title: Clint Eastwood

text: En 1997 se estrenó "Poder absoluto", un filme de suspense político nuevamente dirigido y protagonizado por Eastwood y con Gene Hackman, villano en "Unforgiven", en uno de los papeles principales. El protagonista es un veterano ladrón que es testigo involuntario de un asesinato que involucra al Presidente de los Estados Unidos. La cinta recibió críticas dispares. A finales de ese año llegaba a los cines su nuevo proyecto, "Medianoche en el jardín del bien y del mal", inspirada en el libro de John Berendt y con John Cusack, Kevin Spacey y Jude Law en los papeles principales. Al igual que con la otra película del director estrenada ese año, la crítica no se mostró muy entusiasmada. Dos años después, en 1999, Eastwood rodó "True Crime" ("Ejecución inminente"), en la que se pone en la piel de un periodista que se está recuperando de su adicción al alcoholismo y que descubre que un preso que va ser ejecutado (interpretado por Isaiah Washington) es en realidad inocente. Su hija en la vida real, Francesca, hace el papel de su hija en la ficción. "True Crime" fue recibida con tibieza entre la crítica y fracasó en taquilla, pues solo recaudó la mitad de su presupuesto y fue su película menos exitosa de toda la década sin contar a "Cazador blanco, corazón negro", que tuvo un estreno muy limitado.


title: Clint Eastwood

text: "Space Cowboys", dirigida y protagonizada por Eastwood, se estrenó en el año 2000 con un elenco protagonista que completaban Tommy Lee Jones, Donald Sutherland y James Garner. Los cuatro forman un grupo de veteranos expilotos de pruebas que son enviados al espacio para reparar un viejo satélite soviético. La banda sonora original fue compuesta por el propio Eastwood y por Lennie Niehaus. "Space Cowboys" fue elogiada por casi toda la crítica, aunque Roger Ebert señaló que estaba «demasiado segura dentro de su estructura de historia tradicional para hacerla parecer arriesgada». En taquilla también tuvo éxito pues recaudó unos 90 millones, más que las dos películas anteriores del cineasta juntas. En 2002 veía la luz el filme de suspense "Deuda de sangre", en la que Eastwood es un exagente del FBI que persigue a un asesino sádico (Jeff Daniels) en una historia que se inspira lejanamente en la novela homónima de Michael Connelly publicada en 1998. Este nuevo filme no funcionó en taquilla y la crítica se mostró dividida en su valoración, pues en la web Rotten Tomatoes la describen como «bien hecha, pero lastrada por un ritmo aletargador». A pesar de esas valoraciones, Eastwood recibió por esta película el premio Future Film Festival Digital en el Festival de Venecia de ese año.


title: Clint Eastwood

text: En 2003 Eastwood estrenó una película en la que únicamente cumplía funciones de director, "Mystic River", un drama muy sombrío que relata la historia de dos tragedias separadas por veinticinco años, un secuestro con abusos sexuales y un asesinato, que tienen como nexo de unión a tres amigos (interpretados por Sean Penn, Kevin Bacon y Tim Robbins). La película funcionó bien comercialmente, fue muy aplaudida por la crítica y ganó dos premios Óscar, mejor actor para Penn y mejor secundario para Robbins, además de otras dos nominaciones, a mejor director y mejor película. La cinta obtuvo una buena recaudación comercial y además, Eastwood fue nombrado mejor director del año por el Círculo de Críticos de Londres y por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de Estados Unidos.


title: Clint Eastwood

text: Al año siguiente llegó a los cines la que quizá es la película más alabada de Clint Eastwood desde "Unforgiven", "Million Dollar Baby", un drama sobre el mundo del boxeo en la que el cineasta es director, productor, compositor de la banda sonora y protagonista. Frankie Dunn (Eastwood) es un entrenador solitario y adusto que regenta un gimnasio y que acepta a regañadientes preparar a una voluntariosa boxeadora, Maggie Fitzgerald (Hilary Swank). "Million Dollar Baby" fue un rotundo éxito de crítica y ganó cuatro premios Óscar, a mejor película, mejor director, mejor actriz y mejor actor secundario (Morgan Freeman). De esta manera, a sus 74 años Eastwood se convirtió en el más anciano de los dieciocho directores de cine que han dirigido dos o más filmes ganadores del Óscar a mejor película. Además, fue nominado a mejor actor y a los premios Grammy como autor de la banda sonora. El crítico A. O. Scott de "The New York Times" no dudó en calificar la nueva creación del cineasta como una «obra maestra» y en elegirla mejor película del año.


title: Clint Eastwood

text: En 2006 dirigió dos películas sobre la batalla de Iwo Jima librada durante la Segunda Guerra Mundial. La primera, "Flags of Our Fathers" ("Banderas de nuestros padres"), contaba la historia de los soldados norteamericanos que izaron la bandera de su país en lo alto del monte Suribachi de la isla de Iwo Jima y además fue el debut cinematográfico del hijo del cineasta, Scott. La segunda película sobre este conflicto fue "Cartas desde Iwo Jima", que muestra los preparativos japoneses para la defensa de la pequeña isla y las cartas que enviaron a casa a sus seres queridos. "Cartas desde Iwo Jima" fue la primera película estadounidense en retratar un conflicto íntegramente desde el punto de vista de su enemigo. Ambos filmes se ganaron los elogios de la crítica y varias nominaciones a los premios Óscar, entre ellas mejor director, mejor película y mejor guion original para "Cartas desde Iwo Jima", mientras que en los Globos de Oro, Eastwood fue nominado a mejor director por ambas producciones y "Cartas desde Iwo Jima" recibió el premio a la .


title: Clint Eastwood

text: La siguiente película del cineasta fue "Changeling" ("El intercambio", 2008), un drama basado en una historia real sucedida en los años 1920. Angelina Jolie protagoniza la historia de una madre soltera cuyo hijo desaparece sin dejar rastro. Algunos meses después, la policía le comunica que ha encontrado al niño, aunque nada más verlo se da cuenta de que es un impostor. Esta producción recaudó 110 millones de dólares, la mayoría fuera de su país de origen, y fue muy alabada; Damon Wise de la revista "Empire" la describió como «impecable» y Todd McCarthy de "Variety" dijo que era «emocionalmente poderosa». Una vez más el trabajo de Eastwood tras las cámaras se vio recompensado con nominaciones a los Globos de Oro por la banda sonora, a mejor dirección en los británicos y a director del año por el Círculo de Críticos de Londres.


title: Clint Eastwood

text: Ese mismo año el actor puso fin a cuatro años sin actuar en una película con su papel protagonista en "Gran Torino", un filme en el que también dirige, produce y compone parte de la banda sonora junto a su hijo Kyle y a Jamie Cullum. El biógrafo Marc Eliot describió el personaje del actor en esta película como una «amalgama del Hombre sin nombre, Harry el sucio y William Munny, aquí envejecidos y cínicos, pero dispuestos y capaces de luchar cuando surgiera la necesidad». La recaudación de esta producción en su primer fin de semana en cartelera ascendió a 30 millones de dólares y en total llegó a sumar 268 millones, lo que la sitúa como una de las películas más taquilleras de toda la carrera de Clint Eastwood.


title: Clint Eastwood

text: La película número treinta dirigida por Eastwood fue "Invictus" (2009), basada en la verdadera historia de la selección de Sudáfrica que ganó la Copa Mundial de Rugby de 1995. Morgan Freeman hace de Nelson Mandela y Matt Damon del capitán del equipo, François Pienaar. Las críticas a este drama deportivo fueron en general positivas: Roger Ebert le otorgó tres estrellas y media y la describió como «una película muy buena, con momentos que evocan gran emoción», y Todd McCarthy afirmó que «el filme de Clint Eastwood tiene una trayectoria predecible, pero todas las escenas rebosan detalles sorprendentes que se acumulan en una rica creación de historia, impresiones culturales y emoción». Por esta producción el cineasta fue nominado a mejor director en la .


title: Clint Eastwood

text: 2010 fue el año de estreno del nuevo drama del director, "Hereafter" ("Más allá de la vida"), en la que narra paralelamente la historia de tres personajes que han tenido algún tipo de contacto con la muerte. En esta producción el cineasta volvió a contar con el actor Matt Damon, que interpreta a un psíquico. La premier de la película se celebró en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2010 y recibió críticas dispares. La página web Rotten Tomatoes concluye que «a pesar de su premisa reflexiva y del estilo típico de Eastwood como director, "Hereafter" no consigue ser un drama convincente y se queda a medio camino entre el sentimentalismo patético y el tedio». Ese mismo año el cineasta ejerció de productor ejecutivo de un documental para el canal de televisión Turner Classic Movies (TCM) sobre el pianista de jazz Dave Brubeck con la intención de conmemorar el noventa aniversario de su nacimiento.


title: Clint Eastwood

text: Al año siguiente, en 2011, Eastwood dirigió una película biográfica titulada "J. Edgar", sobre el que fuera durante varias décadas director del FBI, John Edgar Hoover, con Leonardo DiCaprio en la piel del biografiado. El consenso en Rotten Tomatoes fue que «DiCaprio ofrece una actuación predeciblemente potente, pero "J. Edgar" tropieza en todos los demás aspectos». Roger Ebert opinó que el filme era «fascinante» y «magistral», y elogió la actuación del protagonista, mientras que David Edelstein, del "New York Magazine", también alabó a DiCaprio pero dijo «es una lástima que "J. Edgar" sea tan deforme y torpe, con tantas líneas malas y lecturas peores». En enero de 2011 se anunció que Clint Eastwood estaba en conversaciones con la cantante Beyoncé Knowles para que protagonizara una tercera adaptación de la película de 1937 "Ha nacido una estrella", pero el proyecto tuvo que ser pospuesto debido al embarazo de la artista. En 2012 el actor volvió a ponerse delante de las cámaras a sus 82 años en un drama sobre el mundo del béisbol titulado "Trouble with the curve" ("Golpe de efecto"), en el que interpreta a un veterano ojeador de jugadores de béisbol. La cinta la dirige Robert Lorenz, asistente de dirección de Eastwood en varias películas.


title: Clint Eastwood

text: Centrado plenamente en su labor como director, en 2014 se estrenaron dos películas dirigidas por Eastwood. En junio llegó a los cines "Jersey Boys", un filme biográfico musical que adapta a la gran pantalla el espectáculo teatral del mismo título, ganador de un premio Tony, y que cuenta la historia del grupo musical "The Four Seasons". Mayor resonancia tuvo la otra película del director californiano, "American Sniper", que se estrenó en diciembre de ese año. La historia, que en principio iba a dirigir Steven Spielberg, se centra en el francotirador del ejército estadounidense Chris Kyle, que intervino en la Guerra de Irak. A pesar de las críticas negativas que recibió por su retrato del militar estadounidense, este filme tuvo un gran éxito entre el público y se convirtió en el más taquillero de 2014 y de toda la carrera de Eastwood. La película fue nominada a seis categorías en los , incluida mejor película, y ganó el galardón a la mejor edición de sonido.


title: Clint Eastwood

text: En octubre de 2021 ha regresado a la cartelera con Cry Macho, película que produce, dirige y protagoniza.


title: Clint Eastwood

text: Desde su ópera prima como director en 1971, "Play Misty for Me" ("Escalofrío en la noche"), Clint Eastwood ha dirigido más de treinta películas en su dilatada carrera cinematográfica, desde westerns, a filmes de acción y dramas. Es uno de los pocos actores que se han puesto detrás de las cámaras y han conseguido la aclamación del público y la crítica. La revista "The New Yorker" resumió que, a diferencia de Eastwood:


title: Clint Eastwood

text: Desde los inicios de su carrera a Eastwood le frustraba la insistencia de los directores en que las escenas se filmaran varias veces y se perfeccionaran. Por ello, cuando empezó a dirigir en 1970 intentó evitar de forma consciente algunos aspectos de la labor de dirección que no le habían gustado en su etapa como actor. Eastwood es famoso por su eficiente forma de dirigir y su habilidad para reducir la duración de los rodajes y mantener el presupuesto bajo control. Normalmente no deja que los actores ensayen y busca que todas las escenas se completen en la primera toma. La rapidez de filmación de Eastwood ha sido comparada con la de Woody Allen, Ingmar Bergman, Jean-Luc Godard o los hermanos Coen. En algunas películas en las que en principio solo iba a actuar también ha llegado a cumplir funciones de director si consideraba que el rodaje se desarrollaba con lentitud, como hizo en "The Outlaw Josey Wales" ("El fuera de la ley", 1976). Mientras prepara una película raramente usa guiones gráficos para esbozar el plan de rodaje y también intenta reducir los detalles de fondo de los personajes en el guion para que el público se involucre más en las historias, pues considera que la imaginación de los espectadores es un requisito indispensable para establecer una conexión con ellos. Eastwood afirma que plantea el argumento de sus películas para dar a la audiencia los detalles necesarios, pero no «tantos como para insultar su inteligencia».


