title: Johannes Vermeer

text: La segunda pintura histórica de Vermeer, "Diana y sus compañeras", fue pintada hacia 1655-1656. Diana, también llamada Artemisa, es la diosa griega de la caza y se la consideraba especialmente casta. En el cuadro se la representa sentada en una piedra y rodeada por cuatro ninfas. En arte, Diana era representada a menudo con vestido corto o desnuda bañándose; Vermeer la representa vestida, una concesión al puritanismo que consideraba abyecta la desnudez. Así, una ninfa medio desnuda que se encuentra detrás de Diana, vuelve la espalda al observador. El cuadro no tiene mucha acción, dos ninfas están sentadas con Diana sobre una piedra, una se encuentra al fondo y observa como la cuarta lava los pies de Diana. Esta acción ritual crea un nexo con el motivo cristiano del lavado de los pies de Jesús. La escena ocurre durante el crepúsculo, por lo que las caras de las mujeres permanecen en la sombra. La oscuridad y la diadema en forma de luna creciente son una alusión al hecho de que Diana es confundida a menudo con Selene, diosa de la Luna. Al cuadro "Diana y sus compañeras" se le han encontrado fallos, sobre todo en la representación de las posturas, por lo que se han expresado en repetidas ocasiones dudas de la autoría de Vermeer. Estas dudas no se han podido ni confirmar ni negar hasta el presente.


title: Johannes Vermeer

text: Vermeer pintó dos cuadros relacionados con su ciudad natal: "La callejuela" y "Vista de Delft". Los paisajes urbanos eran habitualmente resultado de encargos públicos o privados, muy rara vez se pintaban para el mercado libre. Razón por la que alcanzaban precios mayores que la pintura paisajística.


title: Johannes Vermeer

text: El cuadro "Vista de Delft" se pintó hacia 1660 o 1661. Vermeer lo realizó probablemente con ayuda de una cámara oscura desde un piso alto. La altura de su punto de vista queda patente sobre todo en las figuras de la esquina inferior izquierda. El cuadro muestra una vista de la ciudad con el río Schie en primer plano. Vermeer ordenó los elementos arquitectónicos en el cuadro paralelos al borde del lienzo, al igual que hizo sus demás cuadros y al contrario que otros pintores, que intentan transmitir la vida interior de la ciudad con calles que se adentran. Además colocó en primer plano dentro de la composición un área triangular de la orilla del río. Este elemento, que fue introducido en la pintura por Pieter Brueghel el Viejo, ha sido empleado con frecuencia, como por ejemplo en el cuadro "Vista del Zierikzee" de Esaias van de Velde. Vermeer empleó para colorear el paisaje sobre todo colores ocres y marrones. Sobre los edificios en la sombra en primer plano y los cascos de los barcos colocó puntos de color para representar la estructura de juntas y las incrustaciones. La luz, que se introduce entre las nubes, ilumina sobre todo los edificios que se encuentran al fondo y la torre de la Nieuwe Kerk. Con esta iluminación de la torre de la iglesia, Vermeer quería probablemente hacer una declaración política. En la Nieuwe Kerk se encontraba la tumba de Guillermo de Orange, asesinado en un atentado en 1584 en Delft, considerado como un héroe de la resistencia contra España.


title: Johannes Vermeer

text: "La alcahueta", pintada en 1656, es el primer cuadro de Vermeer que puede encuadrarse dentro de la pintura costumbrista. Es probable que Vermeer se inspirara en el cuadro de igual nombre de Dirck van Baburen que estaba en posesión de su suegra, María Thins. El cuadro aparece en varias obras de Vermeer como insinuación del tema tratado. "La alcahueta" se puede incluir en la categoría de los "Bordeeltje", cuadros de burdeles, que son una subcategoría de la pintura costumbrista. El lienzo muestra a cuatro personas, dos mujeres y dos hombres. Para clasificar con detalle la escena faltan los datos, podría tratarse tanto de una escena en un burdel como de una escena hogareña. En el primer caso, la mujer de la derecha sería una prostituta y el hombre que se encuentra detrás de ella sería un proxeneta. La mujer vestida de negro sería la alcahueta, que habría organizado el negocio. En cambio, si fuera una escena hogareña, el cuadro representaría el inicio de una relación extra matrimonial. En este caso, la alcahueta sería una mujer del vecindario que habría organizado el encuentro. En cuanto al hombre en el lado izquierdo, podría tratarse del mismo Vermeer; siendo este su único autorretrato. De las personas retratadas, solo se ven los troncos, ya que las piernas están tapadas por una mesa que se encuentra en primer plano. La composición produce sensación de lejanía respecto a la escena en el observador. Como los cuadros costumbristas también debían transmitir valores, a menudo contenían advertencias. El vino, representado por la jarra y la copa en la mano de la prostituta, cuyas mejillas están sonrosadas por el alcohol, debía comunicar que el ser humano debía permanecer de ánimo despierto a pesar de las tentaciones de los sentidos. El aspecto central del cuadro, la venalidad del amor, solo se representa indirectamente, con la mano abierta de la prostituta que espera la moneda del proxeneta. Así, Vermeer es mucho más comedido, en comparación con otros pintores que emplean señales más drásticas, como por ejemplo Frans van Mieris, que muestra en el fondo del cuadro "" a dos perros copulando.


title: Johannes Vermeer

text: El cuadro "Muchacha dormida", que fue pintado hacia 1657, es otra obra de Vermeer con mensaje moralizante. La joven mujer pintada está sentada a una mesa tapada con una alfombra oriental. La alfombra forma en la parte anterior de la mesa un triángulo y Vermeer la arregló junto con una jarra de vino y un plato de fruta. La mujer duerme apoyada en la mano, con el codo en la mesa, con la finalidad de subrayar el ocio. El vestido deja ver que no se trata de una criada, sino de la esposa del señor de la casa, encargada de la administración del hogar. Johannes Vermeer había incluido inicialmente en el cuadro varios elementos significativos más para hacer que la mujer tuviese más interacción. Así, un estudio con rayos X mostró que en la puerta se encontraba un perro y en el fondo izquierdo del cuadro un hombre, que fueron sobrepintados más tarde. Con estos elementos la interpretación de la composición se hace más fácil. El motivo del gusto por el vino se vuelve a retomar en este cuadro gracias a la presencia de la jarra, pero también en su título "Muchacha bebida y durmiendo en una mesa" que se le dio en una venta el 16 de mayo de 1696: como consecuencia de la ingesta de vino, el ama de casa descuida sus obligaciones en el hogar.


title: Johannes Vermeer

text: La mayoría de las representaciones de mujeres en los cuadros de Vermeer están relacionadas con una narrativa en la que instrumentos musicales u objetos del hogar influyen en la percepción de la acción. Solo tres cuadros se desvían de forma importante de esta tónica y se pueden denominar retratos.


title: Johannes Vermeer

text: Es muy probable que las modelos, dadas las edades y aspectos de las representadas, las jóvenes mujeres que con una minuciosidad cariñosa pintara Johannes Vermeer, se trataran de sus propias hijas.


title: Johannes Vermeer

text: El cuadro "Muchacha leyendo una carta", pintado hacia 1657 y, por lo tanto, en la primera fase de Vermeer, muestra a una mujer con una carta, que determina la acción en el cuadro. El elemento de la carta fue retomado por Vermeer en otros cuadros. En este, la muchacha está situada en el centro del cuadro, con una carta en la mano, delante de una ventana abierta. En el lado derecho se ve una cortina, en primer plano una mesa. La mujer está representada de perfil, pero el observador puede ver su cara en un reflejo en la ventana. Que la carta sea posiblemente de amor se puede leer en detalles, como la fuente llena de manzanas y melocotones, en relación a la historia de Adán y Eva. La cortina del primer plano puede reforzar esta idea, ya que está abierta en señal de revelación, pero también puede tratarse de un elemento de la composición, empleado a menudo por Vermeer.


title: Johannes Vermeer

text: En la mayoría de las representaciones de mujeres de Vermeer, la moralidad tiene un papel importante. Incluso en los cuadros de mujeres tocando música aparece el tema. Un ejemplo es el cuadro "" o "Dama parada cerca del clavicordio", pintado entre 1673 y 1675. Incluso el instrumento, un «virginal» es un indicio de la virginidad de la muchacha pintada. El hecho se deduce sobre todo porque en los Países Bajos del siglo XVII se cuidaba estrictamente de que la mujer llegase virgen al matrimonio. El cuadro de la pared, con la representación de Cupido, representa un contraste a esta forma de entender la moral.


title: Johannes Vermeer

text: El cuadro más conocido de Vermeer es su "Muchacha con turbante" o "La joven de la perla", pintado hacia 1665. Su fama se debe sobre todo a su recepción moderna y a que la obra fue la imagen elegida para representar una exitosa exposición en el Mauritshuis, en La Haya, en los años 1995 y 1996. La muchacha está representada desde un punto cercano y sin atributos narrativos, lo que diferencia notablemente este cuadro de las demás pintados por Vermeer. La identidad de la retratada es desconocida. Se podría tratar de una modelo, pero también podría tratarse de una obra de encargo. El fondo del cuadro es neutro y muy oscuro, pero multicolor y por lo tanto no es negro. El fondo oscuro refuerza la claridad de la muchacha, sobre todo la de su piel. La cabeza se inclina ligeramente, lo que le da un aire de ensoñación. La muchacha interactúa con el observador al mirarlo directamente y abrir ligeramente la boca, lo que en la pintura neerlandesa a menudo indica una conversación con el observador. La ropa de la muchacha fue realizada en colores prácticamente puros. El número de colores que se observan en el cuadro está limitado. La chaqueta de la muchacha es de color marrón amarillento y forma un contraste con el turbante azul y el cuello blanco. El turbante, con el paño amarillo cayendo hacia atrás, es una señal del interés que despertó en la época la cultura oriental, como consecuencia de las guerras contra el Imperio otomano. Así, los turbantes pasaron a ser un complemento muy apreciado y extendido en la Europa del siglo XVII. Destaca sobre todo una perla en la oreja de la muchacha, que brilla en la zona de sombra del cuello.


title: Johannes Vermeer

text: En el cuadro "El geógrafo", pintado en los años 1668 y 1669, así como en el cuadro paralelo "El astrónomo", de 1668, Vermeer trata las ciencias. También hace referencia a la Cartografía en otros cuadros, en los que el fondo está ocupado por mapas. La Cartografía era una ciencia joven y todavía se encontraba en desarrollo. En el siglo XVII, los mapas eran un objeto de lujo, pero, además de ser una señal de riqueza, en los cuadros de Vermeer también representan el conocimiento. Además, los mapas representan el poder de los Países Bajos como potencia comercial, que traficaba con países lejanos. Los Países Bajos pertenecían, Gracias a su imperio, a las potencias coloniales más importantes del siglo XVII. Un ejemplo del uso de mapas en los cuadros de Vermeer es "".


title: Johannes Vermeer

text: "El geógrafo" muestra al científico en medio del lienzo como motivo central. El geógrafo lleva el pelo largo recogido detrás de la oreja y está vestido con una toga larga. Sobre la mesa, en primer plano, hay un mapa y una manta empleada para extender los mapas. Sobre el armario del fondo hay un globo terráqueo. El científico comprueba con ayuda de un compás una distancia en el mapa, pero en ese momento mira por la ventana. La luz le da en la cara, lo que indica iluminación y sabiduría. La toga da al geógrafo un aire de misterio, lo que debe entenderse como una percepción del científico generalizada en la época.


title: Johannes Vermeer

text: Con la representación de un geógrafo y un astrónomo, Johannes Vermeer retoma un importante cambio de paradigma. Hasta el siglo XVII estaba mal visto el ocuparse de la extensión, forma e historia de la Tierra, así como de las estrellas. Ello se entendía como temerario y contrario al plan divino. Y a pesar de ello aparecieron ciencias que estudiaban de la Tierra y las estrellas desde finales del siglo XV. Desde el descubrimiento de América, Asia y África por los europeos, los comerciantes, navegantes y nobles necesitaron un mayor conocimiento geográfico, que se acumulaba en libros, mapas y globos.


