ambas hoy perdidas. Los comerciantes encargaron a Holbein una escena callejera del monte Parnaso para la procesión de la víspera a la coronación de Ana Bolena de 31 de mayo de 1533.


title: Hans Holbein el Joven

text: Holbein también retrató a varios cortesanos, terratenientes y visitantes durante esta época. Su pintura más famosa, y quizás la más grande, de esta época, fue "Los embajadores". Sus retratos a tamaño real de Jean de Dinteville, un embajador de Francisco I de Francia en 1533, y Georges de Selve, obispo de Lavaur, quien visitó Londres el mismo año. La obra incorpora símbolos y paradojas, incluyendo un cráneo anamórfico (distorsionado). Según los eruditos, codifica referencias enigmáticas al aprendizaje, la religión, mortalidad e ilusión en la tradición del Renacimiento nórdico. Los historiadores de arte Oskar Bätschmann y Pascal Griener sugieren que en "Los embajadores" «Las ciencias y las artes, objetos de lujo y gloria, se miden contra la grandeza de la Muerte».


title: Hans Holbein el Joven

text: No ha sobrevivido ningún retrato confirmado de Ana Bolena realizado por Holbein, quizá debido a que su memoria fue eliminada después de ser ejecutada por traición, incesto y adulterio en 1536. Sin embargo, parece claro que Holbein trabajó directamente para Ana y su círculo. Diseñó una copa grabada con su emblema de un halcón sobre rosas, así como joyería y libros relacionados con ella. También realizó esbozos de varias mujeres de su séquito, incluida Jane Parker, su cuñada. Al mismo tiempo, Holbein trabajó para Thomas Cromwell al tiempo que este ideaba la reforma de Enrique VIII. Cromwell encargó a Holbein la producción de imágenes reales y reformistas, entre las que se incluyen grabados anticlericales y la portada de la traducción inglesa de la Biblia de Myles Coverdale. Enrique VIII se había embarcado en un gran programa de mecenazgo artístico. Sus esfuerzos de glorificar su nuevo estatus como Cabeza Suprema de la Iglesia culminaron en la construcción del Nonsuch Palace, comenzado en 1538.


title: Hans Holbein el Joven

text: Hacia 1536, fue nombrado pintor de corte de Enrique VIII con un salario anual de 30 libras, aunque nunca llegó a ser el artista mejor pagado de la nómina real. El real "pictor maker", Lucas Horenbout, ganaba más y otros artistas continentales trabajaron para el rey. En 1537, Holbein realizó la que se ha convertido quizás en su pintura más famosa: Enrique VIII de pie en una pose heroica con sus pies plantados separadamente. Ha sobrevivido la sección izquierda de un cartón de Holbein para una pintura sobre pared a tamaño natural en el palacio de Whitehall, mostrando al rey en esta pose, con su padre detrás de él. El propio mural, que también representó a Juana Seymour e Isabel de York, fue destruido por un incendio en 1698. Se conoce a partir de grabados y por una copia de 1667 de Remigius van Leemput. Un retrato de medio cuerpo, más temprano, muestra a Enrique en una pose similar, pero todos los retratos de cuerpo entero de él basados en el modelo Whitehall son copias. La figura de Juana Seymour en el mural se relaciona con el esbozo y pintura de ella realizados por Holbein. Juana murió en octubre de 1537, poco después de haber dado a luz al único hijo de Enrique, el futuro Eduardo VI. Alrededor de dos años más tarde, Holbein pintó un retrato del príncipe, cogiendo un sonajero con forma parecida a un cetro. El último retrato de Holbein de Enrique, data de 1543 y que quizá terminaron otros, representa al rey con un grupo de barber surgeons.,


title: Hans Holbein el Joven

text: Los bocetos preliminares de dichas pinturas, en los que combinaba tiza (gis) y tinta con otros medios, se cuentan entre sus obras más preciadas. Bastantes de estos dibujos fueron reproducidos en grabados por Wenzel Hollar, en el siglo XVII. La colección real del castillo de Windsor posee 87 de los dibujos realizados por Holbein.


title: Hans Holbein el Joven

text: El estilo retratístico de Holbein se alteró después de que entró al servicio de Enrique. Se centró más intensamente en las caras y en la ropa de sus modelos, omitiendo ambientaciones en tres dimensiones. Holbein aplicó su técnica artesanal y limpia tanto a retratos en miniatura como el de Jane Small, y grandes retratos, como el de Cristina de Dinamarca. Holbein viajó con Philip Hoby a Bruselas y realizó un esbozó de Cristina en 1538 para el rey, quien consideraba a la joven viuda como posible consorte. John Hutton, el embajador inglés en Bruselas, consideró el dibujo de otro artista de Cristina como "sloberid" (slobbered) en comparación con el de Holbein. En opinión de Wilson, el posterior retrato al óleo de Holbein es «la más encantadora pintura de una mujer que él nunca ejecutó, lo que quiere decir que es uno de los mejores retratos femeninos jamás pintados». El mismo año, Holbein, de nuevo escoltado por el diplomático Hoby, fue a Francia para pintar a Luisa de Guisa y Ana de Lorena por encargo de Enrique VIII. Ningún retrato de estas primas ha sobrevivido. Holbein encontró tiempo para visitar Basilea, donde fue festejado por las autoridades y se le concedió una pensión. En su camino de regreso a Inglaterra, puso a su hijo Philipp como aprendiz con el orífice nacido en Basilea Jacob David, en París.