title: Clint Eastwood

text: Según la revista "Life", «El estilo de Eastwood es disparar primero y actuar después. Dibuja a sus personajes casi sin palabras». Los entrevistadores Richard Thompson y Tim Hunter apuntaron que las películas de Eastwood tienen «un ritmo magnífico: sin prisas, frescas, tienen un gran sentido del tempo, independientemente de la velocidad de la narración». Por su parte, Ric Gentry considera que el ritmo narrativo del cineasta es «relajado y tranquilo». Eastwood suele emplear una iluminación tenue y de mucho contraste que le da a sus filmes un aspecto similar al del cine negro. La frecuente exploración en su filmografía por los valores éticos ha llamado la atención de los estudiosos, que han explorado el trabajo de Eastwood desde perspectivas éticas y teológicas, incluido su retrato de la justicia, la misericordia o el suicidio.


title: Clint Eastwood

text: En 2011 una de las hijas de Clint Eastwood, Alison, dijo: «Mi padre tiene ocho hijos de seis mujeres». El actor ha sido descrito como un «mujeriego en serie», y no en vano los biógrafos Marc Eliot y Patrick McGilligan afirman que el cineasta ha tenido relaciones con las actrices Catherine Deneuve, Jill Banner, Jamie Rose, Inger Stevens, Jo Ann Harris y Jean Seberg, con la guionista Megan Rose, con la exesposa de James Brolin, Jane, con la columnista Bridget Byrne y con la nadadora profesional Anita Lhoest.


title: Clint Eastwood

text: Eastwood se casó con Maggie Johnson el 19 de diciembre de 1953, seis meses después de que se conocieran en una cita a ciegas. Sin embargo, ese matrimonio no fue completamente feliz porque el actor y director siempre pensó que se había casado demasiado joven. Una década después, durante el juicio para divorciarse de Johnson, Eastwood tuvo un romance con la bailarina Roxanne Tunis del que nació su primera hija, Kimber Tunis, el 17 de junio de 1964 (el cineasta no reconoció públicamente a esta hija hasta 1996, siete años después de que ella revelara en un periódico ser hija del célebre cineasta). Después de reconciliarse con su esposa, Eastwood tuvo dos hijos con Johnson: Kyle Eastwood (nacido el 19 de mayo de 1968) y Alison Eastwood (nacida el 22 de mayo de 1972), aunque el padre no estuvo presente en ninguno de los dos partos. En sus declaraciones de esta época, mostraba una visión tradicional del matrimonio, en el cual la mujer debía sentirse protegida y las decisiones las tomaría su compañero. En 1978 Maggie Johnson declaró la separación matrimonial tras otro largo juicio, aunque la pareja no se divorció oficialmente hasta mayo de 1984.


title: Clint Eastwood

text: La relación de Eastwood con la actriz Sondra Locke comenzó en el otoño de 1975 durante la producción de "The Outlaw Josey Wales". Vivieron juntos durante casi catorce años, durante los cuales Locke estuvo nominalmente casada con su marido homosexual, Gordon Anderson. Eastwood entabló amistad con el marido de la actriz y les compró una casa a él y a su pareja masculina en Crescent Heights, Canadá. A finales de los años 1970 Locke se sometió a dos abortos y una ligadura de trompas, decisiones todas que según la actriz fueron de «mutuo acuerdo». Eastwood y Locke protagonizaron otras cinco películas juntos: "The Gauntlet", "Every Which Way but Loose", "Bronco Billy", "Any Which Way You Can" y "Sudden Impact". El 10 de abril de 1989, mientras Locke estaba fuera dirigiendo la película "Impulse", Eastwood mandó cambiar las cerraduras de la casa que ambos compartían en el barrio de Bel-Air y empaquetar y almacenar los enseres de la actriz. Después de varios juicios, en los que ella llegó a denunciar al cineasta por estafa, en 1996 Eastwood aceptó pagarle una suma de dinero no desvelada solo unos minutos antes de que un jurado emitiera un veredicto a favor de la actriz. La autobiografía de Sondra Locke, titulada "The Good, the Bad, and the Very Ugly" ("El bueno, el malo y el muy feo"), incluye un relato pormenorizado del trato que le dispensó Eastwood tras la separación.


title: Clint Eastwood

text: Durante los últimos tres años de su cohabitación con Locke, Eastwood fue padre de dos hijos en secreto con la azafata Jacelyn Reeves. Se conocieron en un pub de la localidad de Carmel y concibieron un hijo, Scott Reeves, que nació el 21 de marzo de 1986, durante el estreno de la película "El jinete pálido". El 2 de febrero de 1988 nació la segunda hija del cineasta con Jacelyn, bautizada Kathryn Reeves. La partida de nacimiento de ambos hijos afirma «el padre renuncia». La relación de Eastwood con Reeves fue sacada a la luz por la revista "Star" en 1990, pero no tuvo eco en la prensa generalista hasta diez años después. En 1996 Richard Schickel, amigo de Eastwood, escribió una biografía autorizada en la que se afirmaba que el actor y director había tenido dos hijos que no eran de conocimiento público, pero que no revelarían sus nombres o el de la madre. Hasta el año 2002 Eastwood no hizo públicas las identidades de sus hijos y de la madre y en 2005 su hija Kathryn apareció en la entrega de los premios Globo de Oro presentando un premio a su padre por la película "Million Dollar Baby".


title: Clint Eastwood

text: En 1990 Eastwood comenzó a vivir con la actriz Frances Fisher, a quien había conocido durante el rodaje de "El Cadillac rosa" a finales de 1988. Ambos volvieron a trabajar juntos en "Unforgiven" y tuvieron una hija, Francesca Fisher Eastwood (nacida el 7 de agosto de 1993). Eastwood y Fisher pusieron fin a su relación a comienzos de 1995, pero siguieron manteniendo la amistad y trabajaron juntos en "True crime" ("Ejecución inminente", 1999).


title: Clint Eastwood

text: La siguiente pareja de Clint Eastwood fue Dina Ruiz, una presentadora de noticiarios de televisión 35 años menor que él. Se conocieron cuando ella lo entrevistó en 1993 y se casaron el 31 de marzo de 1996, en una ceremonia privada que el cineasta le preparó por sorpresa en el Shadow Creek Golf Course de Las Vegas. Tras su boda, Dina comentó: «El hecho de que yo sea la segunda mujer con la que se casa me emociona». Eastwood dijo sobre su esposa: «Por lo que a mí respecta, esta es la mujer con la que quiero la monogamia». El matrimonio tiene una hija, Morgan Eastwood, que nació el 12 de diciembre de 1996. Clint Eastwood y Dina Ruiz se separaron en agosto de 2013, según confirmó la propia Dina.


title: Clint Eastwood

text: A pesar de que aparece fumando en algunas de sus películas más icónicas, Clint Eastwood jamás ha sido fumador, pues siempre ha estimado mucho su salud y la ha cuidado haciendo deporte, llevando dietas sanas y practicando diariamente meditación trascendental. Durante la promoción de su filme "Hereafter", el cineasta expresó su opinión sobre la religión y la meditación: «Siempre he respetado a las personas muy religiosas porque he sentido que sus creencias debían ser muy importantes para ellos. Pero si puedes vivir sin esto, también está bien. Es lo que más te convenga. Creo en la autoayuda, en la meditación, y por ello siempre me ha gustado la religión budista. Cuando he estado en Japón he visitado templos budistas, meditado y encontrado lo que buscaba». Eastwood también ha comentado: «Nací durante la Gran Depresión y crecí sin ninguna creencia específica. Nos mudábamos de residencia cada cuatro o cinco meses durante los primeros catorce años de mi vida, por lo que acudía a una iglesia distinta dependiendo del lugar en que nos encontráramos. La mayoría eran de culto protestante, pero fui a otras iglesias porque mis padres querían que me creara mi opinión. Siempre me decían que querían enseñarme un poco de cada religión para que viera si me gustaban».


title: Clint Eastwood

text: En 1971 Eastwood abrió un pub de estilo inglés en Carmel-by-the-Sea llamado "Hog's Breath Inn", un negocio que acabó vendiendo y hoy pertenece al Mission Ranch Hotel and Restaurant que se encuentra en la misma localidad. El cineasta también es un amante del golf y es dueño del Tehàma Golf Club, además de ser inversor en el mundialmente famoso Pebble Beach Golf Links y dedicar tiempo todos los años a causas caritativas en los torneos más importantes. También es piloto de avión y posee un helicóptero en el que suele volar hasta los estudios cinematográficos para evitar el tráfico de las carreteras.


title: Clint Eastwood

text: Clint Eastwood se afilió al Partido Republicano de los Estados Unidos para votar a Dwight D. Eisenhower en 1952 y apoyó las campañas presidenciales de Richard Nixon en 1968 y 1972. Sin embargo, durante el escándalo Watergate el actor criticó la moral de Nixon y luego su gestión de la guerra de Vietnam, a la que llamó «inmoral». En esta línea, Eastwood tampoco aprobó las guerras de Corea, Afganistán o Irak porque opina que Estados Unidos no debe ser tan militarista ni jugar el papel de policía del mundo. El cineasta se considera a sí mismo «demasiado individualista para ser de derechas o de izquierdas»; se describió en 1974 como «políticamente moderado» y en 1997 como «libertario». Eastwood ha afirmado que no se ve como conservador ni tampoco de izquierdas, aunque algunas veces ha apoyado a los Demócratas en California. Autoproclamado «liberal en los derechos civiles», Eastwood ha manifestado su apoyo al derecho al aborto, al matrimonio homosexual y ha contribuido a grupos que apoyan la Enmienda de Igualdad de Derechos para las mujeres, que no fue ratificada en 1982. En 1999 declaró: «Supongo que era un liberalista social y un conservador fiscal antes de que esto se pusiera de moda». Diez años después, en 2009, Eastwood dijo que era Libertario.


title: Clint Eastwood

text: A pesar de estar fuertemente asociado a las armas de fuego en sus películas del oeste y de acción, Eastwood ha apoyado públicamente el control de las armas desde 1973. En 1976 dijo que «Todas las armas deben estar registradas. No creo que a los dueños de armas legítimas les importara este tipo de legislación». En 1995 Larry King publicó en el periódico "USA Today" una entrevista a Eastwood en la que el actor y director le había dicho que él siempre había estado a favor del control de las armas y que se preguntó: «¿Para qué podría nadie necesitar o querer un arma de asalto?».


title: Clint Eastwood

text: Como político, Clint Eastwood ha hecho exitosas incursiones en la política local y nacional. En abril de 1986 ganó las elecciones a alcalde (con una candidatura independiente) en su localidad de adopción, Carmel-by-the-Sea, en California, que es una rica y pequeña villa con una importante comunidad de artistas situada en la península de Monterey. Durante su legislatura de dos años, Eastwood apoyó los intereses de las pequeñas empresas, defendió el medio ambiente y construyó un anexo a la biblioteca, baños públicos, paseos marítimos y un aparcamiento para turistas. En 2001 Eastwood fue nombrado por el gobernador Gray Davis para la California State Park and Recreation Commission y reelegido en 2004 por el gobernador Arnold Schwarzenegger. En su puesto de vicepresidente de la comisión, en 2005 lideró junto al presidente Bobby Shriver el movimiento que se opuso a la construcción de un tramo de una autopista que atravesaría la playa de San Onofre, y en 2006 ambos apoyaron una demanda para bloquear la construcción de esta carretera, algo que consiguieron en febrero de 2008. Solo un mes después Eastwood y Shriver no resultaron reelegidos para la comisión al término de sus mandatos, algo que llevó a la Natural Resources Defense Council a solicitar una investigación sobre esta decisión. En abril de 2004 el gobernador Schwarzenegger nombró a Eastwood para la California Film Commission. El actor y director también ha actuado de portavoz de Take Pride in America, una agencia del Departamento del Interior de los Estados Unidos que aboga por asumir la responsabilidad sobre los recursos naturales, culturales e históricos del país.