title: Johannes Vermeer

text: Johannes Vermeer pintó además de sus cuadros realistas, que tratan habitualmente de asuntos banales, dos alegorías en las que personificó temas abstractos y tomó posición a través de símbolos y referencias. Los cuadros llevan por título "Alegoría de la fe", pintado entre 1671 y 1674, y "Alegoría de la pintura" o "El arte de la pintura". En ellos Vermeer se basó en el conocimiento de Cesare Ripa de la iconografía. "El arte de la pintura" fue pintado hacia 1666 y tiene un tamaño de 120×110 centímetros, que lo convierte en una de las mayores obras pintadas por Vermeer. Muchos historiadores del arte consideran este cuadro el legado pictórico de Vermeer. Así, Hans Sedlmayr empleó el título "El elogio del arte de la pintura". El nombre del cuadro se puede trazar hasta el pago de las deudas tras la muerte de Vermeer, donde se dice que «es una pintura, [...], en la que está representado el arte de la pintura.»


title: Johannes Vermeer

text: El cuadro muestra un taller de pintura, posiblemente inspirado en el del propio Vermeer, ya que una mesa de roble como la que se puede apreciar en el cuadro aparece en la lista de inventario del pintor. Sobre la mesa se encuentra un libro, símbolo de la sabiduría y la contemplación, y una máscara, que se debe entender como una representación de la escultura. Como personaje principal aparece el pintor en el centro, delante de un lienzo casi vacío. Está de espaldas al observador, de forma que mantiene su anonimato. En el fondo se encuentra una joven mujer que sirve de modelo al pintor. Lleva una capa de seda azul y una falda amarilla. En la mano izquierda tiene un libro, en la derecha un trombón. Sobre la cabeza lleva una corona de laurel, representando la fama eterna.


title: Johannes Vermeer

text: El lienzo vacío es desde el Renacimiento símbolo de la idea artística que toma forma en el proceso pictórico. Que el pintor trabaje en un cuadro mientras sobre la mesa permanece una máscara ha sido interpretado como la competición de las artes, la "Paragone". De esta forma, la pintura triunfa sobre la escultura. Estudios modernos dan casi por seguro que la mujer no es simplemente una modelo o alegoría de la Fama, sino que representa a la musa Clío, musa de la Historia en la mitología griega. A favor de esta interpretación habla también el mapa de Nicolaus Visscher colgado en la pared, al fondo, en el que aparecen las 17 antiguas provincias de los Países Bajos antes de la paz con España en 1609. El mapa está rodeado a ambos lados con vistas de ciudades y Clío aparece con su trombón, que es símbolo de la fama, delante de La Haya, con la vista del palacio real. Esto se puede interpretar como homenaje de Vermeer a la Casa de Orange. El cuadro fue pintado a comienzos de la Guerra Franco-Neerlandesa, que se extendió de 1672 a 1678, en una época de desórdenes internos en los Países Bajos, en la que la esperanza recaía sobre los Orange. Además, se revela una actitud positiva hacia el Sacro Imperio Romano Germánico por ejemplo a través de la lámpara con el águila bicéfala de los Habsburgo.


title: Johannes Vermeer

text: No se han encontrado dibujos que puedan ser atribuidos con seguridad a Johannes Vermeer. Su falta ha provocado que muchos autores supongan que Vermeer no necesitaba estudios para sus cuadros. A esta idea se opone el controvertido dibujo "Muchacha con calentador de pies" que es atribuido a Vermeer y datado en 1655. Es un dibujo de 25,5 × 16,5 centímetros, dibujado con tiza sobre papel azul y se encuentra en la actualidad en la colección de Museo del Palacio de Weimar. Los defensores de la atribución la fundamentan sobre todo en parecidos estilísticos y el parecido del monograma que aparece sobre el calentador de pies con las firmas sobre los cuadros "Muchacha leyendo una carta" y "Vista de Delft". Aquellos que se oponen afirman que el papel azul solo empezó a fabricarse en siglos posteriores. Lo que se contradice con una noticia de Karel van Mander, anterior a Vermeer y autor del "Schilderboeks". Van Mander describió a un alumno del retratista Michiel Miereveld de Delft: «es aplicado investigando la belleza más madura de la pintura, al dar color emplea diferentes maneras inventadas por él mismo, también dibuja entre medio en papel azul [...]» Esto indica que existía papel azul en el área de Delft mucho antes de Vermeer.


title: Johannes Vermeer

text: La obra de Vermeer fue realizada entre 1654 y 1675. Solamente tres de sus cuadros tiene fecha y de los demás solo se estima el momento de ejecución por el estilo empleado.


title: Johannes Vermeer

text: El primero que tiene fecha es "la alcahueta" de 1656. Su estilo está muy alejado de los interiores y de los paisajes que lo han encumbrado. Hay otros dos cuadros que deben ser anteriores a esa fecha, se trata de "Cristo en casa de María" y "El descanso de María", en ambos casos se consideran obras juveniles.


title: Johannes Vermeer

text: El género de interiores con varios personajes representados en una habitación había sido creado entre 1620-30 y se había consolidado en los Países Bajos. En "La joven dormida", pintado sobre 1657, seguramente posterior a "La alcahueta", Vermeer se confiesa seguidor de este género. En 1653, se había establecido en Delf, el pintor Pieter de Hooch, tres años mayor que Vermeer. Entre 1658 y 1660 realizó que debieron asombrar por su calidad. Su influencia sobre Vermeer está confirmada en cuatro cuadros que recuerdan de forma clara la manera de Hooch. Se trata de "Muchacha leyendo una carta", "Militar y muchacha riendo", "Dama bebiendo con un caballero" y "La lechera". Vermeer reduce los personajes a 1 o 2, pero sobre todo se dedica a representar los detalles con la máxima perfección, como el pulido de la madera o la suavidad de las telas. En cuadros como la "Dama bebiendo con un caballero" consigue una unidad, intimidad y serenidad que sobrepasa la obra de Hooch.


title: Johannes Vermeer

text: Las experiencias en Delft de los pintores con el paisaje urbano tuvieron un momento magistral en la serie de cuadros de Hooch fechados en 1658, entre ellos el sorprendente . Según Albert Blankert estos cuadros de Hooch debieron incitar a Vermeer a ensayar la pintura de exteriores. Pero Vermeer nuevamente realiza un mejor cuadro, "La callejuela", donde en lugar de un planteamiento en profundidad como en "Patio interior" representó en un mismo plano una sucesión de fachadas y puertas con un colorido más claro y un modelado más preciso empleando su famosa técnica del punteado. En esta técnica, también llamada pointillé (la cual no debe ser confundida con el "puntillismo"), los colores transparentes los producía aplicando pintura perdidamente en capas granulares del lienzo.


title: Johannes Vermeer

text: Posiblemente después de "La callejuela", Vermeer se aventuró con un paisaje exterior más amplio: "Vista de Delft". Se trata de una vista totalmente exacta y fiel y seguramente se ayudó de una cámara oscura. En ella consiguió expresar la impresión de la luz con total maestría.


title: Johannes Vermeer

text: Estas obras, desde "La muchacha leyendo una carta" hasta "Vista de Delft" pintadas de 1656 a 1661, corresponden a un mismo estilo. Se encuentra en ellas el mismo modelado firme y enérgico y el color es aplicado en capas bastantes espesas, sobre todo en las partes claras.


title: Johannes Vermeer

text: En sus obras posteriores, la transición se estima en 1662, Vermeer utilizó otra técnica con un modelado delicado, los contrastes pronunciados los evitaba, empleó una iluminación tenue y un refinamiento cada vez más complejo. Es el caso de "Dama con dos caballeros" y "Mujer con aguamanil".  Después realizó siete cuadros pintados con minuciosidad y factura más madura pintados entre 1662 y 1666 pues no pertenecen a su última época que surgió en 1667. Son las mejores obras de Vermeer.


title: Johannes Vermeer

text: Los tres primeros tienen una única protagonista femenina y son composiciones similares. Una mesa horizontal recubierta con un tapete y con varios objetos contrasta con la verticalidad de una mujer de pie. El trazado de líneas y el modelado de formas son de una gran delicadeza. Se trata de la "Lectora en azul", "La tasadora de perlas" y "La muchacha del collar de perlas". Cada cuadro difiere en la luz y el colorido, en la muchacha del collar el amarillo y el blanco dominan, la luz difusa y el azul son los colores de la lectora de azul, mientras que una luz filtrada por una cortina naranja envuelve en penumbra la tasadora de perlas. Vermeer dispuso estas figuras en una actividad que las mantuviera inmóviles buscando el recogimiento y la armonía en reposo.


title: Johannes Vermeer

text: En los tres siguientes y buscó continuar con la minuciosidad de los tres cuadros de mujeres anteriores y desarrollando un efecto espacio mucho más complejo. Tanto en "La lección de música" como en "El concierto" estableció un potente ritmo entre los elementos que se suceden desde el primer plano hasta la pared del fondo donde una serie de rectángulos (cuadros, espejo, clavicordio) contribuyen a resaltar esta alineación de objetos en profundidad. En la misma línea desarrolló su gran obra maestra "El arte de la pintura". Allí articuló con una ejecución naturista, una composición compleja y un espacio inundado de luz, llegando a alcanzar su máximo nivel. Por último, también en "La joven de la perla" alcanzó un efecto de gran naturalidad, se centró en la mirada de la joven que constituye la esencia del cuadro, prescindiendo de todo la accesorio.


title: Johannes Vermeer

text: Después de la perfección de "El arte de la pintura" era difícil seguir progresando y Vermeer decidió cambiar de estilo buscando la estilización. Así, en el cuadro "Dama al virginal" prescinde de detalles anecdóticos de otros cuadros. Luces y sombra se ordenan de manera más rigurosa. Además para mostrar esa realidad más simplificada vuelve a cambiar de técnica. Abandona las transiciones progresivas de color y opta por la yuxtaposición de colores claros y oscuros. Realizó varios cuadros de esta forma como el astrónomo del Louvre, pero donde consiguió mejorar en esta nueva técnica es en "La encajera" donde representó una mujer concentrada en su trabajo, lo consiguió centrando la atención en el rostro y las manos y prescindiendo de detalles que podían desviar la atención. Consiguió la misma maestría en "Una dama que escribe una carta y su sirvienta" donde combinando elementos habituales consiguió representar una serenidad que no se encuentra en cuadros anteriores.


title: Johannes Vermeer

text: El estilo tardío se extrema en "Mujer tocando la guitarra", algunos detalles son tratados esquemáticamente, pero Vermeer que siempre había optado por figuras inmóviles y tranquilas, abandona su ideal que siempre había buscado haciendo reír y moverse a su protagonista. a partir de 1672 vieren unos años de dificultades económicas y parece que pintó una serie de obras por encargo donde se aprecia su decadencia. Se aprecia en cuadros como "Alegoría de la fe" donde prescinde de sus búsquedas y de sus hallazgos o en mujer sentada tocando la espineta donde también se aprecia el declinar de su fuerza creadora como en los pliegues del vestido que ya no tienen su maestría o el cuadro ya no tiene no tiene su luz y aparece en penumbra.


title: Johannes Vermeer

text: A lo largo de su vida, Vermeer trabajó lentamente y con sumo cuidado usando colores brillantes, así como algunos caros pigmentos: como el azul intenso que destaca en algunas de sus obras. No hay dibujos que puedan atribuírsele exactamente a Vermeer y sus pinturas ofrecen pocas claves sobre métodos preliminares. No hay otro artista del siglo XVII que haya utilizado sus primeros trabajos, en forma tan exuberante, el caro pigmento que manifiesta el tono lapislázuli o ultramarino natural. Vermeer no solo empleaba esta técnica en elementos de este tono; los colores terrosos y ocres debían ser entendidos como luz cálida en una pintura fuertemente iluminada, que reflejaba sus múltiples tonos en la pared. Este método fue inspirado muy probablemente por la comprensión que Vermeer tenía de las observaciones de Leonardo, donde manifestaba que la superficie de todo objeto compartía el color del objeto adyacente. Esto significa que ningún objeto es visto propiamente en su color natural puro.


title: Johannes Vermeer

text: Destacable es el uso de este efecto con el ultramarino natural en "Dama con dos caballeros o Muchacha con copa de vino". Las sombras del vestido satinado rojo son pintadas con ultramarino natural, y gracias a este azul puesto en capa de pintura, la mezcla de rojo y bermellón sobrepuesto adquiere un suave purpúreo, frío y crispante que es más poderoso. A pesar de sus problemas financieros, Vermeer continuó utilizando el ultramarino natural ampliamente; tal es el caso de la "Dama sentada en un virginal".