title: Hans Holbein el Joven

text: Holbein pintó en Düren en el verano de 1539, a Ana de Cléveris, elegida como siguiente esposa de Enrique, la dibujó de frente y con un elaborado vestuario. «Hans Holbein», señaló el enviado inglés Nicholas Wotton, «ha tomado las efigies de mi señora Ana y la señora Amelia (hermana de Ana) y ha expresado sus imágenes de manera muy vivaz». Sin embargo, Enrique quedó desilusionado con Ana en carne y hueso, y se divorció de ella después de un matrimonio breve y no consumado. La tradición de que el retrato de Holbein halagaba a Ana, deriva del testimonio de "sir" Anthony Browne. Dijo que él se quedó decepcionado por su apariencia en Rochester tras haber visto sus pinturas y oyó anuncios de su belleza, de tal manera que su cabeza cayó. Nadie más que Enrique describió jamás a Ana como repugnante.


title: Hans Holbein el Joven

text: Mientras Holbein trabajaba en otro retrato del rey Enrique, murió en Londres en 1543 durante una epidemia de peste. Hizo su testamento el 7 de octubre de 1543, y un documento adjunto, datado el 29 de noviembre, le describe como recientemente fallecido.


title: Hans Holbein el Joven

text: Holbein había sobrevivido hábilmente a la caída de sus dos primeros grandes patronos, Tomás Moro y Ana Bolena, pero el repentino arresto y ejecución de Cromwell basándose en falsos cargos de herejía y traición en 1540 sin duda dañaron su carrera. Aunque Holbein conservó su posición como Pintor del Rey, la muerte de Cromwell dejó un vacío que ningún otro patrón pudo llenar.


title: Hans Holbein el Joven

text: Aparte de rutinas oficiales diarias, Holbein ahora se dedicó a encargos privados, volviendo de nuevo a los retratos de los comerciantes del Steelyard. También pintó algunas de sus mejores miniaturas, incluyendo algunas de Henry Brandon, segundo duque de Suffolk, y Charles Brandon, tercer duque de Suffolk, hijos del amigo del rey Enrique VIII, Charles Brandon, el primer duque de Suffolk, y su cuarta esposa, Catherine Willoughby. Holbein consiguió asegurarse encargos entre aquellos cortesanos que ahora disfrutaban del poder, en particular de Anthony Denny, uno de los dos principales caballeros de la cámara real. Se hizo suficientemente cercano a Denny para tomarle dinero a préstamo. Pintó el retrato de Denny en 1541 y dos años más tarde diseñó un clock-salt para él. Denny formaba parte del círculo que ganó influencia en 1542 tras el fracaso del matrimonio de Enrique con Catalina Howard. El matrimonio del rey en julio de 1543 con la reformista Catalina Parr, a cuyo hermano había pintado Holbein en 1541, estableció al partido de Denny en el poder.


title: Hans Holbein el Joven

text: Holbein pudo haber visitado a su esposa e hijos a finales de 1540, cuando su permiso para estar ausente de Basilea terminaba. No tiene obra datada en este período, y las autoridades de Basilea le pagaron seis meses de salario por adelantado. El estado del matrimonio de Holbein ha intrigado a los estudiosos, que basan sus especulaciones en evidencias fragmentarias. Aparte de una breve visita, Holbein había vivido separado de Elsbeth desde 1532. Su testamento revela que tuvo dos niños en Inglaterra, de quienes nada se sabe excepto que estaban al cuidado de un aya. La infidelidad de Holbein a Elsbeth pudo no ser nueva. Algunos estudiosos creen que Magdalena Offenburg, la modelo para la "Virgen de Darmstadt" y para dos retratos pintados en Basilea, fue por un tiempo la amante de Holbein. Otros rechazan la idea. Uno de los retratos fue de Lais de Corinto, amante de Apeles, el famoso artista de la antigüedad griega cuyo apodo recibió Holbein en círculos humanistas. Sea cual fuere el caso, es probable que Holbein siempre sostuviera a su esposa e hijos. Cuando Elsbeth murió en 1549, estaba en buena posición y todavía era propietaria de muchas de las bellas ropas de Holbein; por otro lado, ella había vendido su retrato antes de morir.