title: Clint Eastwood

text: Durante las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2008 Eastwood dijo que votaría al candidato republicano John McCain, a quien afirmaba conocer desde 1973, cuando el político estaba recién liberado como prisionero de guerra. Eastwood dijo sobre él: «Lo conocí hace años cuando regresó de Vietnam. Esto fue cuando Reagan era gobernador de California e hizo una gran labor por todos los prisioneros de guerra liberados. Pensé que era un tipo estupendo, un verdadero héroe estadounidense». No obstante, Eastwood demostró su patriotismo tras la victoria de Barack Obama diciendo que «Obama es ahora mi presidente y voy a desearle suerte porque es lo mejor para todos». En 2010 su opinión no era tan políticamente correcta: «No soy muy partidario de lo que está haciendo Obama… No creo que esté rodeado de la gente que debería». En enero de 2011 dijo en una entrevista en el "Daily Mail": «Me encanta el hecho de que Obama sea multirracial, pensé que era genial pues mi esposa también es mestiza. Pero sentí que era un novato y resultó que no tenía experiencia en la toma de decisiones». Sobre McCain dijo: «Voté a McCain, no porque fuera republicano, sino porque él había estado en una guerra (en Vietnam) y pensé que podría comprender la guerra en Irak mejor que alguien que no había estado en ninguna. No estaba de acuerdo con él en otras muchas cosas».


title: Clint Eastwood

text: En agosto de 2010 el cineasta escribió al ministro de Hacienda del Reino Unido, George Osborne, para protestar por el cierre del UK Film Council, el organismo público que se encargaba de la promoción del cine británico, advirtiendo que su desaparición haría descender el número de compañías extranjeras que querrían filmar en el país.


title: Clint Eastwood

text: El 3 de agosto de 2012 Eastwood asistió a un acto para recaudación de fondos para el candidato republicano Mitt Romney, afirmando que Romney impulsaría al país y «restauraría un sistema de impuestos decente… así habría una equidad y la gente no se enfrentaría porque unos pagan y otros no». En su discurso en la Convención Nacional Republicana de 2012 el actor y director habló a una silla vacía simulando que Obama estaba sentado en ella.


title: Clint Eastwood

text: Clint Eastwood ha sido un apasionado de la música toda su vida. Sus géneros musicales favoritos son el jazz (especialmente el estilo bebop), el blues, el rhythm and blues, la música clásica y el country. Algunos de sus músicos favoritos son Charlie Parker y Lester Young, los pianistas Thelonious Monk, Oscar Peterson, Dave Brubeck y Fats Waller y el artista del blues Robert Johnson. Eastwood es pianista y compositor y el jazz ha jugado un papel importante en su vida desde su juventud. Aunque nunca se ha dedicado de forma profesional a la música, el cineasta ha contagiado esta pasión a su hijo Kyle, que es un reconocido bajista de jazz y compositor. Eastwood fue pianista de boogie-woogie en su juventud y tuvo intención de abrirse camino en el mundo de la música estudiando un grado tras finalizar los estudios secundarios. A fines de 1959 produjo el álbum "Cowboy Favorites", puesto a la venta por el sello Cameo.


title: Clint Eastwood

text: El actor y director tiene un acuerdo con Warner Bros. Records y distribuye su música con el sello Malpaso Records como parte de su contrato con la productora de cine Warner Bros. Así han salido a la venta todas las bandas sonoras de sus películas desde "Los puentes de Madison". Eastwood coescribió «Why Should I Care» junto a Linda Thompson y Carole Bayer Sager, una canción que fue interpretada por Diana Krall. También compuso algunas canciones para las bandas sonoras de las películas "Mystic River", "Million Dollar Baby", "Flags of Our Fathers", "Grace Is Gone", "Changeling", "Hereafter" y "J. Edgar", además de las piezas de piano que suenan en el filme "En la línea de fuego" y la canción que suena en los créditos de "Gran Torino", cantada por él mismo. La música que Eastwood compuso para el filme "Grace Is Gone", estrenado en 2007, fue nominada a dos Globos de Oro y ganó el premio Satellite a mejor canción. "Changeling" fue nominada a mejor banda sonora en los premios Critics Choice, en los Globos de Oro y en los premios Saturn. En el año 2007 Eastwood recibió un doctorado honoris causa en música por el Berklee College of Music durante el Festival de Jazz de Monterrey, del que es un activo miembro organizador.


title: Clint Eastwood

text: Clint Eastwood ha participado en más de cincuenta películas durante toda su carrera, ya sea como actor, director, productor o compositor. Actuó en varias series de televisión, la más famosa de las cuales fue "Rawhide". Comenzó a dirigir en 1970 e hizo su debut como productor en 1982 en "Firefox", aunque ya había sido productor sin aparecer en los créditos en todos los filmes de Malpaso Company desde 1968 con "Hang 'Em High" ("Cometieron dos errores"). Eastwood ha contribuido también poniendo música a varias de sus películas, ya sea como intérprete, escritor o compositor. Las películas en las que ha actuado han sido generalmente de género dramático, de acción o westerns. Según la página web que tiene los datos de recaudación de las películas, Box Office Mojo, los filmes protagonizados por Clint Eastwood han recaudado más de 1710 millones de dólares solo en los Estados Unidos, es decir, una media de más de 37 millones por película.


title: Clint Eastwood

text: Eastwood ha sido galardonado con numerosos premios y distinciones por su extensa carrera en el cine, la televisión y la música. Sus mayores aportaciones han sido al mundo del cine y por ello ha recibido premios Óscar, premios del Sindicato de Directores de los Estados Unidos, premios Globos de Oro y premios People's Choice, entre muchos otros. Es una de las dos personas, junto a Warren Beatty, que ha sido nominado dos veces a mejor actor y mejor director por las mismas películas ("Sin perdón" y "Million Dollar Baby"). Asimismo, junto a Beatty, Robert Redford, Richard Attenborough, Kevin Costner y Mel Gibson, es uno de los pocos actores de renombre que han recibido un Óscar a mejor director. En 2005 se convirtió en uno de los tres directores vivos (los otros dos son Miloš Forman y Francis Ford Coppola) que ha dirigido dos filmes ganadores del Óscar a mejor película. Además, a sus 74 años pasó a ser el más anciano galardonado con el premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas a mejor director. Eastwood ha dirigido a cinco actores ganadores del premio Óscar a la mejor interpretación: Gene Hackman por "Sin perdón", Tim Robbins y Sean Penn por "Mystic River" y Morgan Freeman y Hilary Swank por "Million Dollar Baby".


title: Clint Eastwood

text: El 22 de agosto de 1984 Eastwood fue honrado en una ceremonia en el Teatro Chino de Los Ángeles en la que grabó en cemento las impresiones de sus manos y pies. En 1996 recibió el premio a toda una vida del American Film Institute y en 2009 esta misma institución le otorgó un doctorado honoris causa. El 6 de diciembre de 2006 el entonces gobernador de California, Arnold Schwarzenegger, incluyó a Clint Eastwood en el Salón de la Fama de California que se encuentra en The California Museum. En 2007 fue investido con la mayor distinción civil de la República Francesa, la Legión de Honor, que le entregó en París el presidente francés Jacques Chirac tras afirmar que el actor encarna «lo mejor de Hollywood». En octubre de 2009 le entregaron el premio Lumière (bautizado así en honor de los Hermanos Lumière, inventores del cinematógrafo) durante la primera edición del Festival Lumière de Lyon. Este premio honra toda su carrera y sus grandes contribuciones al Séptimo Arte. En febrero de 2010 el presidente de los Estados Unidos, Barack Obama, le galardonó con un premio de artes y humanidades y describió sus películas como «ensayos de individualidad, verdades duras y la esencia de lo que significa ser estadounidense».


title: Clint Eastwood

text: Clint Eastwood también tiene al menos tres doctorados honoris causa otorgados por universidades, entre ellos uno que le entregó la Universidad del Pacífico en 2006, otro de doctor en letras por la Universidad del Sur de California en 2007 y un doctorado en música del Berklee College of Music que le fue otorgado el 22 de septiembre de 2007 durante el Festival de Jazz de Monterrey. El 22 de julio de 2009, recibió de manos del emperador Akihito de Japón la Orden del Sol Naciente, de 3.ª Clase, por sus notables contribuciones a la mejora de las relaciones entre Japón y Estados Unidos.


title: Clint Eastwood

text: Eastwood ha estado casado dos veces, y tiene seis hijas y dos hijos de seis compañeras sentimentales.


title: Gregory Peck

text: Eldred Gregory Peck, conocido como Gregory Peck (La Jolla, San Diego, 5 de abril de 1916-Los Ángeles, 12 de junio de 2003) fue un actor estadounidense. Por su actuación de Atticus Finch en la película "Matar a un ruiseñor" (1962) obtuvo el .


title: Gregory Peck

text: Peck también recibió nominaciones para el Óscar por su actuación en "Las llaves del Reino" (1944), "The Yearling" (1946), "Gentleman´s Agreement" (La Barrera invisible, 1947) y "Twelve O'Clock High" (1949). Lyndon B. Johnson, presidente de Estados Unidos, otorgó a Peck la Medalla Presidencial de la Libertad en 1969 por sus esfuerzos humanitarios. En 1999, el Instituto Americano de Films nombró a Peck como Uno de las Más Grandes Actores de Hollywood.


title: Gregory Peck

text: Eldred Gregory Peck nació en San Diego (California) en medio de la comunidad de La Jolla, hijo de Gregory Pearl Peck, un farmacéutico de ascendencia armenio-irlandesa, y Bernice Mae Ayres, de ascendencia escocesa. El padre de Peck era católico y su madre se convirtió al catolicismo después de casarse. A pesar de una estricta vida centrada en el catolicismo, sus padres se divorciaron cuando él era aún muy niño y su infancia transcurrió en compañía de su abuela, una gran aficionada al cine que lo llevaba a ver películas todas las semanas.


title: Gregory Peck

text: Cuando tenía 10 años fue enviado a una escuela católica militar, Saint John's Military Academy en Los Ángeles. Cuando cursaba estudios en esta academia, su abuela falleció. A la edad de 14 años fue a vivir a San Diego con su padre, estudiando en el Instituto de Bachillerato de San Diego.


title: Gregory Peck

text: De padre farmacéutico, se propuso estudiar medicina, pero abandonó la idea en la Universidad de Berkeley, cuando descubrió su vocación por la interpretación en el grupo de teatro de la facultad. Fue a actuar y a estudiar interpretación a Nueva York, en la famosa Neighborhood Playhouse. En 1941 debutó en el teatro, en Broadway, con obras como "The Morning Star" o "The Willow and I".


title: Gregory Peck

text: En 1944 abandonó los escenarios para centrar su carrera en el cine. Su debut cinematográfico se produjo con "Days of Glory" (1944), película dirigida por el director francés Jacques Tourneur, que trabajó en Estados Unidos. "Días de gloria" es un extraño y notable film de guerra, y él hace de ruso en medio de rusos (era el momento de colaboración bélica con la URSS).


title: Gregory Peck

text: El éxito le llegó con su segunda película, "Las llaves del reino" (1944), del gran director John M. Stahl, por la cual fue nominado al Óscar por primera vez.


title: Gregory Peck

text: En 1945, Alfred Hitchcock le confió el papel protagonista de "Spellbound" (conocida como "Recuerda" en España, "Cuéntame tu vida" en Argentina, "Hechizado" en México), coprotagonizada por Ingrid Bergman; luego haría con él "El proceso Paradine". Y conmovió a los espectadores en la apasionada y trágica escena final del drama en el Oeste, "Duelo al sol" de King Vidor (1947), con Jennifer Jones.