title: Johannes Vermeer

text: Johannes Vermeer fue un precursor en la pintura en relación a los principios de la composición. Empleó una división equilibrada de superficies, con las que también expresaba estructuras y situaciones complejas de forma sencilla y con pocos elementos. La geometría tenía un papel importante en la composición. Vermeer empleaba la luz de manera que casi llegaba a dar la impresión de que pintaba al aire libre. Además, no empleaba tonos grises para representar sombras. Vermeer se destacaba en la restitución de la luz, de la textura, de la perspectiva y de los colores trasparentes.


title: Johannes Vermeer

text: El pintor neerlandés Vincent van Gogh escribió al también pintor Émile Bernard: Una y otra vez se ha afirmado que Vermeer empleó una cámara oscura en sus cuadros para lograr el posicionamiento preciso de sus composiciones. Por ejemplo, Norbert Schneider escribió: David Hockney entre otros historiadores y promovedores de la tesis Hockney-Falco, también ha especulado que Vermeer utilizaba cámara obscura, ratificando esta idea ciertos efectos de luz y perspectiva que resultaban del manejo de lentes, en lugar del uso de directo de la vista humana.


title: Johannes Vermeer

text: No todos los expertos comparten esta opinión. Una multitud de estudios se han dedicado al tema. También entre los estudiosos que afirman con seguridad que Vermeer empleó la cámara oscura, todavía surgen importantes debates sobre la frecuencia con la que la usó. Las discusiones comenzaron cuando el litógrafo estadounidense Joseph Pennell señaló en 1891 por primera vez la «perspectiva fotográfica» del cuadro "Militar y muchacha riendo". Charles Seymour y Arthur K. Wheelock jr. afirman que Vermeer empleó una cámara oscura en los cuadros "", "", "" y "" a causa del efecto visual de halo. Jørgen Wadum en cambio hace más hincapié en el desarrollo de Vermeer y su calidad como pintor de perspectivas: trece cuadros tienen un pequeño agujero que fue realizado con una aguja en el lienzo.


title: Johannes Vermeer

text: Jan Vermeer y su obra permanecieron en su mayor parte desconocidas durante su vida, ya que sus cuadros no encontraron un público más allá de un pequeño círculo de conocedores y seguidores. La razón es su escasa producción y que cuadros suyos llegaban solo alguna vez a subastas. Y aunque la calidad de la obra de Vermeer era apreciada, su obra apenas suscitó atención. Johannes Vermeer no fue completamente olvidado durante los siglos XVII y XVIII, pero era raramente mencionado en la literatura. Aun así, su obra era alabada en general. A comienzos del siglo XIX creció el interés en Johannes Vermeer, a pesar de que hubiese poca información biográfica disponible. Los cuadros de Vermeer fueron especialmente ensalzados en los catálogos de subastas y alcanzaron buenos precios. Por otra parte, la obra de Vermeer fue retomada por otros artistas, como por ejemplo Wybrand Hendriks, que copió la "Vista de Delft" y pintó cuadros costumbristas al estilo de Vermeer. En 1821, Christian Josi publicó un artículo con el título "Discours sur l’état ancien et moderne des arts dans les Pays-Bas", en el que intentó reunir toda la información sobre Vermeer y que encumbró la obra del pintor.


title: Johannes Vermeer

text: Después de que el cuadro "Vista de Delft" fuese especialmente elogiado en la literatura especializada, el rey Guillermo I decidió comprar la obra a través del Mauritshuis. La obra de Vermeer de la galería real del Mauritshuis llamó la atención del coleccionista de arte británico John Smith. Smith mencionó a Vermeer en su catálogo de cuadros de Francia, Flandes y los Países Bajos, que ocupaba ocho volúmenes. Smith explicó la corta fama de Vermeer con su escasa obra. Como consecuencia, John Smith se extrañó de su habilidad, tomándolo como un imitador y alumno de otro pintor.


title: Johannes Vermeer

text: A partir de mediados del siglo XIX, la pintura de Vermeer tuvo una amplia recepción. El publicista y político francés Théophile Thoré conoció la pintura neerlandesa del siglo XVII durante sus viajes por los Países Bajos y Bélgica, entre la que se encontraba la de Vermeer. Thoré reconoció que el realismo en la representación de la vida diaria se correspondía bien con la estética de su tiempo. Ayudó a la consagración de Vermeer con tres artículos periodísticos muy positivos. En los textos, William Bürger, seudónimo de Théophile Thoré, catalogaba las obras de Vermeer y caracterizaba su pintura. Con los trabajos de Thoré-Bürger Vermeer entraba por primera vez de forma importante en la literatura sobre el Arte. Los impresionistas llegaron a través de la observación de la luz a conclusiones similares a las de Vermeer, en cuyos cuadros la luz se reproducía de forma natural. Así, la obra de Vermeer consiguió cada vez más apreciación.


title: Johannes Vermeer

text: A principios del siglo XX, se descubrieron cuadros de Vermeer en colecciones privadas, como por ejemplo "Mujer joven con sombrero rojo". Estas obras habían sido atribuidas a otros pintores, como Gabriël Metsu y Pieter de Hooch. Pero Thoré-Bürger y otros críticos e historiadores del arte también atribuyeron a Vermeer cuadros que no eran suyos, como los de Jacobus Vrel y Jan Vermeer van Haarlem. El estudio de Vermeer en el siglo XX se ocupó sobre todo en la identificación exacta de la autoría. No fue hasta 1935 que el museo de Róterdam le dedicó su primera exposición individual.


title: Johannes Vermeer

text: En la actualidad, Vermeer es uno de los pintores neerlandeses más famosos. Así, en 1995 y 1996, 460.000 personas visitaron durante 14 semanas la exposición "Johannes Vermeer" en La Haya, en la que se exponían 22 de sus obras. Más extraordinario fue que las entradas se agotaran en la venta anticipada. En Washington D.C. la exposición fue visitada por 327.551 personas.


title: Johannes Vermeer

text: Johannes Vermeer fue apoyado por mecenas, que compraron la mayoría de sus cuadros. Una importante colección acabó en manos de Jacob Dissius y su esposa Magdalena van Ruijven, dueños de una imprenta, que según un inventario realizado después de 1682 poseían 19 obras de Vermeer. Algunos provenían del padre de ella, Pieter Claesz van Ruijven. Otros pueden haber sido comprados por Magdalena van Ruijven, Jacob Dissius o su padre, Abraham Jacobsz Dissius, ya en la venta de la herencia, realizada el 15 de mayo de 1677 en el local del gremio de San Lucas, se vendieron 26 obras de Vermeer. Así que es probable que ambas familias compraran cuadros del pintor.


title: Johannes Vermeer

text: Comercialmente, las obras de Vermeer siempre tuvieron una posición destacada. El 16 de mayo de 1696 en una subasta de Gerard Houet, en la que se subastaron 134 cuadros, 21 de ellos eran aparentemente de Vermeer. Los precios exigidos por estos cuadros se encontraban entre los 17 y los 200 florines. El hecho de que sus cuadros alcanzaran precios tan altos es una señal de que era un artista buscado. En la misma subasta, por ejemplo, un retrato de Rembrandt se vendió por algo más de siete florines y la "Decapitación de San Juan Bautista" atribuido a Carel Fabritius se vendió por 20 florines, lo que subraya el valor de Vermeer.


title: Johannes Vermeer

text: Con la creciente fama y aprecio de la obra de Vermeer a principios del siglo XIX, también aumentaron los precios, Así, "El geógrafo" se vendió en 1798 por siete luises y en 1803 vendido de nuevo por 36. Un año más tarde, el Estado neerlandés compró "Vista de Delft" por deseo expreso del rey, por 2900 florines, una cantidad muy alta en la época y lo entregó al Mauritshuis. A finales del siglo XIX se iban negociando cada vez más cuadros de Vermeer a precios cada vez más altos. Millonarios norteamericanos como John Pierpont Morgan, Henry Frick, Henry Marquand e Isabella Stewart Gardner compraron obras de Vermeer y fueron cortejados por los museos, para que se los prestasen o quizás traspasasen la propiedad. Un ejemplo del desarrollo de los precios es la "Alegoría de la fe". En 1899, Abraham Bredius compró este cuadro por unos 700 florines y lo prestó al Mauritshuis y al museo Boymans van Beuningen. Bredius vendió finalmente el cuadro por unos 300.000 dólares al estadounidense Michael Friedsam, que lo entregó en herencia al Museo Metropolitano de Nueva York. Por 625.000 florines compró Henri W. A. Deterding en 1921 el cuadro "La callejuela" de la colección "Collectie Six", llamada así por el coleccionista Jan Six, y se lo regaló al Estado neerlandés. Por voluntad de Deterding el cuadro se muestra en el Rijksmuseum en Ámsterdam. El desarrollo de los precios y la gran demanda convirtieron a Vermeer en un autor atractivo para falsificadores.


title: Johannes Vermeer

text: En 1940, Adolf Hitler compró "El arte de la pintura (Alegoría de la pintura)" por 1.650.000 reichsmark a los austríacos Eugen y Jaromir Czernin. Los impuestos de unos 500.000 reichsmark también fueron pagados por Hitler. Anteriormente ya había habido varias ofertas, entre otras, una de más de seis millones de dólares del secretario de estado de Estados Unidos Andrew Mellon, pero no se dio el permiso de exportación. El cuadro fue comprado para el museo de arte que tenía planeado en Linz y, tras su compra, el cuadro quedó temporalmente en Múnich. Hacia finales de la Segunda Guerra Mundial fue escondido en la mina de sal de Altaussee y después de la guerra fue tomado prestado por los estadounidenses. Estos entregaron "El arte de la pintura" al Museo de Historia del Arte de Viena.


title: Johannes Vermeer

text: En 2004, Steve Wynn subastó "Mujer joven sentada al virginal" por treinta millones de dólares. Era la primera vez que un Vermeer era subastado desde 1921.


title: Johannes Vermeer

text: Debido a que la autoría de Vermeer solo se considera segura en 37 cuadros, ha habido una y otra vez rumores sobre la existencia de más cuadros, cuya localización sería desconocida. Esta circunstancia ha sido aprovechada para que falsificadores crearan cuadros de Vermeer supuestamente desconocidos hasta el momento y los vendiesen en el mercado del arte. La demanda de cuadros de Vermeer era tan grande que no podía ser cubierta por su escasa obra.


title: Johannes Vermeer

text: El neerlandés Han van Meegeren (1898-1947) creaba falsificaciones tan perfectas que incluso el experto en Vermeer Abraham Bredius realizó peritajes sobre la autenticidad de estas obras. Bredius confirmó entre otros la autenticidad del cuadro "Cena de Emaús" de van Meegeren, comprado por el Museo Boijmans van Beuningen de Róterdam en 1938. Incluso el Estado neerlandés compró el falso Vermeer "El lavapiés" en 1943, que se encuentra en la actualidad en el Rijksmuseum en Ámsterdam.  También el Reichsmarschall Hermann Göring compró una falsificación de Han van Meegeren para la colección que estaba creando mediante el expolio en los países ocupados de Europa durante la Segunda Guerra Mundial. La falsificación era tan buena, que las autoridades neerlandesas también la dieron por auténtica y le acusaron de traición por haber vendido bienes artísticos neerlandeses a los nazis. Para demostrar que él era el autor del cuadro en cuestión, Van Meegeren compuso un nuevo cuadro atribuible a Vermeer ante el atento examen de la policía neerlandesa. Las autoridades neerlandesas cambiaron los cargos de traición a falsificación, por los que Van Meegeren fue condenado a dos años de prisión.


title: Johannes Vermeer

text: Además de Bredius, también Wilhelm von Bode y el director del Mauritshuis, Wilhelm Martin, realizaron peritajes positivos para falsificaciones de Vermeer. Estos cuadros pertenecen en la actualidad a la National Gallery of Art de Washington.