title: Gregory Peck

text: Fue considerado un actor de versatilidad limitada, pero muy sobrio y eficaz en los papeles que se le acomodaban, dueño de una sólida prestancia escénica e innegable atractivo masculino, cuya característica principal era la destacable expresión de su torva mirada con que remarcaba sus personajes. Intervino en wésterns, comedias, películas bélicas, románticas y costumbristas, etc.


title: Gregory Peck

text: Algunos de los títulos de los filmes que interpretó son: "La barrera invisible" (1947), de Elia Kazan; "Cielo amarillo" (1948), de William A. Wellman; "David y Betsabé" (1951) junto a Susan Hayward ; "El mundo en sus manos" (1952) junto a Anthony Quinn; "Vacaciones en Roma" (1953) y "Horizontes de grandeza" (1958), ambos de William Wyler, donde se codeó con Audrey Hepburn y Jean Simmons, respectivamente, "The Bravados" (1958) con Joan Collins y "La hora final" (1959) con Ava Gardner.


title: Gregory Peck

text: Luego participó en la superproducción "La conquista del Oeste" (1962) y tuvo papeles protagonistas en filmes como: "Matar a un ruiseñor" (1962), por la que ganó un Óscar; "Arabesque" (1966) con Sophia Loren; "El oro de Mackenna" (1969); "Yo vigilo el camino" (1970); "La profecía" (1976) con Lee Remick; "Los niños del Brasil" (1978) con Lawrence Olivier y James Mason, y finalmente en "The Scarlet and the Black" (1983) y en "Gringo viejo" (1989) junto a Jane Fonda. En 1982, realizó una destacable caracterización de Abraham Lincoln en la serie para televisión "The Blue and the Gray".


title: Gregory Peck

text: Una de sus más logradas interpretaciones y quizás la más recordada fue la del intrincado capitán Ahab en "Moby Dick", dirigida por John Huston en 1956 y su otro hito actoral fue dando vida al General Mac Arthur, en la película "El general rebelde" (MacArthur) (1977), del director Joseph Sargent. Mantuvo un prolongado estatus como estrella de Hollywood durante los años cuarenta, cincuenta y sesenta, iniciando su declive artístico en los setenta. Sin embargo, fue uno de los pocos actores del cine clásico de Hollywood que se mantuvo en activo hasta finales del siglo XX.


title: Gregory Peck

text: Mantuvo una entrañable amistad con la actriz Audrey Hepburn (junto a la que colaboró en tareas humanitarias), tuvo un affaire con Ingrid Bergman durante el rodaje del filme "Spellbound" y cultivó una imagen de hombre discreto, correcto e íntegro en toda su vida pública.


title: Gregory Peck

text: En 1942 contrajo matrimonio con la productora teatral finlandesa Greta Kukkonen y tuvo tres hijos, pero terminó divorciándose en 1955 para contraer segundas nupcias con la periodista francesa Véronique Passani. Nunca pudo superar totalmente el divorcio de sus padres y el suicidio de su primogénito, Jonathan Peck (31 años) acaecido en 1975.


title: Gregory Peck

text: Murió mientras dormía en su casa el 12 de junio de 2003 a los 87 años a causa de una bronconeumonía, con su esposa Véronique junto a él. Fue sepultado en el mausoleo de la Catedral de Nuestra Señora de los Ángeles; en la ciudad de Los Ángeles en California (EE.UU.). Su panegírico fue leído por Brock Peters.


title: Gregory Peck

text: En sus últimos años estuvo muy vinculado a la vida cultural de Los Ángeles, al frente de uno de los programas de la biblioteca de esta ciudad para promocionar la lectura. Peck estuvo al frente de numerosas obras de caridad y movimientos políticos. Presidió la Sociedad Americana del Cáncer, el Instituto Americano del Cine y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Se opuso a la guerra de Vietnam y se planteó presentarse para evitar la reelección de Ronald Reagan como gobernador de California, pero finalmente no lo hizo.


title: Martin Scorsese

text: Martin Charles Scorsese (Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista y productor de cine estadounidense. Con una trayectoria que abarca más de cincuenta años, las películas de Scorsese abordan temáticas relacionadas con el catolicismo, la identidad italoestadounidense o la criminalidad, caracterizándose por su violencia, uso del lenguaje vulgar, estar ambientadas en la ciudad de Nueva York y la inclusión de canciones pop, "rock" y clásicas en la banda sonora. El origen italiano y católico de su familia, su infancia en Little Italy y su afición por el cine italiano y estadounidense de las décadas de 1940 y 1950 influirían en su obra como cineasta.


title: Martin Scorsese

text: Durante su formación como cineasta y poco después de graduarse en la Universidad de Nueva York, realizó sus primeros cortometrajes y el largometraje "Who's That Knocking at My Door" (1967). Posteriormente, captó la atención de la crítica con la cinta de gánsteres "Mean Streets" (1973), donde el estilo que lo iba a caracterizar como director se hizo evidente. Logró catapultarse como parte del Nuevo Hollywood dirigiendo los filmes dramáticos "Taxi Driver" (1976) y "Toro salvaje" (1980), que consolidaron su posición de prestigio gracias su éxito crítico y las candidaturas a diversos galardones, incluyendo el Óscar. Durante esa época además, Robert De Niro comenzó a actuar bajo su dirección, una asociación que se iba a repetir en nueve largometrajes. Después de una década de resultados desparejos, regresó a su mejor nivel como realizador con "Goodfellas" (1990).


title: Martin Scorsese

text: Aunque es conocido por dirigir cintas de gánsteres gracias a la popularidad de "Goodfellas", "Casino" (1995) o "El irlandés" (2019), Scorsese ha demostrado versatilidad explorando diversos géneros. Su también comprende el musical "New York, New York" (1977), las comedias negras "El rey de la comedia" (1983) y "After Hours" (1985), el "thriller" psicológico "Cape Fear" (1991) y el drama romántico "La edad de la inocencia" (1993). Su carrera tampoco estuvo exenta de controversias, como la desatada a partir de su retrato de Jesús en "La última tentación de Cristo" (1988) o la censura sufrida por "Kundun" (1997) de parte del gobierno comunista chino. Hacia el comienzo del nuevo milenio sus producciones comenzaron a contar con mayores presupuestos, acompañados en algunos casos de éxitos comerciales sin precedentes en su carrera. El drama histórico "Gangs of New York" (2002) marcó el comienzo de su colaboración con Leonardo DiCaprio, quien actuó en cinco de sus largometrajes, incluyendo la película biográfica "El aviador" (2004), el "thriller" policíaco "The Departed" (2006), el "thriller" psicológico "Shutter Island" (2010) y la sátira de humor negro "El lobo de Wall Street" (2013). Además dirigió el drama de aventuras "Hugo" (2011) y el drama histórico "Silencio" (2016).


title: Martin Scorsese

text: Tras repetidas nominaciones, Scorsese ganó el gracias a su trabajo en "The Departed" (2006). Con nueve candidaturas al Óscar como mejor director, es el director vivo con más nominaciones en esa categoría y el segundo en la historia. Además del Óscar, se ha hecho acreedor de , entre ellos los premios Globo de Oro, BAFTA, Primetime Emmy, SAG, Palma de Oro, el y el León de Plata a la mejor dirección. El impacto de su cine en la cultura lo ha llevado a transformarse en uno de los directores más influyentes y es, en opinión del crítico de cine Roger Ebert, el «mejor director estadounidense en actividad». Varias de sus películas han sido seleccionadas entre las mejores de todos los tiempos por organizaciones como el American Film Institute o las revistas "Sight and Sound" y "Empire".


title: Martin Scorsese

text: Su labor no está limitada a la dirección de largometrajes de ficción. En sus inicios consiguió trabajos como montador, participando en la realización del documental "Woodstock" (1970), y resultó seleccionado por su mentor John Cassavetes para trabajar como asistente de edición de sonido en "Minnie and Moskowitz" (1971). Trabajando para la televisión, fue director ejecutivo y dirigió los episodios piloto de las series de HBO "Boardwalk Empire" (2010) y "Vinyl" (2016). Como aficionado a la música, ha dirigido una amplia gama de documentales relacionados al tema, incluyendo "The Last Waltz" (1978), considerado por algunos críticos como uno de los mejores documentales de música de todos los tiempos. También dirigió "No Direction Home" (2005), "Shine a Light" (2008), "" (2011) y "Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese" (2019). Asimismo, parte de sus esfuerzos están dedicados a la preservación de películas mediante The Film Foundation, una organización fundada con dichos fines en 1990.


title: Martin Scorsese

text: Scorsese nació en la ciudad de Nueva York el 17 de noviembre de 1942 como el segundo de los dos hijos de Charles Scorsese (1913-1993), planchador de ropa y actor, y Catherine Scorsese (Cappa, de soltera; 1912-1997), costurera y actriz; ambos trabajaban en el Garment District. Al momento de su nacimiento, la familia —originaria de Little Italy (Manhattan)— se trasladó al distrito de Queens, primero para vivir en el barrio de Sunnyside y más tarde en Corona. Sin embargo, a causa de un problema con el arrendador, en 1949 la familia se mudó de vuelta a Little Italy. Scorsese llegó junto a su hermano y sus padres al pequeño barrio de Little Italy para vivir por seis meses en un abarrotado apartamento en el número 232 de la Elizabeth Street junto a su abuela, hasta mudarse al tercer piso de otro apartamento en el número 253 de la misma calle. En ese entonces, la población del barrio, descrito por Scorsese como un «pueblo siciliano», era casi completamente de ese origen. Sus abuelos paternos provenían de Polizzi Generosa, ciudad ubicada en la provincia de Palermo, Sicilia, y sus abuelos maternos también eran de Palermo, precisamente de Baucina y Ciminna. El apellido original de la familia era «Scozzese», pero se transcribió erróneamente cuando sus ancestros llegaron a América. Scorsese se crio en un ambiente de clase obrera, conservador y devotamente católico. De niño, con cuatro años de edad y como consecuencia de la extirpación de las amígdalas, comenzó a sufrir de asma, lo que lo mantuvo alejado de la actividad física y de sus pares, un hecho que iba a ser crucial en su evolución creativa. Durante esa etapa sus padres comenzaron a llevarlo al cine, y fue entonces cuando desarrolló primero el interés por la pintura en acuarela y luego por las películas.


title: Martin Scorsese

text: El tiempo libre provocado por el asma también incentivó su acercamiento a la iglesia. Asistió a la St. Patrick's Old Cathedral School y durante un tiempo fue monaguillo en la antigua Catedral de San Patricio, antes de ser expulsado por llegar tarde a las misas. En un principio, su deseo era ser sacerdote y durante un año asistió al seminario Cathedral College of the Immaculate Conception, de donde fue expulsado por mal rendimiento. Su intención se mantuvo hasta 1960 cuando se percató de que su «vocación católica era, en cierto modo, a través del cine». Posteriormente asistió a la Cardinal Hayes High School, una escuela secundaria católica del Bronx, e intentó lograr un buen promedio con la intención de ser admitido en la universidad. Después de ser rechazado por la Universidad de Fordham, se matriculó en el Washington Square College, a pesar de las preocupaciones de sus padres por el hecho de que una universidad laica podría ser demasiado izquierdista. Aunque ingresó a la universidad con el propósito de estudiar filología inglesa y ser profesor, finalmente su interés se desvió hacia el cine. En 1964 consiguió un Bachelor of Arts y durante los dos años subsecuentes continuó realizando cursos adicionales. A continuación obtuvo un Máster en Bellas Artes en la School of the Arts —más tarde renombrada Tisch School of the Arts— en 1968, un año después de la fundación del instituto, perteneciente a la Universidad de Nueva York.


title: Martin Scorsese

text: El primer intento narrativo de Scorsese tuvo lugar en el año 1959 cuando influenciado por el cine épico del que había sido aficionado de niño rodó en Super-8 "Vesuvius VI". Esta mini producción inspirada en la serie de televisión detectivesca "77 Sunset Strip" y ambientada en Roma fue interpretada por amigos del director y se filmó con una cámara prestada en una azotea y en el sótano de una panadería en Lower East Side. Durante las proyecciones, el metraje de "Vesuvius VI" debía ser reproducido junto al sonido grabado por separado, lo que a menudo generaba problemas de sincronización entre ambos. Por ese motivo, Scorsese comenzó a llevar a los actores para que leyeran sus diálogos en vivo mientras él ajustaba la velocidad del proyector cuando era necesario. Ya como estudiante de la Universidad de Nueva York, realizó junto a un compañero su primer proyecto en 16 mm en blanco y negro de una duración de nueve minutos. Se desconoce el título concreto de mismo, que podría ser "Inesita, Inestia: The Art of Flamenco" o "The Art of Flamenco: Inesita", pero sí se sabe que trataba la relación entre la música, el cine y la danza, y contaba con una bailarina de flamenco como protagonista. Tampoco se tiene certeza de la función que cumplió Scorsese en el proyecto, aunque se ha especulado con que ejecutó las tareas de director o codirector, director de fotografía y montador.


title: Martin Scorsese

text: Durante sus primeros años en la universidad se vio fuertemente influenciado por el profesor de cine Haig P. Manoogian, específicamente con respecto a transmitir sentimientos y su pasión por la religión en sus filmes. Como ejercicio de una asignatura dictada por Manoogian, Scorsese realizó su primer cortometraje en solitario filmado en 16 mm, titulado "What's a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This?" (1963), cuya trama tenía como protagonista a un escritor bloqueado obsesionado con la fotografía de un bote en un lago. El corto hacía alusión a una variedad de obras y corrientes cinematográficas como la "Nouvelle vague", el cine "underground" neoyorquino, las narraciones de Algernon Blackwood y el filme "The Critic" de Mel Brooks. Su realización incluyó elementos como animaciones, montajes, "jump cuts", edición asociativa y fotogramas congelados. A mediados de la década de 1960, Scorsese comenzó a desarrollar una trilogía basada en sus experiencias en Little Italy que consistía en "Jerusalem, Jerusalem" —jamás producida—, "Who's That Knocking at My Door" y "Mean Streets". Con intenciones de empezar a ganar dinero realizó su segundo corto en 16 mm, "It's Not Just You, Murray!" (1964), un relato satírico de un gánster de Little Italy, que lo condujo a ser reconocido con el premio al mejor filme estudiantil de 1964 por el Sindicato de Productores Cinematográficos de Hollywood. El premio consistía en una pasantía de seis meses con un salario de 125 dólares por semana en los estudios de Paramount de Hollywood, pero a causa de un cambio en la administración del estudio, la pasantía fue cancelada a último momento. Todavía en la universidad, realizó su trabajo más conocido de esa época, "The Big Shave" (1967), recordado por Scorsese no solo como una crítica a la Guerra de Vietnam, sino que además, en sus palabras: «Algo más estaba sucediendo en mi interior que en realidad no tenía nada que ver con la guerra. Era simplemente una época muy mala, una época muy mala».


title: Martin Scorsese

text: Manoogian, que lo había incentivado a realizar "It's Not Just You, Murray!", asistió a Scorsese en la producción de su primer largometraje. Titulado "Bring on the Dancing Girls" en un principio y luego "I Call First", incluyó como protagonista al ex infante de marina y aspirante a actor Harvey Keitel en el rol de un joven católico de origen italiano y más tarde Thelma Schoonmaker se sumó al proyecto como montadora. Su padre, Charles Scorsese, consiguió un préstamo de seis mil dólares para financiar parte del rodaje, a realizarse en película de 35 mm en blanco y negro. Asimismo, el joven director usó el apartamento de sus padres en Elizabeth Street para ambientar escenas de interiores. El proceso de filmación fue intermitente y sufrió un sinfín de modificaciones así como diferentes títulos provisorios. En 1965 se proyectó un primer corte de sesenta y cinco minutos que no logró entusiasmar al auditorio. Más adelante, con la ayuda de Manoogian se lograron reunir 37 mil dólares extra y Scorsese convenció a Keitel para que regresara a filmar. Así, el rodaje se reanudó de manera precaria, contando con la ayuda del equipo de producción para finalizar la película cuando Scorsese se quedó sin recursos económicos. El costo total de la producción se estimó en 75 mil dólares. La cinta llegó a estrenarse en el Festival Internacional de Cine de Chicago de 1967; las proyecciones del primer corte de la película, de 65 minutos de duración, fueron, en palabras de Scorsese, «un desastre» y el filme fue «universalmente odiado».


title: Martin Scorsese

text: Más tarde, filmó un cortometraje para la Agencia de Información de los Estados Unidos, que al considerarlo «tan extraño» lo destruyó antes de que llegase a ser visto, y en 1968 se lo contrató para dirigir el largometraje "The Honeymoon Killers" con un presupuesto de 150 mil dólares. No obstante, fue despedido transcurrida una semana de rodaje: «El problema con él era que todo le tomaba demasiado tiempo», afirmó Leonard Kastle, el guionista de la película y quien iba a terminar de filmarla. Solo un par de las escenas hechas por Scorsese se incluyeron en el filme. Scorsese admitió que había sido «despedido con muy buena razón» y explicó: «Era un guion de doscientas páginas y yo filmaba todo en escenas máster sin metraje complementario». Simultáneamente, el director continuaba trabajando en la producción de su primer largometraje; para que el productor Joseph Brenner accediera a distribuir la cinta, Scorsese añadió una escena de sexo. Brenner la exhibió en el Carnegie Hall en 1970 con el título "Who's That Knocking at My Door", pero solo llegó a un par de salas de cine. No tuvo el éxito económico que Brenner esperaba, especulándose que su fracaso a la hora de atraer a los espectadores se debía a su temática «pasada de moda y confusa» y su restricción a menores de diecisiete años, al ser calificada R por su violencia y la escena de sexo explícita exigida por el productor. Pese a no alcanzar a un público masivo, "Who's That Knocking at My Door" recibió un premio en el Festival de Sorrento y llamó la atención del crítico Roger Ebert que la calificó como «un gran momento del cine estadounidense» y una «maravillosa evocación de la vida ciudadana estadounidense, anunciando la llegada de un nuevo director importante».


title: Martin Scorsese

text: Durante un periodo se ganó la vida trabajando como técnico de iluminación para Albert y David Maysles. Luego, en 1969, empezó a dictar clases de historia, realización y producción de cine y crítica cinematográfica en un curso de pregrado de la Universidad de Nueva York. Su estilo como profesor se caracterizaba por su discurso veloz, enérgico y nervioso que transmitía un fervor por las películas. Por momentos desarrollaba monólogos sobre la historia del cine cargados de reverencia y humor, los cuales a menudo provocaban que estudiantes de otras asignaturas y personal de la universidad entrara a su clase para escucharlo. Su pasión por el cine inspiró a sus alumnos, entre ellos Oliver Stone que recordó: «Poder ir a la NYU por medio de la G.I. Bill enseguida después de Vietnam y de casualidad encontrar un profesor como Scorsese en el primer año de realización de cine, es lo más afortunado que se puede ser». Tras esa experiencia como instructor en la universidad iba a continuar dirigiendo anuncios publicitarios y editando video para la CBS. Durante este periodo, se desempañó como asistente de dirección y montador del documental "Woodstock" (1970) junto a Thelma Schoonmaker y al director Michael Wadleigh.


title: Martin Scorsese

text: En mayo de 1970 formó parte del documental "Street Scenes 1970" (1970) como montador y director de una escena. Alrededor de esta época, conoció al actor y cineasta John Cassavetes, que habría de convertirse en su amigo y mentor. Ese año se trasladó a Los Ángeles para acercarse a la industria del cine, donde conoció a Brian De Palma, a través de quien iba a entrar en contacto con dos de sus futuros colaboradores: el actor Robert De Niro y el guionista Paul Schrader. Entretanto, Scorsese asumió las funciones de montador en el filme "Medicine Ball Caravan" (1971) y Cassavetes lo empleó en "Minnie and Moskowitz" (1971) como asistente de edición de sonido, lo que le permitió al director principiante ganar quinientos dólares por semana y dormir en el "set". En Los Ángeles conoció al productor de cine B Roger Corman, para quien dirigió por encargo "Boxcar Bertha" (1972). «Filmamos "Boxcar Bertha" en veinticuatro días con 650 mil dólares, y tuvo ganancias. Yo recibí cinco mil dólares», recordó Scorsese sobre la producción. Posteriormente al estreno de "Boxcar Bertha", Cassavetes lo alentó a realizar filmes propios en vez de proyectos ajenos. Ya en esos días, Scorsese tenía la intención de llevar al cine los libros "La última tentación de Cristo" y "Gangs of New York", proyectos que tardarían en ver la luz. Siguiendo el consejo de Cassavetes, comenzó a rescribir el guion de "Mean Streets" y una vez finalizado se lo envió a Corman, que le propuso financiar la producción con la condición de que el reparto estuviese conformado íntegramente por actores negros, pero Scorsese rechazó la oferta. Finalmente, fue el productor Jonathan Taplin quien reunió trecientos mil dólares para filmarla.


title: Martin Scorsese

text: Elogiada por la crítica de cine Pauline Kael, "Mean Streets" (1973) significó un avance en la trayectoria profesional de Scorsese. Narrando la vida de dos criminales de poca monta de Little Italy, en "Mean Streets" el estilo de Scorsese fraguó finalmente: violencia, culpa y redención católica, sitios crudos de Nueva York —aunque gran parte de la cinta se filmó en Los Ángeles—, montaje veloz y una banda sonora que incluía música contemporánea. La tensa atmósfera, estilo documental y dirección de la película recibió influencias de los cineastas Cassavetes y Samuel Fuller. Al año siguiente, tras ver "Mean Streets", la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en la película "Alicia ya no vive aquí" (1974). "Alicia ya no vive aquí" fue el primer trabajo que Scorsese dirigió para un estudio de Hollywood y por primera vez narró la historia desde el punto de vista de una protagonista femenina, una madre soltera que intenta triunfar como cantante. Consciente de sus limitaciones con respecto a la temática del filme, Scorsese analizó la tarea de realizadores con experiencia en cintas femeninas como Michael Curtiz y Curtis Bernhardt, al mismo tiempo que se inspiró en los estilos de Elia Kazan y especialmente en el de Cassavetes para la dirección de actores y desarrollo de los personajes. Su actuación en "Alicia ya no vive aquí" le valió a Burstyn el . Paralelamente, Scorsese exploró sus raíces étnicas en el documental "Italianamerican" (1974), sobre sus padres Charles y Catherine Scorsese.


title: Martin Scorsese

text: Su siguiente largometraje fue "Taxi Driver" (1976), una oscura pesadilla urbana acerca de la soledad. El filme lo posicionó como un hábil cineasta, asistido por el estilo visual de su director de fotografía Michael Chapman, que junto a Scorsese se inspiró en una gran cantidad de filmes ambientados en Nueva York y en el cine negro. "Taxi Driver" marcó el comienzo de una serie de colaboraciones entre Scorsese y el escritor Paul Schrader, cuya inspiración para escribir el guion tuvo origen en una noticia sobre el intento de asesinato al político George Wallace, la literatura de Fiódor Dostoyevski, el filme francés "Pickpocket" de Robert Bresson y su propia depresión. La cinta estuvo protagonizada por Robert De Niro como el angustiado y psicótico Travis Bickle, acompañado por Jodie Foster en un papel controversial como una prostituta menor de edad y Harvey Keitel como su proxeneta. El periódico "The New Yorker" describió la película como «un estudio de dos personajes: Travis contra Nueva York» y afirmó que «ningún otro filme ha representado jamás la indiferencia urbana tan poderosamente». A pesar de ser abucheada por un sector del auditorio durante su estreno en el , "Taxi Driver" se alzó con la Palma de Oro de ese año e iba a recibir cuatro nominaciones al Óscar, incluyendo a mejor película.