title: Johannes Vermeer

text: Entretanto existen métodos de estudio con los que se puede fijar con seguridad si un cuadro atribuido a Johannes Vermeer ha sido pintado en la época adecuada. Falsificaciones en las que se empleó plomo moderno o compuestos de plomo moderno en los pigmentos, se pueden detectar con ayuda del método del plomo 210. El plomo 210 es un isótopo del plomo de la familia de desintegración del uranio 238, creado a partir del radio 226 con un tiempo medio de vida de 22 años. Este tiempo de vida medio tan corto puede ser empleado para identificar falsificaciones más recientes. Además, en la época de Vermeer se empleaba en los Países Bajos plomo procedente del "Mittelgebirge" de Europa Central. A partir del siglo XIX se comenzó a emplear plomo de América y Australia, de forma que la cerusa (el pigmento blanco) tiene trazas de elementos y composición isotópica diferentes que se distinguen de la cerusa antigua. Este además se caracterizaba por un alto contenido de plata y antimonio, mientras que la cerusa moderna ya no contiene estos elementos químicos, que se separan del plomo por reducción.


title: Johannes Vermeer

text: En pintura, Vermeer supuso una importante influencia para Salvador Dalí. De niño, Dalí estaba fascinado por una reproducción de "La encajera" de Vermeer que colgaba en el despacho de su padre. En 1934, pintó algunas obras relacionadas con obras de Johannes Vermeer, como "Masquerader, intoxicated by the limpid atmosphere" («El que participa en un baile de máscaras, intoxicado por una atmósfera límpida») o "Espectro de Vermeer de Delft", que representa a Vermeer como una figura oscura arrodillada, de manera que la pierna forma una mesa. Sobre la mesa se encuentra una botella y una pequeña copa. En el cuadro "Paysage avec elements enigmatiques" («Paisaje con elementos enigmáticos») del mismo año, Jan Vermeer está representado frente al caballete. En 1936, pintó "Apparition de la ville de Delft" («Aparición en la villa de Delft»), que muestra al fondo una parte de la "Vista de Delft". Salvador Dalí pidió permiso al Louvre para hacer una copia de "La encajera", que le fue concedido. De esta forma pintó en 1955 la copia y el cuadro "Peintre paranoïaque-critique de la Dentellière de Vermeer" («Pintor paranoico-crítico de la encajera de Vermeer»), en el que hace explotar el cuadro en forma de cuernos de rinoceronte. Esta forma ya había aparecido en la niñez de Dalí, porque al mirar el cuadro tenía que pensar en los cuernos.


title: Johannes Vermeer

text: Salvador Dalí admiraba a Vermeer y comparó "La encajera" con la Capilla Sixtina, señaló literalmente: Gran fama tiene la alusión al cuadro "Vista de Delft" en la obra del escritor francés Marcel Proust. Proust viajó en octubre de 1902 a los Países Bajos y vio allí, entre otros cuadros, también "Vista de Delft" de Vermeer, que fue la que más le gustó. Cuando en primavera de 1921 se mostró una colección de cuadros de maestros neerlandeses en el museo del Jeu de Paume en París, Proust fue a verla, a pesar de que estaba enfermo de asma y se había retirado de la vida pública, ya que se mostraban "Vista de Delft", "La lechera" y "La joven de la perla". En la escalera de entrada a la exposición tuvo un ataque de debilidad, que achacó a las patatas que había comido antes. Marcel Proust retomó tanto la vista de Delft como su ataque de debilidad en su obra monumental "A la recherche du temps perdu" (escrito entre 1913 y 1927, «En busca del tiempo perdido»), concretamente en su quinta parte, "La Prisonnière" (1923, «La prisionera») con su personaje "Bergotte". Gracias a una crítica, Bergotte ve fijada su atención por un «trozo de muro amarillo» en la "Vista de Delft". Este trozo de muro resulta todavía en la actualidad un misterio, ya que no se ha encontrado en el cuadro. El lugar es descrito en el francés original como "Le petit pan de mur jaune avec un auvent" y "du tout petit pan de mur jaune" («el pequeño trozo de muro con un tejadillo»). Ya que este elemento no está en el cuadro, actualmente se supone que o bien fue inventado por Proust para su novela, o bien es debido a un fallo en su memoria.


title: Johannes Vermeer

text: Recientemente, Vermeer ha conseguido una gran popularidad gracias a la novela "La joven de la perla" de Tracy Chevalier. El libro trata la cuestión de la identidad de la mujer que aparece en el cuadro "La joven de la perla", desarrollando una historia ficticia alrededor de la criada Griet, que hace de modelo. También es ficción la historia de Susan Vreeland en su libro "La joven de azul jacinto". En el libro, un cuadro ficticio de Vermeer, "Niña con costurero", que mostraría a la hija del pintor, es mostrado a través de sus dueños, desde el presente hasta el mismo Vermeer, que solo es tratado al final del libro.


title: Johannes Vermeer

text: Con "El enigma Vermeer", el pintor llega a la literatura infantil. El libro de la autora Blue Balliett trata sobre todo los cuadros "El geógrafo" y "Dama en amarillo escribiendo". Este último es robado en la historia para llamar la atención sobre el hecho de que algunos cuadros han sido atribuidos por error a Vermeer.


title: Johannes Vermeer

text: En 2005, Luigi Guarnieri escribió la novela "La doppia vita di Vermeer" («La doble vida de Vermeer»), que cuenta la historia del falsificador Han van Meegeren, que consiguió hacerse famoso con sus falsificaciones de Vermeer.


title: Johannes Vermeer

text: La obra de Vermeer no solo dejó su huella en la pintura de Dalí, sino también en su obra cinematográfica. En 1954 Dalí y Robert Descharnes comenzaron los trabajos para la realización de una película titulada "L’Histoire prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros" o también "L’aventure prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros". La película, relacionada con "La encajera" y el rinoceronte, no llegó a terminarse. También en la película surrealista "Un perro andaluz" de 1929, coescrita por Dalí, aparece brevemente "La encajera" como ilustración en un libro.


title: Johannes Vermeer

text: Peter Greenaway intentó reproducir las obras de Vermeer en su película "A Zed & Two Noughts" (1985; «Una Z y dos ceros»). En la película "All the Vermeers in New York" (1990; «Todos los Vermeer en Nueva York») de Jon Jost se menciona a menudo a Vermeer cuando una actriz francesa se encuentra con un agente en el Metropolitan Museum.


title: Johannes Vermeer

text: En 2003, el director británico Peter Webber adaptó el libro "La joven de la perla". La protagonista, Griet, la criada, fue interpretada por Scarlett Johansson y Vermeer por Colin Firth. La película "La joven de la perla" consiguió varios galardones y fue nominada a tres premios Óscar.


title: Johannes Vermeer

text: En 2013 Teller dirigió la película documental "Tim's Vermeer". Se observa al inventor Tim Jenison en un proceso de 5 años para reproducir el cuadro "Lección de música" recreando los modelos y técnica originales.


title: Abdurahman Waberi

text: Abdourahman A. Waberi (nacido el 20 de julio de 1965) es novelista, ensayista, poeta, académico y escritor de cuentos yibutiano.


title: Abdurahman Waberi

text: Abdourahman Waberi nació en la ciudad de Yibuti en la costa somalí francesa, actual República de Yibuti. Se fue a Francia en 1985 para estudiar literatura inglesa. Trabajó como consultor literario para Editions Le Serpent à plumes, París, y como crítico literario para Le Monde Diplomatique. Ha sido miembro del jurado internacional del Premio Lettre Ulysses para el Art of Reportage (Arte del Reportaje) en Berlín, Alemania (2003 y 2004).


title: Abdurahman Waberi

text: Trabajó como profesor de inglés en Caen, Francia, donde ha vivido la mayor parte del tiempo desde 1985. Fue galardonado con varios honores, incluyendo el Stefan-George-Preis 2006, el Heinrich-Heine-Universität, el Grand prix littéraire d'Afrique noire en 1996 y el Prix bienal "Mandat pour la liberté", ofrecido por PEN France en 1998. En 2005, fue elegido entre los "50 escritores del futuro" por la revista literaria francesa "Lire".


title: Abdurahman Waberi

text: De 2006 a 2007, vivió en Berlín como invitado del DAAD. En 2007, fue becario de Humanidades del Centro Donald y Susan Newhouse en el Wellesley College, EE.UU. Su obra está traducida a más de diez idiomas. En 2007, participó en el proyecto internacional de la Bolsa de Visiones. En 2010, fue miembro distinguido de William F. Podlich y profesor visitante en el Claremont McKenna College, California, miembro del jurado del Premio Literario Internacional de Dublín y miembro de la Academia de Francia Villa Médici en Roma, Italia. En mayo y junio de 2012, fue profesor visitante en la Universidad de Innsbruck, Austria. Su novela "Transit" fue finalista del premio al Mejor libro traducido (2013). Nancy Naomi Carlson recibió en 2013 una beca de traducción de literatura NEA por traducir su libro de poesía. Enseña ahora estudios franceses y francófonos y escritura creativa en la universidad de George Washington, Washington DC.


title: Orson Welles

text: George Orson Welles, más conocido como Orson Welles, (Kenosha, Wisconsin; 6 de mayo de 1915-Hollywood, California; 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista, productor y locutor de radio estadounidense.


title: Orson Welles

text: Considerado uno de los artistas más versátiles del en el campo del teatro, la radio y el cine, alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica "La guerra de los mundos", que causó conmoción en los Estados Unidos cuando muchos oyentes del programa pensaron que se trataba de una retransmisión verdadera de una invasión extraterrestre. Este sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el estudio cinematográfico RKO, que le otorgó libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar de estos beneficios, solo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: "Citizen Kane" (1941), su película más exitosa.


title: Orson Welles

text: En 1946, bajo la sospecha de ser comunista, su carrera en Hollywood se estancó y se vio obligado a trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones, algo característico del período del macartismo, durante el cual numerosos personajes de la vida pública fueron acusados de pertenecer a esta corriente ideológica y, con ello, ser enemigos de los Estados Unidos. Sobre la época, el mismo Welles escribió: «Lo malo de la izquierda estadounidense es que traicionó para salvar sus piscinas. Y no hubo unas derechas estadounidenses en mi generación. No existían intelectualmente. Solo había izquierdas y estas se traicionaron. Porque las izquierdas no fueron destruidas por McCarthy; fueron ellas mismas las que se demolieron dando paso a una nueva generación de nihilistas». Pese a su persecución y debido a su triunfo en Europa, en 1958 Welles pudo volver a Hollywood para el rodaje de su película "Touch of Evil" entre otros títulos de capital relevancia en su carrera.


title: Orson Welles

text: Entre sus otros muchos proyectos destaca la producción y dirección de películas como "Macbeth" (1948), "Otelo" (1952) -adaptaciones de obras teatrales de William Shakespeare-, "El proceso" (1962) -adaptada del libro homónimo de Franz Kafka- y "F for Fake" (1973), entre otros. Su última aparición fue en televisión, haciendo un cameo en la teleserie "Luz de luna"; murió cinco días antes de la emisión del capítulo. Su fama creció tras su muerte en 1985 y ahora se le considera uno de los más grandes directores de cine y teatro del . En 2002 fue elegido por el British Film Institute como el mejor director de la historia del cine.


title: Orson Welles

text: Orson Welles nació en Kenosha, Wisconsin, segundo hijo de Beatrice Ives, una pianista y sufragista que había cumplido una condena por sus opiniones políticas fuertemente radicales, y Richard Welles, propietario de una cadena de fábricas de camionetas e inventor aficionado proveniente de una familia rica de Virginia. Desde su nacimiento, Welles recibió una educación poco convencional de parte de sus eclécticos y adinerados padres, lo trataron como el prodigio de la familia y dirigieron su precoz talento hacia las diferentes formas de arte. El pequeño Orson aprendió rápidamente las enseñanzas de su madre y pronto se inició en la pintura.


title: Orson Welles

text: Welles hizo su primera aparición en el escenario a los tres años en una representación de la obra "Sansón y Dalila", en la Ópera de Chicago. En 1919 sus padres se separaron y Orson pasó a residir con su madre en Chicago, donde comenzó a introducirse en los círculos artísticos e intelectuales. El 10 de mayo de 1924, Beatrice Welles murió repentinamente de ictericia a la edad de cuarenta y tres. Tras la pérdida de su madre Welles vuelve a vivir con su padre y abandona para siempre su carrera musical.


title: Orson Welles

text: El Dr. Maurice Bernstein, un viejo amigo de la familia Welles y ex pretendiente de su difunta madre, estimuló en el infante el amor por el teatro, dándole una linterna mágica, un cuadro de pintura y un teatro de marionetas. A la edad de diez años, mientras estudiaba su primaria en Madison (Wisconsin), Welles se dedicó a ofrecer presentaciones escolares y dirigió y protagonizó su primera representación teatral, "El extraño caso del doctor Jekyll y míster Hyde". Al poco tiempo ingresó en la Todd School de Illinois, una escuela de vanguardia dirigida por el profesor Roger Hill, que en numerosas ocasiones Welles citó como su mentor y la persona que le suministró las ideas artísticas y literarias en las que fundamentó toda su obra futura.


title: Orson Welles

text: En 1931, a los 16 años, Welles comenzó a trabajar en el teatro en Dublín, Irlanda. Pronto se trasladó a Nueva York, donde debutó al año siguiente en Broadway con la representación de "Romeo y Julieta".


title: Orson Welles

text: Fundó posteriormente la compañía de teatro Mercury Theatre, con la que obtuvo gran éxito. En 1938, junto con varios colegas de su compañía, representó por radio, en la cadena CBS, una adaptación de la obra de H. G. Wells "La guerra de los mundos". El realismo fue tal que la emisión causó auténtico pánico en Nueva Jersey, donde, según la obra, estaba teniendo lugar la invasión de los extraterrestres. Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir dos películas.


title: Orson Welles

text: El contexto internacional del año 1939 —inestabilidad en Europa, inicio de la Segunda Guerra Mundial— también contribuyeron a potenciar el efecto que la representación de Welles tuvo en una audiencia muy sensibilizada por esos acontecimientos.


title: Orson Welles

text: Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador cinematográfico había sido casi nula, por lo que comenzó a interiorizarse de la técnica y del lenguaje del cine, contribuyendo además con un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del "documental" dentro de la propia historia. Tenía 24 años cuando convenció al guionista Herman J. Mankiewicz para escribir una historia basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de la prensa, propietario de dos importantes periódicos. Tras unos retoques que él mismo realizó en el guion, Welles dirigió la película bajo el título de "Citizen Kane". Hearst intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo en la distribución, promovidas por Hearst.


title: Orson Welles

text: Para el guion de su segunda película, "The Magnificent Ambersons" (1942), Welles se basó en la novela "The magnificent Ambersons" de Booth Tarkington (Premio Pulitzer en 1919). La película reflejaba la vida de una familia norteamericana a principios del siglo XX. El montaje final de Welles fue alterado por la RKO hasta tal punto que el cineasta dijo que habían arruinado su obra. No obstante la película conserva el vigor creativo de "Ciudadano Kane".


title: Orson Welles

text: Con "El extraño" (1946) Welles se puso al frente de un proyecto en el que, como él mismo reconoció, su implicación personal fue mínima. A pesar de todo, demostró que también sabía ser un eficaz artesano.


title: Orson Welles

text: "La dama de Shanghái" (1948), con su apariencia de thriller al uso, y similar en varios aspectos al filme "Vértigo" de Hitchcock (1958) —la ciudad de San Francisco, California, el teñido del cabello de Rita Hayworth, el traje sastre gris— trascendió los límites del género y de un enrevesado argumento, para convertirse en una tela de araña que atrapa al espectador con una rara fascinación. Se recuerda especialmente la escena en la galería de los espejos.


title: Orson Welles

text: "Mr. Arkadin" (1954) se resintió de un argumento que parecía querer aprovechar muchas de las premisas de "Citizen Kane", así como de un reparto poco adecuado si exceptuamos la interpretación del propio Welles en su papel protagonista.


title: Orson Welles

text: "Sed de mal" ("Touch of Evil", 1958) es su segunda obra maestra después de "Citizen Kane". En este subyugante thriller, Welles se reservó el papel de un obeso inspector de policía que utilizaba métodos de una ética más que dudosa hasta llegar al asesinato. La película recorre un mundo onírico y de ambientes enfermizos que tiene ecos de drama shakespeariano. El filme fue muy tocado en el montaje, e incluso se añadieron planos y escenas breves; hoy se ha repuesto dentro de lo posible con el plan de Welles (que expuso en una memoria de más de 50 pp. su crítica concreta a esa manipulación).


title: Orson Welles

text: En "El proceso" (1962) Welles intentó adaptar la novela de Franz Kafka sirviéndose de su particular estilo cinematográfico. El resultado global fue desigual, aunque sobresaliente en muchas escenas, por su capacidad de crear un mundo paralelo al de Kafka.


title: Orson Welles

text: Welles ofreció una personalísima y muy intensa visión del mundo de Shakespeare en tres películas aceptadas por todos como obras maestras: "Macbeth" (1948), "Otelo" (1952) y "Campanadas a medianoche" (1966). Esta última, inspirada en diversas obras del dramaturgo inglés, es un monumento de inventiva visual y maestría interpretativa. La película tiene como hilo conductor a Sir John Falstaff, interpretado por el propio Welles.


title: Orson Welles

text: En 1970, Welles comenzó a filmar "El otro lado del viento". La película relata los esfuerzos de un director de cine (interpretado por John Huston) para completar su última película de Hollywood y está ambientada en una gran fiesta. En 1972, Welles informó que la filmación estaba en un 96% completa, aunque en 1979 Welles solo había editado aproximadamente 40 minutos de la película. En ese año, las complicaciones legales de la propiedad de la película pusieron los negativos en una bóveda de París. En 2004, el director Peter Bogdanovich, quien actuó en la película, anunció su intención de completar la producción.


title: Orson Welles

text: El 28 de octubre de 2014, la compañía de producción con sede en Los Ángeles Royal Road Entertainment anunció que había negociado un acuerdo, con la ayuda del productor Frank Marshall , y que compraría los derechos para completar y lanzar "The Other Side of the Wind". Bogdanovich y Marshall planeaban completar la película casi terminada de Welles en Los Ángeles, con el objetivo de tenerla lista para su presentación el 6 de mayo de 2015, el centenario del nacimiento de Welles. Royal Road Entertainment y el productor alemán Jens Koethner Kaul adquirieron los derechos de Les Films de l'Astrophore y el fallecido Mehdi Boushehri. Llegaron a un acuerdo con Oja Kodar, quien heredó la propiedad de Welles de la película, y Beatrice Welles, gerente de la finca de Welles, pero a fines de 2015, los esfuerzos para completar la película se encontraban en un punto muerto.


title: Orson Welles

text: En marzo de 2017, Netflix adquirió los derechos de distribución de la película. Ese mes, el negativo original, los diarios y otras imágenes llegaron a Los Ángeles para la postproducción; la película se terminó en 2018 y se estrenó en el 75.º Festival Internacional de Cine de Venecia el 31 de agosto de 2018.


title: Orson Welles

text: El 2 de noviembre de 2018, la película debutó en teatros selectos y en Netflix, cuarenta y ocho años después de que comenzara el rodaje.


title: Orson Welles

text: Algunas imágenes están incluidas en los documentales "Trabajando con Orson Welles" (1993), "Orson Welles: One Man Band" (1995), y más ampliamente "Me amarán cuando esté muerto" (2018).


title: Orson Welles

text: En 1973, Welles estrena "F de Falso" (en España, "Fraude"), una película de corte experimental planteada como un falso documental que se anticipa a algunas propuestas del cine postmoderno y que fue reconocida como influyente por realizadores como Jean-Luc Godard. En la película aparecen Picasso y Oja Kodar.


title: Orson Welles

text: En 1976, graba su voz recitando a Edgar Allan Poe para el famoso disco "Tales of Mystery and Imagination", de Alan Parsons Project. Curiosamente jamás tuvo contacto con ningún miembro del grupo (nunca conoció en persona a Parsons), que mientras estos trabajaban en la obra en Inglaterra, Welles lo hizo en unos estudios en Estados Unidos. Por problemas técnicos de la época su participación no se incluyó en las primeras ediciones del trabajo (Alan era muy exigente y esto supuso un problema tecnológico que provocó la anulación de varias pistas de sonido en la grabación final, incluida la voz de Welles). En 2007, el álbum fue remasterizado y gracias a las mejoras técnicas actuales se incluyeron todas las pistas anuladas, recuperando la voz profunda de Welles y su magnífica forma de recitar.


title: Orson Welles

text: En 1979, hizo la narración de la versión en inglés de, "A Step Away", película oficial de los VIII Juegos Panamericanos, celebrados en Puerto Rico en 1979. Esta narración fue la última que hizo para un largometraje. La película "A Step Away", se restauró en 2010 en audio y video. El audio de la voz de Orson Welles, se sacó de la grabación de un LP original del soundtrack de la película.


title: Orson Welles

text: Su última aparición fue en octubre de 1985, en la serie de televisión "Luz de luna", donde hacía un cameo e introducía el capítulo 4 de la segunda temporada "The Dream Sequence Always Rings Twice", homenaje al cine negro de los años 40.


title: Orson Welles

text: Su último trabajo fue en la película "" de 1986, donde doblaba al malvado planeta transformer devorador de mundos Unicron. Parece que falleció unos pocos días antes de completar el trabajo y los rumores dicen que Leonard Nimoy (Galvatron) lo hizo por él, aunque el director de doblaje Wally Burr y la actriz Susan Blu (Arcee) lo han negado.


title: Orson Welles

text: Actor prolífico, Welles a menudo usaba su trabajo de actor para financiar sus proyectos como director. Fue uno de los directores de mayor talento de la historia del cine. "Citizen Kane", en su momento y ahora, representó (y representa) un prodigio de la técnica y narrativa cinematográfica. El plano secuencia inicial de "Touch of Evil" (una toma ininterrumpida de varios minutos) demuestra un dominio de la puesta en escena y organización de los movimientos como sólo un cineasta de su categoría podía conseguir, si bien él no apreciaba esos planos en exceso. Incluso obras en apariencia menores, como "The Stranger", presentan rastros de su gran talento.


title: Orson Welles

text: En ocasiones es difícil establecer la cronología exacta de su filmografía debido a las películas que inició y no pudo finalizar por falta de financiación.


title: Orson Welles

text: Orson Welles ha llamado siempre a William Shakespeare “el báculo de la vida” o a lo mejor siempre quiso decir el báculo de su propia existencia. En su infancia, el pequeño Welles gustaba leer las obras del magnánimo Shakespeare. Y como es propio de su edad, quiso jugar y divertirse con esas fantásticas historias. Sin embargo, lo hizo de una manera poco convencional y admirable para sus contemporáneos: A sus cortos diez veranos ya adaptaba dramas de su autor favorito. Más adelante,  un adolescente Welles representaba papeles "shakesperianos" en las actuaciones de la escuela. Lear, Otelo, Macbeth, Falstaff, Bruto, Claudio; todo ellos fueron transformados por él en algo más que figuras tradicionales elaboradas a través de los siglos. Con apenas 20 años, gracias a la Mercury Theatre, monta dos versiones novedosas de Shakespeare: un "Macbeth", interpretado por negros y ubicado en Haití y un "Julio César" ambientado en la estética de concentraciones de masas. Es así, como Orson Welles va  preparando el terreno cinematográfico y realiza el bosquejo de lo que, a futuro, producirá un Welles-Cineasta.


title: Orson Welles

text: «En su instituto realiza varias puestas en escena de Shakespeare, el autor al que nunca abandonará en su carrera, tanto por los textos representados como por el espíritu que anima sus creaciones propias».


title: Orson Welles

text: El mundo de Shakespeare está presente tanto en las adaptaciones "Macbeth" (1948) como en "Otelo" (1952), que rueda como inédita convicción de teatro cinematográfico, como en "Campanadas a media noche" (1966), donde se apropia de los personajes del dramaturgo para desarrollar los temas del poder, la ambición y la impostura, también presentes en dos oas que formalmente pertenecen al cine negro o policial: "La dama de Shangái" (1948)  y "Touch of Evil" (1958). Al utilizar las fuentes isabelinas en sus películas, Welles permite descubrir los antecedentes de gran parte de su obra contemporánea. En muchos aspectos gusta de los mismos temas que prefería Shakespeare como: la caída de una figura grandiosa, la pasión regida por una mala estrella, las numerosas facetas de camaradería. Sin embargo, ni en Macbeth ni en Otelo ha mostrado estricta fidelidad por la letra de las obras. Para los aficionados a los versos de Shakespeare, estas dos películas carecen de atractivo. No obstante, cinematográficamente, tiene una enorme fuerza bárbara. Si parecen melodramáticas, se debe a la firme creencia de Welles de que “Shakespeare nunca escribió una tragedia pura: no podía hacerlo.  Escribió melodramas que tenían estatura trágica pero que a pesar de todo eran todas historias melodramáticas”.