title: Martin Scorsese

text: El éxito económico y crítico de "Taxi Driver" impulsó a Scorsese a producir su primera película de alto presupuesto: el atípico musical "New York, New York" (1977), descrito por el propio Scorsese como «un experimento». La pareja protagonista estuvo formada por De Niro, en su tercera colaboración con el director, y Liza Minnelli. Ambos daban cuerpo a un dúo —él saxofonista, ella cantante— que a lo largo de varias décadas mantenían una relación amorosa mientras trabajaban juntos en diversos espectáculos musicales. Se filmó enteramente en Hollywood: «Podría haber filmado en Roseland. No lo hice porque elegí la idea de un filme llamado "New York, New York" hecho completamente en Hollywood. Esa era la Nueva York que teníamos en la cabeza de jóvenes», recordó el cineasta. En los años venideros el filme iba a ser recordado debido a la popularidad de una de sus canciones, «New York, New York», versionada por Frank Sinatra. Este tributo musical a la ciudad natal de Scorsese resultó en un rotundo fracaso de taquilla y también entre los críticos de cine, significando una clara decepción para el director, que consideró la posibilidad de trasladarse a Italia para dedicarse a filmar documentales durante el resto de su carrera.


title: Martin Scorsese

text: En 1977 dirigió el musical de Broadway "The Act", protagonizado por Liza Minnelli, que también fue un fracaso comercial. La decepción de "New York, New York" arrastró a Scorsese a una depresión y para entonces ya había desarrollado una grave adicción a la cocaína. Pese a lo anterior, el director aún encontró la creatividad suficiente para hacer "The Last Waltz" (1978), un documental sobre el último concierto de The Band, que tuvo lugar en el Winterland Ballroom de San Francisco en noviembre de 1976 y contó con un extenso repertorio de músicos invitados, entre ellos Bob Dylan, Neil Young, Ringo Starr, Muddy Waters, Joni Mitchell, Van Morrison, Paul Butterfield, Neil Diamond, Ronnie Wood y Eric Clapton. Con Scorsese trabajando en varios proyectos simultáneamente, el estreno del documental se postergó hacia 1978. El "Chicago Tribune" escribió en una reseña que "The Last Waltz" era «el mejor documental de "rock" de todos los tiempos» y otros medios sostuvieron opiniones similares. Ese mismo año, se exhibió otro documental dirigido por Scorsese, titulado "", acerca del vendedor de armas de "Taxi Driver". Después de vivir en Los Ángeles por una década, Scorsese se trasladó de vuelta a Nueva York.


title: Martin Scorsese

text: Luego de un periodo de depresión, mal uso de medicamentos y abuso de cocaína, en 1978 Scorsese ingresó a un hospital de Nueva York con una hemorragia interna que casi acaba con su vida. Durante diez días de internación, el director se replanteó su vida, al mismo tiempo que recibía visitas de amigos, entre ellos Robert De Niro. En ese momento, De Niro y el músico Robbie Robertson lo convencieron de realizar el que iba a ser su próximo largometraje, "Toro salvaje" (1980). El guion fue escrito por Paul Schrader adaptando las memorias escritas por el boxeador Jake LaMotta y, tras salir del hospital, Scorsese se trasladó con De Niro a la isla de San Martín para reescribirlo durante dos semanas y media. Hacia septiembre de 1979 se dio comienzo al rodaje. Contemplando la posibilidad de que este fuese su último largometraje, Scorsese volcó todas sus energías en este proyecto, refiriéndose a él como «un método "kamikaze" de realización» y añadió: «puse en él todo lo que sabía, y si se iba a hundir, se iba a hundir, y no me importaba». Scorsese decidió rodar en blanco y negro, en cierta medida para hacer al filme más realista y ambientar más apropiadamente la época y el contexto, pero así también perdió gran potencial comercial. El filme se destacó por su estilo visual, especialmente en las escenas de boxeo, donde Scorsese empleó en gran medida la cámara lenta y técnicas de distorsión de la imagen, creando estilos diferentes para cada pelea. El resultado estuvo a la par de filmes como "Mean Streets" y "Taxi Driver" con respecto a la temática: inseguridad, violencia, culpa y redención.


title: Martin Scorsese

text: "Toro salvaje" resultó ser un éxito rotundo entre los críticos de cine y logró ocho candidaturas a los Premios Óscar, incluyendo mejor película, mejor actor para De Niro por su interpretación de LaMotta, mejor actor de reparto para Joe Pesci como su hermano y representante y la primera nominación a para Scorsese. De Niro y la montadora Thelma Schoonmaker se llevaron el premio, pero la estatuilla a mejor director fue para Robert Redford por "Ordinary People". Posteriormente, "Toro salvaje" iba a continuar recibiendo reconocimientos, llegando al primer puesto en la lista de las diez mejores películas de deporte del American Film Institute y al número veinticuatro de la según la misma organización, escalando más tarde al número cuatro en la del mismo "ranking". Refiriéndose al resultado de los Óscar, Scorsese declaró: «Cuando perdí por "Toro salvaje" fue cuando me di cuenta de cual iba a ser mi lugar en el sistema si llegaba a sobrevivir: del lado de afuera mirando hacia adentro». Asimismo, el filme no tuvo los resultados esperados en la taquilla, lo que preocupó al director con respecto a su carrera, cuestionándose acerca de si los productores de los estudios accederían a financiar sus futuros proyectos.


title: Martin Scorsese

text: Tras el estreno de su drama sobre Jake LaMotta, Scorsese quería realizar la adaptación de "La última tentación de Cristo" con De Niro interpretando a Jesús, sin embargo, el proyecto no avanzó debido al desinterés del actor y la falta de apoyo financiero. Siguiendo la sugerencia de De Niro, Scorsese filmó la comedia negra "El rey de la comedia" (1983), una sátira sobre el mundo de los medios de comunicación y la celebridad, cuyo personaje principal es un solitario y afligido aspirante a comediante que irónicamente se vuelve famoso gracias a un crimen. Al igual que con "Toro salvaje", De Niro convenció a Scorsese de filmar "El rey de la comedia" mientras el segundo se encontraba en el hospital por agotamiento y neumonía. Aunque influyó en la elección de Jerry Lewis para uno de los papeles y ayudó a pulir el guion, Scorsese, aún recuperándose, no estaba motivado y sentía que el proyecto pertenecía más a De Niro que a él. El rodaje y la posproducción fueron procesos difíciles para el director, que iba a declarar que «no debería haber hecho» esa película y que en su lugar debería haber esperado por un proyecto propio. "El rey de la comedia" se proyectó en el Festival de Cannes de 1983 y resultó elegida por parte de la crítica; la revista "Time Out" la definió como «la película más siniestra del año en todo sentido, y una de las mejores» y Roger Ebert del "Chicago Sun-Times" comentó que era «una de las películas más áridas, dolorosas y heridas» que había visto. El aprecio por la película se iba a incrementar con el paso de los años. Habiéndose realizado con un presupuesto de diecinueve millones de dólares, la cinta fue un fracaso de taquilla, recaudando solamente 1,2 millones en Estados Unidos y siendo retirada de las salas de cine tras cuatro semanas.


title: Martin Scorsese

text: Cuando Scorsese estaba pronto para comenzar su tan esperada adaptación de "La última tentación de Cristo", el estudio Paramount Pictures abandonó el proyecto a una semana de comenzar el rodaje, lo que le significó una gran decepción y por este motivo empezó a fijarse en proyectos menores y de productoras independientes. A continuación dirigió la comedia "After Hours" (1985), acerca de la vida de un solitario que odia su empleo y su vida privada envuelto en una aventura kafkiana durante una noche en Manhattan. Scorsese se refirió a la película como «una reacción en contra de mi año y medio en Hollywood tratando de hacer "La última tentación de Cristo"» y como una manera de redescubrir como filmar más rápido y con la menor cantidad de dinero. Varios autores notaron la influencia de Kafka y de la adaptación "El proceso" de Orson Welles en "After Hours". La película obtuvo un más que digno resultado en taquilla y le reportó a Scorsese el . El resultado favorable de "After Hours" le permitió dirigir un filme "mainstream" y al año siguiente, en 1986, estrenó "El color del dinero", protagonizada por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. El filme es una secuela de "El buscavidas" de Robert Rossen, en la que Newman ya había interpretado al jugador de billar Eddie Felson. En esta oportunidad se trató de un homenaje en color, y a la vez, segunda parte del filme, con un ya maduro Felson redimiéndose de su pasado. En aquella época, la película fue considerada la obra más convencional del director, Newman ganó su primer Óscar y el éxito comercial del filme ayudó a que los financistas volvieran a confiar en Scorsese.


title: Martin Scorsese

text: La carrera de Scorsese se vio afectada positivamente cuando en 1987 pasó a ser cliente del representante Michael Ovitz, catalogado como el hombre más poderoso de Hollywood. Finalmente pudo filmar y estrenar en 1988 "La última tentación de Cristo", adaptación de la novela homónima de Nikos Kazantzakis. El crítico y guionista Jay Cocks trabajó junto a Scorsese revisando el guion escrito por Paul Schrader. En esta ocasión, la producción estuvo a cargo de Universal Pictures y Scorsese contó con un presupuesto de casi siete millones de dólares para rodar 62 días en Marruecos, con Willem Dafoe reemplazando a Aidan Quinn en el papel de Jesús. El estreno de "La última tentación de Cristo" desató controversias, especialmente debido al tratamiento de la sexualidad de Jesús, y produjo protestas en todo el mundo, llegando en ciertos países a su prohibición. En algunos casos las protestas tuvieron efectos contrarios, ayudando a publicitar la película y produciendo expectación en el público. Aunque el filme tuvo una respuesta tibia por parte de la crítica cinematográfica, logró recuperar los costos de producción, siendo un éxito en la taquilla de Los Ángeles. Por este filme, Scorsese recibió su segunda nominación al Óscar como mejor director.


title: Martin Scorsese

text: A finales de 1986 Woody Allen contactó a Francis Ford Coppola y Scorsese para rodar el filme colectivo "Historias de Nueva York" (1989), para el cual cada uno de ellos dirigió un mediometraje. El primero de ellos es precisamente el de Scorsese, "Life Lessons", sobre la relación amorosa entre dos pintores (Nick Nolte y Rosanna Arquette), uno de ellos más talentoso que el otro. "Life Lessons" fue una semiadaptación de la novela "El jugador" de Fiódor Dostoyevski y el guion fue escrito por Richard Price, el mismo guionista que escribió "El color del dinero".


title: Martin Scorsese

text: Después de una década de resultados desparejos, la épica de gánsteres de Scorsese "Goodfellas" (1990) fue considerada el regreso a su mejor nivel como director. Basada en el libro "Wiseguy" de Nicholas Pileggi, con "Goodfellas" regresó al género para narrar la historia semificticia del exgángster Henry Hill, interpretado por Ray Liotta, abarcando tres décadas en la vida de un trío de criminales (Liotta, Joe Pesci y Robert De Niro) que trabajan para una familia mafiosa. Las capacidades técnicas de Scorsese y el desempeño de los actores restablecieron, aumentaron y consolidaron su reputación como cineasta. Luego del estreno, el crítico Roger Ebert llamó a "Goodfellas" «la mejor película de gángsteres de todos los tiempos» y la introdujo en su lista de las mejores películas del año 1990. También formó parte de los primeros puestos de las listas de Gene Siskel y Peter Travers, y es considerada uno de los mejores logros del director. El filme recibió seis candidaturas a los , entre ellas mejor película y la tercera nominación a mejor director para Scorsese, aunque el debutante Kevin Costner se llevó la estatuilla. Pesci se alzó con la estatuilla al mejor actor de reparto por su actuación. Además, Scorsese y la película obtuvieron un sinfín de reconocimientos adicionales, entre ellos cinco y un León de Plata a la mejor dirección. Casi dos décadas más tarde, el American Film Institute la colocó en el segundo lugar de la lista de las diez mejores películas de gánsteres, solo detrás de "El padrino".


title: Martin Scorsese

text: Su trayectoria prosiguió con el lanzamiento en 1990 del documental corto "Made in Milan" sobre el diseñador de moda Giorgio Armani. Al año siguiente estrenó su séptima colaboración con Robert De Niro, el "remake" de la película de 1962 del mismo nombre "Cape Fear", un "thriller" influenciado por Alfred Hitchcock y "La noche del cazador" (1955) de Charles Laughton. Incursionando una vez más en el cine "mainstream", Scorsese quería dirigir un proyecto más "hollywoodense" y así evitar polémicas como las provocadas anteriormente por "La última tentación de Cristo" y "Goodfellas". A pesar de ello, al director no le gustó en absoluto el guion escrito por Wesley Strick y fue De Niro quien una vez más lo convenció de que el material podría tener valor. Tras recibir la autorización para reescribir el guion, Scorsese cambió el enfoque original, despojándolo de ciertos convencionalismos e ideas que consideraba «predigeridas». Así, su aporte consistió en incorporar elementos religiosos, evidentes homenajes a Hitchcock y modificar los personajes estereotipados, añadiendo características como la falta de ética profesional, el conflicto intrafamiliar o la tensión sexual. Si bien "Cape Fear" fue criticada por sus escenas de violencia misógina, su escabrosa temática le dio a Scorsese la oportunidad de experimentar con trucos y efectos visuales. El filme obtuvo dos nominaciones al Óscar y resultó el mayor éxito económico de su realizador hasta aquel momento, recaudando ochenta millones de dólares solamente en Estados Unidos.


title: Martin Scorsese

text: Durante este periodo realizó algunos cameos como actor, interpretando a Vincent van Gogh en "Los Sueños de Akira Kurosawa" (1990) del director japonés Akira Kurosawa y a un ejecutivo de una cadena televisiva en "" (1994) de Robert Redford, un personaje recordado por la frase: «El público no sintonizaba para ver increíbles muestras de habilidad intelectual. Solo querían ver el dinero», refiriéndose al programa de concursos. También fundó la productora De Fina-Cappa junto a Barbara De Fina. Su rol como productor de cine se incrementó a principios de la década, produciendo variados filmes, abarcando producciones de Hollywood ("Mad Dog and Glory", "Clockers"), cintas independientes de bajo presupuesto ("The Grifters", "Naked in New York", "Grace of My Heart", "Search and Destroy", "The Hi-Lo Country") e incluso filmes extranjeros ("Con los ojos cerrados").


title: Martin Scorsese

text: "La edad de la inocencia" (1993), una adaptación de la novela de época de Edith Wharton acerca de la restrictiva alta sociedad de Nueva York a finales del siglo , fue un cambio significativo en la carrera de Scorsese. Con una trama que narra un romance fallido, la película desafió al público habitual de Scorsese, quien quería que su película fuese una experiencia tan rica emotivamente como el libro lo había sido para él. Para lograrlo, recurrió al uso de la voz en "off" y buscó inspiración en filmes como "Senso", "El gatopardo" y "The Magnificent Ambersons" de Orson Welles. "La edad de la inocencia" se alejó de los clásicos trabajos del director, pasando de la Nueva York proletaria y criminal a la alta sociedad aristócrata; no obstante, algunos autores notaron paralelismos entre esta cinta y anteriores producciones de Scorsese —como "Goodfellas"— como el uso de la narración retrospectiva, protagonistas derrotados por los contextos sociales en los cuales se encuentran y la recreación de rituales, códigos y costumbres sociales inquebrantables. Si bien al momento de su estreno recibió elogios desde gran parte de la crítica, fue un fracaso de taquilla, significando aparentemente una pérdida económica. El filme obtuvo cinco nominaciones a los Premios Óscar —incluyendo mejor guion adaptado para Scorsese—, ganando el premio al mejor vestuario. Esta fue su primera colaboración con Daniel Day-Lewis, a quien iba a dirigir nuevamente en "Gangs of New York".


title: Martin Scorsese

text: "Casino" (1995), al igual que "La edad de la inocencia", está protagonizada por un hombre cuya ordenada vida se ve trastocada por la llegada de factores impredecibles. La trama fue desarrollada por Nicholas Pileggi a partir de un artículo del "Las Vegas Sun" de 1980 que incluía al apostador, director de casinos y socio de la delincuencia organizada Frank Rosenthal. Después de que Scorsese mostró interés en el proyecto —quería volver al género de gánsteres y ahondar en él—, Pileggi comenzó a escribir un libro y un guion simultáneamente. Una vez estrenada, "Casino" recibió elogios por el trabajo de dirección y las actuaciones, pero varios críticos señalaron que su duración era excesiva, que incluía muchos personajes antipáticos y algunos la calificaron como una secuela de "Goodfellas". Se comparó con "Goodfellas" por el uso de la voz en "off" en la narración, montaje, atmósfera, temática, excesiva violencia y la presencia en el reparto de Robert De Niro y Joe Pesci interpretando a un desenfrenado criminal. "Casino" recaudó unos 42 millones de dólares en la taquilla estadounidense y Sharon Stone recibió una candidatura al Óscar como mejor actriz. A pesar del modesto éxito de "Casino", Scorsese iba a declarar sobre Universal Pictures: «Querían hacer más dinero. Así que ese fue el final de ese tipo de película para mí». En las siguientes dos décadas el director iba a evitar en gran medida las tramas criminales.


title: Martin Scorsese

text: Si "La edad de la inocencia" había alejado y confundido a parte del público, "Kundun" (1997) fue más allá, ofreciendo una historia acerca de la vida temprana del decimocuarto dalái lama Tenzin Gyatso, la invasión del Tíbet feudal por parte la China comunista y el posterior exilio del dalái lama en India. Además de ofrecer un cambio de temática, "Kundun" presentó una narrativa y estética diferente. Los tradicionales recursos dramáticos fueron sustituidos por un elaborado "tableau vivant" de imágenes coloridas transmitiendo un ambiente hipnótico. Cabe agregar que el filme suscitó agitación y esta creó presión sobre la distribuidora, Buena Vista Pictures, que planeaba comercializarla en el mercado chino. Aunque inicialmente desafiante frente al gobierno chino, la distribuidora desde entonces se distanció del proyecto, perjudicando sus ganancias económicas. El ejecutivo Michael Eisner llegó a declarar que el filme había sido «una estúpida equivocación», agregando que «fue una forma de insulto hacia nuestros amigos, pero a excepción de los periodistas, poca gente en el mundo la vio». A pesar de no contar con actores occidentales y ser ignorada por gran parte de los medios de comunicación dominantes, "Kundun" recibió cuatro nominaciones al Óscar. Esta fue la segunda producción de Scorsese basada en la figura de un líder religioso tras "La última tentación de Cristo".


title: Martin Scorsese

text: Regresando a un territorio conocido, en "Bringing Out the Dead" (1999) Scorsese volvió a colaborar con el guionista Paul Schrader para adaptar una novela de Joe Connelly. "Bringing Out the Dead" estuvo protagonizada por Nicolas Cage como un paramédico noctámbulo bajo la presión de atender heridos por las noches en Hell's Kitchen, perseguido por recuerdos de personas que no pudo salvar. Elementos de filme como su trama y su personaje principal fueron comparados con "Taxi Driver", mientras que el rol del protagonista como salvador y su lucha por evitar las tentaciones se comparó con "La última tentación de Cristo". Las escenas finales de redención espiritual recordaron explícitamente las películas de Robert Bresson y la ambientación nocturna se asemejó a la de "After Hours". En opinión de Scorsese el filme no recibió apoyo por parte de los estudios y «desapareció» tras su estreno en los cines. Con un presupuesto de 55 millones de dólares, "Bringing Out the Dead" terminó recaudando diecisiete —incluyendo Norteamérica y el resto del mundo— y a pesar de recibir críticas favorables, la cinta iba a pasar desapercibida, siendo el único trabajo del director de la década de 1990 que no fue considerado para los Premios Óscar.


title: Martin Scorsese

text: En 2002 Scorsese estrenó uno de sus proyectos más ansiados y personales, "Gangs of New York", basado en el libro "The Gangs of New York" de Herbert Asbury. Scorsese leyó el libro en 1970 y cinco años después comenzó a trabajar en el guion. Scorsese y el diseñador de producción Dante Ferretti trabajaron más seriamente en "Gangs of New York" cuando se encontraban filmando "La edad de la inocencia" (1993), ambos proyectos, además, guionados por Jay Cocks y ambientados en la Nueva York del siglo , aunque centrándose en extremos opuestos de la sociedad. La historia adaptada por el director está mayoritariamente ambientada en la Nueva York de 1862 y narra el enfrentamiento entre pandillas de inmigrantes irlandeses y nativistas que se oponen a la inmigración poco antes de las "Draft Riots". La trama incorpora temáticas coherentes con anteriores preocupaciones del director: su ciudad de origen, violencia y divisiones subculturales a partir de diferencias étnicas.


title: Martin Scorsese

text: "Gangs of New York" se filmó en el famoso estudio de cine Cinecittà de Roma con presupuesto aproximado de cien millones de dólares, convirtiéndose en el proyecto más costoso de Scorsese hasta ese momento. La producción fue altamente problemática y varios rumores dejaron entrever un conflicto entre el director y el jefe de Miramax, Harvey Weinstein. Mientras que Scorsese quería mantener su visión artística, Weinstein quería que el filme conformara los estándares comerciales. «He sido un chico malo en el cine, pero fui bueno con Marty», aseguró el productor, pero Scorsese iba a revelar que las imposiciones de Weinstein habían sido «muy duras». El filme introdujo recursos anteriormente evitados por el director como personajes presentes con fines meramente expositivos y escenas retrospectivas. El "final cut" de "Gangs of New York" llegó a 168 minutos, mientras que la versión original del director excedía los 180 minutos de duración. Concluida la filmación, el estreno se postergó hasta diciembre de 2001 debido a que Scorsese continuaba trabajando en el montaje para acortar la duración y Weinstein consideraba que la violencia de la película no era conveniente a tan poco tiempo de los atentados del 11 de septiembre; finalmente iba a llegar a los cines en diciembre del año siguiente. "Gangs of New York" le valió a Scorsese su primer Globo de Oro al mejor director y más tarde la película obtuvo diez nominaciones al Óscar, incluyendo mejor película, mejor director y mejor actor para Daniel Day-Lewis. Significó el comienzo de su asociación con Leonardo DiCaprio.


title: Martin Scorsese

text: Asimismo, Scorsese produjo la serie documental "The Blues", que constó de siete partes acerca de la historia de la música "blues" dirigidas por cineastas como Wim Wenders, Clint Eastwood, Mike Figgis y él mismo. A principios de los años 2000 produjo una variedad filmes de realizadores emergentes, entre los cuales se incluyen "You Can Count On Me" de Kenneth Lonergan, "Lymelife" de Derick y Steven Martini y "The Young Victoria" de Jean-Marc Vallée. Durante la misma época fundó Sikelia Productions. El siguiente largometraje de Scorsese fue "El aviador", película biográfica acerca del excéntrico multimillonario, magnate del cine y pionero de la aviación Howard Hughes, llevado a la pantalla por Leonardo DiCaprio. Además de contar con una estrella como protagonista, para la realización de "El aviador" el director abandonó su abordaje personal para pasar a un estilo comercial, aplicando técnicas de imagen generada por computadora para algunas secuencias. El filme se proyectó a finales de 2004 y su éxito de taquilla estuvo acompañado por candidaturas a múltiples galardones: recibió seis nominaciones al Globo de Oro —de las cuales ganó tres— y fue la película más nominada en la entrega con once candidaturas, incluyendo mejor película y la quinta nominación a mejor director para Scorsese. Otra vez, Scorsese salió con las manos vacías al ver a Clint Eastwood llevarse el Óscar al mejor director y a mejor película por "Million Dollar Baby". Su enfrentamiento con los ejecutivos de Warner Bros. y Miramax en relación a la duración de la cinta —una disputa recurrente— durante las últimas dos semanas de montaje, casi provocó el retiro de Scorsese, que sentía que «ya no hablaba el mismo idioma» que los productores.


title: Martin Scorsese

text: Su documental "No Direction Home" narra la vida de Bob Dylan y su impacto en la música popular estadounidense y la cultura del siglo . El filme no abarca toda la carrera de Dylan; se centra en sus comienzos, su salto a la fama en los años 1960, la controversia eléctrica que produjo al pasar de tocar acústicamente a comenzar a usar la guitarra eléctrica y su retiro de los escenarios en 1966 tras un accidente. "No Direction Home" se estrenó en la televisión estadounidense y británica en septiembre de 2005 y el mismo mes se editó una versión en DVD. El filme ganó el Premio Peabody y Scorsese el .