title: Orson Welles

text: Sobre la filmación de las obras de Shakespeare, Welles comenta: «Un método para alejarse de la trivialidad es volver a nuestros clásicos y por esta razón que vemos a los cineastas experimentar con Shakespeare, algunos desastrosamente y otros de otra manera». Como el teatro isabelino al que tanto ama, su propio universo, cine, está lleno, hasta la abundancia, de una rica selección de personajes, de bufones mezclados con reyes y de villanos mezclados con hombres inocentes.


title: Orson Welles

text: Welles vivió un tórrido romance entre 1938 y 1942 con la actriz mexicana Dolores del Río. Según su hija, Rebecca Welles, Dolores fue el amor de su vida. Welles estuvo casado con la actriz Rita Hayworth.


title: Orson Welles

text: Era conocido su amor por España por lo que rodó varias de sus películas en tierras españolas, en especial por Ávila, en una entrevista confesó que le gustaría retirarse allí, además cultivó la amistad de figuras conocidas del mundo de los toros de la época, como Antonio Ordóñez o Luis Miguel Dominguín.


title: Orson Welles

text: Durante toda su vida tuvo un elevado ritmo de trabajo y muchos pleitos financieros, lo que a la larga le acarrearía la muerte. Welles murió de un ataque cardíaco en Los Ángeles en 1985. Sus cenizas fueron depositadas en el municipio malagueño de Ronda, en la finca de recreo de San Cayetano, propiedad de su amigo el matador de toros Antonio Ordóñez, según tal y como había expresado. Sin embargo hay otras versiones en las cuales se dice que Orson Welles no dejó testamento alguno donde expresara sus deseos luego de su muerte, por lo cual tanto su hija como su esposa acordaron que sus cenizas fuesen esparcidas en España, ya que concordaron que ese fue el lugar donde Welles se sintió más feliz en el transcurso de su vida.


title: Orville Wright

text: Orville Wright (Dayton, Ohio, 19 de agosto de 1871-"ib.", 30 de enero de 1948) fue un empresario, aviador, ingeniero e inventor estadounidense. Pionero de la aviación, junto con su hermano Wilbur son reconocidos como los hermanos Wright.


title: Orville Wright

text: En 1892 ambos hermanos se asociaron y fundaron una fábrica de bicicletas. Los Wright se interesaron en unas ideas sobre vuelo de maquetas y, a partir de entonces, no cesaron de trabajar para así llevar al hombre en vuelo por los aires. Para la realización de sus estudios sobre el vuelo, desarrolló el primer túnel de viento en 1901 y en 1902, introdujo el empenaje vertical con timón móvil en los aviones como sistema de estabilidad que prácticamente eliminaba el peligro de la caída en barrena.


title: Orville Wright

text: Los hermanos Wright realizaron algunos modelos y maquetas antes de iniciar la construcción de un prototipo. Muchas de estas maquetas volaron por sí solas en un vuelo planeado, lo que impulsó a los Wright a seguir con su proyecto. Las dificultades no fueron menores, muchas veces los mandos tuvieron que ser adecuados para poder controlar el planeo. Uno de los mayores problemas consistió en la inclinación hacía un lado o la falta de control horizontal. Los hermanos Wright solucionaron estos problemas ingeniosamente. A pesar de que los accidentes no estuvieron ausentes, ninguno de los hermanos Wright sufrió minusvalías. El 17 de diciembre de 1903, en Kitty Hawk, Orville Wright realizó el que se considera el primer vuelo de un avión tripulado y semipropulsado con éxito, que duró 12 segundos. El aparato se llamaba "Flyer I".


title: Orville Wright

text: Los Wright eran muy celosos de su invento y no deseaban dar muchas evidencias de su aparato, de hecho las fotos se sacaron siempre desde cierta distancia, para impedir revelar los detalles. Dicho vuelo se hizo en secreto y sin testigos, para evitar el plagio de su nuevo invento, existiendo como única prueba la palabra de Orville y de su hermano.


title: Orville Wright

text: El Flyer I no era capaz de volar por sí solo, ya que requería la ayuda de una catapulta externa activada por un peso que lo lanzaba al aire, simulando un vuelo para poder así probar el funcionamiento de los mandos del avión.


title: Orville Wright

text: El 9 de septiembre de 1908, en Fort Myer (Virginia), estableció nuevas marcas cuando el primer avión Wright voló durante 62 minutos completando 57 círculos a una altura de 36,6 m.


title: Orville Wright

text: Este vuelo convirtió a Orville en una celebridad internacional. Inicio así una época de incesante actividad: al frente de su equipo de pilotos de exhibición, comprobaba todas las piezas nuevas del material utilizado en los aviones Wright y supervisaba la producción de las fábricas Wright. El ejército compró la idea de los Wright, sin embargo, la aviación tardaría aún en desarrollarse.


title: Orville Wright

text: En 1908, los Wright además llevaron el aparato a Francia donde realizaron una exitosa exhibición ante un anonadado público que estaba acostumbrado a ver planeos cortos y colisiones en tierra. De este modo arrebataron a Alberto Santos Dumont la supremacía del aire. También en 1911 realizaron un vuelo que duró 9 minutos con 45 segundos.


title: Orville Wright

text: Tras la muerte de Wilbur en 1912, Orville fue el presidente de la Wright American Company. Tres años después vendió sus acciones. Más tarde trabajó como ingeniero en la misma. Murió el 30 de enero de 1948 en Dayton.


title: Wilbur Wright

text: Wilbur Wright (Millville, Indiana; 16 de abril de 1867-Dayton, Ohio; 30 de mayo de 1912) fue un empresario, aviador, ingeniero e inventor estadounidense. Él y su hermano Orville, conocidos como los hermanos Wright, fundaron una fábrica de bicicletas en 1892. Más tarde construirían planeadores, y se los considera pioneros de la aviación.


title: Wilbur Wright

text: Tomando como punto de partida los estudios del ingeniero alemán Otto Lilienthal y de Octave Chanute, sobre los principios del vuelo empezaron a construir sus propios planeadores a partir de septiembre de 1900, en Kill Devil Hills, cerca de Kitty Hawk, Carolina del Norte.


title: Wilbur Wright

text: Ingeniosos, observadores y metódicos, hicieron grandes avances, experimentando los efectos de la presión del aire en más de 200 superficies de alas. En 1902, tras ejecutar más de 1000 vuelos con un nuevo planeador confirmaron sus datos de Kitty Hawk. Pronto obtuvieron sus primeras patentes sobre sistemas de estabilización y control de planeadores. En 1903 construyeron su primera hélice según cálculos originales, un 35% más efectiva que otras hélices fabricadas hasta entonces. A continuación construyeron un avión de 337 kg con un motor de 12 CV. El 17 de diciembre de 1903, en Kitty Hawk, realizaron sus primeros vuelos propulsados, que en contra de la creencia popular, no fueron los primeros vuelos propulsados de la historia. El francés Clément Ader, el alemán Karl Jatho y el neozelandés Richard Pearse, consiguieron hacer volar aeronaves más pesadas que el aire, impulsadas por motores de combustión interna, con anterioridad a los hermanos Wright.


title: Wilbur Wright

text: A pesar de la falta de apoyo, se dedicaron al desarrollo de máquinas y aviones mejores.


title: Wilbur Wright

text: En 1908 Wilbur Wright batió nuevas marcas de distancia y altitud de vuelo en Francia. Este mismo año los Wright firmaron un contrato con el Servicio de Transmisiones de los Estados Unidos para producir un avión que pudiera volar durante 10 minutos a una velocidad de 64 km/h. Después, recorrieron Europa, donde les rindieron honores. A su regreso a Estados Unidos en 1909, recibieron más homenajes. Wilbur fue presidente de la Wright Company. Murió el día 30 de mayo de 1912 en Dayton.


title: Fred Zinnemann

text: Fred Zinnemann (Viena, 29 de abril de 1907-Londres, 14 de marzo de 1997) fue un célebre director de cine austríaco ganador de cuatro premios Óscar.


title: Fred Zinnemann

text: Zinnemann nació en el seno de una familia judía en Rzeszów, Polonia en la parte del país que partenecía al imperio austrohúngaro hasta el año 1918. Durante su infancia en Polonia quería convertirse en músico, aunque luego estudió Derecho en Viena. Mientras estudiaba en la Universidad de Viena trabajó como operador de cámara. Trabajó después en Alemania junto a Billy Wilder y Robert Siodmak, también principiantes; los tres intervinieron en "Los hombres del domingo" (1929). Posteriormente emigró a los Estados Unidos para estudiar cine.


title: Fred Zinnemann

text: Uno de sus primeros trabajos en Hollywood sería como extra en "Sin novedad en el frente" (1930), aunque sería despedido de la producción por criticar al director del filme, Lewis Milestone. Zinnemann se basó en el realismo para realizar su primer corto de ficción "Redes" (1935), rodado en México e interpretado por actores no profesionales. Este sería uno de los primeros ejemplos del realismo que triunfaría en Italia después de la guerra.


title: Fred Zinnemann

text: Después de un cierto éxito con diferentes cortometrajes, se graduaría en 1942, dirigiendo dos thrillers de serie B, "Eyes in the Night" y "Kid Glove Killer" antes de darse a conocer con su primer éxito "La séptima cruz" (1944), protagonizado por Spencer Tracy. La película mostraba un mensaje antinazi, desarrollando la historia de siete hombres intentado escapar de un campo de concentración alemán y siendo acosados por la Gestapo.


title: Fred Zinnemann

text: Tras ser despedido del rodaje de "El Reloj" (1945) por diferencias con la actriz Judy Garland —la película la terminaría Vincente Minnelli—, realizó el melodrama "Little Mister Jim" (1946) y la comedia "My brother talk to horses" (1947), que fueron el preludio del título que lo convirtió en director de primera fila, "Los ángeles perdidos" (1948), drama bélico con tono casi de documental que sirvió para descubrir a Montgomery Clift. El director volvió a escoger auténticas localizaciones y extras del Berlín de la inmediata posguerra, en lugar de decorados de Hollywood.


title: Fred Zinnemann

text: En "Hombres" (1950), el director coincidió por primera vez con el guionista Carl Foreman y el productor Stanley Kramer, siempre interesados en conceder a sus trabajos una perspectiva y reflexión social. La película dio a conocer a uno de los mejores actores de su generación, Marlon Brando, quien encarnaba a un héroe parapléjico de la Segunda Guerra Mundial. Con este título, por el cual Foreman fue nominado al Óscar, Zinnemann exhibía su excelente tacto para definir sentimientos y psicologías. Fiel a su costumbre, filmaría muchas escenas en un hospital de California, junto a pacientes reales como extras.


title: Fred Zinnemann

text: En 1951, rodó "Teresa" (1951), un drama con Pier Angeli y John Ericson, el director ganaría su primer Óscar con el documental "Benjy" (1951), un corto narrado por Henry Fonda sobre un niño con graves problemas físicos desde su nacimiento.


title: Fred Zinnemann

text: Pero en 1952, realizaría quizás su trabajo más conocido por "Solo ante el peligro" (1952). Con un examen psicológico y moral de un hombre de la ley, protagonizado por Gary Cooper, la alegoría política recuerda a la caza de brujas del macartismo. También destaca su innovadora cronología en la que el filme dura 80 minutos, exactamente lo que dura la cuenta hacia atrás antes del duelo final.


title: Fred Zinnemann

text: Al año siguiente, Zinnemann volvería a estar en boca de todos con "De aquí a la eternidad" (1953), situada en los días anteriores al ataque de la aviación japonesa a Pearl Harbor. Sería uno de los primeros papeles principales del, hasta entonces, crooner Frank Sinatra, además de contar con un excelente reparto con Montgomery Clift, Burt Lancaster, Ernest Borgnine y Deborah Kerr. "De aquí a la eternidad" sería un éxito de taquilla, de crítica y también en la ceremonia de los Óscar, siendo la película la gran triunfadora de la noche, logrando Fred Zinnemann su primera estatuilla como mejor director.


title: Fred Zinnemann

text: Después de este, llegarían otros éxitos como el musical "Oklahoma" (1955), con Gloria Grahame, Gordon MacRae y Shirley Jones en su debut en el cine, "Un sombrero lleno de lluvia" (1957), estupendo drama sobre un adicto a las drogas encarnado por Don Murray, e "Historia de una monja" (1959), adaptación de la novela de Kathryn C. Hulme protagonizada por Audrey Hepburn.


title: Fred Zinnemann

text: En 1966, tuvo un resonante éxito con "A Man for All Seasons", película histórica escrita por Robert Bolt y protagonizada por Paul Scofield en el papel de Tomás Moro. La película consiguió alzarse con el Óscar a la mejor película del año y Zinnemann alcanzaría su segundo Óscar al mejor director.


title: Fred Zinnemann

text: En la década de 1960, se incorporó a la producción cinematográfica. Su primer largometraje como productor fue "Tres vidas errantes" un drama ambientado en Australia protagonizado por Deborah Kerr, Robert Mitchum y Peter Ustinov y, posteriormente,  "Y llegó el día de la venganza" (1964), con Gregory Peck y Anthony Quinn, donde se narra la vida de los maquis exiliados en Francia tras la guerra civil española.


title: Fred Zinnemann

text: En la década de 1970 estrenaría el thriller político "Chacal" (1973), basado en una novela de Frederick Forsyth y protagonizado por Edward Fox, que centraba su trama en un complot para acabar con la vida de Charles de Gaulle; y "Julia" (1977), en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, narraba las vivencias de la escritora Lillian Hellman con su amiga Julia, excelentemente interpretadas por Jane Fonda y Vanessa Redgrave, quien lograría el Óscar como mejor actriz secundaria, al igual que Jason Robards en la categoría masculina. El director austríaco sería nominado en la categoría de mejor director, aunque el galardón se lo llevaría Woody Allen por "Annie Hall".


title: Fred Zinnemann

text: El director se despediría del cine con "Cinco días un verano" (1982), una de sus películas menos destacadas, aposentada en un triángulo amoroso ambientado en los Alpes en la década de 1930. El filme estaba interpretado por Sean Connery, Betsy Brantley y Lambert Wilson. Alejado de la pantalla grande, fallecería a la edad de 89 años el 14 de marzo de 1997 de un ataque al corazón en Londres, Gran Bretaña.


title: Ignacio Zuloaga

text: Ignacio Zuloaga Zabaleta (Éibar, 26 de julio de 1870-Madrid, 31 de octubre de 1945) fue un pintor español, de los más destacados del . Obtuvo grandes premios y distinciones tanto a nivel nacional como internacional. La crítica de París lo denominó «el último gran maestro de la Escuela Española de pintura».


title: Ignacio Zuloaga

text: El tercero de cinco hermanos, fue el único que se dedicó a las artes, como su padre, Plácido Zuloaga, el gran damasquinador del , su abuelo, Eusebio Zuloaga, último arcabucero de la Casa Real de España, y sus tíos, entre los que destaca el ceramista Daniel.


title: Ignacio Zuloaga

text: Se formó en Kontadurekua, la casa torre y escuela-taller familiar, ubicada en la localidad guipuzcoana de Éibar. Ahí ejercitó el arte del dibujo, disciplina muy valorada y apreciada por su progenitor. Sin embargo, sus deseos por ser pintor no fueron aprobados por su progenitor, quien esperaba que estudiara arquitectura.


title: Ignacio Zuloaga

text: Su formación escolar fue primero en Vergara con los dominicos, y posteriormente en un internado parisino regentado por jesuitas.


title: Ignacio Zuloaga

text: Vivió a caballo entre España y Francia, teniendo taller activo en París, Segovia, Madrid y Zumaya.


title: Ignacio Zuloaga

text: Nació en Éibar en 1870, dentro del seno de una familia vinculada con el mundo del arte. Su abuelo, Eusebio Zuloaga González, fue el último arcabucero de Su Majestad y el primer armero español en lograr fama y prestigio internacional. De hecho, obtuvo un premio en la Primera Exposición Internacional, celebrada en Londres en 1851.


title: Ignacio Zuloaga

text: En 1887 visitó el Museo Nacional de Pintura y Escultura. Allí descubrió a los grandes maestros de la pintura española (el Greco, Velázquez, Ribera, Zurbarán y Goya), cuya obra le impactó de manera significativa. De hecho, fue el primero en la revalorización de la obra del artista cretense, y lo mismo hizo con el pintor de Fuendetodos.


title: Ignacio Zuloaga

text: Ese mismo año participó en la Exposición de Bellas Artes de Madrid, con el cuadro "Un sacerdote rezando en una habitación", lienzo que, sin embargo, pasó inadvertido.


title: Ignacio Zuloaga

text: En septiembre de 1888, envió tres obras al certamen convocado con motivo de las Fiestas Euskaras celebradas en Guernica. En esa ocasión, la crítica fue muy favorable y logró vender uno de ellos a un coleccionista británico.


title: Ignacio Zuloaga

text: En 1889, viajó a Roma, donde residió seis meses. Allí pudo admirar a los artistas del Renacimiento, y su vocación por ser pintor era ya un hecho. Durante esta estancia pintó "Forjador herido", que en 1890 presentaría en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid.


title: Ignacio Zuloaga

text: De Italia marchó a París, instalándose en el barrio de Montmartre. En la capital gala, asistió primero a la Academia Libre dirigida por Henri Gervex y posteriormente a la Academia La Palette, donde fue alumno de Eugène Carrière. A esta formación reglada se suman sus constantes visitas al Museo del Louvre para admirar y copiar la obra de los grandes maestros, entre los que se encontraba de nuevo el Greco.


title: Ignacio Zuloaga

text: Su círculo social parisino lo formaban Toulouse-Lautrec, Degas, Gauguin, Van Gogh, Blanche, Emile Bernard, Paul Maurice y Máxime Dethomas, con cuya hermana se casó. Así como artistas españoles: Santiago Rusiñol, Paco Durrio, Pablo Uranga y Ramón Casas.


title: Ignacio Zuloaga

text: El mismo año de 1890 presentó en el Salón de los Artistas Franceses su obra "La forja", cuya crítica fue muy favorable. En 1891, participó con dos cuadros en la exposición inaugural de la famosa y tan importante galería de arte parisina para artistas jóvenes, propiedad del marchante "", ubicada en la rue Le Peletier.


title: Ignacio Zuloaga

text: Hacia 1893 viajó a Bilbao para fundar junto a otros jóvenes representantes de la sociedad vasca la Sociedad Festiva "Kurding Club" o El Escritorio. Además, participó junto a Manuel Losada y Adolfo Guirard en la decoración de sus paredes, realizando el panel "Amanecer", hoy en la Sociedad Filarmónica de Bilbao.


title: Ignacio Zuloaga

text: De regreso a París, se instala con sus amigos artistas catalanes (Rusiñol, Jordá y Ramón Casas) en la Île Saint-Louis. La fortuna y su admiración por la obra del Greco le deparó hallar dos cuadros de dicho pintor en París. Al no poder adquirirlos, convenció a su gran amigo Rusiñol para que lo hiciera.


title: Ignacio Zuloaga

text: El año de 1892 es crucial en la vida y en la obra de Zuloaga. Su admiración por el pueblo gitano, sus costumbres, su lengua, su forma de vida..., lo llevan a visitar Andalucía.


title: Ignacio Zuloaga

text: Durante su primera estancia, se instala en la localidad de Alcalá de Guadaira. Posteriormente lo hará en la capital hispalense, donde alquiló una pequeña estancia en un corral de vecinos, situado en un popular barrio habitado principalmente por población calé. En esa atmósfera, Zuloaga fue feliz. Se empapó de todas sus tradiciones, aprendió caló y durante un periodo de tiempo intentó ser torero, asistiendo como alumno a una escuela de tauromaquia, años más tarde su nombre aparece en el cartel de una corrida en la plaza de toros de Manuel Carmona. Su obra, durante este tiempo, se centró en bailarinas, gitanos, toreros y todo tipo de escenas llena de vida y alegría.


title: Ignacio Zuloaga

text: Sin embargo, su pésima situación financiera hará que su padre lo recomiende a su principal mecenas, el magnate inglés Alfred Morrison. Así, Zuloaga se traslada a Londres y comienza a trabajar haciendo retratos de la sociedad británica. Allí, conoce la obra de James Whistler, cuyo estilo le influye. Todavía con cierta escasez económica, acompaña a su amigo Rusiñol en un viaje por varias ciudades italianas. Durante el mes que duró el periplo, sufragado por el catalán, Zuloaga realizó los dibujos que ilustraban los artículos que este escribía para el periódico "La Vanguardia".


title: Ignacio Zuloaga

text: A pesar de estas idas y venidas de residencia (Andalucía, Londres y París), Zuloaga no descuida su carrera como pintor y continúa presentando sus obras en los más importantes certámenes del momento: "Societé Nationale" des Beaux-Arts de París; Galería "Le Barc de Bouteville"; Bilbao; Exposición de Bellas Artes de Barcelona. En la celebrada en la ciudad condal, en 1896, obtuvo la 2ª medalla por "Las dos amigas"; y en misma, pero de 1898 logró la primera medalla con "Víspera de la corrida".


title: Ignacio Zuloaga

text: Si a comienzos de la década de 1890, Ignacio Zuloaga descubría Andalucía, a finales haría lo propio con Castilla, y en concreto con Segovia. En la ciudad castellana vivía su querido tío Daniel Zuloaga, reputado artista y propietario de un taller de cerámica.


title: Ignacio Zuloaga

text: Su llegada a Segovia coincide con un momento trágico para España: la derrota ante los Estados Unidos. Era 1898, y Zuloaga se instala en una tierra de historia, de tradición serena y arraigada, con paisajes fríos y llenos de nobleza. Alquila la conocida como Casa del Crimen, y ahí abre taller y realiza las obras que le abrirán las puertas de la fama internacional.


title: Ignacio Zuloaga

text: Brinton en su ensayo de 1909 describía de la siguiente manera el arte de Zuloaga:


title: Ignacio Zuloaga

text: En 1899, y en París, contrajo matrimonio con la francesa Valentine Dethomas, miembro de una distinguida familia burguesa parisina y hermana de su íntimo amigo Máxime, pintor como él. Testigos de la boda fueron el pintor Eugene Carrière, y los músicos Isaac Albéniz y William Chaumet. En 1902 nació su hija Lucía, y cuatro años más tarde su segundo hijo, Antonio.


title: Ignacio Zuloaga

text: A raíz de la muerte de su padre en 1910 y debido a un enfrentamiento con el Ayuntamiento de Éibar por una cuestión urbanística relacionada con Kontadurekua, los hermanos Zuloaga deciden vender la casa-torre. Comienza así a buscar unos terrenos donde poder edificar su nuevo hogar familiar, que constaría de vivienda, taller y museo. En octubre de 1910 adquiere la marisma entre el caserío de Santiago y el mar en Zumaya.


title: Ignacio Zuloaga

text: En septiembre de 1912 comienza la construcción de su casa, bajo la dirección del arquitecto bilbaíno Pedro Guimón. Se trata de una edificación de estilo neovasco, influido por los caseríos vasco-franceses. En su decoración incluye importantes obras cerámicas realizadas por su tío Daniel Zuloaga, así como rejas andaluzas y otras piezas de origen francés. Es una obra ecléctica. Se inauguró el 14 de julio de 1914.


title: Ignacio Zuloaga

text: La noche del 24 al 25 de diciembre de 1921 se inauguran el museo y la capilla, en lo que en su día fue el caserío de Santiago. La casa y el museo se convirtieron en lugar de peregrinaje de amigos y admiradores. Por ahí pasaron amigos de cualquier condición social, política o económica.


title: Ignacio Zuloaga

text: Su medalla de primer premio en la Exposición de Barcelona, en 1898, y ser nombrado miembro asociado del Salón de la Sociéte Nationale de París, insuflaron a Zuloaga las fuerzas suficientes para no desfallecer en su sueño de ser pintor. Retomó su actividad y comenzó a presentar obras, sin ningún temor, a las exposiciones públicas del momento, independientemente del país en el que se convocaran: Barcelona, París, Burdeos, Bruselas, Róterdam, Múnich, Dresde, Düsseldorf, Budapest, Praga, Berlín, Viena, Lieja, Amberes, Londres, México, Roma, Santiago de Chile, Buenos Aires…


title: Ignacio Zuloaga

text: En 1909 expuso por primera vez en Estados Unidos. Fue en la Hispanic Society de Nueva York, por invitación directa de su fundador y director Archer Hunttington, donde exhibió treinta y ocho lienzos. Entre 1916 y 1917 realizó un intenso tour de exposiciones por el país anglosajón, mostrando treinta y cuatro obras en Nueva York, Boston, Búfalo, Pittsburg, Cleveland, San Luis y Mineápolis.