title: Martin Scorsese

text: Scorsese regresó al género de gánsteres con el "thriller" policíaco "The Departed" (2006), basado en "Infernal Affairs" y en cierta medida en la historia del gánster Whitey Bulger. En esta cinta se reunió nuevamente con Leonardo DiCaprio y dirigió por primera vez a Jack Nicholson, Matt Damon, Mark Wahlberg y Martin Sheen. Ambientada en Boston, la trama tiene como protagonistas a Colin Sullivan (Damon), trabajando como infiltrado en la policía de Massachusetts para el jefe de la mafia local «Frank» Costello (Nicholson), y paralelamente a «Billy» Costigan, como agente encubierto de la policía dentro de la organización de Costello. "The Departed" se transformó en la película más taquillera de Scorsese hasta aquel momento, con una recaudación local de 132 millones de dólares, y fue recibida con elogios por parte de los críticos; mientras que algunos la categorizaron como el mejor logro del director desde "Goodfellas", otros la colocaron al mismo nivel que clásicos de Scorsese como "Taxi Driver" y "Toro salvaje". En febrero de 2007 se le entregó el , consiguiendo finalmente la estatuilla a la que había estado nominado en repetidas ocasiones y nunca había ganado. Además, cabe destacar que la película resultó ganadora de los Óscar a , y para Thelma Schoonmaker, su tercer Óscar conseguido gracias a su trabajo en una cinta de Scorsese. No obstante, la producción no estuvo exenta de desacuerdos entre Scorsese y Warner Bros. con respecto a determinados aspectos del filme como la violencia y el lenguaje vulgar. El director se iba a referir a las limitantes del sistema:


title: Martin Scorsese

text: A finales de 2007, rodó un anuncio publicitario para la firma productora de vinos Freixenet, titulado "The Key to Reserva", en el que Scorsese realizó un homenaje al cine de Alfred Hitchcock. Posteriormente estrenó el documental "Shine a Light", un concierto de la banda de "rock and roll" The Rolling Stones en el Beacon Theatre de la ciudad de Nueva York entre octubre y noviembre de 2006, intercalado con fragmentos de noticias y viejas entrevistas a la banda. Se proyectó en la apertura del Festival Internacional de Cine de Berlín en febrero de 2008 y su éxito comercial lo llevó a ser uno de los documentales más taquilleros del año y una de las películas de concierto más taquilleras de todos los tiempos.


title: Martin Scorsese

text: A continuación, Scorsese tenía planeado realizar "El lobo de Wall Street", sin embargo, tras cinco meses de espera, Warner Bros. no accedió a financiar el proyecto. En octubre de 2007 se anunció que Scorsese se iba a reunir con Leonardo DiCaprio para una cuarta película y hacia marzo de 2008 comenzó la filmación en Massachusetts. El nuevo largometraje se tituló "Shutter Island", basado en la novela del mismo nombre escrita por Dennis Lehane y adaptado por la guionista Laeta Kalogridis. Ambientada en los años 1950, un oficial de policía (DiCaprio) y su compañero (Mark Ruffalo) deben investigar la confusa desaparición de un interno en un hospital psiquiátrico ubicado en una isla. "Shutter Island" fue catalogada dentro de los géneros histórico, "thriller" psicológico, "neo-noir" y terror y homenajeó al cine de Alfred Hitchcock. El propio Scorsese reconoció la influencia de Hitchcock y de la cinta "The Wrong Man" en particular, tomando como referencia además "Narciso negro", "Laura" y cintas de "zombies" de los años 1940. "The New York Times" describió "Shutter Island" como «implacablemente y barrocamente interior» con la «angustiante arquitectura de una prisión de Piranesi». El filme se estrenó en febrero de 2010 y en mayo del mismo año se transformó en el filme más taquillero de Scorsese.


title: Martin Scorsese

text: Mientras Scorsese se encontraba en Boston filmando "Shutter Island", recibió la visita de Mark Wahlberg que le propuso un nuevo proyecto para la televisión, el primero del director para la pantalla chica desde su contribución en "Amazing Stories" (1986). El proyecto en cuestión era "Boardwalk Empire", una serie dramática de HBO basada en un libro de Nelson Johnson. El guionista Terence Winter creó la serie y Scorsese propuso a Steve Buscemi como protagonista de la misma, ambientada en Atlantic City durante los «felices años veinte» y ley seca en los Estados Unidos. Scorsese dirigió el primer episodio, que tuvo un costo de producción de dieciocho millones de dólares, el episodio piloto más caro de la historia hasta ese entonces. La serie se estrenó en septiembre de 2010 y contó con 4,8 millones de televidentes en su primera transmisión. Aunque en un principio su función detrás de cámaras dividió a los críticos, al año siguiente Scorsese iba a ganar el . Se mantuvo como productor ejecutivo durante las cinco temporadas que duró "Boardwalk Empire".


title: Martin Scorsese

text: Posteriormente dirigió el documental de tres horas y media titulado "" acerca de la vida y música del miembro de The Beatles George Harrison, estrenado en HBO en dos partes en octubre de 2011. Una vez más, Scorsese desafió al público acostumbrado a sus filmes violentos o religiosos, alejándose de esas temáticas con su siguiente largometraje, "Hugo", un drama de aventura en 3D basado en la novela "La invención de Hugo Cabret" de Brian Selznick. Se trató de la primera película de Scorsese en 3D y se estrenó en Estados Unidos en noviembre de 2011. Con un presupuesto de entre 150 y 170 millones de dólares, la película no logró los resultados de recaudación esperados. El fracaso en la taquilla puedo deberse a que su gran costo de producción —destinado en parte a los efectos visuales en 3D— no estuvo acompañado por la presencia de grandes estrellas entre el reparto y la dificultad para promocionar el filme dentro del mercado del cine familiar. Por otro lado, la película fue bien recibida por la crítica y recibió múltiples candidaturas a diversos galardones: con cinco Premios Óscar —sobre once candidaturas— fue junto a "The Artist" la cinta más ganadora de esa edición, ganó dos Premios BAFTA y le valió a Scorsese su tercer .


title: Martin Scorsese

text: A finales de 2013 estrenó el filme "El lobo de Wall Street", basado en la autobiografía del magnate de las finanzas Jordan Belfort. El guion fue escrito por Terence Winter y estuvo protagonizado por Leonardo DiCaprio como Belfort, junto a Jonah Hill, Matthew McConaughey y Kyle Chandler, entre otros. Narra la historia de un corredor de valores de Nueva York involucrado en un gran caso de fraude y la codicia, los excesos y la pérdida de valores que trae aparejado el sueño americano. Scorsese afirmó que «quería hacer un filme feroz» y que la idea surgió a partir de «la frustración por el no regulado mundo financiero». Alejándose de la autobiografía de Belfort y de sus anteriores filmes, Scorsese omitió el origen étnico del protagonista; según el periódico "Haaretz" el director minimizó la identidad judía de Belfort para evitar la incorrección política. La película se ubicó dentro del género de comedia negra; el crítico de cine James Berardinelli escribió: «Me reí más durante "El lobo de Wall Street" que durante cualquiera de las comedias ‘puras’ de 2013». "El lobo de Wall Street" superó a "Shutter Island" como la película más taquillera del director y fue candidata a cinco Premios Óscar: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actor de reparto y mejor guion adaptado. En una encuesta a críticos de cine llevada a cabo en 2016 por la BBC, el filme se incluyó entre las cien mejores películas del siglo. Además significó la quinta colaboración entre Scorsese y DiCaprio.


title: Martin Scorsese

text: En julio de 2014 empezó a dirigir el piloto de la serie de televisión para HBO "Vinyl", escrita por Terence Winter y George Mastras y producida por Mick Jagger. La serie, protagonizada por Bobby Cannavale como Richie Finestra, fundador y presidente de una importante compañía discográfica, está ambientada en la Nueva York de los años 1970 cuando el negocio de la música influenciada por las drogas y el sexo estaba en auge, mientras Finestra trata de resucitar su compañía y encontrar el próximo sonido en boga. El primer episodio, dirigido por Scorsese, se estrenó a principios de 2016 y logró atraer 764 mil televidentes, uno de los debuts de HBO más bajos en audiencia. "Vinyl", que había sido desarrollada por Scorsese y Jagger durante veinte años —originalmente como un filme—, se canceló tras una temporada, un hecho que el director calificó como «trágico» y comentó que tendría que haber dirigido todos los episodios. Más tarde dirigió "The Audition", un cortometraje utilizado para promocionar los casinos Studio City en las Filipinas con Leonardo DiCaprio y Robert De Niro interpretando versiones ficticias de sí mismos, compitiendo por un papel en el próximo filme del director. Fue la primera colaboración de Scorsese y De Niro en dos décadas. El corto se exhibió en octubre de 2015 junto a la apertura de Studio City. Al mismo tiempo, Scorsese fue productor ejecutivo de varios filmes independientes como "La tercera orilla" (dirigida por Celina Murga), "Revenge of the Green Dragons" (codirigida por Andrew Lau, cuyo filme "Infernal Affairs" inspiró "The Departed"), "Bleed for This" y "Free Fire".


title: Martin Scorsese

text: Su siguiente largometraje fue "Silencio", un proyecto anticipado durante años por el director —desarrollado desde 1991—, escrito por Jay Cocks y Scorsese y basado en la novela del mismo nombre escrita por Shūsaku Endō, un drama histórico sobre dos jesuitas portugueses —interpretados en la pantalla por Andrew Garfield y Adam Driver— que se enfrentan a la violencia y la persecución cuando viajan a Japón en el para encontrar a su mentor desaparecido (Liam Neeson) y promover el cristianismo. El filme tuvo su estreno mundial en noviembre de 2016 en el Pontificio Instituto Oriental en Roma y también se proyectó en la Ciudad del Vaticano. El periódico "USA Today" afirmó que «Martin Scorsese prueba que como cineasta es tan magistral con hombres de Dios como lo es con gánsteres» y otros críticos apreciaron la profundidad de la temática. Pese a las críticas favorables, la película fue ignorada casi por completo durante la temporada de galardones —fue nominada al — y tuvo resultados negativos en la taquilla, adjudicados por algunos medios a la larga duración del filme, que la ayudaran a promocionarse, menor distribución en los cines y competencia con otras películas de género dramático.


title: Martin Scorsese

text: A principios de 2019 se anunció que el esperado falso documental de Scorsese acerca de la gira de Bob Dylan de 1975, la Rolling Thunder Revue, iba a ser lanzado por Netflix. Fue su segunda incursión en la vida del músico, pero a diferencia del enfoque exclusivamente realista mostrado en "No Direction Home", en "Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese" se mezclan hecho verídicos de la gira con entrevistas ficticias. De acuerdo con la descripción de la revista "Variety", se «captura el problemático espíritu de Estados Unidos en 1975 y la alegre música que Dylan presentó durante el otoño de ese año. En parte documental, en parte concierto, en parte delirio febril, "Rolling Thunder" es una experiencia única del experto cineasta Martin Scorsese». En abril se anunció que el documental iba a ser estrenado en Netflix con estrenos la noche previa en veinte cines de ciudades estadounidenses, europeas y australianas, y posteriores proyecciones en Los Ángeles y Nueva York para darle la posibilidad al filme de ser considerado para posibles galardones.


title: Martin Scorsese

text: Después de años en desarrollo, en 2017, Scorsese comenzó a filmar "El irlandés", protagonizada por Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci. Con un presupuesto estimado de entre 159 y 225 millones de dólares, se transformó en una de las películas más costosas de Scorsese. Debido en parte de su gran costo de producción, ningún estudio se puso de acuerdo para financiar "El irlandés" y fue Netflix la empresa que financió y distribuyó la película en su plataforma. El filme se estrenó en el Festival de Cine de Nueva York en 2019, posteriormente tuvo un estreno limitado en el cine y en última instancia empezó a transmitirse a través de Netflix. En una entrevista con el crítico de cine Peter Travers, Scorsese señaló: «Cuando me acusaron de poner en peligro la experiencia teatral por hacer este filme en Netflix me pregunté: ‘¿qué es una experiencia teatral?’. Entonces miré las salas de cine y la mayoría estaban proyectando películas de superhéroes, y dije: ‘¿Qué más hay? ¿Todavía nos quedan cines para proyectar una película?’». El filme tuvo una respuesta mayoritariamente positiva de parte de los críticos y recibió candidaturas a varios galardones, incluyendo el y para Scorsese.