title: Ignacio Zuloaga

text: Casi una década después, 1925, la prestigiosa Reinhardt Gallery de Nueva York organiza una muestra de cincuenta y dos lienzos, cosechando un éxito más en su carrera. Esto le incita a llevar su obra a Boston, Palm Beach y La Habana. En 1926 el Círculo de Bellas Artes de Madrid organiza una exposición monográfica suya (39 cuadros). Su éxito, una vez más, es abrumador, si bien los jóvenes artistas seguidores ya de las vanguardias europeas, no ven en él un maestro al que seguir. En 1931 es nombrado por el Gobierno de la República presidente del patronato del Museo de Arte Moderno, hoy Museo Centro de Arte Reina Sofía. Cargo del que dimite de manera inmediata, proponiendo a Miguel Utrillo.


title: Ignacio Zuloaga

text: Ignacio Zuloaga fue propietario de un automóvil, y con él recorrió España, siendo pionero en este tipo de viajes. De hecho, fue el primero en llegar en coche a Fuendetodos en 1903. Su llegada a la localidad aragonesa tenía como finalidad localizar la casa natal de su tal admirado Francisco de Goya. En 1915 la adquirió, para posteriormente restaurarla. Además, proyectó unas escuelas y un monumento. Este último fue inaugurado en 1920.


title: Ignacio Zuloaga

text: El aspecto más polémico de la trayectoria de Ignacio Zuloaga fue su actuación en favor del bando franquista en la Guerra Civil; asunto que recibió un importante impulso en el con la investigación de Javier Novo para el catálogo de la exposición «Zuloaga 1870-1945»".".


title: Ignacio Zuloaga

text: Ignacio Zuloaga se encontraba, junto a su familia, en París en el momento en que tiene lugar la sublevación, el 18 de julio de 1936. Con respecto a su posición ideológica y política, el embajador norteamericano Claude Bowers escribió: «Nunca se había interesado en política, aunque sus amigos íntimos en los círculos intelectuales y artísticos eran los republicanos académicos». Tras el robo de cuadros en su estudio en la plaza de las Vistillas en Madrid, y ante el riesgo de que ocurriese algo similar con el museo Zuloaga de Zumaya, el pintor consiguió que el ministro de Gobernación Augusto Barcia enviase a varios milicianos del Frente Popular a guardar el museo. Pero, ante el continuo avance de los sublevados hacia Guipúzcoa y las alarmantes noticias que llegaban, decidió viajar con su mujer e hijo a España. Tras recoger a su hija Lucía, su yerno y su nieto en San Sebastián, la familia Zuloaga permaneció en Zumaya, asegurando su museo. Sin embargo, el cuadro del Greco "San Francisco presentando los estigmas" le fue robado.


title: Ignacio Zuloaga

text: Cuando las tropas franquistas toman Zumaya, el 21 de septiembre, la familia Zuloaga no hizo ninguna clase de muestra de apoyo a los sublevados. Esta actitud provocó las iras del nuevo alcalde franquista de Zumaya, Cosme Iraundegui, que incluyó al pintor y a su yerno en la lista de rojos y separatistas a los que recomienda multar. En noviembre de 1936 el hijo de Ignacio Zuloaga, Antonio, es movilizado y enviado al frente de Madrid. Ese mismo mes el duque de Alba, amigo del pintor, le dice que el Palacio de Liria, donde estaban varias pinturas del eibarrés, había sido incendiado por los republicanos y se habían perdido sus obras.


title: Ignacio Zuloaga

text: Durante el invierno de 1937 Zuloaga conoció a la inglesa condesa Kinnoull, fotógrafa de guerra de los franquistas, que le narró devastaciones patrimoniales de los republicanos, como la quema de Irún, Éibar, Durango y Guernica.


title: Ignacio Zuloaga

text: El bombardeo de Éibar y el incendio de la casa-torre de la familia Zuloaga, que ya no les pertenecía, y que se atribuyó a los republicanos, causó gran impresión en el artista. El pintor acabó posicionándose completamente a favor de Franco. Bowers lo resumió: «Cuando me visitó la primera vez, era neutral, pero, muy pronto, viviendo en territorio fascista, y no tan sensible a los nazis alemanes como Unamuno, se había convertido en un decidido partidario de los fascistas».


title: Ignacio Zuloaga

text: A partir de 1938, Ignacio Zuloaga se sumó enteramente al esfuerzo de guerra franquista, participando en las exposiciones de Venecia y Londres a favor de los sublevados y pintando al general Franco y otros altos cargos, como Ramón Serrano Suñer y el general Millán-Astray, o el asedio del Alcázar de Toledo, al que dedicó en 1938 el lienzo "El Alcázar en llamas (paisaje heroico de Toledo)".


title: Ignacio Zuloaga

text: En una carta escrita en abril de 1939 a la coleccionista de sus pinturas, la señora Garret, Zuloaga declaró:


title: Ignacio Zuloaga

text: Pero, según Novo, Zuloaga mantuvo «[...] cierta distancia con la actividad orgánica del régimen (franquista)». Novo explica que, a pesar de las tremendas críticas que el nacionalismo español le hizo durante las primeras décadas del siglo, fue «[...] considerado como el mayor representante de lo español [...] y su figura fue rescatada para la causa y utilizada por el sistema franquista para fines publicitarios».


title: Ignacio Zuloaga

text: El amplio espectro político de las amistades que cultivó Zuloaga a lo largo de su vida, los paisanos del pueblo más llano mezclados con las damas de más alcurnia, parecen demostrar que a él le importaban más las personas que sus ideas. Si retrató a Franco como falangista o al rey Alfonso XIII de húsar es como si a un torero le pintaba de torero o a una gitana con mantilla: lo que veía en el personaje es lo que representaba, sin ánimo proselitista. En una carta dirigida a su tío Daniel Zuloaga fechada «antes del 26 de septiembre de 1906», dice textualmente:


title: Ignacio Zuloaga

text: La pintura de Zuloaga fue de las más discutidas por la crudeza de su dramatismo. La expresión de un realismo empecinado en presentar la crónica de la época, particularmente de una Castilla en cierto modo deformada por la literatura del 98, si bien influido por un amplio repertorio de maestros que podrían encabezar el Greco y Puvis de Chavannes.


title: Ignacio Zuloaga

text: Fue un gran aficionado a los toros, tema que representó en sus cuadros, llegando a salir al ruedo en alguna ocasión. Es de destacar el cuadro "Corrida de toros en Éibar" de 1899, obra adquirida por Carmen Thyssen-Bornemisza que ahora se expone en el el museo de su nombre en Málaga. En él se observan elementos que caracterizan la obra del autor: paisajes urbanos de los pueblos de España, los tipos populares, la forma realista de abordar las escenas o la influencia de Goya tanto en la temática taurina, la forma cruenta de representarla como en el uso de una paleta cromática oscura donde destaca la presencia del negro, que enlaza con las pinturas negras del artista zaragozano. Algunas de sus obras son:


title: Ignacio Zuloaga

text: Además de los citados, otros muchos grandes museos y galerías de todo el mundo conservan su obra. Por ejemplo:


title: Ignacio Zuloaga

text: Las ciudades de Éibar, Bilbao y San Sebastián también erigieron monumentos en su memoria. Le han dedicado su nombre tres museos y existen en distintos puntos de España numerosas vías públicas, centros de enseñanza y otras instituciones que llevan su nombre.


title: Hermann von Helmholtz

text: Hermann Ludwig Ferdinand von Helmholtz (31 de agosto de 1821 - 8 de septiembre de 1894) fue un médico y físico alemán, que realizó contribuciones significativas en numerosas áreas de la ciencia moderna. En fisiología y psicología, es conocido por sus trabajos sobre el funcionamiento y los procesos de percepción del ojo y del oído humanos. En física, es conocido por sus teorías sobre la conservación de la energía, sus trabajos sobre electrodinámica, termodinámica química, y por la fundamentación mecánica de la termodinámica. Como filósofo, es conocido por su filosofía de la ciencia, ideas sobre la relación entre las leyes de la percepción y las leyes de la naturaleza, así como por sus ideas acerca de la ciencia de la estética y sobre el poder civilizador de la ciencia.


title: Hermann von Helmholtz

text: Fue cofundador en 1887 del Physikalisch-Technische Reichsanstalt, más tarde el actual Physikalisch-Technische Bundesanstalt, junto con Karl-Heinrich Schellbach y Werner von Siemens en Charlottenburg.


title: Hermann von Helmholtz

text: Helmholtz nació en Potsdam, primogénito de Ferdinand Helmholtz, director de instituto que había estudiado filología y filosofía clásica, y que era amigo cercano de Fichte. Este hecho explica la posterior influencia sobre Helmholtz de las ideas de Fichte y de Kant, cuyas teorías trató de trasladar a actividades empíricas como la psicología.


title: Hermann von Helmholtz

text: En su juventud se trasladó a Berlín para estudiar medicina en el Instituto Federico Guillermo Médico-Quirúrgico —llamada la Pépinière de Berlín—, escuela que formaba a médicos militares. Eligió estudiar allí porque no había que pagar matrícula, cosa importante debido a que su familia no era demasiado acaudalada. Sin embargo, a cambio se comprometía a servir ocho años en el ejército.


title: Hermann von Helmholtz

text: Cuatro años más tarde Helmholtz abandonó la Pépinière como doctor en anatomía para realizar prácticas en el hospital de la Charité. En 1841 empezó una tesis doctoral bajo la dirección de Müller. Estudiaría la estructura del sistema nervioso en los invertebrados. Así descubrió que las fibras nerviosas surgen de unas células, anteriormente identificadas por Christian Gottfried Ehrenberg.


title: Hermann von Helmholtz

text: En 1843 fue destinado al hospital de Potsdam, donde trabajó durante cinco años. Pudo compatibilizar su trabajo con las investigaciones, ya que tenía bastante tiempo libre. Habilitó un barracón para transformarlo en laboratorio. Allí realizó investigaciones sobre la producción de calor durante la contracción muscular. Demostró que el calor no era transportado por la sangre o por los nervios, sino que era producido en los propios músculos. Dedujo un equivalente mecánico del calor, incorporado en su disertación de 1847, "Über die Erhaltung der Kraft" (Sobre la conservación de la energía). Esto significaba que no existían "fuerzas vitales" para mover un músculo. Helmholtz rechazó la tradición especulativa de la filosofía natural, paradigma dominante entonces en la fisiología alemana.


title: Hermann von Helmholtz

text: Tras esto, pudo abandonar el ejército y empezar a enseñar anatomía en la Academia de las Artes de Prusia gracias a la ayuda que le proporcionó Alexander von Humboldt.


title: Hermann von Helmholtz

text: Su primer logro científico importante, un Tratado de 1847 sobre la conservación de la energía, fue escrito en el contexto de sus estudios de medicina y con un trasfondo filosófico. Descubrió el principio de conservación de la energía mientras estudiaba el metabolismo de los músculos. Intentó demostrar que el movimiento muscular supone un intercambio mecánico de energía, y que por lo tanto no era necesaria ninguna "fuerza vital" para explicarlo. Este descubrimiento supuso el rechazo del paradigma filosófico dominante hasta entonces en la fisiología alemana, fruto de una larga tradición especulativa.


title: Hermann von Helmholtz

text: Basándose en los trabajos anteriores de Sadi Carnot, Émile Clapeyron y James Prescott Joule, postuló una relación entre la mecánica, el calor, la luz, la electricidad y el magnetismo, tratándolos como distintas manifestaciones de una sola "fuerza" (energía de acuerdo con la nomenclatura moderna). Publicó sus teorías en el libro titulado ""Über die Erhaltung der Kraft"" "(Sobre la conservación de la fuerza") 1847.


title: Hermann von Helmholtz

text: En las décadas de 1850 y 1860, las publicaciones de William Thomson, Helmholtz y William Rankine popularizaron la idea de la muerte térmica del universo.


title: Hermann von Helmholtz

text: En dinámica de fluidos, Helmholtz hizo varias contribuciones, incluyendo los Teoremas de Helmholtz sobre la dinámica de vórtices en líquidos no viscosos.